Художник креативный: 16 креативных художников
16 креативных художников
В области дизайна, вдохновение чрезвычайно важный элемент состояния. Поэтому так часто мы ищем его в хороших, на наш взгляд, и не очень хороших работах других дизайнеров или художников, для того чтобы получить хоть искру новой идеи. Работы цифровых художников, особенно если они несут в себе некую неповторимость и узнаваемость, могут стать отличным выходом из этого положения.
В подборке вы увидите по несколько работ 16 художников, создающих свои работы с нестандартным подходом. Их работы явно можно отличить от массы других. Тут есть и мистика, и сюрреализм, и ретро, яркие сочные краски и необычные герои. В общем все, что может вдохновить на создание чего-то творческого и креативного. Переходите в портфолио художников по ссылке с их именами (никнеймами) и …
Анна Анджос
Портфолио Анны до краев наполнено уникальными и игривыми героями, которые пестрят яркими красками и образами, без сомнения способными пробудить любое вдохновение.
Дэйв Аллсоп
Галерея Дэйва способна окунуть нас в темную бездну фантастического искусства. Его работы можно отнести к жанру фэнтези игр, с множество монстров, воинов и других сущностей. Работы в таком жанре – призвание Дэйва.
Пэт Перри
Эта галерея является самой поразительной в этой подборке. Детализация работ Пэта, граничащая между сюрреализмом и абстракцией, поражает воображением и неординарностью художника.
Энтони Жоффруа
Давайте обратим внимание на портфолио Энтони Жоффруа, наполненное работами с причудливыми образами. Карикатуры созданные Энтони являются одними из самых потрясающих примеров художественных форм, которые только приходилось видеть за последнее время.
Михал Дзикан
В работах Михала преобладают образы соединяющие в себе как более милые формы, так и жуткие художественные герои с яркими выраженными образами.
Работы Скотта воплощают в себе темные и слегка сюрреалистичные образы. Эти картины имеют очень интересный и необычный спектр.
Томас Эхретсманн
Галерею Томаса наполняют фантастические акриловые работы. Сочетая в себе эффект старинной бумаги с богатыми акриловыми красками, картины Томаса создают ощущение вырванных страниц из старых детективных романов.
Ян МакАртур
Ян создает чрезвычайно сложные иллюстрации, используя массу геометрических фигур. Таким образом он придает форму своим работам.
NIARK1
Не менее оригинальный художник из Франции. NIARK1 в своих работах использует сочетание акрила, ручки, аэрозольных баллончиков и сплетение изображений, размещая все это на деревянных панелях.
Джонатан Бартлетт
Портфолио Джонатана сочетает в себе легкий сюрреализм с тонким и мягким стилем, чем-то напоминающем работы Нормана Роквелла.
Ощущение американизации в искусстве этого художника, несомненно может вернуть нас в прошлое.
Матис Рековски
В портфолио этого художника, можно увидеть массу потрясающих хаотичных и несомненно вдохновляющих работ. Темные тона, но в тоже время красочные и игривые работы, созданы с таким творческим подходом, что не смогут оставить ни одного дизайнера безразличным.
Майк Фридрих
В портфолио Майка вы сможете увидеть массу работ варьирующихся от игривых образов и природных персонажей до более абстрактных форм. Этот интересный и необычный диапазон несомненно вдохновляет.
ФЕНИКС ГРАФИКС ака ИКС (FENIKS GRAFIX aka IKS)
Причудливые, но в тоже время несколько строгие и угловатые работы. В них мы можем видеть, как умело можно создавать иллюстрации в таком стиле.
Антон Семенов
В галереи Антона, мы можем видеть работы с темным уникальным стилем, созданных в форме фотоманипуляции и других цифровых произведений, способных пугать и преследовать воображение.
Погружаясь в его работы, мы словно проникаем в мир кошмаров и террора, что не может оставить безразличным ни одного из зрителей его портфолио.
Аттила Брашвокс
В этом портфолио вы увидите довольно яркие и красочные абстрактные работы. В работах Аттила прослеживается довольно глубокий концепт, даже если изображение выглядит игривым. Обычно его работы более связанны с природой.
Автор – noupe
Перевод — Дежурка
Комментарии
Оставить ответ
Похожие статьи
Случайные статьи
Более 20 художников приняли участие в арт-проекте российского девелопера
Компания «Брусника» запустила совместный проект с молодыми художниками.
Для участия в проекте выбраны как совсем молодые художники, так и уже успевшие заработать себе имя мастера креативных индустрий. Многие из них в своих работах сочетают разные форматы и стили. Среди художников:
- команда SPEKTR, ставшие авторами 3D-граффити в Грозном;
- художники-каллиграфы Кирилл Плотников и Василий Матафонов;
- воспевающий эстетику промышленных зон дуэт ZTWINS;
- участница Уральской индустриальной биеннале современного искусства Катя Поединщикова;
- Ваня Татаринов, который в свои 20 с небольшим лет набрал популярность в интернете и создал обложку для Ивана Дорна;
- Иван Усольцев оформляет интерьеры и разрисовывает здания котами;
- Kuksh реализует себя в промышленном дизайне.
и другие.
«Я стараюсь работать в одной концепции и одном высказывании, но бывают события, ситуации или впечатления, которые я не могу оставить в стороне…», — говорит про себя Кирилл Бородин, художник и участник нового проекта «Брусники».
Работы Кирилла и ещё 9 художников можно увидеть на улицах Екатеринбурга. Например, на медиафасаде Ельцин Центра и на 56 уличных афишах в разных районах города (улицы Малышева, 8 марта, Ленина, Куйбышева, Белинского и других).
«Я пытаюсь заставить фантазию зрителя играть, бурлить и окунаться в фантастический вымышленный мир», —
«Я за то, чтобы продвигать арт в массы», — говорит Иван Fansta, ещё один участник проекта.
Картины Вячеслава, Ивана и других 5 художников украсили город Новосибирск. Работы можно увидеть на 58 сити-афишах на улицах: Кирова, Челюскинцев, Красный проспект, Вокзальная магистраль и других.
«Меня вдохновляет наш мир», — говорит Влад Тахтау.
Но не только словами художник высказывает своё отношение к окружающей повседневности: его мысли нашли отражение в иллюстрациях, которые появились на улицах Тюмени. Картины Влада и ещё 5 художников можно найти на улицах: 50 лет Октября, Республики, Ленина, Профсоюзная, Холодильная и других.
«Брусника» вместе с художниками отказывается видеть город серым и скучным. Поэтому иллюстраторы раскрасили урбанистические пространства, сделав шаг в сторону яркости, открытости и диалога с жителями.
Сотрудничество с художниками — часть имиджевой мультиканальной кампании «Потому что Брусника», стартовавшей в октябре.
«Брусника» — российская девелоперская компания. Специализируется на строительстве жилых многоэтажных домов. Основана в 2004 году. Штаб-квартира находится в Екатеринбурге. Сегодня «Брусника» строит современное демократичное жильё в крупных городах Урала и Сибири, в Москве и Московской области.
Партнёрская публикация
Поделиться
Поделиться
что ждет художников, музеи и фонды?
Антон Белов, директор музея «Гараж»:
Все мы прекрасно понимаем, что креативная индустрия расцветает там, где есть свобода.
И эта свобода дарует людям возможность не скрывать свои таланты, свои «я». Как обеспечить это ощущение свободы людям, когда у всех есть страх? Если вам нужно спросить дорогу у полицейского, подойдете ли вы к нему с вопросом, как пройти туда-то? Я никогда в жизни не подойду. Даже когда дэпээсник меня останавливает, мне страшно. Притом что я не пью, у меня все документы в порядке, этот страх у меня есть. Невозможно развиваться, когда нет свободы. Это принципиальный момент. Почему важно, чтобы Cosmoscow, blazart и Garage, например, работали вместе? Потому что, когда мы объединяемся для фестиваля, сразу появляется дух свободы. И, мне кажется, если его сделать постоянным в течение года, поменять параметры свободы, креативной экономике ничего не надо будет — она сама зацветет. Второй параметр, который я уже упоминал, что нужно инвестировать в самый низ: в художников, креаторов, ремесленников.
Николай Палажченко, арт-менеджер и куратор:
На пленарном заседании губернатор Нижегородской области вспоминал атомный проект — когда физики-ядерщики придумывали атомную и водородную бомбы, а все это курировал Берия.
Половина ученых сидела в шарашках, но это не отменяло духа свободы. Это, наверное, один из самых ярких опытов создания креативной среды и накачивания ее ресурсами — в данном случае науки — если приводить самые жуткие примеры.
Сейчас время более либеральное, страна очень меняется. Те, кому до 30, — у них вообще другое ощущение той среды, где они живут. Они живут не только и не столько в мире, где есть гаишники, росгвардейцы и какие-то наследники НКВД, а они живут в мире очень открытом и видят людей по всему миру, которые слушают ту же музыку, играют в те же компьютерные игры. Эти люди сформировались при Путине, который правит в стране 20 лет, и при этом, как ни странно, путинская эпоха — зона существования очень свободных внутренне людей. Поэтому я не стал бы драматизировать. Мне кажется, мы живем в очень интересное время с очень высоким уровнем внутренней свободы, которая как бы никем не дана сверху, она просто есть.
Катрин Борисов, арт-директор галереи RuArts:
В Московском музее современного искусства недавно была выставка Евгении Васильевой.
Думаю, мы все понимаем, почему эта выставка там случилась. Люди, которые принимали решение о том, быть ей там или не быть, были поставлены в такие условия, когда не быть этой выставки там не могло. И флигель на Гоголевском был отдан «художнице» Евгении Васильевой.
Частная институция могла бы отказаться от этой выставки, а государственная не смогла. И очень жаль. Я испытала чудовищное разочарование, что мои коллеги, видимо, не имели возможности сказать нет, — потому что я не верю в то, что они сделали это осознанно. Просто не имели возможности отказать кому-то в выставке в Московском музее современного искусства. Что нужно сделать государству — так это прийти в себя и понять, что художник — это просто самый первый человек, как сказал Антон, на которого мы должны ориентироваться. Но, к сожалению, мы их не слышим и не видим. И просто, по-честному, игнорируем.
Невозможное возможно или Как монетизировать свою креативность
Голодный художник – миф?
Хороший художник – голодный художник.
Актуальность этой «мудрости» уже давным давно потерялась в прошлом, как и ее корни, поскольку креативность сейчас очень ценится в современном мире и есть залогом экономического успеха стран. Но касается ли это отдельного человека? Может быть, эта фраза все еще не потеряла свой смысл?
Феномен голодного художника частично можно связать с концепцией «Искусство ради искусства». Впервые эта фраза прозвучала еще в 1833 году во Франции. Она обозначает автономность творчества и независимость искусства от общественной жизни. Если интерпретировать ее в контексте монетизации, то получается, что о целенаправленном зарабатывании денег здесь не может идти речь, потому что в этой концепции искусство находится вне бизнес-дискурса.
Но эта концепция в основном осталась в прошлом, и утверждение о хорошем голодным художнике сейчас считают стереотипом, так как только ленивый в XXI веке не умеет зарабатывать на своем творчестве. Но исследование нашего мозга говорит о другом. Существует вероятность того, что креативные люди не зарабатывают много, потому что так заложено природой.
Исследователи из Геттингенского медицинского центра обнаружили, что системы вознаграждения в мозге креативных людей мало реагируют на деньги, сообщает издание ArtNet.
Ученые провели эксперимент, в котором принимали участие представители креативных и некреативных профессий. Каждому добровольцу показывали квадраты различных цветов. Когда появлялся зеленый, участники могли нажать на кнопку и получить 30 евро. Они также могли выбирать другие цвета, однако денег за это им не давали. В процессе эксперимента мозг участников сканировали с помощью аппарата МРТ.
Когда творческим людям показывали зеленый цвет, их участок мозга, который отвечает за реакцию на вознаграждение, проявлял низкую активность. Однако, когда они выбирали цвет, после которого не получали деньги, активизировалась та часть, которая влияет на чувство удовлетворения.
Так что же делать?
Сейчас в интернете можно найти множество лайфхаков, где креативным людям, чтобы начать зарабатывать, предлагают завести онлайн-бизнес, написать книгу, создать онлайн-курс и многое другое.
Не спорно, это действительно приносит деньги. Но только если понимать, как все это работает.
Если наш уровень обеспечения так сильно зависит от нашего мозга, тогда просто написать книгу или попытаться продать свой продукт и сразу разбогатеть не получится. Поэтому, сначала надо покопаться в себе.
Алекс Мазер советует сперва понять, что успех обеспечит ваше мышление, а не талант.
Маркетинг – это не плохо
Есть мнение, что погоня за деньгами может повлиять на качество вашей творческой работы, что вы превратитесь в производственный станок, но ни как в творческого гения. Это может случиться. Но если у вас не будет денег, вы не сможете заниматься любимым делом.
Думать о том, как будет распространяться ваша работа – часть вашего творчества.
«Вы должны действительно понимать ценность, которую вы предлагаете миру, и неуклонно добиваться того, чтобы ваша работа попала в руки людей, которые в ней нуждаются, не останавливаясь на достигнутом», — говорит Алекс Мазер.
Деньги – не цель
Думая об монетизации творчества, мы можем невольно цель творчества заменить на деньги. Но для того, чтобы зарабатывать, вам не обязательно получать удовольствие от денег. Если вы хотите оставаться в креативной сфере, этого делать не стоит. Деньги нужно сделать своим инструментом. Они смогут оживить ваше ремесло, сделав его жизнеспособным. Безусловно, существует угроза превратить творчество исключительно в бизнес. Для того, чтобы этого не случилось, надо балансировать. Универсальных способов найти золотую середину нет, но есть индикатор, который обозначит тревожный звонок. Вы всегда должны задавать себе один и тот же вопрос: «Ради чего я это делаю?». Если вы заприметите, что большинство мыслей о деньгах, стоит задуматься.
Каким может быть бизнес в креативных индустриях?
1. Культурное или креативное предпринимательство. Основной целью этой работы является производство или воспроизведение, продвижение, распространение и / или коммерциализация товаров, услуг и культурной деятельности.
Например, Культурный проект — организация, которая занимается альтернативным образованием и предлагает большое количество онлайн- и офлайн-форматов — лекции, академические и практические курсы, учебные путешествия.
2. Социальное предпринимательство, ориентированное на положительные изменения в обществе. Предприниматели основывают различные стартапы, чтобы решить экологические, социальные и культурные проблемы. Такая направленность их бизнеса демонстрирует уровень осознанности и ответственности перед обществом.
Например, Urban Space — общественный ресторан, полученные средства от деятельности которого идут на социальные проекты города.
3. Арт-предпринимательство очень тесно связано с двумя сферами:
Кураторством, что является нематериальным видом культурного производства, практикой, которую можно определить как художественную. Все, что связано с созданием образа выставки, ее ценностями для зрителя, является задачей куратора.
Арт-менеджментом — деятельностью, которая позволяет реализовать задуманное куратором или художником и контролировать процессы, которые должны быть успешно завершены в установленное время.
Одним из видов арт-предпринимательства является галерея.
4. Культурный активизм — одна из форм общественной активности. С помощью творческих практик (театр, музыка, выставки, литературные вечера и т.д.) активисты представляют альтернативные социально-политические представления о мире. Они решают общественные проблемы, приводят к социальным изменениям и повышают уровень и осведомленности.
Например, Конгресс активистов культуры — создают и поддерживают проекты, способствующие изменениям в стране и мире. В частности, организуют разнообразные образовательные события в сфере культуры и искусства, являются партнерами многих организаций в локальных проектах, занимаются культурной политикой.
Если вы хотите создать свой проект, вам сперва надо понять разницу между процессом и проектом.
Процесс — это повторяющееся задание или операции, Которые дают ожидаемый результат. Примером процесса может быть: продажа билетов, управление командой, печать баннеров, утренние пробежки.
Главный признак процесса — повторяемость.
В свою очередь проект — это совокупность действий, ограниченных во времени и направленных на решение проблемы или достижения конкретной цели.
Как оценить идею проекта? Вам помогут 5 вопросов, на которые следует ответить:
- Кто ваши конкуренты?
- Актуален ли ваш проект?
- Правильный время вы выбрали для проекта?
- Для кого вы делаете проект? Кто его целевая аудитория?
- Чем ваш проект будет отличаться от конкурентов?
Скорее всего, вы не сможете в одиночку организовывать проект. Поэтому, формируя команду, стоит обращать внимание не только на компетенцию человека, его профессиональный опыт и навыки, но и на характер, ценности и стремления. Чтобы команда сработалась и была максимально эффективной, она должна состоять из людей, которые имеют схожие принципы и разделяют одинаковую корпоративную культуру.
Если вы хотите подробнее узнать, как запустить свой проект, тогда онлайн-курс «Проектный менеджмент в культуре» для вас.
Арт макияж или креативный макияж
Многие визажисты сейчас задаются вопросом, что такое арт макияж. Оказывается, все довольно просто, — это представление макияжа как искусства, где холстом выступает тело и лицо модели. Возможно, на словах это звучит просто, но на деле владеют этим мастерством лишь единицы. Мало того, что нужно обладать обширной базой теоретических знаний, важно еще не бояться экспериментов, уметь применять разные текстуры и атрибуты и, конечно, иметь достаточный опыт работы визажистом, знать разные техники макияжа, правильно применять их на практике. Как правило, арт макияжем начинают заниматься получив достаточный опыт и «набив руку» в работе с клиентами на классических мэйках. Ведь если вы не можете сделать аккуратную растушевку или ровно накрасить губы, то в таком нестандартном макияже все эти «косяки» вылезут наружу, увеличившись во много раз.
Но уж если вы уже имеете хороший опыт с коммерческими работами, и вы устали от однообразия цветов и техник клиентских мэйков, то самое время пробовать себя в роли креативщика, и создать свой шедевр в мире визажа.
Именно в таких работах визажист может почувствовать себя художником, выразить свое мнение и показать свое видение мира. Делая макияж в стиле арт вы можете применить нестандартные приемы, невостребованные в коммерческих мэйках, попробовать использование привычных средств в новом варианте или познакомиться с новыми продуктами для создания своей работы.
Что чаще всего используют в таких макияжах? Во-первых, цвет. Нестандартные сочетания, яркие оттенки, мерцание. Все, на что клиенты обычно говорят строгое «НЕТ». Здесь вы можете эксперементировать с текстурами, пробовать новые продукты для создания интересных эффектов, устроить феерию цвета из пигментов и теней. Во-вторых, блеск. Сейчас очень популярны глиттеры для создания арт макияжа. Это один из самых простых и доступных продуктов, который резко преображает любую работу. Сочетание цветов и форм в глиттерах самое разнообразное, что дает возможность творить настоящую сказку на теле человека. Например, коллекция MakeupLand by Alena Serbina — настоящий феерверк красок и необычных сочетаний фактур.
В-третьих, атрибуты и аксессуары. Практически ни одна арт работа не обходится без них, с ними образ выглядит законченным и полным. Причем это могут быть совершенно разные и неожиданные вещи, совсем не имеющие отношение к миру макияжа. Главное, чтобы вы видели целостную картину у себя в голове и все элементы этой картины были на своем месте. Тогда воплотить задумку в жизнь будет совсем несложно. И ведь креативные работы могут быть не только голым творчеством для визажиста, вы можете делать макияж коммерческим артом. Сейчас очень востребованы такие работы. Главное соблюдать баланс во всем и делать образ гармоничным и не перегруженным. Любой визажист — это художник, а через создание креативных арт работы вы заставляете окружающих посмотреть на себя и свое творчество с другой стороны, увидеть ваш внутренний мир, раскрыться так, как хотите вы. Именно вы создаете этот волшебный мир не на холсте, а на теле человека.
«Уорхол стал бы креативным директором «Никс», если бы жил сегодня».
«Кливленд» нанял топового художника, чтобы развивать бренд — Сиеста — БлогиБудет отвечать за визуал.
Пока все обсуждали драфт НБА, «Кливленд» провернул мощнейшую сделку, наняв креативного директора.
Должность занял известный американский художник и скульптор Дэниел Аршам. «Кливленд» позиционирует это партнерство как первое в профессиональном спорте.
Вообще да, креативный директор – нетипичная должность для спорта и чаще встречается в дизайне, рекламе и моде. Но теперь, кажется, рамки между спортом и искусством размываются окончательно.
Все, что нужно знать о художнике. В его творчестве есть баскетбол
Аршам – суперзвезда мирового искусства. У него очень много амплуа: художник, скульптор, мастер перфоманса, сооснователь архитектурной студии Snarkitecture, дизайнер.
Он делал декорации для пьесы легендарного хореографа Мерса Каннингема, сотрудничал с лучшими домами моды (Louis Vuitton, Dior) и работал со звездами, включая Фаррелла Уильямса.
Его персональные выставки были в музеях, галереях и арт-пространствах США, Великобритании, Франции, Австралии и даже России.
Работы Дэниела часто наводят на мысль о том, что арт-объект как бы обнаружен в ходе археологических раскопок. Он называет это археологией будущего.
На творчество Аршама повлияли два важных момента. В 12 лет он пережил ураган, разрушивший его дом. Стихия навела мальчика на мысль о том, что жизнь непостоянна. Вещи, продукты или организмы со временем достигают срока годности, разрушаются или разлагаются.
У Дэниела дальтонизм, а точнее дейтеранопия – форма частичной цветовой слепоты, которая характеризуется пониженной чувствительностью к некоторым цветам, в основном к зеленому. По этой причине в искусстве Аршама преобладают белые и серые цвета, монохромная палитра и пастельная гамма.
Аршам подчеркивает, что у его работ часто нет конкретного смысла, но есть несколько потенциальных.
Баскетбол часто встречается в его творчестве.
Баскетбольный мяч из бронзы, вдохновленный масштабами игры.
Выпущен ограниченным тиражом в 99 экземпляров.
Год назад состоялась выставка Аршама «Застывшие мифы», где были культовые объекты нашего времени, превращенные в реликвии, в виде скульптур из вулканического пепла, розового кварца, обсидиана и ледниковых пород. Была и стойка с баскетбольными мячами.
Вариации баскетбольной тележки есть в разных цветах.
Чем Аршам будет заниматься в «Кливленде»?
Дэниел будет продвигать бренд «Кэвс» и отвечать за визуальную идентичность всей франшизы, включая фарм-клуб «Кантон Чардж» из Джи-лиги НБА и киберспортивную команду, а также принадлежащие владельцу Дэну Гилберту хоккейные «Кливленд Монстерз» из АХЛ.
Клуб обещал подробнее рассказать о проектах в ближайшие недели, но в интервью Artnet News художник сам все объяснил. В его обязанности будет входить все, что касается визуала – от изображений на футболках и стенах домашней арены до соцсетей и совместных инициатив с местными художниками.
Процесс будет развиваться поэтапно. Все, что касается лого и дизайна маек, надо согласовывать задолго до выпуска, поэтому первые шаги Аршама будут в областях, где у «Кливленда» большая автономия.
В планах – сделать капитальный ремонт тоннеля на домашней арене. В перспективе будут капсульные коллекции и новые товары для клубного магазина. Дэниел говорит, что глобальная задача – сделать бренд «Кливленда» таким же международным, как «Янкис».
«Кливленд» сделал революционный шаг, такого в спорте еще не было, но не факт, что все закончится хорошо. Возможно, они опоздали и стоило, как «Чикаго» с Джорданом, выходить за рамки спорта и США, пока был Леброн.
«Будучи художником и давним болельщиком «Кэвс», я постоянно использовал баскетбол в качестве повторяющейся темы творчества. Я показывал свои работы от Парижа до Токио, от Рио до Шанхая – и теперь горжусь тем, что привез их домой», – делится эмоциями Аршам.
Сам он родом из Кливленда, его дед приехал в город ни с чем, со временем обосновался и открыл свое дело – предприятие по переработке тканей Arsham Brothers.
Дэниел вырос в Майами, а образование получил в архитектурной школе Купер Юнион в Нью-Йорке.
Дэниел уже сотрудничал с «Кливлендом». В прошлом сезоне он создал инсталляцию «Движущийся баскетбол» для отремонтированной арены в рамках масштабного художественного проекта.
Что еще интересного сделал Аршам?
Дэниел дружит дизайнером и музыкантом Фарреллом Уильямсом, вместе у них есть пара эффектных проектов. В 2013 году художник создал арт-инсталляцию из вулканического пепла, хрусталя и стали, копию синтезатора Casio MT-500, первого музыкального инструмента Фаррелла
Спустя год Аршам представил скульптуру Фаррела в полный рост из битого стекла. Чтобы сделать слепок, художник заковал друга в гипс. Дэвид также занимался сценографией его шоу и дизайном альбомов.
Дэниел оформлял показ Dior и даже сделал кое-какие вещи из коллекции.
Разрабатывал кроссовки вместе с adidas.
И даже делал реплику Ferrari.
***
Аршам надеется, что его партнерство с «Кливлендом» станет примером для других художников, и немного философствует: «Если бы Уорхол был с нами сегодня, он стал бы креативным директором «Никс». Он бы знал, что надо делать».
Фото: danielarsham.com; news.artnet.com ; artsy.net ; ronmandos.nl ; danielarsham.com ; wsj.com ; freshnessmag.com ; icon.ink
Спортивная одежда и обувь на странице Nike промокод.
как плагиат и креативный абьюз влияют на гейм-индустрию
Бесплатный сыр не только в мышеловкеПожалуй, важно сразу определиться: компьютерная или консольная игра — не просто технический продукт. Над «атмосферностью» — уникальным чувством игрового мира — часто работают сотни людей: гейм-дизайнеров, сценаристов, моделеров, копирайтеров и так далее. Тем обиднее, когда, по распространенному в индустрии сценарию, эта атмосфера и дизайн игры копирует другая компания, чтобы быстро заработать.
Хрестоматийный пример — мобильная игра Threes. Про нее вы могли и не слышать, зато точно знаете популярную браузерную игру 2048. Sirvo, инди-разработчик Threes, отшлифовывала механику перемещения плиток с цифрами больше года. После первого релиза Threes начали появляться по 15 клонов игры в день, в том числе и 2048.
Игру меньше чем за два дня написал разработчик Габриэле Чирулли — он выпустил приложение с похожей механикой, упрощенной до базовых принципов. Самое важное — Threes стоила $1,99, а 2048 изначально была бесплатной. В итоге примитивная механика 2048 попала в топ. Разработчики пытались удалить клоны из маркетплейсов, писали публичные гневные письма, но в конце концов смирились с поражением.
Война с мельницамиНакал страстей между 2048 и Threes — не самый кровавый пример «войны» за интеллектуальную собственность в игровой индустрии.
Она становится похожей на средневековые баталии, когда в дело вступают корпорации. Гейм-дизайнер Бен Эспосито пять лет трудился над разработкой Donut County — инди-игры, в которой пользователь управляет лункой, поглощающей предметы и при этом растущей. Чем больше предметов падает, тем больше становится лунка. Механика простая, но затягивающая: в 2018 году Donut County стала игрой года для iPhone. Как и в случае с Threes, Бен пытался монетизировать свой пятилетний труд продажей игры — на Mac она стоит $12,99. Примерно через год после анонса компания Voodoo, которая разрабатывает гиперказуальные игры, выпустила hole.io. Онлайн-игра целиком построена на механике Бена, но упрощает ее — здесь нет ни сюжета, ни продуманных персонажей. Только лунка, поглощающая предметы.
Еще одно отличие: hole.
io привлекла $200 млн инвестиций от Goldman Sachs за «интересное видение, вариативность игры и инновационность». Согласно Voodoo, под видением инвесторы подразумевали агрессивную покупку масштабных рекламных закупок. С правовой точки зрения Voodoo невиновны — они «плясали» вокруг идеи и механики Бена, которые не являются его полноценной интеллектуальной собственностью. В суд можно было бы подавать, если бы в hole.io появились звуки, картинки, диалоги или названия из Donut County.
Компания Voodoo профессионально использует эту лазейку и «подрезает» чужие механики. Среди других игр, выпущенных Voodoo, можно найти Flappy Dunk!, Rolly Vortex или The Fish Master. Это клоны Flappy Bird, Rolling Sky, Ridiculous Fishing. Налаженная сеть дистрибуции и отработанные способы удержания внимания делают их в глазах игрового сообщества «Робинами Гудами», которые просто публикуют хорошие игры бесплатно. Чтобы поиграть, всего-то нужно посмотреть несколько рекламных роликов. Если выводить это в творческую плоскость, то Voodoo безнаказанно занимается креативным абьюзом.
Протоптанная дорожка маленьких студий, по которой шли разработчики и Threes, и Donut County — участие в фестивалях и PR-работа. Чтобы привлечь аудиторию и окупиться, они анонсируют игровые механики в трейлерах еще до получения патента. Здесь и приходят акулы индустрии в виде больших компаний. Они крадут продукт на уровне ПО: за счет того, что бюджеты и команды у них больше, готовый результат можно получить гораздо быстрее.
Часто в этом суть гиперказуальных игр — превратить чужую интересную механику в способ привлечения пользователей для просмотра рекламы. Такие игры считаются успешными, если игрок посмотрит несколько коротких рекламных роликов: дальше его удерживать уже и не нужно.
В отличие от других креативных индустрий, игры — сегмент довольно молодой. Юристы делают вид, что конечный продукт — как раз ПО, а не идеи вроде продуманного сюжета или игровой вселенной: они как раз ничего не стоят. Даже если инди-разработчики пробуют судиться, весь процесс идет по правилам ИТ-рынка.
Кроме того, большие игроки содержат целый штат юристов и в итоге побеждают. Небольшим студиям остается или переходить в крупные корпорации, или смириться с риском потери творческого продукта.
Другой сторона монеты — серийное воспроизводство высокобюджетных проектов с наработанной аудиторией, таких как Last of Us или GTA. Эти проекты, напротив, очень осторожно относятся к новым механикам и идеям — они не изобретают оригинальный геймплей. Их основной массе игроков не нужно нового — они не хотят разбираться в изменениях. Такие игры покупают, чтобы просто хорошо провести выходные в понятном и кинематографичном мире.
Кстати, о кино: такие проекты обычно продают идею игр как интерактивных фильмов. Они работают над драматургией, а не механикой, и построены на сторителлинге как основном элементе новой игры. Так, сейчас Sony рассказывают о Ghost of Tsushima — игре про японская эпоху Эдо. Всю презентацию разработчики говорили о том, что выстроили игру как оммаж к кино Акиры Куросавы: черно-белая пленка, похожая композиция кадров и так далее.
Похожая история была в L. A. Noire. На юбилей релиза разработчики выпустили черно-белую версию. Они добавили новый фильтр, и игра снова вызвала ажиотаж у пользователей. Из-за серийного производства у таких проектов в целом не возникает проблем плагиата. Высокобюджетные игры соревнуются не с инди-студиями, а с кино. Так, в 2019 году CEO Netflix Рид Хастингс в письме акционерам заявил, что главный конкурент сервиса — не Disney+ или HBO, а компьютерная игра Fortnite.
Тем не менее, этические проблемы есть и внутри игровых корпораций. Активная прослойка аудитории геймеров, которая требовательно относится к мельчайшим деталям в релизах обновлений, соотносит продукт со своими идеями об идеальной игре. Этика сообщества извращенная — она вынуждает разработчиков в короткие сроки дожимать продукт до совершенства.
Заявления студий о том, что создатели игры перерабатывали на проекте, часто становятся среди геймеров эталоном качества. Так, Rockstar Games создают образ разработчиков как безликих помощников, которых можно нанимать и увольнять пачками. Они работают до изнеможения, пока не сделают классный продукт.
Пожалуй, одна из ключевых проблем российского геймдева заложена в нашем культурном коде. У нас распространена идея мастерства — гения-одиночки, который годами работает над продуктом, чтобы в результате выдать гениальное решение. Но такие представления часто вредят начинающим геймдизайнерам. Они подолгу работают над одной масштабной игрой, вместо того, чтобы быстро набить опыт над проектами поменьше.Поэтому сложно говорить о каком-то сообществе начинающих независимых разработчиков: в целом они хотят сидеть одни и работать над своими проектами сами, не принимая помощь со стороны. У них есть представление о том, что нужно глубокое видение и уникальная механика — то есть уникальный творческий продукт.
В сознании наших команд по разработке игр укоренилось ошибочное представление, что классная игра продает себя сама.
Тем не менее, есть российские разработчики, которые совершают заметные software-прорывы: вы наверняка видели рекламу игры Gardenscapes. Ее делает компания Playrix — одна из самых заметных компаний мирового рынка разработки мобильных приложений. Их изобретение — не уникальная и новая механика для игр жанра Match 3 («три в ряд»), а маркетинг. В рекламах в инстаграм-сториз они показывают не существующую игру, а фрагменты выдуманных игр, в которые, по их расчетам, люди хотели бы поиграть. И это работает: теперь Gardenscapes — самая популярная в Европе игра жанра после Candy Crush Saga.
Еще один способ заработка на мобильном рынке — адаптация одной и той же успешной механики под нужды крупных компаний.
Есть студии, которые делают одинаковые игры под брендом разных компаний, иногда вообще не афишируя свое участие. Игроки думают, что компании копируют игры друг друга, а на самом деле студия использует одни и те же движок, наработки и команду, чтобы раз в два месяца поменять картинки в игре и заново продать ее крупной компании.
С этими способами выживания связана проблема стирания имен гейм-дизайнеров. Игры работают не как творческий, а как software-продукт. Никто не знает разработчиков Microsoft Office или Adobe Photoshop. Такая же ситуация происходит и с большинством игр.
Проблемы игровой индустрии связаны с ее молодостью — этические нормы и даже само определение плагиата в ней еще не утвердились. Этот процесс усложняет и двойственная природа компьютерных игр. С одной стороны, это ИТ-продукт вроде Microsoft Office или других компьютерных программ. С другой, у игр нельзя отнимать творческую составляющую. Для многих разработчиков они становятся новым медиумом для сторителлинга, вроде кино и сериалов.
В отличие от других креативных индустрий с утвержденными практиками противостояния копированию, в правовом поле много лазеек для копирования игровых механик. Хочется верить, что эти проблемы уже скоро уйдут в прошлое. Судебная практика уже сейчас вырабатывает новые определения плагиата. Значит, в будущем разработчики смогут спокойно противостоять и копированию, и стиранию их имен.
Читайте также:
Посмотрите на огромную «стену» из сотни тысяч галактик позади Млечного пути
Комета NEOWISE видна в России. Где ее увидеть, куда смотреть и как сделать фото
Выяснилось, что заставило цивилизацию майя покинуть свои города
О нас | CAA
Расположенный на стыке талантов, контента, брендов, технологий, спорта и прямых трансляций, CAA создает безграничные возможности для рассказчиков, законодателей моды, икон и лидеров мнений, которые формируют популярную культуру.
В кино, телевидении, музыке, спорте, цифровых медиа, маркетинге и других сферах мы представляем тысячи ведущих мировых актеров, режиссеров, писателей, продюсеров, музыкальных артистов, комиков, авторов, спортсменов, тренеров, телеведущих, команд, лиг, повара, дизайнеры, модные таланты, потребительские бренды и многое другое.
Работая с ними, мы стремимся оставаться самой сильной, динамичной и самой инновационной сервисной компанией в мире.
С момента своего основания в 1975 году CAA продолжает выполнять свое обещание, что каждый клиент представлен всем агентством. Такой совместный подход приносит пользу нашим клиентам сейчас больше, чем когда-либо, поскольку они стремятся построить свою карьеру и свой бренд в различных дисциплинах и на разных платформах.
Располагая глобальной сетью сотрудников и стратегических партнеров в Северной Америке, Европе, Азии и за ее пределами, CAA использует свою непревзойденную внутреннюю и внешнюю экосистему экспертов, отношений, доступа и отраслевой аналитики, чтобы помочь нашим клиентам достичь своих целей.
Первопроходец отрасли, CAA создала постоянно расширяющийся спектр услуг и предприятий. Мы были первым агентством талантов, которое построило спортивный бизнес, учредило инвестиционный банк, запустило венчурный фонд, основало технологические стартапы, основало бизнес в Китае, создало бизнес по предоставлению маркетинговых услуг и запустило филантропическое подразделение, среди прочего.
отраслевые инновации.
Наша цель также является лидером в разнообразии, отстаивая среди покупателей на рынке таланты из исторически недопредставленных групп, а также культурную и коммерческую ценность включения.CAA продолжает увеличивать разнообразие нашего списка талантов и наших сотрудников, и всегда будет.
С энтузиазмом, присущим только нашим клиентам, CAA стремится создавать прецедентные сделки и создавать новые бренды и предприятия, руководствуясь идеями, интересами и возможностями наших клиентов.
Вы творческий человек или художник? (Вы тоже можете быть)
Творчество — это не то же самое, что быть художником, и наоборот.
На самом деле, у этих двух названий больше различий, чем сходства.Опрос, проведенный IBM в 2010 году среди более чем 1500 руководителей из различных сфер, показал, что творчество является важнейшей опорой каждой успешной компании. Из всех опрошенных генеральных директоров 60% заявили, что креативность важнее честности и глобального мышления.
Но на просьбу дать определение этому неуловимому слову «творчество» не было двух одинаковых ответов.
По правде говоря, определение того, что значит быть «творческим», кажется до боли субъективным. Добавьте к этому сравнение с искусством и то, что значит быть «артистичным», и вы только что настроили себя на долгую беседу, которая, кажется, не имеет конца.
Именно это случилось со мной несколько недель назад.
Я сидел с лидером дизайнерской мысли, Язином Аккави, основателем MSTQ, за бутылкой красного вина рассказывал о различиях между творчеством и искусством. Они такие же? Насколько они разные? Умеешь ли ты быть творческим и художником? Может ли художник быть творческим? Где провести черту?
Честно говоря, разговор казался не более чем подшучиванием над семантикой. У творческих людей есть моменты артистизма, и художники могут быть столь же талантливыми в решении проблем.Но что-то в обсуждении заставило меня задуматься, прочитать, исследовать и серьезно задуматься над этой темой.
Намного больше, чем я ожидал.
По определению, артистизм и художественные способности — это развитие навыков и талантов, направленных на создание прекрасных произведений искусства: живопись, рисунок, скульптура, музыкальная композиция и т. Д. Вкратце: искусство — это оригинальное творение с намерением вызвать эмоции. или реакция зрителя, слушателя и т. д.
И наоборот, креативность и творческие способности определяются как умение объединять воедино различные элементы для поиска решения проблемы.Прекрасным примером может служить реклама: креативное мышление и оригинальность, направленные на достижение бизнес-результата.
Зная это, представьте, как трудно компании, которая хочет быть «более креативной». Что это хотя бы значит? И что еще более важно, как они измеряют успех?
Перекрытие заключается в том, что и артистизм, и творчество требуют определенного уровня эмоционального интеллекта. В обоих случаях вы работаете над тем, чтобы зафиксировать сообщение или смысл и передать его целенаправленно.
Кажется, разница заключается в том, куда это сообщение отправляется. Если он направлен внешне на целевую аудиторию, его можно классифицировать как «творческий». Если сообщение направлено внутрь и действует сначала как зеркало для творца, вызывая саморефлексию, оно больше склоняется к сфере искусства.
Недавно я также беседовал с Марком Бичингом, бывшим глобальным креативным директором Digitas и в настоящее время управляющим партнером BGO, и он поднял не менее интересный момент о сегодняшней письменной речи.Ведение блогов (и все социальные сети) изменило то, как мы, как создатели, творим. Когда мы знаем, что аудитория присутствует, независимо от того, насколько самоуничижительными или до боли честными мы кажемся, мы не можем не подвергать себя цензуре с целью доставить удовольствие нашей аудитории. Даже наши уязвимости сформированы таким образом, чтобы вызвать конкретный ответ. Для меня это творчество — способность решать проблемы. По аналогии: вы все еще рисуете картину, но это делается с расчетом на результат.
Журнал — это совсем другой опыт.Бичинг объяснил, что когда кто-то пишет в дневнике, это предназначено для саморефлексии. Это пространство для раскопок вашей собственной души, а не для формирования песни вашей души с намерением доставить удовольствие слушателю. Это серая зона между художником и творчеством. Есть художники, которые создают для определенного типа слушателей, и есть творцы, которые пишут, проектируют и строят от всего сердца (а не от головы). Таким образом, крайними краями спектра будут художники, которые очищают этот журнал и публикуют его как роман, или творческие люди, которые проектируют и создают только для решения рыночных проблем — личное самовыражение последнее, о чем они думают.
Что затем приводит нас к спектру в целом, и где мы проводим черту, определяющую то, что вообще стоит называть «искусством» и / или «творческим мышлением». Некоторые люди утверждают, что краска, пролитая на тротуаре, — это искусство, или что графическое изображение цитаты на вашем телефоне делает вас творческими.
Как мы решаем, кто заслуживает этих титулов? Что является критерием «успеха» и что дает основание в первую очередь называть себя художником или творцом? Достаточно ли одного усилия?
Здесь на ум приходит Рон Гибори, мой близкий наставник и руководитель креативного отдела Idea Booth.Номинированный на премию «Эмми» и признанный на национальном уровне творческий мыслитель, здесь он разделяет титул с начинающими предпринимателями, работающими над своим первым приложением (которое работает точно так же, как и любой другой конкурент на рынке) и называет себя «творческим».
Если честно, то же самое можно сказать о предпринимательстве в целом. Как получается, что кто-то, кто управляет многомиллионной компанией, может иметь тот же титул, что и кто-то, у кого есть идея приложения, которую они строят на стороне? Оба предприниматели? И хотя мы, по сути, обсуждаем здесь семантику, меня больше интересуют детали, которые их разделяют.Если само слово не разделяется точно, тогда что? Каковы определяющие характеристики?
На данный момент я пришел к выводу, что это не одно и то же: искусство и творчество.
У них, безусловно, есть общие черты и много общего, но стремления и более глубокие навыки на самом деле совершенно противоположны.
Мой вопрос к вам: кто вы? И если вы резонируете с одним или другим (или с обоими), по каким причинам? Какие более глубокие качества объясняют эту выбранную ассоциацию?
Я хотел бы услышать ваши ответы.Эта тема меня увлекает.
Мнения, выраженные здесь обозревателями Inc.com, являются их собственными, а не мнениями Inc.com.
Топ 5 самых креативных художников
Наша команда провела голосование за 5 лучших креативных художников.
5.
Фрида КалоОна была гордостью Мексики и одним из самых важных символов феминистского движения. Ее работы считаются образцами сюрреалистических автопортретов, личных и физических страданий. Ее картины отражают суровую реальность жизни и мира.
4.
Пабло Пикассо У Пикассо было много стилей живописи.
В юности рисовал реалистично. В раннем взрослении он вступил в периоды синих и розовых оттенков. После этого он совершил набег на кубизм. Затем он начал экспериментировать с коллажем и скульптурой. Пикассо всегда творил в разных стилях. Как и Матисс, Пикассо чувствовал, что творчество нельзя использовать в любое время. Он чувствовал, что творчество может проявиться только тогда, когда он занят работой.«Вдохновение существует, — говорит Пикассо, — но оно должно найти вас в работе».
3.
Микеланджело Микеланджело требовалось очень мало сна, и обычно он был настолько напряжен в своей работе, что проводил недели в одной и той же одежде и обуви. Его слуга сообщил, что когда Микеланджело действительно снимает обувь, кожа на его ногах отслаивается, как у змеи. Микеланджело был очень сосредоточенным художником, но его творчество не было чем-то само собой разумеющимся. Он писал: «Критика через созидание.Микеланджело чувствовал, что может отвечать другим, выполняя работу лучше, чем они.
2.
Винсент Ван ГофПри жизни Винсента Ван Гога он продал только одну из примерно 900 картин, которые он написал. После смерти Ван Гофа его энергичный, увлекательный стиль штурмовал мир и переопределил границы искусства. «Иногда, в моменты беспокойства, — пишет Винсент Ван Гог своему младшему брату Тео, — я хотел быть стильным, но, если подумать, я говорю« нет »- просто позволь мне быть самим собой — и выражаю грубые, но правдивые вещи с грубой обработкой.«Для Ван Гога творчество было честным выражением, а не стилем и мастерством. Он хотел выразить себя, и его не заботило качество своих попыток.
1.
Сальвадор Дали Тающие часы, накидки и эксцентричное платье Дали, а также вздернутые усы сделали его культовым художником. И вы, вероятно, видите его работы ежедневно или еженедельно, когда заглядываете в винный погреб. Он разработал логотип Chupa Chups. Творческий потенциал Дали, вероятно, проистекает из жестокой честности с самим собой.
Он пишет: «Не бойтесь совершенства. Вы никогда этого не достигнете ». Дали смог создать более 1500 картин, потому что он никогда не боялся ошибаться и быть не идеальным.
Топ 5 самых креативных художников
19 повседневных привычек художников, которые могут помочь раскрыть ваши творческие способности
Необязательно быть известным художником или скульптором, чтобы посочувствовать мукам творческого затора.Независимо от того, приходит ли это как гигантский шлепок по лицу или подкрадывается к вам, как дрожь по позвоночнику, мы все справлялись с проблемами застревания. Вы сами догадываетесь, вы танцуете вокруг идей и чувствуете, что прогресс за много миль, а радость творчества отступает на задний план по сравнению с давлением, которое мы связываем с успехом.
Книга, созданная создателем «Ревнивого куратора», Даниэль Крыса, затрагивает непреодолимую тему — «блокировку». Она взяла интервью у 50 профессиональных и любительских, обученных художников и художников-самоучок, чтобы изучить способы, с помощью которых самые творческие личности мира преодолевают всеобщее чувство сомнения.
Результаты, собранные в красивую коллекцию интервью и избранных произведений искусства под названием «Творческий блок», образуют Библию для склонных к творчеству, полную советов и вдохновения для писателей, дизайнеров, художников, актеров, танцоров и всех остальных.
Вот, 19 повседневных привычек художников, которые могут помочь раскрыть ваш творческий потенциал:
1. Отпустите свое представление об «идеальном».
«Мне нужно сделать шаг назад, сделать передышку и понять, что это всего лишь проект, а не конец света, если он не идеален.»-Бруклин, иллюстратор и мастер надписи Мэри Кейт МакДевитт
2. Позвольте себе повеселиться.
«Когда я обнаруживаю, что играю больше, чем пытаюсь, я нахожу выход из блока». — Художник и педагог из Нью-Гэмпшира Арис Мур
3. Не бойтесь заставить замолчать своего внутреннего критика.
«Внутренний критик подобен тому старому школьному другу, который, как вы хотите, оставил бы вас в покое, но продолжает звонить и оставлять сообщения.
«- иллюстратор коллажей из Великобритании Энтони Зинонос
4. Осознайте, что вы сами можете стать злейшим врагом. Не работа.
«Не ставьте преграды, которых нет — просто приступайте к работе и создавайте что-нибудь». -Портленд, художник из Орегона Лиза Голайтли
5. Но не все границы, установленные самим собой, плохи.
«Вы должны установить узкие параметры, с которыми вы работаете, а затем в рамках этих параметров дать себе достаточно места, чтобы быть свободным и играть.»-Нью-йоркский художник Трей Спигл
.6. Найдите свою мантру и держите ее при себе.
«Я продолжаю повторять свою мантру, цитату Чарльза Хортона Кули:« Художник не может потерпеть неудачу; быть им — это успех »», — фотограф из Германии Маттиас Хейдерих
7. Установите свое время «я».
«Я люблю начинать утро с просмотра таких сайтов, как Pinterest или Flickr, пока я пью кофе, в ранние часы до того, как просыпается остальная часть моей семьи.
«-Бостонская художница Лия Гиберсон
8. И побаловаться какими-то пороками сбросить.
«Интим, коктейли и музыка — отличные смазки в колее и вне ее». — Художник из Канзас-Сити Перегрин Хониг
9. Время от времени смиряйтесь.
«Я не гений, и моя работа — это только отражение моих причудливых внутренностей — просто нельзя обижаться на то, что думают другие». — Художница по керамике из Торонто Венди Уолгейт
10.Если сомневаетесь, обратитесь за помощью.
«Я легко могу ходить в бесконечных кругах с самим собой, задаваясь вопросом, на правильном ли я в чем-то пути. Мне просто нужно остановиться и попросить о помощи». — Художница из Милуоки Кассандра Смит
11. И будьте готовы найти вдохновение в обыденных местах.
«[Я нахожу вдохновение] в хозяйственных магазинах, на стройплощадках, в пустых комнатах, в чужих беспорядках, в хорошем дизайне, в разговорах и прямо перед тем, как я засну. «-Остин, техасский дизайнер Элисон Фокс
12. Чтобы очистить разум, возможно, вам нужно очистить рабочее место.
«После того, как моя студия была полностью настроена, я действительно хотел оказаться в этой комнате. Мне казалось естественным снова начать работать, если я сидел за новым столом». -Бруклинский дизайнер Джулия Ротман
У меня в @CrateandBarrel есть новый набор посуды, и я очень взволнован! pic.twitter.com/Zl3PAVe7it
— Джулия Ротман (@juliarothman) 6 января 2014 г.
13.Найдите другую перспективу, даже если она физическая.
«Иногда трудно понять, что не так, что нужно изменить. Вот когда перевернуть картину вверх ногами или посмотреть на нее в зеркало — это хороший трюк». -Швеция, иллюстратор Камилла Энгман
14. Дайте себе импульсивность!
«Когда я не могу действовать при внезапном порыве вдохновения, я чувствую себя как будто чихаю».
-Чаттануга, художник-коллажист Холли Честейн из Теннесси,
15.Не бойтесь видеть приключение в испытании.
«Это одна из самых прекрасных вещей в этом — тебе не о чем беспокоиться … Никто не сможет вырвать карандаш из твоей руки. Ты продолжаешь идти с полным неповиновением». — Художница из Торонто Аманда Хаппе
16. Потому что неудача — это всего лишь мгновение до успеха.
«Я стараюсь рисковать в своей работе, потому что знаю, что неудача часто может привести к чему-то удивительному». -Рэнджли, художник из штата Мэн Шеннон Рэнкин
17.Не бойтесь изменять свой процесс.
«Я думаю, что чрезвычайно важно развивать свою практику и бросать вызов себе концептуально и технически. Иначе это скоро станет утомительно». -Аделаида, австралийская художница Дейдре Бут-Хусаим
18. Иногда не бывает «готового продукта». И это нормально.
«В моей практике не каждое начало может быть законченной работой».
-Бруклинская художница Эмили Барлетта
19.Потому что творение может произойти из разрушения.
«Если у меня проблемы с тканью или бумагой, я всегда разрезаю их. Я люблю резать вещи. Это снова восстанавливает потенциал материалов». — Художница из Онтарио Джессика Белл
Этот пост был первоначально опубликован 12 марта 2014 года.
Вызов всех суперфанов HuffPost!
Подпишитесь на членство, чтобы стать одним из основателей и помочь сформировать следующую главу HuffPost
| Сортировать по: релевантность —
Дата Трейлеры первого игрока Беллингхэм, WA 98225 • Удаленный
Трейлеры первого игрока Беллингхэм, WA 98225 • Удаленный
ООО СМПЛ Старый Гикори, TN 37138 • Удаленный
15 долларов в час
От 75 долларов в час
55 000–60 000 долларов в год
Трейлеры первого игрока Беллингхэм, WA 98225 • Удаленный
| Будьте первыми, кто увидит новыевакансии для художников Создавая оповещение о вакансиях, вы соглашаетесь с нашими Условиями. Вы можете изменить настройки своего согласия в любое время, отказавшись от подписки или как описано в наших условиях. |
Смерть художника — и рождение творческого предпринимателя
Эту концепцию сопровождало целое созвездие идей и практик.
Художники проходили обучение, как и другие мастера, чтобы изучить обычные методы (отсюда атрибуции, которые можно увидеть в музеях: «мастерская Беллини» или «мастерская Рембрандта»). Творчество ценилось, но доверие и ценность, прежде всего, основывались на традициях. В мире, все еще управляемом довольно жесткой социальной структурой, художники были сгруппированы с другими ремесленниками, где-то посередине или ниже среднего, ниже торговцев, не говоря уже о аристократии.Можно было бы уважать отдельных практикующих — подумайте о голландских мастерах, — но они были точно мастерами , как и мастера-ремесленники. Короче говоря, различие между искусством и ремеслом было в лучшем случае слабым. В самом деле, самого понятия искусства, как его понимали позже, — искусства — не существовало.
Все это начало меняться в конце 18 — начале 19 веков, в период, связанный с романтизмом: в эпоху Руссо, Гете, Блейка и Бетховена, эпоху, которая научилась ценить не только индивидуализм и оригинальность, но и бунт и молодежь.
Теперь было желательно и даже гламурно нарушать правила и ниспровергать традиции — отвергать общество и проложить свой собственный путь. Эпоха революции, это была также эпоха секуляризации. Когда традиционная вера была дискредитирована, по крайней мере, среди образованного класса, искусство стало основой нового вероучения, местом, куда люди обращались, чтобы соприкоснуться с высшими истинами.
Искусство достигло зенита духовного престижа, и художник поднялся вместе с ним. Ремесленник стал гением: одиноким, как святой; вдохновленный, как пророк; соприкасаясь с невидимым, его сознание устремляется в будущее.«Священник уходит, — сказал Уитмен, — приходит божественный литератор». Искусство отделилось от ремесла; термин изобразительное искусство , «те, что вызывают умы и воображение», был впервые зарегистрирован в 1767 году.
«Искусство» стало единым понятием, включающим музыку, театр и литературу, а также изобразительное искусство, но также, в определенном смысле, отличном от каждого, своего рода высшая сущность, доступная для философских размышлений и культурного почитания.
«Искусство ради искусства» — девиз эстетиков — восходит к началу XIX века.Так же и Gesamtkunstwerk , мечта или идеал, столь драгоценный для Вагнера, «совершенного произведения искусства». К моменту модернизма, столетию спустя, в эпоху Пикассо, Джойса и Стравинского, художник тоже стоял на вершине статуса, культурный аристократ, которого хотели старые аристократы — или, по крайней мере, самые продвинутые из них — не больше, чем общаться.
Неудивительно, что образ художника как одинокого гения — такого благородного, такого завидного, такого приятного объекта стремления и проекции — удержал в коллективном воображении.Тем не менее, более полувека назад он уже устарел. В частности, после Второй мировой войны и особенно в Америке искусство, как и все религии с возрастом, стало институционализированным. Мы были новой сверхдержавой; мы тоже хотели быть культурной сверхдержавой. Мы основали музеи, оперные театры, балетные труппы — все в беспрецедентном количестве: так называемый культурный бум.
Художественные советы, органы финансирования, образовательные программы, резиденции, журналы, награды — целый бюрократический аппарат.
10 цитат Пикассо, которые вдохновят в вас творческого художника | Омар Итани | The Startup
«Все дети художники.Проблема в том, как остаться артистом, когда вырастет ».
Это, пожалуй, самая известная его цитата.
Это напоминает мне то, что написал Антуан де Сент-Экзюпери в «Маленьком принце»:
«Все взрослые когда-то были детьми… но лишь немногие из них помнят это».
За столетия до этого Руми написал:
«Внутри тебя есть художник, о котором ты не знаешь».
Когда мы были моложе, мы никогда не боялись полностью выразить себя.Помните, как загоралось ваше лицо, когда кто-то приносил вам подарок? Или как у вас возникло волнение при виде мороженого?
По мере роста мы учимся сдерживать этот энтузиазм.
В конечном итоге мы забываем о духе внутреннего ребенка, который живет в нас.
Мы забываем, как играть, бродить, творить, исследовать и воображать.
Но секрет самовыражения и искусства заключается в возрождении этого игривого детского духа.
Искусство, определяемое как «выражение или применение человеческих творческих навыков и воображения», есть не что иное, как выражение .
Как вы выражаете свои мысли и чувства? С помощью слов написанных или сказанных? Как выразить любовь? Через добрые дела? Как вы выражаете свои эмоции? Через прозу или оттенки желтого, розового и голубого?
Как вы выражаете себя?
«Молодость не имеет возраста». — Пикассо
Ты художник, друг мой. Ваш дух и душа светятся изнутри, потому что внутри вас живет дикий ребенок, таланты которого стремятся быть необузданными. Позвольте ему исследовать свою способность творить.
Если вам скучно по жизни, возможно, это потому, что вы потеряли из виду своего внутреннего ребенка. По словам Пикассо, «у молодежи нет возраста», и вы художник в своем собственном уникальном стиле.
