Известная живопись мира: 👍 Самая известная картина, самые известные картины
Самые известные картины мира — 24СМИ
Самые известные картины мира были написаны такими знаменитыми художниками, как Пикассо, Ван Гог и Дали. Сомневаться в значимости их картин для современного искусства еще не приходилось никому.
В мире существует множество великолепных картин, которые являются настоящим произведением искусства. Но лишь некоторые картины становятся популярными среди масс ценителей художественного искусства всего мира. В этом материале мы поговорим об их работах и работах других знаменитых художников.
Самые загадочные картины мира
Написанная Иваном Николаевичем Крамским картина «Дама в коляске» является одной из самых загадочных в мире. Эта картина славится своим изображением женщины, которая бросает надменный взгляд на весь мир. Многие критики и ценители искусства по-разному называли эту картину – от «кокетки в коляске» до «исчадия ада». Картина обрела постоянный дом лишь после того, как оказалась в стенах Третьяковской галереи.
До этого картина не прижилась у множества владельцев по разным причинам.
Загадкой также остается картина «Женщина дождя», написанная художницей Светланой Телец в 1996 году. Картина была куплена моментально, сразу после выставки. Но у новоиспеченной владелицы картина не прижилась. В результате популярное творение переходило из рук в руки, пока не оказалось в городе Винница, в художественном салоне, где по сей день дожидается нового владельца.
Самые известные картины Третьяковской галереи
Значимым местом для настоящих любителей творчества, готовых приобщиться к культурному наследию всегда оставалась и остается Третьяковская галерея. В галерее содержится огромное количество невероятно ценных полотен, и однозначно выделить самые известные практически невозможно. Но все же существует так называемая «Третьяковская пятерка» — сборник картин, пользующихся самой большой популярность среди посетителей галереи.
Среди известной «пятерки» оказались: «Утро в сосновом лесу», полотно, созданное еще в 19 веке художников Константином Савицким, «Демон сидящий» — работа Михаила Врубеля, «Боярыня Морозова», написанная кистью Василия Сурикова, а также «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» Ивана Репина и «Троица» кисти Андрея Рублева.
Самые известные картины Пикассо
Определить точное количество картин, написанных популярным классиком Пикассо совершенно невозможно. Количество его работ колеблется от нескольких сотен до нескольких тысяч. Сам Пикассо однажды признался, что совершенно не помнит, сколько картин ему удалось написать, ведь многие из них просто стерлись из истории, ведь ему приходилось топить ими печь в голодные годы.
Но самыми известными его картинами по праву считаются «Девочка на шаре» и «Герника». Но немало достойных работ также есть среди не популярных полотен художника, например, «Любительница абсента», «Первое причастие» и «Две сестры».
Самые известные картины Дали
Самые известные картины мира, безусловно, принадлежат настоящему гению – Сальвадору Дали. Художник за свою жизнь успел создать невероятное множество картин, но все они были, мягко говоря, «не для всех». Но даже среди столь необычных картин нашлось место в разделе мировой классики. Безусловно, одной из самых популярных картин Дали по-прежнему остается «Постоянство памяти», написанная Дали в далеком 1931 году.
Эта картина сейчас расположена в нью-йоркском музее современного искусства. Еще одной не менее известной работой художника является «Тайная вечеря», в которой изображены значимые библейские личности за одним столом. Говорят, что Дали писал полотно более трех месяцев, используя при этом различные фотоматериалы.
Самые известные картины Ван Гога
Наверное, самой популярной работой ушедшего столь рано из жизни художника Ван Гога является «Звездная ночь», которую он написал в 1889 году, всего за год до своей смерти. На этой картине Ван Гог изобразил ночное небо, которое он наблюдал из окна санатория в французском Арле.
Популярнейшим автопортретом художника считается «Автопортрет без бороды». Эта картина была продана в 1998 году за 71 миллион долларов. Тем самым эта картина является самой дорогой в истории искусства.
Но и не менее известной картиной среди ценителей искусства является работа под названием «Подсолнухи», которые являются настоящим символом живописи. Ван Гог даже не мог предположить, что обычная картина для гостиной обретет столь культовый статус.
Самая знаменитая картина в мире
Но даже среди самых знаменитых картин существует полотно, которое узнают люди совершенно далекие от художественного искусства. Речь, конечно же, идет о «Джаконде» или «Мона Лизе», написанной Леонардо да Винчи. На сегодняшний день это полотно признано самым известным в мире и достигло культового статуса.
Десять самых скандальных произведений в истории искусства
- Келли Гровье
- BBC Culture
Автор фото, Getty Images
Підпис до фото,«Журнальный столик» британского художника Аллена Джонса — одно из произведений современного искусства, вызывающих противоречивую реакцию публики
Недавно два самых известных музея мира отказались выставлять экспонаты, которые вызвали возмущение публики. В свете этих событий арт-критик BBC Сulture рассуждает о роли цензуры в истории искусства и о десяти наиболее спорных художественных произведениях.
Недавнее решение двух известных музеев мира убрать из своей экспозиции несколько провокационных произведений искусства всколыхнуло борцов за свободу слова, озабоченных распространением цензуры.
Действия музейного руководства, однако, побуждают задуматься о том, что многие другие произведения в современной истории, хотя и шокировали зрителя, коренным образом изменили наше представление об искусстве.
В прошлом месяце протесты активистов по защите прав животных заставили нью-йоркский Музей Гуггенхайма отказаться от инсталляции трех экспонатов, объединенных под названием «Театр мира».
Среди них два видеоролика, один из которых изображает спаривание татуированных свиней, а другой — двух питбультерьеров, оскалившихся, рычащих и готовых вот-вот броситься друг на друга.
Третий экспонат представляет собой огромный террариум из фанеры и сетей, внутри которого разворачивается настоящая жестокая борьба за выживание среди голодных гекконов, кузнечиков, сверчков и тараканов, которые оказались в смертельной ловушке.
Запрещенные экспонаты, созданные современными китайскими художниками, были сначала выбраны для выставки «Искусство и Китай после 1989 года», которая открылась 6 октября.
Автор фото, Huang Yong Ping/Guggenheim Museum
Підпис до фото,«Театр мира» современного китайского художника Хуана Юн Пина сняли с выставки в Музее Гуггенхайма из-за возмущения активистов по защите прав животных
Примерно в то же время Лувр отменил планы выставить скульптуру голландского художника и дизайнера Юпа ван Лисхаута из-за опасений, что откровенная сексуальность его произведения вызовет возмущение публики.
12-метровая фигура с нечеткими контурами типа конструктора «лего» похожа на мужчину, который совершает половой акт с четвероногим созданьем.
Скульптуру под названием Domestikator («Одомашниватель») планировали выставить в саду Тюильри в рамках ежегодной Международной ярмарки современного искусства. (Впоследствии произведение согласился выставить Центр Помпиду).
Пораженный такой цензурой, ван Лисхаут назвал решение музея лицемерным и объяснил, что его произведение не связано с сексом как таковым, а скорее поднимает тему вмешательства человека в природу.
«Многие скульптуры в Лувре изображают обнаженных женщин, сцены насилия и скотоложества, гораздо более откровенные, чем моя скульптура», — отметил художник.
В этом голландский художник, безусловно, прав.
В Лувре хватает произведений, которые можно было бы обвинить в безобразии — от картины Жана-Оноре Фрагонара «Сброшенная рубашка» до «Большой одалиски» Энгра. Когда в 1814 году произведение впервые увидела публика, его также назвали «оскорбительным».
Автор фото, Wikipedia
Підпис до фото,«Большая одалиска» Жана Огюста Энгра также вызвала возмущение, когда публика впервые увидела ее в 1814 году
Но кто сегодня краснеет от полотен Фрагонара или Энгра, какими бы шокирующими они не казались изначально?
Знатоки истории искусства, безусловно, оценят момент противоречивых запретов. Ведь он точно совпадает со столетней годовщиной известного в современной истории скандала с цензурой.
В 1917 году Общество независимых художников Нью-Йорка, нарушая собственные принципы и убеждения, запретило демонстрацию концептуальной скульптуры Марселя Дюшана «Фонтан».
Произведение в виде обычного писсуара с хулиганской надписью «Г. — болван» стало самым известным реди-мейд (то есть готовым объектом, который сам художник не создавал) в истории современного искусства.
Впрочем, такая «круглая дата» заставляет вспомнить и ряд других скандальных арт-объектов, которые в свое время разожгли горячие публичные дебаты и заставили зрителей задуматься о самой сути современного искусства.
«Стертый рисунок де Кунинга» Раушенберг, 1953
Автор фото, Wikipedia
Критики «Фонтана» Дюшана, которые считали, что вместе с водой его писсуар смыл и предназначение всего художественного искусства, вряд ли оценили бы по заслугам картину (или скорее ее отсутствие) американского художника Роберта Раушенберга.
Задумавшись о том, можно ли создать художественное произведение с помощью резинки, а не карандаша, кисти или резца, Раушенберг убедил своего друга, голландско-американского абстракциониста Виллема де Кунинга принести в жертву свой недавний эскиз.
В результате появилась бумага, на которой почти невозможно разглядеть следы бывшего рисунка. Она побуждает зрителя решить самостоятельно, является ли картина без изображения произведением искусства или это — лишь рамка, обрамляющая пустоту и символизирующая бессилие художника.
«Дерьмо художника» Пьеро Мандзони, 1961
Автор фото, Tate
Если произведением искусства может стать сосуд для человеческих испражнений, то рано или поздно и сами экскременты могут превратиться в объект эстетических экспериментов.
Именно это и сделал в 1961 году итальянский авангардный художник Пьеро Мандзони, законсервировав в 90 банок 2,7 кг своих фекалий.
Это было не первое скандальное произведение художника, ранее представившего на суд общественности воздушный шарик, наполненный его «выдохом».
Говорят, что отец художника, владелец консервного завода, однажды презрительно прокомментировал творчество своего сына, сравнив его с экскрементами.
Мандзони-младший ответил знаменитыми банками, одна из которых прошлым летом ушла с аукциона за 275 тысяч евро.
«Стул» Аллен Джонс, 1969
Автор фото, Tate
«Стул» британского поп-арт художника Аллена Джонса откровенно бросает вызов обвинению в объективации женщин, так же как и созданные им два других, не менее провокационных предметы интерьера — вешалка и журнальный столик.
1986 года в Международный женский день пара активистов, возмущенных откровенным сексизмом скульптуры, облили ее кислотой, которая исказила пластиковое лицо и шею женской фигурки.
«Званый ужин» Джуди Чикаго, 1979
Автор фото, Tate
Банкетный стол на 39 персон посвящен вкладу в историю культуры выдающихся женщин — от Сафо до Вирджинии Вулф.
Работу американской художницы-феминистки Джуди Чикаго одновременно признают за новаторство и критикуют за шокирующую пошлость.
В композиции доминируют 40 расписанных вручную фарфоровых тарелок с изображениями бабочек, откровенно похожих на женские половые органы.
В интервью The Guardian современная британская художница Корнелия Паркер отметила, что в композиции «слишком много вагин» и что она «скорее демонстрирует эго самой Джуди Чикаго, чем чтит память несчастных женщин».
«Меня огорчает, что значимость женщины сводится к ее половым органам», — добавила она.
«Изогнутая арка» Ричард Серра, 1981
Автор фото, Alamy
В 1989 году пала не только Берлинская стена. 15 марта под покровом ночи ньюйоркские строители разрезали на куски и убрали 36-метровую стальную ограду, которая простояла на Федеральной площади восемь лет.
Снести конструкцию решил суд, поскольку новаторская инсталляция американского художника Ричарда Серры уже давно стала убежищем для террористов, вредителей и вандалов.
«Обернутые острова» Христо и Жанны-Клод, 1983
Автор фото, Christo and Jeanne-Claude
В мае 1983 года художники перформанса Христо и Жанна-Клод обернули 11 островков в заливе Бискейн вблизи Флориды розовой полипропиленовой тканью. Далеко не все были в восторге от сказочного зрелища.
С протестом в первую очередь выступили экологи, которые были обеспокоены влиянием синтетического пластика площадью более 600 тысяч кв. м на местную флору и фауну.
Однако именно этого и добивались художники своей инсталляцией — привлечь внимание общественности к проблемам окружающей среды и ее хрупкости.
«Я сам» Марк Куинн, 1991
Автор фото, Marc Quinn
В течение пяти месяцев каждые пять лет британский художник Марк Куинн откачивал у себя пять литров крови и заливал ее в полупрозрачный охлажденный слепок своей головы.
Результатом акции стала серия автопортретов, которая позволяет художнику вполне справедливо утверждать, что он вложил себя в свое творчество больше, чем любой другой художник.
Для кого-то «Я сам» Куинна — это лишь отвратительная выходка с вампирским уклоном.
Для других произведение стало дерзким продолжением художественной традиции автопортретов, выдающимися образцами которой являются работы Рембрандта, Ван Гога и Синди Шерман, а также глубоким символом хрупкости бытия.
«Моя кровать» Трейси Эмин, 1998
Автор фото, Alamy
Кровать — это объект, безусловно, полный символизма и неоднократно представленный в величайших произведениях западного искусства — от «Венеры Урбинскойо» Тициана до «Спальни в Арле» Ван Гога, от серии обнаженных и одетых мах Гойи до «Кошмара» Генри Фюссли.
Несмотря на это, инсталляция разобранной постели, которую британская художница Трейси Эмин представила на выставке премии Тернера в 1998 году, вызвала чрезвычайное недовольство публики.
Выступившие в защиту «Кровати» удивлялись, что почти через 80 лет после знаменитого писсуара Дюшана неубранная и где-то даже грязная постель могла вызвать такой шквал возмущения.
Они также предположили, что, очевидно, публика свирепствует из-за того, что в чисто мужское художественное пространство нагло ворвалась женщина.
«Акула» Давид Черни, 2005
Автор фото, David Černý
Связанная по рукам и ногам фигура иракского диктатора Саддама Хусейна в огромной стеклянной витрине, безусловно, перекликается с известной инсталляцией акулы в растворе формальдегида Дэмиена Херста под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (1991).
Однако многие раскритиковали «Акулу» за то, что она представляет Хусейна в роли жертвы. Тогда как другая работа Черни оттолкнула жутким натурализмом.
Запланированная на 2006 год выставка «Акулы» в музее бельгийского города Мидделкерке была отменена указом мэра Мишеля Ландуа.
В постановлении говорилось, что «определенные группы населения могут воспринять инсталляцию как слишком провокационную».
«Дерево» Пол Маккарти, 2014
Автор фото, AFP
Иногда скандальное произведение искусства подпадает под цензуру не кураторов выставок, а возмущенных граждан.
Именно это и произошло с огромной надувной скульптурой дерева, которую американский художник Пол Маккарти установил в 2014 году на Вандомской площади в Париже.
Зеленая конструкция, которая, видимо, должна была символизировать рождественскую елку, была безжалостно уничтожена вандалами.
После появления сотен комментариев о слишком близком сходстве «Дерева» с секс-игрушкой спасти произведение от нападений разъяренных граждан стало невозможно. Кстати, как и самого Маккарти.
Однажды на площади к скульптору подскочил возмущенный прохожий и трижды отвесил ему пощечины, исчезнув в толпе со скоростью проколотого воздушного шарика.
Лучшие современные художники мира: необычные картины 21 века
Изобразительное искусство 21 века, это творческое путешествие в самые глубины противоречивой человеческой души. Лучшие современные художники мира постоянно экспериментируют с различными направлениями, создавая свои уникальные техники живописи, которые оказывают значительное влияние на культурологические особенности социального общества в любом уголке земного шара. Необычные картины известных современных художников, а также живопись и скульптура этих талантливых мастеров, порой вызывают противоречивые оценки их творчества, заставляя каждого ценителя современной живописи задумываться о значении этих работ в дальнейшей судьбе человечества.
Наш проект Art Digest составил свой рейтинг лучших современных художников мирового изобразительного искусства, состоящий из десяти мастеров в этой области, каждый из которых выражает свой уникальный культурный, исторический и творческий процесс, направленный на дальнейшее созидание актуального прогресса в мире художественных стилей.
Содержание:
Британская художница Дженни Савиль
Современная британская художница Дженни Савиль (Jenny Saville) родилась в 1970 году в Кембридже, Англия. В 1988 году Дженни закончила Школу искусств в Глазго. Она оживила направление фигуративной живописи 21 века в изобразительном искусстве, постулировав в своих работах острые вопросы о восприятии обществом потенциала человеческой формы. Художница выходит далеко за рамки как абстрактных стилей, так и фигуративной классики. В целом ее яркие и по настоящему необычные современные картины 21 века, можно охарактеризовать как неоимпрессионизм, с легкой дымкой сюрреализма.
Немецкий художник Георг Базелиц
Георг Базелиц (Georg Baselitz) родился 23 января, 1938 года в городе Каменц, коммунальной общины Дойчбазелиц. От места своего рождения и происходит творческий псевдоним художника, настоящие имя которого Ханс-Георг Керн. Современный художник учился в Высшей Школе искусств в Восточном Берлине. Однако в 1957 году был исключен из-за незрелости политических взглядов. Переехав в ФРГ, Георг Базелиц все же получил высшее образование и закончил аспирантуру в области изящных искусств в 1962 году. В этот же период он официально сменил фамилию на Базелиц. Первую свою персональную выставку Георг провел в 1963 году. Его работа «Большая ночь в канаве» вызвала неоднозначную критику и немецкого художника обвинили в творческой непристойности. На данный момент эта необычная картина находится в музее Людвига в Кельне, Германия.
Самым узнаваемым стилем и техникой живописи художника являются перевернутые абстрактные фигуры в его картинах, которые он начал рисовать с 1969 года. В это же время Базелиц приступил к созданию масштабных скульптурных инсталляций из окрашенного дерева. Георг Базелиц является современным абстрактным художником, который пытается реабилитировать это направление живописи, вводя в сюжеты своих работ более узнаваемые фигуры и образы. Он использует нарочито грубый стиль, напоминающей по своей технике некоторые работы психологического кубизма Джорджа Кондо, но отличающийся от последнего явно выраженным экспрессионизмом.
Швейцарская художница Луиза Боннет
Лучшие современные художники мира поэтому и являются таковыми, что бросают вызов классическим школам предыдущих эпох в изобразительном искусстве. Швейцарская художница Луиза Боннет (Louise Bonnet), наряду с такими известными художниками сюрреализма, как Войцех Сюдмак, Рафал Олбински и Джим Уоррен, практически до неузнаваемости изменяет этот стиль авангардного искусства.
Луиза Боннет родилась в Женеве, где и закончила Высшую Школу искусств и дизайна. В 2008 году она начала свою творческую карьеру, паралельно работая дизайнером-иллюстратором. Первая ее персональная выставка прошла в галерее «Subliminal Projects» в Лос-Анджелесе. Все работы Боннет акцентированы на изображении человеческого тела с особым видом экстремальной сексуальности и физическими преувеличениями в сюрреалистических сюжетах ее необычных картин. Фигуры в ее работах имеют отчетливую, но противоречивую грань между красотой и уродством, абсурдом и физической реальностью, заключенные в творческую обертку большой театральной комедии.
Английский художник Гленн Браун
Современный английский художник Гленн Браун (Glenn Brown) родился в 1966 году в местечке Хексем. Основной творческой изюминкой Брауна является заимствование сюжетов картин известных художников прошлых эпох — в основном сюрреалистического направления, таких как Говерт Флинк, а также реконструкция работ современных художников. Сам Глен Браун называет свою технику рисования «искусствоведческими ссылками», что привлекает к его творчеству множество поклонников современной авангардной живописи.
Используя известные художественные приемы маньеризма, английский художник ломает стереотипы и грани между духовным и физическим, акцентируя внимание на ярких и порой галлюциногенных цветах в своих необычных картинах. От этого работы Брауна приобретают впечатление некого фантастического гиперреализма, но выполненного в классическом стиле сюрреалистических школ живописи.
Американский художник Джон Каррин
Художник Джон Каррин (John Currin) родился в 1962 году в штате Колорадо, США. В юном возрасте он брал частные уроки живописи у русско-американского художника Льва Межберга, что значительно сказалось на его дальнейшем творчестве. Современный мастер живописи использует классические фигуративные приемы чтобы изобразить социальные табу на обнаженное тело.
Во время своей первой персональной выставки в Нью-Йорке, Джон Каррин также работал в издании «Playboy», где иллюстрировал страницы журнала изображениями, напоминающими американские постеры пин-ап середины 1950-х годов. Работа в таком именитом и пикантном журнале не смогла не сформировать дальнейшие взгляды современного художника на собственное творчество. Его жена Рейчел Файнштейн часто служит моделью для работ Джона Каррина и также является художницей. В 2011 году американский ежедневник «The New York Times» признал чету самой влиятельной парой в мировом искусстве. Творчество Каррина порой носит карикатурные черты, а также преувеличенные и часто искаженные формы фигуративных образов в его работах.
Художник-абстракционист Говард Ходжкин
Говард Ходжкин (Howard Hodgkin) родился 6 августа 1932 года, в Лондоне. Ходжкин является одним из наиболее известных современных художников-колористов британской школы изобразительного искусства и часто его называют «Матиссом современности». Лучшие современные художники мира, это не только авангардные живописцы работающие в стиле художественного нонконформизма. В 21 веке среди мастеров современной живописи существуют и мейнстримное течение классического абстракционизма, к которому и принадлежит британец Говард Ходжкин. Работы художника выполнены в нарочито сдержанной форме, но с преувеличенными толстыми мазками в яркой цветовой палитре. Творческой изюминкой английского мастера абстракционизма является выход рисунка за рамки полотна и часто художник пишет свои сюжеты прямо на рамке картины.
Японский художник Тетсуя Ишида
Художник Тетсуя Ишида (Tetsuya Ishida) рисовал свои картины на стыке 20-21 века. Родился японский мастер фигуративного сюрреализма 16 июня 1973 года, в городе Яидзу, центральной префектуры Сидзуока. Ишида закончил Художественный университет в Западном Токио по специальности визуального дизайна.
В своих работах художник исследует насущные проблемы японского общества, такие как изоляция, урбанистическое одиночество и социальные тревоги. Фигуративные образы в картинах современного японского художника часто сливаются и составляют единое целое с предметами домашнего обихода, техникой и интерьерной мебелью. Вслед за китайским художником Чжаном Сяоганом, японский живописец продолжает восточно-азиатскую ветку современного сюрреализма. Творчество Тетсуя Ишиды стоит на грани между реальностью и сновидением, больше напоминающим фэнтезийные миры фантастического модерна Жана Жиро, но переосмысленного в японском самобытном стиле.
«Пробуждение», 1998, акрил на доске «В ожидании шанса», 1999, акрил на доскеКитайская живопись Цзя Айли
Начиная с нулевых годов Китай стал вносит свой неоценимый вклад в формирование плеяды лучших современных мировых художников. Живописцы из Поднебесной работают во всех основных стилях изобразительного искусства и некоторые из них занимают первые позиции по популярности и всеобщему признанию в мире живописи. Китайский художник Цзя Айли пишет свои картины в двух направлениях, одно из которых имеет ярко выраженный абстракционизм, а второе претендует на классификацию его работ в стиле фэнтезийного жанра Эда Эмшвиллера. Героями картин восточно-азиатского художника часто бывают китайские пионеры и в целом молодежь Поднебесной. Нередко художник изображает в своих картинах постапокалиптические миры и актуализирует идеи избавления человечества от атомного оружия.
Художник Цзя Айли (Jia Aili) родился в Даньдуне, Китай, в 1979 году. На данный момент китайский живописец живет и работает в Пекине. В 2004 году он окончил Академию Изящных Искусств Лу Сюня, где впоследствии стал преподавателем. С 2007 года Айли сосредоточил свою работу исключительно на карьере художника.
Выставка Цзя Айли в «Gagosian Gallery», 2019, Нью-Йорк «Божественное государство», 2012, масло, холст Без названия, 2012, масло, холст Без названия, 2015, масло, холстСовременный германский художник Альберт Оэлен
Художник Альберт Оэлен (Albert Oehlen) родился в 1954 году, в городе Крефельд, Германия. В 1981 году Оэлен закончил в Гамбурге Высшую школу изобразительных искусств, а в 2000 году Академию художеств в Дюссельдорфе. Несмотря на два высших образования в области живописи, Альберта Оэлена считают мастером «самосознательного дилетантизма» в области современного абстрактного искусства. Художник допускает некоторую небрежность в своих работах, для которых характерны грубые мазки, нарочито вульгарные цветовые оттенки, а также неровные линии, которые не вписываются ни в одну из идей профессионального авангардного творчества. Таким образом Оэлен рассказывает о бесконечных и хаотических комбинациях форм и снимает с себя всякие ограничения, отрицая художественные нормы в живописи. Иными словами, лучшие современные художники мира, это не всегда профессиональные живописцы, но однако всегда нонконформисты, имеющие собственные взгляды на любое творчество.
«Приветствие», 2003, масляная струйная печать на дереве «Нисходящие горячие лучи», 2003, масло, холст «Стальной мираж», 2003, масло, холст «DJ Techno», 2001, смешенная техника на холстеРоссийский художник Валерий Кошляков
Валерий Кошляков родился 21 июня, 1962 года в небольшом городке Сальск, Россия (РСФСР). На данный момент современный российский художник живет и работает как в Москве, так и в Париже. Он является одним из самых дорогостоящих художников Российской Федерации, и заслуженно заканчивает нашу десятку рейтинга «Лучшие современные художники мира». Его персональные экспозиции открывались как в Третьяковской галерее, так и замке Франконвиль под Парижем. Кошляков пишет свои картины не только на холсте, но и на картоне, а также на склеенном монтажном скотче. Полотна выполнены в мягком сюрреалистическом стиле и перекликаются с работами художника-импрессиониста Джереми Манна по своей технике воспроизведения. Русская живопись Кошлякова затрагивает различные темы, — от символики СССР, до античной мифологии. Великий художник использует узнаваемые размытые мазки и подтеки краски в своих необычных картинах.
«Исчезновение образа», 2011, холст, темпера, акрил, коллаж «Городские врата» из серии «Империя», 2004, холст, акрил, смешанная техника «Полигимния», 2008-2013, холст, акрил, коллаж «Герб», 2006, масло, холст______
Звездные персоны
Самые известные картины всех времён
Труды наших предков
Живопись — совершенно особенный вид искусства. Еще наши предки, занимавшиеся охотой и собирательством и греющиеся по вечерам в пещере около костра, оставляли на каменных стенах память о себе: о том, что и они когда-то жили, путешествовали, думали и боролись за свою жизнь. Именно об этой древней борьбе и рассказывает нам наскальная живопись, найденная в пещере Альтамира.
Пещера Альтамира, расположенная в Испании, была открыта в 1879 году археологом Марселино Санс де Саутуола. Любопытный факт: в день открытия археолог взял с собой на работу свою 9-летнюю дочку, которая также считается полноправным первооткрывателем этого искусствоведческого чуда.
Все рисунки в пещере выполнены с поразительной точностью и детализацией. Так, пещера знаменита изображениями бизона, лошади и кабана, которые полностью соответствует всем анатомическим знаниям об этих животных. Кроме того, поражает разнообразие инструментов, которыми пользовались наши предки, жившие в эпоху позднего палеолита: уголь, охра, гематит…
Живопись и христианство
Не так давно начался XXI век, но почему мы называем его именно двадцать первым? Неужели мир существует лишь 2000 с лишним лет? Безусловно, нет. Но мир, каким мы его знаем сегодня, существует действительно не так давно, и «виновато» в этом христианство.
Христианство изменило всю человеческую природу, переменило сущность и смысл жизни целых народов. Иконопись, как важнейшая стезя в истории искусства, является одной из самых древнейших и популярных форм живописи.
Именно поэтому в этой статье мы расскажем о, пожалуй, самой знаменитой иконе в истории человечества — Христос Пантократор из Синайского монастыря, созданной в VI веке нашей эры.
Только представьте: именно это изображение Иисуса Христа стало в некотором роде «каноническим», «единственно верным». До создания этой иконы, Иисуса изображали по-разному, и иногда случалось так, что на одном изображении он выглядел совершенно иначе, нежели на другом. Но после создания «Христоса Пантократора из Синайского монастыря» все изменилось, и образ Иисуса Христа как человека с длинными темными волосами и худым вытянутым лицом навсегда закрепился в умах людей, дойдя до нашего времени практически без изменений.
Век Леонардо
Говоря о самых известных картинах всех времен невозможно не упомянуть Леонардо да Винчи. Более того — в принципе, весь «рейтинг» картин можно было бы отдать этому итальянскому творцу, мастеру и гению. Предлагаем вам насладиться двумя его наиболее известными и поражающими воображение произведениями.
Первое монументальное произведение — «Тайная вечеря» (1495 — 1498). На ней изображена последняя трапеза Иисуса Христа и его учеников — двенадцати апостолов. Картина полна отсылками к библейским текстам и многочисленными подсказками.
Так, единственный человек, поставивший на стол локоть — Иуда. Он же сжимает в кулаке небольшой мешочек (вполне вероятно, с теми самыми монетами, которые ему заплатили за предательство). Иисус же вписан в самый центр композиции, как зрительно, так и ментально: руками он указывает на хлеб и вино, символизируя тем самым плоть и кровь.
Наверняка вы знаете о том, что Леонардо да Винчи был не только художником, но и ученым, математиком, изобретателем, музыкантом… И в этой картине он проявил не только свой талант живописца. Так, например, в «Тайной вечере» всё напоминает зрителю и цифре 3: апостолы сидят по трое, в комнате три окна, фигура Иисуса вписана в правильный треугольник, с каждой стороны комнаты по три проёма, а в потолке видно ровно тридцать отверстий.
Вторая картина — «Джоконда» или же, как ее принято называть сейчас, «Мона Лиза». Считается самой дорогой картиной в мире. Впрочем, в этих словах есть доля обмана: у «Джоконды» вообще нет цены. Руководители французского Лувра, где она сейчас хранится, а также власти Франции, неоднократно заявляли, что картина не будет продана никогда, никому и ни за какие деньги.
На полотне изображена госпожа Лиза дель Джокондо. Кто она такая — неизвестно, но наиболее распространенное предположение гласит, что «Мона Лиза» — не кто иная, как супруга торговца шелком из Флоренции.
Поговорим о том, почему «Джоконда» является не только самой дорогой картиной мира, но и единственной картиной, которую просто нельзя купить. Причина этому — улыбка. Улыбка Моны Лизы — одна из самых знаменитых и до сих пор неразгаданных тайн живописи. Писатель Теофиль Готье говорил: «В эту женщину и ее улыбку опасно влюбляться, но не влюбиться нельзя». Улыбка женщины, написанной кистью Леонардо да Винчи, скромна, застенчива, и в то же время игрива и непокорна. Взгляд Моны Лизы, также как и улыбка — спокойный, скромный, и вместе с тем преисполненный интересом и озорством.
Пытаясь объяснить эту улыбку, многие современные исследователи сходятся во мнении о том, что улыбка эта обращена непосредственно к художнику. Она была поражена тем, как ясно и полно он увидел ее душу, образ, как сумел заглянуть внутрь ее естества. Но она, как и любая женщина, не хочет показать мужчине всю себя, она хочет сохранить в себе тайну, и она смотрит на него намеренно легко и спокойно, чуть улыбаясь, в то время как да Винчи понимает это и пишет Джоконду такой, какая она есть на самом деле, словно бы «раздевая» ее догола — оголяя ее душу и сущность.
Конец эпохи — «Черный квадрат»
Прошлый век не зря считается веком, когда человечество не просто поднялось на еще одну ступень своего развития, а перескочило несколько этих ступеней. История XX века насчитывает огромное количество стилей живописи, начиная от кубизма и примитивизма и заканчивая реализмом.
«Черный супрематический квадрат» (или просто «Черный квадрат») кисти Казимира Малевича — одна из самых знаменитых картин в мире.
Существует множество объяснений того, что на самом деле хотел сказать своей картиной Малевич, но, в отличие от других загадок живописи, современные искусствоведы знают ответ на этот вопрос. Теперь его узнаете и вы.
В начале XX века кубизм и геометризация получили невиданное распространение. Буквально каждый художник пробовал рисовать в этом стиле, а каждый второй бросал свой основной стиль и становился кубистом. Творений в стиле «треугольник, квадрат и круг в прямоугольной комнате» становилось так много, что нужен был кто-то, кто положит этому конец. И этим человеком стал Казимир Малевич. Своим «Черным квадратом» он словно бы крикнул всему миру: «Стоп! Хватит! Довольно!». Он показал миру, что дальше упрощать живопись уже некуда. Что может быть проще и примитивнее черного квадрата? Что является еще большим кубизмом? Ответ прост: ничего. Именно своей картиной Малевич положил конец разбушевавшейся мании геометризации, а его картина с тех пор олицетворяет закат кубизма, некогда захватившего умы живописцев.
Наши дни — смешение культур и стилей
Известно ли вам имя Жан-Мишель Баския? Вряд ли, если вы не интересуетесь живописью. Однако именно этот американский художник является одним из самых дорогих творцов современности.
Так, его произведение «Затуманенные головы» было продано больше чем за 48 миллионов долларов.
Разбирать эту, как и многие другие современные картины, практически не имеет смысла. Она поразительно гениальна и удивительно глупа, красочна и пессимистична, композиционно хороша и дьявольски ничтожна. Но посмотрите на это произведение — что вы в нем видите? Может быть, вы скажете, что «такое нарисовал бы и ребенок»? Но вспомним слова Пабло Пикассо: «Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует дитя». И именно поэтому Жан-Мишель Баския — гениальный творец.
12 известных художников-самоучек, добившихся большого успеха
Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?
Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.
Известные художники самоучки и их картины
Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.
Они почему-то полагают, что художник — это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.
Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.
Смело скажу — это все чепуха! Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!
Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.
Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.
1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin
Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.
Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.
Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером
В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству, бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.
Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.
Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.
Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.
Картины Поля Гогена
Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.
2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)
История этого мастера — в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.
При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях. А затем начал писать картины на собственные сюжеты.
В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.
Картина Джека Веттриано
Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это — без академического образования — в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.
3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau
Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.
В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.
Картины Анри Руссо
Ещё при жизни художника его картины высоко оценили Пикассо, Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.
4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo
Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.
Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.
Картина Мориса Утрилло
Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции. После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.
5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck
Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе — родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.
Картина Мориса де Вламинка
До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.
6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen
Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.
Картины Аймо Катаяйнен
Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.
7. Иван Генералич / Ivan Generalić
Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.
Картина Ивана Генералича
После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.
8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson
Moses (она же Бабушка Мозес)Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.
Картина Анны Мозес
Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена. Примечательно, что прожила художница 101 год!
9. Екатерина Медведева
Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.
Картина Екатерины Медведевой
10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson
Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет, а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.
Картины Кирона Уильямса
Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.
11. Пол Ледент / Pol Ledent
Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.
Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.
Картины Пола Ледента
По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов . Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.
12. Хорхе Масьел /
JORGE MACIELБразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и красочные натюрморты.
Картины Хорхе Масьел
Этот список художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).
Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!
Все они — подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.
Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта — об этом мы уже говорили в отдельной статье... Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.
Как видите, рисовать художники самоучки начали в разном возрасте, и часто, когда возраст переваливает за 40… и живут они во всех странах мира без огранечения!
Если вы все еще не рисуете, но проявляете к этому интерес, то загляните в раздел Мастер Классы, где сможете подобрать для себя подходящий видео урок.
Будьте решительнее и окунитесь в чудесный мир творчества и искусства!
Видео для размышления: Что произойдет с вами, если вы начнете рисовать красками: 8 вещей, которые изменят вашу жизнь
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
ТОП 25 Самые известные картины в мире известных художников (название + описание)
Первые наскальные рисунки, выполненные рукой человека, относятся к эпохе палеолита, так что история художественного искусства насчитывает десятки тысяч лет. И пусть древнейшие сохранившиеся художественные работы намного моложе. Выбрать ТОП 25 самых известных картин — практически невыполнимая задача. Начиная от эпохи Возрождения, узнать художника по картине с каждым столетием становилось все тяжелее. Каждая эпоха изобилует гениальными мастерами, чьи коллекции наполнены нетленными шедеврами. Любому культурному образованному человеку наверняка знакомы экспонаты следующей подборки бессмертных шедевров, которую мы начинаем с величайшего произведения Ренессанса кисти, возможно, самого знаменитого художника в истории.25. Тайная вечеря — Леонардо да Винчи, 1495-1498
«Тайная вечеря».
Автор: Леонардо да ВинчиДата создания: 1495-1498 гг.Где находится: стена монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия.Стиль: Возрождения.
Картина-эксперимент, картина-загадка, картина-легенда и предмет ряда конспирологических теорий, касающихся личности ключевого персонажа фрески — Иисуса Христа. Дэн Браун и нашумевший бестселлер “The Da Vinci Code” славно порезвились на теме Христа и апостолов, за что писателю следует сказать спасибо, ведь ушлый американец напомнил планете о шедевральной фреске. Которую специалисты отказываются называть фреской, потому что Леонардо использовал экспериментальную технику, позволявшую долго, методично и детально наносить краски на штукатурку. Новаторская техника прославила имя автора, но сослужила плохую службу не-фреске, которая по классическим лекалам вышла бы крепче, надежнее и долговечнее. А так “Тайная вечеря”, нарисованная на стене монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, разрушилась практически до основания и без двадцатилетней реставрации наверняка бы давно исчезла и существовала бы только в копиях.
24. Впечатление. Восходящее солнце – Клод Моне, 1872
«Впечатление. Восходящее солнце».
Автор: Клод МонеДата создания: 1872 г.Где находится: Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция.Стиль: импрессионизм.
Картина-символ, положившая начало целому направлению живописи. Оригинальное название творения Моне – “Impression, soleil levant” и, когда “Впечатление” впервые показали широкой аудитории на выставке в 1874-м появился стиль импрессионизм, захвативший Францию и остальную Европу в конце XIX ст. Моне рука об руку с другими ниспровергателями академической живописи Мане, Дега, Ренуаром, Писсарро, Гогеном стремился к революционным переменам и агрессивным нападкам на традиционные ценности, за что журналист и публицист Леруа в своей рецензии на выставку окрестил компанию молодых художников “отбросами”, “барахольщиками” и “впечатленцами” (от названия “мазни” лидера движения), не отдавая отчета, что нечаянно объявил на весь свет о рождении невиданного авангардного течения. Ныне бездарного писаку помнят только за этот термин, который сам автор стремился выдать в качестве меткого оскорбления, а “Впечатление” радует глаз посетителей парижского музея Мармоттан-Моне.
23. Менины — Диего Веласкес, 1656
«Менины» или «Семья Филиппа IV».
Автор: Диего ВеласкесДата создания: 1656 г.Где находится: музей Прадо, Мадрид, Испания.Стиль: Барокко.
Одна из наиболее значимых и тщательно изученных картин в истории, которая вызывает восторг у простой публики и лучших профессионалов. К примеру, Пикассо и Дали были без ума от “Менин”, считая Веласкеса недостижимой вершиной искусства. А вот сам испанский живописец тяготился положением ремесленника, к которым в Испании семнадцатого века традиционно относили мастеров кисти и краски, сумел возвыситься до придворного статуса и даже стал близким другом короля Филиппа IV. Собственно, в истории Филипп остался не по причине великих государственных свершений, а благодаря шедевральным “Менинам”, где королевская чета изображена в зеркале. В центре композиции юная инфанта Маргарита Тереза, которую развлекают собака, придворные карлики-шуты и фрейлины, давшие шедевру название – “Las meninas” (с исп. фрейлина). Себя Диего также изобразил, что дает основания говорить, что в реальности гениальный художник писал автопортрет, а монаршие особы позировали придворному портретисту для отвода глаз. В настоящее время «Las Meninas» находятся в мадридском музее Прадо.
22. Подсолнухи – Винсент Ван Гог, 1888
«Подсолнухи».
Автор: Винсент Ван ГогДата создания: 1888 г.Где находится: Национальная галерея в Лондоне, Великобритания.Стиль: Постимпрессионизм.
Голландец бредил подсолнухами, посвятив солнечному растению целых два цикла произведений (двенадцать работ), после чего само слово “подсолнухи” стало ассоциироваться с живописью Ван Гога. Иными словами подсолнух-тематика – настоящая визитная карточка Ван Гога, который был маниакально помешан на солнечных цветах, хотя лично никогда не называл свои работы “подсолнухами”. В Париже Винсент рисовал лежащие цветы, спустя год – в вазе, причем все вариации отличаются лишь незначительными деталями. При жизни и после смерти каждая выставка голландца не обходится без “Tournesols”, которых автор в письме брату Тео безапелляционно называл : Подсолнухи принадлежат только мне. “Подсолнухи”-1888 принадлежат Лондонской национальной галерее.
21. Рождение Венеры – Сандро Ботичелли, 1485
«Рождение Венеры».
Автор: Сандро БотичеллиДата создания: 1485 г.Где находится: Галерея Уффици, Флоренция, Италия.Стиль: раннее Возрождение.
Сюжет шедевра : богиня Венера плывет по волнам к берегу в лодке из раковины морского гребешка. Новорожденная богиня обнажена, но приняла целомудренную позу, прикрывая грудь и лоно в классическом античном стиле.
Великое творение эпохи Возрождения – заслуга именитого рода итальянских меценатов и политических деятелей Медичи, покровительствовавших искусствам. Ботичелли написал “Рождение Венеры” для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, на чьей вилле Кастелло картина прожила долгие годы до переезда в галерею Уфицци, где хранится по сей день.
20. Крик – Эдвард Мунк, 1893
«Крик».
Автор: Эдвард МункДата создания: 1893 г.Где находится: Национальная галерея, Осло, Норвегия.Стиль: Экспрессионизм.
Весной 2012-го работа Мунка из серии “Skrik” была продана за $119 922 500 и оказалась лидером списка самых дорогих картин мира. Сейчас этот титул принадлежит “Спасителю мира”, приписываемому ДаВинчи. Есть разные версии, как норвежский экспрессионист пришел к сюжету с человеческой фигурой с головой в виде некоего эмбриона. Среди наиболее суровых версия о скотобойне, которая стояла возле сумасшедшего дома, где проходила лечение сестра Мунка. Когда экспрессионист посещал сестру, то сотрясался от предсмертных криков животных и безумных воплей душевнобольных. Возможно, источник вдохновения был не таким безжалостным, но в любом случае художнику-экспрессионисту удалось найти невероятно жуткий и точный образ, выражающий страх и ужас человека от столкновения с неласковым окружающим миром.
19. Девочка на шаре – Пабло Пикассо, 1905
«Девочка на шаре».
Автор: Пабло ПикассоДата создания: 1905 г.Где находится: Пушкинский музей, Москва, Россия.Стиль: экспрессионизм, символизм.
В начале 20-го века в творческой биографии Пикассо грустный и меланхоличный период голубого цвета сменился бодрым и жизнерадостным розовым, одной из премьерных и в итоге ключевых иллюстраций оказалась картина “Девочка на шаре”, максимально оптимистическое высказывание, на которое был способен нищий артист.
В 1913-м российский промышленник и меценат Иван Морозов купил полотно и привез в Москву, где после революции “Девочку” национализировали и начали выставлять сначала в Государственном музее, а позже в Пушкинском. Так отечественные любители живописи познакомились с движением кубизма, отчетливые черты которого проступают в каждом элементе холста. Пабло не придумал кубизм в одиночку, но по праву считается отцом-основателем движения и ключевой персоной, кто различил в геометрических фигурах громадный художественный потенциал.
18. Постоянство памяти – Сальвадор Дали, 1931
«Постоянство памяти».
Автор: Сальвадор ДалиДата создания: 1931 г.Где находится: Музей современного искусства, Нью-Йорк, США.Стиль: Сюрреализм.
Также известная как “Мягкие часы” сюрреалити-картина появилась в один из самых трудных моментов в биографии буйного испанского кудесника. Молодой человек связал жизнь с замужней русской иммигранткой Еленой Дьяконовой, чем совершенно испортил отношения с отцом доном Сальвадором-старшим, выставившим наследника из дома и лишившим всяческой материальной поддержки. В будущем Сальвадор-младший превратится в мегауспешного художника-миллионера, но в начале 1930-х юноша был беден и нуждался в отцовских деньгах. Однако недаром старшая по возрасту и жизненному опыту Гала разглядела в худом парне из Жироны гигантский талант и нереальную перспективу. Скоро Сальвадор-младший по собственному смелому изречению станет “человеком, которому суждено спасти искусство”, а написанный посреди постоянной нужды и недоедания сюр “Постоянство памяти” получит признание критиков, которые назовут “Мягкие часы” главным символом сюрреализма и лучшей работой Сальвадора Дали. Выставлена в Музее современного искусства, город Нью-Йорк.
17. Сикстинская Мадонна – Рафаэль Санти, 1513-1514
«Сикстинская мадонна».
Автор: Рафаэль СантиДата создания: 1513-1514 гг.Где находится: Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.Стиль: Высокое Возрождение.
При жизни Рафаэля “Madonna Sistina” не считалась лучшей работой мастера, но с течением времени холст, вывезенный из монастыря Святого Сикста в Дрезден, превратился в ключевое творение величайшего представителя художественной династии Санти. Высокий Ренессанс – время, когда люди перестали чувствовать тотальный страх перед небесами и поставили себя в центр мироздания. Именно поэтому Рафаэль помещал своих друзей, приятелей, родных и патронов на стены, потолки, доски и холсты, разыгрывая библейские и античные сюжеты. Для очередной Мадонны, которую Рафаэль решил посвятить любимому городу Пьяченца и главному городскому святому Сиксту, автор попросил поучаствовать не только Папу Римского Юлия II с племянницей Джулией Орсини, но также привлек свою любимую женщину Маргериту Люти в качестве модели Богородицы.
Около десяти лет “ Madonna Sistina ” провела в СССР как военный трофей, пока новый генеральный секретарь Никита Хрущев не совершил жест доброй воли и принял решение вернуть “Мадонну” дрезденской Галерее старых мастеров.
16. Положение во гроб – Микеланджело Караваджо, 1603
«Положение во гроб».
Автор:Микеланджело КараваджоДата создания: 1603 г.Где находится: Пинакотека, Ватикан.Стиль: Барокко.
Сегодняшняя эпоха западной политкорректности плохо подошла бы творческому стилю Караваджо, который угрожал своим моделям, выкапывал на кладбище трупы и даже однажды убил человека. “Положение во гроб” – пример такого подхода к рисованию. Караваджо никого здесь не убивал, но грозил живым участникам действа всяческими карами, если они откажутся держать на руках выкопанный из свежей могилы труп. За этот творческий метод современники называли Микеланджело Меризи да Караваджо гениальным чудовищем, что реформатора европейской живописи вполне устраивало и придавало уверенности шлифовать стиль барокко. Несмотря на крайний радикализм творчества, церковники нередко заказывали мастеру барокко около библейские сюжеты и полотно “Положение во гроб” предназначалось для римской церкви Санта-Мария-ин-Валичелла, которая в итоге отказалась от скандальной барокко-картины, что годы позже оказалась в коллекции Пинокотеки Ватикана.
15. Черный квадрат — Казимир Малевич, 1915
«Черный квадрат».
Автор:Казимир Малевич Дата создания: 1915 г.Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.Стиль: Супрематизм.
«Черный супрематический квадрат» — так называется концептуальный труд российского авангардиста, которого одни критики называют мошенником и шарлатаном, а другие гениальным артистом, идеально точно выразившим радикальный бунт авангардизма. Авангардисты устали осознавать собственную вторичность и бесконечно воспроизводить фотоаппарат и тогда лидер российского авангарда Малевич придумал картину-символ, картину-концепт, в котором умещается бесконечное количество идей и смыслов. Впрочем художник-авангардист продолжил поиски идеальной супрематической формы, нарисовав «Красный квадрат», «Черный круг», «Белый квадрат», «Черный крест» и другие вариации темы. Кстати говоря, только в 2015-м с помощью рентгена специалисты узнали, что под слоем краски Малевич оставил подпись «Битва негров в пещере глубокой ночью» (цитата из одноименного труда коллеги Альфонсо Алле). Так выяснилось, что все это время «Черный квадрат» висел в Третьяковской галерее вверх ногами. Теперь всё исправили.
14. Возвращение блудного сына – Рембрандт Харменс ван Рейн, 1669
«Возвращение блудного сына».
Автор: Рембрандт Харменс ван РейнДата создания: 1669 г.Где находится: Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.Стиль: Барокко.
В основе шедевра живописи новозаветная притча Христа о блудном сыне, божьем милосердии и прощении грешника, который проникся желанием покаяться. Персонаж отца в притче символизирует Господа Бога, принимающего к себе каждого грешного, желающего очистить душу. Но Рембрандт переосмыслил новозаветную историю и добавил в тему психологизма и элементы сложных внутренних движений человеческой души.
Религиозная тематика не была близка ван Рейну, который обращался к Библии считанные разы, но если уж брался за дело, то получался подлинный шедевр. Огромная удача и прозорливость Екатерины Великой позволили питерскому Эрмитажу стать владельцем одной из самых известных картин в мире. Случилось это в 1766-м, когда князь Дмитрий Голицын по поручению императрицы купил картину-притчу у герцога д’Ансезена, который в свою очередь получил «Возвращение блудного сына» в наследство от предков жены, имевших отношение к дипломатической миссии в Голландии.
13. Портрет А.С.Пушкина — Орест Кипренский, 1827
«Портрет А.С.Пушкина».
Автор: Орест КипренскийДата создания: 1827 г.Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.Стиль: Романтизм.
Пушкин — наше всё уже двести лет, поэтому мы не могли не включить канонический портрет Александра Сергеевича в коллекцию лучших картин в истории. Антон Дельвиг, близкий товарищ главного российского поэта, заказал Кипренскому портрет, а самому Пушкину так сильно понравился результат, что сразу же родились следующие строки :
«Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит,
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид».
Портрет несколько поколений хранился в семье Пушкиных, пока в 1916-м Третьяковская галерея не выкупила пушкинский лик у внуков поэта.
12. №5 – Джексон Поллок, 1948
«№5».
Автор: Джексон ПоллокДата создания: 1948 г.Где находится: Частная коллекция, Нью-Йорк, США.Стиль: Абстрактный экспрессионизм..
Когда на выставке в галерее Бетти Парсонс филиппинский специалист по произведениям искусства заплатил за фиброкартон с разбрызганными струями и каплями красок полторы тысячи долларов, приятель филиппинца подтрунивал, посмеивался и в общих чертах говорил следующее «Как можно за это платить деньги».
В начале 2000-х этюд «№5» Поллока был продан за 140 миллионов и вряд ли есть сомнения, что филиппинский торговец отлично разбирался в американском абстрактном экспрессионизме и вовремя вычислил главного представителя движения. К слову, после продажи фиброкартон был поврежден и возвращен галерее, после чего автор доработал полотно и отправил «№5» покупателю, а тот пришел в абсолютный восторг, заявив, что завладел сразу двумя замечательными рисунками по цене одного.
Сейчас главное творение Поллока находится в частной коллекции нью-йоркского ценителя искусств.
11. Свобода ведущая народ — Эжен Делакруа, 1830
«Свобода ведущая народ».
Автор: Эжен ДелакруаДата создания: 1830 г.Где находится: Лувр, Париж, Франция.Стиль: Романтизм.
Делакруа написал революционное творение на фоне июльских событий 1830-го и реставрации Бурбонов, хотя в уме простого человека “Свобода, ведущая народ” прочно ассоциируется с Великой французской революцией и Взятием Бастилии.
В центре композиции фигура женщины Марианны, ставшей символом французской республики и физическим воплощением прославленного девиза “Свобода. Равенство. Братство”. Делакруа, впитавший дух эпохи Просвещения и Романтизма, соединил в фигуре Марианны красоту античной богини и бесстрашие обычной женщины из народа. За Марианной следуют мальчик (подрастающее поколение), буржуа и рабочий, шагающие единым фронтом против врагов революции и свободы.
Художественный стяг революции пользовался нешуточной популярностью и объехал весь земной шар, пока не нашел новый дом в Лувре.
10. Ночной дозор – Рембрандт ван Рейн, 1642
«Ночной дозор».
Автор: Рембрандт ван РейнДата создания: 1642 г.Где находится: Государственный музей, Амстердам, Нидерланды.Стиль: Барокко.
Свежая новость про самую известную картину Рембрандта : с помощью ИИ-технологий ученые сумели восстановить три фигуры, которые в свое время пришлось отрезать, потому что “Ночной дозор” не помещался на выделенном месте стены Амстердамской ратуши. Полное название группового портрета “Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга»” и художник написал полотно по заказу двух главных участников мушкетерского отряда, получив в 1642-м солидный гонорар 1600 гульденов. Рисование портрета цеховой профессиональной группы лиц – стандартная процедура Голландии Золотого века, но Рембрандт пошел гораздо дальше и глубже, насытив простой сюжет богатой символикой, которую даже опытные специалисты не в силах полностью расшифровать поныне. Так на рисунке появились различные женские фигуры, не имевшие никакого отношения к отряду Кока, однако наделенные важным символизмом. К примеру, желтый цвет платья героини означает победу.
Как сказано выше, у шедевра есть длинное труднопереносимое авторское название, а “Ночным дозором” портрет назвали после обнаружения в середине девятнадцатого столетия посреди городской ратуши Амстердама, где холст покрылся толстым слоем копоти. Так родилось название “Ночной дозор”, хотя действие происходит при свете дня и, как подсчитали специалисты, около двух часов пополудни.
9. Страшный суд – Иероним Босх, 1504
«Страшный суд».
Автор: Иероним БосхДата создания: 1504 г.Где находится: Академия изобразительных искусств, Вена, Австрия.Стиль: Возрождение.
Крупнейший труд легендарного художника, создавшего галерею человеческих характеров, добродетелей, грехов и пороков, что устрашают даже обитателей 21 века, не говоря о религиозных современников Босха, которые смотрели на жуткие фантазии голландца и принимали на веру каждую деталь триптиха.
Три составные части триптиха называются “Страшный суд” (центр), “Рай” (левая створка), “Ад” (правая) и в целом представляют скептический взгляд автора на будущее человечества, лишь избранные представители которого оказываются в райских кущах. Основная часть отправится в тартарары или уже находится в пекле, где грешников предают адским мукам. Босх чрезвычайно изобретателен в придумывании мук, глядя на которые нормальный человек обязательно испугается и попытается исправиться, стать лучше и устремиться к добру.
8. Бурлаки на Волге – Илья Репин, 1870-1873
«Бурлаки на Волге».
Автор: Илья РепинДата создания: 1870-1873 г.Где находится: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.Стиль: Реализм.
Бурлаки – это люди, перетягивавшие лодки и корабли против речного течения. Это был реально адский труд, который теперь можно наблюдать в коллекции Русского музея Санкт-Петербурга. К работе бурлаков приглядывались Верещагин, Саврасов, Феликс Выгживальский, но, разумеется, глубочайший след в русской культуре оставил именно Репин своей многомесячной работой “Бурлаки на Волге”, которую уроженец украинского Чугуева наблюдал и создавал во время речного путешествия от Твери до Саратова, в которое Илья Ефимович отправился вместе с братом и друзьями. Молодой выпускник Академии художеств был стеснен в средствах и ехал за счет спонсоров, но бурлацкой бедноты рисовальщик в жизни ещё не встречал и попытался передать на холсте всю безнадегу и тоску крестьянина или городского рабочего, вынужденного отправиться на реку бурлачить.
7. Похищение дочерей Левкиппа – Питер Рубенс, 1617-1618
«Похищение дочерей Левкиппа».
Автор: Питер РубенсДата создания: 1617-1618 г.Где находится: Старая пинакотека, Мюнхен, Германия.Стиль: Барокко.
Женщины Рубенса – образ, прочно закрепившийся в художественной культуре и означающий тучных, пышных, толстых дам, которых нидерландский живописец и дипломат считал идеалом красоты. Правда, существует и другое мнение, согласно которому толстые женщины Рубенса – это гротескный образ, которым голландец обличал изъяны и пороки современного общества. К слову, современный социум политкорректности и толерантности вряд ли оценил бы по достоинству представленный сюжет похищения сильными белыми мужчинами двух беспомощных полуобнаженных женщин, но у классики иные стандарты и пока что никто не собирается сжигать полотна Рубенса и валить памятники славному голландцу.
Тема “Похищение дочерей Левкиппа” взята из древнегреческого мифа о братьях Диоскурах, полубожественных сыновьях Зевса и спартанской царицы Леды. Братья совершили немало подвигов – спасали сестру, путешествовали с аргонавтами, охотились на каледонского вепря, а после смерти превратились в созвездие Близнецов. Но есть в мифической биографии Диоскуров эпизод совершенно негероического характера. После ссоры со своими родственниками из клана Афаретидов братья похитили невест противников и женились на украденных девушках. Первую часть бесславного приключения можно посмотреть в галерее мюнхенской Старой пинакотеки.
6. Маха одетая – Франсиско Гойя, 1800-1805
«Маха одетая».
Автор: Франсиско ГойяДата создания: 1800-1805 г.Где находится: Музей Прадо, Мадрид, Испания.Стиль: Романтизм.
Махами в Испании XVIII—XIX ст. называли простолюдинок веселого нрава, соблазнительной внешности, игривого поведения. Хотя моделью ”Махи одетой” (как и обнаженной копии) выступила дама из высшего общества. Ранее искусствоведы считали моделью 13-ю герцогиню Альбу Марию Каэтану де Сильва, хотя впоследствии большинство специалистов изменили мнение в пользу Пепиты Тудо, любовницы и жены Мануэля Годоя, видного государственного деятеля, который являлся заказчиком обоих полотен. Премьер-министр любил искусство, покровительствовал артистам и собрал солидную коллекцию произведений. Когда Гойя закончил парный проект, заказчик повесил разместил картины друг за другом, чтобы в нужный момент заменить одетую Маху раздетой, приведя гостей в дикий восторг. С 1901-го восторгаются посетители мадридского Прадо, которому оба полотна передала инквизиция, ранее конфисковавшая произведения Гойи у опального главы кабинета министров.
5. Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года – Илья Репин, 1885
«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года».
Автор: Илья РепинДата создания: 1885 г.Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.Стиль: Реализм.
«Иван Грозный убивает своего сына» — под таким названием знают этот прославленный труд Репина, который очень эмоционально и страшно передал позорный эпизод русской истории. Правда, некоторые историки утверждают, что убийство Грозным собственного наследника является мифом и в реальности царевич скончался от болезни. Страшная правда это или зловещая легенда, но художественное произведение удалось, хотя стоило автору немалых нервных потрясений.
Занимательный факт : ключевая звезда Третьяковки стала жертвой покушения, когда в 1913-м на полотно бросился безумец с ножом и криками «Довольно крови!». К счастью, для спасения великого труда даже не понадобилась помощь реставраторов — сам Репин быстро приехал к месту преступления и исправил повреждения.
4. Обнажённая, сидящая на диване – Амедео Модильяни, 1917
«Обнажённая, сидящая на диване».
Автор: Амедео МодильяниДата создания: 1917 г.Где находится: Частная коллекция.Стиль: Экспрессионизм.
Живописец редкостного таланта и трагической судьбы Амедео Модильяни запомнился историкам ужасными обстоятельствами смерти, склонностью к экспрессионизму в творчестве и скандальной коллекцией ню-картин. Искусствоведы называют Модильяни певцом красоты женского тела, хотя современники итальянца срывали выставки, травили Амедео полицией и прочими властными структурами, для которых ню-картина равнялась позору, стыду и сраму. Обнаженная натура кисти Модильяни приближались к настоящим портретам, чем сильно отличались от “обнаженки” абстракционистов, на чьи “голые” произведения власти смотрели сквозь пальцы. Бедняге Амедео повезло меньше и даже подлинный шедевр “Обнаженная, сидящая на диване”, исполненная для собственной выставки, привела к очередному скандалу и финансовым потерям, хотя даже в 1917-м были специалисты, утверждавшие, что мастер превзошел самого себя. В 2000-х об этом знает каждый и скандальный ню-портрет уходит с молотка “Сотбис” за рекордные $69 млн. в частную коллекцию.
3. Алжирские женщины – Пабло Пикассо, 1954-1955
«Алжирские женщины».
Автор: Пабло ПикассоДата создания: 1954-1955 г.Где находится: Частная коллекция Хамада бен Джасима бен Джабера Аль Тани, Доха (Катар).Стиль: Кубический абстракционизм.
“Femmes d’Alger dans leur appartement” – полотно Делакруа, вдохновившее Пикассо на целую серию одноименных рисунков, в которых испанец выражал свой восторг и восхищение французским романтиком, хотя использовал множество мотивов и стилистических находок Анри Матисса, своего многолетнего друга-противника-конкурента, лидера движения модернистов-фовистов. Свободное переосмысление темы получилось типично пикассовским кубическим абстракционизмом, в котором каждый зритель способен различить десятки фигур и тысячи образов. К началу 1950-х о о семидесятилетнем классике стали забывать, но цикл из десяти рисунков вернул Пабло в ряды ключевых живописцев и вызвала нешуточный ажиотаж среди коллекционеров. Через вторые-третьи руки нынешним счастливым владельцем “Версии О Алжирских женщин” (последнего по времени создания и самого знаменитого среди рисунков серии) стал катарец Хамад бен Джасим Аль Тани, до 2013-го занимавший пост премьер-министра страны.
2. Девочка с воздушным шаром – Бэнкси, 2006
«Девочка с воздушным шаром».
Автор: БэнксиДата создания: 2006 г.Где находится: Частная коллекция в одной из европейских стран.Стиль: Стрит-арт.
По требованию Бэнкси в 2018 «Balloon girl», картину-копию одноименного граффити, переименовали в «Life is in the bin», то есть «Любовь в мусорной корзине». Но главное не этот эпизод авторского вмешательства, а инцидент, произошедший во время аукциона Sotheby’s. После объявления о продаже внутри рамы «Balloon girl» активировался встроенный шредер и разрезал проданный лот на куски. Публика пребывала в шоке и ужасе, зато крупный знаток «контемпорари-арт» Пьер Кукджян весьма прозорливо называл инцидент «поворотным моментом в истории концептуального искусства» и позавидовал неизвестному покупателю, забравшему труд Бэнкси в свою коллекцию.
1. Мона Лиза — Леонардо да Винчи, 1503-1519
«Мона Лиза».
Автор: Леонардо да ВинчиДата создания: 1503-1519 г.Где находится: Лувр, Париж, Франция.Стиль: Высокое Возрождение.
Вне всяких сомнений самая известная картина в истории, которая однажды попала в эпицентр преступления века (Похищение “Джоконды”) и, казалось, была утрачена навсегда. Как сказано выше, “Спаситель” является наиболее дорогим произведением живописи, но если бы “Джоконда” попала на аукцион, то по оценкам специалистов стоимость шедевра легко бы перевалила за миллиард долларов.
Богатый флорентийский купец Франческо дель Джокондо заказал художнику портрет жены Лизы в начале 1503-го, однако работа заняла значительно больше времени, чем предполагал заказчик. Гений Ренессанса одновременно трудился над несколькими проектами, но лицо мадам Джокондо так увлекло Леонардо, что пришлось потратить долгие годы, чтобы произведение достигло подлинного совершенства. В первую очередь поражает улыбка Мона Лизы, которую пытались разгадать на протяжении столетий. Сейчас разгадка найдена : сфумато. Так называется уникальная техника ДаВинчи, экспериментировавшего с тенями, светом, оттенками красок, что выливалось в создание иллюзии трехмерных объектов, фигур и лиц. Улыбка Джоконды формируется именно благодаря технике сфумато, когда зрительский взгляд сразу падает на глаза и губы. Если вы смотрите Джоконде в глаза, то периферическим зрением создается впечатление, что губы раскрываются в тонкой ухмылке, но стоит перевести взгляд вниз и улыбки как ни бывало. Лучше всего убедиться воочию – в Лувре, в зале, где в любой день открытых дверей не протолкнуться от миллиона желающих приобщиться к чуду.
15 шедевров живописи, процитированных в кино — Попкорн
Как говорил Пикассо, «Хорошие художники копируют, великие — воруют». Карабкаются друг другу на плечи, заимствуют кадры, обогащают старое искусство новыми смыслами. В общем, на пустом месте шедевры не рождаются. Мы собрали несколько примеров того, как знаменитые картины нашли отражение в кино.
Картина: «Рождение Венеры», Сандро Ботичелли, 1480-е Фильм: «Приключения барона Мюнхгаузена», Терри Гиллиам, 1988 кадр: Allied Filmmakers Картина: «Сломанная колонна», Фрида Кало, 1944 Фильм: «Пятый элемент», Люк Бессон, 1997 кадр: Gaumont Картина: Тайная вечеря«, Леонардо Да Винчи, 1494-1498 Фильм: «М.Э.Ш.», Роберт Олтмен, 1969 кадр: 20th Century Fox Картина: «Вавилонская башня», Питер Брейгель-старший, 1563 Фильм: «Метрополис», Фриц Ланг, 1927 кадр: Universum Film Картина: «Офелия», Джон Эверетт Миллес, 1851 Фильм: «Меланхолия», Ларс фон Триер, 2011 кадр: Memfis Film Картина: «Притча о слепых», Питер Брейгель старший, 1568 Фильм: «Легенда о Тиле», Александр Алов, Владимир Наумов, 1976 кадр: Мосфильм Картина: «Ночной дозор», Рембрандт, 1642 Фильм: «Тайны «Ночного дозора»», Питер Гринуэй, 2007 кадр: Aria Films Картина: «Возвращение блудного сына», Рембрандт, 1668 Фильм: «Солярис», Андрей Тарковский, 1972 кадр: Мосфильм Картина: «Ночной кошмар», Генри Фюсли, 1781 Фильм: «Готика», Кен Рассел, 1986 кадр: Virgin Vision Картина: «Последний рейс корабля «Отважный», Уильям Тернер, 1839 Фильм: «Мистер Тернер», Майк Ли, 2014 кадр: Film4 Картина: «Мертвый Христос», Андреа Мантенья, 1490 Фильм: «Возвращение», Андрей Звягинцев, 2003 кадр: Рен Фильм Картина: «Запорожцы», Илья Репин, 1880 Фильм: «Тарас Бульба», Владимир Бортко, 2009 кадр: Централ Партнершип Картина: «Мост Ланглуа», Винсент Ван Гог, 1888 Фильм: «Сны», Акира Куросава, 1990 кадр: Akira Kurosawa USA Картина: «Полуночники», Эдвард Хоппер, 1942 Фильм: «Гроши с неба», Герберт Росс, 1981 кадр: MGM Картина: «Замки в Пиренеях», Рене Магритт, 1959 Фильм: «Аватар», Джеймс Кэмерон, 2009 кадр: 20th Century Fox Картина: «Суд святой инквизиции», Франциско Гойя, 1812 Фильм: «Призраки Гойи», Милош Форман, 2006 кадр: The Saul Zaentz Company Картина: «Крик», Эдвард Мунк, 1893 Фильм: «Крик», Уэс Крэйвен, 1996 кадр: Woods EntertainmentНашли ошибку? Выделите фрагмент и нажмите Ctrl+Enter.
Клод Моне — Репродукции картин маслом
Второй сын парижан во втором поколении, уроженец Парижа Моне переехал со своей семьей в Гавр в возрасте пяти лет. У него было недисциплинированное детство, которое беспокоило и его родителей, и учителей. В то время как его отец хотел, чтобы он присоединился к семейному продуктовому бизнесу, Моне предпочел стать художником. Еще до того, как ему исполнилось 11 лет, он поступил в среднюю школу искусств Гавра и стал достаточно искусным в создании карикатур углем, которые местные жители охотно покупали за 10–20 франков.В 15 лет он встретил Юджина Будена, художника-мариниста, который специализировался на выполнении тихих и торжественных картин; эта встреча должна была навсегда изменить жизнь молодого Моне.
Хотя он открыто презирал серьезный стиль Будена, старший художник убедил его отказаться от своего неодобрения и заняться изучением пейзажной живописи. Некоторое время дуэт работал на природе в красивой сельской местности Нормана. Буден в своей скромной манере щедро передал все, что знал, Моне и обратил его в фанатика пленэрной (пленэрной) живописи.Даже после того, как Моне добился большого художественного успеха, он признал свой долг перед Буденом.
Обескураженный Буденом в стремлении к прибыльной практике рисования карикатур, Моне посвятил все свои силы тому, чтобы стать серьезным художником и, таким образом, начал свою ожесточенную борьбу на протяжении многих лет. Ему часто не хватало денег на еду, а может, даже хуже, на краски и холст. Хотя его родители не возражали против его поездки в Париж для изучения искусства, они настолько твердо относились к его академическому режиму, что фактически это было противодействием.Вместо того, чтобы поступать в Ecole des Beaux Arts, как можно было ожидать от него, Моне поступил в Academy Suisse, которой руководила бывшая модель. Он был рад обмену идеями в оживленном собрании художников в Brasserie des Martyres, закусочной, пользующейся большой популярностью среди художественных и литературных кругов города.
Вернувшись в Париж после военной службы в Алжире, Моне познакомился с такими людьми, как Ренуар, Базиль и Сислей, которые были частыми гостями в студии Глейра.Он также участвовал в Парижском салоне 1855 года. С началом франко-прусской войны Моне сбежал в Лондон, где на него сильно повлияли пейзажи Джозефа Мэллорда, Уильяма Тернера и Джона Констебля. Работы этих двух мастеров вдохновили его на многие из его более поздних экспериментов и нововведений в применении и обработке цвета.
Разочарованный отказом Королевской академии принять его картины для выставки в 1871 году, Моне переехал в Зандам, город в Нидерландах, где исполнил 25 картин.В том же году он также отправился в Амстердам, прежде чем переехать во Францию, где он проживал до 1878 года в Аржантёе. В этом живописном туристическом месте на берегу Сены недалеко от Парижа он создал некоторые из своих самых известных композиций.
В 1880 году у Моне состоялась первая выставка его собрания работ; к этому времени он уже был известен как импрессионист с большой репутацией. Он переехал в Живерни в 1883 году, где поселился и продолжал рисовать, а также обучать большое количество учеников.В 1890-х он классно экспериментировал с влиянием различных условий освещения на повседневные предметы. Он начал заниматься ландшафтным дизайном в 1893 году, и пруды с лилиями в его саду в конечном итоге стали предметами его самых популярных работ. Он начал рисовать кувшинки в 1899 году, сначала разместив их вдоль вертикальных линий на фоне японского моста, а затем в более крупномасштабные произведения искусства, которые доминировали в его творчестве в течение следующих 20 лет. Пейзажи с их контрастом света и водянистых отражений составляли неотъемлемую часть его художественных исполнений.
Широко признанный художник-пейзажист, Моне по-прежнему известен выражением своего восприятия природы. Его картины часто были полностью лишены черного и серого, в то время как естественный цвет был разбит на их отдельные компоненты, чтобы представить ту же сцену, которая была бы при разных погодных условиях, сезоне и освещении. По словам Моне, «пейзаж — это не что иное, как мгновенное впечатление». Его живопись в стиле импрессионизма вырвалась из шаблона передачи природы в ее самой буквальной форме, т. Е.е. природа, видимая через эффекты атмосферы, цвета, света и времени суток.
Преходящий художественный стиль и философия импрессионизма Клода Моне оказали невероятное влияние на искусство 20 века.
Авторские права © 2021 BrushWiz. Все права защищены.
45 самых известных картин всех времен
Лучшие картины просто захватывают дух! У них есть уникальная тема или новый стиль рисования, который выделяет их в этом многолюдном поле.
Многие из этих картин являются свидетельством мастерства и таланта многих художников из разных уголков мира. Пабло Пикассо справедливо сказал, что каждый ребенок — прирожденный художник, проблема в том, чтобы удержать этого художника в себе.
Эта вселенная полна искусства и вдохновения, это то, что может увидеть каждый, но нужен действительно талантливый и дальновидный художник, чтобы подобрать краски и кисти и проиллюстрировать свои мысли, видения и эту прекрасную вселенную в картинах.
Самые красивые и дорогие картины
Чтобы взорвать вас, мы тщательно продумали все детали, чтобы найти одни из лучших произведений искусства, которые когда-либо создавались.Ниже представлены 45 самых красивых, известных и дорогих картин всех времен.
45. Хлеб наш насущный Андерс зорн
Картина 1886 года «Хлеб наш насущный» Андерса Цорна из Швеции изображает его мать, сидящую на краю канавы и готовящую картофель для комбайнов. Картина из его частной коллекции изображает жертвы его матери.
Ему было около 20 лет, когда он написал ее, чтобы отдать должное любви матери к нему и его большой совместной семье.Композиция стала достоянием общественности после смерти художника в 1920 году. После этого она была приобретена Национальным музеем Стокгольма.
44. Раненый ангел
Картина с двумя мрачными мальчиками, несущими на носилках ангела с забинтованным лбом и окровавленным крылом, мгновенно вызывает у людей любопытство. И прямой взгляд мальчика направо трогает душу зрителя.
Композиция до сих пор считается одним из лучших произведений искусства с 1903 года, и в том же году она была создана финским художником-символистом Хьюго Симбергом.
Картина была источником силы для Симберга, так как он очень давно страдал от менингита. В 2006 году картина была признана «Национальной живописью Финляндии» на конкурсе, организованном художественным музеем Атенеум.
43. Мир Кристины
«Мир Кристины» — одна из самых известных картин американского художника Эндрю Уайета 20 -х годов века.
На холсте 1948 года изображена женщина, Анна Кристина, которая поднимается с желтовато-коричневого травяного поля и с любовью смотрит на серый фермерский дом на вершине утеса.Женщина на картине страдала от мышечного расстройства, которое не позволяло ей ходить в походы. Однако она все еще пыталась добраться до фермерского дома, который находился довольно далеко.
Задача художника заключалась в том, чтобы проявить беспристрастность к ее необыкновенному покорению жизни, которое большинство людей сочло бы безнадежным. Красивая картина с глубоким смыслом и желанием достичь в настоящее время экспонируется в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
42. Найтхокс
«Ночные ястребы» Эдварда Хоппера — это картина, изображающая неуловимую оценку современного общества.Четыре персонажа картины изолированы и отключены от своего окружения, несмотря на то, что находятся в шикарном окружении.
Со стороны кажется, что мужчина и женщина держатся за руки, однако при ближайшем рассмотрении они даже не смотрят друг на друга. Два других персонажа также выглядят разговаривающими друг с другом, но это не так.
Картина была куплена Чикагским институтом искусств сразу после того, как была завершена Хоппером, и остается там до сих пор.Хотя Хоппер утверждал, что это настоящее место, люди не смогли найти ни одного такого ресторана. Картина дает представление о том, что все в этом мире одиноки, поскольку персонажи разобщены и находятся в неоднозначных отношениях.
Картина написана Хоппером в 1942 году на холсте маслом.
41. Сияние надежды
«Сияние надежды», также известное как «Женщина с лампой», — одно из произведений компании S.L. Халданкар.Этот шедевр выпускался в 1945-46 годах. Халданкар был увлечен идеей нарисовать это на индийском фестивале Дивали — фестивале огней; когда он увидел свою дочь в красивом индийском наряде сари со свечой в одной руке и другой рукой, защищающей пламя от ветра.
Халданкар сделал свою дочь Гиту предметом своей живописи и увековечил ее на раскрашенной вручную бумаге акварельными красками. Акварели были использованы Халданкаром сознательно, так как он хотел доказать, что может писать картины без ошибок.Масляные краски можно стирать, а вот акварелью — нет.
Халданкар изображает женщин на этой своей картине с использованием цвета и сюжета — своей третьей дочери. Лаванда в сари олицетворяет изящество, а золотой цвет определяет королевское прикосновение. Дочь Гиты Халданкар на картине — воплощение грации, женственности и естественной красоты. Эффект картины усиливается за счет тени позади объекта.
40. Salvator Mundi
Salvator Mundi, произведение искусства шириной 66 см x 45 см, созданное в 1500 веке итальянским художником эпохи Возрождения Леонардо.
На картине, написанной маслом, среднего размера Иисус изображен как Спаситель мира, крестящийся правой рукой и держащий в левой руке прозрачный хрустальный шар. Картина называется копией утерянной и оригинальной картины, которая была заново открыта и отреставрирована и включена в крупную выставку Леонардо в Национальной галерее в Лондоне в 2011-2012 годах.
Последний раз картина была продана на аукционе в ноябре 2017 года за 450,3 миллиона долларов принцу Бадру бин Абдулле. Это новый рекорд для самой дорогой картины, когда-либо проданной на открытых аукционах.
39. Рембрандт Христос во время бури на Галилейском озере
«Буря на Галилейском море» — произведение искусства, написанное в 1633 году голландским художником Золотого века Рембрандтом ван Рейном.
Очень долгое время он экспонировался в Музее Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне. К сожалению, в 1990 году двое воров ворвались в музей и украли его вместе с 12 другими произведениями искусства.
К сожалению, он все еще отсутствует. Эта кража до сих пор считается одной из самых крупных краж произведений искусства в истории США.
38. Собака, лежащая на снегу
Эта популярная композиция была создана в 1911 году немецким художником Францем Марком.
На картине с угловатыми элементами изображена собственная сибирская овчарка Марка по кличке Русси, беззаботно лежащая на белом морозном снегу в январе месяце недалеко от деревни, где он жил.
Сцена с основными цветами желтого, синего и их сочетаний иллюстрирует привязанность собаки к природе. Марк был известен тем, что рисовал животных, так как считал их чистыми и близкими к Богу.Из всех его популярных творений это было очень интимным и близким его сердцу.
37. Портрет Мари Класен
Портрет Мари Класен — одна из самых любимых картин маслом в мире. Драммен, норвежский художник Хальвдан Йонсен Эгедиус написал его в 1895 году, когда ему было всего 17 лет.
Он чудесно смешал цвета, чтобы описать красоту норвежского народного костюма Бунад, который носила Мари Класен, молодая симпатичная женщина из южно-центральной части Норвегии.Картина много говорит о красоте и культуре страны.
36. Старый гитарист
Старый гитарист — один из самых запоминающихся образов, созданных Пабло Пикассо с тех пор, как Пикассо ограничился холодной монохроматической синей палитрой, изображающей эмоциональные, психологические темы человеческих страданий и отчуждения. Картина является воплощением вневременного выражения человеческих страданий.
Пикассо создал картину во время работы в Барселоне в 1903 году.Это было известно как голубой период Пикассо (1901–1904). Сюжет этого шедевра Пикассо — старик, хотя и изможденный, но все еще держится за свою гитару и играет на ней. Замечательный эффект на картину дает костяная рама старика.
Картина может быть отнесена к образу жизни, который вел Пикассо в тот период, поскольку он был довольно беден в тот период, а его предметами искусства в этот период были люди из низших слоев этого конкретного общества — нищие, проститутки, матери-одиночки. и пьяницы.
35. Рождение Венеры
«Рождение Венеры» Сандро Боттичелли — это картина, на которой изображена богиня Венеры, появившаяся из моря в образе красивой женщины. Самая яркая часть этой простой картины — красивое лицо богини Венеры и ее застенчивая поза. В настоящее время он находится во флорентийской галерее Уффици.
34. Собаки играют в покер
Написал в 1903 году К. Кулиджа, на этой картине есть 16 изображений собак, сидящих за покерным столом и играющих в карты.Эта картина была культовым изображением американцев начала XIX века.
33. Портрет мадам Рекамье
На этом портрете изображена Джульетта Рекамье, сидящая на стильном диване в простом платье с обнаженными руками. Эта картина в стиле неоклассицизма сейчас находится в Лувре во Франции.
32. №5, 1948 год
Эта знаменитая картина Джексона Поллока — знаковое произведение искусства, изображающее хаос, бушующий внутри Поллока во время написания.Множество завихрений и сеток делают его уникальным произведением искусства. По этим причинам это одна из самых дорогих картин, когда-либо проданных американским художником, поскольку она была продана за огромные 140 миллионов долларов.
31. Сын Человеческий
«Сын человеческий», нарисованный Рене Магриттисом, представляет собой произведение, которое показывает его самого в черном костюме, но с яблоком вместо лица.
30. Королевский красный и синий
На этой недавней картине Марка Ротко изображены королевские синие и красные квадраты на холсте.Изюминкой этой картины является сделанный вручную холст, и в настоящее время она находится в Институте искусств в Чикаго.
29. Избиение младенцев
Картина Питера Пауля Рубенса, основанная на библейской резне невинных людей в Вифлееме, вызывает ужас в умах зрителей.
28. Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат
Созданный Жоржем Суэра, он показывает непринужденную атмосферу людей ленивым воскресным днем на острове.Эта картина — отличный пример пуантилизма, где множество точек соединяются вместе, образуя изображение.
27. Танец
Танец Анри Матисса основан на художественной форме фовизима, изображенной яркими красками. Эта картина о нескольких людях, танцующих вместе в кругу, особенно примечательна своим ярко-синим фоном.
26. Американская готика
American Gothic символизирует стойкость и решительность американцев во время Великой депрессии.На этой картине Грант Вуд изображает суровую пару, стоящую перед домом с готическими окнами.
25. Цветовоз
На этой картине, написанной самым популярным мексиканским художником 20 века, показано, как человек пытается нести на спине огромную корзину с цветами. Его яркие цвета являются визитной карточкой Диего Риверы.
24. Мать Уистлера
Также известен как «Композиция в сером и черном». Мать художника », это одна из самых известных картин американского художника Джеймса Макнила Уистлера.На этой картине Уистлер изображает свою мать, сидящую на стуле у серой стены. Картина названа так потому, что художник использовал в ней только черный и серый оттенки.
23. Постоянство памяти
Картина испанского художника Сальвадора Дали — классический образец сюрреализма, в котором твердые и мягкие вещи соседствуют друг с другом. На этом снимке мягкое изображение часов скользит на фоне жесткого стола.
22. Портрет Доры Маар
Пабло Пикассо — один из самых выдающихся испанских художников, и его мастерство наиболее ярко проявляется в этой картине.Он является основателем стиля кубизм, который показывает одну и ту же картину с разных сторон. На этой картине изображено женское лицо, которое, как считается, принадлежит любовнику Пикассо, изображенное с разных ракурсов, что является первой из многих картин в стиле кубизма.
21. Portrait de L’Artiste Sans Barbe
Картина Ван Гога интересна тем, что изображает художника без бороды. Это также одна из немногих картин Ван Гога, проданных за 71 доллар.5 миллионов в 1998 году, что делает эту картину одной из самых дорогих из когда-либо проданных его картин.
20. Ночная терраса кафе
Картина Винсента Ван Гога изображает повседневную обстановку в ярких тонах. На этой простой картине хорошо изображен простой ужин в кафе на улице.
19. Состав 8
Кандинский часто известен как основатель абстрактного искусства, формы, в которой используются формы и символы вместо реальных людей. Композиция 8 — одна из первых его картин, раскрывающих этот вид искусства.
18. Поцелуй
Одно из первых произведений искусства в стиле модерн, эта картина использовала в качестве фона сусальное золото. Эта картина, созданная Густавом Климтом, известна своим стилем.
17. La Moulin de la Galette
Название этой картины переводится как «Шеф-кондитер» и является ярким описанием городской жизни. Эта картина Ренуара также является одной из самых дорогих картин, когда-либо купленных.
16. Олимпия
«Олимпия» Эдуарда Мане вызвала споры, поскольку показала женщину, взгляд и тонкость которой указывали на то, что она любовница.Это также хороший ранний образец стиля реализма.
15. Третье мая
На этой картине Франсиско Гойи изображено нападение Наполеона на испанцев. Это одна из первых испанских картин, изображающих войну в плохом свете.
14. Las Meninas
«Лас Менинас» изображает Маргариту Терезу из Испании в детстве вместе с королем и королевой Испании. Написанная Диего Валаскесом, эта картина считается важной картиной в стиле барокко.
13.Брак Арнольфини
Это одна из старейших сохранившихся картин, датируемая 1434 годом. Она была написана Яном ван Эйком и изображает итальянского бизнесмена Джованни Арнольфини и его беременную жену в их доме в городе Брюгге.
12. Крик
«Крик» — это картина Эдварда Мунка из Норвегии, на которой изображено искаженное лицо фигуры на фоне кровавого неба. Холмистый пейзаж на заднем плане добавляет очарования этой фотографии.Это также одна из первых картин, выполненных в стиле экспрессионизма, где реальность размыта, чтобы придать большее значение эмоциям.
11. Водяные лилии
Кувшинки, написанные Клодом Моне, представляют собой серию из 250 картин маслом, основанных на его собственном цветнике. Эти картины находятся в разных художественных музеях мира.
10. Звездная ночь
«Звездная ночь» Винсента Ван Гога показывает деревню Сен-Реми под палящим солнцем.Это один из самых известных образов в современной культуре, который в настоящее время находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
9. Пейзаж с падением Икара
Эта картина голландского художника Питера Брейгеля показывает безразличие человека к страданиям своих собратьев. Это мощная тема, показанная довольно просто с Икаром, греческим персонажем, страдающим под водой, и людьми, продолжающими свою работу.
8. Сотворение Адама
«Сотворение Адама» Микеланджело показывает, как Бог создал Адама.Это одна из картин, украшающих Сикстинскую капеллу в Ватикане на площади 12 000 квадратных футов.
7. Тайная вечеря
«Тайная вечеря» — это картина, изображающая последнюю трапезу, которую Иисус ел со своими учениками. Эта картина, выставленная в столовой Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, также вызвала много споров вокруг Марии Магдалины, предполагаемого персонажа, сидящего рядом с Иисусом.
6. Герника
Герника Пикассо изображает бомбардировку испанского города Герника во время гражданской войны в Испании.Это черно-белая картина, на которой изображена роль итальянцев и немцев в этой бомбардировке.
5. Девушка с жемчужной сережкой
Девушка с жемчужной сережкой часто известна как голландская Моналиса, потому что выражение лица девушки трудно понять. В центре внимания этой картины Йоханнеса Вермеера — жемчужные серьги.
4. Усекновение главы Иоанна Крестителя
На этой картине Караваджо реалистично изображен момент убийства в тюрьме.Мрачность картины и выражения лиц зрителей делают ее настоящим классическим шедевром. Он выставлен в соборе Святого Иоанна в Валлетте, Мальта.
3. Ночной дозор
«Ночной дозор» — одно из самых популярных произведений Рембрандта. На нем изображен весь город, движущийся во главе со своим капитаном. Уникальным аспектом является его темный лак, создающий впечатление ночной сцены. В настоящее время он находится в Riksmuseum в Амстердаме.
2. Афинская школа
Написанная Рафаэлем, эта картина содержит изображения известных философов, таких как Платон и Аристотель, идущих посередине вместе с другими философами по бокам.Сейчас он находится в Ватикане.
1. Monalisa
Вероятно, самая известная картина в мире — «Моналиса» Леонардо да Винчи. Это портрет дамы по имени Герардини, знаменитый тем, что выражение ее лица невозможно расшифровать. Эта картина в настоящее время выставлена в Лувре, Франция.
Вот наш список из 35 самых известных картин, когда-либо созданных. Что из этого вам больше всего нравится? Сообщите нам об этом через свои комментарии.
Топ 40 самых известных картин всех времен
«Живопись — профессия слепого.Он рисует не то, что видит, а то, что чувствует, что он рассказывает себе об увиденном ». — Пабло Пикассо
Искусство — это не только произведение в целом, это способ выражения своих мыслей, чувств и невысказанных слов. Сегодня мы отсчитываем 40 самых известных картин мира всех времен. Так что, по крайней мере, мы можем выразить в знак благодарности работе величайших художников всех времен .
Если у вас не хватает времени, просто взгляните на сводную таблицу ( Мы советуем вам просмотреть весь блог, поскольку мы знаем, что вы захотите узнать причину их известности 😉)
40.«Портрет Амбруаза Воллара»
Портрет Амбруаза Воллара — это цветная картина , созданная Пабло Пикассо в 1910 году. Амбруаз Воллар — французский дилер, которому приписывают обеспечение раскрытия и эмоциональной поддержки неизвестных художников, включая Пабло Пикассо . Работы отражают искусство аналитического кубизма, выполненное масляными техниками на холсте.
Это шедевр, подаренный Пабло Пикассо своему крестному отцу Амбруазу Воллару за то, что он поднял его на начальных этапах.Размер картины 92 см на 65 см, она находится в ГМИИ им. А.С. Пушкина в Москве. Картина показывает разнообразие, силу узнавания и мыслительный процесс Амбруаза Воллара через кубическую форму.
На картине изображена лысая голова Амбруаза Воллара, которая умножается на картину, как разбиваемое яйцо, его выпуклый нос и темный треугольник бороды — это первое, на что обращает внимание взгляд. Глаза Воллара представляют собой сломанную архитектуру из осколков телесного или кирпичного цвета, окрашенного в цвета .
39. «Портрет доктора Гаше»Написано в июне 1890 года в Овер-сюр-Уаз, около Парижа.
Одна из самых почитаемых картин Ван Гога из доктора Поля Гаше , который заботился о нем в последние месяцы его жизни.
Есть две аутентичные версии портрета. Он был продан на аукционе (1990) по рекордной цене в размере 82,5 миллиона долларов.
Но с 1996 года местонахождение картины оригинальной версии остается загадкой и пока неизвестно.
Вторая версия портрета в настоящее время находится в музее Орсе , Париж, Франция.
38. «Las Meninas (деталь)»Эта картина в стиле барокко считается одной из самых важных из всех времен.
Центральная фигура — молодая Маргарита Тереза из Испании, но на картине также изображен сам художник, изображение короля и королевы, нескольких слуг, двух гномов и собаки.
37. «Нарцисс »Нарцисс — картина итальянского мастера барокко Караваджо , написанная примерно в 1597–1599 годах. Он расположен в здании Galleria Nazionale d’Arte Antica в Риме.
Это один из двух известных Караваджо на тему из Классической мифологии , хотя он отражает скорее случайности выживания, чем историческую реальность. История Нарцисса, рассказанная поэтом Овидием в его «Метаморфозах», рассказывает о красивом юноше, который влюбляется в свое отражение.
История была хорошо известна в кругах коллекционеров, таких как Кардинал Франческо Мария дель Монте и банкир Винченцо Джустиниани , в котором Караваджо перемещался в этот период.
Картина передает атмосферу задумчивой меланхолии: фигура Нарцисс замкнута в круге со своим отражением, окруженная тьмой, так что единственная реальность находится внутри этой самоуверенной петли.
Литературный критик 16-го века Томмазо Стиглиани (оно) объяснил современное мышление, что миф о Нарциссе «наглядно демонстрирует несчастный конец тех, кто слишком сильно любит свое дело. ”
36. «Ночь »Ночь — это картина 20-го века немецкого художника Макса Бекманна , созданная между 1918 и 1919 годами.
Это символ движения после Первой мировой войны , Neue Sachlichkeit или Новая объективность.
Это картина маслом на холсте .
Трое мужчин вторгаются в маленькую тесную комнату, терроризируя сцену.
Слева мужчина повешен одним из злоумышленников, а другой выкручивает ему руку.
Женщина, по-видимому, жена мужчины, привязана к одной из опор комнаты после изнасилования.
35. «Оплакивание мертвых Христос»«Оплакивание Христа» (также известное как «Оплакивание мертвого Христа» или «Мертвого Христа» и другие варианты) — это картина около 1480 года, написанная итальянским художником эпохи Возрождения Андреа Мантенья.
Хотя датировка части спорна, она была завершена между 1475 и 1501 годами, вероятно, в начале 1480-х годов.
На нем изображено тело Христа лежа на спине на мраморной плите.
За ним наблюдает Дева Мария и Святой Иоанн , которые в обрезанном профиле стоят за Девой Марией , , которая оплакивает его смерть.
34. « Gare Saint Lazare , Pari »Когда он писал «Вокзал Сен-Лазар», Моне только что покинул Аржантей и поселился в Париже .
После нескольких лет живописи в деревне он обратился к городским пейзажам.
В то время, когда критики Дюранти и Зола призывали художников рисовать в свое время, Моне пытался разнообразить свои источники вдохновения и хотел, чтобы его считали, как Мане, Дега и Кайботт, художниками современной жизни.
Несмотря на кажущуюся геометрию металлического каркаса, здесь преобладают эффекты цвета и света, а не подробное описание машин или путешественников.
Определенные зоны, настоящие произведения чистой живописи, достигают почти абстрактного видения. Эту картину хвалил другой художник современной жизни , Гюстав Кайботт , чья живопись часто была противоположностью живописи Моне.
33. «Вертумнус (Вертумно)»Вертумнус (Император Рудольф II) — картина Джузеппе Арчимбольдо из коллекции Скоклостерс Слотт, Болста.
Вдохновение для рисования исходит от бога времен года , Вертумнуса , который должен был иметь власть изменять свою форму по своему желанию.
На картине изображен Emporer Rudolph II с фруктами, овощами и цветами по всему телу вместо кожи, мускулов и волос.
Император Рудольф II фон Габсбург изображается как Вертумн , бог сезонных изменений.
Картина символизирует роль государя как синтеза космоса и эмблемы человека как микрокосма. По словам Ломаццо, Рудольф II попросил художника сделать для него что-нибудь забавное.
Многогранность, с которой мифология приписывает Vertumnus , приписывается в этом акте почтения Императора с его огромным разнообразием различных сфер влияния и деятельности.
32. «Алжирские женщины (Версия O)»Обнаженная куртизанка бесстыдно стоит перед нами, ее грудь и мягкий живот обнажены, а волосы закутаны в сложный головной убор. Клубок конечностей, груди и ягодиц заполняет остальную часть холста, размер которого составляет 57 на 45 дюймов.
Здесь женщины продают свои тела, многие из которых безликие, уменьшенные до их анатомических частей. Пикассо начал свою серию «Алжирские женщины»
Через месяц после националистического восстания в Алжире, французской колонии, в 1954 году.Это было началом восьмилетней войны за независимость Алжира.
Пикассо написал эту работу как часть серии из 15 картин (версии от A до O), созданных в 1954 и 1955 годах по мотивам картины Эжена Делакруа «Алжирские женщины» 1834 года.
11 мая 2015 года Christie’s сообщил, что «Алжирских женщин (версия O)» были проданы за 179 365 000 долларов.
31. «Игроки в карты»Игроки в карты — это серия из картин, написанных маслом французского художника-постимпрессиониста Поля Сезанна .
Написано в последний период творчества Сезанна в начале 1890-х годов. В этой серии пять картин.
Версии различаются по размеру и количеству изображенных игроков.
Сезанн также выполнил множество рисунков и этюдов в рамках подготовки к серии «Игроки в карты».
Одна версия The Card Players была продана в 2011 году Королевской семье Катара по цене, по разным оценкам, от 250 миллионов долларов до 300 миллионов долларов , что сделало его вторым самым дорогим произведением искусства из когда-либо проданных.
30. «Водопад»Водопад — картина середины 20 века американского художника-армянина Аршила Горки .
Размер картины составляет 96,8 см на 24 см. Она находится в Музее Хиршхорна и Саду скульптур в Вашингтоне.
Картина маслом, написанная в стиле сюрреализма и абстрактного жанра.
Водопад был разработан на основе примерно реальных сцен . Фигуры на картине не являются искажениями и не только схематически соответствуют людям, но они действительно поддерживают присутствие репрезентативной фигуры, разделяя высоту, ширину, объем и, в ограниченной степени, индивидуальность.
Они определенно обладают полом, а не просто цифрами для «людей». В центре вверху у правого основания треугольника рядом с вершиной находится темно-сине-зеленый круг, обозначающий голову человека. Под головой две руки, зеленые продолговатые, которые горизонтально опираются на плечи женщины. Пара более подробна, чем может показаться спонтанная абстракция.
29. «Нафеффаа Иполпо (также известный как« Когда ты выйдешь замуж »)»
Когда ты выйдешь замуж? (таитянский: Nafea faa ipoipo) — это картина маслом 1892 года французского художника-постимпрессиониста Поля Гогена .
Выданный на время Художественному музею в Базеле, , Швейцария, , на почти полвека, он был продан в частном порядке семьей Рудольфа Штехелина неизвестному покупателю, как сообщается, музеям Катара в феврале 2015 года почти за 300 миллионов долларов ( 197 млн фунтов стерлингов), — самая высокая цена, когда-либо уплачиваемая за произведение искусства .
Картина находилась на выставке в Fondation Beyeler, Riehen, до 28 июня 2015 г.
28. «Мечта»Le Rêve («Сон на французском») — картина маслом 1932 года (130 × 97 см), написанная Пабло Пикассо , которому тогда было 50 лет, на которой изображена его 24-летняя любовница Мари-Тереза Вальтер.
Считается, что он был написан днем 24 января 1932 года. Он принадлежит к периоду искаженных изображений Пикассо с его чрезмерно упрощенными контурами и контрастными цветами, напоминающими ранний фовизм.
Эротическое содержание картины неоднократно отмечалось, критики отмечали, что Пикассо нарисовал эрегированный пенис, предположительно символизирующий свой собственный, на перевернутом лице своей модели.
27. «Портрет Адели Блох-Бауэр I»Эта картина, на создание которой ушло три года, была заказана богатым промышленником Фердинандом Блох-Бауэром, который заработал свои деньги в сахарной промышленности.
Фердинанд Блох-Бауэр отдавал предпочтение искусству, особенно Климту, и поручил ему закончить еще один портрет своей жены Адели в 1912 году. Адель Блох-Бауэр была единственным человеком, которого Климт написал дважды.
Эта картина, пожалуй, наиболее известна не своим художественным качеством, а своей скандальной историей с момента создания.
После ее смерти Адель Блох-Бауэр пожелала передать картину в Австрийскую государственную галерею, но она была захвачена наступающими немецкими войсками во время Второй мировой войны года.
В 1945 году Фердинанд Блох-Бауэр объявил картины собственностью своего племянника и племянниц, в том числе Марии Альтманн. Тем не менее, австрийское правительство сохранило за собой право собственности на картину и не было возвращено семье Альтманнов до 2006 года после долгой судебной тяжбы.
Картина была продана на аукционе за 135 миллионов долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, уплаченной на аукционе за картину . Сейчас он выставлен в Художественной галерее Neue в Нью-Йорке.
26. «Гармония в красном»Десерт : Гармония в красном — картина французского художника Анри Матисса , 1908 г.
Некоторые критики считают его шедевром Матисса . Эта фовистская картина следует примеру импрессионизма с полным отсутствием центрального фокуса.
Картина была заказана как «Гармония в синем», , но Матисс был недоволен результатом и закрасил ее предпочитаемым красным цветом.Он находится в постоянной коллекции Эрмитажа .
25. «Афинская школа (Stanza Della Segnatura)»Эта настенная живопись, находящаяся в Ватикане, содержит изображения известных философов.
Платон и Аристотель — два в середине. Как шутка изнутри, Рафаэль основал лицо Платона на его коллеге-художнике Леонардо да Винчи . Он также включил Микеланджело и себя в другие места в картине.
24. «Терраса кафе на площади Форум, Арль, ночью»Café Terrace at Nigh t, также известная как The Cafe Terrace на Place du Forum, — это цветная картина маслом , выполненная голландским художником Винсентом Ван Гогом.
Картина не подписана, но описана и неоднократно упоминается художником в его письмах. Также имеется большой рисунок композиции, выполненный пером из поместья художника
.Картина в настоящее время находится в музее Креллер-Мюллер в Оттерло, Нидерланды.
После завершения строительства Café Terrace at Nigh t, Ван Гог написал своей сестре письмо, в котором выразил свой энтузиазм:
»Меня только прервала работа над новой картиной, изображающей экстерьер ночного кафе. На террасе маленькие фигурки пьющих людей. Огромный желтый фонарь освещает террасу, фасад, тротуар и даже освещает брусчатку дороги, которая приобретает розовато-фиолетовый оттенок. Фронтоны домов, как увядающая дорога под голубым небом, усыпанным звездами, темно-синего или фиолетового цвета с зеленым деревом.Здесь у вас есть ночная картина без черного, только с красивым синим, фиолетовым и зеленым, и в этом окружении освещенная область окрашивает себя серо-бледно-желтым и лимонно-зеленым. Меня невероятно забавляет рисовать ночь прямо на месте. Обычно рисуют и раскрашивают картину днем после наброска. «.
23. «Сотворение Адама»Сотворение Адама , пожалуй, самая известная часть потолка Сикстинской капеллы , фрески Микеланджело , расписанного примерно в 1511–1512 годах.
Это самое известное из фресковых панно Сикстинской капеллы , и его известность как произведение искусства может соперничать только с Мона Лиза Леонардо да Винчи .
Образ почти соприкасающихся рук Бога и Адама стал одним из самых знаковых образов человечества и был воспроизведен в бесчисленных имитациях и пародиях
The Creation of Adam — одно из самых известных и известных произведений искусства всех времен, и как таковое было предметом нескольких ссылок и пародий.
22. «Третье мая 1808 г.»На этой картине показано нападение Наполеона на Испанию в 1808 году.
До этого на большинстве картин война изображалась как нечто великолепное.
На этой картине он изображен как жестокий и нечеловеческий (посмотрите, как солдаты выглядят механическими, а те, кого расстреливают, выглядят полными жизни).
21. «Ночное кафе [1888]»The Night Café — это картина маслом , созданная в Арле в сентябре 1888 года Винсентом Ван Гогом .
Его название вписано справа внизу под подписью.
Пятеро клиентов, изображенных в этой сцене, были описаны как « трое пьяных и изгои в большом общественном помещении […], забившись в сон или ступор».
Один ученый написал: «Кафе было ночным пристанищем местных проституток и проституток, которые изображены сутулыми за столиками и выпивающими вместе в дальнем конце комнаты. “.
В августе 1888 года художник сообщил своему брату в письме:
«Сегодня я, наверное, собираюсь начать интерьер кафе, где у меня есть комната, при свете газа, вечером.Это то, что здесь называют «cafe de Nuit» (они здесь довольно часты), открытое всю ночь. «Ночные бродяги» могут укрыться там, когда у них нет денег на проживание или они слишком пьяны, чтобы их принять ».
В первые дни сентября 1888 года Ван Гог просидел три ночи подряд, чтобы нарисовать картину, спя днем. Чуть позже он отправил акварель , скопировав композицию и снова упростив цветовую схему, чтобы она соответствовала простоте японских гравюр на дереве .
Кафе Ван Гога «Терраса ночью» , изображающая столики на открытом воздухе, уличную сцену и ночное небо, была написана в Арле примерно в то же время. На нем изображено другое кафе, более крупное заведение на площади Форум.
20. «Великие купальщицы»Купальщицы — это картина маслом на холсте, сделанная в период с 1918 по 1919 год французским художником Пьером-Огюстом Ренуаром . После того, как в 1923 году его трое передали государству, он в настоящее время хранится в Musée d’Orsay в Париже.
В картине Ренуар убрал все отсылки к современному миру и показал «вневременную природу» . Тема купальщицы преобладает в последнем сезоне картин Ренуара: женщины, изображенные художником, свободны и раскованы.
Эти купальщики «растворены в природе, и формы сливаются с деревьями, цветами и акциями красной воды».
Картина была подвергнута критике из-за «огромных размеров рук и ног, слабости плоти и розоватого цвета моделей».
Спальня в Арле — так называется каждая из трех похожих картин голландского художника-постимпрессиониста Винсента Ван Гога XIX века.
Ван Гог начал работу над первой версией в середине октября 1888 года, находясь в Арле, и объяснил свои цели и средства своему брату Тео:
«На этот раз он просто воспроизводит мою спальню, но в этой части должно быть много цвета, его упрощение добавляет грандиозности стилю, применяемому к объектам, предлагая определенный отдых или сон.Ну, я подумал, что при просмотре композиции мы перестаем думать и воображать.
Я покрасил стены в бледно-фиолетовый цвет. Земля с проверенным материалом. Деревянная кровать и стулья, желтые, как свежее масло, простыня и подушки, светло-зеленый лимон. Покрывало алое. Окно зеленое. Умывальник, оранжевый
умывальник, синий. Двери сиреневые. Вот и все.
В этой комнате с закрытыми ставнями больше ничего нет.Квадратные предметы мебели должны выражать непоколебимый покой
, а также портреты на стене, зеркало, бутылку и некоторые костюмы.
Белый цвет не был нанесен на картинку, поэтому рамка будет белой, чтобы меня доставили даже с рекомендованным для меня обязательным отдыхом. Я не изобразил никаких оттенков или теней
Я применил только простые однотонные цвета, такие как блины ».
Ледяное море также называется Обломки Надежды картина маслом 1823–1824 годов, выполненная немецким художником-романтиком Каспаром Давидом Фридрихом.
Два названия первоначально относились к настоящей работе и другой более старой работе Фридриха, которая сейчас отсутствует. Утраченная картина была показана в 1822 году на выставке Дрезденской академии под названием «Затонувший корабль у берегов Гренландии в лунном свете». Собственное изобретение. Настоящая картина впервые была показана в 1824 году на выставке Пражской академии под названием «Идеализированная сцена арктического моря с потерпевшим крушение кораблем на кучу льда».
В те годы время от времени публиковались отчеты об экспедициях к Северному полюсу. Вероятно, именно так Фридрих познакомился с экспедицией Уильяма Эдварда Парри 1819–1820 годов по поиску Северо-Западного прохода.Зимой 1820–1821 гг. Фридрих провел обширные нефтяные исследования льдин на реке Эльбе, недалеко от Дрездена. Вероятно, они были включены в Ледяное море.
17. «Сатурн, пожирающий сына своего»Сатурн, пожирающий своего сына — так называется картина испанского художника Франсиско Гойя .
Согласно традиционной интерпретации, он изображает греческий миф о Титане Кроносе (в названии «Романизированный Сатурн»), который, опасаясь, что он будет свергнут одним из своих детей, съел каждого из них при их рождении.
Работа является одной из 14 черных картин , которые Гойя нарисовал прямо на стенах своего дома где-то между 1819 и 1823 годами. Картина была перенесена на холст после смерти Гойи и с тех пор хранится в Музее Прадо в Мадриде.
16. «Les Demoiselles d’Avignon»Les Demoiselles d’Avignon («Девочки из Авиньона», первоначально называвшееся «Авиньонский бордель») — это большая картина маслом , созданная в 1907 году испанским художником Пабло Пикассо (1881–1973).
Работа изображает пять обнаженных проституток из публичного дома на Каррер д’Авиньо (улица Авиньо) в Барселоне.
Каждая фигура изображена в сбивающей с толку конфронтационной манере, и ни одна из них не является традиционно женственной. Женщины выглядят слегка угрожающими, с угловатыми и бессвязными формами тела.
Два показаны с лицами, похожими на африканские маски, и еще три с лицами в иберийском стиле родной Испании Пикассо, что придает им дикую ауру.В этой адаптации примитивизма и отказа от перспективы в пользу плоской, двухмерной картинной плоскости, Пикассо радикально отличается от традиционной европейской живописи.
Эта работа считается основополагающей для раннего развития как кубизма, так и современного искусства. Демуазель была революционной и противоречивой, и вызвала широкий гнев и разногласия даже среди его ближайших соратников и друзей.
15. «Танец в Мулен-де-ла-Галетт»Бал дю Мулен де ла Галетт (широко известный как Танец в Мулен де ла Галетт) — картина французского художника 1876 года. Пьер Огюст Ренуар.
Он расположен в Музее Орсе в Париже и является одним из самых знаменитых шедевров импрессионизма.
Картина изображает типичный воскресный полдень в Мулен-де-ла-Галетт в районе Монмартр в Париже. В конце 19 века парижане из рабочего класса наряжались и проводили там время, танцуя, выпивая и поедая галетки до вечера.
В течение многих лет он принадлежал Джону Хэю Уитни. 17 мая 1990 года его вдова продала картину за 78 миллионов долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке Рёэи Сайто (Sait Ryōei), почетному председателю Daishowa Paper Manufacturing Company, Япония.
На момент продажи это было одним из двух самых дорогих произведений искусства, когда-либо проданных , вместе с портретом Ван Гога из доктора Гаше, который также был куплен Сайто. Сайто вызвал международное возмущение, когда в 1991 году предположил, что намеревался кремировать обе картины вместе с ним после его смерти.
Однако, когда Сайто и его компании столкнулись с серьезными финансовыми трудностями, банкиры, которые держали картину в качестве залога для ссуд, организовали конфиденциальную продажу через Sotheby’s неизвестному покупателю.Хотя это доподлинно неизвестно, считается, что картина находится в руках швейцарского коллекционера.
14. «Время пронизано»Прикрепленное время (La Durée poignardée, 1938) — это картина , масло на холсте бельгийского сюрреалиста Рене Магритта . Он является частью постоянной коллекции Художественного института в Чикаге o и обычно выставляется в новом современном крыле музея.
На картине изображен паровоз «Черная пятерка» , выступающий из камина на всех парах в пустой комнате.Над накидкой — высокое зеркало. В зеркале отражаются только часы и один подсвечник, стоящий на накидке, что говорит о том, что в комнате нет ни людей, ни мебели.
Магритт описал свои мотивы создания этой картины:
«Я решил нарисовать изображение локомотива. . . Чтобы вызвать его тайну, был присоединен еще один знакомый образ без тайны — изображение камина в столовой ».
Эта картина представляет собой образец реализма — стиля, который показывает именно то, что видит глаз. Это вызвало бурю негодования не потому, что испытуемая была обнаженной, а из-за того, как он нарисовал ее взгляд, и других тонкостей, указывающих на то, что она была любовницей.
12. «Сын Человеческий»Сын Человеческий — это картина 1964 года бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта.
На картине изображен мужчина, стоящий перед стеной в пальто и шляпе, половина лица которого прикрыта яблоком.Хотя его лицо прикрыто яблоком, его можно увидеть выглядывающим из-за края яблока.
О картине Магритт сказал: «По крайней мере, она частично скрывает лицо. Итак, у вас есть видимое лицо, яблоко, скрывающее видимое, но скрытое лицо человека. Это происходит постоянно. Все, что мы видим, скрывает другое, мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим. Есть интерес к тому, что скрыто и что видимое нам не показывает.Этот интерес может принимать форму довольно сильного чувства, своего рода конфликта, можно сказать, между видимым, которое скрыто, и видимым, которое присутствует ».
11. ”Композиция в сером и черном цвете. Портрет матери художника »Композиция в сером и черном №1 , известная под своим разговорным названием Мать Уистлера , представляет собой картину 1871 года , написанную маслом на холсте американского художника Джеймс Макнил Уистлер .
Картина размером 56,81 на 63,94 дюйма (144,3 см × 162,4 см) выставлена в раме собственного дизайна Уистлера в Musée d’Orsay в Париже, купленном французским государством в 1891 году.
Сейчас это одна из самых известных работ американского художника за пределами США. Он был по-разному описан как американская икона и викторианская Мона Лиза .
Чувства зрителей викторианской эпохи не приняли бы выставленный портрет, очевидно, как простую «композицию».
поэтому был добавлен пояснительный заголовок «Портрет матери художника».Именно отсюда произведение получило свое народное название. После того, как Томас Карлайл просмотрел картину, он согласился сесть в аналогичную композицию под названием «Композиция в сером и черном», № 2. Таким образом, предыдущая картина стала «Композиция в сером и черном», № 1, более или менее по умолчанию
Американская готика — картина Гранта Вуда из коллекции Чикагского института искусств . Вдохновение Вуда пришло из того, что сейчас известно как «Американский готический дом», и его решения расписать дом вместе с «теми людьми, которые, как мне казалось, должны жить в этом доме».”
На картине изображен фермер, стоящий рядом со своей дочерью старой девой. Фигуры были смоделированы сестрой художника и их дантистом. Женщина одета в фартук с колониальным принтом, напоминающий Америку 19-го века, и пара играет традиционные роли мужчины и женщины: вилы мужчины символизируют тяжелый труд, а цветы на правом плече женщины говорят о домашнем хозяйстве.
Вуд решил покрасить дом вместе с : «В этом доме должны жить люди, которых я считал. Он нанял свою сестру Нан (1899–1990), чтобы она смоделировала женщину, одев ее в фартук с колониальным принтом, имитирующий Америку 19 века.
Мужчина создан по образцу дантиста Вуда, доктора Байрона МакКиби (1867–1950) из Сидар-Рапидс, штат Айова. Трехзубая вилка для сена перекликается с вышивкой мужского комбинезона, готическим окном дома и структурой лица мужчины. Однако Вуд не добавлял фигур в свой набросок, пока не вернулся в свою студию в Сидар-Рапидс.
Он не вернется в Элдон снова до своей смерти в 1942 году, хотя он просил сфотографировать дом, чтобы завершить свою картину.
9. «Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт».Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат –1884 (франц. Un dimanche après-midi à l’le de la Grande Jatte — 1884) — одно из самых известных произведений Жоржа Сёра и образец пуантилизма.
Вдохновленный исследованиями в области оптики и теории цвета, Сёра сопоставил миниатюрные точки цветов, которые благодаря оптическому объединению образуют единый оттенок в глазах зрителя.
Он считал, что эта форма живописи, называемая в то время дивизионизмом, но теперь известная как пуантилизм, сделает цвета более яркими и мощными, чем стандартные мазки кисти. Использование точек почти одинакового размера пришло на второй год его работы над картиной, 1885-86.
Чтобы сделать впечатление от картины еще более ярким, он окружил ее рамкой из нарисованных точек, которые, в свою очередь, он заключил в чисто белую деревянную рамку, в которой картина сегодня выставляется в Художественном институте в Чикаго. .
Впервые картина была выставлена в 1886 году и занимала доминирующее положение во втором Салоне Общества независимых художников, основателем которого Сёра был в 1884 году.
8. «Кувшинки»Водяные лилии — это серия из примерно 250 картин, написанных маслом французского импрессиониста Клода Моне (1840–1926).
Картины изображают цветник Моне в Живерни и были основным направлением творческой деятельности Моне в течение последних тридцати лет его жизни.Многие работы были написаны, когда Моне страдал катарактой.
19 июня 2007 года одна из картин Кувшинки Моне была продана за 18,5 миллиона фунтов стерлингов на аукционе Sotheby’s в Лондоне. 24 июня 2008 года еще одна картина Моне с водяными лилиями, Le Bassin aux nymphéas, была продана на Christie’s в Лондоне за 41 миллион фунтов стерлингов, что почти вдвое превышает оценку в 18–24 миллиона фунтов стерлингов.
7. «Поцелуй (Бачио)»Поцелуй был написан австрийским художником-символистом Густавом Климтом между 1907 и 1908 годами, кульминацией его «Золотого периода» , когда он написал несколько работ в аналогичном позолоченном стиле.
Совершенный квадрат, холст изображает обнимающуюся пару, их тела переплетены в тщательно продуманные одежды, декорированные в стиле, на который повлияли как линейные конструкции современного стиля модерн, так и органические формы более раннего движения искусств и ремесел.
Работа состоит из масляной краски с нанесенными слоями сусального золота, что придает ей поразительно современный, но вызывающий воспоминания вид. Картина сейчас находится в Österreichische Galerie Belvedere Museum во дворце Бельведер в Вене и широко считается шедевром раннего Нового времени.Это символ венского модерна — венского модерна — считается самой популярной работой Климта
.Считается, что Климт и его спутница Эмили Флёге моделировали эту работу, но нет никаких свидетельств или записей, подтверждающих это. Другие предполагают, что женщина была моделью, известной как «Рыжая Хильда», она очень похожа на модель в его «Женщине с боа из перьев», Голдфишанд Данаю. Климт использовал золото во время поездки в Италию в 1903 году.
Когда он посетил Равенну, он увидел византийские мозаики в церкви Сан-Витале.По мнению Климта, плоскостность мозаик, отсутствие перспективы и глубины только усиливали их золотой блеск, и он начал беспрецедентно использовать сусальное золото и серебро в своих работах.
6. «Ночной дозор»Ночной дозор или Стрелковая рота Франса Баннинга Кокка — это общее название одной из самых известных работ голландского художника Рембрандта ван Рейна .
Картина может быть более правильно названа Компания капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рюйтенбёрча, готовящихся к выходу.Она широко представлена в Рейксмузеуме в Амстердаме, Нидерланды, как самая известная картина в его коллекции. «Ночной дозор» — одна из самых известных картин мира .
5. «Девушка с жемчужной сережкой»Картина «Девушка с жемчужной серьгой» — одна из шедевров голландского художника Иоганна Вермеера , и, как следует из названия, в качестве фокуса используется жемчужная серьга.
Сегодня картина хранится в галерее Маурицхейс в Гааге.Иногда ее называют «Северная Мона Лиза», или «Голландская Мона Лиза».
В целом о Вермеере и его работах известно очень мало. Эта картина подписана «IVMeer», но не датирована. Неясно, заказывались ли эти работы, и если да, то кем. В любом случае, вероятно, это не обычный портрет.
Более поздняя литература Vermeer указывает на то, что изображение представляет собой tronie, голландское описание 17-го века «головы», которое не должно было быть портретом.После последней реставрации картины в 1994 году тонкая цветовая гамма и интимность взгляда девушки на зрителя были значительно улучшены. Во время реставрации было обнаружено, что темный фон, который сегодня несколько пятнистый, изначально задумывался художником как глубокий зеленый цвет, напоминающий эмаль. Этот эффект был достигнут путем нанесения толстого прозрачного слоя краски, называемой глазурью, на современный черный фон. Однако два органических пигмента зеленой глазури, индиго и сварной шов, поблекли.
4. «Три музыканта»Три музыканта — название двух похожих коллажей и картин маслом испанского художника Пабло Пикассо .
Оба они были завершены в 1921 году в Фонтенбло недалеко от Парижа, Франция, и представляют собой образец стиля синтетического кубизма. Одна версия в настоящее время принадлежит Музею современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке , другая находится в Художественном музее Филадельфии .
На каждой картине изображены Арлекин, Пьеро и монах, которые, как принято считать, представляют Пикассо , Гийома Аполлинера и Макса Джейкоба соответственно.
Аполлинер и Якоб, оба поэты, были близкими друзьями Пикассо в 1910-х годах. Однако Аполлинер умер от испанского гриппа в 1918 году, а Иаков решил поступить в монастырь в 1921 году.
3. «Крик»Крик — это популярное название, данное каждой из четырех версий композиции, созданной как в виде картин, так и пастелей, художником-экспрессионистом Эдвардом Мунком в период с 1893 по 1910 год.Der Schrei der Natur (Крик природы) — это название, которое Мунк дал этим работам, каждая из которых изображает фигуру с выражением агонии на фоне пейзажа с шумным оранжевым небом. Пейзаж на заднем плане — Осло-фьорд, вид из Экеберга, Осло, Норвегия.
Эдвард Мунк создал четыре версии на различных носителях. В Национальной галерее Осло хранится одна из двух версий росписи (1893 г., показано справа). В музее Мунка хранится другая роспись (1910 г., см. Галерею) и пастельная версия 1893 г.Эти три версии не ходили годами.
Четвертая версия (пастель, 1895 г.) была продана за 119 922 600 долларов на аукционе импрессионистов и современного искусства Sotheby’s 2 мая 2012 года финансисту Леону Блэку, что является наивысшей номинальной ценой, уплаченной за картину на аукционе. Картина выставлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке шесть месяцев с октября 2012 года по март 2013 года.
2. «Звездная ночь»Звездная ночь — картина голландского художника-постимпрессиониста Винсента Ван Гога.
На картине изображен вид за окном его комнаты санатория в Сен-Реми-де-Прованс (расположенный на юге Франции) ночью, хотя днем он был написан по памяти. С 1941 года она находится в постоянной коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке, входящего в завещание Лилли П. Блисс. Картина входит в число самых известных работ Ван Гога
1. ” Мона Лиза (Джоконда) »Мона Лиза («Джоконда» или «Джоконда», или «Портрет Лизы Герардини, жены Франческо дель Джокондо») — поясной портрет женщины итальянского художника Леонардо да Винчи , получивший признание как «самое известное, наиболее посещаемое, наиболее обсуждаемое, наиболее воспетаемое, самое пародируемое произведение искусства в мире.”
Картина, которая считается портретом Лизы Герардини, жены Франческо дель Джокондо, написана маслом на панели из тополя и, как полагают, была написана между 1503 и 1506 годами. Она была приобретена королем Франции Франциском I . и в настоящее время является собственностью Французской Республики и постоянно выставляется в Луврском музее в Париже.
Неоднозначность выражения предмета, часто описываемая как загадочная, монументальность композиции, тонкое моделирование форм и атмосферный иллюзионизм — новые качества, которые способствовали постоянному увлечению и изучению работы.
Название картины Мона Лиза происходит из описания Джорджо Вазари: « Леонардо обязался написать для Франческо дель Джокондо портрет Моны Лизы , его жены…». По-итальянски «ма донна» означает «моя леди». Это стало Мадонной и ее сокращением Мона. Таким образом, Мона была вежливой формой обращения, похожей на «мэм, мадам» или «миледи» на английском языке. Хотя традиционно пишется «Мона» (как использовал Вазари), в современном итальянском эту короткую форму Мадонны теперь обычно пишут «Монна».Поэтому титул иногда дают Мона Лиза, но в английском это редко. «Мона Лиза» — это нормальное написание в современном итальянском языке.
10 самых дорогих картин в мире
Поль Сезанн, «Игроки в карты», 1892-93 | © Королевская семья Катара / WikiCommons
Несомненно, многие согласятся с тем, что большинство произведений искусства, хранящихся в музеях и частных коллекциях по всему миру, бесценны. Будучи единственным в своем роде, он затрудняет определение цены на многие работы; однако почти ежедневно искусство продается и покупается, зачастую принеся за него огромные ценники, которые большинство никогда не сможет себе позволить.Мы рассмотрим некоторые из произведений искусства — от старых мастеров до современных работ, — которые никто не может отрицать, что они одни из самых дорогих в мире.
Многие, наверное, согласятся, что Мона Лиза, написанная мастером Высокого Возрождения Леонардо да Винчи, бесценна. Оценить шедевр такого калибра практически невозможно; однако в 1962 году «Мона Лиза» была застрахована на сумму 100 миллионов долларов США, самую высокую на то время. При сегодняшних деньгах это было бы где-то около 700 миллионов долларов, что легко делает эту картину самой дорогой.Одна из самых известных картин, Мона Лиза — прекрасный портрет, который считается портретом Лизы Герардини, жены флорентийского торговца тканями Франческо дель Джокондо. Из-за его бесценности единственный способ увидеть эту красоту — посетить Лувр в Париже — будьте готовы к очень большим скоплениям людей.
Леонардо да Винчи, Мона Лиза, 1503-04 | © Лувр / WikiCommons
Осенью 2015 года Кен Гриффин, миллиардер, инвестор хедж-фонда, приобрел две картины у Дэвида Геффена, успешного бизнес-магната, который носит множество шляп, от продюсера до руководителя киностудии, на общую сумму 500 миллионов долларов США.Одной из картин была картина Виллема де Кунинга 1955 года «Развязка». Согласно источникам, цена этой абстрактной экспрессионистской картины составляла 300 миллионов долларов США, и, хотя многие работы с частными покупателями часто попадают в частные коллекции, не разрешая публичный доступ, г-н Гриффин, который входит в попечительский совет Art Институт Чикаго предоставил Interchangeto музею взаймы, чтобы любой желающий мог это сделать.
Шел 1891 год, и это был первый раз, когда Поль Гоген отправился на Таити, начав свой роман со страной и ее женщинами.Вдохновленный многими современными художниками, Гоген написал постимпрессионистку Нафеа Фаа Ипойпо («Когда ты выйдешь замуж?») В 1892 году. Картина, изображающая двух женщин, сидящих среди красочного золотого, зеленого и синего пейзажа, была продана в 2015 году на частной продаже примерно за 300 миллионов долларов, что связывает его с Interchange как самой дорогой когда-либо проданной работой. Хотя покупатель не подтвержден, многие в мире искусства считают, что теперь он находится во владении королевской семьи Катара.
Поль Гоген, Нафеа Фаа Ипойпо (Когда ты выйдешь замуж?), 1892 | © Private Collection / WikiCommons
«Игроки в карты» 1892–1993 годов — одна из пяти, созданных невероятным Полем Сезанном на протяжении всей его карьеры.Большинство этих картин хранится во всемирно известных музейных коллекциях, таких как Музей Орсе в Париже и Институт искусств Курто в Лондоне. В 2012 году любители искусства во всем мире узнали, что эта конкретная версия была продана в частном порядке в прошлом году, в 2011 году, по захватывающей дух цене более 250 миллионов долларов США — в сегодняшних деньгах это около 269 миллионов долларов США. В то время это была самая дорогая картина из когда-либо проданных. Хотя вышеупомянутая работа не подтверждена как находящаяся в руках королевской семьи Катара, подтверждено, что эта картина находится в их владении.
Поль Сезанн, Игроки в карты, 1892-93 | © Королевская семья Катара / WikiCommons
Помните удивительные 500 миллионов долларов, которые Кен Гриффин потратил на две картины из коллекции Дэвида Геффена? Что ж, вторая картина — купленная за столь же внушительные 200 долларов — была № 17 великим абстрактным экспрессионистом Джексоном Поллоком. Эта потрясающая картина, написанная в 1948 году, имеет множество ярких цветов, таких как желтый, красный, оранжево-синий, а также немного белого и черного.Как и в случае с Interchange, посетители могут лично увидеть это в Институте искусств Чикаго.
Написанная в 1951 году русско-американским художником Марком Ротко абстрактная работа № 6 (Фиолетовый, Зеленый и Красный) была продана в частном порядке в 2014 году за 186 миллионов долларов США, установив рекорд для художника и одновременно сделав ее одной из самых лучших. дорогие картины никогда. Картина Ротко, известная своими холстами с яркими прямоугольными формами, была продана российскому миллиардеру Дмитрию Рыболовлеву при содействии арт-дилера Ив Бувье.Полагая, что его ввели в заблуждение относительно цены произведения искусства, Рыболовлев сейчас ведет судебный спор с Бувье.
Написанные Рембрандтом в 1634 году, Портрет Куницы Сулманса и Портрет Опьена Коппита , пара, были куплены за 180 долларов США за пару. Поскольку они были парой, было вполне уместно, что они всегда выставлялись вместе, и когда семья Ротшильдов решила продать эти работы, которые редко выставлялись на всеобщее обозрение, два музея вышли вперед, чтобы купить их.Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже совместно приобрели эти две работы и по очереди будут демонстрировать эти драгоценные картины, чтобы массы, наконец, могли увидеть их лично.
Рембрандт, Портрет Куницы Сулманс и Портрет Опьена Коппита, 1634 | © Рейксмузеум и Лувр / WikiCommons
Красочное изображение геометрических форм и углов, вдохновленное картиной ориенталистов «Алжирские женщины в квартире» Эжена Делакруа, Les Femmes D’Alger (версия ‘O’) вдохновителя кубизма Пабло Пикассо продан за невероятные 179 долларов.3 миллиона долларов в мае 2015 года на аукционе Christie’s. На протяжении своей карьеры Пикассо написал 15 различных версий этой конкретной работы — «О» была последней версией, завершенной в 1955 году. Как и многие работы, покупатель остался анонимным, но некоторые люди в мире искусства предположили, что это была именно та самая работа. бывший премьер-министр Катара Хамад бин Джассим бин Джабар Аль Тани.
Одна из самых дорогих картин в истории, Nu couché или Reclining Nude , была написана итальянским художником Амедео Модильяни в 1917-18 годах.Картина с изображением обнаженной женщины, лежащей в основном на темно-красном фоне, является одним из самых узнаваемых произведений Модильяни. Она была продана 9 ноября 2015 года за 170,4 миллиона долларов, что превышает оценку в 100 миллионов долларов. Гордый владелец этой работы — миллиардер Луи Ицянь, бывший водитель такси, который основал два частных музея в Шанхае и, как сообщается, оплатил покупку картой American Express.
Амедео Модильяни, Nu couché, 1917 | © Lin Yiquian / WikiCommons
Органические линии с каплями красной, желтой, синей и серой краски разных оттенков — No.5, 1948 — это классическая картина Поллока. Еще одно произведение искусства, которое когда-то было в частной коллекции бизнес-магната Дэвида Геффена, оно, как сообщается, было продано в ноябре 2006 года за 140 миллионов долларов (сегодня около 164 миллионов долларов). Хотя во многих сообщениях говорится, что очень частный мексиканский финансист Дэвид Мартинес купил это произведение у Геффена, Лагерь Мартинеса вместе с экспертами в мире искусства отрицает, что он купил эту работу.
10 всемирно известных картин, которые можно увидеть только в Париже
Вы можете увидеть картину Винсента Ван Гога «Церковь в Овере» 1890 года в галерее Ван Гога в Музее Орсе | © Public domain / WikiCommons
Париж всегда был раем для любителей искусства. Здесь можно увидеть сокровища импрессионистов в Музее Орсе и исторические жемчужины в крупнейшем в мире художественном музее, Лувре.Откройте для себя 10 самых известных картин, которые вы можете увидеть в Городе Света.
Модель Мона Лиза была нарисована между 1503 и 1517 годами, первоначально как портрет Лизы Герардини, жены Франческо дель Джокондо. Шедевр приобрел мировую известность не потому, что его мазки кисти самые художественно выполненные и самые красивые, а потому, что изгиб улыбки окутан тайной, не говоря уже о таинственном отсутствии бровей. Картина привлекает миллионы посетителей в Париж каждый год, и вы можете полюбоваться ею сами в Лувре, где она доминировала в постоянной экспозиции как самая популярная достопримечательность с 1797 года.
Картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза» — портрет Лизы Герардини, жены Франческо дель Джокондо | © Public domain / WikiCommons
Если и есть одна художественная выставка, которую вы должны посетить в этом году в Париже, то это Delacroix в Лувре. Шедевр показывает парижан, ведущих через баррикады и тела павших воодушевляющей Богиней Свободы, которая победно держит французский флаг. Это прекрасный пример того, как Делакруа черпал вдохновение в мрачных исторических событиях, таких как Революция, предавая очарование трагедии и волнения, и этот образ вдохновил многих, от Виктора Гюго до Coldplay.Это одно из самых известных произведений в истории французского искусства.
Свобода, ведущая народ — Эжен Делакруа | © Public domain / WikiCommons
Хотя Свобода, ведущая народ , возможно, самая известная картина этой художественной легенды, у него есть и другие, более изобретательные, шедевры. Этот называется Натюрморт с омаром (1827), и его также можно увидеть в Лувре. Его часто называют гибридным произведением, и действительно, содержание этого пейзажного натюрморта кажется случайным, вызывая чувство недоумения.Наряду с лобстерами, например, скрывается ящерица, без каких-либо объяснений. Даже расстояние между фоном и передним планом трудно измерить, что демонстрирует соблазнительную игру Делакруа с масштабом и ожиданием.
Натюрморт с омаром | © Public domain / WikiCommons
Конечно, вы должны проверить Мона Лиза и Делакруа, но есть еще один шедевр с историческим наследием, спрятанный в эпической коллекции в Лувре, и было бы преступлением не включить его в список.Он был написан в 1807 году официальным художником Наполеона I, главного героя французской истории, и невозможно не восхититься его эпическими масштабами. Захватывающий дух гигантский холст демонстрирует гордость правителя во время его коронации в Нотр-Дам де Пари.
В картине Жака-Луи Давида «Коронация Наполеона» изображена коронация Наполеона в Нотр-Дам-де-Пари | © Public domain / WikiCommons
Лувр может быть крупнейшим в мире художественным музеем, но это не единственный музей, где вы можете полюбоваться уникальными шедеврами Парижа.Голландский художник-постимпрессионист Ван Гог — одна из самых влиятельных фигур западного искусства, и если вы поклонник его импрессионистского подхода, вы можете обнаружить некоторые из его самых известных работ в галерее Ван Гога в Музее Орсе. , например, его пронзительно меланхоличный Автопортрет из 1889 года.
Винсент Ван Гог «Автопортрет», 1889 | © Public domain / WikiCommons
Не только подсолнухи и автопортреты делают Ван Гога всемирно известным: он также был мастером архитектурных изображений. Церковь в Овере (1890 г.) — еще один шедевр импрессионизма, который можно увидеть в галерее Ван Гога в Музее Орсе. На этом зловещем портрете изображена площадь Эглиз в Овер-сюр-Уаз, расположенная к северо-западу от Парижа, и что поразительно в уникальном подходе Ван Гога, так это то, что яркие штрихи заставляют все, даже каменное здание, казаться живым.
Винсент Ван Гог, «Церковь в Овере», 1890 | © Public domain / WikiCommons
Когда вы думаете об искусстве в Париже, вероятно, на ум приходит имя Клода Моне.Его знаменитая картина Impression, Sunrise (1872) изображает порт Гавра, родного города Моне, освещенный мимолетным красным восходом солнца. Эта картина, впервые представленная в Париже в апреле 1874 года, считается пионером импрессионистского движения с его анимированными мазками. Это знаменует собой переход от традиционной живописи, которая предшествовала этой работе, позволяя живописи выйти в новое измерение.
Клод Моне, «Восход солнца», 1872 | © Public domain / WikiCommons
Было бы несправедливо включать « Impression, Sunrise, » Клода Моне, не включая Poppy Field, , которые сейчас выставлены в Музее Орсе.Мало того, что они оба были показаны вместе на самой первой выставке импрессионистов в апреле 1874 года, эта картина в равной степени покорила сердца людей. Изящная и красивая картина, установленная в пригороде Парижа Аржантёй, где Моне жил с 1871 по 1878 год, была открыта в 1873 году, вызвав трепетный восторг. На нем изображены жена художника Камилла и их сын Жан, хотя чувство тайны вызывает восторг искусствоведов.
Клод Моне, «Маковое поле», 1874 | © Public domain / WikiCommons
Движение импрессионистов легко вызывает в воображении такие имена, как Винсент Ван Гог и Клод Моне, но в Париже есть скрытый талант, о котором забыла история.Мэри Стивенсон Кассат (1844–1926) была единственным американским членом импрессионистского движения. Она была очарована социальной и частной жизнью женщин, делая акцент на интимных связях между матерью и детьми и проникая в мир импрессионистского искусства с деликатным прикосновением, благодаря тонкости ее мазков.
Мэри Кассат, «Маленькая девочка в синем кресле», 1878 | © Public domain / WikiCommons
Ни один художественный шедевр никогда не становился легендарным без небольшого скандала.В случае «Завтрак на траве», , выставленного в Музее д’Орсе, чрезвычайно известная картина Эдуара Мане была фактически отклонена жюри Салона, что означает, что Мане выставил ее в Salon des Réfusés ( «Выставка отбраковок»). Скандал был спровоцирован не из-за обнаженной натуры, а из-за вызывающего взгляда субъекта. Это почти как если бы она подавляла авторитет зрителей, когда они смотрели на ее обнаженное тело, которое в то время воспринималось как угроза.
Эдуард Мане, «Le Déjeuner sur l’herbe», 1863 | © Google Cultural Institute / WikiCommons
30 самых известных картин и художников в истории искусства (2020)
Самые известные картины в истории искусства: Мона Лиза, Леонардо да Винчи, Пабло Пикассо — самые популярные произведения искусства, только пара из них произведет впечатление на величайших произведений искусства всех времен .
Приведенные ниже известных исторических картин заставили людей задуматься, как они превращают это произведение искусства в популярных произведений искусства
Художники покажут одинаково важные чувства всего мира в одном изображении.
Единственная проблема, которую вы должны попытаться решить, — это исследовать и прочувствовать впечатления от картин.
Есть несколько картин, нарисованных в истории искусства , которые получили признание критиков и стали заметными во всем мире.
Картины рисуются с давних времен, но еще не открыты.
Тем не менее, люди рисуют самые известные картины именно таким образом, хотя на самом деле у них на тот момент нет приемлемых инструментов.
Пикассо одна из самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах Пабло Пикассо. Он сказал, что каждый ребенок — прирожденный художник, главная проблема — удержать этого художника в себе.
Самые известные картины всех времен
Мона Лиза
Мона Лиза — одна из самых дорогих и известных картин в мире, выполненная лучшим художником мира Леонардо да Винчи.
Самая красивая картина женского портрета, написанная на дереве, под названием Лиза дель Джоконда Жена Франсиско дель Джоконда
Картина была украдена в 1911 году, с тех пор она стала всемирно известной, весь мир был счастлив, когда ее вернули в Лувр, Париж.
Цитата о лучших произведениях искусства «Искусство никогда не кончается, его только бросают» — Леонардо да Винчи
Звездные ночи
Звездная ночь представляет собой вид из комнаты художника незадолго до восхода солнца.
Это самая известная картина в истории западной культуры Винсента Ван Гога, лучшая работа 1889 года.
Это искусство хранится в Музее современного искусства Нью-Йорка. С 1941 г.
Тайная вечеря
Тайная вечеря Картина — визуальная интерпретация Леонардо да Винчи, изображающая последнюю трапезу, которую Иисус ел со своими учениками, — лучшая картина в мире
Результат может быть сложным изучение разнообразных человеческих чувств, представленное очень легко вводящим в заблуждение состав.
Сегодня мы стремимся к единице площади, по всей вероятности, мало не обращая внимания на помощника в реальной картине ухода за больными.
Девушка с жемчужной сережкой
Девушка с жемчужной сережкой На удивительной картине изображена девушка в жемчужных сережках и синем платке, расписанная Иоганнесом Вермеером.
Было подсчитано, что она была написана около 1665 года и признана самой красивой картиной в Нидерландах в 2006 году гражданскими голландцами.
Точная цветопередача и, следовательно, привязанность взгляда девушки к зрителю значительно возросла после последней реставрации.
Во время реставрации было абсолютно установлено, что темный фон был создан художником по замыслу неопытного художника.
Герника
Одно из популярных произведений искусства самых больших холстов, написанных маслом Пабло Пикассо. Испанский художник, сделанный в своем доме на улице Гранд, июнь 1937 года.
Антивоенная картина серо-черно-белая картина в Музее королевы Софии в Мадриде. На этой картине изображены люди, страдающие от насилия и хаоса.
Эта картина стала известной после он экспонировался на международной выставке в Париже в 1937 году, которая принесла во всем мире внимание к испанской войне
Крик Эдварда Мунк
Крик Эдварда Мунка написан Эдвардом Мунком в 1893 году. В своих самых известных работах он использовал только пастель и масло на картоне.
Эдвард был сыном военного врача и был экспрессионистом. Он любит использовать цвета и смелые кисти, чтобы выражать сильные чувства.
, одна из версий этой картины была украдена из Национальной галереи и возвращена через 6 месяцев.
Две картины «Крик» и «Мадонна» украдены из музея Мунка и позже возвращены через 2 года.
Наполеон пересекает Альпы Наполеон пересекает Альпы
Этот удивительный знаменитых произведений искусства Картина маслом Пересечение Наполеона Альпы Наполеона Бонапарта написано французским художником Жаком-Луи Давидом (1801–1805).
Художник был учителем Гиродата и прославился своими историческими картинами.
Nightawks
Nightawks — самый известный художник всех времен, созданный Эдвардом Хоппером в 1942 году. Этот портрет является одним из известных и самых узнаваемых картин в американском искусстве .
Картина «Поздняя ночь», на которой изображена красивая женщина с мужчиной, обедающими в кафе PHILLIES.
Картина была продана Чикагскому институту искусств за 3000 долларов.
Олимпия
T Прекрасная картина маслом написана в 1863 году Эдуардом Мане — одна из его лучших картин .
На картине служанка принесла цветы обнаженной красивой женщине , лежащей на кровати. Художник описал красоту женщин без одежды.
Тема картины неоднозначна, которая впервые была выставлена в 1865 году и стала всемирно известной картиной .
После того, как картина была выставлена впервые в Парижском салоне , и правительство приняло дополнительные меры безопасности, чтобы сохранить картину в безопасности
Пейзаж с падением Икара
Пейзаж с падением Икара — самый известный холст для масляной живописи, находящийся в Королевских музеях изящных искусств Бельгии в Брюсселе.
Написал голландский художник Датч и Питер. Брейгель Старший, фламандская живопись эпохи Возрождения.
Эта картина также описана в известной поэме «Muse des Beaux Arts»
Комбайн
The Harvester художник Питер Брейгель Старший . Старший считался одним из самых известных произведений западного искусства. Написана в 1565 году.
Воображение художника Тема: люди, занятые в сельском хозяйстве, некоторые отдыхают под деревом, а несколько групп людей режут и связывают созревшую пшеницу.
Необычайное внимание к деталям на всей картине уравновешено художником в те времена, когда пейзажи служили фоном для религиозных картин.
Поцелуй Топ самых известных картин в истории искусства
Поцелуй Художник Уникальная техника художника, использующего золотую фазу, он часто использовал сусальное золото — техника, вдохновленная знаменитой церковной византийской мозаикой в базилике Сан-Витале в Равенне, Италия
Густав Климт написал свое уникальное искусство интимной близости 1901–1908 годов.
Создатель Адама
Создатель Адама — фреска, написанная Микеланджело в 1508-1512 гг.
Первый человек на земле, о нем говорится в Книге Бытия. который представляет собой библейское творение.
Это самая ценная копия религиозной картины.
Дама с горностаем
Эта красивая картина маслом Сесилии Галлерани написана Леонардо да Винчи на ореховой доске.
Художник Леонардо в то время состоял на службе у герцога. Картина сильно перекрашена, на темном фоне воспроизведено ее платье под горностаем и прозрачная вуаль, которую носит женщина.
Сияние надежды
Сияние надежды в одном из шедевров С.Л. Халданкар. Которая также упоминается как «Женщина с лампой» на 1945-46
Художник Халданкар сделал свою дочь Гиту героем картины, когда увидел свою дочь в красивом сари на фестивале Дивали, держащую в руке свечу, а другой рукой защищающую пламя от ветра.
Эффект самой известной картины — за объектом усиленная тень
Цветовоз
Поднос для цветов шедевр, созданный Диего Риверой в 1935 году, несет в себе столько смысла и простоты.
Художник использовал разные цвета для своей картины на деревянной доске, это распространенная и уникальная техника рисования на твердой поверхности
Свобода, ведущая народ Свобода, ведущая народ
Ведение народа вспоминая июльскую революцию 1830 года.
Картина работы Эжена Делакруа.
Женщина ведет людей, держащих флаг в одной руке, а пистолет в другой, как Богиня впереди через баррикаду и тела.
Автопортрет без бороды (Герника Пабло)
Пабло — самая известная картина, написанная в Париже Пикассо в 1937 году. Эта картина вдохновлена бомбардировкой Герники в Испании во время гражданской войны.
Спящая Венера
Спящая Венера — последняя и самая известная картина итальянского художника Джорджоне. На этой картине изображено женское обнаженное тело, которое кажется эхом. Красивые холмы на заднем плане.
Считается, что после смерти Джорджоне в 1510 году Тициан закончил эту картину.
Мир Кристины
Американский художник Эндрю Уайет Самая известная картина 20-го века. -е годы -го века. Мир Кристины.
На картине изображена женщина, Анна Кристина, которая ползает из-за мышечного расстройства, пытаясь добраться до фермерского дома в желтовато-коричневой траве, глядя на серый фермерский дом на вершине утеса.
Глубокий смысл и желание искусства вдохновляют большинство людей, считающих свою жизнь безнадежной.это произведение искусства находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Хлеб наш насущный — Андерс Цорн
Андерс Цорн «Хлеб насущный» , написанный в 1886 году Андерсом Цорном из Швеции, является одной из самых известных картин. Эта картина из его частной коллекции, дань уважения жертве его матери.
На этой картине его мать готовит картошку, сидя за края котлована для комбайнов.
Национальный музей Картина приобретена после смерти художников в 1920 году
Американская готика
Мастер-класс Американская готика Символизирует стойкость американцев во время депрессии. Написал Грант Вуд в 1930 году в ассортименте Чикагского института искусств.
Искусство 19 века: женщина в фартуке с колониальным принтом, мужчина держит в руках смоляной народ, сделанный сестрой Вуда Нэн Вуд Грэм и их практикующим стоматологом доктором Поэтом МакКиби.
Собаки играют в покер
Игра в покер нарисован К. М. Кулиджем в 1903 году. На нем изображены игральные карты собаки, сидящие за покерным столом.
В начале 19 – века эта картина была культовым изображением американцев.
Раненый ангел
Раненый угол — одна из самых известных картин. На конкурсе, организованном художественным музеем Атенеум в 2006 году, эта работа была признана национальной живописью.
Это произведение искусства до сих пор считается одним из лучших произведений искусства с 1903 года. Его написал финский художник-символист Хьюго Симберг. Z
Мальчики на картине несут ангела на носилках с окровавленным крылом и забинтованным лбом.
Третье мая 1808 года
Третье мая 1808 года самая известная картина Франсиско Гойи, испанского художника 1814 года.
Сейчас эта очаровательная картина маслом находится в Национальном музее дель Прадо в Мадриде.
В произведении Франсиско Гойя В 1808 году война на полуострове стремилась оказать испанское сопротивление армиям Наполеона.
Поклонение волхвов The_Adoration_of_the_Magi
Поклонение волхвов художник Джентиле да Фабриано Это Уффици Галли, Фабриано с 1423 года.
Дева Мария и ребенок изображены на переднем плане с поклоняющимися волхвами.
Позади них находится полукруглая фигура, или это может быть портрет молодого Леонардо.
Мари Класен
Картина маслом Мари Класен одна из самых известных картин в мире. Хафдан Джонсон Эгедиус из Драммена. Норвегия рисовала, когда ему было 17 лет, в 1895 году.
Он чудесным образом смешал цвета, чтобы описать красоту молодой красивой женщины из южно-центральной Норвегии. Картина рассказывает о культуре и красоте страны.
Постоянство памяти
Постоянство памяти написано испанским художником Сальвадором Дали в 1931 году. Оно считалось одной из самых известных картин в истории искусства.
Эта картина впервые показана в 1932 году в галерее Жюльена Леви, с 1934 года перемещена в Музей современного искусства в Нью-Йорке.
На этой картине, написанной маслом, много названий, например, «Тающие часы» на фоне тяжелого времени.
Посмотреть видео Самые известные картины в мире
Самые известные цитаты картин
«Учеба без желания портит память, и в ней не остается ничего, что было бы усвоено.” — Леонардо да Винчи
«Художник держит вселенную в своих мыслях и руках». — Леонардо да Винчи
«Я чувствую себя живым только тогда, когда рисую». — Винсент Ван Гог
«Живопись — это открытие самого себя. Каждый хороший художник рисует то, что он есть ». — Джексон Поллок
«Цель искусства — смыть пыль повседневной жизни с наших душ». — Пабло Пикассо
«Каждый ребенок — художник, проблема — остаться художником, когда вырастешь». — Пабло Пикассо
Известные картины в истории искусстваПочему Мона Лиза так известна?
© Everett-Art / Shutterstock.comЧерез пять столетий после того, как Леонардо да Винчи написал Мона Лиза (1503–1919 гг.), Портрет висит за пуленепробиваемым стеклом в Лувре и ежедневно привлекает тысячи толпящихся зрителей. Это самая известная картина в мире, и тем не менее, когда зрителям удастся рассмотреть произведение искусства вблизи, они, вероятно, будут сбиты с толку небольшим приглушенным портретом обычной женщины.Она скромно одета в полупрозрачную вуаль, темную мантию и без украшений. О ее улыбке и взгляде сказано много, но зрители все еще могут задаться вопросом, о чем идет речь. Наряду с загадками личности натурщицы и ее загадочным взглядом, причина популярности работы — одна из многих загадок. Хотя многие теории пытались указать одну причину такой известности произведения искусства, самые убедительные аргументы настаивают на том, что единого объяснения нет. Слава Мона Лиза является результатом множества случайных обстоятельств в сочетании с присущей картине привлекательностью.
Нет сомнений в том, что Мона Лиза — очень хорошая картина. Она была высоко оценена, даже когда Леонардо работал над ней, а его современники скопировали тогда новую позу трех четвертей. Писатель Джорджо Вазари позже превозносил способность Леонардо точно подражать природе. Действительно, Мона Лиза — очень реалистичный портрет. Мягкое скульптурное лицо объекта показывает умение Леонардо обращаться со сфумато, художественной техникой, которая использует тонкие градации света и тени для моделирования формы и показывает его понимание черепа под кожей.Изящно нарисованная вуаль, искусно обработанные локоны и аккуратная прорисовка сложенной ткани демонстрируют внимательные наблюдения и неиссякаемое терпение Леонардо. И хотя пристальный взгляд натурщицы и сдержанная улыбка не считались загадочными до XIX века, сегодня зрители могут оценить ее двусмысленное выражение. Леонардо нарисовал сложную фигуру, очень похожую на сложного человека.
Однако многие исследователи отмечают, что превосходного качества Мона Лиза самого по себе было недостаточно, чтобы сделать картину знаменитостью.В конце концов, есть много хороших картин. Известности произведениям искусства способствовали и внешние события. То, что дом картины — Лувр, один из самых посещаемых музеев мира, — случайное обстоятельство, которое повысило престиж работы. Он прибыл в Лувр окольным путем, начиная с Франциска I, короля Франции, при дворе которого Леонардо провел последние годы своей жизни. Картина стала частью королевской коллекции, и на протяжении веков портрет хранился во французских дворцах, пока революция не объявила королевскую коллекцию собственностью народа.После пребывания в спальне Наполеона модель Mona Lisa была установлена в Лувре на рубеже XIX века. По мере того, как покровительство Лувра росло, росло и признание картины.
Личность натурщика портрета вскоре стала более интригующей. Хотя многие ученые считают, что на картине изображена Лиза Герардини, жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо, никаких записей о таком поручении от Франческо не существует, и натурщица так и не была окончательно идентифицирована.Неизвестная личность, таким образом, придавала фигуру той характеристике, которую люди хотели ее описать. В эпоху романтизма XIX века простая флорентийская домохозяйка, которую, возможно, изображали, превратилась в загадочную соблазнительницу. Французский писатель Теофиль Готье описал ее как «странное существо… ее взгляд обещал неизведанные удовольствия», в то время как другие говорили о ее коварных губах и очаровательной улыбке. Английский писатель Уолтер Патер дошел до того, что назвал ее вампиром, который «много раз был мертв и узнал секреты могилы.”Атмосфера таинственности, которая окружала Мона Лиза в 19 веке, продолжает определять картину и вызывать предположения.
Между тем 19 век мифологизировал Леонардо как гения. На протяжении столетий после его смерти его уважали, но не больше, чем его уважаемых современников Микеланджело и Рафаэля. Однако некоторые ученые отметили, что по мере роста интереса к эпохе Возрождения в 19 веке Леонардо стал более популярным не только как очень хороший художник, но и как великий ученый и изобретатель, чьи проекты были прообразом современных изобретений.Многие из его так называемых изобретений были позже опровергнуты, а его вклад в науку и архитектуру стал считаться незначительным, но миф о Леонардо как гении сохранился и в 21 веке, внося свой вклад в создание Моны Лизы . популярность.
Писатели 19 века вызвали интерес к картине Мона Лиза , но кража картины в 1911 году и последовавшее за этим безумие СМИ привлекли к ней внимание всего мира. Когда 22 августа того же года появилась новость о преступлении, она сразу произвела фурор.Люди стекались в Лувр, чтобы полюбоваться пустым пространством, где когда-то висела картина, художественный директор музея подал в отставку, обвинения в розыгрыше разлетелись по газетам, а Пабло Пикассо даже был арестован как подозреваемый! Два года спустя картина была найдена в Италии после того, как арт-дилер во Флоренции сообщил местным властям, что мужчина связался с ним по поводу продажи картины. Этим человеком был Винченцо Перуджа, иммигрант из Италии во Францию, который некоторое время работал в Лувре над подборкой картин, в том числе «Мона Лиза » .Он и двое других рабочих сняли портрет со стены, спрятали с ним в туалете на ночь, а утром убежали с ним. Не имея возможности продать картину из-за внимания средств массовой информации, Перуджа спрятал ее на фальшивом дне сундука до своего поимки. Его судили, осудили и посадили в тюрьму за кражу, пока картина путешествовала по Италии, прежде чем триумфально вернулась в Лувр. К тому времени многие французы стали рассматривать эту работу как национальное достояние, которое они потеряли и вернули.
Encyclopædia Britannica, Inc.Модель Mona Lisa , безусловно, была более известна после ограбления, но Первая мировая война вскоре привлекла к себе внимание всего мира. Некоторые ученые утверждают, что игривое искажение Марселем Дюшаном репродукции открытки в 1919 году привлекло внимание к Моне Лизе и положило начало тенденции, которая сделала эту картину одной из самых узнаваемых в мире. Он выступил против поклонения искусству, когда нарисовал на лице женщины бороду и усы и добавил аббревиатуру L.H.O.O.Q. (означало вызвать вульгарную фразу по-французски) внизу. Этот акт непочтительности вызвал небольшой скандал, и другие хитрые артисты признали, что такая шутка привлечет к ним внимание. Спустя десятилетия этому примеру последовали и другие художники, в частности Энди Уорхол. По мере того как художники искажали, искажали и играли с репродукциями Моны Лизы , карикатуристы и рекламщики еще больше преувеличивали ее. На протяжении десятилетий, по мере совершенствования технологий, картины бесконечно воспроизводили, иногда манипулировали, а иногда нет, так что лицо натурщика стало одним из самых известных в мире даже для тех, кто мало интересовался искусством.
Поездка картины в Соединенные Штаты в 1963 году и в Японию в 1974 году повысила ее статус до статуса знаменитости. Модель Mona Lisa путешествовала по Соединенным Штатам в каюте первого класса на океанском лайнере и привлекала около 40 000 человек в день в Метрополитен-музей в Нью-Йорке и Национальную галерею искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
