Этюды пейзажей зачастую выполняют карандашом, так как рисование природы требует особых, быстрых навыков. Художник уже не берет с собой на природу целый набор красок, кистей, холстов и других принадлежностей. Все, что ему нужно – это лист бумаги небольшого формата, коробка карандашей и стиральная резинка.

Желание рисовать карандашом — Картины и живопись художников. Графика и галереи.

Мы с детства рисуем. У некоторые из нас желание рисовать карандашом не пропадает всю жизнь.

Достигая сознательного возраста, понимаем, что хотим рисование связать с будущей профессией. И в дальнейшем идем к своей мечте.

Пути у нас разные кто то окончил институт, кто то остается самоучкой, кто то осваивает смежные профессии (компьютерная графика). Но, так или иначе, талант плюс настойчивость и работоспособность дает свои результаты.

У нас в галерее помещены мифические рисунки современного итальянского художника Марко Маццони (Marco Mazzoni). Родился в 1982 году, в Тортона (город в Италии).

Желание рисовать карандашом Марко Маццони

ГРАФИКА с греческого переводится, как ПИШУ. Пишут одной линией. Но со временем графика стала отдельным видом изобразительного искусства, и художники развивая это направление, пытались не только рисовать карандашом или пером, но и применять штрихи и пятна, в дальнейшем появился и цвет.

Белый цвет это лист бумаги. Все что нужно оставить светлым это тон бумаги, а тени зарисовываются оттенками темного тона.

С развитием наук появились и новые технологии создания графических рисунков. Например, офорт или цветная литография.

Можно посмотреть, как умеет рисовать карандашом

а цветную литографию оценить в работах Майкла Паркеса.

Наш герой любит рисовать цветными карандашами. Как он сам говорит, на создание своих работ его подтолкнула прочитанная им книга «Молот ведьм».

Женский образ знахарки, колдуньи смотрит на нас с картин. Но «СМОТРИТ», это я преувеличил, поторопился сказать. Женщины на картинах в большинстве случаев без глаз. Им не нужно видеть глазами, они и так ведают, они и так все знают.

Занимался в Академии искусств в Милане. Его работы наполнены цветом и цветами, работает используя контраст. С темного фона вырываются яркие лица в обрамлении бабочек, птиц или растений.

Предложения писать маслом отвергает. Рисовать карандашом это его увлекает больше.

Работы других художников

Эта техника ничем не отличается от письма маслом. Зная законы живописи, имея талант можно изобразить любой сюжет. В подтверждение сказанному, посмотрите работы ниже.

Так же можно посмотреть статью о художнике Джотто ди Бондоне .

картины карандашом или акварелью, как научиться рисовать натюрморт в современном стиле и уроки для этого

Гиперреализм – это направление живописи, в котором картины напоминают фотографии. Порой нужно действительно очень хорошо присмотреться к работам, чтобы определить: перед вами находится фото или произведение живописи?

Гиперреализм развился из фотореализма в конце XX столетия и перешел на новую ветвь развития в начале XXI века. А само понятие «гиперреализм» было придумано французским критиком по имени Иса Брахот (Isy Brachot) – оно стало французским аналогом слову «фотореализм». С тех пор гиперреализмом обозначали творчество художников, подвергшихся влиянию фотореализма.

Гиперреализм и фотореализм: есть ли разница?

Фотореализм возник как реакция на художественное движение абстракционизм. Появился фотореализм в США в 60-е годы прошлого века, а в Европе распространился в 70-е. Художники-фотореалисты создают картины, которые выглядят настолько правдоподобно, что, как и предполагается из названия этого направления, напоминают фотографии высокого разрешения.

Задачей фотореалистичной работы является получение технически точного и четкого результата. Художники, пишущие картины в стиле фотореализм, могут нарочно лишать свою работу каких-то эмоциональных деталей, если это нарушает целостность повествования. Темой фотореализма, как и в произведениях поп-арта, является повседневная жизнь человека и ее объекты.

Гиперреализм же, в отличие от фотореализма, наоборот, не дистанцирует себя от эмоциональной составляющей изображений, а добавляет картинам повествовательный характер и новые чувства. Он влечет за собой нечто большее, чем просто точная техника.

Такие картины могут быть супер-реалистичными и детализированными настолько, что в итоге картина представляет собой какую-то другую реальность, а не ту, что была на фотографии или в действительности.

Объем объекта, свет и тень, текстура материалов – все это изображается таким способом, чтобы выглядеть еще более ясно и подробно, даже преувеличенно в сравнении с оригиналом. Однако при этом картины не уходят в сюрреализм – изображение в гиперреализме должно оставаться убедительным, просто настоящая реальность подменяется на ложную, иллюзорную.

Лучшие художники-гиперреалисты XXI века

Стиль гиперреализм на сегодня стал очень популярным, а армия его последователей растет с каждым годом: благодаря Интернету можно увидеть тысячи гиперреалистичных работ и в графике, и в живописи.

Все имена назвать невозможно, поэтому ниже представляем вам картины всего лишь нескольких художников, которые, тем не менее, являются одними из самых примечательных авторов XXI века, представляющих гиперреализм в живописи.

Джейсон де Грааф

Увидев работы Джейсона де Граафа впервые, вам будет непросто поверить, что это живопись. Его гиперреалистичные миры – тщательно продуманные иллюзии, созданные с помощью нежных мазков и создающие впечатление самых настоящих фотографий в высоком разрешении. Де Грааф пишет картины в таком жанре живописи, как натюрморт.

Ключевым элементом большей части картин этого художника в стиле гиперреализм является отражение: от сверкающих металлических шариков до полированных хрустальных черепов – художник использует все возможности правдиво изобразить объем предметов и сделать их «живыми» за счет точной передачи тени и света.

Сам автор говорит о своих работах, что они – постановка альтернативной реальности, благодаря которой художник может выразить свое уникальное видение.

Его целью не является запечатлеть предметы такими, какие они есть на сто процентов, а создать некую иллюзию глубины и ощущения присутствия, которого в фотографиях не встретить. Поэтому де Грааф использует для своих картин такие предметы, которые что-либо означают для него или в действительности являются артефактами из его жизни, а цвета и композиции выбирает интуитивно.

Марко Грасси

Еще один автор в стиле гиперреализм, чьи работы поражают своей реалистичностью и заставляют многих приглядеться к ним еще разок – это итальянский художник из Милана по имени Марко Грасси. Его картины настолько детализированы, что действительно имеют качество фотографий.

Работы Грасси – это чувственные портреты моделей, застенчиво глядящих в сторону от камеры.

В них часто добавлен какой-то сюрреалистический элемент, который будто вплетается в портрет – например, это может быть узор, который нарисован или вырезан на коже модели.

Кстати, кожа девушек на портретах – отдельная причина увидеть эти работы, она кажется идеальной и бархатной, и присмотревшись, зритель сможет разглядеть каждую веснушку или пору на лицах.

Грасси называет свой стиль живописи «сюрреалистичный гиперреализм».

Он говорит, что вдохновляется различными текстурами, консистенцией материалов, тем, как они взаимодействуют со светом и как он отражается в них – что художник и пытается передать в своих картинах.

Род Чейз

Как один из лучших и наиболее узнаваемых художников-гиперреалистов нашего времени, Род Чейз заслужил огромное уважение своих коллег и обожание множества коллекционеров.

Каждая картина, снятая с его мольберта – шедевр, созданный благодаря тщательному исследованию объекта живописи и его многочисленным фотографиям. Этот подход к написанию картин и привел к невероятному качеству каждой работы Чейза.

Художник написал множество картин в стиле гиперреализм с пейзажами и знаменитыми местами городов Нью-Йорка и Вашингтона, штатов Колорадо и Калифорнии, таких стран Европы, как Италия, Великобритания, и других. В поисках интересных локаций и фотографий он лично путешествовал по всем этим местам. Чейз говорит, что, будучи гиперреалистом, он сильно зависит от поиска хорошего материала для каждой картины.

Картины Чейза, в основном, выполнены акрилом на холсте. Художник тратит сотни часов на создание каждой работы с целью представить свежий, элегантный и уникальный подход к уже знакомым объектам. И детализация, и настроение его картин одинаково впечатляют.

Эмануэль Дасканио

Эмануэль Дасканио – один из лучших современных художников, настоящий мастер стиля гиперреализм, работы которого поражают своей чувственностью и реалистичностью.

Помимо замечательной техники, Дасканио прячет в своих работах дополнительные смыслы с помощью малозаметных визуальных деталей, которые помогают художнику создать иллюзию реального мира. Сам автор утверждает: загадка только тогда является таковой, если она открывается глазам зрителя не спеша.

Источник: http://megapoisk.com/giperrealizm-izvestnye-hudozhniki-i-ih-kartiny

Иллюзия или отражение? Гиперреализм

Я никогда не была поклонницей реализма в искусстве, но простое любопытство и увлечение сына фотографией привело к тому, что я заинтересовалась таким направлением в живописи, как гиперреализм, развившийся в конце 20 века и получивший распространение одновременно в разных странах мира.

Насколько одни зрители и критики восхищены работами этого направления искусства, настолько другим оно отвратительно, и даже за искусство не принимается.

Гиперреализму как направлению в искусстве предшествовал фотореализм. Впервые это слово, «фотореализм», было придумано, а затем и опубликовано в 1970 году Луи Мейзелем для выставки «22 реалиста» Музея Уитни. Фотореалистическая живопись невозможна без фотографии, так как снимки со слайдов с помощью сетки переносятся на холст, становясь в результате живописной копией фотографии.

Помните, говорили, что некоторые огромные полотна Глазунова с большим количеством маленьких лиц сделаны частично именно таким способом.Но вот современный гиперреализм не копирует буквально реальность, а создает иллюзию этой реальности, тщательно и скрупулезно выписывая объекты, сцены, мелкие детали, становясь, таким образом, одним из видов современного искусства.

Это направление можно обозначить как симуляцию того, чего не существует в реальности, но благодаря убедительной иллюзии кажется ею. Свое название как течение в живописи гиперреализм получил с легкой руки бельгийского арт-дилера Айса Брахо, устроившего в 1973 году в своей галерее в Брюсселе крупную выставку с таким названием.

Теперь этот термин «гиперреализм» применяется к самостоятельному направлению в искусстве, сложившемуся в конце 20 — начале 21 века и получившему широкое распространение во всем мире.

Одним из самых поразительных художников этого направления мне показался Хавьер Аризабало, родившийся во Франции, учившийся и живущий в Испании. Главное для него – отразить падение света на человеческое тело, «его нежные, но точные мазки создают образы, которые, казалось бы, вот-вот сойдут с холста в реальный мир.

Мексиканский художник Омар Ортиз, родившийся в 1977, изучал разные техники рисунка в колледже, предпочитает работать маслом, его стиль можно назвать «минималистским гиперреализмом» из-за отсутствия большого количества предметов и деталей на картинах. В основном рисует полуобнаженных и обнаженных женщин.

Художник из Мадрида, 47-летний Педро Кампос пишет маслом невероятно реалистичные натюрморты. «Я думаю, на развитие моего собственного стиля рисования сильно повлиял процесс восстановления картин, — говорит художник. – Восстановление древних картин вынуждает вас искать решение в цвете, любой личный вклад художника должен оставаться незамеченным».

Английский художник Пол Робертс, родившийся в 1948 году, начал свою карьеру художника еще в 70-х годах, но вынужден был прервать ее в связи с мировым успехом рок-группы, солистом и автором песен которой он был, а затем и из-за своей сольной карьеры. Только с 2000 года он занимается исключительно живописью.

Канадский художник Джейсон де Грааф родился в 1971 году в Монреале, живет и работает в Квебеке. О своем творчестве он говорит так: «Мое основное желание – создать иллюзию глубины и пространства, которой очень трудно добиться фотографией».

Диего Гравинезе родился в Аргентине в 1971 году и за последние 15 лет выставлялся в музеях Парижа, Нью-Йорка, Мадрида, Чикаго, Буэнос-Айреса и во многих других городах мира.

В России элементы гиперреализма можно было заметить еще в произведениях соцреализма 20 века, а например, современный украинский художник Александр Иванов так и называет свою манеру в живописи «гиперреалистический соцарт» (я бы добавила, и «ироничный соцарт»).

Российский художник Андрей Никулин в основу своего творчества положил точное, до тычинки и пыльцы, изображение цветов во всем их многообразии.

В это трудно поверить, но невероятно фотореалистичные рисунки португальского художника-любителя Самюэля Сильвы выполнены обыкновенными шариковыми ручками. Все рисуется сразу и без исправлений, ведь пасту не сотрешь и не откорректируешь. На каждый маленький шедевр уходит от 5 до 50 часов кропотливого труда.

Бельгийская художница Синди Райт родилась в 1972 году, закончила в 1966 году Художественную академию, живет и работает в Антверпене.

Диего Фацио, художник из Италии, любит карандаш, на создание этого портрета ушло около 200 часов.

Предлагаю вашему вниманию еще несколько работ художников, работающих в направлении «гиперреализм».Как всегда, предлагаю вам посмотреть слайдшоу с музыкальным сопровождением, в котором представлено больше работ по теме.

Источник: https://history-of-art.livejournal.com/798265.html

Особенности гиперреализма как стиля в живописи

Гиперреализм – современное направление живописи, характерное техникой изображения объектов и предметов с максимальным сходством с фотографическими картинами.

Картины являются своего рода копией фотографии, но не в буквальном смысле, их тематика варьируется: портреты, натюрморты, пейзажи сельские и городские. Гиперреализм передает реальность аналогично фотореализму.

Главными темами творчества являются: социум, проблемы общества, политические и культурные темы, реклама, «человек в большом городе» — макрофотографическое внимание к его роли и проблемам. Гиперреализм это общий термин, описывающий особую форму реалистической живописи и скульптуры, которая возникла в начале 70-х годов XX века.

История

Он также упоминается под понятием суперреализм. В живописи считался синонимом фотореализма. В 1973 году название «Гиперреализм» охватило выставку и большой каталог работ. Термин для обозначения стиля предложил использовать Иса Брахот, по его мнению, он более точно отображал сущность работы художников, чем фотореализм.

Большинство художников-гиперреалистов работают непосредственно с фотографией или цифровым изображением, при помощи традиционных методов сетки или путем проецирования цветного слайда изображения на холст. Цель состоит в том, чтобы воссоздать ту же резкость деталей, что и на фотографии, по всей картине.

Особенности стиля

Истоки гиперреализма лежат в 1960-х годах, когда в США и Европе распространилось направление «фотореализм». Создать работу в этом стиле невозможно без фотографии. Методы и принципы работы переняли гиперреалисты:

• Использование технических средств для создания картины;
• Стремление сделать изображение максимально близким к фотографии;
• Особое внимание уделялось деталям картины.

Для гиперреализма характерны такие черты:

• Гиперреализм имитирует реальные формы, как в живописи и скульптуры;
• Реальная одежда и текстиль, ткани и бумаги часто используются в творчестве;
• Внешняя реалистичность и гипертрофированность в совокупности с игнорированием сути, глубинного смысла;
• Для стиля характерны прагматизм и натурализм;
• Используется различная техника для нанесения на холст изображений людей и предметов;
• Изображение сложное с точки зрения фигуративности, построения композиции;
• Отказ от эмоционального воплощения реальности, характерны беспристрастность, точность, документализм;
• В деталях живописи иногда могут быть преувеличения, чем стиль и отличается от техники фотореализма;
• Изображения кажутся статичными, холодными, отчужденными;
• Упрощение фактур при помощи техник лессировки и аэрографии;
• Стремление избежать наличия особого почерка автора.

Гиперреализм стиль фокусируется на деталях предметов. Картины в этом стиле были отображением реальных объектов с дополнительными, тонкими деталями, которые создавали иллюзию действительности.

Философия

Объяснить философию стиля поможет мнение социолога и культуролога Жана Бодрийяра: по его мнению, гиперреализм – это симуляция реальности, иллюзия, ложная действительность, фотографическая передача того, чего никогда не существовало. Сами живописцы, работающие в этом стиле, отрицают слепое копирование фотографии.

Художники фокусировали внимание на блестящих отражающих поверхностях – поверхность полированного автомобиля, стекло, водная гладь, пластик, металл. Работы в стиле гиперреализм должны быть более чем копией реальности, они должны передавать сверхдействительность.

Гиперреализм характеризуется более сложным фокусом на объекте действительности. Текстуры, фактуры, световые эффекты и тени являются яснее и отчетливее, чем на фото. Они более выражены, чем в реальности. Назвать изображение сюрреалистичным нельзя, поскольку иллюзия является убедительной моделью реальности.

Приемы

Художники использовали приемы работы фотографов для создания эффектной картины:

1. Съемка с высоты
2. Крупный план и макросъемка
3. Оптическая иллюзия и монтаж
4. Раскадровка
5. Полиэкран.

Известные творцы и их работы

Уилл Коттон

Американский живописец. Центральная тематика работ – обнаженное женское тело. Работает в жанре пейзаж: Коттон создает гиперреалистичные изображения домов и зимних ландшафтов из сладостей, «материалами» служат вафли, безе, сахарная вата, торты, крем. Художник сам готовит модели для своих картин.

В его студии есть духовка и все необходимое для изготовления вкусных моделей.

Работы путешествуют по всему миру, а персональные выставки действовали в Нью-Йорке, Бостоне, Париже, Кельне, Лос-Анджелесе. Картины: «В пещере мороженого», «Скалистые горы», «Черное и белое», «Нега в кремовых облаках», «Ореховый дом».

Скотт Прайор

Живописец из США, работает в стилях современный реализм, гиперреализм. Картины находятся в частных коллекциях, в американских художественных музеях. Работает в жанрах пейзаж, портрет. Картины узнаваемы, благодаря особой передаче световых отблесков, тонкой работе с отражающими поверхностями, вниманию к красоте обнаженного женского тела.

Наиболее известные работы: «Спящая Нэнни», «Девушка в воде», «Нэнни и роза», «Молли».

Хавьера Арисабало

Испанский гиперреалист. Практически не работает с фоном, в центре картины – человеческая фигура с выраженными контурами. Герои работ вырваны из среды обитания, не связанны с миром, в котором они живут. Для художника важны только образы, а не среда, в которой они развиваются. Гиперреализм – характерное направление искусства второй половины XX века. Направление продолжает развитие в различных формах и проявлениях.

Источник: https://artrecept.com/zhivopis/stili/giperrealizm

Гиперреализм в живописи

В 70-ых годах 20-го столетия в Америке возникло новое течение в сферах скульптуры и живописи — гиперреализм. Появление его стало настоящим событием в художественном искусстве всего мира.

Это определение используют для нескольких обозначений: разветвлений в живописи, кинематографии, скульптуре, популярных в 1990-2000-ых; фото европейских реалистов 70-ых.

Синонимом к «гиперреализму» является фотореализм.

В 1973 гиперреализмом назвали крупный каталог и Брюссельскую выставку произведений искусства. Там в большинстве своем представляли свои работы фотореалисты США. Помимо того, на ней были показаны картины следующих художников Европы: Делкола, Клафека, Герхарда Рихтера, Гноли.

Три десятилетия спустя понятие «гиперреализм» применили для названия манеры новых творцов. Они имитировали фотоснимки путем использования средств живописи на холсте.

Их главной задачей было изображение современной жизни: магазинных витрин, ресторанов, светофоров, многочисленных станций метро, людей и зданий. Особенное внимание художники обращали на блестящие и отражающие поверхности, такие как стекло, полировка машин, пластик и т.п. Игра отражения на этих поверхностях создавала ощущение взаимного проникновения пространства.

Гиперреалистичные работы легко путают с фотографиями. Однако они нарисованы рукой своего талантливого автора.

Художники гиперреалисты

Ольга Ларионова, Рон Мюэк, Педро Кампос, Сэмюэль Сильва, Франко Клун.

Гиперреализм всегда был направлением в искусстве, порождающим большое количество споров. Некоторые восхищены мастерством живописца, другие в недоумении, зачем рисовать то, что запечатлено фотоаппаратом.

Цель гиперреалистов – изображать мир не только достоверно, а супер похоже, супер реально.

Ими использовались механические методы, а именно копирование снимков и подгон их до габаритов больших полотен (диапроекция и прочее). Краски распылялись посредством аэрографа, сохраняя все характеристики фотографического изображения, исключая индивидуальные манеры мастеров.

Помимо того, гости на выставках данного направления в холлах встречали фигуры людей. Они были сделаны в натуральный рост с помощью современных полимерных средств. На них были одеты готовые наряды. А раскрашены так, что фигуры походили на зрителей. Такой перформанс вызывал у людей замешательство и шок.

Задача фотореализма заключается в обострении нашего восприятия обыденной жизни, изображении символизированной современной среды, отражении нашей эпохи в форме «техискусства», которое широко распространилось в нынешний период технологического прогресса.

Фотореалисты запечатляли и выставляли сущность современной жизни, но скрывали свои эмоции. По сути, в своих работах это направление чуть не бросило вызов всему искусству, очутившись на его границе и стремясь к соперничеству непосредственно с жизнью. Небывалой реалистичности гиперреалисты достигли, гоняясь за техникой и деталями.

Портреты, выполненные этими художниками, – что-то больше, чем обычные копии фотоснимков. Большой талант и настойчивость авторов делают их просто невероятными.

В них жизнь, которую видит художник, наши эмоции и иллюзия мира, в котором мы живем.

Для изобразительного искусства направление гиперреализма уже нельзя назвать новинкой. И все же, невзирая на большую популярность этого течения, реалистичность новых произведений художников за каждым разом и с новыми силами потрясают мастерством и высоким уровнем, с которым они выполнены.

В наши дни большинство представителей концептуального искусства пишут работы все более незаурядные и оригинальные.

Источник: https://allpainters.ru/napravleniya/giperrealizm-v-zhivopisi.html

История живописи: Реализм и гиперреализм

История живописи – это увлекательный процесс познания человеком мира, отражение его     мыслей и эмоций на полотна под воздействием понимания или недопонимания вещей, происходящих вокруг и внутри художника.

Иван Шишкин. Рожь. 1878.

Вместе с тем, как морально рос и развивался человек, менялись и его взгляды на жизнь. Эти образы и видения ложились в основу картин, которые удивляют нас глубиной своей фантазии и буйством красок. Не удивительно, что количество стилей и направлений в живописи сегодня так велико. Каждый век по-своему уникален и неповторим. История живописи с культовыми фигурами у мольбертов, раскрывает нам тайны различных течений в искусстве, предпосылки к их возникновению, а так же дарит нам свою философию.

Чтобы рассказать абсолютно обо всех направлениях в искусстве не хватит и жизни. Однако мы попытаемся очертить наиболее популярные стили, которые вошли в историю и актуальны сегодня.

Реализм и гиперреализм

Помните ли Вы, как в детстве, держа в руках цветной карандаш или кисточку, Вы стремились сделать свой рисунок более правдоподобным? Желание передать красоту действительности, наверное, заложено в нас на подсознательном уровне.

Наша память пытается запечатлеть самые приятные мгновения и самые очаровательные образы. Ведь, как известно, человеческий мозг запрограммирован оставлять в своем архиве лишь настоящие  фрагменты.

Реализм в живописи, как стиль и крупное течение в истории искусства, возникло как раз по той же причине.  Оно родилось фактически еще тогда, когда пещерный житель впервые решился отобразить свой мир по средствам рисунка. Однако он, так же, как ребенок, не сразу научился писать шедевры. Из века в век художники совершенствовали свои навыки.

Естественное восприятие действительности и точная передача ее на холсте окончательно воплотились на холстах спустя лишь несколько эпох, на рубеже XIX-XX веков под логичным термином «Реализм».

Кстати, этот термин по праву принадлежит французскому литературному критику Ж. Шанфлёри, который выдумал его для  противопоставления академизму и романтизму. Как известно, эти два стиля полны  милых выдумок, в которых действительность несколько приукрашена, вычурна и манерна.

Античный лоск, в котором грация изменчива и неправдоподобна, пределом надоел мастерам из Франции.  Тогда, в 1855 году живописец Гюстав Курбе представил миру серию картин под названием «Павильон реализма», которая  поразила всех своей смелостью и красотой реальных сюжетов.

Гюстав Кюрбе. Просеивание зерна.

Реализм в живописи – это правдивые формы действительности, к которым стремились всеми силами художники с первобытных времен. Они желали передать истинную эстетику окружающего мира, сущность его явлений и образов, не забывая об индивидуальности портретов, красоте натюрмортов  и неповторимости пейзажей.

Не удивительно, что реализм получил  большое распространение и за пределами родной Франции. В разных странах Европы это течение имело различные названия. В России это не иначе как «передвижничество», в Италии – удивительный «веризм Маккьяйоли», в Австралии – школа Робертса и Маккаббини, а в США – громкая «школа мусорного ведра» Э. Хоппера.

Однако прежде чем найти своих последователей на разных континентах, реализм разделился на такие направления, как импрессионизм и натурализм. Задача первого – максимально точно передать эмоцию в конкретный момент времени, а второго – реально воплотить конкретный физический образ. Спустя столетие реализм трансформировался в новый стиль – гиперреализм.

Термин, как синоним от французского «фотореализма», придумал Isy Brachot в 1973 году.   В этом же году в Брюсселе прошла художественная выставка с одноименным названием.

Но как отдельный серьезный стиль гиперреализм в живописи сформировался лишь тридцать лет после этих событий.

Эстетические принципы фотореализма, который полностью копирует повседневную действительность, за это время весьма  выросли. Художники стали делать акцент на детализации образов.

Омар Ортис.

Сейчас это один из наиболее сложных и эффектных стилей, который стремится к передаче тонкой структуры и фактуры жизни. Гиперреализм можно смело назвать максимально точным  отражением действительности и антитезой концептуальному искусству.

Художники, работающие в данном направлении, концентрируют свое внимание на каждом миллиметре холста, стараясь создать идеальные линии и светотени с натуры-изображения, то есть с фотографии.

В тоже время, философия течения корнями входит в творчество Ж. Бодрийяра, который говорил о симуляции образов, никогда не существовавших в реальности.  Иными словами, гиперреалисты создают так называемую «ложную реальность» или «убедительную иллюзию».

Источник: http://jivopismaslom.ru/interesnyie-stati/istoriya-zhivopisi-realizm-i-giperrealizm.html

Это НЕ фотография: картины 12-и лучших художников-гиперреалистов

Этот талантливый 22-летний художник не перестает удивлять и снова доказывать, что его картины не являются фотографиями, и что все они нарисованы карандашом.

Он подписывает свои работы, которые публикует в интернете, как DiegoKoi. Так как все еще остаются те, кто не верит, что он все рисует сам, ему приходится делиться секретами своего творчества.

Фацио начинал как автор эскизов для татуировок. Свое мастерство он стал оттачивать самостоятельно, будучи вдохновленным работами японских художников периода Эдо, особенно Кацусика Хокусай.

Художник уже может похвастаться собственным стилем — все работы он начинает с края листа, невольно имитируя струйный принтер.

Его главные инструменты это карандаши и уголь. Чтобы нарисовать портрет, Фацио требуется около 200 часов.

Невероятно реалистичные автопортреты создает живописец из Испании Элой Моралес.

Все картины написаны маслом. В них он изображает себя, запачканным красками или кремом для бритья, тем самым он старается поймать и изобразить свет.

Работа над картинами очень скрупулезная. Автор работает медленно, тщательно выбирая цвета и обрабатывая все детали.

И все же, Моралес опровергает, что акцент он ставить на детали. Он утверждает, что для него самое важное это правильно подобрать тона.

Хосе Вергара молодой американский художник из штата Техас. Он является автором картин, каждая из которых невероятно точно передает человеческий глаз.

Мастерством рисования глаз и их деталей, Вергара овладел, когда ему было лишь 12 лет. Все гиперреалистичные картины нарисованы обычными цветными карандашами.

Чтобы картины казали еще реалистичнее, художник добавляет на радужные оболочки отражение объектов, на которые смотрит глаз. Это может быть горизонт или горы.

Работы современного 40-летнего художника, который родился в городе Тодди, Италия, поражают своей реалистичностью и деталями. Стоит отметить, что еще в раннем детстве он начал рисовать, а уже к 19 годам его привлекло движение гиперреализма, и до сих пор он рисует масляные картины в этом стиле.

Этот молодой 28-летний художник родом из города Вэйкфилд, Англия. В 2008 году он с отличием окончил Университет Хаддерсфилда (University of Huddersfield), получив степень бакалавра в области искусства и дизайна.

То, что он изображает в своих картинах связанно с образами, которые он видит каждый день. Сам Том ведет здоровый образ жизни, и это влияет на его работы.

В картинах Мартина можно найти кусок стали или разложенные конфеты, и во всем этом он находит что-то свое, особенное.

Его целью не является простое копирование изображения с фотографии, он рисует картины, используя несколько техник рисования и моделирования, которые были разработаны с использованием современных технологий.

Бывает так, что автор показывает зрителю свои гиперреалистичные работы, с ситуациями, которые физически невозможны в настоящем мире. Цель Мартина — заставить зрителя поверить в те вещи, который он перед собой видит.

Педро Кампос является испанским художником, проживающим в Мадриде, Испания. Все его картины невероятно похожи на фотографии, но на самом деле все они нарисованы масляными красками.

Начиналась карьера талантливого художника в творческих мастерских, где, будучи еще очень юным, он оформлял ночные клубы и рестораны. После этого он работал в рекламных агентствах, но любовь к гиперреализму и живописи, вероятно, пришла тогда, когда он занимался реставраторством.

В 30 лет он начал серьезно думать о профессии независимого художника. На сегодняшний день ему за сорок, и он является признанным мастером своего дела. Работы Кампоса можно увидеть в популярной лондонской художественной галерее «Plus One».

Для своих картин, художник выбирает предметы со своеобразной текстурой, например, блестящие шарики, искрящаяся стеклянная посуда и т.д. Всем этим, на первый взгляд, обычным неприметным предметам, он дает новую жизнь.

Самое интересное в работах этого художника это то, что они нарисованы исключительно шариковыми ручками — 8 цветов. Большинство картин 29-летнего Сильвы списаны с фотографий, которые ему наиболее понравились. Чтобы нарисовать один портрет, художнику нужно около 30 часов кропотливой работы.

Стоит отметить, что рисуя шариковыми ручками, художник не имеет право на ошибку, т.к. исправить будет почти невозможно. Самуэль не смешивает чернила. Вместо этого штрихи разных цветов наносятся слоями, что и дает картине эффект богатой палитры цветов.

По профессии молодой художник юрист, а рисование — это лишь его хобби. Первые рисунки были сделаны еще в школьные годы в тетрадях. Кроме ручек, Самуэль пробует рисовать мелом, карандашом, масляными красками и акрилом.

Рисовать этот художник-самоучка начал в уже далеком 1992 году. Сейчас Кристенсен является одним из самых популярных и модных художников. Кроме всего прочего, Эрик — пока единственный в мире художник-гиперреалист, рисующий исключительно акварельными красками.

Его картины изображают праздный образ жизни, мотивируя зрителя отдохнуть где-нибудь на вилле с бокалом вина в руках. Родом из города Кьери, Бенедиченти решил связать свою жизнь с реализмом. Он родился 1 апреля 1948 года, то есть уже в семидесятых он работал в этом направлении.

Одними из самых известных его картин были те, где он детально изображал пирожные, торты и цветы, причем они настолько точно выглядели, что эти пирожные хотелось съесть.

Закончил Луиджи художественную школу в городе Турине в 70-х. Многие критики начали хорошо отзываться о его картинах, а также появились свои поклонники, но художник не спешил навстречу выставочной суете.

В начале 90-х годов, он решил выставить свои произведения на всеобщее обозрение. Сам автор говорит, что ему хочется передать в своих работах ощущения и волнения маленьких радостей, которые он сам испытывает ежедневно, будучи примерным семьянином, хорошим другом и жителем небольшого итальянского города.

Работы художника Грегори Тилкера, который родился в Нью-Джерси в 1979 году, напоминают путешествие на машине в прохладный дождливый вечер. Автор пишет свои гиперреалистичные картины, используя кисть, акварель и масляные краски.

В работах Тилкера можно увидеть автостоянки, автомобили, трассы и улицы сквозь капли дождя на лобовом окне. Стоит отметить, что Тилкер изучал историю искусств в колледже Уильямса, и живопись — в Вашингтонском университете. После того, как он переехал в Бостон, Грегори решил поставить акцент на городских пейзажах, которые и можно увидеть в его работах.

Вы, возможно, удивитесь, но на работы известного шотландского художника Пола Кэддена повлияла гениальный советский скульптор Вера Мухина.

Главные цвета в его картинах — это серый и темно серый, а инструмент, которым он рисует – грифельный карандаш, которым он передает даже самые незначительные капли воды, замерзшие на лице человека. Иногда Кэдден берет в руки мел и уголь, чтобы еще реалистичнее сделать изображение.

Стоит отметить, что герой рисует с фотографий. Художник говорит, что его миссия создавать живой сюжет из обычной, плоской фотографии.

Главная тема художника гиперреалиста Марчелло Беренжи — это окружающие нас предметы. Нарисованные им картины настолько реальны, что кажется можно взять в руки нарисованный пакет чипсов, или собрать нарисованный кубик Рубика.

Для создания одной картины, Марчелло тратит до 6 часов кропотливой работы. Еще один интересный факт — это то, что сам художник снимает на видео весь процесс создания рисунка и потом выкладывает в сеть 3-минутный ролик.

Источник: https://www.infoniac.ru/news/Eto-NE-fotografiya-kartiny-12-i-luchshih-hudozhnikov-giperrealistov.html

Николя-Жак Конте и создание карандаша

Николя-Жак Конте (1755–1805)

4 августа 1755 года родился французский художник, изобретатель, армейский офицер и воздухоплаватель Николя-Жак Конте . Среди прочего, ему приписывают изобретение современного карандаша. Более того, некоторые считают его одним из величайших изобретателей восемнадцатого века. Он отличился своим механическим гением, который очень помог французской армии в Египте.Наполеон Бонапарт назвал его « универсальным человеком со вкусом, пониманием и гением, способным творить искусство Франции посреди Аравийской пустыни ».

Background Николя-Жак Конте

Николя-Жак Конте родился в Сен-Сенери-пре-Се (ныне Ону-сюр-Орн) в Нормандии, Франция, в семье шестерых детей. Он был потомком семьи фермеров, которые возделывали одни и те же поля более двухсот лет. О его семье мы мало что знаем, за исключением того, что один из его братьев взял на себя ответственность за поместье после смерти отца, а другой покинул дом, чтобы основать свою собственную ферму.Две его сестры стали монахинями в отеле Dieu de Sées. Рассказывают, что в возрасте девяти лет Конте создал скрипку, единственным инструментом которой был нож. Если история правдива, в ней записаны самые ранние признаки его более поздних достижений. Одной из его отличительных черт была способность воображать, проектировать и производить сверх обычных ограничений доступного ему оборудования. Он получил работу помощником садовника в отеле Dieu de Sées, где ему также было поручено помогать художнику, которому было поручено украсить часовню монастыря серией панно.Он работал над измельчением пигмента и чисткой кистей и начал изучать живопись путем наблюдения. Когда художник заболел, Конте спросил, может ли он попробовать свои силы. Он утверждал, что ему следует разрешить сделать одну панель, которую, если сочтут неудачной, можно закрасить. Излишне говорить, что суд был приемлемым, и он завершил украшение часовни. Начало его карьеры художника было гарантированным. [1]

Аэронавтика

Одним из первых его интересов, когда он еще работал в Sées, была недавно развивающаяся наука о воздухоплавании.Он сделал по крайней мере один воздушный шар, на котором летал на площади. Он внес свой вклад в улучшение производства газообразного водорода, а также в обработку газового мешка самого воздушного шара. Он также занялся портретной живописью, получая от этого значительный доход. Страстно интересовавшийся механическим искусством и наукой, он начал проявлять свои изобретательные способности во время Французской революции. В 1794 году, будучи директором Аэростатической школы (Монгольфье), он преподавал химию, физику и механику.Он потерял левый глаз в результате взрыва, экспериментируя с газами и лаком. Позже он изобрел телеграфную систему для междугородной связи на воздушных шарах.

Карандаши

До Конте карандаши почти все делали из кусков чистого графита, добытого на руднике Борроудейл в Англии и распиливали на полосы, которые затем заключали в деревянную оболочку. В 1794 году все изменилось, когда Конте, уже известный изобретатель и ученый, получил от своего покровителя Карно задание изобрести замену теперь уже дорогому и труднодоступному чистому английскому графиту.Французская Республика в то время находилась в экономической блокаде и не могла импортировать графит из Великобритании, основного источника материала. Ему потребовалось всего 8 дней, чтобы создать работоспособное зацепление. Всего за неделю он изобрел то, что впоследствии стало известно как процесс Конте: способ изготовления грифелей карандашей из порошкообразного графита и глины, который мы, по сути, используем и сегодня. Предыдущие попытки использовать графит в порошкообразной форме (возможно, из материала, добытого из низкокачественной руды на более бедных рудниках или в попытке использовать отходы, образующиеся при распиловке и резке) всегда терпели неудачу, но Конте разработал, как смешать графит в порошкообразной форме. с глиной и запекать его таким образом, чтобы он не только получал годный к употреблению грифель, но и мог делать грифели разной степени твердости.Помимо процесса смешивания грифелей, Конте также обычно приписывают изобретение оборудования, необходимого для изготовления круглых грифелей, и его действительно можно назвать создателем карандаша. Действительно, около 100 лет карандаши во Франции были известны как цветные карандаши Conté, и, конечно же, карандаши под торговой маркой Conté продолжают производиться и по сей день [2]. На выставке Exposition des produits de l’industrie française 1798 года Конте получил почетную награду, высшую награду, за свои «цветные карандаши разных цветов».

Египетские приключения

После усовершенствования барометра он расстался с научной экспедицией в Египет, организованной Наполеоном Бонапартом. Там Николас Жак начал свое участие в завоевании Египта, изобретая метод загара, чтобы избежать быстрой коррозии металлов, вызванной египетской погодой. Он изучал физику миражей, искусство и методы производства египтян. Во время восстания в Каире большинство инструментов комиссии по искусству и наукам было потеряно.Конте сказал : «У нас нет инструментов; просто, мы собираемся их реконструировать ». Он сыграл важную роль в разработке множества различных процедур, включая изготовление картона, монет, пороха, ветряных мельниц, хирургических инструментов, телескопов, артиллерийских лафетов для пустыни, печей и многих других инструментов. Кроме того, он также участвовал в воспроизведении камня Россетт методом халькографии. Репродукция, которая легла в основу работы Шампольона над египетскими иероглифами.Неудивительно, что Наполеон сказал о нем « Конте смог воссоздать французское искусство посреди арабских пустынь ». В 1801 году, вернувшись во Францию, Конте руководил разработкой « Description de l’Égypte », замечательного произведения о Египте.

Назад во Францию ​​

По возвращении во Францию ​​Конте получил от правительства поручение руководить реализацией той великой работы, которую должна была опубликовать недавно созданная египетская комиссия. Количество памятников и предметов искусства, которые должны были быть представлены, было огромно.Одна только деталь гравировки с использованием обычных процессов потребовала бы огромных затрат и заняло бы много лет. Конте представил себе гравировальную машину, с помощью которой можно было бы легко и быстро выполнить всю работу с фоном, небом и массами памятников. Полезность этой машины не ограничивалась работой в Египте: другие художники внедряли ее в свои мастерские. Кроме того, он изобрел гравировальный станок для иллюстраций Описания. Когда его жена умерла в 1804 году на пике его славы, утрата положила конец его изобретательности.« Теперь я больше не испытываю желания доставить ей удовольствие. »5 декабря 1805 г. он умер от аневризмы в возрасте 50 лет.

Узнайте больше о творчестве новаторов и изобретателей в выступлении Элизабет Гилберт на TED на тему « Другой способ думать о творческом гении ».

Ссылки и дополнительная литература:

Карандашный рисунок современного искусства — bestpencildrawing

Рисунки карандашом в современном искусстве Подробнее о рисунках карандашом в современном искусстве рисунки карандашом в современном искусстве Рисунки карандашом в современном искусстве легко.Рисунки и гравюры были первыми произведениями, поступившими в собрание музея современного искусства в 1929 году, году основания музея.

Fine Art Originals Минималистский рисунок девушки в единственном экземпляре Подарок
Загрузить в полном разрешении

Просмотрите доступные цены ваших любимых брендов, бесплатная доставка на многие товары.

Карандашный рисунок современного искусства . Рисунки карандашом современного искусства. От новичков до известных художников, карандашные рисунки на amazon art представлены произведениями из множества стилей, включая современный образный абстракционизм и реализм.Купить оригинальные рисунки карандашом от художников.

Карандашный рисунок современное искусство подробнее о карандашном рисовании современное искусство карандашный рисунок современное искусство карандашный рисунок современное искусство. Написал luqman рисунок 26 августа 2018 0745. Amazon art хранит лучшие рисунки карандашом, пастельными чернилами, углем и мелом.

Рисунок натюрморта 15 апреля 2018 1620. Мадридский художник работает цветными карандашами, создавая невероятные произведения искусства, напоминающие фотографии или, по крайней мере, картины маслом.Рисунки карандашом современного искусства.

Только что открылась первая международная онлайн-выставка общества карандашного искусства, на которой мы нашли работы Адольфо Фернандеса Родригеса. В разные моменты истории мам эти две среды были разделены на отдельные отделы или объединены. С 2013 года они объединены в отдел рисунков и гравюр.

Арпита Ачарья Сриджит Кришнан Кунджаппан Доминик Таранто Джон Пауэлл Джордж Лукас Михала Калберт Рангубхотла Синдура Хемис Котрас Луиз Андерсен Зауре Кадыке Дебора Пейдж Джексон Станислав Боджанков Эмзон Мерисон Мерсон Бертрандио Бертрандио Бертрандио БертранаПродажа авторских рисунков карандашом. К 19 веку карандашные рисунки были в основном способом для художников рисовать предварительные композиции и этюды для картин и скульптур.

Карандашный рисунок современного искусства. Появление других карандашей для изобразительного искусства, включая цветные акварельные карандаши и разновидности угля, расширило универсальность среды, и карандашные рисунки стали самостоятельной формой изобразительного искусства. Карандашный рисунок современного искусства.

Карандашный набросок Карандашный рисунок Нидхи Такур Absolutearts Com
Загрузить в полном разрешении

Что вы думаете об этом карандашном рисунке Искусство современного искусства
Загрузить в полном разрешении

Карандашный рисунок современной девушки Художественный эскиз Фэнтези Рисунки Карандаш
Загрузить в полном разрешении

Карандаш Рисунок карандашом для внутреннего ребенка. Автор Alina Varzaru
Скачать в полном разрешении

Amazon Com 100 Ручной карандашный набросок 11 6 X8 2 Оригинал
Скачать в полном разрешении

Карандашный набросок Современное искусство Радха Кишан Карандашные наброски в 2019 году
Загрузить в полном разрешении

Эскизы современного искусства На Paintingvalley Com Исследуйте коллекцию
Скачать в полном разрешении

Современные наброски на Paintingvalley Com Исследуйте коллекцию современных
Скачать в полном разрешении

Портрет молодой женщины Оригинальный рисунок карандашом в стиле модерн
Скачать в полном разрешении

Рисунок карандашом Западное искусство Изобразительное искусство Современное искусство Ffa 4 H Print
Загрузить полное разрешение

Абстрактное искусство Карандашный рисунок Современное искусство Маленький размер Etsy
Загрузить полное разрешение

Топ-10 лучших художников-карандашей в мире

«Мир искусства» Нет ни одного слова, которое могло бы описать этот удивительный мир, который всегда поражает нас и полностью ошеломляет.У него есть способность завораживать нас, знаете почему? Это потому, что это мир воображения, у которого БЕЗ ОГРАНИЧЕНИЙ. Представьте себя великим и профессиональным художником, который умеет рисовать или раскрашивать удивительные работы, вы обнаружите, что ваша жизнь совершенно другая, поскольку вам нужно больше сосредоточиться на окружающей красоте природы и безмятежности. Карандашный рисунок — это искусство, которое считается чрезвычайно простым, и все, что требуется для этого вида искусства, — это талант.

Никто не может отрицать, что талант очень важен для создания потрясающих произведений искусства, но это не единственное, что нужно.Помимо таланта, вам нужно изучить больше техник и навыков, которые позволят вам творчески представить реалистичные рисунки. Чтобы начать рисовать, достать карандаш и бумагу несложно. Что действительно сложно, так это убедить других в том, что то, что вы создаете, не является фотографией, это реалистичный карандашный рисунок или просто трехмерный рисунок, который заставляет других думать, что то, что они видят, является реальным объектом, а не просто рисунком. У вас есть возможность это сделать? Давайте узнаем больше об этом удивительном мире, взглянув на следующие шедевры 10 лучших художников-карандашей в мире.

10 Моника Ли — Малайзия

Моника Ли — малазийский художник-карандаш, увлеченный созданием фотореалистичных рисунков с помощью своих графитовых карандашей [Научитесь легко рисовать здесь]. Основная причина успеха Моники Ли и представленных ею креативных рисунков — это акцент на деталях, которые заставляют нас думать, что то, что нарисовано, является фотографией реального объекта, а не просто рисунком. Помимо рисования животных, птиц, портретов, продуктов и людей, Моника Ли также занимается цифровой живописью с помощью Photoshop, чтобы наконец-то представить нам удивительные работы.Цветные карандаши также используются Моникой Ли, чтобы сделать свои рисунки более впечатляющими.

9 Cas «Artistiq» — Канада

Cas, или Artistiq , как ее обычно называют в социальных сетях, является одним из самых креативных художников-карандашей не только в Канаде, но и в других странах. весь мир. Кас интересуется рисованием портретов и сосредотачивается в своей творческой работе по рисованию своих любимых знаменитостей в дополнение к другим фильмам и героям телесериалов, чтобы найти многих из тех, кого мы все любим, таких как Дженнифер Лоуренс, Кэти Перри, Кристен Стюарт и других знаменитостей, которых мы знаем. .Для создания этих потрясающих рисунков Кас использует традиционные и цифровые носители.

8 Адонна Кхаре — США

Адонна Кхаре — художник, отмеченный наградами, который больше фокусируется на крупномасштабных рисунках угольным карандашом. Она является победителем конкурса ArtPrize 2012, крупнейшего художественного конкурса в мире. Она получила степень магистра изящных искусств в Калифорнийском государственном университете, и ее работы были представлены на различных национальных и международных выставках, в журналах и на сайтах социальных сетей, таких как Facebook, Instagram и Pinterest.Через свои рисунки животных она пытается рассказывать истории и передавать определенные сообщения, которые обычно связаны с жизнью, которой мы живем, различными событиями и людьми, с которыми она общается.

7 Пол Кадден — Соединенное Королевство

Пол Кадден — один из лучших художников-карандашей во всем мире. Его креативность и уникальная способность создавать гиперреалистичные карандашные рисунки в значительной степени способствовали тому, что он попал в этот список.С Полом Кадденом вы сможете насладиться потрясающей красотой портретов и пейзажей, которые нарисованы творчески, уникально и точно. Он переносит нас в другой мир, фактически в тот же мир, в котором мы живем, но не видим или просто игнорируем. Его рисунки точно отражают реальность с акцентом на изображенных предметах и ​​деталях, чтобы побудить нас уделять больше внимания миру, в котором мы живем, и ценить разные вещи вокруг нас, но обычно игнорируются. Хотя рисунки Пола обычно основаны на фотографиях, кадрах и видео, они могут содержать дополнительные элементы для достижения уровня гиперреализма.

6 Кельвин Окафор — Великобритания

Если вы хотите узнать больше о профессиональном рисовании портретов, вам нужно взглянуть на креативные и потрясающие карандашные рисунки, созданные Кельвином Окафором . Чтобы создать эти фотореалистичные рисунки и достичь этого идеального уровня, Кельвин Окафор много лет пытался развить свою технику и улучшить свои навыки. Слава Кельвина Окафора начала расти после получения нескольких наград в 2012 и 2013 годах.В мае 2014 года состоялась первая персональная выставка Кельвина Окафора, чтобы позволить большему количеству людей насладиться его рисунками. Его история появилась на BBC и других средствах массовой информации, что сделало его более известным.

5 Марко Маццони — Италия

Марко Маццони — художник-портретист, получивший степень бакалавра живописи в Академии изящных искусств Брера в Милане. В создании своих рисунков он полагается только на цветные карандаши, не прибегая к каким-либо другим традиционным средствам.Он одержим окружающей красотой природы, и это проявляется в его работах, поскольку он больше сосредотачивается на рисовании птиц, животных, бабочек, растений и цветов. Помимо флоры и фауны, рисунки Марко Маццони изображают женщин-травников Сардинии периода 16, ^, -18, ^, века. Работы Марко Маццони выставлялись в нескольких галереях не только в Италии, но и в Соединенных Штатах, а также по всей Европе.

4 Диего Фацио — Италия

Диего Фацио , который также известен как ДиегоКой, особенно в социальных сетях, — художник-самоучка, которому удалось быстро развить свою технику и, наконец, добиться потрясающих результатов.Он начал свой путь в качестве художника с рисования кои, которые фигурируют в его имени, а затем перешел к рисованию портретов. Он обращает внимание на мелкие детали и акцентирует внимание в своих рисунках на оттенках в дополнение к лицам и глазам его героев, потому что они обладают способностью выражать безмолвные эмоции для зрителей. Работы ДиегоКоя выставлялись на нескольких выставках по всему миру, и он получил множество наград за свои гиперреалистичные рисунки, которые более чем потрясающие.

3 Илеана Хантер — Румыния

Илеана Хантер — талантливая художница, которая решила научиться создавать реалистичные карандашные рисунки самостоятельно, не прибегая к урокам рисования.В своей работе она специализируется на рисовании портретов знаменитостей, таких как Тейлор Свифт, Рианна, Мэрилин Монро, герцогиня Кембриджская, Грейс Келли и многих других. Все материалы, которые она использует для создания этих потрясающих рисунков, включают карандаши Mars Lumograph (2B-6B), механические карандаши, лепешки, гладкую доску Bristol и ластик для бликов. На завершение минимальных чертежей для Илеаны Хантер требуется 1-2 дня, в то время как для создания подробных чертежей требуется несколько дней.

2 Дирк Дзимирский — Германия

Дирк Дзимирский — профессиональный художник, который может создавать потрясающие гиперреалистичные рисунки и картины.В своих рисунках и картинах он сосредотачивается на мелких деталях, свете и тени, чтобы создавать впечатляющие произведения искусства и позволять зрителям наслаждаться открытием безмолвных эмоций и драматических чувств предметов, изображенных в его произведениях. Работы Дирка Дзимирского выставлялись на нескольких выставках в разных странах мира, таких как Токио, США и Европа, что демонстрирует его уникальную способность создавать увлекательные произведения искусства, которые выглядят настоящими.

1 Пьер-Ив Риво «PEZ» — Франция

Пьер-Ив Риво — великий художник, который живет в Нанте, Франция и более известен как PEZ в различных социальных сетях.Он работает профессиональным художником, иллюстратором и графическим дизайнером. Главный секрет большого успеха PEZ — внимание как к содержанию, так и к деталям. В результате получаются потрясающие произведения искусства, которые полностью ошеломляют нас. В произведениях PEZ представлены различные обычные предметы, которые нам хорошо известны, однако они изображены нетрадиционным и творческим способом, чтобы передать определенное сообщение, которое обычно связано с жизнью, которой мы все живем, и различными проблемами, от которых мы страдаем. .С PEZ вы определенно сможете насладиться удивительной красотой его работ, но вам, возможно, придется потратить некоторое время, пытаясь понять, что он хочет сказать через свои работы. [Узнайте, как быстро и легко рисовать портреты карандашом]

Вы верите, что потрясающие изображения, которые вы видите здесь, — это просто рисунки, а не фотографии?

Присмотритесь к рисункам Вии Целминс · SFMOMA

В рамках подготовки к предстоящей ретроспективе Вии Целминс «Закрепить образ в памяти», организованной совместно SFMOMA и Метрополитен-музеем, и в рамках проекта Artist Initiative в SFMOMA, небольшая группа кураторов и консерваторов исследовала и изучила работы Целминс по каждой главе ее пятидесятилетней карьеры.

Ретроспектива дала возможность глубоко погрузиться в изучение материалов и методов Целминс — особенно интересовались ее рисунки. Начиная с конца 1960-х годов, компания Celmins перешла от масляных красок к графитовым карандашам, чтобы создавать мелкомасштабные подробные рисунки на бумаге на основе фотографий. Получившиеся в результате культовые изображения включают в себя ряд объектов, таких как океан, ночное небо, паутина и пустынные пейзажи. Более десяти лет компания Celmins работала исключительно с графитом и исследовала шкалу от светло-серого до глубокого черного, используя карандаши разных классов.

Вия Целминс, Без названия (Океан), 1977 год; Музей современного искусства Сан-Франциско, завещанный Альфредом М. Эсбергом; © Вия Целминс

Карандаши производятся разных марок, которые относятся к концентрации графита и глины в стержне карандаша. Графит с более низкой концентрацией, например карандаш с классом H, рисует более светлую и жесткую линию, а карандаш с классом B имеет высокую концентрацию графита и рисует темную мягкую линию.

Celmins исследовал весь прогресс оценок карандашей: «Я бы рисовал карандашом H, и он был бы определенного качества, и я бы рисовал карандашом F, и он был бы другого качества. Я исследовал это качество на серии шкал. . . четырнадцать океанов движутся из точки H в точку B. Я ударил каждую как тон, сам графит обладал выразительностью ». (Ларсен, Сьюзан К. «Разговор с Вией Селминс», журнал Института современного искусства Лос-Анджелеса, , вып.20 [октябрь / ноябрь 1978]: 38-39.)

Тонкие и подробные рисунки создавались медленно. Используя фотографию в качестве предмета, Селминс объяснила свою работу как «переописание» изображения — работая с фотографии и заново изобретая ее, метка за меткой, на другом носителе.

Селминс отметил: «Для меня казалось очень естественным, что графитовая точка соприкасается с бумагой и становится похожей на точку реальности, к которой она прикасается. Никакого размазывания, никаких отметок, никакой сортировки, никаких манипуляций, чтобы убедиться, что он распространился.Каждая маленькая отметка, которую я оставила, была отметкой, которая соответствовала изображению, соответствовала поверхности и соответствовала пространству ». (Ларсен)

Она использовала серию добровольных указаний, таких как никогда не использовать ластик, отказ от рисунка в случае ошибки и начало рисования с нижнего правого угла листа до левого верхнего. Она использовала мост, чтобы подвесить руку над рисунком, чтобы приспособиться к этой технике.

При использовании этого метода композиция затемняется рукой для рисования, и Селминс может сосредоточить свое внимание на нанесении графитового штриха за штрихом.Ориентируясь на нюансы взаимодействия графитового карандаша с бумажной подложкой, компания Celmins подготовила бумагу с легким слоем акриловой земли. Слой грунта наносился распылителем очень тонко — на некоторых работах практически незаметен. Края бумаги были слегка покрыты во время нанесения грунта, поэтому края иногда немного отличались по цвету от внутренней части листа. Земля была настолько тонкой, что часто была незаметной — так почему же компания Celmins добавила этот слой?

Использование бумаги, приготовленной на основе грунта, — не редкость, но редкость для современных художников.Что было достигнуто с помощью слоя земли и как он изменил процесс рисования?

Мокапы для изучения материалов и методов

Консерваторы часто создают макеты, чтобы больше узнать о материалах или методах художника. Процесс может раскрыть информацию о том, какие типы знаков или состояний на произведении искусства являются результатом создания произведения, а не области, которые были повреждены в результате обработки или по причинам, связанным с окружающей средой.

В нашем отдыхе мы подготовили бумагу того же веса и текстуры, что и использованная Celmins, путем аэрографии половины листа легким слоем белой акриловой краски Golden.Так же, как Селминс занималась рисованием, мы протестировали ряд марок карандашей на бумаге с грунтовым слоем и неподготовленной стороной.

Карандашные пробы на бумаге, на которую нанесена акриловая грунтовка. Фотография: Джеймс Гоулдторп

Различные тесты карандашом и углем на подготовленной бумаге. Фотография: Джеймс Гоулдторп

Слой земли создает тонкую твердую поверхность поверх бумаги.Слой грунта был настолько тонким, что не полностью перекрывал текстуру бумаги, но создавал гладкую поверхность, которая позволяла карандашу скользить по поверхности. Это качество было важно для компании Celmins, которая отметила: «У бумаги есть кожа, и я наклеил на нее другую кожу. Между зубом бумаги и графитом существует своего рода целостность. Когда все уравновешено, он проецирует чистый и сильный звук и кажется правильным ». (Ларсен)

При использовании грунта графит может лежать непосредственно на поверхности бумаги, а не впиваться в поверхность и встраиваться в волокна.Слой грунта был твердым и гладким, что позволяло карандашу быстро перемещаться по поверхности, дополняя процесс создания изображения в Celmins одним штрихом графита за раз.

Слой грунта также увеличивал визуальный контраст между бумажной подложкой и графитом, удерживая графит на поверхности, а не встраиваясь в текстуру, и уменьшал поверхностный блеск бумаги, создавая в целом больший контраст.

Распространение этой практики на участников семинаров

В рамках инициативы художников SFMOMA провела три небольших семинара в дополнение к ретроспективе Celmins.Одна из основных целей заключалась в предоставлении средств и доступа для пристального наблюдения и обсуждения материалов и методов Celmins.

Фото: Дон Росс

Участники семинара отработали на практике испытания карандашей разных сортов на бумаге с грунтом и без грунта. Это занятие привело к содержательной дискуссии о физических взаимодействиях материалов и о том, как слой земли меняет ощущение рисования.Карандаш двигался по поверхности земли иначе, чем неподготовленная бумага — даже звук карандаша на двух поверхностях был отчетливым. Практика задействовала больше органов чувств: осязание, звук и зрение. Это было довольно простое упражнение, но оно привело к подробным обсуждениям и наблюдениям, к которым мы, вероятно, не пришли бы, если бы физически не работали с материалами. «Рисование на гипсовом грунте, казалось, дало мне больше контроля над линией, сделало ее более равномерной и приподняло линию над поверхностью бумаги», — сказал Джон Зурьер, художник и участник семинара.

Другой участник отметил, что использование земли сделало графит «главным игроком», исключив взаимодействие с бумагой из уравнения.

Фото: Дон Росс

Физическое взаимодействие и обработка тех же материалов, что и художник, повысили уровень вовлеченности и наблюдения при изучении произведения искусства. Даниэль Лоуренс, художница и участница семинара, отметила: «Карандашные тесты на этих различных основаниях определенно заставили меня переосмыслить, как я все эти годы использую карандаш на бумаге, и определенно выявили волшебное прикосновение к графиту Селминса.”

Это практическое занятие также способствовало развитию духа товарищества в группе, поскольку все участвовали в одном процессе в одно и то же время, а само занятие казалось очень знакомым (кто не тратил время на рисование карандашами?). Это помогло создать более неформальную атмосферу для обмена идеями.

Оглядываясь назад, можно сказать, что исследования материалов, первоначально предпринятые для исследования и технического анализа отделом реставрации, создали возможности для повышения осведомленности аудитории и повышения оценки работы художника.Подобные тактильные ощущения открывают широкие возможности для будущих программ и взаимодействия с аудиторией.

Cecile Baird мастер полупрозрачного света цветным карандашом

Сесиль Бэрд с ее работой «Тайное сердце»

Сесиль Бэрд создает потрясающие произведения современного реализма цветным карандашом, которые легко можно принять за картины маслом. Она явно является лидером в области превращения цветного карандаша в законную среду изобразительного искусства.В своих работах она создает ослепительные, светящиеся натюрморты, часто с подсветкой, чтобы выявить сияющее сияние и внутреннюю красоту ее предмета.

Она очарована тем, как свет может играть такую ​​важную роль в превращении простых предметов в впечатляющие произведения искусства. В своих работах Сесиль использует драматические контрасты тонов, чтобы подчеркнуть эффектную прозрачность своих предметов, оживляя их во всей их сияющей красе! Я надеюсь, что вам понравится это интервью с Сесиль и ее великолепные работы так же, как и мне.Уверен, вы согласитесь, что она настоящий мастер цветного карандаша.

«Танец листьев тупело» Сесиль Бэрд Цветной карандаш 11 × 18

В: Укажите, пожалуйста, название, которое вы предпочитаете, год рождения и страну происхождения

A: Меня зовут Элизабет, но я особенно люблю свое второе имя и считаю его более уникальным, поэтому меня зовут Сесиль Бэрд.Я родился в Восточном Теннесси в 1945 году, но в начальной школе переехал в Огайо. Я жил в Хиллиарде (Колумбус, штат Огайо), учился в средней школе, затем поступил в Государственный университет Огайо для получения степени бакалавра и магистра в области дизайна визуальных коммуникаций (графический дизайн). После получения степени магистра я работал дизайнером в Сент-Луисе, Миссури, затем в Лос-Анджелесе, Калифорния, более 10 лет, прежде чем переехать обратно в Огайо в 1980 году. Сейчас я живу в маленьком сельском городке Хиллсборо на юге Огайо. Я люблю страну, но могу добраться до Цинциннати или Колумбуса, если мне нужен город.

«Время размышлять», Сесиль Бэрд Цветной карандаш 14 x 17

Учимся рисовать, копируя воскресные комиксы

В: Сесиль, не могли бы вы рассказать нам, когда вы впервые поняли, что вам нравилось создавать искусство в детстве, и в вашем решении вас поддержали, если да, то кто?

A: Мое первое приключение в искусстве было в детстве, когда я копировал воскресные комиксы. Некоторые из вас могут помнить их! Мы с братом не могли дождаться, когда придет газета, и мы будем рисовать и рисовать.Я помню, как примерно в первом классе получил выигрышный розыгрыш часов для приглашения в школу. Я всегда любил рисовать. Мой отец был плотником и мог делать все, а моя мама шила и занималась творчеством, поэтому творчество всегда было важно в нашем доме. Всегда предполагалось, что мы с братом пойдем в институт. Поскольку мой брат выбрал изучение архитектуры, я решила попробовать себя в дизайне интерьеров, поскольку в то время было не так много женщин-архитекторов. Но я быстро переключился на графический дизайн и никогда не оглядывался назад.Мои родители всегда поддерживали мой выбор творческой карьеры. Они всегда были моими самыми большими поклонниками.

Цветной карандаш «Тайное сердце» Сесиль Бэрд 18 x 18

В: Какой путь вы прошли как художник? Например, когда вы впервые начали заниматься искусством во взрослом возрасте? Вы вообще учились, и если да, то где?

A: Когда я поступил в колледж в Государственном университете Огайо, я никогда не думал об изучении изобразительного искусства, потому что практическая сторона моей семьи считала, что коммерческое искусство позволит мне зарабатывать на жизнь.Графический дизайн был отличным выбором. Я мог бы заниматься творчеством, но при этом иметь комфортную жизнь. Мне очень повезло в моей работе, особенно в Лос-Анджелесе, когда я работал над такими проектами, как двухсотлетие Лос-Анджелеса, и участвовал в соревнованиях за дизайн олимпийского символа Лос-Анджелеса. Я не занимался изящным искусством, пока не переехал в сельский Хиллсборо, штат Огайо, и не встретил группу потрясающих художников. Я учился у местного учителя сначала с масел. Я всегда использовал цветные карандаши в дизайне, но никогда не думал о них для изобразительного искусства. Я купила небольшую книжку Уолтера Фостера «Цветной карандаш» Моррелла Уайза и обнаружила, что цветным карандашом я могу получить вид масла! Меня сразу зацепило, и моей страстью стала cp.Я прошел несколько семинаров по cp, но в основном экспериментировал сам.

«Жизнь подобна пламени» Сесиль Бэрд Цветной карандаш 14 x 30

Прекрасно создавать и получать за это деньги

В: Какова основная мотивация вашего творчества? Например; Это доход или горячая страсть рисовать / раскрашивать?

A: Когда я вернулся в Огайо, я продолжил свою дизайнерскую работу, но все свободное время тратил на создание всевозможных поделок.Но когда я открыл для себя живопись сначала маслом, а затем цветным карандашом, изобразительное искусство стало моей страстью. Я искренне верю, что если вы творческий человек, вы должны дать волю своему творчеству — вы должны творить. Это была нить, проходящая через всю мою жизнь — воображать и творить. Мне всегда повезло, что я сделал творческую карьеру. Замечательно иметь возможность создавать и получать за это деньги одновременно.

«Красота настолько глубокая, что заставляет плакать», Сесиль Бэрд Цветной карандаш 14 x 21

В: О чем вы думаете, когда рисуете / рисуете, царит ли спокойная тишина, вы слушаете музыку или испытываете сомнения, страх или какие-либо эмоции? Если вы испытываете страх или сомневаетесь, что вы делаете, чтобы преодолеть эти чувства?

A: Я никогда не слушал музыку, когда рисую, но стал зависимым от своей местной радиостанции NPR, которая всегда включена, когда я нахожусь в своей студии.Я действительно полностью погружаюсь в работу, но это определенно не спокойно. Искусство — это сложно! Вы постоянно принимаете решения и решаете проблемы. Это может вызвать стресс. Иногда мне нужно дать своему разуму передохнуть. Но когда что-то, наконец, получается так, как вы хотели, наступает эйфория. Я думаю, если бы искусство не было вызовом и если бы вы не задавались вопросом постоянно, оно бы стало скучным. И мне никогда не бывает скучно. И я могу честно сказать, что я никогда не завершал рисунок, который я считал идеальным.Каждый раз, когда я смотрю на произведение искусства, я вижу только то, что считаю неправильным. Но я не позволяю этому останавливать меня. Я стараюсь извлекать уроки из каждого произведения и применять его к следующему.

«Дыня», Сесиль Бэрд Цветной карандаш 12 x 14

Как играть на пианино, чем больше вы создаете, тем лучше вы становитесь

В: Как вы находите время, чтобы включить искусство в свою жизнь, есть ли у вас какие-либо предложения, чтобы помочь другим управлять своей творческой жизнью?

A: Как я уже говорил, мне нравилось создавать много разных вещей.Но пришло время, когда я понял, что если я действительно хочу улучшить свое искусство, мне нужно отказаться от множества других вещей и сосредоточиться исключительно на своем искусстве. Это похоже на игру на пианино… чем больше ты тренируешься, тем лучше становишься. Даже когда у меня еще был дизайнерский бизнес, я все свободное время посвящал своему искусству. Я не женат и не имею детей, поэтому признаю, что у меня было больше времени для этого, чем у некоторых других. Но какой бы ни была ваша ситуация, вы должны выделить как можно больше времени. Это должно быть приоритетом.Также очень помогает наличие специального места, где вы можете оставить свою работу. Но главное — быть серьезным и решительным.

В: Рисование и создание произведений искусства — ваша единственная профессия или основной бизнес? Если нет, чем еще вы занимаетесь по работе?

A: После того, как в 2005 году была опубликована моя книга «Рисуем свет цветным карандашом», я несколько лет путешествовал и преподавал на семинарах, а также занимался дизайном и собственными художественными работами.Несколько лет назад я решил, что пришло время сосредоточиться исключительно на собственном творчестве. Я ушел из бизнеса, бросил преподавание и теперь провожу время, ухаживая за своей 94-летней мамой и занимаясь искусством. Я очень счастлив!

«Яркая идея» Сесиль Бэрд Цветной карандаш 20 x 13,5

Сконцентрируйтесь на идеях — сделайте свое искусство уникальным

В: Есть ли у вас какие-либо особые уникальные советы или навыки, которыми можно поделиться с другими художниками, которые учатся создавать произведения искусства на том очень высоком уровне, над которым вы работаете?

A: Если вы хотите вывести свое искусство на новый уровень, вам нужно сосредоточиться на творчестве.Для меня самая лучшая и самая захватывающая часть искусства — это придумывать идеи. Это творческая часть, которая сделает ваше искусство уникальным для вас. Я никогда не использую чужие справочные материалы. Я делаю натюрморты и всегда создаю свои собственные идеи и декорации. Иногда я трачу дни и много работы, чтобы найти правильную идею, композицию, освещение и т. Д. Это большая работа, и многие люди не хотят тратить время и силы на свое искусство на этом наиболее важном этапе. Они просто хотят начать рисовать. Это огромная ошибка.Идея или видение — это творческая часть, а творчество требует усилий и времени. Технические навыки обращения со средой важны, но это лишь небольшая часть создания искусства. У вас может получиться успешная картина с большим творчеством, композицией и т. Д., Но с менее совершенной техникой, но не наоборот. Сама по себе совершенная техника не создает искусства.

«Falling For You» Сесиль Бэрд Цветной карандаш 26 x 10,5

В: Сесиль, расскажите, пожалуйста, о любых значительных наградах, которые вы выиграли, или о выставках, которые повлияли на вашу жизнь.

A: С самого начала я использовал конкурсы, чтобы заявить о себе и продвигать свою работу. Я участвовал во всевозможных соревнованиях от местных до со всей страны. Некоторые были шоу и некоторые конкурсы журналов. Мне посчастливилось выиграть так много наград. Я был опубликован в журнале The Artists Magazine, American Artist, Drawing Magazine, International Artist и Southwest Art Magazine. Моей последней наградой было «Почетное упоминание» на конкурсе художественного мастерства в журнале « Southwest Art Magazine». Более раннее появление в Southwest Art привело к художнику в резиденции в Талсе, штат Оклахома, который позволил представителям музеев и галерей.

Конечно, публикация моей книги дала множество возможностей для признания и обучения.

Американское общество цветного карандаша и его международная выставка неизмеримо помогли моей карьере, так как в нем участвует много художников-исполнителей. Я выиграл несколько наград на этой выставке, и в этом году я 15-й год буду принимать участие в их выставке.CPSA способствовала признанию цветного карандаша и художников, которые используют его как серьезное искусство.

«Зажги свою жизнь», цветной карандаш Сесиль Бэрд 15,75 x 15,75

Пионер в рисовании цветным карандашом

В: Какие главные и важные цели и влияния вы оказываете на свое искусство, если таковые имеются? Расскажите нам, кто или что вдохновляет вас стать лучшим художником.

A: В течение долгого времени я задавался вопросом, следует ли мне вернуться к маслам, которые являются основным средством, или придерживаться цветного карандаша, что не принято в мире искусства.Но в конце концов я пришел к выводу, что мне нравится cp и что это то, что мне нравится больше всего. Моя цель — запомнить меня как пионера в рисовании цветным карандашом. Для меня захватывающе быть частью этого великого подъема медиа в мире искусства.

Цветной карандаш Сесиль Бэрд «Светящийся виноград» 9 x 12

В: Каким вы видите будущее вашего искусства, есть ли у вас какие-либо цели для вашего долгосрочного развития?

A: С тех пор, как мне исполнилось 70, моя цель — создавать как можно больше искусства и как можно дольше.Я уверен, что лучшие годы еще впереди. Я также хотел бы услышать, как владелец галереи скажет… «О, я искал художника с цветным карандашом!» вместо того, чтобы убеждать их попробовать цветной карандаш.

«Чеснок в новом свете» Сесиль Бэрд Цветной карандаш 13 x 20

Рисуй то, что любишь!

В: Есть ли что-нибудь еще, что вы хотели бы рассказать мне о своем творческом пути и вдохновении на создание искусства, что я мог бы включить в ваше интервью, чтобы вдохновить других?

A: Нарисуйте то, что ВЫ любите.Не позволяйте другим диктовать вам, что вам следует рисовать. Позволить другим руководить вами легко, когда вы начинаете продавать. Но ваше искусство всегда будет лучше, если это ваша идея и ваше сердце в ней.

Чтобы узнать больше о Сесиль Бэрд, ознакомьтесь с ее работами по ссылке ниже

• Веб-сайт: www.cecilebairdart.com
• Эл. Почта: [email protected]

Искусство карандашом: стиль и примеры

Что такое карандаши художников?

Карандаши, в том числе карандаши художников, изготовлены из нетоксичного графита, смешанного с небольшим количеством глины, и заключены в деревянный корпус.«Грифель» карандаша не содержит свинца, что является токсичным — это название прижилось, когда в 1500-х годах было обнаружено большое месторождение графита, ошибочно принятого за грифель и использовавшегося в качестве карандашей.

Карандаши используют буквы H и B как классификаторы различной «твердости» и «черноты» соответственно. Это означает, что они рисуют темнее или светлее, в зависимости от того, какой карандаш вы используете. Карандаши H известны тем, что создают светлые линии, тогда как карандаши B создают темные линии. Также есть карандаш, известный как F , который находится между H и B.Хотя широко распространено мнение, что F означает «штраф», на самом деле это ничего не значит — это была буква, выбранная произвольно, потому что буква F находится между буквами B и H!

Производители карандашей маркируют свои карандаши такими словами, как «4H», «6B» и «HB». Подумайте о карандашных весах как о термометре: HB — это ноль градусов температуры, B — положительные числа, которые становятся теплее, а H — отрицательные числа, которые становятся холоднее.Чем выше число B, тем темнее тон. Чем выше число H, тем светлее тон. Следовательно, 8B очень темный, а 8H очень светлый. Как правило, вы видите только до 10 в H или B, хотя карандаши с более высокими номерами действительно существуют.

«Отлично», — скажете вы. «Теперь я всегда могу определить, как будет выглядеть 4H!» К сожалению, это может быть не так. Есть несколько основных производителей карандашей, и их количество, хотя и соответствует их собственной линейке карандашей, не обязательно одинаково для разных брендов.Карандаши 2H будут всегда темнее, чем карандаши 4H того же производителя, но два разных карандаша 4H, изготовленные двумя разными компаниями, вполне могут отличаться друг от друга. Карандаши

H из-за своей твердости не склонны к смешиванию , а также карандашей B, которые имеют такой мягкий грифель, что их легко смешивать с помощью инструмента для смешивания или пальца. Чем мягче свинец, тем легче он растекается и размазывается.

Различные способы использования карандашей для художников

Вы, вероятно, услышите термин графит , который используется, когда речь идет о карандашах для художников, помимо тех материалов, из которых сделаны карандаши.Это потому, что мы называем твердость карандаша графитом (например, мы можем сказать, что 2H и HB — «разные графиты»), и мы часто называем карандашный рисунок «графитовым рисунком». Часто наборы карандашей не содержат полного спектра графитов от 10B до 10H. Скорее, они будут сосредоточены на определенном типе твердости для различных применений. Например, у технических чертежников может быть только набор от 9H до B, потому что им нужны более легкие карандаши для более чистой и четкой линии. Наборы карандашей для рисования охватывают диапазон от карандаша H до карандаша 9B, так как большинство H слишком легкие для быстрого художественного рисования.

Еще одна вещь, которую вы можете заметить в карандашах художников, — это то, что у них нет ластика. Для этого есть несколько практических причин. Ластики с возрастом высыхают, но сами карандаши не портятся. Карандашные ластики также имеют тенденцию быть более низкого качества и не так универсальны, как ластики художника, которые могут хорошо смешивать, осветлять и, конечно же, полностью стирать!

Стили и примеры

Карандаши — это очень универсальный художественный носитель , из которого изготавливаются произведения искусства.Вы можете создать полный диапазон из значений от очень светлого до очень темного, используя только графитовые карандаши, или вы можете работать с более узким диапазоном значений, используя небольшой набор художественных карандашей, например от 2H до 6H. Художники веками использовали графитовые карандаши для рисования, часто как способ быстрее делать небольшие рисунки, прежде чем работать над большим произведением искусства. Они также отлично подходят для зарисовок , который является быстрой формой рисования.

Рисунки карандашом часто выполняются на бумаге с использованием по крайней мере одного типа внешнего ластика.Есть много предметов, которые можно использовать с карандашами, например растушевки, ластики и графитовые палочки. Вы также можете купить отдельные грифели для карандашей, которые используются с металлическим механическим карандашом, который является обычным инструментом в графическом и техническом искусстве.

Краткое содержание урока

Карандаши для художников классифицируются по разной твердости по шкале от B до H.Чем выше номер карандаша H, тем тверже и светлее отметка. Чем выше номер карандаша B, тем мягче и темнее грифель карандаша. Карандаш HB (или № 2) попадает в середину этой шкалы карандаша.

рисунков Сезанна в MOMA Карен Уилкин

В сентябре 1906 года, за месяц до своей смерти в возрасте шестидесяти семи лет, Поль Сезанн написал своему молодому другу-художнику Эмилю Бернару: «Я постоянно наблюдаю за природой и чувствую, что У меня небольшой прогресс.«С июня этого года мы могли проследить за этими наблюдениями, отследить этот прогресс и решить, насколько незначительным или значительным он был, о чем свидетельствуют работы Сезанна на бумаге на протяжении всей его жизни как художника в захватывающем обзоре под названием« Рисунок Сезанна ». »В Музее современного искусства. ^[1] Выставка, организованная Джоди Хауптман (старший куратор) и Самантой Фридман (младший куратор Департамента рисунков и эстампов), объединяет более 250 рисунков, акварелей и страниц альбомов из международных государственных и частных коллекций. перемежается редкими особенно актуальными картинами маслом из собственной коллекции moma.Он сопровождается информативным, щедро иллюстрированным каталогом, редактируемым кураторами, с участием их и трех других ученых Сезанна. Выставка оживляет отчет, который Сезанн постоянно рисовал, заполняя альбомы для зарисовок и отдельные листы исследованиями античных произведений искусства и произведений искусства старых мастеров, изображениями его семьи, описаниями ландшафта вокруг него и наблюдениями за разными предметами и домашней обстановкой. по существу все, что предлагалось для изучения.Нам представлены все: от страстных откликов на скульптуры в Лувре до художественных этюдов изголовья кровати и постельного белья; от бесстрастной акварели занавесей, указывающей прямо на Анри Матисса, до нескольких откровенных автопортретов; и много чего между этими крайностями.

Мы узнаем, как Сезанн использовал рисунки и акварели, чтобы проверить идеи композиций и исследовать составные части будущих картин. Поскольку большинство полотен, появившихся в результате наблюдений на Мома, знакомы, многие из этих предварительных рисунков имеют особый резонанс.Небольшой, тщательно проработанный карандашный этюд, Five Bathers (1879–82), тесная группа стоящих и сидящих обнаженных женщин в небрежно обозначенной листве, является свидетельством непосредственной подготовки и трансформации, так как квадрат для увеличения на холсте . Но мы также узнаем знакомый профиль Мон-Сент-Виктуар над множеством разных передних планов в серии акварелей, а также узнаем рабочих в поместье отца Сезанна, которые стали главными героями картин карточных игроков.Есть случайные акварельные тест-драйвы мадам Сезанн в консерватории (1891–92) из ​​Метрополитен-музея и «Мальчик в красном жилете » (1888–90), принадлежащего маме, оба сопровождаются самими картинами. Трио наполненных светом акварелей, созданных между 1904 и 1906 годами садовника Валлье, сидящего на открытом воздухе, соединены небольшим холстом, который усиливает ощущение яркого солнечного света и глубокой тени в работах на бумаге. Вместе группа бросает провокационный вызов темным, насыщенным, густо нарисованным большим масляным портретам Валлье, любимого натурщика в последние годы жизни художника, которые сейчас находятся в Национальной галерее, Вашингтон, D.C. и Тейт, Лондон.