Гиперреалистичные рисунки карандашом. Реализм, фотореализм и стиль в рисовании

Невероятные факты

Гиперреализм карандашом

Автор Диего Фацио (Diego Fazio)

Этот талантливый 22-летний художник не перестает удивлять и снова доказывать, что его картины не являются фотографиями, и что все они нарисованы карандашом.

Он подписывает свои работы, которые публикует в интернете, как DiegoKoi. Так как все еще остаются те, кто не верит, что он все рисует сам, ему приходится делиться секретами своего творчества.

Художник уже может похвастаться собственным стилем — все работы он начинает с края листа, невольно имитируя струйный принтер.

Его главные инструменты это карандаши и уголь. Чтобы нарисовать портрет, Фацио требуется около 200 часов.

Картины маслом

Автор Эллой Моралес (Eloy Morales)

Невероятно реалистичные автопортреты создает живописец из Испании Элой Моралес.

Все картины написаны маслом. В них он изображает себя, запачканным красками или кремом для бритья, тем самым он старается поймать и изобразить свет.

Работа над картинами очень скрупулезная. Автор работает медленно, тщательно выбирая цвета и обрабатывая все детали.

И все же, Моралес опровергает, что акцент он ставить на детали. Он утверждает, что для него самое важное это правильно подобрать тона.

Если сделать точный переход между тонами, то детали появляются сами по себе.

Картины цветными карандашами

Автор Хосе Вергара (Jose Vergara)

Хосе Вергара молодой американский художник из штата Техас. Он является автором картин, каждая из которых невероятно точно передает человеческий глаз.

Мастерством рисования глаз и их деталей, Вергара овладел, когда ему было лишь 12 лет.

Все гиперреалистичные картины нарисованы обычными цветными карандашами.

Чтобы картины казали еще реалистичнее, художник добавляет на радужные оболочки отражение объектов, на которые смотрит глаз. Это может быть горизонт или горы.

Масляные картины

Автор Роберто Бернарди (Roberto Bernardi)

Работы современного 40-летнего художника, который родился в городе Тодди, Италия, поражают своей реалистичностью и деталями.

Стоит отметить, что еще в раннем детстве он начал рисовать, а уже к 19 годам его привлекло движение гиперреализма, и до сих пор он рисует масляные картины в этом стиле.

Картины акрилом

Автор Том Мартин (Tom Martin)

Этот молодой 28-летний художник родом из города Вэйкфилд, Англия. В 2008 году он с отличием окончил Университет Хаддерсфилда (University of Huddersfield), получив степень бакалавра в области искусства и дизайна.

То, что он изображает в своих картинах связанно с образами, которые он видит каждый день. Сам Том ведет здоровый образ жизни, и это влияет на его работы.

В картинах Мартина можно найти кусок стали или разложенные конфеты, и во всем этом он находит что-то свое, особенное.

Его целью не является простое копирование изображения с фотографии, он рисует картины, используя несколько техник рисования и моделирования, которые были разработаны с использованием современных технологий.

Цель Мартина — заставить зрителя поверить в те вещи, который он перед собой видит.

Картины масляными красками

Автор Педро Кампос (Pedro Campos)

Педро Кампос является испанским художником, проживающим в Мадриде, Испания. Все его картины невероятно похожи на фотографии, но на самом деле все они нарисованы масляными красками.

Начиналась карьера талантливого художника в творческих мастерских, где, будучи еще очень юным, он оформлял ночные клубы и рестораны. После этого он работал в рекламных агентствах, но любовь к гиперреализму и живописи, вероятно, пришла тогда, когда он занимался реставраторством.

В 30 лет он начал серьезно думать о профессии независимого художника. На сегодняшний день ему за сорок, и он является признанным мастером своего дела.

Работы Кампоса можно увидеть в популярной лондонской художественной галерее «Plus One».

Для своих картин, художник выбирает предметы со своеобразной текстурой, например, блестящие шарики, искрящаяся стеклянная посуда и т.д. Всем этим, на первый взгляд, обычным неприметным предметам, он дает новую жизнь.

Картины шариковой ручкой

Автор Самуэль Сильва (Samuel Silva)

Самое интересное в работах этого художника это то, что они нарисованы исключительно шариковыми ручками — 8 цветов.

Большинство картин 29-летнего Сильвы списаны с фотографий, которые ему наиболее понравились.

Чтобы нарисовать один портрет, художнику нужно около 30 часов кропотливой работы.

Стоит отметить, что рисуя шариковыми ручками, художник не имеет право на ошибку, т.к. исправить будет почти невозможно.

Самуэль не смешивает чернила. Вместо этого штрихи разных цветов наносятся слоями, что и дает картине эффект богатой палитры цветов.

По профессии молодой художник юрист, а рисование — это лишь его хобби. Первые рисунки были сделаны еще в школьные годы в тетрадях.

Кроме ручек, Самуэль пробует рисовать мелом, карандашом, масляными красками и акрилом.

Картины акварелью

Автор Эрик Кристенсен (Eric Christensen)

Рисовать этот художник-самоучка начал в уже далеком 1992 году. Сейчас Кристенсен является одним из самых популярных и модных художников.

Кроме всего прочего, Эрик — пока единственный в мире художник-гиперреалист, рисующий исключительно акварельными красками.

Его картины изображают праздный образ жизни, мотивируя зрителя отдохнуть где-нибудь на вилле с бокалом вина в руках.

Рисунки маслом

Автор Луиджи Бенедиченти (Luigi Benedicenti)

Родом из города Кьери, Бенедиченти решил связать свою жизнь с реализмом. Он родился 1 апреля 1948 года, то есть уже в семидесятых он работал в этом направлении.

Одними из самых известных его картин были те, где он детально изображал пирожные, торты и цветы, причем они настолько точно выглядели, что эти пирожные хотелось съесть.

Закончил Луиджи художественную школу в городе Турине в 70-х. Многие критики начали хорошо отзываться о его картинах, а также появились свои поклонники, но художник не спешил навстречу выставочной суете.

В начале 90-х годов, он решил выставить свои произведения на всеобщее обозрение.

Сам автор говорит, что ему хочется передать в своих работах ощущения и волнения маленьких радостей, которые он сам испытывает ежедневно, будучи примерным семьянином, хорошим другом и жителем небольшого итальянского города.

Картины маслом и акварелью

Автор Грегори Тилкер (Gregory Thielker)

Работы художника Грегори Тилкера, который родился в Нью-Джерси в 1979 году, напоминают путешествие на машине в прохладный дождливый вечер.

В работах Тилкера можно увидеть автостоянки, автомобили, трассы и улицы сквозь капли дождя на лобовом окне.

Стоит отметить, что Тилкер изучал историю искусств в колледже Уильямса, и живопись — в Вашингтонском университете.

После того, как он переехал в Бостон, Грегори решил поставить акцент на городских пейзажах, которые и можно увидеть в его работах.

Рисунки карандашом, мелом и углем

Автор Пол Кэдден (Paul Cadden)

Вы, возможно, удивитесь, но на работы известного шотландского художника Пола Кэддена повлияла гениальный советский скульптор Вера Мухина.

Главные цвета в его картинах — это серый и темно серый, а инструмент, которым он рисует – грифельный карандаш, которым он передает даже самые незначительные капли воды, замерзшие на лице человека.

Иногда Кэдден берет в руки мел и уголь, чтобы еще реалистичнее сделать изображение.

Стоит отметить, что герой рисует с фотографий. Художник говорит, что его миссия создавать живой сюжет из обычной, плоской фотографии.

Рисунки цветными карандашами

Автор Марчелло Баренжи (Marcello Barenghi)

Главная тема художника гиперреалиста Марчелло Беренжи — это окружающие нас предметы.

Нарисованные им картины настолько реальны, что кажется можно взять в руки нарисованный пакет чипсов, или собрать нарисованный кубик Рубика.

Для создания одной картины, Марчелло тратит до 6 часов кропотливой работы.

Еще один интересный факт — это то, что сам художник снимает на видео весь процесс создания рисунка и потом выкладывает в сеть 3-минутный ролик.

Итальянский художник Marcello Barenghi рисует 50 евро

Эти художники удивляют своим талантом и способами, которыми они создают свои гиперреалистичные картины. В это трудно поверить, но это не фото, а настоящие картины, нарисованные карандашом, красками и даже шариковыми ручками. Мы не понимаем, как у них это получается?! Просто наслаждайтесь их творчеством.

Омар Ортиз (Omar Oritz) — художник-гиперреалист из Мексики, бакалавр графического дизайна. Основной сюжет его картин — человеческие фигуры, в основном обнаженные женщины. На картине художник выделяет три элемента: фигуру человека, драпированные ткани, белый цвет. Особенность работ Омара — минималистический стиль, лаконизм в передаче тонких изгибов и линий тела, работа маслом.

Пол Кадден (Paul Cadden) — современный художник мирового уровня из Шотландии. Для своих работ Пол использует лишь белый мел и графит, с помощью которых может воссоздать практически любую фотографию, уделяя внимание незаметным мелким деталям. Как признается сам художник, он не придумывает новых деталей, а лишь подчеркивает их, тем самым создавая иллюзию новой реальности, которую зачастую не видно на оригинальных фотографиях.

Камалки Лауреано (Kamalky Laureano) — художник родился в Доминиканской Республике в 1983 году, в настоящее время живет и работает в Мехико. Камалки окончил школу дизайна и искусств, специализируется на создании гиперреалистичных портретов. Сюжеты сложно отличить от настоящих фото, хотя они написаны акриловыми красками на холсте. Для автора его работы — не просто подражание фотографиям, а целая жизнь, воплощенная на холсте.

Грегори Тилкер (Gregory Thielker) — родился в Нью-Джерси в 1979 году, изучал историю искусств и живопись в Вашингтонском университете. Переезд в Бостон стал отправной точной в его работе над гиперрреалистичными городскими пейзажами, которые сделали его знаменитым на весь мир. Картины Тилкера — это путешествие на машине в холодный дождливый день. Вдохновленный работами художников 70-х, автор создает свои реалистичные картины при помощи акварели и масляных красок.

Ли Прайс (Lee Price) — художница из Нью-Йорка, окончила университет по специальности живопись, занимается фигуративной живописью. Основной сюжет работ Ли — непростое отношении женщин к еде. Зритель словно со стороны наблюдает за женщинами, которые в тайне едят что-то вкусное, но вредное. Сама художница говорит, что в своих работах пытается показать тот факт, что женщины наделяют еду не присущими ей качествами, ищут утешение в неподходящем источнике. На картинах передана абсурдность ситуации, попытка сбежать от реальности, облегчить неприятные ощущения.

Бен Вайнер (Ben Weiner) родился 10 ноября 1980 года в Бёрлингтоне, Вермонт, окончил университет искусств, рисует маслом на холсте. Особенность работ художника — необычный сюжет. Бен рисует краски! Сначала художник наносит краски на рабочую поверхность, фотографирует их, а затем с готового фото пишет картину на холсте.

Родился в 1950 году в Северной Калифорнии, известен своими реалистичными акриловыми изображениями на холсте. В детстве автор делил любовь к рисованию с успехами в спорте, но травма спины определила основной род деятельности Рэя. Как признался художник, рисование отвлекало его от постоянных болей в спине. Мастер еще в юные годы получил широкое признание и множество наград на художественных конкурсах.

Алисса Монкс (Alyssa Monks) живёт и создает свои картины в Бруклине, приобрела широкую известность благодаря своим реалистичным «мокрым» картинам. Художница использует такие фильтры, как вода, стекло или пар для создания абстрактных конструкций. Для работы Алисса часто использует фотографии из личных архивов родных и друзей. Женские лица и фигуры на картинах похожи между собой — художница часто рисует автопортреты, так как утверждает, что ей так «проще» создавать необходимый сюжет.

Педро Кампос (Pedro Campos) — гиперреалист из Мадрида, начал писать картины маслом лишь в возрасте 30 лет. Свои реалистичные натюрморты художник создает при помощи масляной краски. Кампос работал дизайнером интерьеров, иллюстратором, художественным реставратором мебели, скульптур и картин. Художник считает, что именно работа реставратором помогла ему отточить свое мастерство.

Дирк Дзимирский (Dirk Dzimirsky) — художник из Германии, родился в 1969 году, получил художественное образование, работает в карандашной технике. Художник рисует картины с фотографий, не вдаваясь в мельчайшие подробности, много импровизирует. Дирк говорит, что работая над картиной, он представляет живую модель, поэтому фото он использует лишь для доскональной передачи заранее установленных пропорций. Своей главной задачей автор считает создание ощущения присутствия субъекта на картине.

Томас Арвид (Thomas Arvid) — американский художник-гиперреалист из Нью-Орлеана, который родился и вырос в Детройте, не имеет никакого формального образования, мастер так называемого «негабаритного» натюрморта. Его серия реалистичных картин «Винный погреб» — это пробки, бутылки, бокалы с искрящимися или густо-красными напитками. Авторитетные критики и издания отметили более 70 работ художника. Картины мастера украшают не только стены виноделен и престижных винных салонов, но и частные коллекции и галереи.

Робин Элей (Robin Eley) родился в Британии, вырос и продолжает жить и работать в Австралии, имеет степень бакалавра изобразительных искусств, награжден Национальной портретной премией Doug Moran. Свои гиперреалистичные картины он создает маслом, а основным «коньком» считает сюжет «люди и целофан». Мастер работает над одной картиной примерно 5 недель по 90 часов в неделю, практически каждая картина изображает людей, обёрнутых в целлофан.

Сэмюэль Сильва (Samuel Silva) — португальский художник-любитель без специального образования, который на личном примере доказывает, что создать шедевр можно из чего угодно. При создании картин художник использует палитру из восьми цветов шариковых ручек от фирмы Bic. По профессии Сильва юрист, а свое увлечение рисованием считает не более чем хобби. Сегодня известный во всем мире художник-самоучка осваивает новые техники живописи при помощи красок, мела, цветных карандашей, пастели и др.

Готфрид Хельнвайн (Gottfried Helnwein) — австрийский художник, автор гиперреалистичных картин на социальные, политические и исторические темы, «мастер неожиданного узнавания», как назвал его писатель У. Берроуз. Автор получил образование в Венской академии изобразительных искусств, относится к художникам высокого профессионального уровня. Славу ему принесли в некоторой степени спорные сюжеты, сюрреалистические композиции. Нередко мастер изображал на своих картинах героев комиксов и признается, что «узнал от Дональда Дака больше, чем во всех школах, в которых учился».

Франко Клун (Franco Clun) — итальянский художник-самоучка, который всем другим художественным техникам предпочитает рисунок графитом. Его черно-белые реалистичные картины — это результат самостоятельного изучения Франко различной литературы по технике рисования.

Кельвин Окафор (Kelvin Okafor) — художник-гиперреалист, родился в 1985 году, живет и работает в Лондоне. Кельвин получил образование по специальности изящное искусство в Middlesex University. Свои картины автор создает простым карандашом, основная тематика его работ — портреты знаменитостей.

Эми Робинс (Amy Robins) — британская художница, которая для своих гиперреалистичных работ использует цветные карандаши и плотную бумагу. Художница имеет образование в области искусства и дизайна, степень бакалавра изобразительного искусства, живет и работает в Бристоле. Про молодого автора известно мало, но ее работы уже успели прославиться на весь мир, поражая своей реалистичностью и техникой исполнения.

Роберт Лонго (Robert Longo) — американский художник и скульптор, родился в Бруклине в 1953 году, награжден легендарной премией Goslar Kaiser Ring. Свои трехмерные изображения ядерных взрывов, смерчей, ураганов и акул художник рисует углем на бумаге. Лонго часто называют «художником смерти». Знаменитая картина Untitled (Skull Island) с изображением волны была продана на аукционе Christie’s в Лондоне за $392 тыс.

Диего Фацио (Diego Fazio) — художник-самоучка, родился в 1989 году в Италии, не имеет художественного образования, начинал с разработок эскизов для татуировок, со временем разработал свою технику рисования. Молодой художник был участником многих международных конкурсов, где занимал призовые места, представлялся на выставках по всему миру. Художник работает под псевдонимом DiegoKoi.

Брайан Друри (Bryan Drury) родился в 1980 году в Солт-Лейк-Сити, имеет диплом об окончании Нью-Йоркской Академии Искусств, создает картины в жанре реализма. Свои картины художник пишет при помощи масляных красок. Как признается автор, в своих работах он пытается фокусироваться на органических качествах кожи, ее недостатках.

Стив Миллс (Steve Mills) — американский художник, который в 11 лет продал свою первую картину. Свои картины художник создает масляными красками, акцентируя внимание на мельчайших деталях повседневной жизни, которые мы зачастую не замечаем в вечной спешке. Художник отмечает, что изображает предметы такими, какие они есть в реальной жизни, без изменения и преувеличения их первоначальной формы.

Пол Лунг (Paul Lung) родился в Гонконге, рисует автоматическим карандашом на листах формата А2. Особенность техники создания картин — принципиальный отказ от использования ластика, все работы рисуются начисто. Главные «музы» художника — кошки, хотя он рисует и людей и других животных. На каждую работу у автора уходит не меньше 40 часов.

Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) родился в Италии, увлекся гиперреализмом в 19 лет, работал в качестве реставратора в церкви Сан-Франческо. Для создания картин использует масляные краски. Мировую славу художнику принесла серия работ, изображающая предметы, характерные для общества потребления. Картины со сладостями, торговыми автоматами, полками холодильника — визитная карточка художника, хотя в его арсенале есть пейзажи, натюрморты и многое другое.

Хуан Франсиско Касас (Juan Francisco Casas) — испанский художник, который создает свои картины обычной шариковой ручкой марки Bic. Касас был традиционным художником, который решил доказать окружающим, что важен не материал для работы, а способ и техника рисования. Первая же выставка креативного испанца принесла ему мировую славу. В основном на картинах Касаса изображены его друзья.

Тереза Эллиотт (Teresa Elliott) — американская художница, которая до создания реалистичных картин маслом, на протяжении 26 лет успешно работала иллюстратором. Тереза имеет степень бакалавра изящных искусств, вернувшись к классическому искусству, стала знаменита во всем мире благодаря своим правдивым до мельчайших деталей портретам.

Вы смотрите на фотографии, но, прочитав описание, понимаете, что на самом деле это – картины. Художники-гиперреалисты создают волшебство на бумаге. Рисуют и красками, и карандашами… Их картины не отличить от фото. Это .

Что такое гиперреализм?

Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.

Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих .

1. Лучано Вентроне

Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:

«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета» .

На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.

Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.

Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.

В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.

Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.

Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.

Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.

2. Сергей Гета

Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.

Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.

Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.

Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.

Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.

Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.

3. Патрик Крамер

Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.

У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне…

Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.

4. Гарриет Уайт

Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.

Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.

Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.

Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.

Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.

5. Сюзанна Стоянович

Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.

На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.

Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.

Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:

Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:

Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.

6. Эндрю Тэлбот

Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.

Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.

В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.

7. Рафаэлла Спенс

Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.

Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.

А это небо над городом никого не оставит равнодушным:

8. Янни Флорос

Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.

Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.

Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.

Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.

Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть

Гиперреализм — популярное направление в живописи, которое пропагандируют многие современные художники. Картины, созданные в этой технике, порой сложно отличить от высококачественного фотоснимка. Гиперреализм поражает правдоподобностью и удивительной точностью воспроизведения объекта. Глядя на полотна художников, работающих в этом направлении, возникает ощущение, что перед нами осязаемых предмет, а не рисунок на бумаге. Такой высокой точности мастера достигают кропотливой детальной работой над каждым штрихом.

Патрик Крамер «Тихий прилив»

Как направление в искусстве, гиперреализм сформировался в начале 2000-х годов из фотореализма 70-х. В отличие от своего прародителя, гиперреализм не стремится просто копировать фотографические изображения, а создает свою реальность, полную эмоциональных переживаний и сюжетных линий.

Натали Воджел «Океан волос»

В гиперреализме художник акцентирует свое внимание на мельчайших деталях, но при этом использует и дополнительные изобразительные элементы, стремясь создать иллюзию реальности, которая в действительности может и не существовать. Кроем того, картины могут содержать эмоциональный, социальный, культурный или политический подтекст, тем самым передавая зрителям не только технические умения автора, но и его философское видение действительности.

Шэрил Люксенбург «Жизнь на улице»

Тематика, которая интересует гиперреалистов, колеблется от портретов, пейзажей и натюрмортов до социальных и сюжетных сцен. Некоторые художники выступают как настоящие обличители современных общественных проблем, освещая в своих работах многие острые вопросы мироустройства. Благодаря мастерской игре света и тени и высочайшей степени визуализации, гиперреалистические картины создают иллюзию присутствия и сопричастности, способной производит неизгладимое впечатление на зрителей.

Гарриет Уайт «Белая лилия»

Гиперреализм требует высокого уровня мастерства и виртуозности живописца. Чтобы достоверно имитировать реальность, используются различные методы и техники: лессировка, аэрография, диапроекция и пр.

Дамьен Леб «Атмосфера»

Сегодня в этом направлении работают многие знаменитые художники, чьи картины известны во всем мире. Познакомимся с ними поближе.

Джейсон де Грааф.
Канадский художник Джейсон де Грааф — настоящий волшебник, которому удается буквально оживить предметы на картинах. Сам мастер так описывает свое творчество: «Моя цель — не воспроизводить то, что я вижу на сто процентов, а создавать иллюзию глубины и ощущение присутствия, которых порой нет в фотографии. Я стараюсь использовать предметы как средство, помогающее выразить себя, рассказать историю и дать намек зрителям на что-то большее, чем то, что они видят на картине. Поэтому я стараюсь выбирать темы, которые имеют для меня особый подтекст».

«Соль»

«Ярмарка тщеславия»

«Эфир»

Дэнис Петерсон.
Работы американца армянского происхождения Дэниса Петерсона можно найти в таких престижных музеях, как галерея Тейт Модерн, Бруклинский музей и музей Уитни. В своих картинах художник часто обращается к проблемам социального неравенства и нравственным вопросам. Сочетание тематики произведений Петерсона и его высокого технического мастерства придают картинам этого автора вневременной символический смысл, за что они и ценятся критиками и специалистами.

«Прах к праху»

«На полпути к звездам»

«Не пролить ни слезинки»

Готфрид Хельнвайн.
Готфрид Хельнвайн — ирландский художник, за плечами которого учеба в классической Венской Академии искусств и множество экспериментов в области современной живописи. Прославили мастера картины в стиле гиперреализма, затрагивающие политические и моральные аспекты общества. Провокационные и порой шокирующие работы Хельнвайна часто вызывают споры и неоднозначную реакцию публики.

«Мурчание младенцев»

«Бедствия войны»

«Турецкая семья»

Сюзанна Стоянович.
Сербская художница Сюзанна Стоянович — опытный мастер, на счету которого участие во многих крупных выставках Италии, Швейцарии и США. Излюбленная тема Стоянович — лошади. Серия её работ «Волшебный мир лошадей» получила множество наград и общественное признания.

«Надежда»

«Зеркало»

«В облаках»

Эндрю Тэлбот.
Яркие и атмосферные картины британца Эндрю Тэлбота неизменно вызывают улыбку на лицах зрителей. В этом году Эндрю вошел в список пятнадцать лучших гиперреалистов мира.

«Элегантное трио»

«Двойня»

«Груши»

Роберто Бернарди.
Итальянский художник Роберто Бернарди создает реалистичные натюрморты. Мастер активно участвует в выставках и плотно сотрудничает со специализированными журналами. В 2010 году крупнейшая итальянская мультинациональная нефтегазовая компания включила Бернарди в группу молодых талантов со всего мира, которым выпала честь создать полотна для престижной художественной коллекции современной живописи.

«Мечты»

«Автомат со сладостями»

«Корабль желаний»

Эрик Зенер.
Самоучка Эрик Зенер — член Союза художников США и общепризнанный мастер гиперреализма. За годы деятельности он создал свыше 600 картин, поражающих своей точностью и скрупулёзной детальностью. Одна из центральных тем творчества мастера — подводное плавание.

«Нежное преобразование»

«Блаженный спуск»

«Возвращение»

Игаль Озере.
Игаль Озере родился в Израиле, но живет и работает в США. Озере — автор удивительных портретов, полных одухотворенной красоты и выразительной реалистичности.

Без названия

Без названия

Без названия

Линнеа Стрид.
Шведская художница Линнеа Стрид — настоящий мастер точной передачи эмоций. Все её работы наполнены острыми переживаниями и глубокими чувствами героев.

«За тобой следят»

«Загнана в угол»

«Свет моей жизни»

Филипп Муньос.
Филипп Муньос — ямайский художник-самоучка, переехавший в Великобританию в 2006 году. Филипп изображает жителей мегаполиса, погруженных в динамичную и яркую жизнь города.

Без названия

«Александра»

Без названия

Ольга Ларионова.
Наша соотечественница Ольга Ларионова живет в Нижнем Новгороде. Ольга рисует карандашные портреты в гиперреалической технике с высочайшим профессионализмом. Художница создает свои работы в свободное от основной работы время — Ларионова занимается дизайном интерьеров.

«Портрет пожилого человека»

«Рианна»

«Портрет девушки»

Допустим, вы большой любитель картин, которые рисуются маслом, и любите их коллекционировать. Например, хотите иметь у себя в коллекции морской пейзаж маслом , то его можно приобрести на сайте http://artworld.ru. Заходите и выбирайте.

Наверняка каждый хоть раз встречал в своей новостной ленте картины, очень похожие на фотографии. С первого взгляда довольно сложно понять, выполнена такая работа с помощью современной цифровой техники или создана кистью и красками. Как правило, это рисунки художников, избравших для себя стиль гиперреализм. Картины с виду очень напоминают фотографии, но при этом зачастую несут в себе нечто большее.

Что такое гиперреализм

Этот стиль появился сравнительно недавно и уже завоевал немало поклонников и столкнулся с ненавистью тех, кто не понимает смысла в копировании реальности. Немногие художественные стили в живописи вызывают столько же споров, сколько их породил гиперреализм.

Первые подобные работы мир увидел в 70-х годах XX века. Удивительно точное копирование реальности настолько поражало умы, что стиль довольно быстро стал очень популярным. В настоящее время еще больше внимания к нему привлекают бесконечные споры между поклонниками и противниками

Предметом столкновения мнений, как правило, становится один вопрос о том, зачем рисовать то, что можно сфотографировать. Суть гиперреализма в том, что он обращает пристальное внимание зрителя на самые обыденные вещи. Происходит это за счет многократного увеличения масштаба, отказа от сложного фона и удивительной четкости изображения. Художник, выбравший для себя стиль гиперреализм, не навязывает зрителю свое мнение — все его работы просты и удивительно реалистичны.

Что рисуют гиперреалисты?

Объектом творчества художника, работающего в стиле гиперреализм, может стать практический любой предмет, который попался ему на глаза. Фрукты, полиэтиленовые пакеты, стекло, металл, вода — все что угодно может воплотиться в следующей картине. Как правило, гиперреалисты показывают зрителю выбранный предмет как будто под микроскопом, увеличивая его размер в несколько раз и позволяя человеку окунуться в совершенно другой мир.

Зачастую художник старается привлечь внимание зрителя к определенной детали, делая ее более контрастной и плавно растворяя все остальное. С первого взгляда можно даже не понять, что внимание приковано именно к этой части картины только потому, что так захотел художник. Это тонкая психология гиперреалистов, позволяющая манипулировать эмоциями. Но далеко не все художники используют эту технику — некоторые предпочитают создавать работы, полностью копирующие реальность.

Гиперреалистичные портреты

Но среди многих работ особое внимание поклонники стиля уделяют портретам. Нарисовать лимон, который падает в стакан с водой, сложно, но передать эмоции, настроение и характер человека еще сложнее. Многие современные художники усложняют себе работу еще и тем, что поливают модель краской, водой или маслом для придания большей оригинальности картине.

Но в целом гиперреалисты не ограничивают себя в выборе темы для рисования. Как и многие другие художественные стили в живописи, этот вид искусства может представить на суд зрителя практически все что угодно.

Чем рисуют

Материалы, с которыми работают гиперреалисты, могут быть совершенно разными. Большой популярностью пользуются работы, выполненные маслом или акрилом. Сочность красок позволяет художнику создавать контрастные, яркие и действительно привлекательные картины.

Но есть и другие материалы, которыми настоящие таланты создают работы в стиле гиперреализм. Карандашом, например, чаще всего выполняют портреты. Он позволяет четко прорисовать морщинки на лице, мельчайшие элементы волосы и так далее. художники-гиперреалисты создают невероятно солнечные и яркие портреты.

Акварель больше подходит для рисования пейзажей в стиле гиперреализм. Картины получаются легкими и воздушными — полупрозрачная краска позволяет лучше передать пространство. Несмотря на то, что художники нередко рисуют леса, озера и бурные реки, они нечасто выходят для творчества из дома. Практически все картины срисовываются гиперреалистами с фотографий, которые они сами же зачастую и делают.

Известные художники

Многие видели картины художников, рисующих в этом стиле, но мало кто слышал их имена. Одним из наиболее известных гиперриалистов является Уилл Коттон. Его «сладкие» картины не могут не привлечь внимание. Как правило, на них изображены девушки на облаках, напоминающих или различные десерты — торты, печенья, и т. д.

Нельзя не отметить пейзажи Рафаэллы Спенс, выполненные в стиле гиперреализм. Картины этой художницы поражают своей живостью, что делает их практически неотличимыми от фотографий.

Создавший немало работ в стиле абстракционизм, является одним из наиболее известных гиперреалистов. Люди и предметы на его картинах выглядят немного размытыми, как будто свет проходит прямо через них. Благодаря этому необычному эффекту картины Рихтера легко можно узнать среди многих других.

Стоит отдать должное художникам, рисующим в стиле гиперреализм. Картины, созданные ими, являются примерами высочайшего мастерства.

Талантливые художники создающие необычайные картины

 

Дополненная карандашом реальность

 

Фотохудожник Бен Хейн (Ben Heine) продолжил работу над своим проектом, который представляет собой смесь карандашных рисунков и фотографии. Сначала он делает от руки набросок карандашом на бумаге. Затем фотографирует рисунок на фоне реального объекта и дорабатывает получившееся изображение в фотошопе, добавляя контраст и насыщенность. В результате получается волшебство! 

 

Иллюстрации Алисы Макаровой

 

 

Алиса Макарова — талантливая художница из Санкт-Петербурга. В век, когда большинство изображений создается при помощи компьютера, интерес нашей соотечественницы к традиционным формам живописи вызывает уважение. Один из последних ее проектов — триптих «Vulpes Vulpes», на котором можно увидеть очаровательных огненно-рыжих лисиц. Красота, да и только!

 

Изящная гравировка

 

 

Художники по дереву Поль Роден и Валерия Лу объявили о создании новой гравюры под названием «Моль». Кропотливая работа и изящное мастерство авторов не оставляют равнодушными даже самых упертых скептиков. Гравюра будет представлена на предстоящей выставке в Бруклине 7 ноября.

 

Рисунки шариковой ручкой

 

Наверное, каждый хоть раз на лекциях вместо того, чтобы записывать слова преподавателя, рисовал в тетрадке различные фигурки. Была ли художница Сара Эстеж (Sarah Esteje) в числе таких студентов неизвестно. Но то, что ее рисунки шариковой ручкой впечатляют — неоспоримый факт! Сара просто доказала, что совсем не нужно иметь каких-то особенных материалов для того, чтобы создать что-то действительно интересное.

 

Сюрреалистические миры Артема Чебохи

 

 

Российский художник Артем Чебоха создает невероятные миры, где существует лишь море, небо и бесконечная гармония. Для своих новых работ художник выбрал очень поэтичные образы — странник, путешествующий по неизведанным местам и киты, кружащие в облаках-волнах, — полет фантазии у этого мастера просто безграничный.

 

Точечные портреты

 

 

Кто-то задумывается над техникой мазка, кто-то над контрастом света и тени, ну а художник Пабло Руис Хурадо (Pablo Jurado Ruiz) рисует точками! Художник развил идеи жанра пуантилизма, присущий еще авторам эпохи неоимпрессионизма, и создал свой собственный стиль, где детали решают абсолютно все. Тысячи касаний к бумаге в результате создают реалистичные портреты, которые так и хочется разглядывать.

 

Картины из дискет

 

 

В эпоху, когда многие вещи и технологии устаревают со скоростью проходящего мимо экспресса, довольно часто приходится избавляться от ненужного хлама. Однако, как оказалось, не все так печально, и из старых предметов можно сделать очень даже современное произведение искусства. Английский художник Ник Гентри (Nick Gentry) собрал у друзей квадратные дискеты, взял баночку краски, да и нарисовал на них потрясающие портреты. Получилось очень красиво!

 

На грани реализма и сюрреализма

 

 

Берлинский художник Хардинг Мейер (Harding Meyer) очень любит рисовать портреты, но дабы не стать очередным гиперреалистом, он решил поэкспериментировать и создал серию портретов на грани реальности и сюрреализма. Эти работы позволяют взглянуть на человеческое лицо как на нечто большее, чем просто «сухой портрет», выделяя его основу — образ. В результате таких поисков работы Хардинга заметила Галерея современного искусства в Мюнхене, которая будет выставлять работы художника уже 7 ноября.

 

Картины пальцем на Ipad

 

 

Многие современные художники экспериментируют с материалами для создания картин, однако японец Сейкоу Ямаока (Seikou Yamaoka) переплюнул их всех, взяв в качестве полотна свой Ipad. Он просто установил приложение ArtStudio и принялся не просто рисовать, а воспроизводить самые известные шедевры искусства. Причем делает он это не какими-то специальными кистями, а пальцем, что вызывает восхищение даже у людей, далеких от мира искусства.

 

«Деревянная» живопись

 

 

Используя все, от чернил до чая, художница по дереву Мэнди Цзун (Mandy Tsung) создала по-настоящему завораживающие картины, наполненные страстью и энергией. В качестве основной тематики она выбрала загадочный образ женщины и ее положение в современном мире.

 

Гиперреалист

 

Каждый раз, когда вы находите работы художников-гиперреалистов, то невольно задаете себе вопрос: «Зачем они всем этим занимаются?» У каждого из них свой ответ на это и порою довольно противоречивая философия. Но художник Дино Томик говорит прямо: «Я просто очень люблю свою семью». День и ночь он рисовал и пытался не упустить ни одной детали из портрета своих родных. На один такой рисунок у него уходило как минимум 70 часов работы. Говорить о том, что родители были в восторге, значит ничего не сказать.

 

Портреты из солдатиков

 

18 октября в лондонской галерее Opera Gallery стартовала выставка работ Джо Блэка (Joe Black) под названием «Ways of Seeing». Для создания своих картин художник использовал не только краски, но и самые необычные материалы — болты, нагрудные значки и многое другое. Однако основным материалом послужили….игрушечные солдатики! Самыми интересными экспонатами экспозиции можно назвать портреты Барака Обамы, Маргарет Тэтчер и Мао Цзэдуна.

 

Чувственные портреты маслом

 

Корейская художница Ли Рим (Lee Rim) еще пару дней назад была не так известна, однако ее новые картины «Девушки в краске» вызвали широкий отклик и резонанс в мире искусства. Ли говорит: «Главной темой моей работы являются человеческие эмоции и психологическое состояние. Даже при том, что мы живем в различных средах, в определенный момент времени мы чувствуем то же самое, когда мы смотрим на объект.» Возможно именно поэтому, смотря на ее работы, хочется понять эту девушку и проникнуться ее мыслями.

Гурам Доленджашвили и его картины простым карандашом

Родился в г. Кутаиси 9 марта 1943 года в Кутаиси (западная Грузия).

Его послевоенное детство было несладким — отец пропал на войне, изнуряющая бедность и отсутствие собственного жилья. Маленького Гурама воспитывала одна мать, Нино Догонадзе. Денег не хватало, но мать верила, что Гурам будет художником, и находила в себе силы и средства поддерживать в нем тягу к рисованию.

Свой первый карандаш Гурам заполучил еще в детском саду, и скоро стал лучшим на занятиях по рисованию. Карандаш и альбом был с ним всегда.

«Когда меня хвалили, мне хотелось рисовать ещё лучше. Уже тогда определилась моя судьба. Я ни минуты не колебался в выборе: быть или не быть художником? Конечно, быть!» — вспоминает Гурам Доленджашвили.

После окончания школы Гурам решил поступать в Тбилисскую Академию художеств, которую окончил в 1968 году. Учился в мастерской Ладo Григолия.

Однажды союз художников выдал ему творческую командировку в Якутию. Именно там Гурам впервые нашел свое, и ощутил в себе то, что впоследствии сделало его признанным мастером.

«Пространство я открыл для себя на Севере. Понятие пространства, навыки передачи его глубины преподаются в любой художественной школе, но для многих оно так и остаётся фоновой абстракцией, и лишь некоторым удаётся по-настоящему открыть его и художественно осознать. Когда я летел на самолете на Север, то впервые ощутил его грандиозную перспективу; планетарность, округлость Земли; увидел, как свет смыкается с тьмой, день с полярной ночью. Там передо мной предстали настоящие снега, и мне захотелось делать большие листы, где было бы много неба и снега» — рассказывает Гурам Доленджашвили.

Гурам начинает рисовать снег, небо и Грузию. Из работ потихоньку исчезает идеология и в них появляется душа. Гурам перестает бороться за мир, мир и спокойствие сами начинают лучиться с его зимних картин. Вместе с первыми имеретинским снегами к Гураму приходит успех, он регулярно представляет СССР на международных графических выставках — первая премия в Варне (1985) а в 1988 он открывает Багдадский фестиваль искусств. Работы Гурама регулярно выставляют и печатаются в прессе миллионными тиражами.

В течение всего творческого пути Гурама Доленджашвили, его картины регулярно выставляются, как на международных, так и на персональных выставках. Также его картины представлены во многих музеях всего мира, таких, как: Государственная Третьяковская галерея, Москва; Государственный музей им. А.С. Пушкина, Москва; Музей современного искусства в г. Кельне, Германия; Музей искусств, г. Кантон, штат Огайо, США и многих других.

Сейчас у Гурама двойное гражданство, он заслуженный художник Грузии и почетный академик Российской Академии художеств.

Родина художника — Имеретия —  регион и историческая область в Западной Грузии, в бассейне среднего течения реки Риони и её притоков. Жители области (имеретины) говорят на имеретинском диалекте грузинского языка, в прошлом отличались некоторыми локальными особенностями  культуры  и быта. Центр региона — Кутаиси.

Именно Имеретие художник посвятил большинство своих картин.

Имеретинская зима

Имеретинские мотивы

Лунные ночи Имеретии

Зимние этюды

Источник (сайт художника): http://www.guramdolart.ru/

Необычные техники рисования современных художников

Есть такие художники, которым для рисования просто кисти и краски не нужны и в своих экспериментах с материалами они шагают дальше. Я собрала подборку интересных авторов, которые рисуют не совсем привычными материалами и способами. Надеюсь она вдохновит вас на новые идеи!

Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai)

В своем творчестве Элизабета использует исключительно белые, красные и розовые вина, не придавая особого значения их букету или крепости. Единственный другой инструмент, который применяется Элизабеттой при создании картин, это уголь — им она делает наброски. Особенность ее работ в том, что цвет красок на полотне со временем меняется, так как вино стареет и приобретает новые оттенки. В результате получаются полотна, каждое из которых совершенно неповторимо.

Таринан фон Анхальт (Jet Art)

Американская художница свои абстрактные картины создает при помощи потоков воздуха от реактивного двигателя самолета. Клиенты Таринан платят огромные деньги за возможность увидеть, как художница творит, ведь сам по себе этот процесс представляет собой небольшое шоу с риском для жизни. За создание одной абстрактной картины ценителю креатива придется выложить не меньше 50 тысяч долларов. Свою технику Jet Art использует также для декорирования одежды, которую демонстрирует на различных фэшн-шоу.

Это весьма необычное направление живописи изобрёл Австрийский принц Юрген фон Анхальт ещё в 1982 году. Он назвал его «jet art» («реактивная живопись»). После его смерти его дело продолжила его жена Таринан (настоящая принцесса). Она стала первой женщиной, которая создаёт свои художественные полотна с помощью такой физически тяжёлой техники рисования. Перед просмотром видео советую приглушить звук, а то там реактивные двигатели)

Подводные картины украинских художников

Украинские дайверы создают свои работы на глубинах от 2 до 20 метров в водах Черного и Красного моря. Художников настолько вдохновляет красота подводного мира, что они придумали необычный способ запечатлеть ее с помощью обычной краски и холста с нанесением водонепроницаемого клея. Под каждой картиной, помимо названия, указано море, соль которого определенная работа впитала и глубина, на которую пришлось погрузиться художнику. Выглядят картины действительно необычно.

Натали Айриш (Natalie Irish)

Художница рисует поцелуями, а в качестве материала использует обычную губную помаду. В среднем на одну картину уходит около пяти тюбиков помады. Первой работой художницы был портрет Мерлин Монро – именно с этой актрисой у Натали ассоциируется красная помада. Художница призналась, что создание ее картин – непростой труд, ведь ей необходимо методично по определенной схеме оставлять поцелуи на холсте, постоянно меняя фокусировку глаз. На одну картину уходит минимум 3 часа.

Отман Тома

Багдадский художник при создании своих работ вместо привычных красок использует мороженое. Его работы похожи на акварельные рисунки и имеют широкую гамму. Художник всегда фотографирует свои работы с остатками мороженого и кистями на холсте, тем самым показывая небольшую часть процесса. Выглядит реально как акварель!

Картины современных художников мира. Талантливые художники создающие необычайные картины Знаменитые современные художники мира

Современным искусством принято называть всевозможные художественные течения, сложившиеся в конце XX века. В послевоенный период оно являлось своеобразной отдушиной, вновь научившей людей мечтать и изобретать новые жизненные реалии.

Устав от оков суровых правил прошлого, молодые художники решили разорвать прежние художественные нормы. Они стремились к созданию новых, до этих неизвестных практик. Противопоставляя себя модернизму, они обратились к новым способам раскрытия своих сюжетов. Художник и концепция, стоящая за его творением, стали гораздо важнее самого итога творческой деятельности. Желание отойти от воздвигнутых рамок привело к возникновению новых жанров.

Среди художников начали возникать споры о смысле искусства и способах его выражения. Что такое искусство? Какими средствами можно добиться неподдельного искусства? Концептуалисты и минималисты нашли ответ для себя во фразе: «Если искусство может быть всем, то может быть и ничем». Для них уход от привычных изобразительных средств вылился в проведение различных акций, хеппененгов и перформансов. В чем же особенность современного искусства в 21 веке? Об этом мы и поведем речь в статье.

Трехмерная графика в искусстве XXI века

Славится искусство 21 века в 3D графике. С развитием компьютерных технологий художники получили доступ к новым средствам создания своего искусства. Суть трехмерной графики состоит в создании изображений при помощи моделирования объектов в трехмерном пространстве. Если рассмотреть большинство форм современного искусства в 21 веке, создание трехмерных изображений окажется наиболее традиционным. 3D графика имеет множество сторон, в прямом смысле этого слова. Ее используют при создании программ, игр, изображений и видео на компьютере. Но ее также можно заметить прямо под ногами — на асфальте.

Трехмерная графика перебралась на улицы несколько десятилетий назад и с этого времени остается одной из важнейших форм уличного искусства. Многие художники рисуют на своих «картинах» объемные изображения, способные поразить своей реалистичностью. Эдгар Мюллер, Эдуардо Ролеро, Курт Уеннер и многие другие современные художники сегодня создают искусство, способное удивить любого.

Уличное искусство 21 века

Раньше занятие уделом состоятельных людей. Оно веками было укрыто стенами специальных заведений, куда был закрыт доступ непосвященным. Очевидно, что его грандиозная сила не могла вечно томиться внутри душных зданий. Именно тогда оно выбралось наружу — на серые мрачные улицы. Выбралось, чтобы изменить свою историю навсегда. Хотя поначалу все не было так просто.

Его рождению были рады не все. Многие считали его следствием неудачного опыта. Некоторые и вовсе отказывались обращать внимание на его существование. Между тем детище продолжало расти и развиваться.

Уличных художников ждали трудности на своем пути. При всем своем многообразии форм, уличное искусство порой было сложно отличить от вандализма.

Началось все в 70-х годах прошлого века в Нью-Йорке. В это время уличное искусство находилось в зачаточном состоянии. А поддерживали его жизнь Julio 204 и Taki 183. Они оставляли надписи в разных местах своего района, после расширяя территорию распространения. Соперничать с ними решили другие ребята. Тут-то и началось самое интересное. Задор и желание показать себя вылилось в битву креативности. Каждый стремился открыть для себя и других более оригинальный способ оставить свой след.

В 1981 году уличному искусству получилось преодолеть океан. В этом ему помог уличный художник из Франции BlekleRat. Он считается одним из первых художников граффити в Париже. Его также называют отцом трафаретного граффити. Его фирменным штрихом являются рисунки крыс, что отсылает к имени их создателя. Автор заметил, что после перестановки букв в слове rat (крыса) получается art (искусство). Blek однажды отметил: «Крыса является единственным свободным животным в Париже, которое распространяется повсюду, прямо как уличное искусство».

Самым знаменитым уличным художником является Бэнкси, который называет BlekleRat своим главным учителем. Злободневные работы этого талантливого британца способны заставить замолчать каждого. В своих рисунках, созданных с использованием трафаретов, он обличает современное общество с его пороками. Бэнкси свойственен традиционный позволяющий оставить еще большее впечатление на аудиторию. Интересным является тот факт, что до сих пор личность Бэнкси окутана тайной. Никому еще не удалось раскрыть загадку личности художника.

Тем временем искусство улиц стремительно набирает обороты. Когда-то отброшенный к маргинальным течениям, стрит-арт взошел на подмостки аукционов. Работы художников продаются за баснословные суммы теми, кто когда-то отказывался о нем говорить. Что это, живительная сила искусства или веяния мейнстрима?

Формы

На сегодняшний день выделяют несколько довольно интересных проявлений современного искусства. Обзор самых необычных форм современного искусства будет представлен вашему вниманию далее.

Реди-мейд

Термин реди-мейд происходит от английского, что означает «готовый». По сути, целью данного направления не является создание чего-либо материального. Основной идеей здесь служит то, что в зависимости от окружения того или иного предмета меняется восприятие человеком и самого предмета. Родоначальником течения является Марсель Дюшан. Наиболее знаменитой его работой является «Фонтан», представляющий собой писсуар с автографом и датой.

Анаморфозы

Анаморфозами называют технику создания изображений таким образом, что полностью разглядеть их возможно лишь под определенным углом. Одним из ярких представителей этого течения является француз Бернард Прас. Он создает инсталляции с использованием того, что попадется под руку. Благодаря своему мастерству ему удается создавать удивительные произведения, увидеть которые, однако, можно лишь под определенным углом.

Биологические жидкости в искусстве

Одним из самых спорных течений в современном искусстве 21 века является рисунок, написанный человеческими жидкостями. Часто последователи данной формы современного искусства используют кровь и мочу. Цвет картин в этом случае часто приобретает мрачный, пугающий вид. Герман Нич, к примеру, использует кровь животных и мочу. Автор объясняет использование столь неожиданных материалов трудным детством, которое пришло на время Второй мировой войны.

Живопись XX-XXI века

Краткая история живописи содержит сведения, что конец XX века стал отправной точкой для многих культовых художников современности. В тяжелые послевоенные годы сфера пережила свое перерождение. Художники стремились открыть новые грани своих возможностей.

Супрематизм

Создателем супрематизма принято считать Казимира Малевича. Будучи главным теоретиком, он провозгласил супрематизм способом очищения искусства от всего лишнего. Отказавшись от привычных способов передачи изображения, художники стремились освободить искусство от внехудожественного. Важнейшей работой в данном жанре служит знаменитый «Черный квадрат» Малевича.

Поп-арт

Поп-арт берет свои истоки в США. В послевоенные годы общество пережило глобальные изменения. Люди теперь могли себе позволить больше. Потребление стало важнейшей частью жизни. Людей начали возводить в культ, а продукты потребления — в символы. Джаспер Джонс, Энди Уорхолл и другие последователи течения стремились использовать эти символы в своих картинах.

Футуризм

Футуризм был открыт в 1910 году. Основной идеей этого течения служило стремление к новому, разрушение рамок прошлого. Это стремление художники изображали при помощи особой техники. Резкие штрихи, наплывы, соединения и пересечения — признаки футуризма. Наиболее известными представителями футуризма являются Маринетти, Северини, Карра.

Современное искусство в России XXI века

Современное искусство в России (21 век) плавно перетекло из подпольного, «неофициального» искусства СССР. Молодые художники 90-х искали новые способы реализации своих художественных амбиций в новой стране. В это время зародился московский акционизм. Его последователи бросали вызов прошлому и его идеологии. Разрушение границ (в прямом и переносном смысле слова) позволило изобразить отношение молодого поколения к ситуации в стране. Современное искусство 21 века стало экспрессивным, пугающим, шокирующим. Таким, от которого так долго закрывалось общество. Акции Анатолия Осмоловского («Маяковский — Осмоловский», «Против всех», «Баррикада на Большой Никитской»), движения «ЭТИ» («ЭТИ-текст»), Олега Кулика («Пятачок раздает подарки», «Бешенный Пес или Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером»), Авдея Тер-Оганьяна(«Поп-арт») навсегда изменили историю современного искусства.

Новое поколение

Слава ПТРК — современный художник из Екатеринбурга. Кому-то его работы могут напомнить творчество Бэнкси. Однако работы Славы несут в себе идеи и чувства, знакомые только российскому гражданину. Одним из наиболее заметных его работ является акция «Страна возможностей». Художник создал надпись из костылей на здании заброшенной больницы Екатеринбурга. Костыли Слава скупал у жителей города, которые однажды ими пользовались. Об акции художник сообщил на странице в социальной сети, дополнив обращением к согражданам.

Музеи современного искусства

Возможно, когда-то современное изобразительно искусство 21 века казалось средой маргинальной, но сегодня все больше людей стремятся приобщиться к новой сфере искусства. Все больше музеев открывают свои двери для новых средств выражения. Нью-Йорк является рекордсменом в области современного искусства. Здесь же находятся два музея, являющиеся одними из лучших в мире.

Первый — MoMA, являющийся хранилищем полотен Матисса, Дали, Уорхола. Второй — музей Необычная архитектура здания соседствует с творениями Пикассо, Марка Шагала, Кандинского и многих других.

Европа также знаменита своими великолепными музеями современного искусства 21 века. Музей KIASMA в Хельсинки позволяет трогать предметы выставки. Центр в столице Франции поражает необычной архитектурой и работами художников современности. Стеделейкмюсеум в Амстердаме хранит в своих стенах крупнейшее собрание картин Малевича. в столице Великобритании обладает огромным количеством арт-объектов современности. Венский музей современного искусства обладает работами Энди Уорхолла и прочих талантливых творцов современности.

Современное искусство 21 века (живопись) — загадочное, непонятное, завораживающее, навсегда изменило вектор развития не только отдельной сферы, но и всей жизни человечества. Оно отражает и создает современность в одно и то же время. Постоянно изменяясь, искусство современности позволяет на мгновение остановиться постоянно спешащему человеку. Остановиться, чтобы вспомнить о чувствах, кроющихся глубоко внутри. Остановиться, чтобы вновь набрать темп и спешить в вихрь событий и дел.

Автор

Поль Сезанн

Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль постимпрессионизм

Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».

130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах

Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.

Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.

Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.

В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.

Самая дорогая картина в мире

Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани

Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.

Автор

Джексон Поллок

Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль абстрактный экспрессионизм

Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».

122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.

Автор

Виллем де Кунинг

Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль абстрактный экспрессионизм

Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.

121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.

С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.

На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.

Автор

Густав Климт

Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль модерн

Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.

138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.

Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.

В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.

Автор

Эдвард Мунк

Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль экспрессионизм

Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».

73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.

Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.

На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.

«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»

Автор

Пабло Пикассо

Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль кубизм

По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.

130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.

Автор

Энди Уорхол

Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт

«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.

358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах

Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.

Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.

Автор

Марк Ротко

Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль абстрактный экспрессионизм

Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.

206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.

Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.

Автор

Фрэнсис Бэкон

Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм

Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.

147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».

Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.

Автор

Клод Моне

Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль импрессионизм

Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.

210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.

Автор

Джаспер Джонс

Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт

В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.

137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.

Автор

Амедео Модильяни

Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм

Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.

65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s

В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.

Автор

Ци Байши

Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа

Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.

10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian

Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.

Автор

Клиффорд Стилл

Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм

В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание

79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.

Автор

Казимир Малевич

Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм

Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).

71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.

Автор

Поль Гоген

Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм

До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.

93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s

В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.

«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»

Автор

Анри Матисс

Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм

В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.

65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s

Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.

Автор

Рой Ли

хтенштейн

Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт

Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.

91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.

Автор

Пит Мондриан

Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм

Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.

27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s

Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.

Автор

Василий Кандинский

Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм

Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.

275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s

Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.

Автор

Фернан Леже

Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм

Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.

Автор

Эрнст Людвиг Кирхнер

Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм

Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.

95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s

После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.

Автор

Эдгар Дега

Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм

История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.

64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?

Автор

Хуан Миро

Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство

Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.

89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.

Автор

Ив Кляйн

Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись

Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.

153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.

Автор

Сэр Лоуренс Альма-Тадема

Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм

Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.

213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.

«Портрет спящей обнаженной чиновницы»

Автор

Люсьен Фрейд

Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись

Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.

219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.

Автор

Х уан Грис

Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм

Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.

5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.

Автор

Сальвадор Дали

Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм

«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.

Автор

Марк Шагал

Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард

Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.

80×103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s

Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.

проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (май-июнь 2013)

На фото картина известного современного итальянского художника Аурелио Бруни. Он живет и работает в Умбрии. Художник рисует в стиле гиперреализм и символизм, организовал 25 персональных выставок, участвовал в 53-ех коллективных выставках, имеет 10 различных наград и премий.

«Дорога в Йорк через Следмир» — картина известного современного британского художника Дэвида Хокни. 21 июня 2006 года картина Хокни «Всплеск» была продана за 2,6 миллиона фунтов стерлингов. Его картина «Гранд-Каньон», состоящая из 60 маленьких картин, которые объединили, чтобы воспроизвести одну огромную картину, была куплена Национальной галереей Австралии за 4,6 миллиона долларов. Картина «Домохозяйка из Беверли-Хиллз» проданна за $ 7,9 млн. на Christie»s, в Нью-Йорке. В 2016 году его пейзаж «Леса Волдгейта» был продан на аукционе Sotheby’s за 9,4 миллиона фунтов стерлингов. Эта цена стала новым рекордом для Девида Хокни.

На фото картина знаменитого современного американского художника Уоррена Чанга. Благодаря мастерской передаче света и приглушенным тонам, его картины выглядят очень реалистично, великолепно передают эмоции и настроение. Большая часть его картин изображает людей занятых своей профессиональной деятельностью или повседневными делами. Также он рисует интерьерные картины. Warren Chang имеет много различных званий и наград. Живет и работает в Монтерее, в Калифорнии.

Картина абстракция современного знаменитого германского художника Герхарда Рихтера, который является одним из самых богатых художников во всем мире. Картина, представленная на этом фото, была продана в Лондоне на Sotheby»s за $ 44,52 миллиона (30,4 миллиона).

На фото картина известного современного французского художника Мартиала Райса. В 1993 году одна из его работ была куплена миллиардером Франсуа Пино. В 2011 году картина Райса «Последний год на Капри» была продана за 6,58 млн. долларов на аукционе Christie»s (по самой дорогой цене, среди всех ранее проданных работ других живых французских художников). В 2013 году он вошел в Топ-50 самых дорогих ныне живущих художников.

Картина знаменитого современного канадского художника Альбини Леблана, мастера миниатюрных городских пейзажей мастихином. Художник живет и работает в Квебеке. Его работы можно увидеть в художественных галереях в Монреале, Торонто, Ванкувере и Квебеке. Альбини Леблан организовал 15 персональных выставок, участвовал в 7-ми коллективных выставках, имеет 8 различных наград и премий.

На фото картина известной современной японской художницы Томоко Кашики. Художница организовала персональные выставки в Сингапуре, Франции и Японии, участвовала в коллективных выставках в Китае, США, Австралии, Японии, Индонезии, Великобритании, Объединенных Арабских Эмиратах и Сингапуре. Ее работы можно увидеть в публичных коллекциях в Художественной галерее Квинсленда, в Брисбене, в Австралии; в одной из крупнейших японских страховых компаний — Dai-ichi Life Insurance Limited; в Музее старого и нового искусства, в Тасмании, в Австралии; в Toyota Art Collection.

Картина «Раскраска» знаменитого современного украинского художника Олега Тистола. Эта картина была продана на аукционе Phillips за 53 900 долларов. По версии Forbes Олег Тистол входит в тройку самых успешных художников Украины. Он родился во Врадиевке Николаевской области, живет и работает в Киеве, является членом союза художников Украины, принимал участие во множестве выставок в Украине, России, Эстонии, Польше, США, Исландии, Словении, Нидерландах, Швейцарии, Великобритании, Дании, Бразилии, Германии, Норвегии, Франции и Италии. Олег Тистол участвовал в биеннале: в 1994-ом году — «17-е сентября», 22-я Биеннале в Сан-Паулу; в 2001-ом году — «Первый украинский проект», 49-я Венецианская биеннале. Его картины находятся в собраниях: в PinchukArtCentre, в Киеве, в Украине; в Коллекции Нортона Доджа, в США; в Музее Стеделик, в Амстердаме, в Нидерландах; в Фонде Christoph Merian Stiftung, в Базеле, в Швейцарии; в Министерстве культуры Турции, в Анкаре; в Музее истории Москвы, в России.

На фото картина известного современного польского художника Войцеха Бабски. Художник живет и работает в Катовице. Он популярен не только в Польше, но и за рубежом. Войцех Бабски удостоился таких наград: 1-ое место в номинации «The 2016 American Art Awards» в категории поп арт картины; 1-ое место в номинации «The 2016 American Art Awards» в категории картины комментирующие политику; 3-ее место в номинации «The 2016 American Art Awards» в категории акриловые картины; 4-ое и 5-ое места в номинации «The 2016 American Art Awards» в категории экспрессионизм.

На фото картина известной современной белорусской художницы Силивончик Анны. Художница родилась в Гомеле, на сегодняшний день, живет и работает в Минске. Силивончик Анна состоит в Белорусском союзе художников, была награждена медалью «Талант и призвание» международного альянса «Миротворец», ее работы находятся в Национальном музее Республики Беларусь, музее современного искусства в Минске, музее современного русского искусства в Джерси-Сити (США), фондах Гомельского дворцово-паркового ансамбля, Елабужском государственном музее-заповеднике в России, частных коллекциях Беларуси, России, Франции, США, Японии, Израиля, Италии, Германии и Польши. В период с 2001-го года по 2016-ый год художница организовала множество персональных выставок в Беларуси, России, Германии и Украине, а также участвовала в коллективных выставках в Беларуси, США, России, Эстонии, Украине, Латвии, Чехии, Польше, Германии, Венгрии, Нидерандах и Казахстане.

Картина знаменитого современного турецкого художника Гюрбюза Догана Экшиоглу. Всемирно известный турецкий карикатурист и художник график родом из Орду имеет более 70-ти наград, приблизительно, треть из которых являются международными. Grbz Doan Ekiolu участвовал во многих коллективных выставках, как в Турции, так и за рубежом, провел более 20-ти персональных выставок, одна из которых проходила в Нью-Йорке. Его работы публиковались в Atlantic, New York Times, а также украшали обложки журналов New Yorker и Forbes.

Картина известного современного египетского художника Хоссама Дирара. Художник родился, живет и работает в Каире. Hossam Dirar провел много персональных выставок в таких странах как: Бахрейн, Великобритания, Словакия, Италия, Франция, Австрия, Чехия, Венгрия, Словения и Египет. Он также участвовал в коллективных выставках в Германии, Египте и ЮАР.

На фото картина знаменитого современного китайского художника Цзэна Фаньчжи «Тайная вечеря». Эта картина в октябре 2013 года в Гонконге на Sotheby»s была продана за 23,3 миллиона долларов США, установив новый рекорд для современного азиатского искусства. Ранее, в мае 2008 года, когда в Гонконге на Christie»s впервые состоялась распродажа азиатского современного искусства, его Картина №6 из серии Маска была продана за 75 367 500 гонконгских долларов. Это был мировой рекорд того года, касательно стоимости продажи, среди всех художников.

На фото картина известного современного греческого художника Никоса Гифтакиса. Художник родился, живет и работает в Афинах. Он имеет большую популярность не только в Греции, организовывал персональные выставки и участвовал во множестве коллективных, в таких странах как Швейцария, Кипр, Германия, Италия, Бельгия, Швеция, Бразилия, Россия и Греция.

Картина известного современного грузинского художника Давида Попиашвили. Художник родом из Тбилиси, является членом Союза художников Грузии, участвовал в выставках во Франции, Германии, Болгарии, России и Грузии. Многие его работы находятся в музеях и частных коллекциях в Грузии и за рубежом.

Картину нарисовал знаменитый современный художник ОАЭ Абдул Кадер Аль-Раис. Художник является одним из основателей Общества изобразительного искусства Эмиратов и считается одним из пионеров современного искусства в Эмиратах. Его работы можно найти в Emirates Palace (президентском отеле в Абу-Даби), правительственных учреждениях и в личных коллекциях произведений искусства членов королевской семьи в Дубае. Художник участвовал в различных коллективных выставках, а также организовывал персональные выставки в разных странах (Чехия, Ливан, США, Германия, Кувейт, Катар, Оман, Саудовская Аравия, Сирия и ОАЭ), удостоился множества наград.

На фото картина знаменитого современного нидерландского художника Tjalf Sparnaay. Художник родом из Нидерландов, живет и работает в городе Хилверсум, организовал 14 персональных выставок и участвовал во множестве коллективных выставок в разных странах (США, Великобритания, Бельгия, Эстония, Германия, Канада, Австрия и Нидерланды). Его работы находятся в частных и публичных коллекциях во многих странах.

Картина знаменитого современного испанского художника Мигеля Барсело. В 2003 году он получил премию принца Астурийского в области искусства, один из самых важных призов в Испании. В 2004 году он выставил в Лувре акварели, которые он создал для иллюстрации «Божественной комедии», став первым живым современным художником, который выставлялся в музее. Художник входит в топ 30 самых богатых художников мира. Его картины стоят дорого. Например, эта, фото которой представлено выше, стоит 244 398 USD.

Картину нарисовал известный современный швейцарский художник Урс Фишер. Художник родом из Цюриха входит в топ 50 самых богатых художников в мире. Он прославился своим провокационным подходом к искусству, однако подчиняется его законам; он выступает против подачи искусства как коммерческого товара, хотя и сам продает свои работы недешево, умело взаимодействуя с рынком искусства и коллекционерами.

На фото картина известной современной израильской художницы Орны Бен-Шошан. Она живет и работает в городе Раанана, провела множество персональных выставок и участвовала в коллективных, в таких странах как: США, Италия, Великобритания, Кипр, Франция и Израиль. Посмотрев на работы художницы, Вы будете очарованы изумительным миром, где все возможно. Воспользуйтесь этим, чтобы обогатить свое воображение, расширить горизонты и познакомиться с быстро растущей талантливой художницей.

На фото картина известного современного таиландского художника Дирека Кингнока, акварелиста родом из городка Накхонратчасима. Сейчас он живет и работает в городе Кхонкэн. Уже в возрасте 9 лет Дирек выиграл золотую медаль Международного конкурса детского творчества Японии. Он участвовал в выставках во Вьетнаме, Китае, Турции, Италии, России, Южной Корее, Малайзии, Греции, Албании и Таиланде.

Картина известного современного норвежского художника Кристера Карлстада. Он живет и работает в Драммене, проводил персональные выставки и участвовал в коллективных выставках в США, Швеции, Норвегии.

На фото картина известного современного художника Дании, Яна Эсманна. Художник родился, живет и работает в Дании, участвовал в выставках в таких странах как: Германия, США, Дания.

Картину нарисовал знаменитый современный шведский художник Ниссе Найдеж Оттенхаг. Художник, родом из маленького городка Лилла-Эдет, участвовал во множестве выставок в разных странах (в США, Франции, Монако, Намибии и Швеции).

На фото картина известной современной австралийской художницы Элизабет Баршам. Она родилась, живет и работает в Тасмании, имеет множество наград. Ее работы часто можно встретить на обложках журналов или как иллюстрации к статьям. О ней также часто пишут в прессе. Художница принимала участие в большом количестве выставок и организовывала персональные выставки в разных странах (в Великобритании, Сингапуре, Италии, Австралии).

Мир полон творческих людей и с каждым днём появляются сотни новых картин, пишутся новые песни. Конечно, в мире искусства, не обходится без оплошностей, но есть такие шедевры настоящих мастеров, которые просто захватывают дух! Их работы мы вам сегодня и покажем.

Дополненная карандашом реальность

Фотохудожник Бен Хейн (Ben Heine) продолжил работу над своим проектом, который представляет собой смесь карандашных рисунков и фотографии. Сначала он делает от руки набросок карандашом на бумаге. Затем фотографирует рисунок на фоне реального объекта и дорабатывает получившееся изображение в фотошопе, добавляя контраст и насыщенность. В результате получается волшебство!

Иллюстрации Алисы Макаровой

Алиса Макарова — талантливая художница из Санкт-Петербурга. В век, когда большинство изображений создается при помощи компьютера, интерес нашей соотечественницы к традиционным формам живописи вызывает уважение. Один из последних ее проектов — триптих «Vulpes Vulpes», на котором можно увидеть очаровательных огненно-рыжих лисиц. Красота, да и только!

Изящная гравировка

Художники по дереву Поль Роден и Валерия Лу объявили о создании новой гравюры под названием «Моль». Кропотливая работа и изящное мастерство авторов не оставляют равнодушными даже самых упертых скептиков. Гравюра будет представлена на предстоящей выставке в Бруклине 7 ноября.

Рисунки шариковой ручкой

Наверное, каждый хоть раз на лекциях вместо того, чтобы записывать слова преподавателя, рисовал в тетрадке различные фигурки. Была ли художница Сара Эстеж (Sarah Esteje) в числе таких студентов неизвестно. Но то, что ее рисунки шариковой ручкой впечатляют — неоспоримый факт! Сара просто доказала, что совсем не нужно иметь каких-то особенных материалов для того, чтобы создать что-то действительно интересное.

Сюрреалистические миры Артема Чебохи

Российский художник Артем Чебоха создает невероятные миры, где существует лишь море, небо и бесконечная гармония. Для своих новых работ художник выбрал очень поэтичные образы — странник, путешествующий по неизведанным местам и киты, кружащие в облаках-волнах, — полет фантазии у этого мастера просто безграничный.

Точечные портреты

Кто-то задумывается над техникой мазка, кто-то над контрастом света и тени, ну а художник Пабло Руис Хурадо (Pablo Jurado Ruiz) рисует точками! Художник развил идеи жанра пуантилизма, присущий еще авторам эпохи неоимпрессионизма, и создал свой собственный стиль, где детали решают абсолютно все. Тысячи касаний к бумаге в результате создают реалистичные портреты, которые так и хочется разглядывать.

Картины из дискет

В эпоху, когда многие вещи и технологии устаревают со скоростью проходящего мимо экспресса, довольно часто приходится избавляться от ненужного хлама. Однако, как оказалось, не все так печально, и из старых предметов можно сделать очень даже современное произведение искусства. Английский художник Ник Гентри (Nick Gentry) собрал у друзей квадратные дискеты, взял баночку краски, да и нарисовал на них потрясающие портреты. Получилось очень красиво!

На грани реализма и сюрреализма

Берлинский художник Хардинг Мейер (Harding Meyer) очень любит рисовать портреты, но дабы не стать очередным гиперреалистом, он решил поэкспериментировать и создал серию портретов на грани реальности и сюрреализма. Эти работы позволяют взглянуть на человеческое лицо как на нечто большее, чем просто «сухой портрет», выделяя его основу — образ. В результате таких поисков работы Хардинга заметила Галерея современного искусства в Мюнхене, которая будет выставлять работы художника уже 7 ноября.

Картины пальцем на Ipad

Многие современные художники экспериментируют с материалами для создания картин, однако японец Сейкоу Ямаока (Seikou Yamaoka) переплюнул их всех, взяв в качестве полотна свой Ipad. Он просто установил приложение ArtStudio и принялся не просто рисовать, а воспроизводить самые известные шедевры искусства. Причем делает он это не какими-то специальными кистями, а пальцем, что вызывает восхищение даже у людей, далеких от мира искусства.

«Деревянная» живопись

Используя все, от чернил до чая, художница по дереву Мэнди Цзун (Mandy Tsung) создала по-настоящему завораживающие картины, наполненные страстью и энергией. В качестве основной тематики она выбрала загадочный образ женщины и ее положение в современном мире.

Гиперреалист

Каждый раз, когда вы находите работы художников-гиперреалистов, то невольно задаете себе вопрос: «Зачем они всем этим занимаются?» У каждого из них свой ответ на это и порою довольно противоречивая философия. Но художник Дино Томик говорит прямо: «Я просто очень люблю свою семью». День и ночь он рисовал и пытался не упустить ни одной детали из портрета своих родных. На один такой рисунок у него уходило как минимум 70 часов работы. Говорить о том, что родители были в восторге, значит ничего не сказать.

Портреты из солдатиков

18 октября в лондонской галерее Opera Gallery стартовала выставка работ Джо Блэка (Joe Black) под названием «Ways of Seeing». Для создания своих картин художник использовал не только краски, но и самые необычные материалы — болты, нагрудные значки и многое другое. Однако основным материалом послужили….игрушечные солдатики! Самыми интересными экспонатами экспозиции можно назвать портреты Барака Обамы, Маргарет Тэтчер и Мао Цзэдуна.

Чувственные портреты маслом

Корейская художница Ли Рим (Lee Rim) еще пару дней назад была не так известна, однако ее новые картины «Девушки в краске» вызвали широкий отклик и резонанс в мире искусства. Ли говорит: «Главной темой моей работы являются человеческие эмоции и психологическое состояние. Даже при том, что мы живем в различных средах, в определенный момент времени мы чувствуем то же самое, когда мы смотрим на объект.» Возможно именно поэтому, смотря на ее работы, хочется понять эту девушку и проникнуться ее мыслями.

Здесь подборка картин пока еще малоизвестных, но очень талантливых художников. Все ребята из России и наши современники. Смотрите, читайте и наслаждайтесь.

Ребята, я все время пишу здесь о довольно известных и состоявшихся личностях. Мне, конечно, было бы гораздо интереснее писать про тех художников, про которых пока никому не известно, но что поделать — это в паблике вконтакте можно писать о чем угодно, а в блог можно писать только то, что люди ищут в яндексе и гугле, иначе кроме тебя туда никто заходить не будет. Но для разнообразия и удовольствия я, все-таки, решил сделать подборку «Малоизвестные современные художники России и их картины».

• Что еще интересного? (ссылки на другие статьи).
• Картины Марчука — одного из самых известных современных украинских художников
• Легендарный декан факультета графики знаменитой «Репинки».

Кто-то из этих ребят находится еще в самом начале своего пути, а кто-то уже относительно состоялся и успешно продает свои работы вконтакте или на маркетплейсах по типу ярмарки мастеров и даже известны в узких кругах, но всех их объединяет одно — они пока еще не известны широким массам. Но неизвестен — не значит обделен талантом, поэтому я думаю вам будет интересно глянуть. Я решил включить сюда не только собственно рисовальщиков, но и нескольких скульпторов.

Малоизвестные современные художники России и их картины. Иллюстраторы и живописцы.

Малоизвестные художники. Цветной сюрреалистический модерн в картинах Марии Сусаренко.

Об этой художнице я узнал не так давно и практически сразу же влюбился в ее картины. Отчасти потому, что она мне очень близка по духу, как художнику, отчасти из-за восхищения техникой и буйством фантазии. Мария Сусаренко — милая девушка из Санкт-Петербурга и выпускница знаменитой СПбГХПА им. А.Л. Штиглица. Картины Марии Сусаренко представляют собой буйную смесь модерна и сюрреализма. Смотрятся очень ярко и декоративно.

Картины малоизвестных художников. Работы Марии Сусаренко

Потрясающая детализация!

Малоизвестные художники. Субботина Даша.

Извечный мотив Юралги — котаны.

Забавный чудик. Такую брошку и я бы носил.

МОАР — https://vk.com/shamancats

Малоизвестные современные художники России. Скульпторы.

Пусть здесь не картины, а украшения, но они настолько прельстивы и любовны, что я не мог удержаться. В конце концов скульптор — это тоже художник. Да, художник может быть живописцем, графиком, иллюстратором или скульптором (ваш капитан очевидность). Тут представлены две девушки, чьи украшения не посрамили бы самого Рене Лалика.

Малоизвестные художники. Гримуар черной курочки.

В мастерской «Grimoire La poule noire», что в переводе «Гримуар черной курочки» (ваш капитан очевидность), хозяйничает Лера Прокопец. Лера — скульптор миниатюрист и просто шикарная дама. Она работает преимущественно с полимерной глиной и камнями. Лера создает потрясающие украшения в стиле, который я бы назвал готическое «арт-нуво». Такая, слегка ведьмовщинка, темная, но изящная красота. Ну еще бы, ведь это «гримуар черной курочки».

Малоизвестные художники. Оригинальные украшения арт-нуво. Фото из мастерской «Гримуар черной курочки».

Геката, греческая богиня ночи.

Морфин. Тонко:) То ли демоны, то ли вампиры с высунутым языком — один из любимых мотивов Леры.

Светящиеся картины художника Александра Маранова

11 января 2013       Nasati      Главная страница » Музыка цвета » живопись      Просмотров:   9123

Осень х/м

…. И невозможно нам предвидеть и понять,
В какие формы дух оденется опять,
В каких созданьях воплотится.
Быть может, из всего, что будит в нас любовь,
На той звезде ничто не повторится вновь…
Но есть одно, что повторится…

….всех бессмертней тот, кому сквозь прах земли
Какой-то новый мир мерещился вдали —
Несуществующий и вечный,
Кто цели неземной так жаждал и страдал,
Что силой жажды сам мираж себе создал.
Среди пустыни бесконечной.
Николай Минский 1887г

Дорогие подписчики и гости блога «Музыка души»!

Вы видели светящиеся картины? Сегодня я хочу предложить несколько картин художника, который не боится писать то, что не объяснимо словами. Когда я впервые увидела его картины, была поражена ощущением света, которым они пронизаны. Как будто сон наяву. Кстати, с одной из моих любимых картин А. Маранова у меня уже был красивый пост » Я тебе приснюсь» с пронзительным стихотворением…  Представляете, художник не использует никакие светящиеся краски. Техника у него уникальная, начиная уже с грунтовки холста. Масло, кисть, душа и свет.

Аромат цветов х/м

Его живопись, считают, перекликается с «космическими» работами Чюрлёниса, но они нежны и романтичны. Читая отзывы в гостевой книге на сайте автора, постоянно встречаются слова — чистая звенящая нота, хрустальность, музыкальность, трепет души, внезапная встреча с чем-то, что мучительно пытался вспомнить всю жизнь» … Посмотрев эти работы, я думаю, вы согласитесь.

Мир входящему х/м

Немного биографии художника Александра Маранова

Александр Маранов родился в 1962 году в столице Узбекистана в Ташкенте. Его родители приехали в хлебный город на заработки из деревни Петраково. В эти красивые места на Волге Александр приезжал каждое лето и посвящал много времени рисованию.

Луговые травы

А первый раз он взял карандаш в 7 лет. Любил рисовать маме цветы на праздники. Мама не осталась равнодушной и отвела своего сына в ИЗО-студию. Долгое время Александр совмещал два увлечения – рисование и спорт. Бегом увлекся в 6 классе, причем подавал большие надежды. В легкоатлетических соревнованиях, где он выступал в юношеской сборной, занял даже 1 место на Чемпионате Узбекистана. Но живопись победила! И, как признается художник, об этом выборе, сделанном на семейном совете, он никогда не пожалел.

Золотая рыбка х/м

Александр окончил и музыкальную школу по классу аккордеона. Музыка является составляющей частью его картин, многие это чувствуют.

Застывшая мелодия х/м

За плечами А. Маранова хорошее художественное образование в училище, а затем в театрально-художественном институте родного города. Основная специальность – графика. Его живопись того времени традиционна и реалистична. Работы А. Маранова пользовались популярностью еще в Ташкенте.
Он выставляется, а его картины приобретаются городским музеем. Работает с удовольствием до 18 часов в сутки. И уже тогда экспериментирует, пытаясь открыть загадки света.

Домик в Сол Белвиль, х/м

Александр Маранов был принят в 1988 году в Союз Художников Узбекистана. Какое-то время преподает живопись в государственном театрально-художественном институте Ташкента

Замок Уорвик, х/м

В 1992 году художник, переживая личную драму, переезжает в Москву. Признается, что вышел из этого мучительного периода (когда «душа, как сплошной нарыв») только благодаря творчеству, полностью погрузившись в работу.

Старинная икона, х/м

После длительных тяжелых раздумий о миссии Художника, о смысле жизни, о Творце, появляется совсем другая живопись – лучезарная, залитая светом…сон наяву.

Светящиеся картины — живопись, залитая светом

 

Рапсодия

«….ко мне пришло знание, в один миг перевернувшее всю мою жизнь – мне открылось Сияние. Я мечтаю передать людям красоту Сияния, которое спасло меня и ввело в чудесный мир Красоты и Нежности, того, чего так недостает сейчас человеку и к чему он так стремится…»

Мир роз

Источником вдохновения часто являются впечатления от классической музыки (особенно Чайковского, Баха, Вивальди), от художественных произведений. Во время прослушивания музыки автор выключает свет, закрывает глаза и попадает под власть музыкальных волн. В этом состоянии он просматривает свою будущую картину сантиметр за сантиметром. Иногда для этого нужно несколько месяцев. Поэтому в год рождается всего 5-6 картин. Все работы художник Александр Маранов создает с радостью в душе и любит все, как любят родители своих детей.

Колыбельная, х/м

Одной из своих самых важных работ Александр  Маранов считает большой триптих «Сияние», который дал название всему циклу работ девяностых годов.

Триптих «Сияние» Александра Маранова

Триптих сияние, х/м

Это картины-видения, картины, состоящие из движущегося света. Они создаются в полном уединении, может поэтому автор называет их еще картины-медитации. Цикл «Сияние» создавался под музыку Баха. Для Александра  Маранова орган и скрипка – два инструмента великой красоты и силы. Художник утверждает, что под музыку видит в самых мельчайших деталях и во всех оттенках цвета эти картины, композиционно они уже выстроены, поэтому самую большую трудность представляет тщательная передача всех нюансов увиденного. Эту картину он «увидел» огромной – шесть на шесть метров, но получилась она в меньшем размере, так как размеры мастерской не позволили реализовать задуманное. Триптих «Сияние» художник писал 6 месяцев.

Танец весны, с\х

Начал весной, закончил, когда выпал ноябрьский снег.

Зимняя сказка, х/м

Как прошли эти полгода Александр Маранов  совсем не помнит. Мы уж встречали такое состояние «запоя» в интервью с Ростиславом Попским.
Новый цикл, который возник с началом нового тысячелетия, называется «Грань». Эта композиция наполнена движущимся светом, который создает изображение.

Цикл светящихся картин художника Александра Маранова «Грань»

Грань х/м

Задача художника, утверждает Александр Маранов, позвать за собой в духовный путь возрождения через красоту и гармонию нашего мира. А для этого надо отбросить суету дня, хоть несколько минут в день подумать о Вечном, об общечеловеческих ценностях, о прекрасном. Наполнить душу качественной литературой, классической музыкой, любовью…

Дерево х/м

Душа состоит из красоты, красота для Александра Маранова – это свет. «Из энергий Прекрасного, из энергий Света создан мир»,- утверждает художник.

Мироздание

В 1995 году художник был принят в Международную Федерацию Художников при ЮНЕСКО, он активно участвует в зарубежных и всесоюзных выставках. Его многочисленные персональные выставки пользуются неизменной популярностью.

Ива

Художник выставлялся на Кузнецком мосту в Доме Художника, в Рериховском музее, в ЦДХ на Крымском Валу, «LuxArt Salon», «Арт-Салон в Манеже», в частных галереях г. Москвы (начиная с 1995 года и по настоящее время).
Работы находятся в Московском музее Н.К., музее Востока в г. Ташкенте, в Ташкентской Академии художеств, в частных и корпоративных коллекциях в России, Германии, США, Испании, Франции, Хорватии, Италии, Швейцарии.

Орхидеи в стеклянной вазе

сайт автора

    Метки: картины художников     

Юные тверские художники активно участвуют в конкурсе открыток к 23 февраля

Юные художники из Тверской области вошли в число самых активных участников конкурса открыток к 23 февраля. Всего на Всероссийский детский конкурс рисунков «Защитники Отечества» поступило уже около 1,5 тысячи открыток. Творческое состязание проводится среди школьников 7-10 лет, 11-14 лет, 15-17 лет.

Среди участников от Верхневолжья – 11-летняя Евгения Атаманова, которая прислала рисунок «Мой папа – военный». 15-летняя Алена Скуматова отправила на конкурс картину «А поле здесь алое…».

Организаторы творческого состязания – Музей Победы и «ЮНАРМИЯ» продолжают прием заявок и предлагают юным художникам со всей страны присоединиться к конкурсу. Для участия необходимо нарисовать поздравительную открытку к 23 февраля. Все рисунки войдут в онлайн-выставку Музея Победы и будут опубликованы на официальном сайте музея 11 февраля. Интернет-пользователи смогут выбрать любую понравившуюся открытку и отправить ее по электронной почте своим близким, друзьям и коллегам с собственным текстом поздравления с Днем защитника Отечества.

Лучшие работы, выбранные экспертным жюри, станут основой для лимитированной серии праздничных открыток. Каждый желающий может присоединиться к конкурсу и отправить свою работу до 6 февраля, заполнив специальную форму по ссылке https://victorymuseum.ru/form/zachitniki-otechestva/

Открытка может быть выполнена в любой художественной технике – масло, акварель, тушь, карандаши, мелки, гуашь, коллаж, компьютерная графика. Рисунки должны соответствовать тематике конкурса, но простор фантазии организаторы не ограничивают – юные художники могут изображать героев прошлого и современных военнослужащих, оружие и технику, ордена и медали. А также главные символы праздника – георгиевскую ленточку, лавровую ветвь, звезду.

Итоги конкурса подведут 23 февраля. Победители получат наборы отпечатанных коллекционных открыток. 

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter

MCA — Главная

Новый

На сцене: Запутанность

Осенний рыцарь со зрителями в M___ER в DiverseWorks в Хьюстоне, штат Техас. 2018.

Фото: Линн Лейн.

Каждую весну MCA представляет ежегодный набор живых, цифровых и длительных перформансов, сформированных строгой и актуальной кураторской темой. В этом году набор фокусируется на том, как наши связи иногда мимолетны, а иногда устойчивы.Наши самые близкие отношения иногда исчезают, но короткая романтическая встреча может оставить память на всю жизнь. Даже мимолетное, случайное взаимодействие с незнакомцем может способствовать возникновению чувства связи и ответственности перед другими. То, как мы связаны с людьми и миром, влияет на каждую часть нашей повседневной жизни. В этом сезоне MCA On Stage три разных выступления связаны с нашими многочисленными сложностями.

Андреа Бауэрс

• 20 ноября 2021 г. – 27 марта 2022 г.

Андреа Бауэрс Церковные знамена (Объединенная методистская церковь Адальберто, Чикаго, член движения «Новое святилище») , 2007/2008 Бумага, цветной карандаш Диптих; Каждые 50 х 74 дюйма.(127 х 187,96 см)

Частная коллекция, Денвер, Колорадо. Предоставлено художником и Vielmetter Лос-Анджелес. Фото: Роберт Ведемейер

Уже более тридцати лет мультидисциплинарный визуальный художник Андреа Бауэрс (американка, 1965 г. р.) создает искусство, которое активизирует. Бауэрс работает в самых разных средах, от видео до цветных карандашей и инсталляций, и исследует насущные национальные и международные проблемы. Ее работа сочетает в себе художественную практику с активизмом и защитой интересов, говоря о глубоко укоренившемся социальном и политическом неравенстве, а также о поколениях активистов, работающих над созданием более справедливого мира.

Новое кураторское руководство

 Чикагский музей современного искусства объявляет о назначении двух новых руководителей своей кураторской команды: Рене Моралеса в качестве главного куратора Джеймса У. Альсдорфа и Джамиллы Джеймс в качестве старшего куратора Манилоу. И Моралес, и Джеймс займут свои должности в MCA в январе 2022 года. 

Рене Моралес

Фото: Карли Эванс

Полное руководство по различным художественным материалам — ARTDEX

«Тот, кто работает руками, и головой, и сердцем, тот художник» – св.Франциск Ассизский

На протяжении всей истории искусства люди использовали различные материалы для самовыражения. Художники всегда выбирали концепции и техники, которые соответствовали их навыкам и художественному выражению. Этот квест начался с пигментированного порошка, которым рисовали на стенах пещеры Альтамира, и прошел долгий путь до внедрения современных технологий в создание искусства.

Наш исчерпывающий путеводитель по художественным материалам расскажет вам о различных художественных материалах, которые люди использовали с течением времени.В нем также будет указано, на чем вам следует сосредоточиться при выборе идеального средства для вашего изобразительного искусства. Следующая статья поможет вам выбрать художественное средство, которое лучше всего подходит вам, независимо от того, начинаете ли вы художественную карьеру, выбираете художественную школу или хотите заново изобрести свой художественный стиль.

Деталь из Идеализированный портрет дамы (1480), яичная темпера на панели из тополя, автор SANDRO BOTTICELLI (1445-1510) | Источник: artyfactory.com

Различные типы традиционной живописи и стилей рисования

Из-за большого разнообразия техник рисования и стилей рисования средства для рисования и инструменты для рисования требуют отдельного раздела в любом всеобъемлющем руководстве по различным художественным средствам.Существует множество поверхностей, на которых можно рисовать и рисовать.

Темпера

Темпера — это термин, обозначающий краску, смешанную со связными материалами, такими как яичный желток, и описывающий стиль живописи и художественную среду. Этот материал делает темперу быстросохнущей и долговечной художественной средой.

Картина маслом

Это традиционная художественная техника, получившая признание в качестве художественного средства в Европе 15-го века.Масляные краски, как следует из названия, обычно содержат льняное масло, из-за чего они сохнут медленнее, чем другие. Длительное время высыхания является преимуществом использования масляной живописи в качестве художественного средства. Он предлагает художникам возможность изменить некоторые сегменты своей работы или вообще нарисовать другую сцену, добавив еще один слой краски на холст.

Акриловая краска

Что касается времени высыхания, то акриловые краски сохнут быстро, в отличие от масляной живописи, и после высыхания становятся водостойкими.Однако перед нанесением на холст акриловую краску можно развести водой, чтобы добиться эффекта гуаши или акварели. Рисование акрилом позволяет художникам добавлять слои или текстуры к своим работам, усиливая глянец и придавая им глубину. Или они могут добавлять воду, чтобы добиться матового эффекта на своих картинах.

Акварель

Использование акварельных красок в качестве художественного средства может оказаться сложной задачей для новичков в мире искусства. Многие художники любят акварель из-за ее, казалось бы, бесконечной цветовой палитры.После того, как вы нанесете их на бумагу, вы мало что сможете сделать, чтобы изменить результат. Тем не менее, акварель придает картинам полупрозрачность и идеально подходит для передачи смены освещения.

Древесный уголь

Это один из старейших художественных средств, используемых для рисования. Угольные палочки изготавливаются из порошкообразного органического материала, связанного воском или камедью. Вы можете использовать уголь, чтобы сделать как бледные линии, так и сильные, выразительные. Этот художественный материал легко стирается, поэтому рекомендуется наносить на рисунки углем некоторые фиксаторы, чтобы обеспечить долговечность работы.

Пастель

Эти художественные материалы состоят из красящего пигмента, подобного масляным краскам, и связующего материала. Использование пастели в рисунке и живописи стало популярным в 18 веке. Художники могут использовать комбинацию разных пастелей в зависимости от эффекта, которого они хотят достичь. Например, мягкие пастели отлично подходят для растушевки, а твердые пастели используются для создания четких контуров или набросков более крупных композиций. Есть также панпастель, современная версия этого художественного материала, наносимая мягкой губкой.Вы можете работать с масляной пастелью, которая обеспечивает интенсивность цветов, или с водорастворимой пастелью, если вам нужны более тонкие слои полупрозрачных цветов, которые легко смешиваются.

Мел

Вот еще один органический материал, который художники использовали для рисования со времен палеолита. Художественный мел обычно бывает трех видов: черный, белый и сангина, в зависимости от материала. Черный мел содержит мягкий черный камень, белый — из известняка, а сангвиник — красную охру.Первоначально мелки использовались для черчения, но в эпоху Возрождения они стали самостоятельным художественным средством.

Графитные карандаши

Они использовались в качестве художественного средства с 17-го века во Франции. Вы можете использовать графит для набросков, обводки или затенения. Существуют графитовые карандаши разной твердости, которые можно использовать для создания изобразительного искусства. Это удобное художественное средство, потому что оно позволяет вам переделывать свою работу, стирая части рисунка или всю работу целиком.

Цветные карандаши

Все в детстве использовали цветные карандаши для рисования и раскрашивания, делая первые попытки творческого самовыражения. Цветные карандаши прошли долгий путь от детской игрушки до профессионального искусства. Они завоевали значительное внимание и уважение в мире современного искусства из-за многочисленных преимуществ, которые они предлагают. Картины цветными карандашами выразительны, глубоки и люминесцентны. В то же время эта художественная среда дает художникам возможность создавать фотографически реалистичные произведения искусства.

Перо и чернила

Это также знакомое художественное средство, где вы используете перо для обводки и добавления цвета в художественных формах, таких как рисование пером или ручная надпись и каллиграфия. Вы можете выбирать между различными типами ручек, такими как графические ручки, перьевые ручки или ручки для черчения, в зависимости от того, что вы хотите с ними делать. Чернила — мощное, но неумолимое художественное средство, поэтому вам действительно нужно овладеть навыками рисования тушью, прежде чем вы начнете творить с его помощью. Что делает произведения искусства пером и тушью такими выразительными, так это соотношение пустых и заполненных тушью мест на бумаге.

Теперь мы собираемся двигаться дальше и исследовать, какие другие типы художественных средств художники использовали на протяжении всей истории для выражения своих идей и эмоций.

Уникальные формы непрерывности пространства Умберто Боччони (1912–1913) с разных точек зрения, через zbrushcentral.com | Источник: antheamissy.com

Эволюция трехмерного искусства

Наиболее распространенным определением трехмерного произведения искусства является произведение искусства, которое можно наблюдать в измерениях высоты, ширины и глубины.С незапамятных времен люди создавали скульптуры, используя различные концепции, техники и художественные материалы. Инсталляции, перформанс и декоративно-прикладное искусство также попадают в эту категорию наряду со скульптурой, которая является воплощением трехмерного искусства.

Древнейшее произведение трехмерного искусства – скульптура Венеры Берехат Рам. Эта высеченная из камня фигура датируется 230 000 лет до нашей эры. Он представляет собой символ женского плодородия и является одной из многочисленных подобных фигур, разбросанных по Европе.Считается, что эти первые образцы доисторических скульптур играли важную роль в ритуалах и церемониях.

Три стандартных типа скульптур, признанных миром искусства:

• Отдельно стоящая скульптура, на которую можно смотреть с любой стороны и под любым углом, обойдя ее.
• Барельеф – это когда форма вырезается так, что она слегка выделяется на фоне исходного материала.
• Формы высокого рельефа вырезаются так, чтобы выделяться на фоне.

Самыми традиционными художественными материалами, используемыми для создания трехмерных произведений искусства, были дерево и камень. В настоящее время вы можете использовать современные материалы, такие как стекло, пенопласт и пластик, чтобы превратить их в настоящее произведение искусства. Художники используют множество техник для создания трехмерной интерпретации своего художественного видения.

Резьба – вырезание кусков материала, обычно дерева или камня, до создания нужной формы.

Литье  – заливка жидкого художественного материала, такого как железо, в специально разработанные формы для разработки частей большой скульптуры.

Моделирование  – манипулирование и преобразование мягких художественных материалов, таких как глина или гипс, и придание им желаемой формы. Современные художники также используют различные методы моделирования для создания фантастических произведений искусства из стекла.

Строительство  – это творческий процесс, в ходе которого художники собирают скульптуру, комбинируя различные материалы и используя клей, проволоку или сварку, чтобы соединить элементы.

Новое время принесло современные вариации трехмерного искусства.Например, стекло стало важным художественным средством, используемым в скульптуре, инсталляции и декоративно-прикладном искусстве. Концепции и приемы, используемые при создании произведений искусства из стекла, определяют их тип. Многие формы искусства из стекла включают использование техник горячего стекла, таких как выдувное стекло, скульптурное стекло и литье стекла. Как следует из названия, художники работают с горячим стеклом, придавая ему форму путем выдувания или отливки в формы.

Творческий процесс теплого стекла включает нагревание стекла в печи или печи для обжига. Два основных метода изменения формы теплого стекла — это оплавление и оплавление.

Вы также можете работать с холодным стеклом для создания произведений искусства. Вы можете шлифовать, полировать или гравировать стекло, чтобы получить желаемый эффект. Существует также техника травления, которую вы можете применить в художественном стекле, чтобы изменить текстуру стекла. Этого можно добиться с помощью пескоструйной обработки или травления кислотой.

Еще одна из этих современных версий — искусство инсталляции, где художники комбинируют аудиовизуальные эффекты и различные материалы для решения важных проблем, которые их волнуют. Художественные инсталляции могут быть посвящены, например, политике, правам человека или окружающей среде.Наиболее распространена световая инсталляция, где свет и скульптура смешиваются, создавая великолепный художественный эффект.

Художники, занимающиеся перформансом, используют свои тела или тела других участников в качестве идеального средства для выражения своих основных ценностей и передачи своего уникального послания публике.

Слева: Пабло Пикассо – Макет для гитары, 1912 год / Справа: Макет для гитары на выставке скульптур Пикассо в Музее современного искусства | Источник: widewalls.ch

Техники смешанной техники и нетрадиционное художественное выражение

Искусство продолжает развиваться, выводя на сцену многочисленные авангардные художественные направления.Художники, которые хотят выделиться, ищут нетрадиционные художественные средства, которые выражают их эстетические принципы и бросают вызов глубоко укоренившимся определениям изобразительного искусства.

Искусство смешанной техники основано на идее, что вы можете использовать что угодно и что угодно для создания удивительного произведения искусства. Пикассо и Брак впервые использовали различные материалы и предметы быта для создания инстинктивных коллажей как удивительных примеров смешанной техники.

• Коллажи — это произведения искусства, которые можно создавать, комбинируя различные материалы, такие как бумага, ткань, вырезки из газет и предметы повседневного обихода, для создания уникальных произведений искусства. Вы даже можете создать цифровой коллаж из произведений искусства онлайн.
• Сборка — это трехмерная версия смешанной техники, созданная путем размещения различных объектов и материалов на определенной поверхности. Такие художники, как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, приняли его как антиэстетический подход к созданию искусства сборки, который стал широко использоваться в 1950-х и 1960-х годах.
• Найденные предметы — это форма смешанной техники, в которой художники используют повседневные предметы и превращают их в произведения искусства, помещая их в определенную художественную концепцию.
• Измененные книги Техника включает в себя физическое изменение книги и использование ее в качестве носителя в художественном процессе. Вы можете вырезать страницы книги, чтобы изменить ее, или вы можете использовать вырезанные страницы как материал для отдельных иллюстраций.
• Художественный журнал представляет собой способ обогатить ваши записи различных событий, воспоминаний и мыслей, добавив к ним художественный штрих. Вы можете использовать широкий спектр художественных концепций и методов в художественном журнале смешанного медиа, или вы можете активизировать свою игру и начать с ведения журнала смешанного медиа, также называемого журналированием мусора.Эта версия художественного журнала включает в себя различные предметы, такие как открытки, билеты на концерты, ленту васи, декоративную бумагу или фотографии из журналов. Вы можете использовать различные предметы из вторсырья в качестве подсказок для художественного журнала. Вы можете начать с ведения журнала цифрового искусства, если вы являетесь ярым поклонником цифровых технологий и изучаете широкие возможности применения технологий в создании произведений искусства.

Фотография как искусство

С момента своего изобретения фотография оказала значительное влияние на то, как люди воспринимают историю и повседневную жизнь.Эта мощная среда сохранила некоторые захватывающие моменты времени, чтобы отметить периоды новаторских социальных изменений.

Развитие технологий предоставило людям многочисленные возможности для выражения своих художественных принципов с помощью фотографии. У художников есть возможность повлиять на конечную презентацию, выбирая различные камеры, объективы или пленки и устанавливая параметры кадрирования и времени перед съемкой. Фотооборудование и методы, используемые в творческом процессе, в значительной степени зависят от предмета, тона и первоначального впечатления, которое художник хочет создать своей работой.Например, художники-портретисты, которые сосредотачиваются на съемке отдельных объектов, выберут более крупные камеры с малой глубиной резкости, чтобы удерживать фокус на объекте. Пейзажные фотографы выберут совершенно противоположную камеру и технику.

То же самое касается выбора черно-белого изображения, а не цвета. Черно-белая фотография оставляет неизгладимое впечатление, привлекая внимание к линиям, текстуре и тону.

• Документальная фотография предназначена для того, чтобы запечатлеть значимые моменты истории или повседневной жизни, чтобы точно передать эпоху. Этот вид фотографии тесно связан с фотожурналистикой и играет важную роль в освещении острых социальных проблем.
• Пейзажная фотография возникла из пейзажной живописи. Здесь фотографы сосредотачиваются на окружающей среде, фотографируя природные и городские окрестности и используя методы кадрирования и кадрирования для создания необычных композиций.
• Портретная фотография существует с момента изобретения дагерротипа. Этот стиль художественной фотографии заменил портретную живопись как гораздо более быстрый и доступный способ запечатлеть чей-либо образ.Технический прогресс позволил художественным фотографам выйти на улицу и использовать естественное окружение и свет для создания завораживающих портретов.
• Фотография обнаженной натуры восходит к изобретению этого художественного средства, и фотографы обнаженной натуры изначально хотели пробудить классический идеал красоты, представляя свои объекты в виде нимф или древних героев. В отличие от этого, авангардистская обнаженная натура представляла человеческое тело как независимую сущность, освобожденную от всех художественных условностей.
• Цифровая фотография появилась с появлением цифровых технологий, предлагая множество новых возможностей для создания фантастических произведений искусства.Теперь фотографы могут создавать, редактировать и ретушировать свои работы с помощью передовых программ и приложений.

Художник Рефик Анадол использует большие коллекции данных и алгоритмы машинного обучения для создания завораживающих и динамичных инсталляций. | Автор Wired на YouTube

Передовые технологии обеспечивают исключительные художественные среды

Настало время беспрецедентного прогресса цифровых технологий. Идея использования новых компьютерных технологий в создании искусства появилась в шестидесятых годах с появлением первых образцов цифрового искусства.Позже некоторые энтузиасты техники и искусства начали использовать цифровые технологии в своих художественных инсталляциях. Но новаторским событием, которое открыло новые миры цифровым художникам, стало появление и расцвет Интернета в девяностых. Это позволило художникам создавать свое искусство и представлять его мировой аудитории, используя различные платформы социальных сетей.

В настоящее время на сцене современного искусства наблюдается бум художников, которые включают инновации цифровых технологий в свои художественные инсталляции, чтобы выразить свою обеспокоенность важными проблемами.Некоторые художники используют лазеры для создания фантастических мультимедийных проектов, представляющих собой идеальное сочетание света и звука. Другие используют 3D-принтеры для воплощения своих художественных замыслов и создания запоминающихся художественных представлений. Таким образом, передовые технологии заново изобретают художественную сцену, вводя необычные художественные средства в качестве средства художественного выражения.

Заключительные слова

Мы составили это полное руководство по различным средствам, которые вы можете использовать при создании своего искусства, чтобы представить краткий обзор различных художественных средств на протяжении всей истории искусства.Мы также сосредоточились на основных вопросах, на которые вам нужно ответить, прежде чем вы начнете искать идеальный материал для своего произведения искусства. Независимо от того, делаете ли вы свои первые шаги в мире искусства или являетесь опытным художником, ищущим свежее художественное самовыражение, вам нужно мудро выбирать среду.

Материалы, которые вы будете использовать для создания произведений искусства, должны отражать вашу уникальную идею и оригинальное послание, которое вы хотите отправить миру. Кроме того, убедитесь, что вы используете материалы, с которыми вам нравится работать, потому что создание произведений искусства должно приносить художнику радость и удовлетворение, а не заставлять его постоянно бороться. Имея это в виду, вы можете выбрать художественную среду, которая будет соответствовать вашей художественной индивидуальности.

11 предметов повседневного обихода, превращенных в выдающиеся произведения искусства

С тех пор, как самые первые художники расписали стены пещер минеральными пигментами и глиной, люди создавали произведения искусства из самых простых материалов. Выделенные здесь практики являются современными аналогами тех первых художников, которые используют самые обычные и обыденные материалы для создания произведений искусства, которые часто не только дают восхитительные визуальные впечатления, но и содержат далеко идущие идеи.Почти волшебная трансформация, происходящая при массовом накоплении этих предметов, является частью давней традиции художников-обманщиков, использующих оптическую ловкость рук. Материалы, выбранные этими художниками, — это все предметы, которые служат определенной цели, от которой художник отказывается, решив поднять обыденное до уровня изобразительного искусства и растворить границы между «высокими» и «низкими» формами культуры.

Тара Донован, Блаффс (2006). Авторское право Тара Донован, любезно предоставлено галереей Pace.

1.  Bluffs  (2006), Tara Donovan
В этом произведении ,  американская художница Тара Донован создала скульптуру, полностью сделанную из пластиковых пуговиц и клея. Благодаря простому укладыванию получается так, что сталагмит, сделанный из кристаллов, просто вырвался из пола галереи. Донован хорошо известна своими крупномасштабными скульптурами, в которых для создания органических форм используются купленные в магазине материалы, такие как зубочистки, соломинки для питья, пластиковые стаканчики и скотч.Ее работы заслужили множество наград, таких как премия Колдера в 2005 году и награда «Гений» Фонда Макартуров в 2008 году, а также персональные выставки в нью-йоркском Метрополитен-музее и Музее Хаммера Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе. Чтобы построить свои востребованные скульптуры, Донован неоднократно использует один и тот же материал, пока он не станет формой, напоминающей фракталы или улей.

Вим Дельвуа, Без названия (2013). Предоставлено автором, ©Вим Дельвуа.

2. Без названия (2012), Вим Дельвуа

Вим Дельвуа когда-то считался enfant ужасно мира современного искусства — во многом благодаря тому, что он использовал необычные материалы и беззастенчиво высмеивал нравы арт-истеблишмента.Произведения Дельвуа сочетают в себе условности вульгарности, красоты и вкуса; он ниспровергает предполагаемое использование объектов, чтобы показать сложную красоту, которая часто раздражает. В своей серии «Pneu» художник вручную вырезает резиновые автомобильные шины с мотивами, завитые цветы и извилистые лозы которых напоминают декор в стиле модерн. Анахроничный орнамент, который Дельвуа применяет к шинам, еще больше подчеркнулся, когда они были выставлены в Лувре в рамках выставки 2012 года.

Гюнтер Юкер, Белое поле (1964).Фото предоставлено Тейт Модерн.

3. Белое поле  (1964), Гюнтер Юкер
Немецкий художник, сценограф и член группы ZERO Гюнтер Юкер изучает свет и оптику, чтобы создавать завораживающие произведения абстрактного искусства, и все, что ему нужно в его студии, – это молоток. и несколько гвоздей. В таких работах, как White Field (1964), он берет сотни гвоздей и создает атмосферные образы, полные движения и напряжения. Его подход частично основан на его интересе к системам мысли, таким как буддизм и даосизм, которые он считает ценными простотой и чистотой.Медитативные работы Юккера заняли места в крупных коллекциях, в том числе в Институте искусств Курто в Лондоне и Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Герра-де-ла-Пас, Оазис (2016). Индивидуальная инсталляция в Чикагском культурном центре.

4. Oasis (2016), Гуэрра-де-ла-Пас
Сотрудничая с 1996 года, дуэт кубинских художников Ален Герра и Неральдо де ла Пас начал с создания инсталляций из ингредиентов, извлеченных из мусорных баков компаний Майами, которые отправляйте подержанную одежду.Многие из их самых знаковых работ трансформируют бывшую в употреблении одежду; тот, что изображен здесь, объединяет их в волшебный сад с деревьями, возвышающимися над очаровательными цветами. Художникам были предоставлены выставки в таких местах, как Галерея Саатчи в Лондоне; Художественный музей Куруяма, город Ояма, Япония; Галерея Даниала Махмуда в Нью-Йорке; Музей современного искусства Каракаса; и Центр искусств Гайд-парка в Чикаго.

Такахиро Ивасаки, Geo Eye (Пик Виктория) (2012). Изображение предоставлено URANO и художником.

5. Geo Eye (Пик Виктория) (2012), Takahiro Iwasaki
Тщательная резьба Geo Eye (Пик Виктория) превращает верхнюю бытовую клейкую ленту в холст. в Хиросиме в 1975 году Ивасаки был описан как типичный японский художник, предпочитающий медленные, часто трудоемкие процессы, которые приводят к детальным конструкциям. Он будет представлять Японию в национальном павильоне на Венецианской биеннале 2017 года, где его мастерство будет представлено на мировой сцене.

Francesca Pasquali, Red Straws , 2015. Фото предоставлено галереей Leila Heller.

6. Red Straws (2015), Francesca Pasquali
Художница из Болоньи Francesca Pasquali берет бесчисленное количество разноцветных пластиковых соломинок, воздушных шаров и резинок и превращает их в красочные произведения искусства, в которых синтетические материалы повторяют органические формы. В таких скульптурах, как Красный  Соломинка , Паскуали сочетает множество простых пластиковых трубок, чтобы создать волнистую поверхность, напоминающую формы в природе.Ее соломенные скульптуры находятся в Художественной коллекции Гислы в Локарно; Museo Diocesano, Брешия; и MAR Museo d’Arte d’Arte d’Arte d’Citta, Равенна. Паскуали был финалистом Каирской премии 2015 года и выставлялся во многих столицах искусства мира, включая Лондон, Нью-Йорк, Берлин, Париж и Венецию.

Эль-Анацуи, Городской участок (2010 г.). Предоставлено галереей Джека Шейнмана.

7. City Plot (2015), Эль Анацуи 
Как один из самых известных художников конца 20-го века, Эль Анацуи установил высокую планку для поэтического использования обыденных материалов. Его работы касаются потребления, окружающей среды и истории колониализма. Родившийся в Гане, Эль Анацуи собирает металлолом с местных станций переработки, сплетая крышки от бутылок и медную проволоку в таких работах , как City Plot (2010), чтобы создавать блестящие и красочные формы, которые висят на стене, как сложенные гобелены. Эль Анацуи получил большое признание, в том числе награду «Золотой лев» за заслуги перед жизнью на Венецианской биеннале 2015 года, а его скульптуры находятся во многих музеях, в том числе в Музее современного искусства и Метрополитен-музее в Нью-Йорке, Центре Помпиду. в Париже и Музее искусств округа Лос-Анджелес.

Federico Uribe I Am Not Bambi (2016) Изображение: предоставлено художником и галереями Adelson.

8. Я не Бэмби  (2016), Федерико Урибе
Родившийся в Боготе, Колумбия, Федерико Урибе начал свою карьеру художника в своей родной Южной Америке, прежде чем переехать в Нью-Йорк, а затем в Майами, где он и живет. базируется в настоящее время. Отказавшись от рисования, Урибе начал собирать безделушки и систематизировать их по цвету и форме, что позволило ему увидеть потенциальное единство, которое может возникнуть в результате последовательного повторения.Скульптуры Урибе сделаны из цветных карандашей, монет, шурупов, пластиковых столовых приборов и прищепок. В 2015 году он организовал выставку под названием «Мы в мире», наполненную причудливыми скульптурами животных, сделанными из тысяч гильз, в попытке привлечь внимание к насилию с применением огнестрельного оружия и превратить объект, ассоциирующийся с ужасом и смертью, в единое целое. красоты.

Джессика Дренк, Орудия 3 (2011 г.). Предоставлено художником, © Джессика Дренк, 2016.

9. Приспособления 3 (2011),  Джессика Дренк
Серия «Приборы» создается путем склеивания тысяч карандашей вместе в виде большой массы, которую Дренк затем формирует с помощью электрического шлифовального станка, чтобы сформировать сосуды, похожие на жеоды. .О серии художник говорит, что «каждое произведение демонстрирует контраст между искусственной геометрией внутри и внешним воплощением естественных форм и текстур». В результате снаружи мы видим растянутое и увеличенное ядро, сливающееся в массу дерева и свинца, отшлифованную до гладкости, в которой находится кратер из незаостренного нет. 2 карандаша внутри, сложенные вместе в виде сот.

Кадер Аттиа, Без названия (Гардая) (2009). Изображение предоставлено художником и Lehmann Maupin, Galerie Nagel & Draxler

.

10. Untitled (Ghardaïa) (2009), Kader Attia
В зале «Живые города» лондонской галереи Тейт Модерн Кадер Аттиа сконструировал масштабную модель древнего города Гардая в алжирской долине Мзаб, полностью выполненную кускуса. Напоминающие гигантский замок из песка, жемчужные зерна плотно упакованы, образуя геометрические фигуры, приближающиеся к архитектуре города. Работа представляет собой комментарий к часто непростым отношениям между восточной и западной культурами, и, используя пищевой продукт, который является основным продуктом питания в Северной Африке, для приближения к архитектуре, которая во многом обязана европейской архитектуре, он привлекает наше внимание к внутренней напряженности. Аттиа сказал, что «архитектура — это архив, и, как и любой другой архив, она «авторитарна»… но у этого авторитета есть уязвимость, которую может раскрыть искусство», и поэтому его использование органического материала, предназначенного для разрушения и разложения, представляет собой Аттиа. вопросы о природе самой власти.

Ник Кейв, «До» (2016), инсталляция, MASS MoCA. Фото Джеймса Принца, предоставлено MASS MoCA.

11. До (2016 г.) Ник Кейв
Ник Кейв широко известен своими интерактивными «Звуковыми костюмами» — переносными скульптурами, состоящими из красочных подержанных предметов и органических материалов.Многие из костюмов были задуманы после травмирующих социальных событий — первая итерация, сделанная в 1992 году, была реакцией Кейва на избиение Родни Кинга — и, используя обломки современной жизни, художник сохраняет определенный момент времени. внутри каждого костюма. На недавно установленной выставке «Пока» в Mass MoCA Кейв «помещает вас в брюхо звукового костюма ». По всей галерее Кейв установил миллионы пластиковых бусин, 16 000 ветряков и тысячи шнурков, чтобы создать захватывающий опыт — взрыв цвета, текстуры и звука.

Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

О современном искусстве (Образование в Гетти)

Примечание. Слова, выделенные жирным шрифтом ниже, определены в глоссарии для этой учебной программы (см. ссылки «Для класса»).

Строго говоря, термин « современное искусство» относится к искусству, созданному и произведенному художниками, живущими сегодня.Современные художники работают и реагируют на глобальную среду, культурно разнообразную, технологически продвинутую и многогранную. Работая в широком диапазоне средств , современные художники часто размышляют и комментируют современное общество. При взаимодействии с современным искусством зрителям предлагается отбросить такие вопросы, как «Хорошо ли произведение искусства?» или «Является ли работа эстетически приятной?» Вместо этого зрители думают, является ли искусство «сложным» или «интересным». Современные художники могут подвергать сомнению традиционные представления о том, как определяется искусство, что представляет собой искусство и как создается искусство, создавая диалог со стилями и движениями, существовавшими до них, а в некоторых случаях и отвергая их.

С начала 20 века некоторые художники отошли от реалистического изображения и изображения человеческой фигуры и все больше уходят в сторону абстракции. В Нью-Йорке после Второй мировой войны мир искусства придумал термин «абстрактный экспрессионизм», чтобы охарактеризовать направление в искусстве, которое не было ни полностью абстрактным , ни экспрессионистским. Тем не менее, движение призвало художников уделять больше внимания процессу создания искусства, а не конечному продукту. Такие артисты, как Джексон Поллок, довели искусство до хореографических высот, капая краской величественными, но спонтанными жестами. Как заметил один критик, холст был ареной, на которой можно было действовать: «то, что происходило на холсте, было не картиной, а событием». Это представление об искусстве как о событии возникло из движения под названием абстрактный экспрессионизм , которое сильно повлияло на последующие художественные движения и продолжает вдохновлять художников, живущих сегодня.

Современные художники, работающие в рамках постмодернистского движения , отвергают концепцию мейнстримного искусства и принимают понятие «художественный плюрализм», принятие различных художественных намерений и стилей.Независимо от того, находятся ли они под влиянием перформанса , поп-арта, минимализма, концептуального искусства или видео или основаны на них, современные художники используют бесконечное разнообразие материалов, источников и стилей для создания искусства. По этой причине сложно кратко обобщить и точно отразить сложность концепций и материалов, используемых современными художниками. В этом обзоре рассказывается о некоторых современных художниках, чьи работы выставлены в музее Гетти, и о концепциях, которые они исследуют в своих работах.

	Образец (по Дюреру) , Джон Балдессари, 2000 г. Анджелес

Современные художники, как и многие художники, которые им предшествовали, могут признавать и черпать вдохновение в произведениях искусства предыдущих периодов времени как в предмете, так и в формальных элементах.Иногда это вдохновение принимает форму присвоения . Художник Джон Бальдессари «позаимствовал» изображение жука-оленя 1505 года у немецкого художника Альбрехта Дюрера и сделал его своим. Используя современные материалы (струйная печать на панели из стекловолокна), Бальдессари сопоставил оригинальное изображение со скульптурой в виде гигантской стальной булавки. Вставляя стальной штифт в холст, Baldessari комбинирует материалы очень современным способом.

В 1960-х художники начали обращаться к видео, чтобы дать новое определение изобразительному искусству.С помощью видеоарта многие художники бросили вызов предвзятым представлениям об искусстве как о дорогостоящем, высокоинтеллектуальном и понятном только элитным членам общества. Видеоарт — это не обязательно вид искусства, которым люди хотели бы владеть, а скорее опыт. Продолжая тенденцию переосмысления прежних идей и идеалов об искусстве, некоторые современные видеохудожники стремятся покончить с понятием искусства как товара. Художники, обращающиеся к видео, использовали художественную форму как инструмент для изменений, средство для идей.Некоторое видеоискусство открыто признает силу телевидения и Интернета, тем самым открывая двери в мир искусства массам.

Такие художники стремятся возвысить процесс создания искусства и выйти за рамки представления о том, что искусство следует ценить только как эстетически приятный продукт. Видеоарт иллюстрирует это, поскольку зритель наблюдает за произведением в процессе его создания; они наблюдают, как разворачивается процесс. Видеоинсталляции сочетают видео со звуком, музыкой и/или другими интерактивными компонентами.В фильме Николь Коэн «, пожалуйста, садитесь, » зрителей просят быть активными участниками. Используя инновационные видеотехнологии, участники могут сидеть на точных копиях французских стульев 18-го века и смотреть телеэкраны, в которых они виртуально вставлены в исторические воссоздания французских пространств 18-го века. В то время как традиционные произведения искусства находятся в галереях с табличками «Не трогать», Коэн приглашает вас физически принять участие. Таким образом, зритель становится частью произведения искусства.

Роберт Ирвин — еще один художник, стремившийся привлечь внимание зрителя, что можно увидеть в его саду в Центре Гетти. В Центральном саду, который Ирвин игриво назвал «скульптурой в форме сада, стремящегося стать искусством», зрители могут увидеть лабиринт из растений, камней и воды. Здесь посетители полностью погружаются в ощущение пребывания внутри произведения искусства. Обоняние, осязание и звук сопоставляются с цветами и текстурами сада.Вся листва и материалы сада были выбраны так, чтобы подчеркнуть игру света, цвета и отражения. Заявление Ирвина «Всегда меняется, никогда не повторяется дважды» высечено на полу площади, напоминая посетителям о постоянно меняющейся природе этого живого произведения искусства. Таким образом, Ирвин опровергает представление о том, что произведение искусства должно быть нарисовано на холсте. Скорее природа может быть искусством.

Создавая сад специально для Центра Гетти, Ирвин занимается специфическими для участка произведениями искусства.Многие современные художники, создающие работы для конкретных мест, перемещают искусство из музеев и галерей в сообщества, чтобы решать социально значимые проблемы и / или повышать общественное сознание. В случае с садом Ирвина и That Profile Мартина Пурье (также выставленным в Центре Гетти) музеи заказывают произведения искусства для улучшения и включения окружающей среды. Профиль , расположенный на площади у подножия лестницы, ведущей в музей, имитирует сетку самого здания Центра Гетти.При весе 7500 фунтов That Profile огромен. Однако изящные и изогнутые линии работы обладают «легким и воздушным» качеством, которое выгодно подчеркивает окружающие горы и виды на океан, видимые с площади Гетти.

Вопросы типа «Что такое искусство?» и «Какова функция искусства?» являются относительно новыми. Создание искусства, которое бросает вызов зрительским ожиданиям и художественным условностям, — это отчетливо современная концепция. Однако художники всех эпох являются продуктами своих родственных культур и периодов времени.Современные художники имеют возможность выражать себя и реагировать на социальные проблемы так, как не могли художники прошлого. Знакомясь с современным искусством в Центре Гетти, зрители используют другие критерии для оценки произведений искусства, чем те, которые использовались в прошлом. Вместо того, чтобы спрашивать: «Мне нравится, как это выглядит?» зрители могут спросить: «Нравится ли мне идея, представленная этим художником?» Непредвзятость имеет большое значение для понимания и даже оценки искусства нашей эпохи.

Кто из известных современных художников использует цветные карандаши? – СидмартинБио

Кто из известных современных художников использует цветные карандаши?

Сесиль Бэрд создает потрясающие произведения современного реализма цветными карандашами, которые легко можно спутать с картинами маслом. Она явно является лидером в том, чтобы превратить цветной карандаш в сферу законного изобразительного искусства.

Кто известный скетчер?

Зарисовки известных художников Леонардо да Винчи, Зарисовки Леонардо, на Ретинарте; Леонардо да Винчи (1452-1519) был итальянским художником эпохи Возрождения, чьи знания и опыт также включали многие другие области, такие как архитектура, математика, музыка, изобретения, инженерия, анатомия и многие другие.

Винсент Ван Гог рисовал акварелью?

Помимо наиболее известных картин маслом, Винсент Ван Гог за свою жизнь написал около 150 акварельных картин. Хотя часто ему не хватает характерной текстуры мазка кисти, акварели безошибочно напоминают Ван Гога в использовании смелых, ярких цветов.

Кто такой арт VEXX?

Винс Окерман, более известный как VEXX, — 22-летний начинающий художник и аниматор из Гента, Бельгия, который собрал тысячи подписчиков в социальных сетях благодаря своим вирусным мультипликационным анимациям и произведениям искусства.VEXX готовится к запуску своей первой коллекции токенизированных цифровых произведений искусства на Nifty Gateway.

Кто лучше всех рисует цветными карандашами?

Есть так много разных художников, рисующих цветными карандашами, которые создают так много разных видов искусства… Лучшие художники, работающие с цветными карандашами, которые вас вдохновят

1. Энн Кульберг.
2. Николь Колфилд.
3. Морган Дэвидсон.
4. Арлин Стейнберг.
5. Венди Блэквелл.
6. Анна Хаммер.
7. Дженни Томзински (Jeniiiiit)
8. Кит Макдауэлл.

Кто из известных акварелистов?

Знаменитые акварелисты, которых вы должны знать

• Джон Джеймс Одюбон (1785–1851)
• Элизабет Мюррей (1815–1882)
• Томас Моран (1837–1926)
• Уинслоу Гомер (1836–1910)
• Джон Сингер Сарджент (1856–1925)
• Джорджия О’Киф (1887–1986)
• Пауль Клее (1879 – 1940)
• Чарльз Демут (1883–1935)

Мона Лиза — это рисунок?

Новое исследование Моны Лизы выявило следы наброска углем, что впервые позволяет предположить, что Леонардо да Винчи использовал подготовительный набросок для создания знаменитого портрета.

Кто самый известный рисунок в мире?

Любой список самых известных картин был бы неполным без упоминания Моны Лизы Леонардо да Винчи. Этот печально известный портрет Лизы дель Джокондо был написан где-то между 1503-1519 годами и в настоящее время выставлен в Музее Лувра в Париже.

The Ultimate Top 100 Modern & Contemporary Artists — CAI

Введение: The Ultimate Top 100 Modern & Contemporary Artists

С помощью инструмента аналитического исследования Artfacts можно ранжировать художников по объективным данным и фактам карьеры.В результате алгоритм представляет аргументированный обзор самых влиятельных художников. При этом мы отредактировали окончательный список самых важных современных и современных художников в мире. Artfacts следит за постоянно меняющимся ландшафтом мира искусства. В этой статье мы представляем вам вскрытие самого высокого яруса этого художественного ландшафта. Итак, давайте начнем с ответа на главный вопрос здесь. Кто самые известные современные и современные художники на данный момент?

Самыми известными современными и современными художниками являются Энди Уорхол, Пабло Пикассо, Герхард Рихтер, Йозеф Бойс, Брюс Науман, Синди Шерман, Луиза Буржуа, Георг Базелиц, Зигмар Польке и Томас Рафф.

Однако, по моему скромному мнению, эта десятка очень взаимозаменяема с десятками других артистов, которые также заслуживают места в этом списке. По этой причине мы считаем первую десятку слишком произвольной и нерепрезентативной для такого большого запроса, как самые влиятельные современные и современные художники.

Таким образом, мы добавили в эту статью следующих художников, что привело к окончательному списку сотни самых важных художников современной и современной эпохи; Эрвин Вурм, Роберт Раушенберг, Джон Балдессари, Вольфганг Тильманс, Лоуренс Вайнер, Сол Левитт, Розмари Трокель, Уильям Кентридж, Эд Руша, Вали Экспорт, Фрэнсис Элис, Арнульф Райнер, Нам Джун Пайк, Хеймо Зоберниг, Харун Фароки, Ричард Серра, Франц Уэст, Ман Рэй, Марсель Бротарс, Яёи Кусама, Ай Вэйвэй, Ими Кнобель, Марсель Дюшан, Кики Смит, Дэвид Хокни, Анри Матисс, Каде Аттиа, Олафур Элиассон, Дитер Рот, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Ансельм Кифер, Иса Генцкен, Марта Рослер, Мона Хатум, Мартин Киппенбергер, Кристиан Марклей, Пауль Клее, Франсуа Морелле, Феликс Гонсалес-Торрес, Хоан Мальро, Дуглас Гордон, Дженни Хольцер, Ганс-Петер Фельдманн, Мария Лассниг, Марина Абрамович, Макс Эрнст, Йоко Оно, Нэн Голдин, Кристиан Болтански, Александр Колдер, Тони Крэгг, Анри Сала, Карл Андре, Шон Скалли, Майк Келли, Ана Мендьета, Алисия Кваде, Томас Штрут, Дэниел Бюрен, Лучио Фонтана, Андреас Гурски, Ричард Лонг, Хито Стейерл, Фишли и Вайс , Тацита Дин, Гюнтер Фёрг, Гор Дон Матта-Кларк, Томас Шютте, Кандида Хёфер, Хироши Сугимото, Альберт Олен, Йозеф Альберс, Дональд Джадд, Алигьеро Боэтти, Дэн Грэм, Даниэль Споэрри, Гилберт и Джордж, Гюнтер Юкер, Дэмиен Херст, Уго Рондиноне, Риркрит Тиравания, Джаспер Джонс , Аниш Капур, Ричард Принс, Альберто Джакометти, Клас Ольденбург, Роберт Мейплторп, Сай Твомбли и Пьер Хьюг.

Пришло время открыть их одну за другой ниже. Пришло время познакомиться с ними один за другим ниже, с вступительным текстом и рекомендациями для дальнейшего чтения для 30 лучших художников. Но прежде чем мы это сделаем, обратите внимание, что этот список нельзя интерпретировать как абсолютный. В зависимости от выбранных алгоритмом Artfacts факторов список может иметь разный порядок или даже включать разные названия.

Обратите внимание: если вы сами художник, обязательно прочитайте нашу статью «Как добиться успеха в качестве художника». Или зайдите на страницу Услуги для художников , чтобы попасть в CAI, или запросите профессиональную консультацию один на один.

1. Энди Уорхол

Энди Уорхол, Мэрилин (не авторизованная), ок. 1970. Шелкография на бумаге – 83,8 × 83,8 см. Предоставлено ЭФ Арте.

На первом месте в этой статье мы встречаемся с прославленным американским художником Энди Уорхолом.

Энди Уорхол, родившийся в Питтсбурге, штат Пенсильвания, 6 августа 1928 года, был современным художником, который скончался в возрасте 58 лет в Нью-Йорке 22 февраля 1987 года.Уорхол, пожалуй, самая важная фигура движения поп-арт, работающая в кино, фотографии, гравюре и живописи.

В результате Энди Уорхол является создателем некоторых из самых знаковых произведений искусства 20-го века и до сих пор остается очень влиятельным художником. Подумайте о его знаменитых портретах Мэрилин Монро (см. изображение выше), а также о его банках с супом Кэмпбелл, его экспериментальных фильмах и многом другом. Уорхол объединил потребительскую культуру с искусством, растворив границы между высоким искусством и массовой культурой.

Международные (мега)галереи, такие как Gagosian Gallery или Thaddeus Ropac, продолжают работать с наследием Уорхола. В результате Уорхол продолжает влиять на сцену современного искусства и по-прежнему является одним из самых выставляемых художников этого момента. Мы находим его работы в многочисленных коллекциях крупных учреждений, таких как Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке или Центр Помпиду в Париже. Аукционный рекорд произведений Уорхола установлен на колоссальных 105 миллионах долларов.

Для дальнейшего чтения об Энди Уорхоле мы настоятельно рекомендуем публикацию Ташена «Энди Уорхол» из известной серии «Основное искусство».

2. Пабло Пикассо

Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы», 1907. Холст, масло – 243,9 x 233,7 см. Собрание МоМА, Нью-Йорк.

Пабло Пикассо, родившийся в 1881 году в Малаге, Испания, был современным художником, скончался в 1973 году в Мужене, Франция. Пикассо — один из бесспорно самых влиятельных художников прошлого века, поскольку он известен как пионер кубизма, продвигавший живопись к (репрезентативной) абстракции в течение первых нескольких десятилетий 20-го века.

Вдохновленный африканским искусством, таким как маски, Пикассо деконструировал репрезентативные картины в двухмерные плоскости изображения. При этом Пикассо был настоящим пионером современной живописи, результатом которой стал кубизм, а также вклад в сюрреализм и экспрессионизм, и это лишь некоторые из них. Легендарный жизненный путь Пикассо привел к созданию более 20 000 произведений искусства, включая живопись, графику, скульптуру и гравюру. Тем не менее, Пикассо наиболее известен своими ошеломляющими и культовыми картинами, такими как Герника (1937) или Авиньонские девицы (1907) (см. изображение выше).

Ведущие художественные галереи, такие как Gagosian или Pace, сохраняют наследие Пикассо. Его работы можно найти практически в любом крупном учреждении с коллекцией современного искусства, например, в Тейт в Лондоне, в Центре Помпиду в Париже или в Музее современного искусства (МоМА) в Нью-Йорке. Его работы были проданы на аукционах более чем за 100 миллионов долларов.

Для дальнейшего чтения о Пабло Пикассо мы настоятельно рекомендуем Taschen «Пабло Пикассо: 1881–1973» из большой серии «Искусство».

3.Герхард Рихтер

Герхард Рихтер, Две свечи, 1982. Холст, масло – 80 x 100 см. Предоставлено художником.

Бронза достается Герхарду Рихтеру, родившемуся в 1932 году в Дрездене, Германия. Рихтер наиболее известен своим постоянным изучением живописи как среды и , что привело к очень влиятельной живописной практике. В результате Герхард Рихтер стал нашим номером один из нашей статьи «20 самых известных художников сегодня».

Его живописное творчество переходит от картин фотореализма к чистой абстракции, чего раньше не удавалось ни одному другому художнику.Его исследования изображения и связи с фотографией привели к созданию фотореалистичных фигуративных картин с парящим над ними эффектом размытия.

Рихтера выставлены и собраны самыми важными учреждениями, такими как Тейт Модерн или Центр Помпиду, и были проданы на аукционе более чем за 25 миллионов долларов. В результате впечатляющая карьера Рихтера, охватывающая более полувека, привела к тому, что он занял первое место среди ныне живущих художников из нашего окончательного списка 100 самых влиятельных современных и современных художников.

Для дальнейшего чтения о Герхарде Рихтере мы настоятельно рекомендуем ретроспективный каталог Герхард Рихтер: Панорама.

4. Йозеф Бойс

Йозеф Бойс, … Und schwer wiederfindende Garnrollen (s. 445), 1982. Катушка с нитками, рыбья кость, ножницы и книга – 20 × 26 × 7 см. Издание 33. Предоставлено Cris Contini Contemporary.

Йозеф Бойс, родился в 1931 году в Крефельде, Германия, современный художник и теоретик искусства, скончался в возрасте 64 лет в 1986 году в Дюссельдорфе, Германия.Йозеф Бойс был очень влиятельным художником и теоретиком, занимавшимся перформансом, инсталляцией, гравюрой, рисованием и своей собственной «социальной скульптурой».

Бойс связан с художественным движением Fluxus и создал искусство как катализатор социально-революционных преобразований в обществе. Его работы всегда связаны с определенным философским или гуманистическим посылом. Этот концептуальный подход привел к нескольким знаковым проектам, таким как жизнь с койотом в течение трех дней (точно!).

Для дальнейшего чтения мы настоятельно рекомендуем книгу «Иосиф Бойс: The Essential», изданную Thames & Hudson.

5. Брюс Науман

Брюс Науман, Манипулирование люминесцентной лампой, 1969. Видео — 62 мин. Собрание МоМА, Нью-Йорк.

Брюс Науман, родившийся в 1941 году в Фор-Уэйне, штат Индиана, является американским художником с блестящей карьерой, насчитывающей более пяти десятилетий. Науман наиболее известен своим экспериментальным творчеством, охватывающим различные медиа, такие как скульптура, рисунок, гравюра, фотография, видео, неон и даже звуковая инсталляция.

При этом Брюс Науман подвергает сомнению человеческий опыт часто в юмористической, но тревожной манере.Посетитель осознает свое собственное существование и телесность. Как настоящий постмодернистский художник, Науман включает язык в свой визуальный язык. Текстовые произведения искусства, часто с использованием неона, являются одним из многих знаковых нововведений американского художника.

Для дальнейшего чтения мы настоятельно рекомендуем монографическое издание Наумана.

6. Синди Шерман

Синди Шерман, Кадр из фильма без названия № 21, 1978 год.

Синди Шерман, родившаяся в 1954 году в Глен-Ридже, штат Нью-Джерси, Соединенные Штаты Америки, — современная художница, наиболее известная своими фотографиями.Шерман — крупная фигура «поколения картинок» и один из самых влиятельных художников прошлого века.

В фотографическом творчестве Шермана преобладает автопортрет. Шерман изображает себя в разных контекстах и ​​берет на себя разных персонажей. В результате, несмотря на то, что она остается верной автопортретной фотографии, ее творчество отличается огромным разнообразием. При этом женщина-художник была вездесущей на арт-сцене с 70-х годов, что привело к семизначным продажам на аукционах.

Для дальнейшего чтения о Синди Шерман мы настоятельно рекомендуем «Синди Шерман: завершенный фильм без названия».

7. Луиза Буржуа

Луиза Буржуа, «Паук», 1997. Сталь, гобелен, дерево, стекло, ткань, резина, серебро, золото и кость — разные размеры. Фотография: Максимилиан Гойтер /The Easton Foundation/ VEGAP, Мадрид.

Луиза Буржуа родилась в 1991 году в Париже, Франция, скончалась в возрасте 98 лет в 2010 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки.Буржуа — легендарная франко-американская художница, наиболее известная своими масштабными скульптурами и инсталляциями.

В традициях феминистского искусства Буржуа исследовала гендерную идентичность в связи со своей собственной психологией. Ее хвалят во всем мире за ее монументальные трехмерные произведения искусства, такие как ее гигантские скульптуры пауков, а также за ее художественные издания, картины и гравюры.

Буржуа не поддается категоризации, поскольку ее можно ассоциировать с многочисленными движениями, не привязывая ее к определенному стилю или направлению в современном искусстве.В результате она связана с феминистским искусством, абстрактным экспрессионизмом, сюрреализмом и концептуальным искусством. Ее работы выставлялись по всему миру и представлены в самых важных частных и государственных коллекциях, а аукционные продажи на вторичном рынке превысили 25 миллионов долларов.

Для дальнейшего чтения о загадочной Луизе Буржуа мы настоятельно рекомендуем монографию Роберта Сторра о Луизе Буржуа под названием «Интимные геометрии: искусство и жизнь Луизы Буржуа».

8.Георг Базелиц

Георг Базелиц, Sitzbank, 2020. Холст, масло – 270 × 207 см. Предоставлено Таддеусом Ропаком.

Георг Базелиц, родившийся в 1938 году в Дойчбазелице, Германия, является одним из самых известных современных художников. Базелиц наиболее известен своим творчеством, сочетающим абстракцию с фигурацией, изображая выразительно нарисованные фигуры вверх ногами.

Сделав это, Базелиц перевернул мир искусства с ног на голову, что привело к международному признанию, в частности, с 70-х и 80-х годов прошлого века.Немецкий художник стал одной из ключевых фигур неоэкспрессионизма и одной из главных причин возрождения репрезентативной живописи. Семизначные результаты аукциона последовали на вторичном рынке, поскольку Базелиц вписался в канон современной живописи.

Для дальнейшего чтения о Георге Базелице мы настоятельно рекомендуем монографическое издание Baselitz.

9. Зигмар Польке

Зигмар Польке, Кролик Дюрера, 1968. Холст, масло – 80 x 64,5.Музей Фридера Бурды, Баден-Баден © Поместье Зигмара Польке VG Bild-Kunst Bonn.

Зигмар Польке, родился в 1941 году в городе Ольс, ранее Германия, ныне Олесница, Польша, скончался в возрасте 69 лет в Кельне, Германия. Польке был немецким художником, наиболее известным своими картинами и фотографиями, положившим начало художественному движению капиталистического реализма.

Польке часто называют настоящим алхимиком в искусстве, поскольку он использовал различные фотографические техники в сочетании с печатью и живописью.Польке трансформирует изображения и медиа в то, что сейчас считается современным подходом к живописи, что делает его одной из самых важных фигур послевоенной эпохи. С «Капиталистическим реализмом» Польке берет культуру потребления вместе со своими современниками, такими как Герхард Рихтер и Конрад Фишер.

Sigmar Polke представлен во всех крупных государственных и частных коллекциях, а его аукционная стоимость на вторичном рынке составила 27 миллионов долларов. Для дальнейшего чтения о немецком алхимике/художнике мы настоятельно рекомендуем Sigmar Polke: Alibis 1963–2010.

10. Томас Рафф

Томас Рафф, neg◊nus_33, 2014. C-print — 70,5 × 60,5 см. Выпуск 8. Предоставлено Mai 36 Galerie.

Томас Руфф, родившийся в 1958 году в Целль-ам-Хармерсбахе в Германии, является современным художником, занимающимся художественной фотографией, живущим и работающим в Дюссельдорфе, Германия.

Художник исследует возможности средней фотографии, экспериментируя с различными аналоговыми и цифровыми техниками, расширяя границы фотографии. Его сюжеты отличаются очень большим разнообразием, включая обнаженную натуру, порнографические изображения, архитектуру, абстрактные формы, пейзажную фотографию и портретную фотографию.

Для дальнейшего чтения о Томасе Раффе мы настоятельно рекомендуем ретроспективную монографию Томаса Раффа: с 1979 года по настоящее время.

11. Эрвин Вурм

Эрвин Вурм, Скульптура «Одна минута», 2007. Кубок стула, губка, кисть, скребок, рисунок туалетной щетки – 46 × 56 × 79 см. Уникальный. Предоставлено галереей Элизабет и Клаусом Томаном.

Эрвин Вурм, родившийся в 1954 году в Брук-на-Муре, Австрия, современный художник, живущий и работающий в Вене, Австрия. Вурм наиболее известен своей концептуальной мультимедийной практикой, охватывающей инсталляции, скульптуру, фотографию, видео и перформанс.

Wurms – часто интерактивные – скульптуры или инсталляции заняты повседневной жизнью. Обладая сильным чувством юмора и критическим умом, Вурм создает скульптуры, борющиеся с формализмом и западным обществом. Поначалу его работы могут показаться розыгрышем или шуткой художника. Однако при раскрытии слоев художественного произведения мы сталкиваемся с серьезной критикой. Вспомните его очень интерактивные Одноминутные Скульптуры, в которых зритель должен принять заданную позу. То, что кажется шуткой, на самом деле является очень сложной задачей.

Для дальнейшего чтения об Эрвине Вурме мы настоятельно рекомендуем «Эрвин Вурм: художник, поглотивший мир».

12. Роберт Раушенберг

Роберт Раушенберг, Ребус , 1955. Масло, алкидная краска, карандаш, мелок, пастель, вырезано-наклеено, распечатано и раскрашено на бумаге
, ткань на холсте смонтирована и пришита к ткани, три панели – 243,8 х 333,1 см. Коллекция MoMA, Нью-Йорк / © 2021 Фонд Роберта Раушенберга

Роберт Раушенберг, родившийся в 1925 году в Порт-Артуре, штат Техас, — американский художник, скончавшийся в возрасте 82 лет в Каптиве, штат Флорида, Соединенные Штаты Америки.Раушенберг наиболее известен своими выразительными картинами и ассамбляжами, содержащими трехмерные объекты, бросающими вызов различию между живописью и скульптурой.

Его впечатляющая карьера, насчитывающая более шести десятилетий, тесно связана с художественными течениями нео-дадаизма и абстрактного экспрессионизма. Раушенберг рисовал практически на всем: на коллажах, фотографиях, шелкографии и даже на предметах быта. Американский художник оказал большое влияние на послевоенную арт-сцену, в результате чего аукционный рекорд Christie’s на вторичном рынке составил 88 миллионов долларов.

Для дальнейшего чтения о Роберте Раушенберге мы настоятельно рекомендуем монографическое издание Роберта Раушенберга.

13. Джон Балдессари

Джон Балдессари,  Бросание трех мячей в воздух, чтобы попасть на прямую (лучшая из тридцати шести попыток) (фрагмент), 1973 г. Двенадцать офсетных литографий на бумаге, портфель-раскладушка, каждый лист 9 5/8 × 12 3/4 ″. © Поместье Джона Балдессари.

Джон Балдессари — родился в 1931 году в Калифорнии, скончался в 2020 году в Лос-Анджелесе, Соединенные Штаты Америки — был американским художником-концептуалистом, который жил и работал в Санта-Монике и Венеции в Калифорнии.

Baldessari был настоящим пионером эпохи концептуального искусства. Прежде чем исследовать возможности концептуального искусства, Балдессари был художником, но очень скоро увлекся найденной фотографией и присвоением изображений. В результате американский художник был занят присвоением, авторством, изображением, а также языком, популярной культурой и иконографией.

Его художественная практика достигла международного признания, включая живопись, фотографию, коллаж, инсталляцию, перформанс, эстамп и художественные издания.В результате его работы можно найти во всех крупных учреждениях, таких как Музей современного искусства (MoMA) или Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке. За ним последовали семизначные результаты аукционов на вторичном рынке, что сделало Балдессари одним из самых важных художников современной эпохи и концептуального искусства в частности.

Для самых больших поклонников Baldessari мы настоятельно рекомендуем каталог-резоне Джона Балдессари, состоящий из шести томов.

14. Вольфганг Тильманс

Вольфганг Тильманс, Хрупкие волны, 2016.Струйная печать на бумаге, клипы — 138 × 207 см. С разрешения Regen Projects, Лос-Анджелес.

Вольфганг Тильманс, родившийся в 1968 году в Ремшайде, Западная Германия, современный фотограф, живущий и работающий в Лондоне, Великобритания, и Берлине, Германия. Немецкий художник наиболее известен своим разнообразным творчеством, запечатлевшим свое окружение, наблюдая за ночными клубами, своими друзьями, натюрмортами и всем, что между ними.

Немецкий художник, бесспорно, один из самых влиятельных фотографов своего поколения, но он также занимается инсталляцией и сценографией.Кроме того, Тиллманс был первым фотографом и небританским художником, получившим известную премию Тернера на рубеже тысячелетий в 2000 году.

Для дальнейшего чтения о Вольфганге Тильмансе мы настоятельно рекомендуем «Вольфганг Тильманс: Сегодня первый день».

15. Лоуренс Вайнер

Лоуренс Вайнер, НА ВЕРШИНЕ И ПОТОМ НЕ НА ВЕРШИНЕ НА БЕРЕГАХ ДУНАЯ (кат. № 1007) , 2009 г. Предоставлено Galerie Hubert Winter, Вена.

Лоуренс Вайнер, родившийся в 1942 году в Бронксе, штат Нью-Йорк, — американский художник-концептуалист, живущий и работающий в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки.Как и Балдессари, Вайнер является одним из пионеров исторической эпохи концептуального искусства, что делает его одним из самых влиятельных художников второй половины 20-го века.

Лоуренс Вайнер наиболее известен тем, что использует язык в своей художественной практике. Как истинный постмодернист, Вайнер подходит к языку как к структурному элементу смысла, что приводит к созданию языковых скульптур и произведений искусства, выходящих за рамки традиционных форм скульптуры, вдохновлявших многих его современников.

Для дальнейшего чтения о Лоуренсе Вайнере мы настоятельно рекомендуем «Лоуренс Вайнер: Насколько может видеть глаз».

16. Сол Левитт

Сол Левитт — родился в 1928 году в Коннектикуте, скончался в возрасте 78 лет в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки — был американским художником и ведущей фигурой в области концептуального искусства и минимализма. Левитт был наиболее известен своими настенными рисунками, геометрическими рисунками или геометрическими скульптурами, которые он назвал структурами .

Кроме того, практика Левитта состояла из рисования, фотографии, письма, гравюры, инсталляции и его скульптур или сооружений. При этом американский концептуалист и минималист присутствует почти во всех крупных государственных и частных коллекциях.

Для дальнейшего чтения о Соле Левитте мы настоятельно рекомендуем «Сол Левитт: жизнь идей».

17. Розмари Трокель

Rosemarie Trockel, Training 2 , 2012. Акрил, сталь, дерево, отделка акрилом — 110 × 120 × 6 см.Издание 1/3. Предоставлено Спрут Магерс.

Розмари Трокель родилась в 1952 году в Шверте, Германия. Художник-концептуалист, наиболее известный своими картинами, рисунками, скульптурами, инсталляциями и видео. Творчество Трокеля можно рассматривать как различную критику определенных художественных стилей, движений и истеблишмента. Например, она размышляет о роли женщин в мире искусства, капитализме и массовом производстве или политических вопросах.

Для дальнейшего чтения о Розмари Трокель мы настоятельно рекомендуем Розмари Трокель: Органы работы 1986-1998 гг.

18. Уильям Кентридж

Уильям Кентридж, Carnets d’Egypte, 2010. Оригинальная гравюра, офорт и сухая игла с копией книги «Carnets d’Egypte» с подписью – 16 × 22 см. Выпуск 50. Courtesy Dilecta, Париж.

Уильям Кентридж, родившийся в 1955 году в Йоханнесбурге, Южная Африка, современный художник, работающий и проживающий в провинции Гаутенг, Южная Африка. Кентридж наиболее известен своими гравюрами, рисунками и анимационными фильмами, хотя также занимается живописью, перформансом и скульптурой.Рисовальщики с высоким рейтингом обсуждают пост-апартеид в Южной Африке. Его экспрессионистский и виртуозный визуальный язык в различных средствах массовой информации характеризуется черно-белыми композициями и повествовательным качеством.

Для дальнейшего чтения об Уильяме Кентридже мы настоятельно рекомендуем Уильяма Кентриджа из серии современного искусства Phaidon.

19. Эд Руша

Эд Руша, президент, 1972. Холст, масло – 50,8 × 61 см. С разрешения галереи Omer Tiroche, Лондон.

Эд Руша, родившийся в 1937 году в Небраске, является американским художником, живущим и работающим в Калвер-Сити, Соединенные Штаты Америки. Он наиболее известен как художник-абстрактный экспрессионист, который внедрил слова в свою живописную практику.

С Рушей слова и буквы становятся формами или знаками. Они являются не только сюжетом картин, но и визуальным. Он часто выбирал нетрадиционные материалы, такие как кровь или даже порох. Американский художник также занимается фотографией, кино, книгами и гравюрами, комментируя американскую культуру.Его высоко оцененная художественная практика заняла заслуженное место в нашей статье «20 самых известных художников современности».

Для дальнейшего чтения об Эде Руша мы настоятельно рекомендуем Эд Руша: 50 лет живописи.

20. Вали Экспорт

Valie Export, Körperconfigurationen, Einfügung , 1976. Ч/б фотография – 41,5 × 60,5 см. Предоставлено Барбарой Грос.

Вали Экспорт, или, скорее, ВАЛИ ЭКСПОРТ, родилась в 1940 году в Линце, Австрия, является современной и авангардной художницей, наиболее известной своими перформансами, а также своими видеоработами, фотографией, скульптурой и видеоанимацией.

Название «Экспорт» является собственным брендом и происходит от ее (заставляющих задуматься) феминистских перформансов 1960-х годов, посвященных исследованию женского тела, в которых она отказывается от имени своего отца и своего мужа. С 1980-х она обратилась к различным средствам массовой информации и продолжила строить свое творчество и карьеру, прочно вписываясь в канон современного искусства.

Для дальнейшего чтения о Вали Экспорт мы настоятельно рекомендуем Вали Экспорт: Фрагменты воображения.

21.Фрэнсис Алис

Фрэнсис Алес, Не переходи мост, не дойдя до реки , 2008. Собрание Пинчук Арт Центр.

Фрэнсис Алес, родившийся в 1959 году в Антверпене, — бельгийский концептуальный художник из Мексики, работающий в различных медиа, не поддающийся категоризации, и наиболее известный своими проектными работами с определенными проблемами или средами.

Алёс занимается повседневной жизнью и ее связью с политическими ситуациями. Охватывая перформанс, живопись, графику, скульптуру, видео, фотографию и инсталляцию, его творчество балансирует между политикой и поэтикой.Например, в 2005 году он создал зеленую линию, пройдя израильско-палестинскую границу с протекающей банкой краски, под названием «Зеленая линия» («Иногда что-то поэтическое может стать политическим , а иногда что-то политическое может стать поэтическим»).

Для дальнейшего чтения о Фрэнсисе Алесе мы настоятельно рекомендуем Фрэнсиса Алеса из серии Phaidon Contemporary Art.

22. Арнульф Райнер

Арнульф Райнер, Landschaft, 1984-1985 гг. Масло на картоне на дереве – 51 × 73 см.Предоставлено галереей Лукаса Фейхтнера, Вена.

Арнульф Райнер, родился в 1929 году в Бадене, Австрия, австрийский художник, живущий и работающий в Вене, Австрия. Он наиболее известен как абстрактный неформальный художник, сочетающий сюрреализм со спонтанностью и автоматизмом Art Informel.

Художник-самоучка добился международного признания за свою уникальную технику рисования и процесс нанесения краски поверх фотоматериала, рисование с завязанными глазами или под воздействием наркотиков.В результате Райнер заслужил свое место в нашей статье «20 самых известных художников современности».

Для дальнейшего чтения об Арнульфе Райнере мы настоятельно рекомендуем Арнульф Райнер: Ретроспектива.

23. Нам Джун Пайк

Нам Джун Пайк, Sfera / Punto Elettronico , 1990. Смешанная техника — 320 × 250 × 60 см. Предоставлено галереей Hakgojae.

Нам Джун Пайк — родился в 1932 году в Сеуле, Южная Корея, скончался в возрасте 73 лет в Майами, Соединенные Штаты Америки, — был корейско-американским художником, наиболее известным как один из пионеров и основателей видеоарта.

Связанный с Fluxus и отцом видео-арта, Нам Джун Пайк ввел телевизионный экран в мир искусства в поисках новых способов выражения. При этом он создавал скульптурные инсталляции, в которых видел роботов, составленных из телевизоров.

Для дальнейшего чтения о Нам Джун Пайке мы настоятельно рекомендуем монографическое издание Нам Джун Пайк.

24. Хеймо Зоберниг

Хеймо Зоберниг, Без названия, 2013. Холст, акрил – 200 × 200 см.Предоставлено Attika Fine Arts.

Хеймо Зоберниг, родившийся в 1958 году в Маутене, Австрия, — австрийский художник, живущий и работающий в Вене, Австрия. Зоберниг работает в различных медиа, таких как инсталляция, скульптура, кино, видео и архитектурное вмешательство, но наиболее известен своей живописной практикой.

Зоберниг исследует формальный язык модернизма, исследуя идеи минимализма, монохрома, сетки или теории цвета. Зоберниг занял свое место в нашем списке 20 самых известных художников современности .

Для дальнейшего чтения мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Heimo Zobernig.

25. Харун Фароки

Harun Farocki, Zur Bauweise des Films bei Griffith/On Construction of Griffiths’ Films , 2006. Двухканальная установка, без звукового цвета, 9 минут. Предоставлено Таддеусом Ропаком.

Харун Фароки — родился в 1944 году в Нойтишене, в настоящее время Чехия, скончался в 2014 году в возрасте 70 лет — был немецким кинорежиссером, наиболее известным своими политическими эссе.Режиссер получил международное признание, и в 2009 году у него была первая ретроспектива в лондонской галерее Тейт Модерн, а затем обширная персональная выставка в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, США.

Для дальнейшего чтения о Харуне Фароки мы настоятельно рекомендуем «Гарун Фароки: другой вид эмпатии».

26. Ричард Серра

Ричард Серра, Backdoor Pipeline , 2010 г. Всепогодная сталь — 380 × 1410 × 230 см. С уважением Гагосян.

Ричард Серра, родившийся в 1938 году в Сан-Франциско, Соединенные Штаты Америки, — американский художник, наиболее известный своими монументальными скульптурами.

Серра чаще всего использует гигантские поверхности из стали и заставляет зрителя осознать свое восприятие пространства, формы и пропорций, изгибая и изгибая сталь в минималистскую, но монументальную скульптуру. Зрителю предлагается побродить вокруг и внутри скульптуры, чтобы осмотреть пространство и свое восприятие пространства.

Для дальнейшего чтения о Ричарде Серре мы настоятельно рекомендуем «Ричард Серра: кованая сталь». Кроме того, Ричард Серра является одним из самых важных художников-минималистов и включен в нашу статью «Минимальное искусство: 25 самых важных художников-минималистов» .

27. Франц Вест

Франц Вест, Без названия (рисунок Герберта Брандла) , 1986. Масло на ватной марле на папье-маше на металлическом столе художника – 54 × 110 × 22 см. Предоставлено галереей Омера Тироша.

Франц Вест, родился в 1947 году в Вене, Австрия, скончался в возрасте 65 лет в 2012 году в Вене, Австрия, современный художник, наиболее известный своими инсталляциями с использованием мебели, скульптурами из пенопласта и картона, картинами, коллажами и рисунками. . Запад отвергает традиционный художественный опыт и стремится создавать опыты, в которые активно вовлекается аудитория.

Для дальнейшего чтения о Франце Весте мы настоятельно рекомендуем монографическое издание Franz West.

28. Ман Рэй

Man Ray, La Prière , 1930 г. Серебряно-желатиновый отпечаток, напечатано около 1970 г. – 29,2 × 21,9 см.

Ман Рэй, родившийся как Эммануэль Радницкий в 1890 году в Филадельфии, был американским художником-визуалистом, скончавшимся в 1976 году в возрасте 86 лет в Париже, Франция, где он провел большую часть своей карьеры. Ман Рэй был одной из ключевых фигур и пионеров дадаизма и сюрреализма.

Ман Рэй был одним из первых современных художников, работавших в различных медиа, включая живопись, скульптуру, эстамп, ассамбляж, коллаж, а также видео и фотографию. Как настоящий художник-авангардист, он продвигал различные медиа в сферу современного искусства.

Для дальнейшего чтения о Man Ray мы настоятельно рекомендуем монографию Man Ray.

29. Марсель Бротарс

Марсель Бротарс, Armoire blanche et table blanche, 1965. Мебель, расписанная яичной скорлупой — 86 x 82 x 62 см и 104 x 100 x 40 см.Фото: Собрание Музея современного искусства, Нью-Йорк.

Марсель Бротарс, родившийся в 1924 году в Брюсселе, был бельгийским поэтом и художником, который скончался в возрасте 52 лет в 1976 году в Кельне, Германия. Бротарс был наиболее известен как художник-концептуалист. Из-за его ранней смерти карьера Бротарса насчитывает всего 12 лет, но он оказал огромное влияние на недавнюю историю искусства благодаря своим высокограмотным и умным произведениям искусства, включая фильмы, поэзию, художественные издания, перформансы, скульптуры и инсталляции.

Чтобы узнать больше о Марселе Бротарсе, мы настоятельно рекомендуем Марселя Бротарса, опубликованного в 2016 году, или прочитать нашу статью Объяснение Марселя Бротарса: «Белый соус с мидиями» .

30. Яёи Кусама

Yayoi Kusama, Pumpkin (R) , 1992. Цветной трафарет на бумаге Verin d’Arches — 28,2 × 37,5 см. Тираж 150. Предоставлено галереей Upsilon.

Яёи Кусама, родившаяся в 1929 году в Мацумото в Японии, является современной японской художницей, занимающейся скульптурой, рисованием, живописью, инсталляцией, перформансом, кино и даже модой и писательством.Кусама наиболее известна своим рисунком в горошек, автобиографическими элементами и концептуальной основой. В результате она ассоциируется с поп-артом, минимализмом, феминистским искусством и искусством окружающей среды, не привязываясь к одному конкретному художественному движению.

Чтобы узнать больше о Яёи Кусаме, мы настоятельно рекомендуем «Яёи Кусама: ретроспектива» или прочтите наш обзор художника о Яёи Кусаме здесь.

31. Ай Вэй Вэй

Ай Вэйвэй, «Семена подсолнуха», 2010 г. Фарфор – переменные размеры.Коллекция Тейт.

Ай Вэйвэй, родился в 1957 году в Пекине, Китай, современный художник, отмеченный очень сильной активностью в своих работах. Вэйвэй наиболее известен своими концептуальными работами, ставящими под сомнение традиционную китайскую культуру и современный мир. В результате его наводящие на размышления работы не были хорошо восприняты китайским правительством, что привело к тюремному заключению на несколько месяцев, после чего Ай Вэйвэй бежал из страны.

Для дальнейшего чтения об Ай Вэйвэй мы настоятельно рекомендуем книгу «Ай Вэйвэй» из серии Phaidon Contemporary Art.

32. Ими Кнобель

Ими Кнобель, INNINN, 2002. Акрил на алюминии — 305 × 456,4 × 10,8 см. Предоставлено галереей Кристиана Летерта.

Ими Кнобель, родившаяся в 1940 году в Дессау, Германия, — современная художница, живущая и работающая в Дюссельдорфе, Германия. Кнобель наиболее известен как художник, однако в свою художественную практику он включает рисунок, скульптуру, инсталляцию и фотографию. В результате Кнобель получил место в нашей статье «20 самых известных художников современности» .

Для дальнейшего чтения об Ими Кнобель мы настоятельно рекомендуем Ими Кнобель: Работы 1966-2006.

33. Марсель Дюшан

Пример дадаизма (ок. 1915–1920): Марсель Дюшан, Фонтан, 1917.

34. Кики Смит

Кики Смит, Untitled , 1999. Тушь на бумаге — 174,6 × 97,8 см. Предоставлено Мириам Шил Файн Арт.

35. Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами), 1972. Холст, акрил – 213.5 х 305 см. Предоставлено художником.

36. Анри Матисс

Анри Матисс, «Танец», 1910. Предоставлено Эрмитажем; Викисклад.

37. Кадер Аттиа

Kader Attia, Untitled (Ghardaïa), 2009. Приготовленный кускус и фотокопии портретов Фернана Пуйона и Ле Корбюзье – различные размеры. Вид инсталляции «Но буря дует из рая: современное искусство Ближнего Востока и Северной Африки», Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк. 29 апреля – 5 октября 2016 г.Предоставлено Lehmann Maupin. / Фото: Дэвид Хилд.

38. Олафур Элиассон

Olafur Eliasson, Mirrorstage для Merce , 2004 г. Трехцветная фотогравюра – 75,6 × 91,4 см. Выпуск 40. Courtesy Carolina Nitsch Contemporary Art.

39. Дитер Рот

Дитер Рот, Finow-Cinema Metric Space , 2005. 408 серебряно-желатиновых отпечатков, в рамке — 202 × 410 см. Издание 2/2. Предоставлено галереей Томаса Шульте.

40. Алекс Кац

Алекс Кац, Coca-Cola Girl 39, 2018.Холст, масло – 121 × 121 см. Предоставлено Таддеусом Ропаком.

41. Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, Натюрморт с палитрой , 1972. Холст, масло, магна – 152,4 × 243,8 см. С уважением Гагосян.

42. Ансельм Кифер

Ансельм Кифер, Alkahest, 2011. Холст, масло, эмульсия, акрил, шеллак, металл — 190 × 300 см. С уважением, Белый куб.

43. Иса Гензкен

Isa Genzken, Schauspieler , 2013. Манекен, табуретка, обувь, парик, дерево, ткань, пластик и металл – разные размеры.Собрание Stedelijk Museum Amsterdam.

44. Марта Рослер

Марта Рослер, Photo Op , 2004. Фотомонтаж — 50,8 × 61 см. Предоставлено Художественным музеем Сиэтла.

45. Мона Хатум

Mona Hatoum, Light Sentence , 1992. Шкафчики из оцинкованной сетки, электродвигатель и лампочка — 502,9 × 469,9 × 1244,6 см. Предоставлено Тейт.

46. Мартин Киппенбергер

Мартин Киппенбергер, Untitled , 1996. Холст, масло – 118,7 × 99.7 см.

47. Кристиан Марклей

Кристиан Марклей, Scream (Big Mouth Rainbow) , 2019. Цветная гравюра на бумаге для горячего прессования Saunders Waterford 190 г/м² — 119,8 × 179,5 см. С уважением, Белый куб.

48. Пауль Клее

Пауль Клее, Пожар в полнолуние , 1933 год. Тейт, Лондон.

49. Франсуа Морелле

Франсуа Морелле, Trames de 256 carrés réguliers , 1972. Шелкография на акриле на доске – 80 × 80 см. Предоставлено галереей мэра.

50. Феликс Гонсалес-Торрес

Феликс Гонсалес-Торрес, «Без названия» (Идеальные любовники) , 1987-1990. Настенные часы 13 1/2 x 27 x 1 1/4 дюйма в целом. Две части: диаметр 13 1/2 дюйма каждая. Издание 3, 1 AP. Предоставлено Пинчук Арт Центр.

51. Жоан Миро

Жоан Миро, «Арлекинский карнавал» (1924-25).

52. Дуглас Гордон

Дуглас Гордон, Минни, Нью-Йорк , 2002 г. Струйная печать и лента, в художественной рамке – 112.7 × 162,2 см. Предоставлено OBA/ART.

53. Дженни Хольцер

Jenny Holzer, Выбор из Survival: Это в ваших интересах… , 2015. Скамейка из каррарского белого мрамора – 43,2 × 106,7 × 50,8 см. Предоставлено галереей Кукье.

54. Ханс-Петер Фельдманн

Ханс-Петер Фельдманн, Губы . 11 цветных фотографий – 12 × 18 см. Предоставлено галереей Саймона Ли.

55. Мария Лассниг

Мария Лассниг, Le Jeu du Destin (Игра судьбы) , 1999.Холст, масло – 205,7 × 146,6 см. Предоставлено Galerie Kovacek & Zetter.

56. Марина Абрамович

Марина Абрамович, Перформанс во время представления «Марина Абрамович: Присутствие художника» (9 марта 2010 г., Нью-Йорк). Музей современного искусства. / Фото Эндрю Х. Уокера / Getty Images (c)

57. Макс Эрнст

Макс Эрнст, Femmes traversant une rivière en criant (Плач женщин, переходящих реку) , 1927. Холст, масло – 81 × 60 см. Предоставлено галереей Томас.

58.Йоко Оно

Йоко Оно, «Части маяка», , 1966. Предоставлено Фондом Форшоу.

59. Нэн Голдин

Нэн Голдин, Печенье на дне рождения Шэрон с Хенаро и Лизетт, Провинстаун , 1976
Cibachrome — 50,8 × 61 см. Выпуск 25. Предоставлено Matthew Marks Gallery.

60. Кристиан Болтански

Кристиан Болтански, Réserve Hamburger Strasse , 1992. 5 фотографий размер 45 x 60см. Коробка на 90 печенья, 5 ламп – 102 × 132.5 × 30 см. Предоставлено Galeria Alberran Bourdais.

61. Александр Колдер

Александр Колдер, Двойной горбатый морщинистый , ок. 1970. Стоячий мобиль – листовой металл, проволока и краска – 45,7 × 110,5 × 86,4 см. Предоставлено Оперной галереей.

62. Тони Крэгг

Тони Крэгг, Willow , 2014. Бронза — 235 × 232 × 251 см. Предоставлено галереей Бухманн.

63. Анри Сала

Анри Сала, Легкий толчок №2, 2002 г. Черно-белая фотография на баритовой бумаге — 49.5 × 60,5 см / 19 1/2 × 23 4/5 дюйма. Предоставлено Galerie Chantal Crousel, Париж.

64. Карл Андре

Карл Андре, ФИВЫ , 2003 г. Древесина красного кедра западного – 120 × 90 × 1080 см. Предоставлено галереей Греты Меерт.

65. Шон Скалли

Шон Скалли, Раваль, 2013. Алюминий, масло — 89,1 × 101,1 см. С уважением, Филлипс.

66. Майк Келли

Майк Келли, Без названия 2 , 2008-2009 гг. Акрил на деревянных панелях – 243,8×633,7×12,7 см. Предоставлено Хаузером и Виртом.

67. Ана Мендьета

Ana Mendieta, Silueta de Arena , 1978. Пленка Super-8 мм, перенесенная на цифровой носитель высокой четкости, цветная, немая.

68. Алисия Кваде

Алисия Кваде, DrehMoment, 2018 г. Вид инсталляции: Out of Ousia, Kunsthal Charlottenborg, Копенгаген, 2018 г. Предоставлено галереей 303. / Фото: Роман Мэрц.

69. Томас Струт

Томас Струт, Буксео Донг, Пхеньян, 2007 г. C-print — 158 × 207,6 см. Издание 6/10. Courtesy Галерея Hyundai.

70. Даниэль Бюрен

Даниэль Бюрен, Le Carré Eclaté , 1992. Дерево, краска, скотч — 287,1 × 400 × 287,1 см. Предоставлено студией Даббени.

71. Лучио Фонтана

Лучио Фонтана, Concetto spaziale, Attese , 1965. Холст, акварель – 116 × 89 см. Фото: Christie’s.

72. Андреас Гурски

Андреас Гурски, 99 центов , 1999 г. Печать Cibachrome – 207 × 336,9 см. Выпуск 6. Courtesy Gallery Red.

73.Ричард Лонг

Richard Long, Somerset Turf Circle , 1990 г. Кусочки газона, 210 частей – 17,8 см. Фото: Филлипс.

74. Хито Штайерл

Hito Steyerl, Factory of the Sun , 2015. Видео высокой четкости, цвет, звук, зациклено — размеры переменные. Фото: Музей американского искусства Уитни.

75. Фишли и Вайс

Fischli & Weiss, The First Blush of Morning , 1984. Хромогенный принт — 30 × 24 см. Предоставлено музеем Гуггенхайма.

76. Тацита Дин

Tacita Dean, Hünengrab , 2008 г. Краска для школьной доски на фотографии, закрепленной на бумаге – 238 × 456 см. Предоставлено Фондом Louis Vuitton.

77. Гюнтер Фёрг

Гюнтер Фёрг, Untitled , 2004. Акрил на мазоните – 86 × 200 см. Фото: Ван Хэм.

78. Гордон Матта-Кларк

Гордон Матта-Кларк, Sliced ​​Brick Building , 1977 год. Черно-белая фотография с разрезами — 31,8 × 37,5 см. Предоставлено галереей Роны Хоффман.

79. Томас Шютте

Томас Шютте, Mann im Match , 2015. Фото: Fondation Louis Vuitton.

80. Кандида Хёфер

Candida Höfer, Biblioteca Palafoxiana Puebla II 2015 , 2015. C-print — 180 × 194 см. Предоставлено изобразительным искусством Бена Брауна.

81. Хироси Сугимото

Хироши Сугимото, UA Walker , 1978 г. Фотогравюра 2000 г. — 28 × 36,8 см. Фото: Бонхамс.

82. Альберт Олен

Альберт Олен, Уокер, 1999.Холст, масло – 120 × 150 см. Предоставлено DBCA, Sylt.

83. Йозеф Альберс

Йозеф Альберс, Посвящение квадрату: Земля и воздух , 1965. Мазонит, масло — 101,6 × 101,6 см. Фото: Сотбис.

84. Дональд Джадд

Пример (пост)минимализма (ок. 1960-настоящее время): Дональд Джадд, Без названия, 1972.

85. Алигьеро Боэтти

Alighiero Boetti, Oggi è il nono giorno dell’ottavo mese dell’anno millenovecentoottantotto , 1988. Вышивка на канве, наложенной на панель — 103 × 112.5 см. Предоставлено Attika Fine Arts.

86. Дэн Грэм

Дэн Грэм, Passage Intime , 2015. Двустороннее зеркало, нержавеющая сталь — 230×514×270 см. Предоставлено галереей Мариан Гудман.

87. Даниэль Спёрри

Daniel Spoerri, Puppen Läckerli , 1989. Сборка – 110 × 83 см. Предоставлено галереей Бромер.

88. Гилберт и Джордж

Gilbert & George, MR CROMPTON , 2020. Смешанная техника — 151 × 254 см. Предоставлено Леманн Мопен.

89. Гюнтер Юкер

Гюнтер Юкер, Plastische Linien — Reihung , 1972. Гвозди и графит на холсте на дереве — 60 × 60 см. Предоставлено галереей Томас.

90. Дэмиен Херст

Дэмиен Херст, Вдали от стаи , 1994 год. Сталь, стекло, раствор формальдегида и барашек — 95,9×148,9×50,8 см. Предоставлено Широким.

91. Уго Рондиноне

Уго Рондиноне, красно-зеленый монах , 2020 г. Окрашенная бронза — 292,1×158,1×104.8 см. Предоставлено галереей Gladstone.

92. Риркрит Тиравания

Риркрит Тиравания, Кулинарный и демонстрационный рисунок Риркрита Тиравании . Производительность и установка. Предоставлено галереей 100 Tonson.

93. Джаспер Джонс

Джаспер Джонс, Флаг, 1967. Энкаустика и коллаж на холсте (три панели) – 85,1 × 142,9 см. Предоставлено The Broad, Лос-Анджелес.

94. Аниш Капур

Аниш Капур, Vertigo , 2006 г. Нержавеющая сталь – 224,9×480.1 × 60 см. Кортни Гагосян.

95. Ричард Принс

Ричард Принс, Медсестра в Голливуде №4, 2004. Холст, акрил, струйный — 175,3 × 106,7 см. С уважением Гагосян.

96. Альберто Джакометти

Alberto Giacometti, L’homme qui Marche II , 1960. Бронза — 189 × 26 × 110 см. Предоставлено Фондом Бейелер.

97. Клас Ольденбург

Claes Oldenburg, Ice Bag-Scale B , 1971 год. Желтый нейлон, стекловолокно, механизм, серебристый лак, воздуходувки, анодированные детали, сталь, молния, акрил и липучка – 101.6 × 121,9 × 121,9 см. Предоставлено коллекционерам «Современник».

98. Роберт Мэпплторп

Robert Mapplethorpe, Joe / Rubberman , 1978. Серебряно-желатиновый оттиск — 50,8 × 40,6 см. Издание 5/10. Предоставлено галереей Томаса Шульте.

99. Сай Твомбли

Сай Твомбли, Untitled (Bachus) , 2005. Холст, масло – 317,5 × 406,4 см. С уважением Гагосян.

100. Пьер Юиг

Пьер Юиг, , до , 2011-2012 гг. Живые существа и неодушевленные предметы, сотворенные и не сотворенные.Фото: Музей округа Лос-Анджелес.

Тимоти Кертис в фильме «Карандаш — это ключ» — Новости

«Карандаш — это ключ» — это выставка исторических и современных рисунков заключенных со всего мира. Работы художников, которые были или в настоящее время находятся в заключении, будут сопоставлены с рисунками заключенных, которые стали художниками в заключении. Примеры включают рисунки политических заключенных, таких как Гюстав Курбе, который содержался в тюрьме Сен-Пелажи за его роль в восстании Парижской коммуны 1871 года; художники, заключенные в тюрьму во время Второй мировой войны как мирные жители, такие как Ханс Беллмер, который был интернирован во Франции, и молодая Рут Асава, которая была интернирована правительством США, потому что она была американкой японского происхождения; а также художники в советских ГУЛАГах, Южной Африке эпохи апартеида, в странах Центральной и Южной Америки при военных диктатурах и на Ближнем Востоке после «арабской весны».На выставке также будут представлены рисунки современных американских заключенных, которые нашли свой талант в программах тюремного искусства, а также коллекции работ анонимных современных художников-заключенных, работающих в жанрах рисования, характерных для тюремной жизни, таких как «Paños Chicanos», нарисованные на носовых платках. , или рисунки конвертов, предназначенные для продажи или доставки по почте.

Рисование жизненно важно для тех, кто находится в неволе; это средство, с помощью которого они провозглашают свою индивидуальность, выражают надежду и воображают свою свободу.Рисунки, представленные на этой выставке, представляют собой мощное свидетельство стойкости человеческого творчества в самых бесчеловечных обстоятельствах и доказывают необходимость искусства — в форме рисунка — в жизни каждого человека. Созданные в экстремальных условиях рисунки этой выставки — оружие в борьбе за справедливость, записи, свидетельствующие об ужасных обстоятельствах, вместилища памяти и порталы в лучшее будущее. Само их существование имеет большое значение, но их гениальность служит доказательством цели рисования, а также самым ясным объяснением того, почему такие учреждения, как Центр рисования, должны продолжать представлять искусство публике.

Организовано кураторской группой Центра рисования: Клэр Гилман, Росарио Гуиральдес, Лаура Хоптман, Изабелла Капур и Дункан Томлин.

Карандаш — это ключ: рисунки заключенных художников  это стало возможным благодаря Фонду визуальных искусств Энди Уорхола, Агнес Гунд, Лонти Эберс и Директорскому кругу Центра рисования.

Дополнительную поддержку оказывают Аллен Адлер и Фрэнсис Битти Адлер; Коллекция бургеров, Гонконг; Светлана Кузьмичева-Успенская; Дита Эмори; Рашид Джонсон и Шери Овсепян; Фиона и Эрик Рудин; и Аноним.

Поддержку каталогу выставки оказывает Кроме того: программа Фонда Дж. М. Каплана.

Особая благодарность Альбертцу Бенде, галерее Эндрю Эдлин, Дэвиду Цвирнеру, галерее Дональда Эллиса, галерее Бухгольц, галерее Нара Роеслер, галерее Гавлак и галерее Убу, Нью-Йорк.

No related posts.