(с) Абе Тошиюки

Дорогие друзья! За окном зима, а так хочется солнца и тепла. И зеленых красок! И цветов!) Особенно сейчас, когда очень холодно. Хоть зима набирает обороты, мы уже предвкушаем весну и лето.И желание приблизить солнечное настроение увеличивается. Живопись акварелью японского художника Абе Тошиюка хрупка, нежна и воздушна, она буквально погружает в атмосферу лета и тепла. Все его картины просто залиты светом!

Абе Тошиюки (с)

Многие, когда видят живопись Абе Тошиюки, утверждают, что это работы фотомастера, настолько реально всё, что изображено на них. А ведь это – акварель! Прозрачная, нежная, дышащая акварель!

(с) Абе Тошиюки

Некоторые люди с сомнением относятся к гиперреализму в картинах. Зачем так тщательно копировать природу, когда для этого есть фотоаппарат? Зачем использовать такую сложную и кропотливую технику акварели? Ведь акварельная живопись – это, прежде всего, недосказанность, тонкость и текучесть. В картинах Абе Тошиюки реалистичность сочетается с легкими акварельными мазками, его живопись дает ощущение воздушной перспективы и солнца.

Абе Тошиюки (с)

Мне кажется, если картины несут свет и тепло, если мы чувствуем их настроение, если они цепляют, то они имеют право на существование. А у этого японского художника картины именно такие. В них много солнца, бликовые переливы, игра цвета и тени… Они живые. Кто-то сказал, что живопись позволяет увидеть окружающее в тот момент, когда на него смотришь с любовью. Акварель Абе Тошиюки наполнена любовью, и мы с удовольствием входим в мир красок художника. Этот прием дает акварели глубину и создает ощущение солнечного света и воздушной перспективы.

Абе Тошиюки

Абе Тошиюки родился в 1959 году в Японии. Он 20 лет преподавал рисование, но всегда мечтал стать художником и творить. В 49 лет Абе решил изменить свою жизнь и довериться мечте. Еще один пример, что наши желания имеют способность исполняться. Надо только очень захотеть)) В течение долгих 2-х десятилетий он был рядовым учителем рисования (хоть, думаю, многие его ученики с благодарностью вспоминают своего преподавателя), и за какие-то 5 лет японский художник прославился как живописец. А может надо сначала отдать частичку себя, чтобы Вселенная стала помогать тебе?) Японская акварельная живопись приобрела еще одно известное имя.

Абе Тошиюки

За 5 лет Абе Тошиюки заслужил несколько наград, у него — персональные выставки, он стал известным мастером. Особенно он проникся акварельной техникой живописи. Японский художник Абе Тошиюки говорит, что через свою акварель, изображающую течение реки, хрупкость цветов, блики света художник выражает изменчивость и быстротечность нашего мира. А японцы, особенно чутко относятся к таким философским вопросам. Каждая картина, по мнению Abe Toshiyuki, обязана тронуть сердце человека, иначе она не выполняет своего предназначения.

Абе Тошиюки

Так ли это, смог ли затронуть все струны Вашей души японский художник и дотронуться до Вашего сердца, Вы можете проверить прямо сейчас. Вашему вниманию предлагаю выборку из картин японского мастера. А для того, чтобы создать особую восточную атмосферу и подчеркнуть японский колорит, я постаралась подобрать к картинам строки Басё.

Акварельная живопись – картины Абе Тошиюки

(с) Абе Тошиюки

Внимательно вглядись!
Цветы пастушьей сумки
Увидишь под плетнем.
Басё

Абе Тошиюки (с)

Ива склонилась и спит.
И кажется мне, соловей на ветке –
Это ее душа.
Басё

Абе Тошиюки (с)

Чистый родник!
Вверх побежал по моей ноге
Маленький краб.
Басё

Абе Тошиюки (с)

Опала листва,
Весь мир одноцветен.
Лишь ветер гудит.
Басё

Абе Тошиюки (с)

Наскучив долгим дождем,
Ночью сосны прогнали его…
Ветви в первом снегу.
Басё

(с) Абе Тошиюки

Видно кукушку к себе
Манят колосья в поле:
Машут словно ковыль…
Басё

Абе Тошиюки (с)

Бабочки полет
Будит тихую поляну
В солнечном свету.
Басё

Абе Тошиюки (с)

Вот здесь в опьяненье
Уснуть бы на этих речных камнях,
Поросших гвоздикой…
Басё

Абе Тошиюки (с)

О священный восторг!
На зеленую, на молодую листву
Льется солнечный свет.
Басё

Дорогие друзья! Надеюсь, что акварель японского художника подарила тепло и напомнила, что лето уже скоро!)

7 секретов рисования акриловыми красками

В художественной среде все больше мастеров кисти пробуют работать акриловыми красками. Как масло или акварель, акрил имеет свои свойства, а значит и несколько иную технику нанесения на холст. Профессионалы знают секреты, но раскрывать их не любят. А как же быть начинающему художнику? Не стоит отчаиваться: эта статья поможет нарисовать первые картины акрилом на отлично.

 Читайте также:

Об этом вы, наверняка, не только слышали, но и сами узнали, попробовав рисовать акриловой краской. Избежать быстрого высыхания помогает обычная вода. Одни слегка смачивают холст перед началом работы, другие разводят на палитре краску водой, третьи замачивают кисти на ночь, чтобы в процессе создания картины они впитывали воду. Выберите наиболее удобный для Вас способ.

Художники обратили внимание на то, что после полного высыхания акриловые краски становятся тусклыми – и цвет картины меняется. Здесь на помощь приходит многослойность. Не бойтесь экспериментировать: мыслите и рисуйте объемно.

У новичка в живописи акрил на холсте может смотреться уныло. Оживить картину помогает мастихин, которым уверенными мазками наносится акрил. 

Белую краску используют в качестве основы на холст, если, конечно, не предполагается темный фон. Тогда картины акрилом получаются более насыщенными. Помните, что светлая акриловая краска не способна перекрыть черную или темно-синею, темно-коричневую. В этом случае также не обойтись без белил.

Для рисования акрилом вам потребуются твердые кисти. Они лучше удерживают краску и дольше служат. Кисти могут быть разного размера. В технике рисования акрилом популярны широкие кисти – ими легко делаются мазки и основной фон. 

О том, что акрил на холсте можно совершенно спокойно покрыть лаком, вы, скорее всего, знаете. Это придаст картине глянцевый оттенок и сделает ее долговечной. А что художнику самому нужно «противостоять» акрилу – об этом мало кто задумывается. Между тем, работая над созданием своего шедевра без перчаток и фартука, мастер может сильно испачкаться краской. Акрил довольно «въедлив» и, засохнув на пальцах или рубашке, быстро не отмывается.

Какие же картины лучше всего рисовать акриловыми красками? Превосходно получаются пейзажи, цветы, натюрморты и, конечно, импрессионистические зарисовки. При соблюдении определенных правил картины, нарисованные акрилом, не уступают по красоте тем, что выполнены маслом.

Вооружитесь этими маленькими секретами, и у вас получиться замечательная картина, о которой вы могли только мечтать!

картины карандашом или акварелью, как научиться рисовать натюрморт в современном стиле и уроки для этого

Гиперреализм – это направление живописи, в котором картины напоминают фотографии. Порой нужно действительно очень хорошо присмотреться к работам, чтобы определить: перед вами находится фото или произведение живописи?

Гиперреализм развился из фотореализма в конце XX столетия и перешел на новую ветвь развития в начале XXI века. А само понятие «гиперреализм» было придумано французским критиком по имени Иса Брахот (Isy Brachot) – оно стало французским аналогом слову «фотореализм». С тех пор гиперреализмом обозначали творчество художников, подвергшихся влиянию фотореализма.

Гиперреализм и фотореализм: есть ли разница?

Фотореализм возник как реакция на художественное движение абстракционизм. Появился фотореализм в США в 60-е годы прошлого века, а в Европе распространился в 70-е. Художники-фотореалисты создают картины, которые выглядят настолько правдоподобно, что, как и предполагается из названия этого направления, напоминают фотографии высокого разрешения.

Задачей фотореалистичной работы является получение технически точного и четкого результата. Художники, пишущие картины в стиле фотореализм, могут нарочно лишать свою работу каких-то эмоциональных деталей, если это нарушает целостность повествования. Темой фотореализма, как и в произведениях поп-арта, является повседневная жизнь человека и ее объекты.

Гиперреализм же, в отличие от фотореализма, наоборот, не дистанцирует себя от эмоциональной составляющей изображений, а добавляет картинам повествовательный характер и новые чувства. Он влечет за собой нечто большее, чем просто точная техника.

Такие картины могут быть супер-реалистичными и детализированными настолько, что в итоге картина представляет собой какую-то другую реальность, а не ту, что была на фотографии или в действительности.

Объем объекта, свет и тень, текстура материалов – все это изображается таким способом, чтобы выглядеть еще более ясно и подробно, даже преувеличенно в сравнении с оригиналом. Однако при этом картины не уходят в сюрреализм – изображение в гиперреализме должно оставаться убедительным, просто настоящая реальность подменяется на ложную, иллюзорную.

Лучшие художники-гиперреалисты XXI века

Стиль гиперреализм на сегодня стал очень популярным, а армия его последователей растет с каждым годом: благодаря Интернету можно увидеть тысячи гиперреалистичных работ и в графике, и в живописи.

Все имена назвать невозможно, поэтому ниже представляем вам картины всего лишь нескольких художников, которые, тем не менее, являются одними из самых примечательных авторов XXI века, представляющих гиперреализм в живописи.

Джейсон де Грааф

Увидев работы Джейсона де Граафа впервые, вам будет непросто поверить, что это живопись. Его гиперреалистичные миры – тщательно продуманные иллюзии, созданные с помощью нежных мазков и создающие впечатление самых настоящих фотографий в высоком разрешении. Де Грааф пишет картины в таком жанре живописи, как натюрморт.

Ключевым элементом большей части картин этого художника в стиле гиперреализм является отражение: от сверкающих металлических шариков до полированных хрустальных черепов – художник использует все возможности правдиво изобразить объем предметов и сделать их «живыми» за счет точной передачи тени и света.

Сам автор говорит о своих работах, что они – постановка альтернативной реальности, благодаря которой художник может выразить свое уникальное видение.

Его целью не является запечатлеть предметы такими, какие они есть на сто процентов, а создать некую иллюзию глубины и ощущения присутствия, которого в фотографиях не встретить. Поэтому де Грааф использует для своих картин такие предметы, которые что-либо означают для него или в действительности являются артефактами из его жизни, а цвета и композиции выбирает интуитивно.

Марко Грасси

Еще один автор в стиле гиперреализм, чьи работы поражают своей реалистичностью и заставляют многих приглядеться к ним еще разок – это итальянский художник из Милана по имени Марко Грасси. Его картины настолько детализированы, что действительно имеют качество фотографий.

Работы Грасси – это чувственные портреты моделей, застенчиво глядящих в сторону от камеры.

В них часто добавлен какой-то сюрреалистический элемент, который будто вплетается в портрет – например, это может быть узор, который нарисован или вырезан на коже модели.

Кстати, кожа девушек на портретах – отдельная причина увидеть эти работы, она кажется идеальной и бархатной, и присмотревшись, зритель сможет разглядеть каждую веснушку или пору на лицах.

Грасси называет свой стиль живописи «сюрреалистичный гиперреализм».

Он говорит, что вдохновляется различными текстурами, консистенцией материалов, тем, как они взаимодействуют со светом и как он отражается в них – что художник и пытается передать в своих картинах.

Род Чейз

Как один из лучших и наиболее узнаваемых художников-гиперреалистов нашего времени, Род Чейз заслужил огромное уважение своих коллег и обожание множества коллекционеров.

Каждая картина, снятая с его мольберта – шедевр, созданный благодаря тщательному исследованию объекта живописи и его многочисленным фотографиям. Этот подход к написанию картин и привел к невероятному качеству каждой работы Чейза.

Художник написал множество картин в стиле гиперреализм с пейзажами и знаменитыми местами городов Нью-Йорка и Вашингтона, штатов Колорадо и Калифорнии, таких стран Европы, как Италия, Великобритания, и других. В поисках интересных локаций и фотографий он лично путешествовал по всем этим местам. Чейз говорит, что, будучи гиперреалистом, он сильно зависит от поиска хорошего материала для каждой картины.

Картины Чейза, в основном, выполнены акрилом на холсте. Художник тратит сотни часов на создание каждой работы с целью представить свежий, элегантный и уникальный подход к уже знакомым объектам. И детализация, и настроение его картин одинаково впечатляют.

Эмануэль Дасканио

Эмануэль Дасканио – один из лучших современных художников, настоящий мастер стиля гиперреализм, работы которого поражают своей чувственностью и реалистичностью.

Помимо замечательной техники, Дасканио прячет в своих работах дополнительные смыслы с помощью малозаметных визуальных деталей, которые помогают художнику создать иллюзию реального мира. Сам автор утверждает: загадка только тогда является таковой, если она открывается глазам зрителя не спеша.

Источник: http://megapoisk.com/giperrealizm-izvestnye-hudozhniki-i-ih-kartiny

Иллюзия или отражение? Гиперреализм

Я никогда не была поклонницей реализма в искусстве, но простое любопытство и увлечение сына фотографией привело к тому, что я заинтересовалась таким направлением в живописи, как гиперреализм, развившийся в конце 20 века и получивший распространение одновременно в разных странах мира.

Насколько одни зрители и критики восхищены работами этого направления искусства, настолько другим оно отвратительно, и даже за искусство не принимается.

Гиперреализму как направлению в искусстве предшествовал фотореализм. Впервые это слово, «фотореализм», было придумано, а затем и опубликовано в 1970 году Луи Мейзелем для выставки «22 реалиста» Музея Уитни. Фотореалистическая живопись невозможна без фотографии, так как снимки со слайдов с помощью сетки переносятся на холст, становясь в результате живописной копией фотографии.

Помните, говорили, что некоторые огромные полотна Глазунова с большим количеством маленьких лиц сделаны частично именно таким способом.Но вот современный гиперреализм не копирует буквально реальность, а создает иллюзию этой реальности, тщательно и скрупулезно выписывая объекты, сцены, мелкие детали, становясь, таким образом, одним из видов современного искусства.

Это направление можно обозначить как симуляцию того, чего не существует в реальности, но благодаря убедительной иллюзии кажется ею. Свое название как течение в живописи гиперреализм получил с легкой руки бельгийского арт-дилера Айса Брахо, устроившего в 1973 году в своей галерее в Брюсселе крупную выставку с таким названием.

Теперь этот термин «гиперреализм» применяется к самостоятельному направлению в искусстве, сложившемуся в конце 20 — начале 21 века и получившему широкое распространение во всем мире.

Одним из самых поразительных художников этого направления мне показался Хавьер Аризабало, родившийся во Франции, учившийся и живущий в Испании. Главное для него – отразить падение света на человеческое тело, «его нежные, но точные мазки создают образы, которые, казалось бы, вот-вот сойдут с холста в реальный мир.

Мексиканский художник Омар Ортиз, родившийся в 1977, изучал разные техники рисунка в колледже, предпочитает работать маслом, его стиль можно назвать «минималистским гиперреализмом» из-за отсутствия большого количества предметов и деталей на картинах. В основном рисует полуобнаженных и обнаженных женщин.

Художник из Мадрида, 47-летний Педро Кампос пишет маслом невероятно реалистичные натюрморты. «Я думаю, на развитие моего собственного стиля рисования сильно повлиял процесс восстановления картин, — говорит художник. – Восстановление древних картин вынуждает вас искать решение в цвете, любой личный вклад художника должен оставаться незамеченным».

Английский художник Пол Робертс, родившийся в 1948 году, начал свою карьеру художника еще в 70-х годах, но вынужден был прервать ее в связи с мировым успехом рок-группы, солистом и автором песен которой он был, а затем и из-за своей сольной карьеры. Только с 2000 года он занимается исключительно живописью.

Канадский художник Джейсон де Грааф родился в 1971 году в Монреале, живет и работает в Квебеке. О своем творчестве он говорит так: «Мое основное желание – создать иллюзию глубины и пространства, которой очень трудно добиться фотографией».

Диего Гравинезе родился в Аргентине в 1971 году и за последние 15 лет выставлялся в музеях Парижа, Нью-Йорка, Мадрида, Чикаго, Буэнос-Айреса и во многих других городах мира.

В России элементы гиперреализма можно было заметить еще в произведениях соцреализма 20 века, а например, современный украинский художник Александр Иванов так и называет свою манеру в живописи «гиперреалистический соцарт» (я бы добавила, и «ироничный соцарт»).

Российский художник Андрей Никулин в основу своего творчества положил точное, до тычинки и пыльцы, изображение цветов во всем их многообразии.

В это трудно поверить, но невероятно фотореалистичные рисунки португальского художника-любителя Самюэля Сильвы выполнены обыкновенными шариковыми ручками. Все рисуется сразу и без исправлений, ведь пасту не сотрешь и не откорректируешь. На каждый маленький шедевр уходит от 5 до 50 часов кропотливого труда.

Бельгийская художница Синди Райт родилась в 1972 году, закончила в 1966 году Художественную академию, живет и работает в Антверпене.

Диего Фацио, художник из Италии, любит карандаш, на создание этого портрета ушло около 200 часов.

Предлагаю вашему вниманию еще несколько работ художников, работающих в направлении «гиперреализм».Как всегда, предлагаю вам посмотреть слайдшоу с музыкальным сопровождением, в котором представлено больше работ по теме.

Источник: https://history-of-art.livejournal.com/798265.html

Особенности гиперреализма как стиля в живописи

Гиперреализм – современное направление живописи, характерное техникой изображения объектов и предметов с максимальным сходством с фотографическими картинами.

Картины являются своего рода копией фотографии, но не в буквальном смысле, их тематика варьируется: портреты, натюрморты, пейзажи сельские и городские. Гиперреализм передает реальность аналогично фотореализму.

Главными темами творчества являются: социум, проблемы общества, политические и культурные темы, реклама, «человек в большом городе» — макрофотографическое внимание к его роли и проблемам. Гиперреализм это общий термин, описывающий особую форму реалистической живописи и скульптуры, которая возникла в начале 70-х годов XX века.

История

Он также упоминается под понятием суперреализм. В живописи считался синонимом фотореализма. В 1973 году название «Гиперреализм» охватило выставку и большой каталог работ. Термин для обозначения стиля предложил использовать Иса Брахот, по его мнению, он более точно отображал сущность работы художников, чем фотореализм.

Большинство художников-гиперреалистов работают непосредственно с фотографией или цифровым изображением, при помощи традиционных методов сетки или путем проецирования цветного слайда изображения на холст. Цель состоит в том, чтобы воссоздать ту же резкость деталей, что и на фотографии, по всей картине.

Особенности стиля

Истоки гиперреализма лежат в 1960-х годах, когда в США и Европе распространилось направление «фотореализм». Создать работу в этом стиле невозможно без фотографии. Методы и принципы работы переняли гиперреалисты:

• Использование технических средств для создания картины;
• Стремление сделать изображение максимально близким к фотографии;
• Особое внимание уделялось деталям картины.

Для гиперреализма характерны такие черты:

• Гиперреализм имитирует реальные формы, как в живописи и скульптуры;
• Реальная одежда и текстиль, ткани и бумаги часто используются в творчестве;
• Внешняя реалистичность и гипертрофированность в совокупности с игнорированием сути, глубинного смысла;
• Для стиля характерны прагматизм и натурализм;
• Используется различная техника для нанесения на холст изображений людей и предметов;
• Изображение сложное с точки зрения фигуративности, построения композиции;
• Отказ от эмоционального воплощения реальности, характерны беспристрастность, точность, документализм;
• В деталях живописи иногда могут быть преувеличения, чем стиль и отличается от техники фотореализма;
• Изображения кажутся статичными, холодными, отчужденными;
• Упрощение фактур при помощи техник лессировки и аэрографии;
• Стремление избежать наличия особого почерка автора.

Гиперреализм стиль фокусируется на деталях предметов. Картины в этом стиле были отображением реальных объектов с дополнительными, тонкими деталями, которые создавали иллюзию действительности.

Философия

Объяснить философию стиля поможет мнение социолога и культуролога Жана Бодрийяра: по его мнению, гиперреализм – это симуляция реальности, иллюзия, ложная действительность, фотографическая передача того, чего никогда не существовало. Сами живописцы, работающие в этом стиле, отрицают слепое копирование фотографии.

Художники фокусировали внимание на блестящих отражающих поверхностях – поверхность полированного автомобиля, стекло, водная гладь, пластик, металл. Работы в стиле гиперреализм должны быть более чем копией реальности, они должны передавать сверхдействительность.

Гиперреализм характеризуется более сложным фокусом на объекте действительности. Текстуры, фактуры, световые эффекты и тени являются яснее и отчетливее, чем на фото. Они более выражены, чем в реальности. Назвать изображение сюрреалистичным нельзя, поскольку иллюзия является убедительной моделью реальности.

Приемы

Художники использовали приемы работы фотографов для создания эффектной картины:

1. Съемка с высоты
2. Крупный план и макросъемка
3. Оптическая иллюзия и монтаж
4. Раскадровка
5. Полиэкран.

Известные творцы и их работы

Уилл Коттон

Американский живописец. Центральная тематика работ – обнаженное женское тело. Работает в жанре пейзаж: Коттон создает гиперреалистичные изображения домов и зимних ландшафтов из сладостей, «материалами» служат вафли, безе, сахарная вата, торты, крем. Художник сам готовит модели для своих картин.

В его студии есть духовка и все необходимое для изготовления вкусных моделей.

Работы путешествуют по всему миру, а персональные выставки действовали в Нью-Йорке, Бостоне, Париже, Кельне, Лос-Анджелесе. Картины: «В пещере мороженого», «Скалистые горы», «Черное и белое», «Нега в кремовых облаках», «Ореховый дом».

Скотт Прайор

Живописец из США, работает в стилях современный реализм, гиперреализм. Картины находятся в частных коллекциях, в американских художественных музеях. Работает в жанрах пейзаж, портрет. Картины узнаваемы, благодаря особой передаче световых отблесков, тонкой работе с отражающими поверхностями, вниманию к красоте обнаженного женского тела.

Наиболее известные работы: «Спящая Нэнни», «Девушка в воде», «Нэнни и роза», «Молли».

Хавьера Арисабало

Испанский гиперреалист. Практически не работает с фоном, в центре картины – человеческая фигура с выраженными контурами. Герои работ вырваны из среды обитания, не связанны с миром, в котором они живут. Для художника важны только образы, а не среда, в которой они развиваются. Гиперреализм – характерное направление искусства второй половины XX века. Направление продолжает развитие в различных формах и проявлениях.

Источник: https://artrecept.com/zhivopis/stili/giperrealizm

Гиперреализм в живописи

В 70-ых годах 20-го столетия в Америке возникло новое течение в сферах скульптуры и живописи — гиперреализм. Появление его стало настоящим событием в художественном искусстве всего мира.

Это определение используют для нескольких обозначений: разветвлений в живописи, кинематографии, скульптуре, популярных в 1990-2000-ых; фото европейских реалистов 70-ых.

Синонимом к «гиперреализму» является фотореализм.

В 1973 гиперреализмом назвали крупный каталог и Брюссельскую выставку произведений искусства. Там в большинстве своем представляли свои работы фотореалисты США. Помимо того, на ней были показаны картины следующих художников Европы: Делкола, Клафека, Герхарда Рихтера, Гноли.

Три десятилетия спустя понятие «гиперреализм» применили для названия манеры новых творцов. Они имитировали фотоснимки путем использования средств живописи на холсте.

Их главной задачей было изображение современной жизни: магазинных витрин, ресторанов, светофоров, многочисленных станций метро, людей и зданий. Особенное внимание художники обращали на блестящие и отражающие поверхности, такие как стекло, полировка машин, пластик и т. п. Игра отражения на этих поверхностях создавала ощущение взаимного проникновения пространства.

Гиперреалистичные работы легко путают с фотографиями. Однако они нарисованы рукой своего талантливого автора.

Художники гиперреалисты

Ольга Ларионова, Рон Мюэк, Педро Кампос, Сэмюэль Сильва, Франко Клун.

Гиперреализм всегда был направлением в искусстве, порождающим большое количество споров. Некоторые восхищены мастерством живописца, другие в недоумении, зачем рисовать то, что запечатлено фотоаппаратом.

Цель гиперреалистов – изображать мир не только достоверно, а супер похоже, супер реально.

Ими использовались механические методы, а именно копирование снимков и подгон их до габаритов больших полотен (диапроекция и прочее). Краски распылялись посредством аэрографа, сохраняя все характеристики фотографического изображения, исключая индивидуальные манеры мастеров.

Помимо того, гости на выставках данного направления в холлах встречали фигуры людей. Они были сделаны в натуральный рост с помощью современных полимерных средств. На них были одеты готовые наряды. А раскрашены так, что фигуры походили на зрителей. Такой перформанс вызывал у людей замешательство и шок.

Задача фотореализма заключается в обострении нашего восприятия обыденной жизни, изображении символизированной современной среды, отражении нашей эпохи в форме «техискусства», которое широко распространилось в нынешний период технологического прогресса.

Фотореалисты запечатляли и выставляли сущность современной жизни, но скрывали свои эмоции. По сути, в своих работах это направление чуть не бросило вызов всему искусству, очутившись на его границе и стремясь к соперничеству непосредственно с жизнью. Небывалой реалистичности гиперреалисты достигли, гоняясь за техникой и деталями.

Портреты, выполненные этими художниками, – что-то больше, чем обычные копии фотоснимков. Большой талант и настойчивость авторов делают их просто невероятными.

В них жизнь, которую видит художник, наши эмоции и иллюзия мира, в котором мы живем.

Для изобразительного искусства направление гиперреализма уже нельзя назвать новинкой. И все же, невзирая на большую популярность этого течения, реалистичность новых произведений художников за каждым разом и с новыми силами потрясают мастерством и высоким уровнем, с которым они выполнены.

В наши дни большинство представителей концептуального искусства пишут работы все более незаурядные и оригинальные.

Источник: https://allpainters.ru/napravleniya/giperrealizm-v-zhivopisi.html

История живописи: Реализм и гиперреализм

История живописи – это увлекательный процесс познания человеком мира, отражение его     мыслей и эмоций на полотна под воздействием понимания или недопонимания вещей, происходящих вокруг и внутри художника.

Иван Шишкин. Рожь. 1878.

Вместе с тем, как морально рос и развивался человек, менялись и его взгляды на жизнь. Эти образы и видения ложились в основу картин, которые удивляют нас глубиной своей фантазии и буйством красок. Не удивительно, что количество стилей и направлений в живописи сегодня так велико. Каждый век по-своему уникален и неповторим. История живописи с культовыми фигурами у мольбертов, раскрывает нам тайны различных течений в искусстве, предпосылки к их возникновению, а так же дарит нам свою философию.

Чтобы рассказать абсолютно обо всех направлениях в искусстве не хватит и жизни. Однако мы попытаемся очертить наиболее популярные стили, которые вошли в историю и актуальны сегодня.

Реализм и гиперреализм

Помните ли Вы, как в детстве, держа в руках цветной карандаш или кисточку, Вы стремились сделать свой рисунок более правдоподобным? Желание передать красоту действительности, наверное, заложено в нас на подсознательном уровне.

Наша память пытается запечатлеть самые приятные мгновения и самые очаровательные образы. Ведь, как известно, человеческий мозг запрограммирован оставлять в своем архиве лишь настоящие  фрагменты.

Реализм в живописи, как стиль и крупное течение в истории искусства, возникло как раз по той же причине.   Оно родилось фактически еще тогда, когда пещерный житель впервые решился отобразить свой мир по средствам рисунка. Однако он, так же, как ребенок, не сразу научился писать шедевры. Из века в век художники совершенствовали свои навыки.

Естественное восприятие действительности и точная передача ее на холсте окончательно воплотились на холстах спустя лишь несколько эпох, на рубеже XIX-XX веков под логичным термином «Реализм».

Кстати, этот термин по праву принадлежит французскому литературному критику Ж. Шанфлёри, который выдумал его для  противопоставления академизму и романтизму. Как известно, эти два стиля полны  милых выдумок, в которых действительность несколько приукрашена, вычурна и манерна.

Античный лоск, в котором грация изменчива и неправдоподобна, пределом надоел мастерам из Франции.  Тогда, в 1855 году живописец Гюстав Курбе представил миру серию картин под названием «Павильон реализма», которая  поразила всех своей смелостью и красотой реальных сюжетов.

Гюстав Кюрбе. Просеивание зерна.

Реализм в живописи – это правдивые формы действительности, к которым стремились всеми силами художники с первобытных времен. Они желали передать истинную эстетику окружающего мира, сущность его явлений и образов, не забывая об индивидуальности портретов, красоте натюрмортов  и неповторимости пейзажей.

Не удивительно, что реализм получил  большое распространение и за пределами родной Франции. В разных странах Европы это течение имело различные названия. В России это не иначе как «передвижничество», в Италии – удивительный «веризм Маккьяйоли», в Австралии – школа Робертса и Маккаббини, а в США – громкая «школа мусорного ведра» Э. Хоппера.

Однако прежде чем найти своих последователей на разных континентах, реализм разделился на такие направления, как импрессионизм и натурализм. Задача первого – максимально точно передать эмоцию в конкретный момент времени, а второго – реально воплотить конкретный физический образ. Спустя столетие реализм трансформировался в новый стиль – гиперреализм.

Термин, как синоним от французского «фотореализма», придумал Isy Brachot в 1973 году.   В этом же году в Брюсселе прошла художественная выставка с одноименным названием.

Но как отдельный серьезный стиль гиперреализм в живописи сформировался лишь тридцать лет после этих событий.

Эстетические принципы фотореализма, который полностью копирует повседневную действительность, за это время весьма  выросли. Художники стали делать акцент на детализации образов.

Омар Ортис.

Сейчас это один из наиболее сложных и эффектных стилей, который стремится к передаче тонкой структуры и фактуры жизни. Гиперреализм можно смело назвать максимально точным  отражением действительности и антитезой концептуальному искусству.

Художники, работающие в данном направлении, концентрируют свое внимание на каждом миллиметре холста, стараясь создать идеальные линии и светотени с натуры-изображения, то есть с фотографии.

В тоже время, философия течения корнями входит в творчество Ж. Бодрийяра, который говорил о симуляции образов, никогда не существовавших в реальности.  Иными словами, гиперреалисты создают так называемую «ложную реальность» или «убедительную иллюзию».

Источник: http://jivopismaslom.ru/interesnyie-stati/istoriya-zhivopisi-realizm-i-giperrealizm.html

Это НЕ фотография: картины 12-и лучших художников-гиперреалистов

Этот талантливый 22-летний художник не перестает удивлять и снова доказывать, что его картины не являются фотографиями, и что все они нарисованы карандашом.

Он подписывает свои работы, которые публикует в интернете, как DiegoKoi. Так как все еще остаются те, кто не верит, что он все рисует сам, ему приходится делиться секретами своего творчества.

Фацио начинал как автор эскизов для татуировок. Свое мастерство он стал оттачивать самостоятельно, будучи вдохновленным работами японских художников периода Эдо, особенно Кацусика Хокусай.

Художник уже может похвастаться собственным стилем — все работы он начинает с края листа, невольно имитируя струйный принтер.

Его главные инструменты это карандаши и уголь. Чтобы нарисовать портрет, Фацио требуется около 200 часов.

Невероятно реалистичные автопортреты создает живописец из Испании Элой Моралес.

Все картины написаны маслом. В них он изображает себя, запачканным красками или кремом для бритья, тем самым он старается поймать и изобразить свет.

Работа над картинами очень скрупулезная. Автор работает медленно, тщательно выбирая цвета и обрабатывая все детали.

И все же, Моралес опровергает, что акцент он ставить на детали. Он утверждает, что для него самое важное это правильно подобрать тона.

Хосе Вергара молодой американский художник из штата Техас. Он является автором картин, каждая из которых невероятно точно передает человеческий глаз.

Мастерством рисования глаз и их деталей, Вергара овладел, когда ему было лишь 12 лет. Все гиперреалистичные картины нарисованы обычными цветными карандашами.

Чтобы картины казали еще реалистичнее, художник добавляет на радужные оболочки отражение объектов, на которые смотрит глаз. Это может быть горизонт или горы.

Работы современного 40-летнего художника, который родился в городе Тодди, Италия, поражают своей реалистичностью и деталями. Стоит отметить, что еще в раннем детстве он начал рисовать, а уже к 19 годам его привлекло движение гиперреализма, и до сих пор он рисует масляные картины в этом стиле.

Этот молодой 28-летний художник родом из города Вэйкфилд, Англия. В 2008 году он с отличием окончил Университет Хаддерсфилда (University of Huddersfield), получив степень бакалавра в области искусства и дизайна.

То, что он изображает в своих картинах связанно с образами, которые он видит каждый день. Сам Том ведет здоровый образ жизни, и это влияет на его работы.

В картинах Мартина можно найти кусок стали или разложенные конфеты, и во всем этом он находит что-то свое, особенное.

Его целью не является простое копирование изображения с фотографии, он рисует картины, используя несколько техник рисования и моделирования, которые были разработаны с использованием современных технологий.

Бывает так, что автор показывает зрителю свои гиперреалистичные работы, с ситуациями, которые физически невозможны в настоящем мире. Цель Мартина — заставить зрителя поверить в те вещи, который он перед собой видит.

Педро Кампос является испанским художником, проживающим в Мадриде, Испания. Все его картины невероятно похожи на фотографии, но на самом деле все они нарисованы масляными красками.

Начиналась карьера талантливого художника в творческих мастерских, где, будучи еще очень юным, он оформлял ночные клубы и рестораны. После этого он работал в рекламных агентствах, но любовь к гиперреализму и живописи, вероятно, пришла тогда, когда он занимался реставраторством.

В 30 лет он начал серьезно думать о профессии независимого художника. На сегодняшний день ему за сорок, и он является признанным мастером своего дела. Работы Кампоса можно увидеть в популярной лондонской художественной галерее «Plus One».

Для своих картин, художник выбирает предметы со своеобразной текстурой, например, блестящие шарики, искрящаяся стеклянная посуда и т.д. Всем этим, на первый взгляд, обычным неприметным предметам, он дает новую жизнь.

Самое интересное в работах этого художника это то, что они нарисованы исключительно шариковыми ручками — 8 цветов. Большинство картин 29-летнего Сильвы списаны с фотографий, которые ему наиболее понравились. Чтобы нарисовать один портрет, художнику нужно около 30 часов кропотливой работы.

Стоит отметить, что рисуя шариковыми ручками, художник не имеет право на ошибку, т.к. исправить будет почти невозможно. Самуэль не смешивает чернила. Вместо этого штрихи разных цветов наносятся слоями, что и дает картине эффект богатой палитры цветов.

По профессии молодой художник юрист, а рисование — это лишь его хобби. Первые рисунки были сделаны еще в школьные годы в тетрадях. Кроме ручек, Самуэль пробует рисовать мелом, карандашом, масляными красками и акрилом.

Рисовать этот художник-самоучка начал в уже далеком 1992 году. Сейчас Кристенсен является одним из самых популярных и модных художников. Кроме всего прочего, Эрик — пока единственный в мире художник-гиперреалист, рисующий исключительно акварельными красками.

Его картины изображают праздный образ жизни, мотивируя зрителя отдохнуть где-нибудь на вилле с бокалом вина в руках. Родом из города Кьери, Бенедиченти решил связать свою жизнь с реализмом. Он родился 1 апреля 1948 года, то есть уже в семидесятых он работал в этом направлении.

Одними из самых известных его картин были те, где он детально изображал пирожные, торты и цветы, причем они настолько точно выглядели, что эти пирожные хотелось съесть.

Закончил Луиджи художественную школу в городе Турине в 70-х. Многие критики начали хорошо отзываться о его картинах, а также появились свои поклонники, но художник не спешил навстречу выставочной суете.

В начале 90-х годов, он решил выставить свои произведения на всеобщее обозрение. Сам автор говорит, что ему хочется передать в своих работах ощущения и волнения маленьких радостей, которые он сам испытывает ежедневно, будучи примерным семьянином, хорошим другом и жителем небольшого итальянского города.

Работы художника Грегори Тилкера, который родился в Нью-Джерси в 1979 году, напоминают путешествие на машине в прохладный дождливый вечер. Автор пишет свои гиперреалистичные картины, используя кисть, акварель и масляные краски.

В работах Тилкера можно увидеть автостоянки, автомобили, трассы и улицы сквозь капли дождя на лобовом окне. Стоит отметить, что Тилкер изучал историю искусств в колледже Уильямса, и живопись — в Вашингтонском университете. После того, как он переехал в Бостон, Грегори решил поставить акцент на городских пейзажах, которые и можно увидеть в его работах.

Вы, возможно, удивитесь, но на работы известного шотландского художника Пола Кэддена повлияла гениальный советский скульптор Вера Мухина.

Главные цвета в его картинах — это серый и темно серый, а инструмент, которым он рисует – грифельный карандаш, которым он передает даже самые незначительные капли воды, замерзшие на лице человека. Иногда Кэдден берет в руки мел и уголь, чтобы еще реалистичнее сделать изображение.

Стоит отметить, что герой рисует с фотографий. Художник говорит, что его миссия создавать живой сюжет из обычной, плоской фотографии.

Главная тема художника гиперреалиста Марчелло Беренжи — это окружающие нас предметы. Нарисованные им картины настолько реальны, что кажется можно взять в руки нарисованный пакет чипсов, или собрать нарисованный кубик Рубика.

Для создания одной картины, Марчелло тратит до 6 часов кропотливой работы. Еще один интересный факт — это то, что сам художник снимает на видео весь процесс создания рисунка и потом выкладывает в сеть 3-минутный ролик.

Источник: https://www.infoniac.ru/news/Eto-NE-fotografiya-kartiny-12-i-luchshih-hudozhnikov-giperrealistov.html

13 приемов и техник – DIY и мастер-классы

Мы собрали идеи и мастер-классы, которые помогут каждому написать идеальную картину для своего дома.

В вашем доме есть пустая стена, на которую нечего повесить? Алые подушки на диване смотрятся одиноко и требуют еще одного яркого акцента? Просто возьмите холст и нарисуйте подходящую картину!

Мы живем в эпоху победившего абстрактного искусства, когда о каждой второй галерейной работе хочется сказать, что ее может нарисовать даже ребенок. Так почему бы не отбросить страхи и не забыть на время о реалистическом искусстве, чтобы создать собственный маленький шедевр? Рисовать — это весело, к тому же абстрактную картину просто невозможно нарисовать плохо или неправильно! Вам понадобятся только холст, краски, смелость, несколько часов свободного времени и, возможно, приятная компания соавторов, чтобы создать неповторимое произведение искусства, идеально подходящее для вашего интерьера. Это куда интереснее, чем просто купить постер в IKEA! Если вы согласны с нами, предлагаем вам подборку лучших техник и мастер-классов для создания собственной картины.

Золото и бетон

Самый-самый любимый цвет всех, кто берется делать стильную картину своими руками — золотой. Нужно всего лишь добавить немного сусальной фольги или просто краски на любой, даже однотонный, фон. Хорошо и не слишком вызывающе золото смотрится с неравномерным серым бетонным цветом.

Фото: JenniferFlanniganart / etsy.com

Это интересно:

Декоративная голова оленя на стену: выбираем самую стильную

Звуковые волны

Горизонтальные неровные линии всегда напоминают какие-то графики или визуализацию звуковых волн, в общем, что-то важное, и поэтому смотреть на них интересно. Чтобы разбавить скучноватую монохромность изображения, можно, как автор этого мастер-класса, добавить немного (или много!) золота.

Геология

Замечали, как красивы бывают срезы камней? Это рисунок с историей, рассказ об изменениях климата, рельефа, животного мира. Вы можете создать свой прекрасный образец породы: просто возьмите вертикальный холст и наносите на него горизонтальные полосы разной ширины и разного цвета. Позовите детей рисовать вместе с вами — пусть они придумывают историю вымышленного мира, в котором мог появиться такой красивый срез.

Фото: BrennaGiessen / etsy.com

Горох

Горох — волшебный узор: его можно нарисовать на всем, и получится красиво. Не обязательно даже иметь под рукой кисточку — просто сделайте штамп из винной пробки или донышка стакана. Если взять краску погуще (как в этом случае), рисунок отпечатков  будет напоминать узор кораллов!

Цветной горох

Если вам хочется чего-то посложнее, то сделайте принт с цветным орнаментом. В этом мастер-классе для того, чтобы горох был ровным, его вырезают специальным дыроколом, а потом наклеивают на холст.

Клякса

Один из способов создать абстрактный рисунок — максимально отстраниться от работы и позволить краске сделать все за вас. Например, налить большую кляксу а потом наклонять холст, чтобы краска живописно стекала по нему. Такую картину можно сделать вместе с ребенком, вам для этого даже не понадобится кисточка.

Фото: CelineZiangArt / etsy.com

Трафарет

Проверено: любые абстрактные пятна смотрятся круче, если их края очень ровные. Такой эффект контраста можно получить, если рисовать через трафарет, или предварительно зарезервировать часть холста с помощью малярной ленты, или нанести белые границы с помощью трафарета потом, как в этом мастер-классе.

Каракули

Делайте загогулины любого цвета на холсте любого цвета, вдохновляясь известными работами, или полагаясь только на собственное вдохновение — границ и законов тут нет, каракули-арт очень демократичное направлений! Можете, как блогер Мишель, создавать много слоев, добиваясь сложной фактуры, а можете рисовать чистым цветом по белому. Главное — расслабить руку и не забывать о том, что это баловство, и неудачный вариант всегда можно закрасить.

Образцы цвета

Картины с небрежными горизонтальными линиями выглядят так, словно это образец цветов со стола работника института Pantone или палитра модного визажиста. Секрет успеха здесь, как демонстрирует блогер Джулия, — оставить достаточно пустого пространства и наносить краску одним движением. Цвета могут быть любыми.

Омбре

Градиент, или омбре — очень простой и очень красивый эффект. Чтобы его повторить, не нужен даже мастер-класс. Две краски — основная и белая, кисть или валик, пять минут потраченного времени, и картина готова. Отличное решение, если в вашей светлой квартире доме есть яркий аксессуар, который требует поддержки цветом.

Авангард

Нет ничего проще, чем сделать принт в авангардном стиле. Рисуйте прямые линии с помощью скотча, как в этом мастер-классе, и используйте яркую краску прямо из банки.   Единственный совет — не поленитесь заранее сделать несколько эскизов.

Штампы

Самые бюджетные картины не требуют даже покупки кистей: просто возьмите первый попавшийся под руку предмет и используйте его как штамп. Вы удивитесь, какую стильную вещь можно нарисовать с помощью обычного стакана! 

Фото: bungalowm.com

Импрессионизм

И последняя на сегодня идея картины — импрессионистское полотно, написанное крупными мазками. Художница Ashley Sturgill показывает, как написать яркую картину с золотым акцентом.

Вдохновляйтесь и экспериментируйте, а мы будем помогать вам в этом!

Чем хороша смешанная техника рисования и какие возможности она открывает?

Приветствую вас друзья, подписчики и посетители сайта!

Тема этой статьи, на мой взгляд, наинтереснейшая и с огромными перспективами в мире  изобразительного искусства.

Если вы  читаете регулярно мои статьи, то знаете, что смешанная техника рисования — одна из моих любимых. Да и не просто любимых: во многих случаях только с её помощью удаётся создать такие эффекты на холсте или при оформлении помещения, которые практически недоступны при работе с какой-то одной классической техникой. Она открывает действительно огромные возможности для творчества!

В то же время смешанная техника в живописи до сих пор недостаточно разработана, а из-за разнообразия методов в ней пока ещё нет четкой классификации, установленных стандартов, выраженных течений и направлений. Она кажется многим мастерам своеобразной «terra incognita», в которую немного страшновато заходить. А зря! Для разнообразия также приглашаю почитать мою статью Развитие живописи: взгляд креативного художника 

На самом деле достаточно один раз начать писать маслом и акрилом, или, например, акварелью и гуашью, чтобы буквально влюбиться в эту технику и в дальнейшем уже не изменять ей.

Смешанная техника рисования — узор карандашом по влажной поверхности акрила

Но для начала давайте поговорим о смешанной технике вообще.

Смешанная техника рисования — это написание одной картины с использованием нескольких разных техник. Иногда это позволяет создать на холсте эффекты, недоступные при применении какой-то одной отдельной техники. А иногда только в такой смешанной технике и можно создать желаемое произведение.

Например, можно писать картины маслом и акрилом, это позволяет достаточно быстро создать с помощью акрила фон (например, чтобы поймать быстро проходящую игру цветов во время восхода солнца), а затем маслом прорабатывать объекты и детали. Для своих картин, помимо масла и акрила, я широко использую лаковые витражные краски. Эффект на холсте получается необычный.

Слева масло и лаковые витражные краски 130/90 см, справа акрил и лаковые витражные краски 60/50 см

При желании, вы можете сами попробовать смешанную технику в живописи, в специальном видео уроке. Таким образом, откроете для себя новое направление в современном и декоративном искусстве.

Разумеется, вариантов таких комбинаций великое множество: многие традиционные техники можно сочетать одну с другой. Причем не обязательно ограничиваться только двумя техниками: на одном холсте можно применять и три, и даже более разных материалов.

Самая известная и старая смешанная техника живописи — это одновременное применение  акварели и гуаши. Оба эти типа красок являются водорастворимыми, но при этом гуашь плотна и насыщенна, а акварель более эфемерна.

Сочетание их позволяет очень четко расставлять акценты, конечная картина получается нежнее, чем написанная гуашью, но насыщеннее, чем акварельная. Этим пользовались художники ещё в Средние Века: смешанная техника из акварели и гуаши встречается ещё на картинах в старинных книгах.

Другое известное направление — писать маслом и акрилом. Здесь акрил используется в основном для быстрого создания подмалёвка, поскольку он быстро сохнет. Поэтому маслом и акрилом рисуют обычно на пленэрах, где нужно быстро ловить состояние погоды. Но есть у такой техники и нюансы. Например, если акрил не просох достаточно, он будет вытягивать масло из верхнего слоя, и сами масляные краски пожухнут. Это, кстати, можно использовать и как один из эффектов.

Смешанная техника рисования картины маслом и акрилом

Другие варианты смешанных техник — это:

• Восковые мелки и акварель. Суть её заключается в том, что акварель не смачивает воск, то есть всё, что нарисовано мелками, акварелью не закрасится. Этой комбинацией обычно знакомят со смешанной техникой детей;
• Витражные краски на водной основе и акварель, либо витражные краски / на водной основе или на растворителе/и акрил — эта комбинация позволяет очень насыщенно расписать любую основу
• Акварель и тушь. В ней тушь используется обычно для выделения контуров, акцента на самых темных, насыщенных элементах, а акварелью прописываются яркие, размытые детали;
• Акварель и пастель. Здесь акварелью готовится подмалевок, фон, а пастель используется для прорисовки контуров и деталей;
• Акварель и цветные карандаши — техника похожа на предыдущую;
• Акварель и гелевая ручка, в которой ручкой можно прописать очень тонкие и очень контрастные линии и контуры. Техника часто используется для иллюстрации книг.

 С другой стороны, чтобы лучше понять что с чем можно, а что с чем нельзя, нужно немного поэкспериментировать, например, на картоне, куске стекла или холсте. Подразумевая под словом «смешанная техника в рисовании или в живописи», мы имеем в виду не только краски, но и другие материалы, которые могут пригодиться для создания какой- то определенной картины.

Я использую для красивых и ярких эффектов поталь, мелкие стекла и зеркала, стразы и папье маше, газету и коллажи…. Одним словом, картины маслом и акрилом приобретут необычный вид, если сверху наклеить пару обычных предметов. Попробуйте, вам, безусловно понравятся картины в смешанной технике!

Смешанная техника рисования картины маслом и акрилом, золотая поталь и структурная роза из папье маше

Посмотреть больше примеров картин в разных техниках можно в «Галерея моих работ» 

Главное, что нужно понимать: смешанная техника рисования должна применяться в случаях, когда художник хорошо представляет себе, какие эффекты он хочет с её помощью получить и почему он не может в данном случае обойтись одной какой-то классической техникой

Как минимум это подразумевает, что он очень хорошо владеет каждой техникой по отдельности и сможет совместить их на одной картине так, чтобы в итоге получился шедевр, а не просто смесь красок ради их смеси. Если вы уверены, что вам для очередного произведения нужна именно смешанная техника — пробуйте, возможно, именно так максимально раскроется ваш талант.

Видео анонс: Как нарисовать большую картину для интерьера своими руками

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Пейзаж акварелью на заказ В.А. Лескова

Акварельные пейзажи это искусство, которое требует совершенной техники. Если художник профессионально работает с акварелью, то картины выходят правдивыми. Оголенные зимние деревья выглядят одинокими, пожухлая трава униженной и растоптанной, берега, убегающей вдаль реки, приветливыми и милыми сердцу.

Туман, заполнивший низину, шепчет о скрытых от человеческих глаз тайнах этого мира. Зритель, который видит туман, чувствует угрозу и одновременно его подстегивает любопытство.

Заказать пейзаж в исполнении акварелью

Акварель позволяет художнику достигать эффекта воздушности, зыбкости, неясности, таинственности. Картины дышат искренностью, они трогательны и пронзительны.

Судить по уровню мастерства автора можно по тому, как он работает с акварельными красками. Если он ловок в обращении с водными красками, можно говорить о его высокой квалификации. Рассматривая галерею художника Василия Афанасьевича Лескова, понимаешь, что перед вами картины настоящего мастера.

Приемы, которыми пользуются художники, работая с акварелью, могут быть своеобразными. Ведь мастер подходит к материалу и задаче с той стороны, с которой ему удобнее всего.

Эти приемы художника определяют его индивидуальный, неповторимый стиль.

Если говорить об акварельных пейзажах, которые требуют быстрой реакции, продуманной стратегии и знания материала, то художникам, передающим не просто фотографическую деталь, важно, чтобы техника была наработанной. Акварельные рисунки побуждают к действию. Картины вдохновляют зрителя на правильные поступки.

Чтобы передать дух места, его особый аромат нужно владеть акварельным письмом в совершенстве. Пейзажи, нарисованные акварелью, обладают большой выразительной силой. Если это зимний пейзаж, то, вглядываясь в картину, можно почувствовать мороз. Если летний пейзаж, то летний зной. Если осенний, то сырость и промозглость осеннего вечера. А если весенний то тонкий аромат пробуждающийся земли.

Рисовать акварелью может и начинающий художник, у него получиться передать цвет и настроение, но только мастеру под силу воссоздать на холсте видение мира.

Художественный вкус, понимание композиции, соблюдение золотой середины делают его картины шедевром. Такую картину можно заказать у художника для украшения дома. Картины Василия Афанасьевича внесут в вашу жизнь золотистую красоту русских полей, царственное великолепие раскидистых дубов и светлую радость неспешно текущих рек.

Пейзаж акварелью это народная песня, исполненная с большим чувством. Даже если пейзаж незамысловат, эмоции, которые охватывают зрителя, как шквальный ветер опрокидывают навзничь и вырывают почву из-под ног.

11 простых техник акварели, которые должен знать каждый художник

Фото: Палитра акварельных красок и кистей от Smile19 / Shutterstock.com
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Акварельная живопись давно стала излюбленным средством самовыражения как энтузиастов, так и профессиональных художников. Хотя для начала вам понадобится только кисть и пигменты, акварель — это материал с множеством творческих возможностей.Включая предметы домашнего обихода в свою картину, вы можете создавать работы с интересными текстурами, а также с плавными, беззаботными цветами, которые демонстрируют лучшие свойства материала.

Общие инструменты, необходимые для популярных техник акварели

Вам не придется долго искать многие принадлежности, необходимые для акварельной живописи. На самом деле, некоторые из них, вероятно, есть прямо сейчас у вас дома. Это в дополнение к набору акварельных красок, бумаге и кистям для влажных носителей различных размеров.

• Соль поваренная
• Малярная лента или резиновый клей . Оба эти элемента будут использоваться для маскировки бумаги, чтобы акварельный пигмент не мог проникнуть через нее. Все они работают одинаково, хотя резиновый клей нанесен на бумагу и обладает большей гибкостью. В отличие от этого, малярную ленту наносить легче, но она работает лучше, если вы работаете с прямыми жесткими линиями.
• Игла
• Медицинский спирт
• Пластиковая пленка

Не знаете, зачем нужен спирт для рисования? Не волнуйтесь — все это объяснено на следующей странице.

11 общих приемов акварельной живописи

Плоская мойка

instagram.com/p/Bkx6_CKHPX5/» data-instgrm-version=»9″>

Плоская размывка составляет большую часть акварельной живописи; это такая базовая техника, что вы даже не догадываетесь, что делаете это. Просто окуните кисть в воду и нарисуйте, а затем распределите ее по предполагаемой поверхности. (Это называется размывкой.) Важно помнить, что цвет должен быть ровным — гладкая размывка должна выглядеть на бумаге как один сплошной оттенок.Мы используем плоскую размывку в нашей демонстрации того, как рисовать цветы акварелью.

В этом пошаговом руководстве показано, как создать гладкую размывку.

Мокрое по сухому — еще один фундаментальный подход. Он создается путем рисования лака на бумаге. После того, как он высохнет, нанесите поверх него краску. Поскольку акварель полупрозрачна, вы, скорее всего, увидите нижний слой за мазком.

Келогслупс, один из наших любимых акварелистов, рассказывает, как он использует технику мокрого по сухому в своих картинах:

Градуированная размывка показывает переход от светлого к темному. Начните с темного рисования — заполните кисть наибольшим количеством пигмента — а затем проведите им по бумаге. На следующем проходе добавьте меньше пигмента на кисть и проведите им по бумаге так, чтобы он слегка перекрывал вашу первую линию.Две группы начнут сходиться и в конечном итоге станут похожи на одну. Повторите этот процесс, добавляя все меньше и меньше пигмента, пока не получите желаемый тональный диапазон.

Метод «мокрое по мокрому» демонстрирует лучшее качество акварельной краски — ее способность создавать красивые воздушные мазки. Чтобы выполнить эту технику, просто намочите часть бумаги кистью. (Вы можете использовать воду или немного пигмента.) Затем окуните кисть в другой цвет и слегка нанесите ее на влажную область и наблюдайте, как пигментные перья.

Это подробное руководство покажет вам технику «мокрый по мокрому» (или «мокрый по мокрому») в режиме реального времени.

Фото: Абстрактная сухая кисть на бумаге с сайта Yeroma / Shutterstock.com

Сухая щетка — это так, как звучит; возьмите сухую (или почти сухую) кисть и окуните ее в краску. После этого разложите его на сухом листе бумаги. В результате получится сильно текстурированный знак, который отлично подходит для обозначения шерсти или волос.

Улучшите свою сухую чистку с помощью этого видео:

Резиновый клей (например, малярный скотч) действует как резист для акварели. Нанесите этот материал на те места, где вы не хотите, чтобы пигмент попал. Когда акварель высохнет, снимите со страницы резиновый клей или малярный скотч. Вы увидите бумагу внизу. Это отличное решение для сохранения белой бумаги среди остальной части вашей картины.

При нанесении на акварельную бумагу соль впитает часть цвета и создаст на странице эффект песочного цвета. Начните с нанесения «сочной» краски — вам нужно, чтобы на бумаге был дополнительный пигмент. Покрасив цвет, посыпьте его солью. Когда картина полностью высохнет (лучше подождать ночь), соскребите соль со страницы.

Jerry’s Artarama имеет информативное видео о том, как использовать соль для создания красивого эффекта:

Есть несколько способов убрать краску со страницы, и все они связаны с пластиковой пленкой, наиболее популярной из которых является саранская пленка.Подобно солевому методу, он начался с мытья, в которую добавлен дополнительный пигмент. Затем поместите лист полиэтиленовой пленки поверх картины; лучше всего, если вы смяли его или помяли. Подождите, пока краска полностью высохнет. Пигмент растечется под пластиком и создаст интересную фактуру.

Акварельная краска и медицинский спирт сродни маслу и воде. После того, как вы нарисуете тряпку, возьмите посуду (например, ватную палочку) и нанесите спирт на влажную поверхность.Это создаст манящий эффект, напоминающий краситель для галстука.

В этом коротком видео вы увидите в действии технику медицинского спирта:

Scratch-off, или sgraffito, включает в себя царапание бумаги для создания небольших вмятин. Начните с нанесения размытия там, где вы хотите, чтобы текстура царапины оставалась. Пока она еще влажная, возьмите швейную иглу (или другой острый предмет) и проведите ею по бумаге. Краска заполнит проколотую поверхность и будет казаться темнее и четче, чем остальная краска.

Предупреждение: вы испачкаете руки этой техникой. (Но разве это не часть удовольствия?) Техника разбрызгивания придаст вашей работе хаотичный эффект Джексона Поллока. Чтобы создать его, нанесите на кисть пигмент и проведите пальцем по бумаге.

Не хотите, чтобы на руки попала краска? Другой способ разбрызгивания — использовать дополнительную кисть и постучать по ней кистью.Сила высвободит пигмент, и он перенесется на вашу бумагу. Обратной стороной этого метода, однако, является то, что у вас меньше контроля над тем, куда наносится краска.

Посмотрите, как брызги воды, в этом видео:

Статьи по теме:

Буклет «Цветные листы» позволяет брать с собой набор акварелей, куда бы вы ни пошли

13 лучших наборов акварельных красок, которые понравятся как начинающим, так и профессиональным художникам

Более 10 известных художников-акварелистов, которые продолжают влиять на живопись сегодня

Как рисовать акварелью — Справочное руководство для всех техник акварели

Поскольку акварельные картины можно рисовать относительно быстро по сравнению со многими другими видами искусства, акварельная живопись особенно подходит для нетерпеливых людей. В конце концов, когда впечатляющие результаты становятся заметны через относительно короткое время, это обычно очень мотивирует. С акварельной живописью для начинающих вы можете начать непосредственно с художественной работы без обширных предварительных знаний с небольшими материалами и аксессуарами. Кроме того, готовые картины приятно быстро сохнут при рисовании акварелью. Мы покажем вам, как рисовать акварелью шаг за шагом.

Что такое акварельная живопись?

Термин акварель происходит от латинского слова Aqua, что означает вода.Однако, рисуя акварелью, вы, конечно, не только рисуете чистой водой. Помимо воды вам потребуются специальные акварельные краски. Эта краска для глазури состоит из мелких пигментов и подходящего связующего.

Для рисования акварелью акварель разбавляется водой в разной степени. Затем его можно нанести кистью на соответствующую окрашиваемую поверхность. Для этого обычно используется специальная акварельная бумага. Если в масляной живописи или акриловой живописи основа для рисования обычно полностью покрыта, то в акварельной живописи она остается видимой.Если вы хотите научиться рисовать акварелью, вы скоро обнаружите, что интересных эффектов можно достичь, играя с контрастами между рисунком и различными цветовыми оттенками рядом и друг над другом. Другие распространенные названия подходящих акварелей — Акварель или Акварель.

Особые характеристики и свойства акварели

Акварели состоят из цветных пигментов, которые смешаны с одним, а иногда и несколькими различными связующими.Гуммиарабик очень часто используется в качестве связующего, так как этот материал растворим в воде и сам по себе почти прозрачен. Поскольку акварели не растягиваются, а в основном используются в чистом виде, они раскрывают на живописной поверхности особую яркость, которая считается типичной для акварельной живописи. Поскольку акварели можно легко смешивать друг с другом, вы можете смешивать все мыслимые цвета, даже из трех основных цветов: красного, желтого и синего. Но, конечно, это сэкономит много времени и усилий, если вы купите большую коробку для краски с определенным диапазоном уже смешанных цветов.

В отличие от других живописных техник, в акварельной живописи нет белого цвета. Поэтому требуется особая техника рисования, если вы хотите реализовать белые области на своих картинах. С так называемой «негативной техникой» станет все проще, если немного потренироваться, реализовать белые области, вырезая определенные пятна на белой бумаге.

Особые преимущества акварели заключаются в ее особой интенсивности цвета и яркости.Кроме того, многие художники также ценят тот факт, что акварельные картины сохнут относительно быстро. Так как необходимую технику рисования можно освоить относительно легко, акварель хорошо подойдет для начинающих. Вы, вероятно, уже выучили основы, если в какой-то момент в школьные годы рисовали акварелью. Однако важно знать, что после нанесения акварели поправки практически невозможны. Тем более важно, чтобы каждый мазок кисти выполнялся аккуратно и в нужном месте.

Рисование акварелью: вам понадобятся эти материалы

Если вы хотите нарисовать акварельную картину, вам не нужно много материалов для этого. Однако при выборе аксессуаров имеет смысл использовать продукцию самого высокого качества. Особенно это касается используемых кистей. Вы можете избавить себя от многих разочарований и убедиться, что ваше творчество будет беспрепятственно течь в процессе рисования.

Как выбрать лучшую акварель

В специализированной торговле принадлежностями для художников сейчас почти неуправляемый выбор различных акварелей.Мы рекомендуем использовать ящик для акварельных красок, в котором можно хранить все цвета вместе и который поэтому очень подходит для хранения и использования в чистом виде. Рисуя акварелью для начинающих, вы также можете пока использовать относительно дешевые акварели, так как они обычно имеют хорошую плотность цвета. Однако, если вы уже немного продвинулись в обучении рисованию акварелью, вам также следует по возможности использовать качественные акварельные краски. Только такие цвета могут заставить ваши акварельные картины сиять яркими красками с интенсивной выразительностью.

Конечно, решать вам, предпочитаете ли вы работать с акварельной коробкой или, скорее, с акварельными красками из тюбика. В основном вы можете выбрать цветовую гамму предпочитаемых вами цветов в соответствии с вашими предпочтениями. Цвета, предлагаемые в тубах, а также так называемые цвета стаканчиков для акварельной коробки, предлагаются большинством производителей не только в наборах, но и индивидуально.

Как правило, многие коробки для акварели и тюбики с краской можно купить разного качества.По аналогии с рисованием акриловыми красками, можно наблюдать различие между предлагаемыми акварельными красками, которые дешевле для начинающих, и более дорогими красками для продвинутых художников.

Художественные цвета, рекомендуемые для художников, которые уже несколько продвинулись в своем ремесле, обычно не только имеют немного более высокую пигментацию, но также обычно доступны в более широком цветовом спектре. С другой стороны, цвета для начинающих, которые также часто используются учащимися, имеют более высокое содержание связующего, поскольку связующее дешевле для производителя, чем соответствующее содержание пигмента.

Если цвета рекламируются специально для начинающих или школьников, их также можно без проблем использовать в акварельной живописи для начинающих. И последнее, но не менее важное: они обычно доступны по гораздо более низкой цене, чем акварели, предлагаемые для продвинутых студентов. Но если вы новичок и хотите немного покопаться в кармане, чтобы получить цвета правильного качества, в этом нет ничего плохого. Вы сразу получите более насыщенные и стойкие цвета.Иногда даже может случиться так, что акварель более высокого качества может быть обработана более несложно и выходит за рамки чистого качества цвета.

Акварельные краски Schmincke Akademie — проверенные продукты с традициями

Если вы хотите верить заявлениям многих опытных пользователей, акварельные краски Schmincke Academy, вероятно, являются одними из лучших акварельных красок, производимых в Германии. Эти высококачественные краски производятся «сделано в Германии» в течение многих лет и за эти годы смогли достичь неоспоримого статуса продукта абсолютного премиум-класса.

• Cotman Water Colors обладают хорошей прозрачностью, отличной тонирующей способностью и хорошими рабочими свойствами.
• Сама коробка сделана из легкого пластика и имеет съемную крышку и поддон для удобной очистки и обращения.
• Этот акварельный набор содержит 24 целых горшка Cotman Water Color

Отличная репутация акварелей основана не в последнюю очередь на впечатляющем качестве обработки и пигментации, а также на яркости, которая в конечном итоге возможна на картине земля.В наборах Schmincke половинки и целые чашки устанавливаются на специальные направляющие. Этот уникальный аргумент позволяет хранить в коробке для акварели две полчашки вместо одной целой. Это позволяет со временем адаптировать ящик для краски к вашим индивидуальным потребностям. Если вы очень часто используете какие-то цвета, вам следует положить их в коробку целиком. Менее часто используемые цвета можно добавить к вашему выбору в уменьшенном количестве, равном половине чаши. В общем, больше разных цветов найдут свое место в одной акварельной коробке.Акварельные краски Schmincke Academy позволяют наполнить коробку с краской оптимальным количеством цветов.

Для начала может быть хорошей идеей использовать ящик для рисования Schmincke с половиной чашки для акварельной живописи. Таким образом, у вас есть широкий выбор цветов. Позже, по мере накопления опыта, вы можете наполнять чашки индивидуально в соответствии с вашим потреблением краски. Чтобы вы могли применить более индивидуальный подход, компания Schmincke также предлагает коробки для рисования с пустой полосой рядом с полной полосой. Вы можете заполнить пустую панель непосредственно цветами, которые вы выбрали лично, и тем самым выразить свои творческие предпочтения при выборе цветов.

Поскольку акварели Schmincke Academy соответствуют высоким стандартам качества, их цена также скорее находится в верхнем сегменте. Тем не менее, мы все равно рекомендуем эти акварельные краски, произведенные в Германии, если вы какое-то время рисуете акварелью. Тогда вы быстро убедитесь сами, что можете еще лучше использовать творческие и художественные возможности акварельной живописи с цветами этого уровня качества.

Для чего используются акварельные карандаши?

Акварельные карандаши очень практичны, если вы хотите объединить художественный результат тонких мазков кистью с точностью и удобством ручного труда традиционного цветного карандаша. Особенностью акварельных карандашей является то, что с их помощью вы можете рисовать очень тонкие линии и таким образом добиваться еще более детальных акцентов в акварельной живописи. В нашей отдельной «Инструкции по работе с акварельными карандашами» вы найдете много полезных советов в ясной и лаконичной форме о том, как использовать акварельные карандаши в особых техниках.

Что скрывается за «кистью» или «акварельной кистью»?

Если в ваши принадлежности для акварельной живописи входят ручки с кистью, это может стать хорошим дополнением к вашему основному оборудованию. С помощью так называемой акварельной кисти вы можете с высокой точностью наносить цвета непосредственно на соответствующую окрашиваемую поверхность. Принцип лучше всего можно описать так, как если бы фломастер был снабжен кисточкой на кончике. С помощью пера Brush Pen вы можете очень быстро рисовать на бумаге линии и особые цветовые акценты.После этого вы можете до некоторой степени изменить нарисованные контуры водой.

• Жидкие акварельные краски Ecoline любимы за их яркий и блестящий цвет
• Популярная линия красок теперь доступна в легко переносимых ручках-кистях
• Идеально подходит для всего, от раскрашивания цифрового дизайна до рисования на ходу
• Чистая формула красителей гуммиарабик смешивается и повторно смачивается.

Как правильно выбрать кисти для акварельной живописи

Поскольку кисти являются основным инструментом для рисования акварелью, вы должны использовать самое высокое качество кисти возможны при росписи качественной акварельной живописью.Правильный выбор кистей имеет решающее значение не только для качества конечного результата, но также для удовольствия и мотивации рисования. Кисти из красного соболя отлично зарекомендовали себя для этой цели, поскольку их тонкость позволяет очень точно рисовать. Кроме того, эти высококачественные кисти могут впитывать много краски и воды.

Конечно, качественные щетки тоже должны прослужить соответственно долго. Но для этого вашим кистям также необходим правильный уход. Чтобы щетки были как можно более чистыми, их сначала сразу же промывают теплой водой после каждого использования.Как правило, это может привести к образованию пены. Затем кисти снова промывают чистой чистой водой, которая не должна быть слишком горячей. Для сушки качественные кисти идеально положить вверх дном в чашку или стакан. Это предотвращает ломкость тонких волосков кисти.

Для рисования профессиональной акварелью мы рекомендуем следующее основное оборудование подходящих кистей:

• с маленькой круглой кистью вы можете нанести мелкие детали на сцену
  
• средняя круглая кисть подходит для нанесения резких линий, точек и контуров, а также для рисования широких мазков
  
• плоской кистью среднего размера можно рисовать четкие линии и наносить ровные стирки
  
• с помощью кисти для мытья (иногда также называемой плоской кисть для мытья посуды) цветные области могут быть размыты, и можно внести коррективы из-за высокой впитывающей способности волос кисти

Советы по выбору подходящей акварельной бумаги

Это может иметь довольно большое влияние на результат вашей акварельной живописи, какую бумагу вы используете для рисования акварелью. Поскольку тонкая бумага, к сожалению, очень быстро образует волны из-за содержания воды в красках, вам следует использовать прочную акварельную бумагу . Волны тонкой бумаги могут быть частично сглажены позже, но сначала они вызывают лужу цвета и, следовательно, неравномерную интенсивность цвета. Если вы хотите рисовать акварелью, мы рекомендуем бумагу толщиной от 200 до 300 граммов на квадратный метр. В специализированных магазинах также есть блоки для акварели, специально наклеенные повсюду, в которых следующие листы защищены от случайного нанесения краски.Преимущество этих блоков также в том, что бумага не скользит, когда вы рисуете сложной акварелью.

Если вы новичок в акварельной живописи для начинающих, вы также можете использовать относительно недорогие типы бумаги с приемлемым качеством. Если вы начнете использовать бумагу самых дорогих марок, это будет пустой тратой. Но как только вы приобретете первый опыт работы с акварельной живописью, вам будет интересно поэкспериментировать с разными фонами и, наконец, с высококачественной бумагой.

Если вы планируете создать особенно трудоемкое произведение искусства, вам обязательно следует использовать для своего проекта бумагу исключительного качества. Чтобы соответствовать этой специальной категории, используемая бумага должна иметь вес нетто около 300 г / м², не содержать кислоты и быть хлопковой. Поверхность используемой бумаги зависит от стиля рисования и мотива, который вы хотите создать. Для особенно важных акварельных картин вам не следует использовать блоки для рисования, поскольку отдельные листы иногда относительно сложно удалить с них позже.

Вы можете улучшить свою технику рисования профессиональной акварелью, экспериментируя с различными поверхностями для рисования и приобретая практический опыт. Постепенно вы сможете все лучше и лучше понимать свой индивидуальный стиль рисования и его требования к бумаге, которую вы используете. Таким образом вы сможете купить идеальную акварельную бумагу для своих акварельных картин.

Наша рекомендация по продукту для вас: акварельная бумага Willingood

Акварельная бумага Willingood — относительно хорошая бумага для изучения, доступная по разумной цене. Например, блок формата А3 из 30 листов этого типа бумаги с толщиной бумаги 300 г / м² со средней зернистостью стоит около 17,50 евро.

Вы можете получить эту акварельную бумагу с шероховатой или гладкой поверхностью. Фактура поверхности этих бумажных листов подчиняется фиксированному основному правилу: лицевая сторона всегда имеет среднезернистую текстуру, которая в основном подходит для всех акварельных техник. С другой стороны, обратная сторона бумажных листов всегда гладкая, так что создаются наилучшие условия для нанесения надписей кистью или рукописного ввода.Акварельная бумага Willingood абсолютно не содержит хлора и кислот, подвергается холодному прессованию и обладает хорошей устойчивостью к старению. Кроме того, он состоит из 100% чистого хлопка, имеет нейтральный pH и не содержит оптических отбеливателей.

Акварельная бумага Willingood обязательно должна быть в вашем списке, если вы ищете бумагу, которая хорошо подходит для акварельной живописи для начинающих, с хорошими характеристиками продукта и относительно низкой ценой.

Принадлежности и полезные инструменты для акварельной живописи

Преимущества цветовой палитры

Подготовленную акварель можно смешать с водой на цветовой палитре.Однако в одной цветовой палитре можно смешивать разные цветовые оттенки. Это не обязательно должна быть палитра художника из специализированной отрасли. Как вариант, вы также можете использовать керамическую плитку, белую тарелку или небольшую пластиковую тарелку. Однако профессиональная цветовая палитра имеет то преимущество, что обычно она уже оборудована шестью или восемью углублениями для текучих цветов. Кроме того, обычно есть еще и ровная площадка для смешивания цветов. Этого должно быть достаточно для нескольких цветовых смесей рядом друг с другом.

При рисовании масляными и акриловыми красками картонную полоску также можно использовать как замену качественной цветовой палитре. Однако при акварельной живописи это несколько проблематично, поскольку краска на водной основе может быстро проникнуть в картон. В случае сомнений вам следует потратить несколько евро на покупку профессиональной цветовой палитры, чтобы иметь возможность работать с ней профессионально.

Создавайте увлекательные эффекты с помощью зубной щетки или натуральной губки

Если немного творческого вдохновения, многие предметы домашнего обихода можно легко превратить в творческий инструмент для создания эффектных акварелей.Например, старую зубную щетку можно использовать для нанесения мелких брызг краски на окрашиваемую поверхность. С другой стороны, с помощью натуральной губки можно быстро и эффектно создать естественным образом листву кустов и крон деревьев на окрашиваемой поверхности.

На рабочем месте должно быть несколько стаканов для воды

Для акварельной живописи на рабочем месте всегда должно быть несколько наполненных стаканов для воды. Один из них служит резервуаром для чистой прозрачной воды, которая используется для смачивания окрашиваемой поверхности и смешивания красок. Но вам понадобится как минимум еще один стакан, чтобы чистить в нем разные щетки.

Втирка Материал: бумага и ткань Ткань

Всегда полезно иметь под рукой мягкую хлопчатобумажную ткань, с помощью которой можно удалить излишки краски или воды с кисти. Кухонные полотенца из бумаги также обладают впечатляющей впитывающей способностью. В конце концов, даже большее количество жидкости можно относительно быстро и легко удалить с акварельной картины с помощью бумажных кухонных полотенец, если это необходимо.Вы можете использовать бумажные или тканевые кухонные полотенца не только для коррекции, но и для создания осознанных эффектов.

Учебное пособие: Шаг за шагом первая собственная краска для акварельной живописи

Подготовка необходимых материалов

Прежде всего, вы должны смешать разные оттенки используемых цветов, например, обычный базовый цвета и дополнительно розовый. Помните, что чем больше вы разбавляете цвет водой, тем более полупрозрачным и бледным он становится.

Перед тем, как начать, вы должны проверить единообразие ваших цветов с точки зрения разбавления и нанесения кистью на бумагу, которую вы используете для проекта. Вам понадобятся два стакана чистой воды и впитывающая ткань, например кухонный рулон, чтобы очистить кисть и намочить окрашиваемую поверхность.

Подготовьте поверхность для рисования и нанесите первый слой краски.

Рисовать отличные акварельные картины будет намного проще, если вы сначала набросаете запланированный мотив на акварельной бумаге.Следует незаметно отметить, где именно должны быть размещены определенные участки цвета, а также углубления.

После этого вы берете плоскую кисть и смачиваете бумагу чистой водой как можно более равномерно. Следующим шагом будет нанесение трех основных цветов картины на влажную поверхность относительно большой кистью в очень жидких смесях. Этот шаг также называется нанесением лавандовой краски. Он обеспечивает сравнительно мягкие переходы между отдельными цветами. Этот первый слой краски обычно сохнет относительно быстро.

Смешайте разные оттенки цвета путем наложения

После высыхания первого слоя краски можно нанести несколько более темных и непрозрачных слоев краски (с меньшим содержанием воды) непосредственно на существующие участки краски местами. в соответствии с задуманным имиджевым мотивом. Вы заметите, что цвета кажутся особенно яркими в тех областях, где разные цвета накладываются друг на друга или концентрируются в очень маленьком пространстве.

Теоретически вы можете повторять этот шаг сколько угодно часто, например, чтобы нарисовать детализированные лепестки.Вы получите особенно мягкие переходы, если нанесете новую краску, пока ранее нанесенная краска еще немного влажная. Но вы также можете дать краске высохнуть между ними, чтобы получить острые края между отдельными областями краски.

Акцентирование акварельных рисунков с дополнительными контурами и цветовыми эффектами

Для завершения акварельной картины цветной пигмент можно удалить небольшим количеством воды. Вы можете просто удалить лишнюю краску бумажным полотенцем.Когда бумага достаточно высохнет, вы можете использовать соответствующие инструменты, чтобы вставить четкие линии в мотив, и использовать края листьев или акварельных цветов сердец, чтобы создать особые акценты, которые выделяются на общей картине.

Различные техники акварельной живописи

Мы хотели бы познакомить вас с двумя основными техниками рисования, которые используются при написании профессиональных акварельных картин: они известны как стирка и глазирование.В некотором смысле, обе техники в равной степени связаны с использованием особых свойств воды для создания творческих изображений. Техника акварели называется стиркой, при которой краски наносятся «мокрым по мокрому», несмотря на относительно короткое время высыхания. Напротив, в так называемом остеклении следующий слой краски наносится только тогда, когда предыдущий слой уже относительно хорошо высох. Третья возможная техника рисования акварелью — это грануляция, но мы хотели бы представить ее позже.

Так работает глазурь в акварельной живописи

Как уже было описано, необходимо дождаться высыхания слоя краски на окрашиваемой поверхности. В большинстве случаев это все равно происходит через несколько минут. С помощью одного слоя краски можно создать сияющие цвета. Однако, применяя остекление, вы добавляете к своей картине еще один слой краски и, следовательно, еще одно измерение дизайна. С помощью этой техники можно очень эффективно создать особенно разные градации светлых и темных цветов.Но вы должны позаботиться о том, чтобы дополнительный слой цвета наносился как можно быстрее при глазуровании. В противном случае может случиться так, что нижний слой краски снова отслоится из-за влаги нового слоя краски. Глазурь — одна из основных и формирующих техник всей акварельной живописи.

Техника стирки

Хотя соответствующее время высыхания необходимо выждать при глазуровании, оно активно используется для дальнейшей окраски при стирке. После того, как на бумагу нанесен слой акварельной краски, разбавленной водой, время высыхания обычно составляет всего несколько минут. Но пока краска еще влажная, вы можете просто закрасить еще влажную краску на окрашиваемой поверхности, используя технику мытья. Особый смысл и цель этого заключается в том, что различные виды нанесения краски могут смешиваться и переходить друг в друга. Смешивание разных цветов происходит более равномерно, чем более жидкие цвета при нанесении. Но также важно, чтобы вы всегда оставались в пределах ранее окрашенной и, следовательно, уже смоченной области бумаги вторым слоем краски.Эта техника живописи используется для создания областей и структур плавных переплетающихся цветов. На направление потока еще влажной краски во время мытья можно влиять не только кистью, но и творчески используемыми инструментами, такими как дырокол или соломинка.

Стирка также может использоваться как техника рисования акварелью для создания цветового градиента от непрозрачного до прозрачного в одном и том же оттенке. Однако так называемая градиентная техника довольно сложна и требует некоторой практики.Выбранный участок смачивают водой перед нанесением акварельной краски с одной стороны. Затем краска наносится веерной кистью от одной стороны к другой по смоченному участку окрашиваемой поверхности. Если появится лишняя краска, ее можно легко впитать бумажным полотенцем.

Специальная техника акварельной живописи: грануляция

Живописная техника так называемой грануляции — это особая техника акварельной живописи, которая используется только для достижения очень специфических эффектов и акцентирований.Особенность этой техники рисования в том, что структура поверхности используемой бумаги используется для цветового оформления. Цвет не должен проникать в углубления на структурированной поверхности бумаги во время гранулирования. В результате все углубления при гранулировании остаются максимально бесцветными, а выступающие участки поверхности бумаги окрашиваются в цвет.

Оптический эффект грануляции особенно привлекателен, когда она используется для выделения стен. Таким образом, вы используете структуру бумаги, чтобы эстетически подчеркнуть вид стены.Но грануляция также подходит для оформления водных поверхностей с легкими бликами.

В качестве основного требования для успешного гранулирования вы должны использовать бумагу с достаточно прочной структурой поверхности. Чтобы гранулировать, вам нужно смочить круглую кисть краской и провести ею по бумаге очень ровно. Убедитесь, что вы оказываете очень небольшое давление. Немного потренировавшись, вы сможете сохранить более глубокие участки поверхности бумаги белыми, в то время как более высокие области пропитаны краской.

Вызов для творческих умов: рисование мокрым по мокрому

Вероятно, наиболее часто используемая техника для акварельной живописи — это рисование мокрым по мокрому. Управление цветовым градиентом — очень сложная задача, потому что цвета могут непреднамеренно быстро переходить друг в друга. Но именно эта творческая неуправляемость делает рисование акварелью таким интересным и творческим занятием. Спонтанно возникающие цветовые градиенты приятно стимулируют творческое воображение многих художников.Немного попрактиковавшись, вы сможете взять незапланированные формы и вывести их из общей структуры цветов и форм как подчеркнутые заметные элементы живописи. Обладая каждым плюсом в области акварельной живописи, вы также узнаете, как влиять на цветовой градиент и управлять им так, чтобы это было максимально предсказуемо. Однако путь к этому мастерству акварельной техники долог и тернист.

Если вы хотите рисовать акварелью методом «мокрый по мокрому», вам сначала нужно смочить обозначенный участок кистью или губкой.Но поверхность не должна быть слишком влажной, поэтому на ней не должно быть луж с водой. Вполне достаточно, если поверхность везде будет настолько влажной, что светится на свету. Если вы выпили слишком много воды, вы можете просто промокнуть лишнюю воду бумажным полотенцем.

Продолжительность нанесения краски зависит не в последнюю очередь от того, как долго вы ждете нанесения краски в каждом конкретном случае. Кроме того, чем влажнее бумага, тем больше чернил потечет. Вы можете до определенной степени влиять на направление потока, раскачивая бумагу вперед и назад под определенным углом и в определенных направлениях.Вы можете разбавить чернила водой или взять их прямо из тюбика или емкости в исходном состоянии. Разбавленные цвета имеют более мягкий и менее интенсивный эффект, чем неразбавленные. Большой кистью нанесите краски или распределите по смоченной поверхности. Однако есть также возможность смешать цвета в небольшой миске, а затем вылить их прямо на акварельную бумагу. Довольно интересно посмотреть, какие странные и относительно непредсказуемые формы могут быть созданы, когда разные цвета переходят друг в друга.Цвета переходят друг в друга очень плавно и бесструктурно, особенно если поверхность была сильно увлажнена ранее.

Другой метод дизайна — добавить слой влажной краски на сухую бумагу и позволить дополнительному цвету перетекать в него в качестве цветового контраста. Однако при использовании этого метода вы должны знать, что некоторые пигменты имеют определенное физическое преобладание и поэтому могут иногда удивительно сильно вытеснять другие цвета. По мере накопления опыта практической акварельной живописи вы сможете заранее оценить, как цвета, которые вы используете, будут соотноситься друг с другом.

Чтобы практиковать эту технику акварельной живописи для начинающих, вы просто позволяете цвету плавно перетекать на разные влажные поверхности. Таким образом, у вас обычно быстро разовьется хорошее представление о том, насколько слабой или сильной вам нужно увлажнять бумагу для определенных эффектов.

Подготовьте чистый лист акварельной бумаги и немного смочите его. Затем дайте ему высохнуть примерно на полминуты. Затем вы можете дать нескольким каплям краски капнуть прямо на влажную поверхность и нарисовать кистью несколько линий.Теперь обратите особое внимание на то, как краска течет по листу и течет в определенных направлениях. Теперь, экспериментируя, вы можете варьировать промежуток времени, в течение которого вы наносите краску на влажную бумагу. Таким образом, вы постепенно найдете оптимальный метод для вашего метода работы с еще большей предсказуемостью.

Рисование акварелью с помощью техники мазка

Если вы хотите нарисовать акварель, изображающую природные пейзажи с деревьями или кустами, вам обязательно нужно ознакомиться с правильной процедурой для так называемой техники нанесения мазка.Для этого вы должны сначала смешать немного светло-зеленого цвета с вашей цветовой палитрой. Лучше использовать немного больше краски и относительно немного воды, чтобы получить относительно вязкую смесь цветов. Теперь возьмем сухую губку, особенно подходит для этого натуральная губка с довольно крупнопористой структурой. При этом вы сначала наносите краску, а затем осторожно наносите ее на заранее подготовленную акварельную бумагу. Таким образом, вы можете быстро и легко создать типичные структуры реалистично выглядящих верхушек деревьев.После того, как вы нанесли светло-зеленый цвет на акварель, вы используете время высыхания, чтобы изменить светло-зеленый цвет на палитре на более темно-зеленый, добавив синий цвет. Затем вы набираете этот цвет губкой и наносите его на бумагу в некоторых местах созданных вами верхушек деревьев. Вы можете повторять эту цветовую градацию сколько угодно раз. Постепенно создается структура верхушек деревьев, которая благодаря разным уровням яркости становится особенно яркой и реалистичной как средство изображения темных участков и участков, освещенных светом.С каждой дополнительной градацией цвета ваше дерево может визуально получить ощутимую глубину на бумаге.

Только после того, как верхушки деревьев будут обработаны, ветви и стволы окрашиваются в их конструкции. Вы можете добиться этого особенно близко к природе, если не раскрасите ствол абсолютно непрерывно, как на детской картине. Ведь ствол дерева редко бывает полностью виден в природе, а скорее частично покрыт ветвями с зелеными листьями. Чтобы найти лучший способ сделать это, рекомендуется прогулка на природе или в саду.Если вы внимательно присмотритесь к деревьям в природе, хорошо осознавая их структуру, расположение ствола, ветвей и тенистых участков будет намного легче рисовать акварелью. Конечно, скрытые части ствола относятся только к деревьям с летней листвой. Если же вы хотите научиться рисовать зимние мотивы, все участки ствола, веток и веток будут видны.

В качестве альтернативы натуральной губке вы также можете опробовать технику протирания с помощью кисти с относительно жесткой щетиной, которая, возможно, уже сильно изношена и щетина не так плотно прилегает друг к другу.В любом случае не забудьте смешать краску для техники протирания как можно гуще с небольшим количеством воды или использовать ее вообще в чистом виде.

Гениальные эффекты негативной техники

За концепцией так называемой негативной техники скрывается процедура оставления определенных участков основной белой акварельной бумаги свободными в виде ярких участков рисования. Обычно это делается таким образом, что яркие участки служат контурами для нарисованного карандашом или даже просто воображаемого объекта.Большинство художников-акварелистов сначала создают цветную поверхность, используя технику «мокрое по мокрому» в относительно нежных тонах. Когда он высохнет, выбранный мотив можно выделить отдельно, используя технику мокрое на сухое. Это называется негативной техникой, если объект воспринимается как более светлый, потому что цветные области вокруг объекта выполнены в более темных оттенках. Иногда совершенно случайно при рисовании акварелью создаются негативные объекты, которые дают необычный оптический эффект. По мере того как ваши навыки акварельной живописи возрастают, вы также можете создавать несколько негативных слоев друг на друге, создавая визуальный эффект в направлении 3D-эффекта.Но поскольку всегда нужно думать «наоборот», эта техника требует от художника-акварелиста некоторых навыков и практики.

Дизайн акварелью с техникой размытия

Если вы хотите использовать так называемую технику размывания для ваших собственных акварелей, вы сначала создаете область в цвете по вашему выбору. Затем вы берете сухую и чистую кисть, чтобы в некоторых местах приподнять краску с бумаги. Если краска все еще очень влажная, она, вероятно, иногда будет стекать с прилегающих участков изображения в тех областях, над которыми вы работаете. Затем придется несколько раз повторить процесс подъема краски кистью.

Можно также дать краске высохнуть на бумаге, а затем смыть ее. Однако эта процедура требует гораздо большего мастерства, чем снятие еще влажной краски. Вам понадобится влажная кисть, которой разрыхлится краска в нужных местах. В то время как некоторые типы акварельной бумаги, такие как бумага холодного отжима и мелкозернистая бумага, вполне подходят для техники размытия, их применение на других типах бумаги (например, с атласной отделкой или на бумаге ручной работы без проклейки поверхности) практически невозможно. невозможно.

В любом случае вы должны знать, что исходный белый тон используемой бумаги может быть только приблизительно восстановлен до его первоначальной яркости путем удаления чернил с помощью метода размывания, а не до исходной яркости. Кроме того, некоторые пигменты удалить легче, а некоторые сложнее, вы должны убедиться в этом собственными экспериментами.

Создание трехмерных объектов на вашей картине Поверхность с помощью структурной пасты

Структурная паста является идеальным помощником, если вы хотите придать своим акварелям особенно эффективные трехмерные структурные возвышения. Обычно в продаже имеется структурная паста двух типов: крупного и мелкого зерна. Относительно гладкие структуры, например лепестки пластической формы, можно легко создать из мелкого зерна. Крупное зерно идеально подходит для изображения пляжных сцен. Но вы также можете использовать его, чтобы сделать раскрашенную вами кору дерева более реалистичной. Применение относительно несложное: вы просто наносите структурную пасту подходящим мастером на выбранное место на акварельной бумаге или холсте.Затем сначала нужно дать ему высохнуть. Однако в некоторых случаях трехмерный вид может быть дополнительно улучшен путем разбрызгивания материалов, таких как небольшие ракушки или песчинки, на поверхность структурной пасты до ее высыхания. Для этой цели также хорошо подойдут маленькие стеклянные бусины подходящего цвета.

Когда структурная паста полностью высохнет, ее можно закрасить акварельной краской. При относительно толстом нанесении высыхание может занять целую ночь.Одна из трудностей при окрашивании структурной пастой заключается в том, что краска на ней плохо держится и может быть частично удалена, просто прикоснувшись к ней мокрыми руками. Поэтому вам следует покрыть готовую акварель так называемым фиксирующим спреем для акварели, особенно при использовании структурной пасты. Также проблематично обрамление акварелей структурной пастой за стеклом. Следовательно, акварельная бумага не обязательно подходит в качестве основы для рисования картин с определенной долей структурной пасты.Вместо этого мы рекомендуем загрунтовать холст специальной грунтовкой для воды. Но вы также можете использовать акваборд или деревянные поддоны для акварели со структурной пастой. Другой вариант — приклеить акварельную бумагу, которую вы используете, к холсту, чтобы повесить его. Это также называется ламинированием. Однако акварели, которые не хранятся за стеклом, всегда следует обрабатывать фиксатором, чтобы их цвета были надежно защищены.

Быстро и эффективно: техника распыления

Для техники распыления вам следует смешать большее количество краски по вашему выбору с относительно высоким содержанием воды.Затем вы берете старую зубную щетку и окунаете ее в этот цвет. Поглаживая щетину большим пальцем, вы позволяете краске брызнуть на бумагу. Вместо старой зубной щетки можно также использовать щетку с относительно толстой щетиной. Если вы не хотите, чтобы большой палец соприкасался с краской, можно также смочить кисть в краске, а затем постучать пальцами по ее ручке. Последний метод дает несколько более неровные и более грубые пятна краски, но в любом случае они визуально очень эффективны.

Это во многом зависит от консистенции краски, которую вы используете, как именно выглядят брызги на окрашиваемой поверхности. Использование определенных щеток из щетины, других щеток или зубной щетки также влияет на размер и форму брызг. Вы должны быть особенно внимательны при выборе цветов, если хотите нанести брызги краски на уже окрашенную область картины. Чтобы брызги можно было отличить от фона, их цвет должен быть либо темнее, чем окружающий цвет, либо хотя бы непрозрачным.

Безжалостный вариант: акварельные рисунки в технике вычеркивания

Для применения так называемой техники вычеркивания вам понадобятся заостренные или острые предметы в качестве вспомогательных средств. Они используются для вставки определенных деталей в готовые расписные и высушенные акварели. Например, бритвой или скальпелем можно вырезать контуры ветвей на красочно законченной картине. Но с этой техникой всегда нужно быть очень осторожным, так как в случае слишком сильного давления некоторые участки картины могут быть вырезаны или небольшие клочки бумаги могут быть оторваны.При использовании техники царапания царапание всегда начинается только после того, как картина уже окрашена и высохла. После того, как поцарапано, невозможно нормально покрыть поверхность глазурью без создания непривлекательных эффектов.

Создание специальных цветных структур с помощью соли

При проектировании конструкции с использованием соли определенная область сначала окрашивается мокрым по мокрому. Для этого можно использовать один или несколько разных цветов. Затем посыпьте часть окрашенной поверхности крупной морской или мелкой каменной солью и подождите несколько минут.Остальной участок, где краска уже немного подсохла, теперь тоже засыпана солью. Затем дайте картине хорошо высохнуть. Когда бумага окончательно высохнет, крупинки соли можно аккуратно удалить вручную или просто щеткой из щетины.

Это позволит выявить особые цветовые структуры. Они различаются в зависимости от того, была ли бумага более влажной в определенный момент во время нанесения соли, чем в другие моменты. Эффект основан на том факте, что соль может связывать влагу и, следовательно, также может притягивать воду, связанную с краской.Таким образом, вокруг каждой отдельной крупинки соли возникают интересные потрепанные цветные структуры, размер которых зависит от степени влажности бумаги и размера используемых крупинок соли. Если вы будете работать с солью на относительно сухой окрашиваемой поверхности, из-за более низкого содержания воды образуются небольшие структуры.

Живопись впечатляющих пейзажей как акварельных рисунков

С помощью акварельной живописи можно создавать совершенно впечатляющие пейзажи. Тем не менее, это может быть очень полезно, если вы сначала сделаете приблизительный набросок запланированного ландшафта. Таким образом, вы можете творчески разработать план своей живописной композиции, а при необходимости стереть его и исправить возможные ошибки. Однако акварельная бумага с грубой структурой поверхности не очень хорошо подходит для создания карандашного наброска. К тому же, возможно, некрасивые следы эскиза останутся на нем позже. Поэтому лучше сначала создать набросок на отдельном листе обычной бумаги для рисования. Когда вы, наконец, удовлетворены своим эскизом, вы можете использовать сетку, чтобы обвести основную структуру эскиза на акварельной бумаге.

Электронные книги и учебники по акварельной живописи и ее техникам

Книги и электронные книги могут быть большим подспорьем при начале акварельной живописи или для последовательного дальнейшего обучения. В конце концов, в отличие от курса живописи с физическим присутствием, вы сами решаете, когда и как долго вы хотите посвятить себя рисованию акварелью. Во многих случаях вы можете получить литературу с обширными советами и приемами за относительно небольшие деньги и в любое время позже при необходимости найти определенные техники рисования. Мы можем порекомендовать следующие учебные книги по акварельной живописи:

• Эта прекрасно иллюстрированная и вдохновляющая книга с инструкциями по акварели идеально подходит для начинающих художников-акварелистов
• Эта книга охватывает основы от мазков до форм и помогает художникам обрести уверенность сами вместе с вдохновением развивать свой собственный стиль в течение 30 дней.
• Эта книга, в которой представлены красочное современное искусство от основательницы дизайн-агентства Mon Voir и законодательницы моды Instagram Дженны Рейни, рисует акварель в совершенно новом свете.

Часто задаваемые вопросы и ответы об акварельной живописи

Как акварельная живопись развивалась как самостоятельная форма искусства?

Согласно историческим исследованиям, акварельная живопись восходит к таким художникам, как Альбрехт Дюрер, который впервые экспериментировал с этой живописной техникой около 1500 года. Однако в то время акварель изначально была только более простым и быстрым рисунком на бумаге. основу которой затем должны были быть созданы важные картины маслом.В 18 веке признание акварельной живописи значительно возросло, и такие известные художники, как Эмиль Нольде, Кристиан Модерсон, Уильям Тернер и Поль Сезанн, создали важные произведения искусства с использованием акварельной техники. С этого времени акварель стала неотъемлемой частью мира искусства.

Как научиться рисовать акварелью?

Для акварельной живописи важнее, чем при использовании некоторых других техник, относительно хорошо разбираться в формах и пропорциях.Поэтому попрактиковаться в рисовании перед тем, как вы начнете, абсолютно не вредно. По сравнению со многими другими техниками рисования, для акварельной живописи также верен принцип, согласно которому этот вид искусства можно усовершенствовать только с определенной степенью дисциплины и терпения.

Чем больше вы практикуетесь, тем быстрее вы разовьете свой собственный стиль акварельной живописи и достигнете значительного прогресса. В Интернете вы найдете не только различные учебные пособия по акварельной живописи для начинающих, но и различные онлайн-курсы и электронные книги, которые могут быть очень полезны как для знакомства с этим хобби, так и для дальнейшего обучения продвинутых студентов. .

Какие акварели следует использовать для рисования акварелью для начинающих?

Если вы хотите сначала попробовать рисовать акварелью, вы также можете использовать дешевую акварель. Их обычно достаточно для начала, так как они обычно и так обеспечивают хорошую насыщенность цвета. Однако, если вы уже добились первых успехов в рисовании акварелью для начинающих и приобрели некоторый опыт, вложения в более качественные акварели могут оказаться стоящими. Они придают вашим произведениям искусства особое сияние и могут значительно улучшить эстетическое выражение мотивов.

Простые акварельные картины для начинающих вести дневник искусства

Вас пугает акварель, но вы все еще хотите исследовать ее возможности?

Я был там. На самом деле эти краски иногда меня до чертиков пугают.

Однако я уверен, что мы с вами сможем делать замечательные страницы журнала по акварельному искусству, используя простой подход для новичков.

Вот почему сегодня я делюсь идеями для простых акварелей для начинающих.

После того, как вы пройдете эти мини-уроки, вы будете поражены тем, насколько весело рисовать акварелью, и я уверен, вы обнаружите, как прекрасно использовать акварель.

Чтобы сразу удовлетворить ваше любопытство, вот что мы сегодня напишем:

1. Акварель и геометрия

2. Акварельные круги / овалы

3. Акварельный кактус

4. Акварельная галактика

5. Акварель + дудлы

Отказ от ответственности: некоторые ссылки в этом сообщении могут быть партнерскими ссылками.Это означает, что если вы покупаете что-то по этой ссылке, я получаю небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас.

Принадлежности для акварельной живописи

Если вам интересно, что нужно для рисования акварелью, вот простой список принадлежностей для акварельного искусства, которые вам понадобятся для начала.

1. Акварельная бумага или художественный журнал с акварельной бумагой внутри

2. Кисти

4. Бумажное полотенце

5. Краски акварельные

Базовые техники акварели

Мы будем использовать 3 основных техники акварельной живописи:

1. Мокрое по мокрому. Обычно вы сначала поливаете бумагу водой, а затем добавляете еще акварели и воды поверх нее.
2. Мокрое по сухому. Вы начинаете рисовать влажной кистью, смоченной акварелью, и переходите по сухой бумаге.
3. Остекление . Нарисуйте первый слой акварелью, а затем дайте ему высохнуть. Вы добавляете еще один слой, и вы заметите, что первый слой виден под

Простые акварельные рисунки для начинающих

Мы собираемся создать 5 удивительных и очень простых акварельных картин , и большинство из них будут более абстрактными, чем конкретные объекты.

Я считаю, что намного проще начать с абстрактных картин, чем сразу приступить к рисованию портретов или сложных натюрмортов. Потому что это напугало бы вас до чертиков, и я бы увидел, как вы убегаете, как в мультяшном стиле (неуклюже бежит, руки в воздухе, отчаянно кричит: неееет!)

Я хочу, чтобы вы чувствовали себя уверенно и верили, что вы можете их раскрасить, поэтому мы стараемся сделать это как можно проще.

Давай сделаем это.

1. Легкие акварельные геометрические фигуры

Техника, которой вы будете заниматься: глазирование.

Необходимые расходные материалы: акварели, кисть.

Мы собираемся раскрасить несколько фигур, дать им высохнуть, а затем нарисуем еще формы поверх них.

Таким образом, фигуры внизу тоже будут видны.

Для этой цели я рисую квадраты, прямоугольники и толстые линии, но вы также можете добавлять треугольники и круги.

Акварель растворима в воде, поэтому всегда на нее реагирует. Просто имейте в виду, что если вы слишком много танцуете кистью на нижнем слое, вы в конечном итоге снова возьмете краску.Хотя это может быть здорово, если вы любите смешиваться и выглядеть обеспокоенно.

Шаг 1.

Сначала нарисуйте фигуры любым цветом, который вам нравится. Я выбрал разные цвета, потому что хочу, чтобы моя страница была красочной. Дайте высохнуть.

Шаг 2.

После того, как первый слой высохнет, добавьте формы поверх первого слоя. Просто поиграйте, наложите фигуры внахлест, и если вы снимете немного краски с первого слоя, не волнуйтесь. Тогда это будет простая картина.Прекрасный!

Шаг 3.

После того, как эти слои высохнут, я добавил несколько толстых линий, сначала горизонтальных, затем вертикальных.

Здесь можно поиграть с цветом. Например, я выбрал желтую краску для вертикальных линий, чтобы немного скрасить страницу.

Теперь я могу использовать эту страницу в качестве фона или просто писать на ней белой ручкой или маркером.

Вы даже можете сделать снимок страницы, обрезать его по размеру экрана и использовать в качестве фонового изображения для публикации в Instagram или распечатать на бумаге и использовать как обрывки бумаги для своего художественного журнала.

2. Мягкие акварельные круги

Надо сказать, что это не круги, а скорее овальные формы. Выбор за вами, отлично сочетается с кругами или овалами.

Техника, которую вы будете практиковать: просто рисование простой формы, без смешивания или глазури

Необходимые материалы: акварель, большая кисть, ручка для рисования

Шаг 1.

Решите, какие цвета вы собираетесь использовать. Мне нравится идея использовать только один или два цвета с разными тонами.Для меня он был голубым и розовым.

Шаг 2.

Окуните кисть в воду, наберите немного краски и просто нарисуйте круглые формы, как на фото ниже. Добавьте еще воды или краски, если вам кажется, что их недостаточно.

Однако не волнуйтесь, если они окажутся несовершенными, это даже лучше!

Шаг 3.

Возьмите ручку и начните рисовать внутри фигур.

Вы можете рисовать деревья, цветы, другие формы, абстрактные каракули, точки, слова — все, что вам нравится.

Вы можете превратить эти фигуры в короткие сообщения для себя.

Нет никаких ограничений на то, что вы можете здесь делать. Наслаждаться!

3. Акварельный кактус

Техника, которую вы будете практиковать : мягкое смешивание (мокрое по мокрому)

Необходимые материалы: акварельная краска, все оттенки зеленого, которые у вас есть, плюс что-то розоватое для цветка + кисть двух размеров: большая для кактуса и маленькая для деталей.

Шаг 1.

Слегка нарисуйте карандашом форму кактуса, чтобы знать, где находится область рисования.

Не забудьте горшок на дне.

Шаг 2.

Возьмите кисть побольше и налейте воду в форму кактуса. Как будто вы красите его водой. Накройте кактус целиком.

Шаг 3.

Начните добавлять самый светлый зеленый цвет, который у вас есть. Раскрасьте кактус кактус, но оставьте немного белых пятен с одной стороны, слева или справа.Это основные моменты.

Шаг 4.

Пока картина еще влажная, начните добавлять более темный зеленый цвет, особенно по краям.

Теперь вам не нужно слишком много воды, если кактус еще влажный, просто добавьте цвет слегка влажной кистью. Поиграйте с ним, чем он менее совершенен, тем более мечтательным и уникальным он будет выглядеть.

Шаг 5.

Если у вас есть еще более темный зеленый или темно-синий, продолжайте добавлять его по краям на стороне, противоположной светлым участкам (потому что эти части обычно находятся в тени).

Шаг 6.

Теперь мы собираемся добавить несколько линий, шипов и цветов сверху.

Возьмите темную зеленую кисть и нарисуйте горизонтальные линии на кактусе и его «руках».

Затем произвольно нарисуйте маленькие шипы кактуса на линиях. Я просто рисую для этого букву V.

Шаг 7.

Нарисуем сверху цветы. Я выбрала для пестика светло-розовый, темно-розовый и желтый.

Сделайте это снова, используя технику «мокрое по мокрому».

Сначала нарисуйте цветок светло-розовым цветом. Форма не имеет значения, просто сделайте ее похожей на цветок, и это будет здорово.

Во-вторых, добавьте более темный оттенок посередине, а когда он немного подсохнет, добавьте немного желтого цвета для пестика.

Какая бы краска ни смешалась, все будет прекрасно.

Вы можете раскрасить горшок в любой цвет. Сначала нанесите более светлый слой, а затем добавьте более темные участки по краям. И это все.

4. Акварельная галактика

Насколько удивительны эти изображения галактик? Я люблю смотреть на них и люблю их рисовать, особенно акварелью.

Техника, которую вы будете практиковать : мягкое смешивание (мокрое по мокрому).

Принадлежности, которые вам понадобятся: карандаш, кисть, белая акриловая краска, старая зубная щетка, акварельные краски разных цветов: розовый, синий, фиолетовый, желтый и черный.

Шаг 1.

Слегка нарисуйте круг в своем художественном журнале. Возьмите кисть и смочите весь круг (как мы это сделали с кактусом).

Шаг 2.

Начните рисовать розовым цветом и закрасьте весь круг, не беспокоясь о том, куда пойдет краска.

Пока он еще влажный, добавьте более темный розовый или фиолетовый цвет и начните рисовать с краев. С помощью кисти смешайте краску с предыдущим слоем. Только не покрывайте весь круг более темными тонами.

Шаг 3.

Выберите более темный синий или черный цвет и продолжайте добавлять краску по краям, а также немного ближе к центру. Для большего интереса добавьте немного желтого посередине.

Поэкспериментируйте и не пытайтесь довести его до совершенства.Сама краска будет хорошо растекаться и растекаться.

Если вы чувствуете, что краска высохла, попробуйте добавить кистью немного воды.

Шаг 4.

После этого возьмите зубную щетку и нанесите на нее белую акриловую краску.

Затем проведите пальцем по волосам на кисти и нанесите краску на круг.

Делайте это больше в одних областях и меньше в других. Это должны быть звезды.

Кажется, я облажался.Несколько больших капель акриловой краски оказались в моей галактике. Но, эй, мне все равно, правда? Давайте праздновать несовершенство.

Звездочки также можно добавлять белой ручкой или маркером.

5. Акварель + дудлы

Техники, которыми вы будете заниматься: глазирование.

Необходимые принадлежности: акварели, кисть, белая или черная ручка / маркер.

Мы делаем абстрактную картину, состоящую из нескольких фигур и набросков внутри них.

Я решил использовать только один цвет, но разные оттенки. Синий был моим первым выбором.

Шаг 1.

Выберите самый светлый оттенок выбранного вами цвета и нарисуйте несколько необычных форм, воображая букет. Дайте высохнуть.

Шаг 2.

Нарисуйте столько фигур, сколько хотите, друг на друга разными оттенками.

Я предлагаю вам сделать это по три, что означает нарисовать по 3 фигуры каждым оттенком акварели.Дайте высохнуть.

Шаг 3.

Пришло время рисовать. Возьмите подготовленную ручку или маркер и нарисуйте линии внутри каждой фигуры. Поиграйте и получайте удовольствие.

Будьте осторожны при наложении фигур.

Я бы сделал это белым маркером, а не черной ручкой, и я также использовал золотой маркер, потому что мне нравится, как он делает рисунки более сложными.

Если вы выберете более темные цвета для фигур, попробуйте рисовать белым / золотым пером, но если вы рисуете фигуры более светлыми тонами, то черная ручка будет эффективной.

Помогли ли вам эти простые акварельные рисунки?

Я очень надеюсь, что это так. Я знаю, каково это, когда ты ужасно хочешь заниматься чем-то в своем художественном журнале, но все же тебе нужны рекомендации и практика.

Вот почему я сделал эти мини-уроки, чтобы показать вам, что, даже если вы только новичок, вы можете рисовать акварелью и при этом получать удовольствие.

Рисовать акварелью доставляет удовольствие, и мне нравится ее мягкость и рыхлость.

Каждый навык требует практики, так что не пренебрегайте своим запасом акварели, и я обещаю вам, что после практики вы будете становиться все лучше и лучше.

Загрузите бесплатный стартовый набор для художественного журнала для начинающих и наслаждайтесь созданием прекрасных страниц художественного журнала. Кроме того, вы получите полный доступ к моей бесплатной библиотеке ресурсов , заполненной печатными изданиями для художественных журналов. Просто заполните форму ниже!

Как начать художественный журнал: полное руководство для начинающих

Легкие акварельные картины, которые можно сделать за 20 минут или меньше

15 невероятных советов по акварели для начинающих в художественном журнале

Акварельная живопись

Несколько лет назад я познакомился с художницей Дайан Пэлли Макдональд, когда писала статью о перестройке ее студии для San Diego Union-Tribune . (В новостях говорилось, что это было на HGTV «Вызов дизайнера».) Когда я увидел картины Дайан, я с тоской сказал ей, как сильно я люблю акварель. Она спросила: «Тогда почему бы не нарисовать свою собственную?» Я сказал, что не могу, потому что слишком стар, чтобы учиться, и слишком занят.Она показала мне картины своих учеников — взрослых, которые никогда раньше не ходили на занятия и были убеждены, что у них нет художественных способностей. Они были потрясающими! Дайан любезно пригласила меня на занятия, и в итоге я набрала дюжину. Поскольку большинство моих тем связаны с садом, и вы можете нарисовать свои собственные цветы и растения, вот что я узнал.

(1) Если вам не нравится рисовать, начертите. Трассировка позволяет мне рисовать практически с самого начала и быстро начать заново, если я ошибаюсь.Начните с выбора фотографии, которая вас вдохновляет, в идеале с простыми линиями и без суетливых деталей. (Хорошо, у той, что здесь изображена, есть суетливые детали, но я скоро объясню, как я их рисовал. )

Распечатайте фотографию на бумаге 8-1 / 2 на 11, чтобы у вас была справка. Распечатайте вторую копию в «черновом режиме» вашего принтера, чтобы изображение было приглушенным. Используя черную ручку или карандаш с мягким графитом, нарисуйте основные компоненты изображения, чтобы оно выглядело как страница из книжки-раскраски. Поместите обведенную фотографию на светлый стол или напротив солнечного окна и приклейте к нему лист акварельной бумаги (я использую холодный пресс Arches 140 фунтов).Слегка обведите карандашом линии раскраски на акварельной бумаге. Затем, чтобы бумага не деформировалась во время рисования, приклейте акварельную бумагу к толстому прямоугольнику картона или чему-то подобному плоскому и портативному.

(2) Краска возле большого окна для хорошего освещения . Если мне нужно рисовать ночью, я включаю две лампы. Готовые картины висят на проволоке, протянутой вдоль стены, не столько для того, чтобы картины высохли, сколько потому, что мне хочется на них смотреть. Какой смысл писать картину, если она лежит в ящике, пока кто-нибудь не обрамлит ее? (Чего никогда не бывает.)

Материалы включают тюбики акварельной краски основных цветов, холодных и теплых; пластиковая палитра с участками для рисования и смешивания; несколько емкостей для чистой воды; бумажные полотенца для промокания; качественные художественные кисти разного размера; несколько недорогих кистей; стирательная резинка; маскирующая жидкость; и кусок мыла. Эти последние три позволяют мне сохранить белый цвет бумаги, как я нарисовал колючки кактуса выше.

На этой картине в виде пруда с карпами кои также показано «резервирование белого цвета бумаги». Перед нанесением любого цвета я нарисовал яркий белый цвет солнца, сияющего на воде, но не белой краской, которая выглядит тусклой и меловой. Красота акварелей в их полупрозрачности — в том, как они светятся. Этот «свет» — бумага под краской. Больно пытаться убрать сочные цветные пятна на участках, которые вы хотите оставить белыми. Итак, (3) кисть маскирующая жидкость там, где вы не хотите, чтобы краска оставалась .Затем вы можете нанести мазок на краску, сосредоточившись на создании полос цвета. Нанесите маскирующую жидкость (также называемую фрискетом) дешевой кистью, предварительно смочив щетинки мыльной водой, чтобы они не слипались. Когда картина высохнет, удалите эластичную маску художественным ластиком.

Посмотрите на мою картину кактуса еще раз, и вы увидите, сколько масок я сделал, прежде чем рисовать цветом.

После того, как я почти год не рисовал акварелью, я сделал три картины за один день, чтобы завершить свой акварельный календарь «Суккуленты на 2012 год».Чтобы вернуться к живописи, я начал с простой розетки Aeonium «Kiwi». Я не хотел рисовать каждую бахрому на краях листьев, но они важны, поэтому я замаскировал несколько, чтобы наметить остальные. Первая смывка была желтой, цвета как красного, так и зеленого цвета листьев.

(4) Дайте картине высохнуть перед добавлением дополнительных цветов. После рисования в зеленый цвет, чтобы не запачкать цвета, я даю бумаге полностью высохнуть перед добавлением красного.

(5) Пусть краска сделает свое дело. Чтобы красный цвет растекся органически, как если бы он находился в клетках растения, я сначала нанёс чистую воду на края листьев. Затем, прежде чем она высохнет, но пока бумага была еще влажной, я промокнул эти участки неразбавленной красной краской. Вуаля: цвет растекся и поля закрасились сами собой.

(6) Используйте соль, чтобы создать нечеткий фон. Посыпьте влажное белье кошерной солью. По мере того, как зерна растекаются по верхнему слою краски, они обнаруживают основной цвет.

Это дает чудесные пестрые, похожие на снежинки всплески, как на этой картине бородатого ириса.

Другой предмет календаря — агава — имела необычную окраску. Уметь правильно «читать» на акварели — выше моего уровня мастерства. И все же мне нравились сине-зеленые листья и красные зубы агавы, поэтому я решил обыгрывать их, а также тонкие углубления, которые зубы оставляют на внутренних листьях. Итак, (7) получайте удовольствие, экспериментируя с цветом. Худшее, что может случиться, — вам придется начинать все сначала.

Я сделал три версии «Фреда и Одри», прежде чем у меня появилась одна эта.

Итак, теперь вы знаете, как я нарисовал мисс Декабрь?

Моя цель — поделиться красотой водных и простых в уходе суккулентов в садах, контейнерах и ландшафтах с помощью сообщений в блогах, информационных бюллетеней, публичных выступлений и семинаров, фотографий, видео, товаров и социальных сетей (Facebook и Pinterest). Мои книги: Designing with Succulents, Succulent Container Gardens , и Succulents Simplified . www.debraleebaldwin.com

Удостоенный наград садовый фотожурналист Дебра Ли Болдуин написала «Дизайн с использованием суккулентов», «Сочные сады в контейнерах» и «Упрощенные суккуленты», всех бестселлеров Timber Press. Ее цель — повысить интерес и осведомленность других о водных растениях и садах, демонстрируя красоту и дизайнерский потенциал суккулентов через книги, статьи, информационные бюллетени, фотографии, видео, социальные сети и многое другое. Дебра и муж Джефф живут в предгорьях к северу от Сан-Диего. Она выросла в Южной Калифорнии на ранчо, где выращивают авокадо, говорит на разговорном испанском и в 18 лет с отличием окончила USIU со степенью в области английской литературы. Ее хобби — экономия, наблюдение за птицами и акварель. Канал Дебры на YouTube набрал более 3 000 000 просмотров.

Картина воды акварелью — Американская акварель

1. Если позволяет время, сделайте несколько небольших разогревающих исследований цвета воды и формы волн.Думайте об этом как о растяжке перед гонкой.
2. Принять подход «меньше значит больше» при рисовании поверхности движущейся воды. Удивительно небольшое количество мазков может показать формы и движение воды. Чрезмерные отметины могут привести к тому, что картина будет выглядеть статичной.
3. Если внимательно присмотреться к водной глади, можно заметить легкие изменения цвета. Определитесь с общим цветом, но будьте готовы изменить его здесь и там. Объедините участки немного разных цветов вместе, чтобы создать убедительное ощущение воды.
4. Вода будет отражать то, что происходит в небе над ней. Создайте непрерывность сцены, используя одни и те же цвета для изображения неба и воды.
5. Самый резкий контраст в вашей картине должен быть в фокусе, не обязательно там, где небо встречается с водой, поэтому остерегайтесь желания нарисовать линию горизонта остро, даже если вам это может показаться именно таким.
6. По мере того, как волны взбивают воду и перемешивают крошечные пузырьки воздуха с пеной, вода теряет способность отражать то, что находится над ней и вокруг нее, и показывает больше того, что в ней смешано — водоросли, песок и ил.Затем цвет воды меняется в зависимости от состава берега. Прибой и пена на розовом песчаном пляже будут отличаться по цвету от серфинга и пены на сером песчаном пляже.
7. На цвет воды, которую мы видим, влияет угол наклона солнца по отношению к нам. Эти две фотографии были сделаны в одном и том же месте в одно и то же время дня — одна обращена почти прямо к солнцу, а другая — вдали от солнца.

Канадская художница Поппи Бальзер всегда жила в пешей доступности от океана. В своих картинах она стремится подчеркнуть дикие части побережья Новой Шотландии.

Чтобы получить больше вдохновляющих историй, подобных этой , , подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную электронную рассылку .

Как сделать картину с приподнятой солью — самое любимое занятие для детей

Раскрашенная солью — излюбленное детское художественное занятие на все времена, которое любят все, от малышей до младшего возраста.Клей, соль и акварель — все, что вам нужно для этого простого художественного занятия, также известного как соленые акварели.

Обновлено в январе 2021 г.

Картина с приподнятой солью потрясающая. Я имею ввиду, УДИВИТЕЛЬНЫЙ.

Мы сделали это , значит, много раз на протяжении многих лет, начиная с того времени, когда Майя и ее друзья по детской художественной группе еще носили подгузники.

Если вы еще не пробовали рисовать соляной краской, сейчас ваш шанс! Сначала я поделюсь видео с изображением выпуклой соляной живописи в действии, а затем дам вам пошаговое руководство для этого увлекательного художественного упражнения.

Готовы начать? Поехали…

МАТЕРИАЛЫ

* Подойдет любая прочная художественная поверхность. Мы сделали это с картоном, картоном для плакатов, картоном, акварельной бумагой, бумажными тарелками и пенопластом.

** Жидкие акварели отлично подходят для этого занятия. Если у вас его нет, вы можете сделать его самостоятельно, разбавив пищевой краситель.

Необходимое время: 1 час.

ИНСТРУКЦИИ

1. Нанесите клей на карточку

   Используйте свой клей, чтобы нарисовать рисунок или рисунок на карточке.

2. Посыпать солью

   Осторожно посыпать солью картон, пока клей полностью не покроется. Подсказка, чтобы позволить излишкам соли выпасть. Форма для запекания или противень помогают удерживать соль.

3. Добавьте цвет!

   Окуните кисть в жидкую акварельную краску и аккуратно прикоснитесь к засоленным клеевым линиям. Смотрите, как краска «волшебным образом» движется в обоих направлениях!

   Если хотите, вы можете использовать пипетку или пипетку вместо кисти, чтобы добавить акварельную краску. Мы обнаружили, что это может добавить слишком много краски за раз, но я знаю, что многим нравится этот метод.

4. Дать полностью высохнуть

   Процесс сушки может занять день или два.

   Примечание. Если вас интересуют коврики для рисования или горшки для жидкой акварели в основе, я расскажу о них в своем посте об инструментах для детского творчества.

После высыхания покажите свое новое произведение искусства!

Картины с приподнятой солью — излюбленное занятие в нашем доме на все времена (наряду с мраморностью крема для бритья, пухлой краской в ​​микроволновой печи и рисованием брызгами). И, как и другие, его тоже любит каждый ребенок.

Вы можете использовать эту технику клей + соль + акварель, чтобы писать имена / слова, сцены природы, волнистые линии и каракули, лица и многое другое!

Как насчет вас? Вы уже пробовали рисовать соляной краской со своими детьми?

Между прочим, эти соленые акварели — одна из наших лучших 10 самых любимых творческих занятий для детей. Если вам это нравится, вы можете проверить другие в списке.

Другие идеи рисования для детей

Прикрепите его для использования в дальнейшем

Об авторе

Жан Ван’т Хул

Детский художник, мать двоих детей, любительница вишневого пирога и природы

советов по акварели для начинающих | John Lovett Artist

Советы по акварели для начинающих

Научиться рисовать акварелью на первый взгляд может показаться странным и трудным, особенно если вы используете непрозрачные материалы, такие как масло или акрил.Эти советы по акварели для начинающих исследуют все основные акварельные техники, чтобы направить вас на верный путь.

Совет 1. Сохранение Белой книги

Первое и наиболее очевидное отличие состоит в том, что акварель прозрачна. Он основан на нетронутой бумаге для получения чистых, хрустящих белых пятен. Это означает, что вы должны с самого начала решить, где будут области белого цвета в вашей картине, и заранее спланировать, чтобы сохранить эти области.

Чистая белая бумага, контрастирующая с яркими темными тонами, придает особый вид каютам на этих траулерах.

Процесс успешной акварельной живописи заключается в том, чтобы избегать белых участков и сначала наносить самые светлые краски, постепенно переходя к более темным. Старайтесь достаточно свободно покрывать большие площади на ранних этапах рисования, добавляя более четкие детали ближе к концу. Вот несколько моментов, о которых следует помнить …

Совет 2. Эскизы уменьшенных изображений

Маленькие эскизы эскизов позволяют перемещать объект и корректировать композицию перед тем, как начать рисовать.Наличие плана, над которым нужно работать, значительно упрощает избежание проблем, особенно когда речь идет о настройке тонального (светло-темного) контраста. Разбейте эскизы эскизов примерно на четыре различных тональных области и закрасьте их. Это позволяет вам управлять светом и темнотой так, чтобы максимальный контраст был в центре внимания.

Эти эскизы показывают разные варианты и содержат только четыре разных тона (черный, темно-серый, светло-серый, белый)

Подробнее о эскизах миниатюр

Совет 3.Цветовая гармония

Из всех советов по акварели для начинающих сохранение цветовой гармонии является одним из самых важных. Есть несколько простых вещей, которые следует помнить, чтобы поддерживать гармонию цвета на всем протяжении вашей картины.

Ограничьте свою палитру
Заманчиво окунуться в двадцать различных цветов, разбросанных по вашей палитре, но обычно это приводит к противоречивой, грязной работе. Ограничьте количество цветов двумя или тремя, особенно на ранних этапах рисования. Ваш предмет будет диктовать, какие из них выбрать.Я нахожу для зданий, ландшафта и т. Д., Начиная с оттенков землистых оттенков — сырой сиены и жженой сиены, плюс немного ультрамарина или индиго, в зависимости от того, какая атмосфера вам нужна, что дает прочную гармоничную основу для работы. При необходимости позже можно аккуратно добавить более насыщенные цвета.

Подробнее о Limited Palette

В проекте «Речной пейзаж» используется всего пять цветов (четыре из которых — синие) для создания простой, плотной цветовой гармонии.

На рисунке ниже показано, как ограниченная палитра может иметь большее влияние, чем полный спектр цветов.Помимо серого, белого и черного угля, большую часть этой картины составляют фтало и синий ультрамарин. Небольшая капля перманентной розы привносит теплоту в центр внимания.

Совет 4. Посторонние цвета

Как часто вы смотрите на картину и видите область цвета, которая вам не подходит? Группа деревьев в неуместном зеленом, диссонирующая синяя река или фиолетовый цветок, который, кажется, выпрыгивает из грозди.Решение этой проблемы простое: добавьте больше диссонирующего цвета к остальной части картины.
Разрешение перманентной розе на вышеприведенной картине растекаться по поверхности связывает цвет с работой. Если бы он был ограничен только фокальной областью, это выглядело бы неуместно.

Совет 5. Цвет галстука

Несколько тонких каллиграфических линий гармоничного цвета обычно скрашивают разрозненную цветовую композицию.
Используйте контурную кисть №1 или 2 или ручку и тушь. Важно использовать только один цвет для этих линий, иначе вы рискуете усугубить путаницу. Если вы используете тушь, мелкая струя воды сразу после нанесения краски смягчит линии и создаст интересные эффекты растушевки.

На этой картине показан эффект распыленных чернил Burnt Sienna Ink, соединяющих линии, продетые через них, чтобы объединить работу.

Совет 6. Темные тона

Избегайте нейтральных темных тонов — картина будет иметь больше жизни и характера, если темные тона будут либо теплыми, либо прохладными.Чтобы смешать насыщенный насыщенный темный цвет, не используйте непрозрачный желтый. Лучше всего работают Windsor & Newton Quinacridone Gold или Rowney Indian Yellow. Большинство других желтых оттенков создают мутные темные. Помимо прозрачного желтого цвета, вам понадобится много пигмента и очень мало воды. Хорошая идея — сразу окунаться от одного цвета к другому, не ополаскивая кисть между ними. Ополаскивание только разбавляет смесь и уводит ее от сильной темноты.

Для получения дополнительной информации о темных тонах см. «Черная акварель»

Совет 7.Центр интересов или координационный центр

Фокус или Центр интереса — это область вашей картины, которая захватывает и удерживает внимание зрителя, прежде чем позволить ему уйти в другие области картины. Помимо интересной части объекта, центр интереса должен содержать максимальный тональный контраст и наиболее яркую цветовую область.
Для того, чтобы картина была успешной, центр интереса должен быть очевиден и хорошо расположен. Старайтесь не размещать центр интереса в середине картины (горизонтально или вертикально), если вам не нужна статичная формальная композиция.
Сохранение центра интереса на неравном расстоянии с каждой стороны помогает его правильно расположить. Разделение горизонтальной и вертикальной оси примерно в соотношении 1: 2 также поможет разместить центр интереса

Подробнее о точках фокусировки

Совет 8. Не переусердствуйте с рисованием

Картина, заполненная тщательно проработанными деталями от одного края до другого, может быть трудной для просмотра. Если вам нравится работать с мелкими деталями, подумайте о добавлении некоторых участков рельефа.

На этой картине взгляд зрителя может блуждать между интересными текстурами и деталями фокусной области и плоскими участками рельефа, создаваемыми водным пространством переднего плана.

Совет 9. Рисунок

Для создания успешных картин важно практиковаться в рисовании.

Независимо от того, что вы рисуете, важно сначала подумать, как ваш объект будет размещен на странице. Небольшие эскизы эскизов перед тем, как вы начнете рисовать, — хороший способ отработать композицию.
Начните свой рисунок с мысленного сокращения объекта до нескольких простых форм. Нарисуйте их легко и точно, а затем разбейте их на более мелкие и детализированные формы. Не начинайте с одного угла предмета, а переходите к другому.

Ваш рисунок будет выглядеть лучше, если самая интересная часть (так называемый центр интереса или фокус) не будет размещена ни на одной из центральных линий страницы.Самый сильный тональный контраст (светлый / темный) должен быть в центре внимания.

Некоторые области чертежа менее детализированы, чем другие. Постарайтесь, чтобы большая часть деталей находилась в центре внимания.
Чтобы обрести уверенность, потренируйтесь рисовать на больших листах дешевой бумаги мягким (5B или 6B) карандашом, углем или пастельным карандашом. Встаньте, работайте на вертикальной поверхности (или поверхности под прямым углом к ​​линии вашего обзора) и отведите руку от плеча. Работайте от крупного и жирного до тонкого и детального.Только окончательную отделку нужно выполнять небольшими, плотными движениями рук.

Практика — Неважно, что вы рисуете — вы должны тренировать свой глаз, чтобы точно определять пропорции, и свою руку, чтобы точно преобразовывать эти суждения в отметки на бумаге. Здесь нет ярлыков, единственный ответ — много-много карандашной стружки.

Дополнительные советы по рисованию

Совет 10. Необходимые инструменты

Список советов по акварели для начинающих был бы неполным без описания самых необходимых инструментов и материалов.

Одно из преимуществ акварельной живописи, если вы только начинаете, — это небольшое количество необходимого оборудования.
Несколько цветов, четыре или пять кистей, немного бумаги для рисования и все! К палитре подойдет старая белая тарелка или можно купить дешевую пластиковую. Однако лучший совет, который я могу дать, — это покупать качественную краску художника и хорошую бумагу.

Вот мой список покупок, чтобы начать.

Краска
• Ультрамарин синий (френч Ультра.( Длинная щетина)

Бумага
Некоторая бумага студенческого качества для экспериментов и лист Arches или Saunders 300 г / м2 (140 фунтов) средней текстуры. Разрежьте лист на 4

Складывающуюся пластиковую палитру

Этого достаточно, чтобы вы начали. вы можете добавить к этому, но не спешите покупать 20 разных цветов и дюжину кистей — это не сделает вас лучшим художником, просто запутаешься еще больше.

После того, как вы нарисуете несколько рисунков на этом оборудовании, вы можете добавить еще несколько цветов и кистей. Я использую очень мало оборудования.

В этом цветовом круге используются только рекомендованные выше цвета. Он дает довольно насыщенный диапазон цветов при условии, что вы ограничиваете смешивание не более чем двумя основными цветами.

Смешивание с тремя основными цветами дает составные цвета (коричневый, хаки, серый и т. Д.), Которые мы используем большую часть времени при рисовании.

Прозрачный золотой хинакридон — это то, что предотвращает мутные цвета.

Подробнее о материалах в

Живопись на месте

Наконец и важно

Наслаждайтесь тем, что вы сделали!

Оберните свою работу матом, сядьте с бокалом вина или чашкой кофе и посмотрите на все хорошее, чего вы достигли. Важно относиться к своей работе хорошо. Зацикливание на ошибках или проблемах огорчает и мешает двигаться дальше. Я еще не видел картины без хороших моментов.Сосредоточение внимания на положительных аспектах вашей работы дает вам уверенность и энтузиазм, а также позволяет развить успех.

Подведение итогов акварельных советов для начинающих

• Сохраняйте техническую документацию с самого начала.

• Прежде чем начать, разработайте композицию с помощью эскиза.

• Ограничьте свою палитру, чтобы сохранить цветовую гармонию.

  No related posts.