Васнецов – Богатыри (картина Три богатыря). Сочинение

из чужих сайтов скачали и делитесь: нехорошо: я тоже так могу: Перейти к: навигация, поиск
Die drei Bogatyr.jpg
Виктор Васнецов
Богатыри, 1881—1898
Холст, масло. 295,3×446 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Богатыри» — картина Виктора Васнецова. Распространённое название картины — «Три богатыря» является неправильным. Васнецов работал над картиной почти двадцать лет. 23 апреля 1898 года она была закончена и вскоре куплена П. М. Третьяковым для своей галереи.
Содержание
Сюжет
В. М. Васнецов у картины «Богатыри». Москва. 1898.

Сам В. М. Васнецов (в письме к П. П. Чистякову) описывал картину так: «Богатыри Добрыня, Илья и Алешка Попович на богатырском выезде — примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?»[1].

На картине изображены три богатыря — Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович (главные герои русских былин). Посередине на вороном коне Илья Муромец, смотрит вдаль из-под ладони, в одной руке у богатыря копье, в другой булатная палица. Слева на белом коне Добрыня Никитич, вынимает меч из ножен. Справа на коне гнедой масти Алёша Попович, держит в руках лук со стрелами. В сравнении со своими товарищами он молод и строен. На боку у Алёши Поповича колчан. Трое богатырей стоят на широкой равнине, переходящей в невысокие холмы, посреди пожухлой травы и изредка проглядывающих маленьких ёлочек. Небо пасмурное и тревожное, означает грозящую богатырям опасность.
Появление идеи картины
В. М. Васнецов Первый набросок картины «Богатыри», 1871—1874 гг.

В. М. Васнецов описывал появление идеи картины так[2]:

Попался набросок трех богатырей. Написал в мастерской Поленова. Говорили о репинском подводном царстве, тут Вася и показал письмо Чистякова. Мудрец учитель и за тридевять земель слал советы.

«Скажите ему, — просил передать, — что в его картине не цвет воды задает тон, а веяние впечатления от былины задать должно тон воде и всему; вода тут ни при чем. Цвет и густота воды бывают разные, а былина такая — одна». Слова Чистякова о былине напомнили об одной старой мыслишке, он ее карандашиком, а может быть, и углем зарисовал сразу по возвращении из Рябова: лохматые могучие кони, могучая троица богатырей.

Так и встало перед глазами: взгорья, простор, богатыри. Дивный сон детства.

Нарисовал в единочасье, поднес Васе в подарок, а тот поглядел и сказал строго, по-чистяковски, это в нем было, чистяковское — за все искусство ответ держать и о каждом рисунке заботиться. Добрыня Никитич из рода купцов. Он одет в дорогие доспехи со щитом в руках, украшенным камнями.

Интересные факты
В. М. Васнецов Крестьянин Иван Петров. Этюд для картины «Богатыри». 1883 год. Государственная Третьяковская галерея

Прообразом для Ильи Муромца послужил крестьянин Владимирской губернии Иван Петров (позднее — извозчик села Большие Мытищи), которого Васнецов запечатлел на этюде в 1883 году[3][4].
В былинах Добрыня всегда молод, как и Алёша, но Васнецов почему-то изобразил его зрелым человеком с роскошной бородой. Некоторые исследователи[5] полагают, что чертами лица Добрыня напоминает самого художника.
Картина послужила поводом для большого количества анекдотов и сценических миниатюр.

Примечания

↑ Письмо В. М. Васнецова П. П. Чистякову, 25 апреля 1882 г.
↑ Цит. по: Бахревский В. А. Виктор Васнецов. / серия «Жизнь замечательных людей». — М. : «Молодая гвардия», 1989. — ISBN 5-235-00367-5
↑ Письмо В. М. Васнецова И. Е. Цветкову, Москва, 11 декабря 1911 г.
↑ Коваленская Н. Н. В. М. Васнецов. // История русского искусства. / Под общ. ред. академика И. Э. Грабаря, действительного члена Академии художеств СССР В. С. Кеменова и члена-корреспондента АН СССР В. Н. Лазарева. Том IX. Книга вторая. — М. : Наука, 1965. С. 114.
↑ Краснов Н. В. Беседы по искусству. — М. : Искусство, 1965

Ссылки

«Богатыри» в базе данных Третьяковской галереи
Картина «Богатыри» на сайте GoogleArtProject
О картине «Богатыри» на сайте «История искусства».
«Богатыри» // из кн. «Замечательные полотна». — Л., 1966. С. 298.

Категории:

Картины по алфавиту
Картины Виктора Васнецова
Картины из собраний Государственной Третьяковской галереи

Магия ночи в живописи разных художников

Конечно, это далеко не «полное собрание сочинений» ночной живописи 🙂 Сколько бы не отобрал работ, всё равно будут вопросы: где Шишкин, Куинджи, Ван Гог… Если помните, только у Ивана Константиновича Айвазовского множество великолепных картин с ночным сюжетом.

В подборке просто хотелось показать, какое разное мировосприятие у живописцев. И передают они, конечно же, своё состояние и состояние ночи — каждый по-своему. Хотелось бы, чтобы зрители останавливали взгляд на каждой работе, проникаясь магией этого времени суток, наслаждаясь мастерством художников, игрой света и цвета.

Понимаю, что одним ближе декоративный подход художников, других покоряет лаконичность и реализм. Для каждого здесь найдётся что-то созвучное, я надеюсь.

Левитан Исаак Ильич

Саврасов Алексей Кондратьевич

Василий Сухов

Оболенский Александр

Козмин Борис

Савченко Алексей

Конкордым Владимир

Беликов Василий

Лукьянов Виктор

Изюм Илья

Солодченко Максим

Джон Эткинсон Гримшоу

Thomas Kinkade

Ted Blaylock

Richard Savoie

Лагорио Лев Феликсович

Айвазовский Иван Константинович

Каменев Лев Львович

Louis Aston Knight

Прядко Юрий

Коровин Константин

Евгений Лушпин

Бутырский Алексей

Медведев Игорь

Леонид Афремов

Скобелев Виктор

Мэрлин Симанд

Jeremy Mann

Joe Bowen

Джереми Манн

Кузнецов Григорий

14 знаменитых художников, чьи картины резко изменились всего за десятилетие

У каждого талантливого художника есть свой фирменный почерк, узнаваемый стиль, который оттачивается десятилетиями.

Но это не значит, что всю жизнь они рисуют лишь в одной манере. Живописцы экспериментируют, периодически испытывают на себе влияние других мастеров, проходят через несколько творческих периодов. Например, первые полотна родоначальника кубизма Пабло Пикассо имели максимальное сходство с оригиналом, и уже потом люди на его картинах стали превращаться в геометрические фигуры.

AdMe.ru решил сравнить картины великих мастеров, которые появились с разницей в 10 лет. Оказалось, их работы могут так сильно отличаться, что и не скажешь, что они созданы одним человеком.

Казимир Малевич

Известный во всем мире художник пробовал работать практически во всех модернистских стилях своего времени. Из каждого направления он брал что-то на вооружение и шел дальше, пытаясь создать нечто новое, уникальное.

В 1913 году Малевич, оформляя футуристическую оперу, нарисовал на заднике декорации черный квадрат, который должен был символизировать победу человека над природой, победу рассудочного над спонтанным. Несмотря на то что картину никто не заметил, через 2 года он снова представил ее, на этот раз на выставке в Петрограде. «Черный квадрат» мгновенно стал сенсацией и разделил жизнь художника на «до» и «после».

Энди Уорхол

О высоком искусстве у Энди было свое представление: он считал, что оно должно быть доступно и понятно всем. Добившись популярности как иллюстратор, Уорхол начал рисовать бутылки Coca-Cola, долларовые банкноты, а затем выпустил целый цикл произведений с изображением консервных банок супа Campbell, которые впоследствии стали его визитной карточкой. Через 2 года прошла выставка лучших работ художника и его причислили к мастерам поп-арта.

Пабло Пикассо

Пикассо оставил после себя огромное количество полотен, и некоторые из них входят в список самых дорогих картин мира. Первые работы мастера имели максимальное сходство с оригиналом. Впоследствии, после увлечения африканской скульптурой, Пикассо пришел к новому жанру — кубизму. Он стал упрощать очертания образов и предметов, а потом и вовсе превратил их в геометрические блоки. Как сказал сам художник: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Джексон Поллок

Если на ранних полотнах Поллока еще можно увидеть человеческие фигуры или изображения животных, природы, то после его знакомства с Пабло Пикассо работы Джексона становятся все более и более символическими.

После Второй мировой войны художнику захотелось найти новый способ выражения своих эмоций и описания действительности. Для изображения своего видения мира он начал использовать им же изобретенную технику разбрызгивания краски. Этот метод не предполагал случайных форм, художник точно знал, где именно должно появиться то или иное пятно.

Рене Магритт

Как и многие коллеги по цеху, с воем творчестве Магритт прошел несколько периодов, во время которых менял цветовую гамму и общую стилистику картин. В военные годы, в «период Ренуара», его работы были наполнены яркими, солнечными цветами: так он хотел вселить в людей надежду на лучшее.

В послевоенный период — время окончательного формирования его стиля — краски на полотнах художника стали гораздо более мрачными. Главным героем его работ стал человек в котелке: он либо повернут спиной к зрителю, либо его лицо закрыто. Считается, что все это автопортреты самого художника.

Сальвадор Дали

Прежде чем работы Сальвадора Дали приобрели легкий налет безумия, король сюрреализма много лет обучался традиционной живописи и долго оттачивал свое мастерство именно в этом стиле.

В 1929 году он стал членом общества сюрреалистов, и в каком бы направлении он впоследствии ни работал, этот стиль так или иначе проявлялся почти на всех его картинах. Именно он позволял художнику точно передать неуловимое: свою мысль, эмоцию, сон или страх.

Жоан Миро

Увлекаясь разными течениями европейского искусства, Миро старался сохранить свою особую манеру. На раннее его творчество заметно повлиял кубизм: в картинах того периода преобладает геометричность форм.

В конце 20-х годов в его творчестве наступает этап сюрреализма. Он отказывается от привычных методов живописи и создает мир странных существ. Художник начинает объединять вымысел и реальность и говорить языком геометрических фигур, имеющим символическое и даже мистическое значение.

Василий Кандинский

Сначала великий живописец стремился запечатлеть объект таким, какой он есть в реальной жизни. Но однажды вечером Кандинский увидел прислоненную к двери мастерской картину и был поражен фантастическим сочетанием красок. Когда до него дошло, что это его собственная перевернутая вверх ногами работа, он понял: важно не то, что изображено, а то, какие эмоции изображенное вызывает у зрителя. Так в его творчестве начался период абстрактной живописи. Со временем он даже вывел собственную теорию об эмоциях, которые обозначает каждый цвет.

Марк Шагал

Ранние картины художника были написаны в кубической манере, но уже тогда критики отмечали, что его работы отличаются от работ других кубистов. После встречи с Беллой Розенфельд, своей будущей женой, на первый план его картин выходит тема испепеляющей любви к ней, появляются символы иудаизма.

Со временем манера рисования Шагала становится все раскованнее и мягче. Элементы на полотнах будто парят и складываются в цветные видения.

Отто Дикс

Немецкий художник-авангардист считался самым жестоким сатириком эпохи между двумя мировыми войнами. Сам же автор называл себя реалистом. До войны Дикс вдохновлялся природой, Библией, Гете и Ницше, что и нашло отражение на его полотнах.

1920-е годы — время оглушительного успеха Отто. Он становится популярным портретистом. Несмотря на беспощадность его работ, многие стремились заказать у него свое гротескное изображение.

Амедео Модильяни

Всю жизнь единственным источником образа для Модильяни был человек. В первую очередь автор пытался передать на своих картинах душу человека, поэтому писал только тех людей, с чьими судьбами был хорошо знаком.

Знакомство со скульптором Константином Бранкузи и увлечение африканской скульптурой оказало огромное влияние на окончательное оформление художественного стиля Амедео. Лица на полотнах художника стали менять свою форму и приобрели грубоватые, но выразительные линии.

Пит Мондриан

Если сравнить работы раннего и «классического» Мондриана, покажется, будто их создавали два разных человека. Первые картины художника вполне натуралистичны, но этот период продлился недолго.

В 1911 году он знакомится с кубистами и постепенно начинает создавать композиции на основе горизонтальных и вертикальных линий, с помощью чего надеется достичь более ясного изображения «чистой реальности». Все его работы этого времени посвящены одной цели — поиску тайного знания, которое даст ему ясное понимание окружающего мира.

Анри Матисс

Становление мастера прошло под эгидой импрессионизма, но в этом направлении Матисс не задержался. Он решил, что цвету стоит дать главную роль, а мелкие детали можно и отбросить. Его первая картина, выполненная в этом стиле, наделала много шума.

Знакомство с Пабло Пикассо заметно повлияло на следующие картины Анри, в которых стал преобладать кубизм, геометричность. После вдохновляющей поездки в Марокко на полотнах художника появляются яркие фигурные композиции, а краски резко контрастируют друг с другом.

Эдвард Мунк

Если первые полотна Мунка выдержаны в реалистическом духе, то позднее он скорее сосредотачивается на том, как выразить свое впечатление и передать эмоции, чем на техничности и точности. С 1880 года окончательно оформляется фирменный «экспрессионистский» стиль Мунка: упрощенные формы, символичные сюжеты, выразительные линии.

Если бы вы могли заказать свой портрет у любого их этих художников, кого бы вы выбрали?

Картины известных художников с рассказами о них — Храм Уборы

Гефсиманская молитва.

 

Известная картина художника Фёдора Антоновича Бруни (1799 – 1875) «Гефсиманская молитва», находится в Санкт-Петербурге в Музее Императора Александра III. (Ныне – Государственный Русский музей)

Крестным страданиям Господа Спасителя предшествовал молитвенный подвиг Его в саду Гефсиманском.

Это было в четверток, поздним вечером, вскоре после Тайной вечери. Не смотря на то, что на этой вечери был Иуда предатель, который наравне с другими удостоен был и омовения ног и участия в вечери и с этой вечери ушел творить свое злое дело, настроение Господа и учеников, по изображению Писания, нельзя вообразить иначе, как самым радостным. Господь радовался, что преподал ученикам, а через них и необозримому множеству верующих, высший дар Своей любви – тело и кровь Свои; ученики в первый раз ощущали радость приобщения, которую и мы, грешные, ценим, как высшую из радостей жизни.

Радость сия сказалась в пении торжественных пасхальных песней, с которыми вышли участники вечери из сионской горницы – этого первого в мире христианского храма, и веяние её слышится в той трогательной прощальной беседе с учениками, которая вызывает и теперь в благоговейно слушающих ее слезы сердечного умиления. Но чем ближе было к окончанию пути, тем более и более стала надвигаться на душу Спасителя страшная туча: это – разверзалась пред Ним бездна наших бесчисленных грехов от всех родов, когда-либо существовавших, существующих и тех, которые будут существовать.

Как всеведующий и сердцеведец, Господь знал эти грехи и видел эту бездну во всей ужасающей её глубине и наготе, и теперь надлежало Ему весь тот грех мира принять на Свою чистую совесть и прочувствовать всю мерзость его и всю тяжесть страшной за него ответственности.

И вот, подошедши к знакомому всем им месту у подошвы горы Елеонской – это известный сад Гефсимания, Господь выделяет трех особенно близких Ему учеников из среды других, берет их внутрь сада и открывает им Свое духовное томление: «Душа моя болит смертельно, побудьте здесь и пободрствуйте со Мною» (Мф. 26:38). Затем, отошел от апостолов на вержение камня (т. е. как далеко можно бросить камень) (Лк.22:41), пал на лице Свое и молился так: «Авва, Отче! Всё возможно Тебе. О, если бы Ты благоволил пронести чашу сию мимо Меня! Впрочем, не Моя воля, но Твоя да будет!» (Лк.22:42).

Три раза Господь возносил к Отцу Своему эту умиленную молитву. Последующая молитва  разнится от первой несравненно большим самообладанием и решительною покорностью воле Отца. Он как бы убедился – (говоря по человечески), что другого средства, кроме Его страдания, нет для спасения людей, и совершенно уже предавал Себя на волю Отца. «Отче Мой! – говорил Он, – если не может чаша сия миновать Меня, чтобы Мне не пить её, да будешь воля Твоя!» Господь молился в третий раз так же, как и во второй, но молитва Его была еще прилежнее, так что пот Его был, как капли крови, падающие на землю (Лк.22:44). После этого великого молитвенного подвига, явился к Нему ангел Господень и укреплял Его (Лк.22:43).

Что же ученики? Разделили ли они скорбь и труд Учителя и Господа? Увы, нет. Как бы нарочно в эти важнейшие минуты их жизни давил их страшный сон. Два раза подходил к ним Господь, возбуждал их спящих, просил пободрствовать не для Него уже, хоть для себя самих. Встанут, посмотрят, выслушают тупо и снова, как мертвые, повалятся на землю. «Спите же почивайте, сказал Он им, пришедши в третий раз. Но не дадут вам спать, вот идет предающий Меня!» В эту минуту показался Иуда с воинами и слугами архиерейскими, чтобы взять Господа Спасителя, после чего начался в эту же ночь беззаконный суд над Ним.

 Леонардо да Винчи «Тайная Вечеря»

Леонардо да Винчи – самая загадочная и неизученная личность прошлых лет, но его талант  неоспорим.

Одной из самых знаменитых и удивительных картин, созданных этим великим художником является картина «Тайная Вечеря».

Знаменитая фреска находится в церкви Санта-Мария-делле-Грацие, расположенной на одноименной площади Милана. А точнее — на одной из стен трапезной.

Как утверждают историки, художник специально изобразил на картине точно такие же стол и посуду, какие были на тот момент в церкви. Этим он пытался показать, что Иисус и Иуда  гораздо ближе к людям, чем кажется.

Заказ на написание произведения живописец получил от своего патрона — миланского герцога Людовико Сфорца в 1495 году.

Правитель славился распутной жизнью и с юных лет был окружен юными вакханками. Ситуацию нисколько не меняло наличие у герцога прекрасной и скромной жены Беатриче д’Эсте, которая искренне любила супруга и в силу своего кроткого нрава не могла перечить его образу жизни. Надо признать, что Людовико Сфорца искренне почитал свою жену и был по-своему к ней привязан. Но истинную силу любви распутный герцог ощутил только в момент скоропостижной кончины своей супруги. Скорбь мужчины была столь велика, что он на 15 дней не покидал своей комнаты. А когда вышел, то первым делом заказал Леонардо да Винчи фреску, о которой некогда просила его покойная супруга, и навсегда прекратил все развлечения при дворе.

«Тайная вечеря» изображает последнюю трапезу Иисуса Христа с учениками-апостолами, состоявшуюся в Иерусалиме накануне его ареста римлянами.

В Евангелие говорится, что  Иисус во время этой трапезы предрек, что один из апостолов предаст его. Леонардо да Винчи постарался изобразить реакцию каждого из учеников на пророческую фразу Учителя. Для этого он ходил по городу, говорил с простыми людьми, смешил их, расстраивал, обнадеживал. А сам при этом наблюдал за эмоциями на лицах. Целью автора было отображение трапезы с чисто человеческой точки зрения. Именно поэтому он изобразил всех присутствующих в ряд и никому не пририсовал нимба над головой.

Как утверждают историки, сложнее всего Леонардо да Винчи далось написание двух персонажей: Иисуса и Иуды. Художник старался сделать их воплощением добра и зла, поэтому долго не мог найти подходящих моделей. Однажды итальянец увидел в церковном хоре юного певчего – настолько одухотворенного и чистого, что сомнений не осталось: вот он – прототип Иисуса для его «Тайной вечери». Но, несмотря на то, что образ Учителя был написан, Леонардо да Винчи еще долго корректировал его, считая недостаточно совершенным.

Последним ненаписанным персонажем на картине оставался Иуда. Художник часами бродил по самым злачным местам, выискивая среди опустившихся людей модель для написания. И вот почти через 3 года ему повезло. В канаве валялся абсолютно опустившийся тип в состоянии сильного алкогольного опьянения. Художник приказал привести его в мастерскую. Мужчина почти не держался на ногах и не соображал, куда он попал.

Однако, уже после того, как образ Иуды был написан, пьяница подошел к картине и признался, что уже видел ее раньше. На недоумение автора человек ответил, что три года назад он был совсем другим, вел правильный образ жизни и пел в церковном хоре. Именно тогда к нему подошел какой-то художник с предложением написать с него Христа. Так, согласно мнению историков, Иисус и Иуда были списаны с одного и того же человека в разные периоды его жизни. Это еще раз подчеркивает тот факт, что добро и зло идут так близко, что только пребывая с Господом мы можем ощутить  эту грань и постараться не переступить через нее.

Иван Константинович Айвазовский — гениальный художник-маринист,

Иван Айвазовский “Хождения по волнам” 1888 год

и именно с этой стороны он наиболее известен в мире. Однако в своем творчестве он не раз обращался и к другим источникам вдохновения. Из огромного, насчитывающего более шести тысяч произведений творческого наследия великого мастера немало картин посвящено религиозной тематике. К примеру, картина Айвазовского «Хождение по водам», основой для которой является сюжет из Нового завета, имеет несколько вариантов.

В основе картины лежит библейский сюжет, очень популярный у художников разных эпох. Во время бури апостолы плыли на лодке, а Христос шел им навстречу прямо по бурным волнам. Только апостол Петр отважился идти навстречу Христу и ступил на подвижную бездну, как на твердую сушу. Держала его на воде только вера, так как стоило Петру отвести глаза, как он стал тонуть.

На картине отражен как раз момент, когда Петр, вытянув руки, из всех сил стремится к Спасителю, веря в его всемогущество. Христос изображен сияющим, как самый яркий свет. Исходящее от него свечение просто ослепляет и оставляет на волнующемся море дорожку, как от света полной луны. Для сидящих в лодке фигура Христа — путеводный маяк веры во тьме неверия.

Мастерское изображение волн создает эффект присутствия зрителя, так как очень натуралистично передает движение неспокойной воды в море. Центр композиции — это, конечно же, сияющая и освещающая все вокруг фигура Христа, а лодка с людьми и бегущий по волнам апостол Петр — статисты в этой ключевой сцене из Библии.

Лица людей и их одежды не акцентированы, они выполнены довольно схематично, темными красками, специально, чтобы внимание смотрящего не переключалось, а было сконцентрировано на центральной фигуре Иисуса, идущего по водам.

 

Василий Поленов «Христос и грешница».

 Василий Поленов Русский художник, музыкант и деятель театра Василий Поленов долго не решался обратиться в творчестве к Библейской теме. Пока не случилось страшное: его любимая сестра серьезно заболела и перед смертью взяла слово с брата, что он начнет «писать большую картину на давно задуманную тему «Христос и грешница». И он сдержал слово. За основу сюжета, выбранного для написания картины, была взята библейская легенда о встрече Христа с грешницей. По легенде, к Иисусу в храм привели женщину, обвиняемую во греховном занятии – прелюбодеянии. Сопровождавшие ее мужчины обратились к нему с вопросом о том, как поступить с нечестивой – ведь еще Моисей учил бить камнями всех, совершивших этот грех. На что Христос ответил: «Если среди вас есть безгрешный, то пусть он бросит в нее камень». И продолжил писать, не проронив больше ни слова. Постепенно люди стали расходиться, и ни один камень не был брошен в женщину. Когда в храме никого, кроме них не осталось, Иисус сказал ей, что так же, как и все, не станет ее судить и отпустил домой, велев больше не грешить. Написанию картины предшествовала тщательная подготовительная работа. Так, задуманное полотно должно было иметь достаточно большие размеры – 3,07 м на 5,85 м. В России же таких холстов не выпускали, поэтому художнику пришлось отправиться в Италию и заказывать холст там. Эта поездка была не последней – неоднократно Поленов посещал Египет, Палестину и Сирию, чтобы глубже изучить нравы, быт и колорит Иудеи времен Христа. Совершая путешествия на Восток, художник хотел на себе ощутить атмосферу библейских преданий, передав затем исторически достоверную обстановку на холсте. Всего за время работы над картиной Поленов сделал больше 150 предварительных рисунков, эскизов и этюдов, часть из которых сегодня хранятся в ГРМ. Впервые художник представил свою работу в феврале 1887 года на XV выставке Товарищества передвижников. По первоначальному замыслу, название картины было иным – «Кто из вас без греха?». Поленов считал, что именно эта фраза олицетворяет идею всепрощающей любви к ближнему и нравственное самосовершенствование. Но цензоры позволили выставить картину при условии замены названия на «Христос и грешница». Работа в целом также была осуждена цензорами и определена как вредная для народа. Но, как ни странно, полотно впечатлило императора Александра III, который не только допустил ее к демонстрации, но и приобрел картину для своего музея. После создания этой картины Поленов приступил к созданию целого цикла картин под названием «Из жизни Христа», которому он отдает несколько десятилетий неустанных творческих и духовных поисков. Поленов для это даже совершает путешествие через Константинополь, Афины, Смирну, Каир и Порт-Саид в Иерусалим.

Нестеров Михаил Васильевич родился 31 мая, а по старому стилю 19 мая, 1862 года в Уфе.

Картина «Видение отроку Варфоломею»

Согласно семейным преданиям, род будущего художника происходил из нов-городских крестьян, которые когда-то переселились на Урал. Его дед Иван Андре-евич был крепостным, а позже стал, как тогда называли, вольноотпущенным. Он сумел на «отлично» закончить семинарию и, приложив немало усилий, выбился в купеческое сословие. Религиозная тематика вошла в картины художника Нестерова прочно и надолго. Но мастер писал не только полотна. Одно время он занимался росписями церквей. Например, в 1893-1894 годах во Владимирском соборе города Киева он написал запрестольный образ под названием «Рождество Христово», а через 2 года в одном из храмов Петербурга была закончена работа над мозаикой. В 1899 году Нестеров приступил к росписи кавказской церкви Александра Невского. Через 5 лет она была завершена. Также кисти мастера принадлежат фрески, находящиеся в московской Марфо-Мариинской обители. Работа над ними велась с 1907 по 1911 год. К этому времени как раз и относятся лучшие картины Нестерова Михаила Ва-сильевича, написанные им на религиозные темы. Художник Нестеров Михаил Васильевич всегда относился с особенной любо-вью к святому Сергию Радонежскому. Картина «Видение отроку Варфоломею» яв-ляется первой из целого цикла его работ, посвященных преподобному игумену. Это объясняется тем, что Нестеров – художник, творчество которого сформировалось на почве высокой духовно-христианской традиции. Он нежно любил свою Родину, ее природу и людей, живших рядом с ним. Нестеров «Видение отроку Варфоломею» писал, будучи в Комякине. Недале-ко от этого места находилась Троице-Сергиева лавра. Также рядом расположена и усадьба Абрамцево, владельцем которой являлся знаменитый в то время меценат Савва Мамонтов. Как известно, он очень любил приглашать к себе в гости уже со-стоявшихся, знаменитых художников: Серова, Васнецова, Билибина, Врубеля. Бы-вал там и Нестеров. «Видение отроку Варфоломею» — картина, в которой использо-ваны именно абрамцевские пейзажи. Сам художник писал о том, что этюд для этой работы он набросал, будучи прямо там. Тогда его до глубины души поразила не-замысловатая подлинность российской природы. Сохранилось несколько подгото-вительных рисунков и этюдов к этому самому знаменитому его полотну. Сергий Радонежскский был основателем и игуменом Троице-Сергиева мона-стыря. В миру носил имя Варфоломей. Он до сих пор является одним из самых по-читаемых святых в России. Именно с благословения Сергия, Дмитрий Донской от-правился на битву, произошедшую на Куликовом поле в 1380 году. Бой против полчищ монголо-татар под руководством хана Мамая закончился победой русско-го войска. С нее началось освобождение земель от монгольского ига. Для художни-ка образ юного Сергия стал своего рода символом, который давал надежду на то, что русская духовность все же возродится. Картина Нестерова «Видение отроку Варфоломею» изображает один из эпи-зодов жития Сергия Радонежского. В отличие от своих братьев, в детстве мальчику очень трудно было изучать грамоту. Однажды, ища пропавшую лошадь, он забрел в лес, где ему встретился монах, молящийся у дуба. Варфоломей пожаловался иноку, что грамота дается ему с большим трудом. Старец с помощью таинства причастия помог отроку обрести знания. До конца своих дней художник был убеждён в том, что «Видение отроку Варфоломею» — самое лучшее его произведение. В старости лет художник любил повторять: Жить буду не я. Жить будет «Отрок Варфоломей». Вот если через трид-цать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я.

• Симеон и Анна в храме

  Хотя эта заказная работа начата в 1661 году, она пролежала незаконченной в мастерской Рембрандта до самой его смерти в 1669 году. Картина написана на сюжет сбывшегося пророчества. Старцу Симеону было предсказано, что он «не увидит смерти, доколе не увидит Христа Господня». И он наконец повстречался с ним, когда Мария с Иосифом впервые принесли Иисуса во храм. В честь этого события установлен один из двунадесятых Православных церковных праздников: Сретение. Рембрандт уже создал на эту тему великолепный заказной вариант (1631). Там действие происходит под высокими сводами храма, а сама работа выполнена в детальной манере, свойственной периоду молодости, успеха и славы. Здесь свободная манера письма последних лет особенно заметна еще и потому, что работа не закончена, хотя это едва ли существенно: все сосредоточено на моменте, когда полуослепший старец качает на руках спеленутого Младенца — сцена, исполненная бесконечной нежности.

• Рембрандт- первый вариант

• Виктор Васнецов -2

  Художник Виктор Васнецов очень хорошо представлен в Третьяковской галерее, но эти две его прекрасные картины, посвященные ангелам, практически никогда не выставлялись.

• Виктор Васнецов

• Dzhejms-Kristensen

  Американский художник Джеймс Кристенсен родился в 1942 году в Калифорнии. Он жил в нескольких кварталах от киностудии, и в детстве играл с друзьями в павильонах, где снимали такие фильмы как «Тарзан» и «Унесенные ветром». Джеймс всегда отличался богатым воображением, все думали, что он станет писателем, но мальчик вырос в художника, который начал писать картины на божественные темы. Джеймс Кристенсен глубоко верующий человек.

• Evelin-de-Morgan

  Художница Эвелин де Морган родилась в 1855 году, училась в Школе изящных искусств. После ее окончания уехала во Флоренцию к своему дяде, художнику Джону Спенсеру Стэнхоупу. Вернувшись в Англию, она написала первую имевшую огромный успех картину. Писала главным образом на божественные темы и мифологические сюжеты. Работы де Морган представлены во многих галереях мира, но эта картина мало кому известна.

• Эдвард Берн Джонс

  Английский художник Эдвард Берн Джонс родился в 1833 году в Лондоне. Посещал школу короля Эдварда, а в 1853 изучал теологию в Оксфордском университете. Здесь же он познакомился с картинами прерафаэлитов и принял решение отказаться от богословия ради живописи, но писал картины на божественные темы. Берн Джонс достаточно известный художник, он получил Орден почетного легиона за свои картины, а так же титул баронета, но эта картина с изображением ангела малоизвестна широкой публике.

• художник-портретист Генрих Семирадский

  Выдающийся художник-портретист Генрих Семирадский, хоть и был по происхождению поляком, с юности чувствовал органическую связь с русской культурой. Возможно этому способствовала учеба в харьковской гимназии, где рисование преподавал ученик Карла Брюллова Дмитрий Безперчий. Семирадский привнес в свои полотна на библейские сюжеты живописность, что сделало их яркими, запоминающимися, живыми. Принимал участие в росписи храма Христа Спасителя.

• Ge_Tajnaya-vecherya

  Картина Ге «Тайная вечеря» потрясла Россию, как когда-то «Последний день Помпеи» Карла Брюллова. Газета «Санкт-Петербургские ведомости» сообщила: «Тайная вечеря» поражает оригинальностью на общем фоне сухих плодов академической выправки», а члены Академии Художеств, напротив, долго не могли определиться в суждениях. В «Тайной вечере» Ге трактует традиционный религиозный сюжет как трагическое противостояние героя, жертвующего собой ради блага человечества, и его ученика, навсегда отказывающегося от заветов учителя. В образе Иуды у Ге нет ничего частного, только общее. Иуда – собирательный образ, человек «без лица». К евангельским сюжетам Николай Ге впервые обратился под влиянием Александра Иванова.

• Hant_Svetoch-mira

  В 1854 году английский художник Уильям Холман Хант написал картину «Светоч мира». На ней мы видим Христа, он путник, который глухой ночью стучится в какую- то дверь. Христос странник, и ему, как во время его жизни на земле, негде «главу приклонить». Посмотрите внимательно на картину: двери, в которые стучит Спаситель давно не открывались, они заросли бурьяном, вокруг кромешная тьма. В этой страшной темноте есть только один источник света: светильник в руке Христа. А на двери почему то снаружи нет ручки. Как нам понять эту картину? Ночь означает мысленный мрак, в котором мы привычно живем. Дом – наше сердце, в его двери тихо и осторожно стучится Христос со светильником, который разгоняет мрак. У дверей нашего сердца нет снаружи ручки. Спаситель не может сам их открыть, он просто стучит, надеясь, что его услышат. Двери нашего сердца, мы должны открыть Спасителю сами. Но все ли мы слышим тихий стук Христа в свое сердце?

Картины художников: как распознать шедевры? Живопись — Лайфхаб

Ну кто из нас хотя бы раз в жизни не хотел блеснуть своим умом в картинной галерее и с легкостью говорить, чьи полотна висят на стене? Но ведь художников за всю историю живописи было так много, что запомнить всех едва ли удастся. Эти шуточные подсказки помогут немного приобщиться к искусству и не путать хотя бы некоторые картины самых выдающихся художников.

1. Если у вас не возникает сомнений, что люди с полотна балуются стероидами и все фигуры на картине выглядят как после соревнований по бодибилдингу, значит, это работа Микеланджело.

2. Если на лице героев изображены страдания и вселенские мучения – это точно Тициан. Его картины также отличаются мрачным темным фоном.

3. А вот если вы видите просто темный фон, как будто лицо человека освещает лишь тусклый огарок свечи, сам персонаж изображен в каких-то бродяжьих лохмотьях – не сомневайтесь, это Рембрандт.

4. Вернемся к телам, но на этот раз уже к упитанным и всячески избегающим любые физические нагрузки. Такие картины художников эпохи Ренессанса пользовались большой популярностью. Целлюлитные попы писал великий Рубенс, и, видимо, он не особо разбирался, возможен ли по природе целлюлит у мужчин.

5. Если на полотнах изображены мужчины с кучерявыми волосами и явно нетрадиционной ориентации – это без сомнения картины Караваджо. Женщин он вообще писал крайне редко. Но, наверное, потому что они у него плохо получались. Взять хотя бы Медузу, почему-то похожую на Джонни Деппа.

6. К слову, о схожести – если на полотнах все персонажи чем-то похожи на Путина, это все проделки художника Ян ван Эйка.

7. Если вы видите на картине много амуров или с легкостью можете дорисовать туда еще парочку, а смысл картины при этом не поменяется – эти полотна однозначно принадлежат Буше.

8. Множество мелких и малоразличимых людей, которые занимаются более чем обыденными вещами, писал Брейгель.

9. Но, если вы видите тех же самых людей, но уже в немного странной обстановке – это Босх.

10. К слову, о странностях. Если все, что изображено на картине, как будто происходит во сне под действием наркотиков – тут все ясно! Это Сальвадор Дали!

11. Все полотна с балеринами написал Дега. Ну любил он балерин, что поделать.

12. Все картины художников настолько разные, но этого мастера вы сможете отличить без особого труда. Манера исполнения в стиле кубизм, а также наличие у людей, как может показаться на первый взгляд, лишних частей тела принадлежит великому Пикассо.

Читайте также: Самые дорогие картины мира за всю историю

13. Если вы видите перед собой знакомые пейзажи из Властелина колец и очаровательных женщин с кудрями, а иногда с младенцами на руках, не сомневайтесь – это Леонардо Да Винчи.

14. А вот людей, летающих в небе, любил изображать Шагал.

15. Женщина с монобровью как у айфона или горячего кавказского мужчины – это автопортрет художницы Фриды Кало.

16. Контрастные полотна с изображением бородатых мужчины с вытянутыми лицами писал Эль Греко.

17. Яркие картины со счастливыми людьми, отдыхающими на свежем воздухе как на 1 мая – это Ренуар.

18. Те же люди, но уже с грустными лицами – это Мане. И запомните, только люди! Никаких кувшинок и пейзажей. Исключение составляли только вазы с цветами.

19. А вот художник Моне – большой любитель пятен. Он предпочитал писать природу, а не людей. Хотя парочка дамочек у него в коллекции также имеется.

20. Если вы видите на картинах идеальное сочетание Teal & Orange – это проделки гения Винсента Ван Гога.

Читайте также: Ван Гог в современном искусстве. Иранец создает удивительные иллюстрации

21. Если, подойдя к картине вы слышите шум морского прибоя, а вода вот-вот начнет выливаться из картины на пол – знайте, это Айвазовский.

22. Азиатских женщин любил изображать французский художник Гоген.

23. Буйные зеленые рощи, великолепная природа необъятных просторов России и, конечно, бурые мишки свидетельствуют о том, что картина написана Шишкиным.

великие концерты от великих художников

Музыка – это нечто мимолетное, то, что исчезает спустя мгновение. Как уловить ее красоту и сохранить для вечности? До изобретения звукозаписывающих приборов это можно было сделать единственным способом – «соединив» c другим жанром искусства, живописью. Bеликие художники разных эпох делали это в разных тональностях, вернее – стилях.

Тициан. «Пасторальный концерт». Ок. 1509 г. Лувр

Видения в безмятежности

Два молодых человека, одетых по последней моде, сидят на лужайке в компании обнаженных женщин и музыкальных инструментов. И это не бытовая сценка, изображающая пикник развратной итальянской молодежи, а скорее всего, аллегория. Одна из дам, держащая флейту, – вероятно, муза музыки, сопровождающая юношу с лютней. Девушка, льющая воду из кувшина, – муза поэзии, спутница второго мужчины. Обе красавицы – ирреальные образы, порожденные вдохновением отдыхающих. Обратите внимание – герои картины оглядываются, обеспокоенные появлением на заднем плане пастуха, чье стадо своими криками нарушило их музыкальный покой. Картина, которая считается самым великим изображением «концерта» в мировой живописи, воплощает идеальное спокойствие, присущее эпохе Возрождения.

Отрада для всех пяти чувств

Караваджо. «Лютнист». Ок. 1595 г. Государственный Эрмитаж

Про это полотно обычно вспоминают тот факт, что позировал для него, скорее всего, спутник жизни Караваджо, молодой художник Марио Миннити. Но все же картина является не портретом в смысле изображения конкретного человека, а иллюстрацией глобальной идеи красоты, причем такой, которую нужно воспринять всеми органами чувств. Для зрения – миловидность лютниста и изящество цветов в вазе. Для обоняния – приятный запах этих цветов, а также лежащих рядом плодов. Эти же фрукты должны напоминать о приятных вкусовых ощущениях. Не забудем и об осязании – наверное, для него предназначена и кожица фруктов, и нежная кожа юноши – кому как больше нравится. И, наконец, пятое чувство, которое, судя по композиции, здесь главный герой, – слух. Именно для его услаждения изображены лютня, ноты со скрипкой. Здесь звучит музыка. Кстати, судя по полуоткрытому рту – нетипичной детали мимики для искусства того времени, юноша еще и поет. Наверняка нежным тенором, а то и альтом! Именно так музыканты развлекали гостей на праздниках XVI–XVII веков – не только на пышных приемах, но и на частных вечеринках.

Похвальное самосовершенствование

Ян Вермеер. «Урок музыки». Ок. 1662–1665 гг. Королевская коллекция Великобритании

В мастерской у Вермеера имелся достаточно ограниченный набор реквизита – ковер, драпировки, несколько кувшинов. И они кочуют у него из картины в картину. Удивительно, но несмотря на однообразие предметов, в каждом полотне художнику удается создать свой уникальный мир. На этой картине, например, запечатлены молодая девушка и преподаватель музыки. Она стоит за верджинелом (разновидностью клавесина), рядом на полу – виолончель. Любопытно, что это не изображение профессионального музыканта за работой, а мирная жанровая сценка. Ведь в Голландии той эпохи уровень жизни был настолько высок, что многие бюргеры могли позволить себе покупку ценных инструментов и обучение своих дочерей музыке. Но дело не только в социальной подоплеке: музыка в картинах малых голландцев использовалась как метафора гармонии и символ скоротечности жизни, неуловимого мгновения.

Почтительные слушательницы

Генрих фон Гесс. «Аполлон и музы». 1826 г. Баварские государственные собрания картин

А вот те живописцы, которые работали в стиле классицизм и вдохновлялись не развлечениями своих друзей и подруг, а античной мифологией, картины про концерты писали более скучные, холодные. Самые торжественные из них обычно посвящены древнегреческому богу музыки и поэзии Аполлону. Бог восседает на горе Парнас в обществе девяти муз, покровительниц всех видов искусств. В руках у него лира – струнный инструмент, на котором в Новое время давно уже никто не играл, однако художники продолжали активно употреблять его в произведениях искусства как опознавательный атрибут. У одной из муз тоже лира в руках – скорее всего, это Терпсихора, покровительствовавшая танцам, или Эрато, отвечавшая за любовную поэзию. А Эвтерпу, покровительницу непосредственно музыки, изображали с предшественниками гобоя или флейты – авлосом или сирингой. Впрочем, в компании Аполлона, как мы видим, дамы не музицируют, а лишь внимают ему в восхищении: типичная гендерная дискриминация для произведений того периода!

Маленькие радости после работы

Антуан Ватто. «Fetes Venitiennes». 1718– 1719 гг. Национальная галерея Шотландии

Великий французский живописец эпохи рококо – времени, которое сознательно избегало всего «великого» и «грандиозного», изобрел свой собственный жанр, называемый «галантные праздники». В них он изображал своих современников – аристократов или актеров, но не в бытовых жанровых сценках, а предающихся увеселениям, танцам, отдыху на природе. Музыка была важным элементом этих маленьких французских пикников времен Людовика-Солнце и его преемника. На большинстве полотен Ватто этого жанра люди поют или танцуют. И хотя подчас музыкальные инструменты не очень заметны, как здесь, их звучание всегда очевидно в зримом танцевальном ритме, который связывает персонажей. На этой картине, название которой примерно можно перевести как «Венецианские увеселения» (в честь оперы балета А. Камбра 1710 года), изображена девушка – возможно, актриса Шарлотта Демаре, фаворитка принца-регента. А ее партнер по танцу, мужчина в «восточном» наряде – друг автора, не очень талантливый художник, зато обеспеченный чиновник от искусства. Глядя на эту сценку, прямо завидуешь развлечениям «интеллигенции» эпохи рококо…

Лица из оркестровой ямы

Эдгар Дега. «Оркестр в Опере». Ок.1870 г. Музей Орсе

Чем ближе к нашему времени, тем меньше художников интересует классическая музыка. Импрессионисты – к примеру, Дега или Тулуз Лотрек, предпочитали более фривольные развлечения: варьете или уличные кафешантаны, то есть открытые террасы, где певички с большим декольте, грассируя, распевали свои песенки. Однако у Дега неистребимой оставалась и любовь к балету – а как тут без классических музыкантов? Так возникла его картина «Оркестр в Опере», по сути групповой портрет музыкантов Гранд-Опера. Большинство лиц в оркестровой яме узнаваемы – это конкретные люди, друзья и знакомые художника, например Дезире Дихау (с фаготом). Дега умудрился даже в ложу на заднем плане поместить конкретного человека – это композитор Эммануэль Шабрие. А вот балерины обезличены – это всего лишь ножки, извечный символ ускользающей красоты в жизни Дега.

О самых интересных выставках, концертах, аукционах, турнирах, чемпионатах и других значимых событиях читайте в MY WAY.

Текст: Софья Багдасарова

Как узнать художника по стилю. Коротко и ясно

Для многих кажется непосильной задачей запомнить художников и их картины. За сотни лет история вписала имена многих художников, имена которых на слуху, в отличии от картин. Как запомнить особенность художника и его стиль?  Мы подготовили краткую характеристику для тех, кто хочет разбираться в изобразительном искусстве:

 

Если на картинах изображены люди с большими задницами, будьте уверены – это Руббенс

Если люди в красивых одеяниях отдыхают на природе – Ватто

Если картина похожа на наркотический сон – это Дали

 

Если люди, изображаемые на картинах похожи на Путина – это Ян ван Эйк

 

Если мужчины похожи на кудрявых  женщин, с волоокими глазами – Это Караваджо

Если на картине с темным задним фоном изображен человек с блаженным выражением лица или мученик – Тициан

 

Если картина содержит многофигурные композиции, множество людей, объектов, христианские и сюрреалистические мотивы – это Босх

 

Если картина содержит многофигурные композиции и сложные сюжеты, но выглядят они реалистичнее чем картины Босха , будьте уверены – это Брейгель.

 

Если вы видите портрет человека на темном фоне в тусклом, желтом свете – Рембрант

 

Библейские и мифологические сюжеты с изображением нескольких пухленьких амуров – Франсуа Буше

Голые, накачанные тела, идеальные формы- Микеланджело

 

Нарисованы балерины, это – Дега

Контрастное, резкое изображение с изможденными и бородатыми лицами – Эль Греко

Если на картине изображена девушка с монобровью – это Фрида

Быстрые и светлые мазки, яркие краски и изображение природы – Моне

 

Светлые краски и радующиеся люди – Ренуар

 

Ярко, цветасто и насыщено – Ван Гог

 

Смурые цвета, черные контуры и грустные люди – Мане

Задний фон как из фильма “Властелин Колец”, с легким синим туманом. Волнистые волосы и аристократический нос Мадонны – Да Винчи

 

Если тело изображенное на картине имеет необычную форму – Пикассо

 

Цветные квадраты, как exel-евский документ – Мондриан

10 самых известных картин | Биография Интернет

Это десять самых известных картин, когда-либо созданных. Это личный подбор картин, которые имеют универсальный и непреходящий характер.

1. Мона Лиза — Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи работал над своим шедевром в течение 20 лет. Он везде носил его с собой. Загадочная улыбка захватила воображение мира. Его дважды крали, и теперь он находится в Лувре в Париже.Когда Мона Лиза посетила Америку в 1960-х годах, она приобрела известность, близкую к известности тогдашнего президента США Джона Ф. Кеннеди. Почему люди стоят в очереди так много часов, чтобы мельком увидеть? Возможно, потому, что это очень человечно, но в то же время дает ощущение, что есть что-то запредельное. В мире, но заглядывая за его пределы. Разве это не улыбка высшего удовлетворения? У всех будет свое мнение, и это часть привлекательности картины.

2. Крик — Эдвард Мунк

Картина, символизирующая страдания и боль современной жизни.Он стал одной из самых известных картин современности. Почему-то это заставляет меня думать о Фрейде и о нашем подсознании. Это хорошо, но хорошо ли? Зачем смотреть на грязь в пруду с лилиями, когда можно любоваться лилиями на вершине?

3. Создание Адама — Сикстинская капелла Микеланджело

Микеланджело расписал Сикстинскую капеллу за четыре года. Он выбрал сцены из Ветхого Завета. Это момент, когда Бог создал Адама. Это панно — лишь часть Сикстинской капеллы.Чтобы в полной мере оценить масштаб, великолепие и красоту творения Микеланджело, вам необходимо посетить Ватикан.

4. Подсолнухи — Винсент Ван Гог

Гений Винсента Ван Гога запечатлен на этой картине с 12 подсолнухами. Это стало одним из самых узнаваемых его произведений.

5. Ceci N’est pas une Pipe — Rene Magritte

Классический образец современного сюрреалистического искусства. Это не труба, а на картинке труба. Почему это знаменито? Мы действительно не знаем.Каким-то образом это стало символом сюрреализма и парадокса современной жизни.

6. Маки в поле — Клод Моне

Клод Моне — один из великих художников-импрессионистов. Эта красивая пасторальная сцена передает суть того, как импрессионисты запечатлели красоту и простоту природы. В нем также запечатлен тот доиндустриальный период, который быстро исчезал при жизни Моне. Это воспоминание о прошедшей эпохе. Трудно не испытывать ностальгии по этой сцене.Обратите также внимание на то, что люди являются лишь второстепенной стороной к общей картине.

7. Тайная вечеря — Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи пишет одну из самых известных сцен в Библии — Тайную вечерю. Это после того, как Христос сказал, что один из учеников предаст его. Это лучшая мыльная опера — окончательное испытание человека — кому мы будем служить, Богу или Маммоне? Вот почему мы очарованы этой сценой, как бы мы вели себя за столом Иисуса Христа?

8.

Девушка с жемчужной сережкой — Ян Вермеер

Ян Вермеер написал эти культовые портреты (чем-то напоминающие Мону Лизу), и они являются прекрасным примером стиля барокко и использования света. Возраст девушки трудно определить. С одной стороны, красивые блестящие глаза говорят о невинности детства. С другой стороны, есть штрихи девушки на пороге женственности. Он создает динамику чистоты, невинности и неизбежного превращения в женщину.

9. Ле Мулен де ла Галетт — Жан Ренуар

Ведущий импрессионист Огюст Ренуар запечатлел шум и волнение этой сцены на открытом воздухе в Париже. Это Париж на рубеже веков — время, когда Париж был ведущим культурным центром мира, но, по сути, местом, где люди хорошо проводили время, наслаждались жизнью.

10. Мир — Пикассо

Простота этого символа мира Пабло Пикассо остается одним из самых сильных произведений искусства.Искусство не только ради красоты, но искусство ради мира во всем мире.

Продолжить просмотр: более известные картины

Другие претенденты на самую известную картину включают:

• Crocefissione (Raffaello Sanzio)
• Поп-арт — Энди Уорхол
• Постоянство памяти — Сальвадор Дали
• Золотой Христос — Пол Гоген

50 Художники

Связанные

Известные художники — от высокого Возрождения до импрессионистов и современных художников.Включает да Винчи, Ван Гога, Рембрандта, Денег и Караваджо.

10 величайших произведений искусства всех времен. Включая Пьету и статую Давида Микеланджело; Экстаз Святой Терезы Бернини, Подсолнухи Винсента Ван Гога.

Известные поэты — Великие поэты. Включая; Уильям Блейк, Эмили Дикинсон, Джон Китс, Гомер, Милтон, Верджил, Руми, Рабиндранат Тагор.

10 известных произведений, вдохновленных другими известными произведениями

Мы склонны думать о присвоении как о постмодернистской вещи, когда художники во всех средствах массовой информации опираются, ссылаются и смешивают самые влиятельные работы прошлого. Но мы забываем, что это происходило веками — фактически тысячелетиями — когда художники эпохи Возрождения отдали дань уважения греческому искусству, идеям, распространенным на французской художественной сцене 19 века, а Дада захватил курс истории искусства, высмеивая и инвертируя все, что происходило перед этим. После прыжка мы собираем некоторые из лучших, самых известных и необычных произведений искусства, вдохновленных другими произведениями искусства. Некоторые из них — дань уважения, некоторые — пародии, некоторые — ответы, а некоторые, похоже, действуют как все три.

Поля Гогена «Дух мертвых, идущих », вдохновленный «Олимпией » Эдуара Мане

Эдуард Мане вызвал бурю негодования, когда он представил свою картину «Олимпия » в парижском салоне в 1865 году. нагота, которая шокировала зрителей — это был ее строгий, прямой взгляд и детали, такие как цветок и шаль, предполагали, что она куртизанка. На протяжении многих лет изображение создавалось рядом художников, в том числе Полем Гогеном, чья картина 1892 года Spirit of the Dead Walking изображает человека, который, по словам доктора Ф.Жанна С.М. Уиллетт, «перевернувшаяся противоположностью Olympia Мане, отрицала автономию и конфронтацию куртизанки Салона 1865 года».

Эдуард Мане Olympia , вдохновленный Тицианом Венера Урбино

Конечно, Мане был не первым художником, который нарисовал лежащую обнаженную фигуру, смотрящую прямо на зрителя. «Олимпия » заимствована из картины Тициана «Венера из Урбино », которая датируется 1538 годом. Но, видимо, ни у кого в Италии эпохи Возрождения не было проблем с этим изображением, потому что его сюжетом была богиня.На самом деле считается, что картина была создана как своего рода романтическое руководство для молодой жены герцога Урбино.

Марсель Дюшан, L.H.O.O.Q. , вдохновленный картиной Леонардо да Винчи Мона Лиза

Для дадаистов ничто не было священным, поэтому, конечно же, Марсель Дюшан нацелился на самый известный портрет в истории. Его Мона Лиза , 1919 года, представляет собой репродукцию размером с открытку, которая портит работу бородой и усами.Название, L.H.O.O.Q. , произносится как «elle a chaud au cul» — или «у нее крутая задница» по-французски.

Фонтан (После Дюшана) Шерри Левин, вдохновленный Фонтаном Марселя Дюшана

Дадаисты также были оригинальными генераторами мемов, поэтому, когда Дюшан перевернул писсуар, подписал его и представил для выставки в музее. Общество независимых художников в 1917 году создал тему, на которую было внесено бесчисленное множество вариаций.Поскольку мы были совершенно уверены, что вам не захочется смотреть, как какой-нибудь артист-перформанс мочится в фонтан — да, таким образом в мире искусства оставил свой след не один провидец — вот «Художник по присвоению» Шерри Левин, Фонтан 1991 года (после Дюшан) . В описании Центра искусств Уокера говорится: «Скульптура Левина представляет собой современный писсуар, отлитый из традиционного драгоценного металла скульптора — бронзы. Отполированный до блестящего блеска, этот предмет больше не является обычным предметом, покупаемым в магазине; художник превратил его в уникальный объект.

Картина Энди Уорхола Тайная вечеря , вдохновленная картиной Леонардо да Винчи Тайная вечеря

Еще одна из самых известных картин да Винчи, его фреска Тайная вечеря была бесконечным источником вдохновения для художников и художников. пародисты поп-культуры. Но именно Энди Уорхол поднял это изображение последней трапезы Иисуса со своими учениками до иконографии в стиле поп-арт. Детище торговца произведениями искусства Александра Иоласа. Его Тайная вечеря. картины были заказаны и повешены в миланском банке.Соответственно, они также вошли в последнюю серию Уорхола.

Джоан Миро Пашня , вдохновленный картиной Иеронимуса Босха Сад земных наслаждений

Сходство между сюрреалистической картиной Джоана Миро и триптихом Босха «Ранний нидерландец» может быть не таким явным, как параллели между некоторыми другими работает в этом списке, но когда вы знаете, что искать, сходство, безусловно, есть. Помимо цветов, которые действительно перекликаются с Сад земных наслаждений , Миро поместил в свою картину много предметов, которые появляются у Босха: грубо сексуализированные фигуры, бестелесные уши, стаи птиц.Хотя стили разные, оба имеют одну и ту же занятую, хаотичную энергию.

Картина Клода Моне Le déjeuner sur l’herbe , вдохновленная картиной Эдуарда Мане Le déjeuner sur l’herbe

Теперь вернемся к Мане, чья картина Olympia не была его единственной скандальной картиной, которая вдохновила его. Всего за два года до того, как шокировать буржуазию этим изображением, он представил Le déjeuner sur l’herbe — картину, которая сейчас кажется почти такой же шокирующей, как и тогда, ее обнаженная женщина (которая, опять же, смотрит на зрителя). ) пикник с парой полностью одетых мужчин.И снова Мане взял реплики из картин эпохи Возрождения таких художников, как Джорджион и Тициан, а его современник Клод Моне был вынужден создать Déjeuner sur l’herbe . В то время как мужчины-гости на обеде Мане — брат и зять художника, Моне включил в себя художника Гюстава Курбе (и некоторых скучно одетых дам).

Elmgreen & Dragset Han , вдохновленный романом Эдварда Эриксена Русалочка

Уже почти столетие Русалочка Эдварда Эриксена — по мотивам сказки Ганса Христиана Андерсона и его балетной адаптации. в одиночестве в гавани Копенгагена.Но с этого года у культовой статуи есть спутник, которого зовут Хан . Этот блестящий мальчик из нержавеющей стали, созданный лондонской и берлинской командой Elmgreen & Dragset, сидит на собственном искусственном камне, в 45 километрах от The Little Mermaid в Эльсиноре, на датском острове Зеландия. По какой-то причине мы не можем перестать воображать, как статуи поют друг другу «Somewhere Out There» поздно ночью.

Модель Die Woge Тобиаса Стенгеля , вдохновленная романом Кацукиша Хокусая «Великая волна у Канагавы»

На аналогичной морской ноте, вот и модель Die Woge Тобиаса Стенгеля на всемирно известном скульптурном риффе Эдо из дерева. .Работа Стенгеля, расположенная в Дрездене с 2006 года, посвящена разливу Эльбы четырьмя годами ранее.

Спальня в Арле Роя Лихтенштейна, вдохновленная картиной Винсента Ван Гога Спальня в Арле

Еще одно поп-арт произведение, работа Лихтенштейна 1992 года Спальня в Арле , представляет собой странную интерпретацию оригинала 1888 года. Созданный примерно столетием позже, но выполненный в стиле гравюры на дереве, он привносит графическую эстетику и насыщенные цвета Лихтенштейна в бледную масляную живопись Ван Гога, заменяя тревожные линии первого холодными, смелыми, прямыми.Равные части, пародия и дань уважения, подчеркивают, насколько разными могут быть два подхода к одной и той же теме.

5 Шедевров с множеством версий

Подлинность и оригинальность — бесценные аспекты любого произведения искусства. Но на страницах истории искусства мы можем найти произведения искусства и шедевры с множеством версий, и мы сразу же спрашиваем себя, почему это так?

Самой частой причиной была многократная комиссия: когда оригинальная картина была успешной, кто-то хотел получить собственную копию.Другая причина — одержимость художника этим предметом или то, что работа была частью серии исследований. Давайте посмотрим на эти пять шедевров в нескольких версиях.

Винсент Ван Гог, Подсолнухи

l Ваза для жизни с двенадцатью подсолнухами, 1888, Новая пинакотека в Мюнхене. Wikimedia Commons

Винсент Ван Гог, Натюрморт ваза с четырнадцатью подсолнухами, 1888 год, Национальная галерея, Лондон. Wikimedia Commons

Ван Гог нарисовал серию Sunflower в критический момент своей жизни, полной печали и саморазрушительной мании, что, тем не менее, заставило его создать в общей сложности семь различных копий натюрморта удивительного блеска.

Картины, на которых изображены увядшие подсолнухи в деревенских вазах, выглядят одинаково из-за идентичного сюжета, композиции и ракурса изображения, но каждая версия отличается по размеру, количеству цветов или цвету фона.

Сегодня один из них находится в частной коллекции неизвестного миллионера, другой был уничтожен бомбой союзников во время войны, а остальные пять находятся в музеях Филадельфии, Амстердама, Мюнхена, Токио и Лондона.

Анри Матисс, Натюрморт с Пурро

Анри Матисс, Натюрморт с Пурро (I), 1904, Частное собрание.Wikimedia Commons

Анри Матисс, Натюрморт с Purro (II), 1904–1905, частное собрание. Wikimedia Commons

Матисс создал два натюрморта между 1904 и 1905 годами. Композиции идентичны, но стиль совершенно разный. В то время как «Натюрморт с Purro I » больше похож на Сезанна, второй «Натюрморт с Purro II » — это типично фовская картина с желтыми, красными и мягкими синими тонами, которыми Матисс стал известен.

Имея перед глазами обе версии, художественная эволюция Матисса очевидна, и что самое интересное в ней, так это то, что его трансформация происходит как раз в течение года.

Леонардо да Винчи, Дева в скалах

Леонардо да Винчи, Дева в скалах, 1483–1486, Лувр, Париж. Wikimedia Commons

Леонардо да Винчи, Дева в скалах, 1491–1508, Национальная галерея, Лондон. Wikimedia Commons

Леонардо да Винчи нарисовал Деву Марию с младенцем Христом и Иоанном Крестителем в окружении потустороннего пейзажа. На снимке Мадонна обнимает Иоанна Крестителя, когда он получает знак благословения от Младенца под присмотром ангела.

Его техники светотени и сфумато в сочетании с использованием атмосферной перспективы создают сине-серый мир, в котором в символике воды можно прочитать предзнаменование крещения Христа Святым Иоанном.

Леонардо очень постарался скопировать эту картину почти идентично, сохранив жесты, цвета и формы, которые действуют как символы. Музей Лувр объясняет создание этих двух версий на своем веб-сайте на своем веб-сайте гипотезой о том, что картина, написанная между 1483 и 1486 годами, не удовлетворила клиентов Леонардо, что позволило Людовику XII приобрести ее примерно в 1500–1503 годах. .Вторая версия, «замена», находящаяся сейчас в Лондоне, могла быть написана Амброджо де Предисом под руководством Леонардо между 1495 и 1508 годами.

Иоганн Генрих Фюссли, Кошмар

Иоганн Генрих Фуссли, Кошмар, 1781, Детройт Институт искусств. Wikimedia Commons

Иоганн Генрих Фуссли, Кошмар, 1790–1791, Гетехаус, Франкфурт. Wikimedia Commons

Первая картина маслом, написанная в 1781 году, изображает женщину в глубоком сне с демоном, сидящим на корточках у нее на груди.Это сильное воскрешение призрачной мечты стало настолько успешным после первой выставки, что Fuseli выпустила по крайней мере три другие ее версии.

Эдвард Мунк, Крик

Эдвард Мунк, Крик, 1893, Национальная галерея Норвегии. Wikimedia Commons

Эдвард Мунк, Крик природы, 1895, частное собрание. Wikimedia Commons

Это культовое произведение является частью серии, созданной между 1893 и 1910 годами Эдвардом Мунком, и большинство людей не знают, что существует несколько версий этой работы, каждая из которых значительно отличается от предыдущей.Две из работ — картины, одна пастель, а материал последней — литография (на самом деле существует несколько десятков литографий на эту тему). Менее известная версия этой серии — пастельная, которая в 2012 году побила рекорд аукциона Sotheby’s как «самое дорогое произведение искусства, когда-либо продававшееся на аукционе» за 119,9 миллиона долларов.

Более подробную информацию о картине Ван Гога Sunflowers вы можете найти в статье Хотите увидеть 5 подсолнухов одновременно? Посетите Facebook.

Подробнее:

Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

6 фактов об известных артистах, которых вы, возможно, не знаете

История искусства полна диких сказок и увлекательных фигур, из-за которых бывает сложно определить, что является фактом, а что — вымыслом о художниках.

Некоторые из этих историй живы, потому что напоминают нам о качествах, которые мы ассоциируем с художниками: они творческие, нестандартные и более чем немного эксцентричные. Но во многих случаях правда так же невероятна, как и искусство, которое они создают.

Не верите? Вот шесть удивительно реальных фактов о некоторых из самых интригующих и известных художников в истории.

Пабло Пикассо не украл «Мону Лизу», а…

Пабло Пикассо за свою плодотворную карьеру был многим: художником, скульптором, драматургом, но есть одно занятие, которое историки опускают из этого списка: обвиненный в воровстве произведений искусства.

«Мона Лиза» (ок. 1503 г.), Леонардо да Винчи. Источник: общественное достояние.

21 августа 1911 года «Мона Лиза» Леонардо да Винчи была украдена из Лувра.Восемь дней спустя человек по имени Жозеф Жери Пьере сообщил Paris-Journal , что Пикассо и его друг, авангардный поэт Аполлинер, владеют иберийскими скульптурами, которые также были украдены из Лувра. Это сделало Пикассо одним из главных подозреваемых в краже картины Леонардо.

Пабло Пикассо (Источник изображения: Public Domain)

По правде говоря, сам Пьерэ украл статуи и продал их Пикассо (который купил их, несмотря на штампы на их днище с надписью «Собственность Лувра»).Пикассо передал статуи в журнал Paris-Journal , но и он, и Аполлинер были допрошены в суде относительно местонахождения «Моны Лизы». Однако никаких доказательств, связывающих их с кражей, найти не удалось, и в конце концов они были отпущены.

В декабре 1913 года, к облегчению Пикассо, «Мона Лиза» появилась во Флоренции, Италия. Выяснилось, что сотрудник Лувра по имени Винченцо Перуджа украл картину, пытаясь вернуть ее в родную Италию.

Сальвадор Дали думал, что он его мертвый брат

Этот факт может показаться не таким уж надуманным, если учесть, что источником является печально известный странный Сальвадор Дали, но он утверждал, что это не просто для того, чтобы поднять брови.

У Дали был старший брат, которого тоже звали Сальвадор. К сожалению, он так и не встретил своего старшего брата и сестру — за девять месяцев до рождения Дали его брат умер от гастроэнтерита.

«Портрет моего мертвого брата» (1963), Сальвадор Дали (Источник изображения: WikiArt, Добросовестное использование)

Когда Дали было 5 лет, родители отвели его на могилу своего брата и сказали Дали, что он был реинкарнацией своего брата.Он пришел к выводу, что это факт, и искренне верил, что он его реинкарнированный брат. Спустя годы Дали использовал изображения предыдущего Сальвадора в нескольких своих картинах, в том числе «Портрет моего мертвого брата».

Леонардо да Винчи откладывал дела на потом

Леонардо да Винчи, несомненно, один из самых известных художников в истории. По иронии судьбы, одна причуда, которая сделала его таким гением, заключалась в том, что он легко отвлекался.

«Портрет бородатого мужчины» (возможно, автопортрет), (ок.1513), Леонардо да Винчи (Источник изображения: Public Domain)

Несмотря на то, что Леонардо был воплощением «человека эпохи Возрождения», он имел склонность оставлять свои работы незаконченными. Доказательством этого служат сотни записей и зарисовок, которые он оставил для проектов после своей смерти в 1519 году.

Нужно больше доказательств? На создание двух его самых известных работ потребовалось 17 лет. Леонардо работал над своей знаменитой фреской «Тайная вечеря» в течение трех лет, а позже он потратил колоссальные 14 лет на завершение знаменитой — и удивительно маленькой — «Моны Лизы».Говорят, что Леонардо закончил «Тайную вечерю» только после того, как его покровитель наконец пригрозил лишить его средств.

Винсент Ван Гог продал только одну картину — записано

В настоящее время считается одним из величайших художников истории искусства, постимпрессионист Винсент Ван Гог не добился заслуженного успеха. Вместо этого художнику удалось продать только одну картину за всю свою жизнь. Или их было больше?

Ван Гог официально продал одну картину «Красный виноградник в Арле», прежде чем покончить жизнь самоубийством в 1890 году.Это подтверждается подлинными документами, свидетельствующими о том, что картина была продана другой художнице Анне Бох в начале 1890 года.

«Красный виноградник возле Арля» (1888), Винсент Ван Гог (Источник изображения: Public Domain)

Несмотря на это, ученые Ван Гога бросили вызов этим давним знаниям, предположив, что в 1888 году брат Ван Гога, Тео, продал один из автопортретов художника перед продажей «Красного виноградника в Арле».

Кроме того, Музей Ван Гога в Амстердаме утверждает, что художник продал или обменял многие картины при жизни, с письмами, написанными Ван Гогом, предполагающими, что он продал много работ родственникам.

Пьер Огюст Ренуар нарисовал, несмотря на тяжелый артрит

Пьер-Огюст Ренуар, один из основателей импрессионистского движения, с 1892 года страдал ревматоидным артритом. Поразительно, но Ренуар продолжал рисовать последние 20 лет своей жизни, несмотря на боль и ограничения, которые он перенес.

«Кабан а Кань» (1917), Пьер Огюст Ренуар. На выставке в Музее Парк-Вест.

Ренуар все еще мог держать кисть в руке, но ему потребовался помощник, чтобы сначала положить ее туда.С кистью на месте у Ренуара был помощник, готовый расставить палитру во время рисования. Он также работал с движущимся холстом, чтобы создавать большие работы.

Вопреки распространенному мнению, повязки, которые можно увидеть на руках Ренуара на фотографиях его более поздних лет, не предназначались для привязки кистей к рукам. Вместо этого они не позволили его скрученным пальцам впиться в ладони.

Франсиско Гойя нашел интересный способ поступить в художественную школу

Есть старая пословица: «Дело не в том, что ты знаешь, а в том, кого ты знаешь», когда речь идет о продвижении по карьерной лестнице.В случае с испанским художником Франсиско Гойя кажется, что сочетание того и другого способствовало его окончательному зачислению в престижную художественную академию.

В 1763 и 1766 годах Гойя подавал заявки на поступление в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде. Оба раза он был отвергнут.

«Франсиско Гойя-и-Люсьентес, Пинтор» (ок. 1799 г.), Франсиско Гойя. Тарелка 1 из «Los Caprichos»

После этих попыток Гойя отправился в Италию в 1770 году, чтобы усовершенствовать свою технику.Вернувшись в Мадрид в 1771 году, он подружился и учился с художником Франсиско Байеу, который был членом Королевской академии. В 1773 году Гойя женился на сестре Байе, Жозефе.

Эти полезные связи, в дополнение к растущему успеху Гойи как художника, наконец, позволили ему в 1780 году поступить в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Пять лет спустя академия назначила его заместителем директора по живописи, а в В 1786 году он был назначен художником короля Карла III.

Чтобы собрать работы Пикассо, Гойи и других известных художников, свяжитесь с консультантами нашей галереи по телефону (800) 521-9654 доб. 4 или [email protected]. Вы также можете зарегистрироваться на нашем еженедельном онлайн-аукционе!

Знай свое искусство стилей живописи: 7 самых популярных

Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь им по адресу:

Часть признательности изобразительного искусства — это диапазон художественных стилей, которыми можно восхищаться и из которых можно выбирать. Как фанат искусства, вы получите больше удовольствия от этого опыта, когда поймете, какой именно стиль искусства вы просматриваете в данный момент.Вот обзор семи популярных стилей рисования в произвольном порядке.

Реализм искусство

1. Реализм (также известный как натурализм) — это стиль искусства, который многие считают «настоящим искусством». Это потому, что он пытается изобразить объект так, как он действительно появляется в реальной жизни, но не становится похожим на фотографию. Искусство реализма не имеет стилизации и не подчиняется правилам формальной художественной теории. Вместо этого художник тратит изрядное количество времени и усилий, уделяя внимание созданию точного изображения форм жизни и объектов, созданию перспективы, создающей иллюзию реальности, хорошей композиции, свету и тьме, цвету и тону.

Фотореализм Art

2. Фотореализм (также известный как суперреализм, реализм с резким фокусом, гиперреализм) — это художественный стиль, при котором произведение выглядит так же реалистично, как фотография. Иллюзия реальности настолько тонко настроена, что картина выглядит точно так же, как большая резко сфокусированная фотография на холсте или другой подложке для краски. Это стиль, в котором были тщательно продуманы детали до последней песчинки на берегу моря или до пор и морщин на лице человека. Ничего не упущено или слишком незначительно или неважно, чтобы не включить его в композицию.Фотореализм настолько реалистичен.

Фотореализм как стиль искусства стал движением в Америке в конце 1960-х — начале 1970-х годов. Для получения дополнительной информации об этом художественном движении щелкните здесь.

Художественный стиль

3. Художественный стиль — это художественный стиль, характеризующийся видимыми мазками и текстурой, оставленными в среде краски. Произведения в этом художественном стиле могут быть созданы с использованием масел, акрила, акварели, гуаши или любого другого материала, на котором используется кисть. В прошлом ранние художники прилагали большие усилия, чтобы устранить мазки кисти или текстуру на своих картинах, работая и смешивая краски.Не так с художниками-живописцами. Они не пытаются скрыть свою небрежно и быстро нанесенную кисть. Краску необязательно наносить толстым слоем, тонкие слои краски также хорошо работают в живописном художественном стиле.

Импрессионизм Живопись

4. Импрессионизм — это стиль живописи, который выглядит грубым и незаконченным и характеризуется небольшими, тонкими видимыми мазками. Обычно это обычные и обычные предметы, с упором на точное изображение света.Картины импрессионизма часто пишутся на открытом воздухе, чтобы запечатлеть естественный солнечный свет и цвет предметов. Черный редко используется, поскольку художники-импрессионисты предпочитают смешивать и использовать темные тона и дополнительные цвета. Импрессионизм — это больше представление о впечатлении художника. Он не пытается быть точным в деталях, скорее, он больше похож на выражение сердца.

Абстрактное искусство

5. Абстрактное искусство (также называемое современным или современным искусством) — это искусство, не имеющее ничего общего с «реальной жизнью».Это художественный стиль, который намеренно лишен репрезентации и стремится достичь своей цели или предмета, используя формы, формы, цвета и текстуры. Каждый объект на холсте представлен либо цветами, либо формами. Например, цвета могут представлять эмоции, а формы могут символизировать объекты.

Цель абстрактного — позволить зрителю интерпретировать его значение для себя. В худшем случае абстрактное искусство выглядит как случайный беспорядок с краской. В лучшем случае он оказывает воздействие, которое поражает вас с того момента, как вы его видите.

Искусство сюрреализма

6. Сюрреализм — это стиль современного искусства в живописи, который сочетает различные абстрактные концепции вместе, чтобы создать поразительный эффект. Он характеризуется полностью узнаваемыми изображениями, которые реалистично нарисованы, вырваны из своего обычного окружения и контекстов, а затем собраны или организованы в неоднозначных, парадоксальных или шокирующих рамках. Картины сюрреалистов часто нелогичны и выражают воображаемые сны с видениями, которые подчеркивают подсознание, а не логику.

Сюрреализм зародился во Франции и процветал как художественное направление в начале двадцатого века. Для получения дополнительной информации о сюрреалистическом движении щелкните здесь.

Поп-арт

7. Поп-арт — это стиль современного искусства, который зародился еще в 1950-х годах и черпает вдохновение в коммерческих и потребительских аспектах повседневной жизни, особенно в американской культуре. Такие изображения включают рекламу, средства массовой информации, комиксы, знаменитостей и элементы популярной культуры, такие как журналы, фильмы и даже бутылки и банки.Картины поп-арта, как правило, сосредоточены на ярких цветах и ​​реалистичных образах. В композиции обычно нет скрытого смысла, и поп-художники редко используют какие-либо традиционные приемы перспективы, чтобы создать иллюзию реализма в картине. Некоторые поп-артисты используют методы массового производства, такие как шелкография, для копирования своих работ, отражая процесс производства потребительских товаров. Благодаря использованию коммерческих образов поп-арт — один из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Дополнительная литература

Классификация изобразительного искусства по жанрам

Каковы классификации искусства?

Инсайдерские новости Терезы

Узнай первым! Зарегистрируйтесь здесь, чтобы быть одними из первых, кто будет получать краткие сведения о недавно завершенных картинах, новые объявления и другие новости в художественной студии.

У

Терезы есть информационный бюллетень для инсайдеров, и это БЕСПЛАТНО! Это ее способ держать друзей в курсе, показывая вам новые картины, которые она завершает, а также другие объявления, прежде чем они будут опубликованы.Ее информационный бюллетень выходит раз в два месяца, поэтому обязательно попадите в ее список рассылки. Вы не хотите ничего пропустить!

Спасибо, что прочитали это!

Не стесняйтесь поделиться этим со своими друзьями.

---

ОБНОВЛЕНО: 04 февраля 2021 г.

Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь им на:

10 известных абстрактных картин, которые вам нужно знать

Абстрактное искусство возникло из желания художников создавать работы, не связанные и не сдерживаемые визуальными отсылками к реальности.Большинство самых знаковых и известных абстрактных картин двадцатого века были созданы художниками, которые искали и находили новые способы создания искусства, которые охватили бы фундаментальные изменения, происходящие в технологии, науке и философии на Западе. Название жанра вызывает идею обособленного или абстрагированного от чего-то, и было выбрано, чтобы отметить желание первых художников-абстракционистов освободить свои работы от ограничений реальности и изобразить воображаемое в искусстве.Абстрактные картины бывают самых разных форм и форм и могут быть частично связаны с существующими визуальными ориентирами или представлять собой полное отклонение от точного представления реальности. Этот универсальный художественный жанр использует цветов, форм, форм и жестов для достижения уникальной эстетики и, во многих случаях, глубокого эмоционального отклика у зрителей.

Хотя элементы абстрактного искусства можно проследить до 19 века и работ, написанных известными мастерами кубизма, такими как Жорж Брак и Пабло Пикассо, или, в первую очередь, в произведении Джеймса Макнила Уистлера «Ноктюрн в черном и золотом : падающая ракета », большинство теоретиков Согласитесь, 1910 год — год рождения абстрактного искусства.Именно тогда Василий Кандинский написал свою знаменитую Без названия (Первая абстрактная акварель) , первую и одну из самых известных абстрактных картин, когда-либо созданных. Абстрактная живопись прошла долгий путь с 1910 года и зарекомендовала себя как разностороннее поле для экспериментов и разработки новых стилей и техник. Картины замачивания и окрашивания от Хелен Франкенталер, инновационная техника капания Джексона Поллока или за пределами черной практики Пьера Сулажа — все они представляют разные, но дополняющие друг друга части жанра абстрактной живописи, который был настоящим подарком искусству и оказал глубокое влияние на многих художников, которые последовали за ним. .

Прокрутите вниз, чтобы узнать, что скрывается за самыми известными абстрактными картинами в истории.

Василий Кандинский — Без названия (Первая абстрактная акварель), 1910 г.

В 1920 году художник Василий Кандинский решил освободить свои произведения от оков тематики. Впоследствии была написана картина Без названия (Первая абстрактная акварель) и родилось абстрактное искусство как жанр. Произведение, которое считается первой абстрактной картиной , когда-либо созданной , отмечено яркими цветами и пятнами, которые покрывают края фигуративного искусства.Цвета были особенно важны в знаменитом абстрактном искусстве Василия Кандинского, и он считал их выражением эмоций, а не инструментами для точного описания реальности.

Показанное изображение: Василий Кандинский — Без названия (Первая абстрактная акварель), 1920 г.

Пит Мондриан — Картина I, 1921 год

Одиннадцать лет спустя художник-абстракционист Пит Мондриан разделил панели краски тонкими черными линиями и создал одну из самых известных абстрактных картин, которая укрепила его определяющий стиль.Произведения искусства, характеризующиеся геометрическими формами, выровненными с математической точностью , сильно отличаются от выразительных, неприрученных произведений искусства, созданных его абстрактными предшественниками. Это известное произведение абстрактного искусства под названием Tableau I ссылается на форму, цвет и линию и не на что иное, и служит источником вдохновения не только для художников и скульпторов, но и для множества других художников, включая архитекторов и модельеров .

Показанное изображение: Пит Мондриан — Таблица I, 1921 год

Жоан Миро — La mancha roja (Красное пятно), 1925 г.

La mancha roja (Красное пятно) , написанное Хуаном Миро, представляет собой игривое и почти детское, но одновременно пугающее произведение искусства, которое находится где-то между абстракцией и сюрреализмом.Художник, который никогда по-настоящему не считал себя абстрактным художником, сказал, что он нарисовал только то изображение, которое было у него в голове в тот утомительный день. Основанная на человеческих подсознательных чувствах La mancha roja (Красное пятно), 1925 Картина открыла дверь для наших видений и мечтаний, чтобы войти на холст.

Посмотрите другие работы Жоана Миро на нашей торговой площадке!

Featured image: Joan Miro — La mancha roja (Красное пятно), 1925

Бен Николсон — 1936 г. (белый рельеф), 1936 г.

Бен Николсон, один из самых выдающихся художников английской абстракции, начал свои живописные исследования в бурный период между двумя войнами.В то время, когда мир все еще восстанавливался после Первого и одновременно вступал во Вторую мировую войну, абстракция была главной силой в искусстве, поскольку все большее число художников обращались к ней как к инструменту, чтобы найти невинность и чистоту в человеческой расе. Именно тогда Бен Николсон объединил абстрактное искусство, конструктивизм и конкретное искусство, чтобы создать свою монохромную, многослойную картину 1936 (белый рельеф) масло на резной доске.

Показанное изображение: Бен Николсон — 1936 г. (белый рельеф), 1936 г.

Джексон Поллок — Full Fathom Five, 1947

И пока художник-абстракционист Бен Николсон создавал картину из чистого белого картона по другую сторону Атлантики и по другую сторону спектра абстрактного искусства, картины, созданные нью-йоркской школой , представили миру гораздо более живую концепцию. Абстрактные экспрессионисты во главе с одним из самых известных художников-абстракционистов Джексон Поллок использовали энергичные цвета, разнообразные медиа и оригинальную технику для исследования своего подсознания. Картина Full Fathom Five , созданная с помощью частиц масляной краски, капающих на холст, и различных предметов из студии художника, представила новый уровень текстурирования в абстрактном искусстве и ярко отразила послевоенную тревогу года.

Показанное изображение: Джексон Поллок — Full Fathom Five, 1947 год

Хелен Франкенталер — Горы и море, 1952 г.

В 1950-е годы, в самой середине 20 века, восточная философия оказала глубокое влияние на абстрактную живопись.Растущий интерес художников к даосизму и дзенбудизму привел к созданию нового абстрактного движения под названием «Живопись цветового поля». Color Field Painters юг, чтобы исследовать цвета независимо от линий , форм и других ограничений рисования . Знаменитая художница по цветовому полю Хелен Франкенталер представила новый оригинальный процесс замачивания, заключающийся в заливке масляной краски, разбавленной скипидаром, прямо на холст. Масляная краска пропитывалась холстом, придавая ее произведениям искусства совершенно иную, почти органическую текстуру.

Обязательно ознакомьтесь с другими работами Хелен Франкенталер на нашей торговой площадке!

Показанное изображение: Хелен Франкенталер — Горы и море, 1952 год

Марк Ротко — No. 61 (Ржавчина и синий), 1953 г.

На протяжении своей плодотворной карьеры художник Марк Ротко работал почти полностью с цветом, постоянно пытаясь создать духовное поле, на котором зрители могли бы испытать множество человеческих эмоций. В этой конкретной картине он использовал многослойные цвета, чтобы обогатить оттенки картины, таким образом придав ей уникальную яркость . Этот поразительный эффект был создан с помощью техники рисования с использованием как масляных, так и яичных материалов.

Показанное изображение: Марк Ротко — № 61 (Ржавый и синий), 1953 год

Герхард Рихтер — 180 Фарбен (180 цветов), 1971

Таблица цветов Серия , нарисованная Герхардом Рихтером , была вдохновлена ​​универсальностью промышленных красок, обнаруженных в хозяйственном магазине в Дюссельдорфе. Изображение промышленных цветов, лишенных каких-либо эстетических мотивов, имело решающее значение для карьеры художника отчасти потому, что это был первый раз, когда он смог запечатлеть как референт, так и его символическое изображение в одной и той же картине.На визуальном уровне серия Color Charts — чистая абстракция. Но по своей сути он также представляет собой промышленных образцов цвета , которые вдохновили его на создание. 180 Farben (180 цветов) была первой картиной Герхарда Рихтера, написанной после того, как он пересмотрел свои Color Charts после пятилетнего перерыва.

Показанное изображение: Герхард Рихтер — 180 Фарден (180 цветов), 1971, картина в галерее Доминика Леви; фото Дэвида Брандта, любезно предоставлено архивом Герхарда Рихтера

Пьер Сулаж — Без названия, 2005

Художник-абстракционист назвал « королем черного» , Пьер Сулаж известен тем, что исследовал способ отражения света от текстуры картины.Его новаторская техника рисования включает использование таких предметов, как ложки, маленькие грабли и резиновые изделия, для создания заметных ритмичных разрезов на холстах с толстыми слоями черной краски. Художник даже изобрел слово Outrenoir (что означает «за пределами черного») для обозначения своей живописной практики, которую нельзя было классифицировать ни одним из существующих художественных ярлыков. Картина 2005 года без названия, написанная в 2005 году, представляет собой одно из лучших произведений художника.

Показанное изображение: Pierre Soulages — Untitled, 2005

Роберт Мазервелл — Элегия Испанской республике No.110, 1971 г.

В 1970-е годы начался новый этап в развитии абстрактного искусства, когда американский художник Роберт Мазервелл начал создавать свои энергичные, агрессивные шедевры. Его первобытные, заметные мазки одновременно передавали понятия стоической силы и странной тревоги. Абстрактная картина Элегия Испанской республике № 110 считается определяющим произведением художника-абстракциониста, поскольку оно содержит ту поразительную жизненность, которая заставляет людей падать, как будто краска вот-вот вырвется с холста в комнату.

Изображение: Роберт Мазервелл — Элегия Испанской республике № 110, 1971; Изображения через wikipedia.com, если не указано иное

10 спорных произведений искусства, изменивших историю искусства

На протяжении всей истории художники вызывали споры, пытаясь ниспровергнуть доминирующие структуры в обществе и провоцируя людей взглянуть на жизнь по-другому. В конце концов, разве роль художника не в том, чтобы создавать новые перспективы через свои работы? Познакомьтесь с одними из самых смелых провокаторов мира искусства последних нескольких веков.

Эдуард Мане, Le Dejeuner sur l’Herbe, 1863.

Эдуард Мане, Le Dejeuner sur l’Herbe, 1863

Знаменитая картина Эдуарда Мане была отклонена Салоном в Париже в 1863 году. выставлялась в Салоне отказов, где вызвала настоящий скандал. Беззастенчивое присутствие обнаженной женщины в окружении полностью одетых мужчин в одежде того периода шокировало мир искусства и публику. Даже стиль Мане на этой картине считался шокирующим, поскольку он сделал гораздо более резкие контрасты между светом и тьмой, чем это было обычно в тот период.Отказ Мане следовать традиционным методам в Le Dejeuner sur l’Herbe часто рассматривается как отправная точка для современного искусства.

---

Марсель Дюшан, фонтан, 1917

Марсель Дюшан — фонтан, 1917

Вероятно, наиболее спорным произведение из 20 ^-й века, Fountain является квинтэссенцией ‘готовый’, повседневный объект превращается в произведение искусства, потому что художник решает, что это искусство.В 1917 году Дюшан представил писсуар недавно основанному Обществу независимых художников. Общество отказалось от Fountain , аргументируя это тем, что это не может считаться произведением искусства. Работа Дюшана Fountain вызвала бесчисленное множество важных вопросов, таких как «что делает что-то произведением искусства?» И «какова роль художественных институтов в оценке и оценке искусства?» Это вопросы, которые помогли сформировать направление искусства с ^-го века до наших дней.

---

Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?

---

Пабло Пикассо, Герника, 1937

Огромная фреска Пабло Пикассо 1937 года Герника , на которой изображена резня в баскской деревне в 1937 году, с тех пор стала символом каждого города, когда-либо подвергавшегося бомбардировке.Это одно из самых сильных художественных обвинений против фашизма, которое на протяжении многих лет было предметом споров из-за его сильного и критического послания. Пикассо отказался выставить его на обозрение в Испании, пока там не будет восстановлено правосудие, а когда он был выставлен в MoMa в 1967 году, художники подали прошение о его снятии в знак протеста против войны во Вьетнаме. В 2003 году гобеленовая версия Guernica была прикрыта в ООН.

---

Джексон Поллок, Голубые полюса или номер 11, 1952 г.

Джексон Поллок был одним из самых влиятельных абстрактных экспрессионистов и наиболее известен своими большими картинами в стиле «боевик», произведениями искусства, которые он делал, капая и брызги краски на большие холсты на полу.Разочаровавшись в человечестве после ужасов Второй мировой войны, Поллок начал изображать иррациональность современного человеческого состояния в своих диких картинах. Возможно, его самая известная работа — Blue Poles , также известная как Number 11, 1952 . Радикальный стиль живописи Поллока поначалу шокировал людей, но вскоре был принят массовой культурой, что стало симптомом для того периода в искусстве. Поллок, однако, по-прежнему критически относился к направлению и восприятию своей работы.

---

Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелла, 1962. Предоставлено MoMA

Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелла, 1962 год

Энди Уорхол, ведущая фигура в движении поп-арта, стал одним из самых влиятельных и противоречивых художники своего времени. Его работы исследовали границу между художественным выражением, культурой знаменитостей, массовым производством и культурой средств массовой информации. Его всемирно известная картина 1962 года на шелкографии Campbell’s Soup Cans наделала много шума на выставке в Лос-Анджелесе — некоторые были заинтригованы, в то время как многие отвергли ее и проявили пренебрежение.Уорхол однажды сказал, размышляя о своей карьере: «Я должен был просто приготовить супы Кэмпбелла и продолжать делать их… потому что все в любом случае рисуют только одну картину».

---

Андрес Серрано, Piss Christ, 1987

Андрес Серрано, Piss Christ, 1987

Piss Christ — это фотография Андреса Серрано 1987 года, на которой изображено маленькое пластиковое распятие, погруженное в стеклянный резервуар с мочой Серрано. Произведение вызвало огромный скандал и возмущение сенаторов, потому что Серрано получил финансируемую налогоплательщиками поддержку Национального фонда искусств и потому, что многие сочли произведение кощунственным.В этот период Серрано получал письма с угрозами расправы и письмами ненависти. В 2011 году репродукция картины была осквернена во время выставки в Авиньоне, Франция.

---

Получайте эксклюзивную коллекцию подобных статей каждую неделю

---

Партизаны, женщины должны быть обнаженными, чтобы попасть в Метрополитен. Museum ?, 1989

Партизаны — группа художников-феминисток, которые используют факты, юмор и возмутительные визуальные эффекты, чтобы разоблачить гендерные и этнические предубеждения и коррупцию в политике, искусстве, кино и поп-культуре в своих произведениях.В 1989 году они разработали этот рекламный щит для Public Art Fund (PAF) в Нью-Йорке, чтобы критиковать музейные учреждения за недопредставление женщин-художников и объективирование женщин. PAF отклонил эту статью, посчитав ее «слишком провокационной». Вместо этого Guerilla Girls арендовали рекламные места в автобусах Нью-Йорка и сами разместили рекламу.

---

Ай Вэйвэй, падение урны династии Хань, 1995

Ай Вэйвэй — один из великих провокаторов нашего времени, чья работа жестко критикует китайское правительство и борется за свободу слова. Роняющая урна династии Хань изображает художника, разбивающего 200-летнюю церемониальную урну, имеющую значительную символическую и культурную ценность. Многие назвали это актом осквернения, на что Вэйвэй ответил: «Генерал Мао говорил нам, что мы можем построить новый мир, только если разрушим старый».

---

Трейси Эмин, Моя кровать, 1998

Моя кровать — это произведение искусства, которое мгновенно сделало Трейси Эмин одним из самых неоднозначных и знаменитых художников Великобритании.Когда My Bed впервые был выставлен в галерее Tate Britain в 1999 году, реакция была крайне неоднозначной: одни люди были крайне возмущены и глубоко критичны, а другие были полностью восхищены. Нравится вам это или нет, но в этом исповедническом произведении удалось устранить табу, касающиеся самых интимных пространств людей, неудач, депрессии, женских недостатков и телесных жидкостей.

---

Дэмиен Херст, «Ради любви к Богу», 2007 г.

Дэмиен Херст — одна из самых противоречивых фигур на сегодняшней арт-сцене.С его мертвыми животными, сохраненными в произведениях искусства из формальдегида, которые продаются за 50 000 фунтов стерлингов, он является одним из самых высокооплачиваемых художников своего времени, а также одним из самых сильно критикуемых.