Это летом Национальная галерея исследует великолепные картины из уникального перспектива: с точки зрения художников, которым они принадлежали.

Картины художников, охватывающие более пятисот лет истории искусства представлено более восьмидесяти произведений, которые когда-то были в собственности великие художники: картины, которые художники получили или решили приобрести, работы, которыми они жили и которыми вдохновлялись.Это исключительный возможность заглянуть в личный мир этих художников и понять мотивацию художников как коллекционеров картин.

Жан-Батист-Камиль Коро, «Итальянка, или Женщина с желтым рукавом (L’Italienne) », около 1870 г. © The National Галерея, Лондон

В своем завещании Фрейд заявил, что хочет оставить картину на нации в знак благодарности за то, что вы так тепло приняли его семью, когда они прибыл в Великобританию в качестве беженцев, спасающихся от нацистов. Он также оговорил, что новым домом картины должна стать Национальная галерея, где она могла бы доставлять удовольствие будущим поколениям.

Энн Роббинс, хранитель «Живописей художников» говорит:

«С момента приобретения картина приобрела известное происхождение. привлекли значительное внимание — на самом деле картина часто оценивается в свете собственных достижений Фрейда, почти затмевая сущностные достоинства холста Коро. Это заставило нас задуматься вопросы, например, какие картины художники предпочитают вешать самостоятельно стены? Как выглядят произведения искусства в их домах и студиях? повлиять на их личные творческие пути? Что мы можем узнать о художников из своей коллекции картин? ‘Картины художников: От Фрейд — Ван Дейку »- вот результат.”

Работы из собраний этих художников соседствуют с рядом их собственные картины, подчеркивая связи между их собственными творческое производство и искусство, которым они жили. Эти пары и противостояния проливают новый свет как на картины, так и на творческие процесс художников, которым они принадлежали, создавая динамичный и оригинальный диалог между владением и живописным творчеством.

Половина работ на выставке предоставлены государственными и частными фондами. коллекции от Нью-Йорка и Филадельфии до Копенгагена и Парижа. А многие из них не появлялись на публике несколько десятилетий.

Доктор Габриэле Финалди, директор Национальной галереи говорит:

«Художники по определению живут своими картинами, но что мотивирует их владеть работами других художников, будь то современники — друзья или соперники — или мастера постарше? Выставка ищет ответы в собраниях Фрейда, Матисса, Дега, Лейтон, Уоттс, Лоуренс, Рейнольдс и Ван Дайк.”

Работы Люсьена Фрейда остаются в авангарде британского образного искусства. Изобразительное искусство. Очарованный осязательным качеством краски, Фрейд всю жизнь увлекался великими художниками прошлого и часто посещал музеи и галереи: «Я хожу смотреть картины, как в доктор. Чтобы получить помощь », — сказал он. Дома Фрейд окружил себя произведениями искусства, которыми он мог любоваться во плоти: картины 19-го века. французские и британские мастера века — констебль, Коро, Дега — каждый излучает свою неповторимую энергию.

В стоимость номера входит: примеры из них, такие как «Итальянка» Коро (около 1870 г., Национальная галерея, Лондон), выставленный здесь так же, как это показал Фрейд в своей работе. гостиная: между небольшой бронзовой Дега («Женский портрет», после 1918 г. — музеи и галереи Лидса (Художественная галерея Лидса) и эскиз, присланный ему его другом Фрэнком Ауэрбахом в качестве поздравительной открытки (2002, Музей Фитцуильяма, Кембриджский университет).

Привязанность Фрейда к принадлежащим ему картинам — здесь,

L’Après-Midi à Naples
Поль Сезанн
1876-1877
© Фото любезно предоставлено владельцем

Портрет Лауры Мубрей
Джон Констебль
1808
© Национальные галереи Шотландии

На выставке представлены работы Фрейда. собственный яркий «Автопортрет: отражение» (2002, частное собрание)

Анри Матисс (1869–1954)

Матисс начал приобретать картины задолго до того, как успех и мог себе это позволить; его коллекция также пополнилась подарки и обмены с другими художниками. Он классно обменивался картинками с Пикассо: он послал испанскому художнику рисунок в 1941 году в качестве благодарности вы для Пикассо, присматривающего за своим банковским хранилищем в оккупированном Париже.

Пикассо ответил величественным, эффектно мрачным

Женский портрет: Дора Маар
Пабло Пикассо
20 января 1942 г. Частное собрание, Великобритания

© Фото любезно предоставлено владельцем / Christie’s, Лондон © Succession Picasso / DACS London 2016

La Maison Verte, Венеция
Поль Синьяк
1905 Частное собрание

© Фото © Christie’s Images / Bridgeman

Три купальщицы
Поль Сезанн
1879-1882

Пети-Пале, Музей изящных искусств де ла Виль де Пари,

© Petit Palais / Roger-Viollet

Купив его в 1899 году — тогда это была большая финансовая жертва — Матисс хранил его 37 лет, в течение которых, по его словам, «достаточно хорошо его познал. ну, хотя [он] надеялся, что не совсем ». Эта картина

Молодой человек с цветком за ухом
Поль Гоген
1891
Собственность из известной частной коллекции, © Фото © Christie’s Images / Bridgeman Images

Расчесывание волос («Прическа»)
Илер Жермен Эдгар Дега
около 1896 г.
© Национальная галерея, Лондон

Илер-Жермен-Эдгар Дега (1834–1917)

Высший мастер техники и непревзойденный экспериментатор, Дега был проницательным наблюдателем современной жизни, но его искусство оставалось неотъемлемым традиция.Он также был одним из величайших коллекционеров своего времени. «Дега продолжает… покупать, покупать: вечером он спрашивает себя, как он заплатит за то, что купил в тот день, а на следующее утро начнет снова… »- писал друг в 1896 году. Дега часто продавал свои картины или пастель на фоне любимых им произведений (Мане, «Женщина с кошкой», 1880–2, Тейт). Он приобрел широкий спектр работ от старых мастеров. картины к картинам художников, которые в то время считались авангардом, такие как «Купальщица с протянутой рукой» Сезанна (1883–85, собрание Джаспер Джонс).

Он приобрел большое количество произведений искусства своих героев Энгра

(Эдип и Сфинкс, ок. 1826 г.,

‘Этюд неба at Sunset ‘, 1849–1850, Британский музей, Лондон), сосредоточив внимание на его внимание к картинам, имеющим особое эмоциональное значение для него и коллекционирование этих работ в знак уважения.Он также поддержали борющихся художников — Гогена, Сислея — покупая их работы

(Сислей, «Потоп. Берега Сены», Буживаль, 1873, Ордрупгаард, Копенгаген), предоставив им столь необходимая финансовая поддержка.

Фредерик, лорд Лейтон (1830–1896) и Джордж Фредерик Уоттс (1817–1904)

Один из самых известных художников и скульпторов викторианской эпохи. и ведущая фигура его художественного истеблишмента, Лейтон знал о способность искусства передавать социальный престиж и гарантировать профессиональную прогресс.В своем роскошном доме-студии в Холланд-парке он выставил великолепный ансамбль приобретенных им картин и предметов. Среди это были картины итальянского Возрождения, которые показали его изысканный вкус (возможно, Якопо Тинторетто, Юпитер и Семела, около 1545 года, Национальная галерея, Лондон), но также и середины 19 века. Французские пейзажи, намекающие на его континентальное образование.

Художник Джордж Фредерик Уоттс, друг Лейтона, сосед и постоянный гость в его доме был бы впечатлен огромным множество картинок в коллекции Лейтона. Два художника разделили любовь к Италии и желание принадлежать к великой художественной традиции возвращаясь к эпохе Возрождения; в его «Автопортрете в красной мантии» (около 1853 г., Галерея Уоттса) он изобразил себя в мантии Венецианский сенатор.Будучи преисполнен решимости сделать искусство доступным для всех, Уоттс дал несколько картин, которые он принадлежал публичным галереям — не в последнюю очередь внушительный Рыцарь Сан Стефано (вероятно, Джироламо Маккьетти, после 1563 года, Национальная галерея, Лондон).

Сэр Томас Лоуренс (1769–1830)

Лоуренс был ведущим британским портретистом начала 19 века. век. Он был в значительной степени самоучкой и находился под огромным влиянием сэра Джошуа. Рейнольдс, следуя по его стопам, стал президентом Royal Академия.Как и Дега, Лоуренс был ненасытным, одержимым коллекционером. используя выручку от продажи своих светских портретов, чтобы накопить несравненная коллекция рисунков старых мастеров — инвентарь его Смерть перечислила около 4300 рисунков, в том числе огромную картину Карраччи «Женщина, рожденная Богом моря» (около 1599 г., Национальная галерея, Лондон) и ряд картин, в том числе «Аллегория Рафаэля» (около 1504 г., Национальная галерея, Лондон) и Рени. Коронация Богородицы (ок. 1607 г., Национальная галерея, Лондон).

Этот раздел выставки помещает коллекцию Лоуренса в его социальный мир. Приобретенные картины создали его репутацию. как большой знаток; к его совету очень часто обращались влиятельные такие друзья, как Джон Джулиус Ангерштейн и сэр Джордж Бомонт, чьи коллекции стали ядром фондов Национальной галереи. Помимо своего стяжательного рвения, невероятно одаренный Лоуренс также стремился получить информацию о методах своих любимых художников. An исключительный заем из частной коллекции, его портрет Баринга Братья (Лоуренс, сэр Фрэнсис Бэринг, первый баронет, Джон Бэринг и Чарльз Уолл, 1806–07) демонстрирует, что он впитывает традицию Мужской портрет эпохи Возрождения с фирменным штрихом Лоуренса. и виртуозность.

Сэр Джошуа Рейнольдс (1723–1792)

В качестве первого президента Королевской академии Рейнольдс был одним из наиболее значимые фигуры британского арт-мира 18-го век; для него коллекционирование было страстью на всю жизнь, которую он сравнивал до «отличной игры». У Рейнольдса была обширная коллекция рисунков, картин. и гравюры, которые сообщали обоим его учениям и поддерживали его идеи о том, что составляло великое искусство — стиль Ван Дейка (Лошади Ахилла, 1635–45, Национальная галерея, Лондон), Джованни Беллини (Агония в саду, около 1465, Национальная галерея, Лондон), по Микеланджело (Леда и Лебедь, после 1530 г., Национальная галерея, Лондон), Пуссен (Поклонение пастухов, ок. 1633–164, Национальная галерея, Лондон) и

Рембрандт (Оплакивание мертвого Христа, ок. 1634–1635, Британский музей, Лондон).

Сэр Энтони ван Дайк (1599 — 1641)

Ван Дайк был ведущим придворным художником Англии в первой половине 17-го века. Прежде чем добиться успеха, он работал в студии Рубенс, сам великий коллекционер; следуя примеру своего хозяина, Ван Вскоре Дик обзавелся впечатляющим набором итальянских картин.Хотя ему принадлежали картины Рафаэля и Тинторетто, Ван Дайк был почти целеустремлен в своей страсти к работе Тициан. Опись произведена в списке погибших художника 19 произведений Тициана, большинство из них были портретами, включая семью Вендрамин (1540–155, Национальная галерея, Лондон) и Портрет Джероламо (?) Барбариго (около 1510, Национальная галерея, Лондон).

Эта комната посвящена Ван Дейку как коллекционеру через его интенсивные интерес к творчеству Тициана, которому он, возможно, обязан своим гениальным композиционные приемы (лорд Джон Стюарт и его брат, лорд Бернард Стюарт, около 1638 г., Национальная галерея, Лондон) и техническая свобода («Томас Киллигрю и Уильям, лорд Крофтс (?)» , 1638, Королевская коллекция / Ее Величество Королева Елизавета II).Резонанс между изображениями фигур Тициана и Ван Дейка — лишь одно из истории, которые будут изучены в этом заключительном разделе выставки.

Для получения дополнительной информации посетите nationalgallery.org.uk

Это 10 самых известных художников всех времен

Искусство, слава, талант — все это в больших количествах сочетается с субъективностью, что затрудняет оценку того, чем один художник лучше другого или какой из них лучше. Другими словами, почти невозможно определить лучших или самых известных, но история в целом может быть более чем небольшой помощью в этом вопросе.

Слава величайших художников превышает века, и люди в целом склонны запоминать эти имена больше, чем тех, кто не сиял слишком ярко, поэтому полагаясь на общее мнение людей в разные периоды нашей истории, можно получить достаточно ясное представление. отвечать.

Говорят, красота в глазах смотрящего, и это правда, но если эта красота кажется похожей в миллионах и миллионах глаз, прошлых и настоящих, что ж, это имеет значение. В конце концов, это делает произведение искусства и художника знаменитым.

Просматривая историю, мы нашли ответ. На наш взгляд, это 10 самых известных художников всех времен:

10. Фрида Кало (1907 — 1954)

Мексиканская художница Фрида Кало была мастером холста и красок и одним из самых знаковых символов феминистское движение. Ее произведения искусства изображают мрачную реальность мира и жизни в целом. Она использовала свое мастерство, чтобы рисовать сюрреалистические портреты самой себя, показывая свои уязвимые места, а также свои личные и физические страдания.

9. Ян Вермеер (1632 — 1675)

Голландский художник Ян Вермеер считается одной из важнейших фигур в истории искусства. Его работы представляют собой яркие изображения натюрморта и обладают сверхъестественной красотой, поэтому многие считали, что он использовал непонятную камеру, чтобы запечатлеть свои изображения.

Среди его самых известных работ — «Девушка с жемчужной сережкой», «Доярка» и «Вид на Делфт».

8. Эдвард Мунк (1863–1944)

«Крик» Эдварда Мунка, вероятно, является одной из самых узнаваемых картин всех времен из-за того, что он символически передает чувства тоски и страха.Некоторые даже называют картину Мона Лиза тревожной.

Мунк считается одним из тех, кто внес свой вклад в распространение экспрессионизма и оказал влияние на таких художников, как Макс Бекманн, Эгон Шиле и Эрих Хекель.

7. Сальвадор Дали (1904 — 1989)

Со своими причудливыми усами и диковинной внешностью, но в основном благодаря своим произведениям искусства, Сальвадор Дали по-прежнему широко известен как самый необычный художник всех времен. В течение своей жизни он оказал влияние на развитие эпохи Возрождения, но что обычно приходит в голову, когда он упоминает, так это тающие часы и жуткие пейзажи.

Его картины представляют собой воплощение сюрреализма, а его произведение искусства «Постоянство памяти» — одно из его самых известных, с часами, тающими в жутком пейзаже.

6. Клод Моне (1840 — 1926)

Французский художник Клод Моне был одним из основоположников французского импрессионистского движения, а также деятелем поп-арта и минимализма. Большинство его картин напоминают смену времен года и способы, которыми свет изменял пейзаж, запечатлевая его через призматические осколки цвета в быстро нарисованных мазках.

Его самые известные картины — «Кувшинки», «Женщины в саду» и «Восход солнца».

5. Рембрандт (1606 — 1669)

Рембрандт, также известный как голландский мастер, является одним из величайших живописцев и одним из величайших художников во всей истории, которым очень восхищались за его мастерство, с которым он создавал все свои произведения. произведения искусства. Его картины вызывают восхищение за яркую изображенную реальность и за умелую иллюстрацию внутренних переживаний его героев, благодаря тщательной игре мимики и падению света.

Он известен своими шедеврами, такими как «Ночной дозор» и «Демонстрация анатомии руки доктора Николая Тулпа».

4. Пабло Пикассо (1881 — 1973)

Испанский Пабло Пикассо, известный как современный художник-кубист, считается гением и одной из самых важных фигур в истории современного искусства.

Он был одним из тех, кто изменил само определение классического искусства, введя такие концепции, как коллаж или, что более важно, кубизм, впечатляя и вдохновляя различных художников 20-го века.Его образ — это образ гениального художника, жаждущего большой жизни. Среди его самых известных работ — «Герника», «Птица мира» и «Женщина с веером».

3. Винсент Ван Гог (1853 — 1890)

Винсент Ван Гог был голландским художником-импрессионистом, широко известным своей психической неуравновешенностью, особенно тем, что отрезал часть уха, но также и своими произведениями искусства. которые являются одними из самых известных и любимых за все время.

Он вдохновлял подрастающие поколения художников, особенно своей техникой рисования с потоками толстых мазков, составленных из ярких цветов, выдавленных прямо из тюбика.

Среди самых известных его картин — «Звездная ночь», «Ночная терраса кафе» и «Подсолнухи».

2. Микеланджело (1475 — 1564)

Микеланджело — один из самых известных художников всех времен, особенно известный своими культовыми фресками Сикстинской капеллы. Но Микеланджело был не только художником. Он был скульптором и архитектором, а также — менее известный многим — писал стихи.

Художник эпохи Возрождения, он вдохновил многих и до сих пор служит источником вдохновения для молодых художников 21 века.Помимо работы над Сикстинской капеллой, Микеланджело также создал скульптуру Давида и Пьета, базилику Святого Петра в Риме, знаменитую резьбу Моисея на могиле Папы Юлиана II и дизайн библиотеки Лаврентия в церкви Сан-Лоренцо. Двадцать лет спустя после своей знаменитой картины Сикстинской капеллы он вернулся, чтобы создать одну из величайших фресок эпохи Возрождения — «Страшный суд».

1. Леонардо да Винчи (1452 — 1519)

Леонардо да Винчи, вероятно, самый важный художник эпохи Возрождения, широко известен как самый известный и влиятельный художник всех времен.В конце концов, он гений, стоящий за культовым шедевром живописи Моны Лизы. Помимо живописи, да Винчи был также ученым и изобретателем, он создал множество рисунков человеческого тела и множество современных технологий, используемых сегодня в мире. Сказать, что он был гением, недостаточно.

Среди его знаменитых шедевров есть «Тайная вечеря» и «Дама с горностаем». Даже в наши дни его работы до конца не изучены, и он по-прежнему служит источником вдохновения для многих, многих начинающих художников.

5 величайших художников в истории Кто ваш любимый художник всех времен

Мона Лиза! Кто о ней не слышал? В конце концов, ее провозгласили «самой известной, самой посещаемой, наиболее известной, наиболее воспетой, самым пародируемым произведением искусства в мире». Но знаете ли вы, кто стоял за этой великолепной картиной? кроме Леонардо да Винчи!

Здесь мы собрали список из 5 великих художников, о которых вы должны знать!

1.Леонардо да Винчи (1452–1519)
Считающийся одним из величайших художников всех времен, он хорошо известен своими двумя замечательными картинами: «Мона Лиза» и «Тайная вечеря».

2. Микеланджело (1475–1564)
Это тройная угроза — художник, скульптор и архитектор, известный своими эпическими потолочными панно на Сикстинской капелле, соборе Давида и Пьеты и базилике Святого Петра в Риме.

3. Рембрандт (1606–1669)
Известный как «голландский мастер», он считается одним из величайших художников изобразительного искусства в истории искусства.Среди его знаменитых шедевров «Ночной дозор» и «Возвращение блудного сына».

4. Винсент Ван Гог (1853–1890)
Этот голландский художник-постимпрессионист создал великолепную картину маслом «Звездная ночь, подсолнух и ирисы».

5. Пабло Пикассо (1881-1973)
Вундеркинд, он закончил свою первую картину «Пикадор» всего в 9 лет! Его самыми популярными картинами были «Герника», «Авиньонские девицы» и «Плачущая женщина».

Хотя вы не можете по-настоящему владеть Моной Лизой в соответствии с Законом о французском наследии, есть и другие предметы, которые стоит добавить в вашу коллекцию произведений искусства.

Неважно, художник или живопись, мы в Cube Fine Art Services можем вам помочь!

Мы работали с ведущими музеями, галереями, международными корпорациями и частными коллекционерами мира, поэтому доверьте нам создание индивидуального решения для управления изобразительным искусством, специально созданного для вас. Мы предлагаем управляемое хранение в нашем безопасном хранилище с контролируемым микроклиматом, квалифицированное перемещение ваших произведений искусства, профессиональную установку, а также деликатное обращение с вашими произведениями искусства в любое время.

Чтобы узнать больше о предлагаемых нами услугах, свяжитесь с нами и поговорите с нашими дружелюбными сотрудниками службы поддержки клиентов по телефону 0800 027 2668.

Мастеров-художников и их отношения с цветом

Мастера-художники и их отношения с цветом могут получить знания более чем на всю жизнь. Когда мы смотрим на цвет глазами великих художников, мы обнаруживаем их сильные страсти, неизбежные навязчивые идеи и непоколебимые убеждения в силе цвета. Эта статья дает некоторое представление об этой огромной и невероятной теме.Чтобы узнать больше о нашем интересе к цвету, ознакомьтесь с нашей онлайн-выставкой «Исцеляющая сила цвета». Вы также можете прочитать мою предыдущую статью «Десятки фактов о силе цвета».

Инновационная эволюция Хелен Франкенталер с использованием цвета
Хелен Франкенталер была новатором в использовании цвета, и она развивалась на протяжении всей своей карьеры. Она начала выставлять свои крупномасштабные абстрактные экспрессионистские картины в современных музеях и галереях в начале 1950-х годов.Для нее была важна спонтанность, как заявил художник: «По-настоящему хорошая картина выглядит так, как будто это произошло сразу».

Она была включена в выставку пост-живописной абстракции 1964 года, организованную Клементом Гринбергом, на которой было представлено новое поколение абстрактной живописи, известное как «Цветовое поле». (Подробнее о «Цветовом поле» вы узнаете позже в этой статье). В 1960-х годах она начала размещать цветные полосы по краям своих картин, таким образом задействуя края как часть композиционного целого.Она начала использовать отдельные пятна и кляксы сплошного цвета на белом фоне, часто в виде геометрических фигур. К 1970-м годам она начала использовать более густую краску, что позволило ей использовать яркие цвета, почти напоминающие фовизм. На протяжении 1970-х годов Франкенталер исследовал соединение областей холста с помощью модулированных оттенков и экспериментировал с большими абстрактными формами. Ее работы 80-х были более спокойными, с использованием приглушенных цветов и непринужденной манеры письма.

Одержимость Моне цветом

Цвет может быть самым важным инструментом, который художники могут использовать, чтобы выразить себя, поделиться своими убеждениями, передать сообщение и преобразовать зрителей интеллектуально и эмоционально. Клод Моне воскликнул: «Цвет — это моя дневная одержимость, радость и мучения». Художник неоднократно писал один и тот же предмет в разное время суток и в разных погодных условиях.Одна из его самых известных серий — «Руанский собор». Он запечатлел фасад в разных условиях освещения. Они являются прекрасным примером того, как свет влияет на цвет объектов. Он переработал эти картины в своей студии, исследуя бесчисленное множество примеров цветов и настроений.

Давая советы художникам, он писал: «Когда вы идете рисовать, постарайтесь забыть, какие предметы у вас есть перед вами: дерево, дом, поле или что-то еще. Просто представьте, что это маленький квадрат синего цвета, здесь продолговатый розовый, здесь полоса желтого цвета, и нарисуйте его так, как он кажется вам, точного цвета и формы.”

Убеждения Ван Гога о цвете

Винсент Ван Гог часто выражал озабоченность цветом в своих произведениях. Он писал: «… художником будущего будет колорист, подобного которому еще не видели. Но я уверен, что прав, полагая, что это произойдет в более позднем поколении, и мы должны сделать все, что в наших силах, чтобы способствовать этому, без вопросов или жалоб.”

Он глубоко осознавал взаимосвязь цветов друг с другом и писал: «Нет синего без желтого и без оранжевого».

Сила аналогичных и дополнительных цветов

В распоряжении художников есть мощное цветовое колесо, с помощью которого можно создавать неограниченное разнообразие настроений и выражений. Во-первых, использование аналогичных и дополнительных цветов дает много преимуществ.

Цвета, расположенные близко друг к другу на цветовом круге, называются аналогичными цветами.Аналогичные цвета можно использовать для создания ощущения спокойствия. Прекрасный тому пример — «Кувшинки» Моне.

Напротив, использование дополнительных цветов — цветов напротив друг друга на цветовом круге (красный-зеленый, сине-оранжевый и желто-фиолетовый) — заставляет оба цвета казаться ярче и интенсивнее. Они привлекают наше внимание к тем областям, которые могут вибрировать и выскакивать.

Представьте себе, насколько разными были бы картины Моне, если бы он использовал равное количество оранжевого на голубой воде.

Мастерское использование цвета O’Keeffe

Великолепным примером использования как аналогичных, так и дополнительных цветов для создания энергии и яркого контраста с чувством гармонии и баланса является картина Джорджии О’Киф «Отражение озера Джордж». Эта динамичная картина, которую она создала в 1921-1922 годах, имеет размеры 36 на 60 дюймов. В этом произведении искусства О’Киф — сильный лидер, ведущий зрителя в том направлении, в котором она хочет, чтобы мы двигались. Неповторимый мастер цвета и формы многого достигает, используя сочетание цветов, хотя и ограниченную и простую палитру.Противоположные цвета — оттенки красного и зеленого — служат для выражения силы и контраста, в то время как аналогичные цвета — красный на фоне пурпурного и синий с зеленым — создают проходы тишины и спокойствия. Также обратите внимание на то, как она использует черно-белое изображение, бегущее по середине холста, без которого эта картина не имела бы такой великолепной интенсивности и уравновешенности.

Ван Гог и брак дополнительных цветов

О дополнительных цветах Ван Гог дал художникам такой совет: «Вместо того, чтобы пытаться воспроизвести в точности то, что я вижу перед собой, я более произвольно использую цвет, чтобы выразить себя более убедительно… Чтобы выразить любовь двух влюбленных через брак двоих. дополнительные цвета… Чтобы выразить мысль о бровях сиянием светлого тона на темном фоне.Чтобы выразить надежду какой-нибудь звездой. Чья-то страсть к сиянию заходящего солнца ».

Использование теплых и холодных цветов

Художники используют цвета для создания глубины. Теплые цвета, такие как красный, желтый, оранжевый и красно-фиолетовый, ассоциирующиеся с солнцем, проецируются на зрителя. Холодные цвета, такие как синий, сине-зеленый и сине-фиолетовый, которые обычно ассоциируются с водоемами, кажутся уходящими вдаль.

The Fauves

В начале 1900-х годов художники использовали обостренное чувство цвета, чтобы выразить сильную эмоциональную реакцию на природу. Этих художников называли фовистами, или дикими зверями. Хотя фовизм как стиль зародился примерно в 1904 году и продолжился после 1910 года, движение как таковое просуществовало всего несколько лет, 1905–1908, и имело три выставки. Лидерами движения были Андре Дерен и Анри Матисс.

Фовизм можно классифицировать как крайнее развитие постимпрессионизма Ван Гога, смешанного с пуантилизмом Сёра и других художников-неоимпрессионистов, в частности Поля Синьяка.

Матисс и Color to Express Light

Анри Матисс утверждал: «Основная функция цвета должна заключаться в том, чтобы служить выражению. Цвет помогает выразить свет, а не физическое явление, а единственный свет, который действительно существует, то есть в мозгу художника ». Он также написал: «Раньше, когда я не знал, какой цвет поставить, я ставил черный. Черный — это сила: я полагаюсь на черный, чтобы упростить конструкцию. Теперь я отказался от черных ».

Теория Кандинского о цвете и духовности

Василий Кандинский в детстве учился игре на виолончели и фортепиано.Как художник он ассоциировал искусство и музыку. «Звучание цветов настолько определенное, что было бы трудно найти кого-либо, кто бы выразил ярко-желтый с базовыми нотами или темное озеро с высокими частотами». Он писал: «Цвет — это клавиатура, глаза — это гармония, душа — это фортепиано с множеством струн. Художник — это рука, которая играет, касаясь той или иной клавиши, вызывая колебания в душе ».

Кандинский много писал о своей вере в то, что цвета и формы могут влиять на наше настроение и что они вызывают психические вибрации. «Цвет скрывает силу, пока неизвестную, но реальную, которая действует на каждую часть человеческого тела».

Скульптура и цвет

Обычно мы не думаем о том, что скульпторы думают о цвете, и это ошибка. Например, можно многому научиться из слов Альберто Джакометти: «Если я вижу все в сером, а в сером — все цвета, которые я испытываю и которые я хотел бы воспроизвести, то зачем мне использовать какой-либо другой цвет? Я пробовал это сделать, потому что никогда не собирался рисовать только серым.Но в процессе работы я удалял один цвет за другим, и все, что осталось, — это серый, серый, серый! »

О Patinas

Патина наносится на бронзовые скульптуры с помощью различных химических растворов, которые вступают в реакцию с поверхностью с образованием тонкого цветного слоя. Патина технически представляет собой слой коррозии на металле. Патины могут быть как прозрачными, так и непрозрачными. Художники могут манипулировать этими реакциями для создания желаемого эффекта — от золотого до зеленого и шоколадного.

Густая патина, которая естественным образом образуется в период бронзового века, занимает много времени, и ее нелегко предсказать. Зеленая патина Статуи Свободы, которая теперь ассоциируется со знаменитой символической скульптурой, появилась только после 1900 года в результате окисления меди.

Опытный патриарх может создать бесчисленное множество цветов и эффектов на бронзе, в то время как менее талантливый человек может испортить искусно выполненную скульптуру плохой патиной. Применение патины может сделать или сломать любую скульптуру.

Тернер и желтый цвет

Британский художник Дж. М. У. Тернер был английским художником-романтиком, гравером и акварелистом, известным своей выразительной колористикой и великолепными залитыми солнцем морскими пейзажами. У него была сильная страсть к использованию желтого цвета. Это заставило критиков раскритиковать его, написав, что его изображения «страдают желтухой». Художник использовал экспериментальную акварель Indian Yellow, флуоресцентную краску, полученную из мочи коров, вскармливаемых манго.Чтобы добиться более ярких акцентов, художник использовал синтетический желтый хром — пигмент на основе свинца, вызывающий бред.

Мощное послание Джотто в синем цвете

В большинстве древних культур цветное золото считалось символом солнца и духа Бога. Ситуация изменилась, когда Джотто, итальянский художник и архитектор из Флоренции в период позднего средневековья, считал, что синий цвет олицетворяет небеса и вечное существование.Он был одержим цветом и покрасил потолок капеллы Скровеньи в сияющий синий цвет. Это было полным отходом от золота, которое использовалось предыдущими художниками и ассоциировалось с богатством и величием. Голубое небо, которое заполняет большую часть многих сцен в соборе, дает объединяющее и обширное ощущение безграничных возможностей.

Голубой период Пикассо

Говорят, что трехлетний «голубой период» Пикассо, с 1901 по 1904 год, выразился в приступе депрессии после трагического самоубийства его друга Карлоса Касагемаса.Это была огромная потеря для художника, который превратился из своей типичной общительной личности в человека, который погрузился в период отчаяния и затворничества. Карл Юнг называл психическое состояние Пикассо шизофреническим.

Возможно, его самая известная работа этого периода — «Старый гитарист», на которой изображен старый нищий в разорванной одежде, играющий на улицах Барселоны, Испания. Серия Пикассо «Голубая серия» демонстрирует, как синий цвет при использовании в больших дозах в той манере, в которой его использовал Пикассо, может погрузить зрителя в состояние мрачности и меланхолии.

Живопись цветового поля

В 1940-х и 50-х годах в Нью-Йорке появился стиль живописи, известный как живопись «Цветовое поле». Для этого стиля характерны, прежде всего, большие поля плоского сплошного цвета, которые растекаются по холсту или окрашиваются в пятна. В этом движении цвет сам по себе становится предметом.

Ведущими пионерами этого движения были Хелен Франкенталер, Барнетт Ньюман, Марк Ротко и Клиффорд Стилл.

Ротко считал цвет инструментом, служащим более важной цели — вызывать наши самые основные эмоции. Каждая из работ Ротко была призвана вызывать разный смысл в зависимости от зрителя. Он добился резонанса за счет наслоения цветов.

«Белый центр» — это часть фирменного разнообразного стиля Ротко, в котором несколько блоков многослойных цветов переливаются на большом холсте.

Цитата Леже о цвете

В своей работе «О монументальности и цвете», 1943 г., Фернан Леже писал: «Тяга к цвету является естественной необходимостью, как и вода и огонь.Цвет — это незаменимое сырье для жизни. В каждую эпоху своего существования и своей истории человек ассоциировал цвет со своими радостями, поступками и удовольствиями ».

Увлекательное исследование цвета

Эта статья лишь поверхностный взгляд на небольшую коллекцию примеров, в которых художники использовали цвет на протяжении веков. Я призываю вас продолжить изучение этой темы, и вы откроете для себя мир магии, который ждет вас. Вы также можете прочитать «Десятки фактов о силе цвета».

Кари Бинерт ~ Современный колорист

Кари Бинерт — один из художников, отобранных для нашей онлайн-выставки «Целебная сила цвета». Она написала: «Мои картины маслом с цветовым полем воспевают цвет, поднимая настроение и вдохновляя. Каждая работа требует многих недель смешивания масел для создания палитр новых цветов, которые интуитивно наносятся на белье. Я очарован бесконечными возможностями смешивания новых цветов и спектром чувств, которые цвет может передать, чтобы создать гармонию внутри и сделать нашу повседневную жизнь великолепной.”Karibienert.com

ПОЖАЛУЙСТА, ПОДЕЛИТЬСЯ

17 самых известных картин Метрополитен-музея

Планируете посетить MET, но не уверены, какие знаменитые произведения искусства вам стоит увидеть? Не волнуйтесь, мы эксперты в области МЕТ, поэтому мы вам поможем. Вот самые известные картины, которые вы абсолютно точно не должны пропустить при посещении MET в New York City

Топ 17 картин на МЕТ

Искусство — это эмоции.Это художник, который высвобождает свои сокровенные мысли и чувства на холст, чтобы все были свидетелями, но немногие видели и понимали. Если вы смотрите на картину и ничего не чувствуете, это потому, что вам не хватает ее истории, и именно по этой причине мы рекомендуем экскурсии.

Если вы слышите историю и не испытываете мурашек по коже, значит, это не лучшее произведение искусства, поскольку его цель — вызывать эмоции. Чтобы ценить искусство, не обязательно иметь большой художественный опыт. Что вам больше всего поможет, так это гид с большим опытом работы в области искусства, обладающий навыками повествования.Эта статья не заменяет тур, но дает вам прочную основу, чтобы сделать тур лучше. Ознакомьтесь с нашими турами по MET и турами по Нью-Йорку, проводимыми самыми увлеченными гидами города!

17. Осенний ритм (Число 30)

Джексон Поллок | 1950 | Холст, эмаль | Галерея 919

Жалоба номер 1, которую я слышу о современном искусстве и особенно о таких художниках, как Джексон Поллок: «Я не вижу ничего, кроме краски, брошенной на холст».Обычно люди, которые так говорят, являются новичками в современном искусстве и больше привыкли к монете, которую я назвал «Буквальное искусство». Буквальное искусство — это картина определенного изображения, такого как человек, животное или пейзаж. Когда вы смотрите на эти изображения, вы можете идентифицировать себя с ними, поскольку вы видели похожие изображения на протяжении всей своей жизни.

Художники на рубеже 20-го века искали новые способы выразить идею. Кроме того, они искали новые техники, чтобы выразить эту идею. Все еще со мной?

Осенний ритм (номер 30) использует технику, называемую «переливание».Согласно Британской энциклопедии, «в 1947 году Поллок впервые применил процесс наливания или капания краски на плоский холст поэтапно, часто чередуя недели рисования с неделями созерцания, прежде чем он закончил холст. Этот процесс позволил ему зафиксировать силу и масштаб своего физического жеста в траекториях эмали или алюминиевой краски.

Официальный архив МЕТ говорит о картине: «Название этой работы указывает не только на месяц, в котором он ее написал (октябрь), но и на соответствие постоянным изменениям природы».Я не мог с этим согласиться.

«Я собираюсь писать большие подвижные картины, которые будут работать между мольбертом и фреской. . . . тенденция современного восприятия — настенная картина или фреска.

Джексон Поллок

16. Композиция

Пит Мондриан | 1921 | Холст, масло | Галерея 912

Если вам нравятся чистые, обрезанные края и геометрические формы, тогда Пит Мондриан — художник для вас!

Пит Мондриан вырос в Голландии и экспериментировал со многими различными стилями, от импрессионизма до абстрактного искусства.Однако он остается самым известным своим творением. стиль под названием неопластизм. Согласно официальным архивам музея Тейт, «от голландского« de nieuwe beelding »неопластизм означает новое искусство (живопись и скульптура — это пластические искусства). Это также применимо к творчеству художников кружка Де Стиджа, по крайней мере, до выхода Мондриана из группы в 1923 году ».

«Композиция» — ранний образец «неопластизма». Монодриан использует толстые черные линии, чтобы разделить картину на 11 прямоугольников разного размера.Основные оттенки — красный и синий. Он создал более светлые оттенки, смешав с ними белый цвет.

Лично в этом стиле это «то, что видишь, то и получаешь». Это означает, что буквально вы видите несколько линий, очерчивающих геометрические формы. Однако если посмотреть глубже, художник создает глубину и вызывает определенные чувства. Ниже я оставил мою любимую цитату самого художника, который объясняет идею даже лучше, чем я.

Как чистое изображение человеческого разума искусство выражается в эстетически очищенной, то есть абстрактной форме.Следовательно, новая пластическая идея не может принимать форму естественного или конкретного представления — эта новая пластическая идея игнорирует особенности внешнего вида, то есть естественную форму и цвет. Напротив, он должен найти свое выражение в абстракции формы и цвета, то есть в прямой линии и четко определенном основном цвете.

Пит Мондриан

15. № 13 (белый, красный на желтом)

Марк Ротко | 1958 | Холст, масло, акрил, порошковые пигменты | Галерея 919

Признаюсь, что предпочитаю искусство эпохи Возрождения современному искусству.Однако по мере того, как я становился старше (и мудрее), я научился больше ценить современное искусство. Один из художников, который привлек меня к темной стороне (или светлой стороне, в зависимости от того, как на это смотреть), — это Марк Ротко.

К сожалению, он страдал от тяжелой депрессии и беспокойства. Он был много пьющим и курильщиком, а в возрасте 66 лет покончил жизнь самоубийством. В отличие от многих художников, он добился успеха при жизни как художник.

«Нет. 13 (белый, красный на желтом) », как следует из названия, использует три основных цвета.Используя эти яркие цвета, он создает радостное настроение, в отличие от других картин, где он выбирает более темные цвета для более задумчивой натуры. Вертикальный дисплей показывает широкие полосы красного и желтого цветов, которые, кажется, почти парят и не касаются картины. Этот «ореол» стал возможен благодаря тому, что горизонтальные полосы перекрывали цвет фона.

Согласно официальным архивам МЕТ, эффект ореола: «Он также усиливается за счет прозрачности краски, которая была настолько разбавлена, что фактически пропитала и окрашивала волокна холста».

«Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, гибели и т. Д.», — заявил он. «И тот факт, что многие люди не выдерживают и плачут, когда сталкиваются с моими фотографиями, показывает, что я могу передать эти основные человеческие эмоции… .Если вас… трогают только их цветовые отношения, тогда вы упускаете суть.

Марк Ротко

14. Гертруда Стайн

Пабло Пикассо | 1906–1906 | Холст, масло | Галерея 830

Иногда просмотр произведений искусства дает возможность заглянуть в прошлое.Например, до того, как я увидел эту картину, я понятия не имел, кто такая Гертруда Стайн. Прочитав о ней, я был очарован ее историей и жизнью. Она выросла между Соединенными Штатами и Францией и даже поступила в Медицинскую школу Джона Хопкинса. Сейчас это звучит достаточно нормально, но это было еще в конце 19 века!

Она организовала салон в Париже, в котором приняли участие некоторые из самых важных литературных и художественных деятелей того времени. Согласно Британской энциклопедии, «ее литературные и художественные суждения уважались, а ее случайные замечания могли создать или разрушить репутацию».

Согласно официальным архивам МЕТ, «для Пикассо раннее покровительство и дружба Штейна сыграли решающую роль в его успехе». Он писал ее во время своего так называемого «периода роз». Изучая эту картину, вы можете увидеть, как Пикассо медленно переходит к кубизму, превращая свое тело в простые массы. Его изучение иберийской скульптуры также широко распространено здесь, изображая ее лицо как маску с глазами с тяжелыми веками.

Эйнштейн был творческим философским умом века, а я был творческим литературным умом века

Гертруда Стайн — американская писательница

13.Женщина с попугаем

Гюстав Курбе | 1866 | Холст, масло | Галерея 811

Если бы Гюстав Курбе был жив в 1980-х, он, вероятно, был бы частью команды «Плохих парней» Детройт Пистонс. Как можно не любить парня, который объявляет себя «самым гордым и высокомерным человеком во Франции»! Я люблю эту картину, но определенно полюбил ее еще больше, когда прочитал это о художнике. Курбе определенно стремился шокировать и трепетать мир французского искусства, и ему это удалось.

Все началось в 1850 году, когда Курбе представил группу крупномасштабных картин, изображающих повседневную жизнь. Сегодня нам это не кажется чем-то необычным, но когда-то эти крупномасштабные картины использовались только для исторических жанров. Он еще больше разозлил критиков, когда использовал своих трех сестер (которые были крестьянками »в качестве моделей для картины, где он назвал их demoiselles (молодые девушки). Критики в основном говорили ему, что девушки уродливы, и что он должен уважать различия в границах классов и не называть их этим благородным титулом.Он не слушал.

Курбе был таким негодяем, что отказался от награды Почетного легиона, объявив себя независимым от какой-либо формы правления. Позже, из-за его политической деятельности, власти арестовали его и приговорили к шести месяцам тюремного заключения. В конце концов он добровольно отправился в изгнание в Швейцарию и умер там в 1877 году. Какая жизнь, определенно не типичная для художника!

«Женщина с попугаем» получил негативные отзывы, такие как «отсутствие вкуса», а также «неуклюжая» поза его модели и «растрепанные волосы».Однако молодое поколение художников приняло его. Это произошло из-за их взаимного пренебрежения академическими стандартами. В том же году Мане начал писать похожую картину, и якобы Дега носил небольшую фотографию этого произведения искусства в своем бумажнике!

12. Венера и лютнист

Тициан | 1565-70 | Холст, масло | Галерея 608

Тициан, безусловно, один из самых известных итальянских художников эпохи Возрождения всех времен. Известный своими чувственными и сладострастными картинами женщин, он при жизни был правящим королем Венеции.

Тициан продолжил переход в искусстве своего времени от Девы Марии к Венере. В то время как все картины раннего Возрождения изображали святую мать бога, более поздние работы эпохи Возрождения начали боготворить Венеру как правящую матриарху красоты.

«Венера и лютнист» изображает Венеру, богиню любви, в окружении лютниста и ее сына Амура. Во времена Возрождения лютня была основным инструментом при написании или пении песен о любви.Вы можете представить себе знаменитых странствующих трубадуров, исполняющих свои болезненные песни о любви любой девушке, которая их слушает!

Тициан запечатлел здесь момент, когда Венера отдыхает от лютниста, который нежно смотрит на богиню Любви. В этот момент Купидон венчает Венеру венком из цветов. На заднем плане можно увидеть сатиров и нимф, танцующих под пение пастуха. Если вы видели другие картины Тициана, некоторые из его самых известных — это картины чувственной обнаженной женщины в слегка наклоненной позе, смотрящей вдаль.Согласно официальным архивам МЕТ, «когда-то считалось, что это отсылка к современным спорам о« видении »и« слухе »как о главном способе восприятия красоты, эти изображения, кажется, в основном прославляют чувственные удовольствия».

Узнав, что женская красота, украшенная или естественная, всегда найдет покупателей, Тициан с радостью продолжил эту тему.

Уилл Дюран — Историк

11. Молодая мама шьет

Мэри Кассат | 1900 | Холст, масло | Галерея 768

Мэри Кассат была одной из выдающихся женщин-художников конца XIX века.В то время профессия художника по-прежнему считалась неодобрительной. Например, она отметила, что в Пенсильванской академии изящных искусств в Филадельфии студенткам покровительствовали и им не разрешали работать с живыми моделями. Сыт по горло, она переехала в Париж, но даже в авангардном Париже ей не разрешили посещать Ecole des Beaux-Arts.

Поэтому она начала работать в частном порядке с мастерами Жаном-Леоном Жеромом и после Чарльза Чаплина. Она подружилась со многими художниками-импрессионистами, такими как Дега, Писсаро и Моне.

Как отец, вы видите что-то очень деликатное, когда видите вместе молодую мать и ребенка. К концу 19 века Кассат посвятила свои силы рисованию женщин, которые заботятся о детях, а также детей в одиночку. Для этой картины Кассат использовала двух не связанных между собой моделей, которые сыграли роль матери и дочери. Иногда обыденное создает ощущение близости к опыту, который мы все когда-либо испытывали. Тот простой момент, который разделяют эти две фигуры, пережили миллионы дочерей и матерей на протяжении долгого времени.Я чувствую, что Кассат здесь прекрасно это уловила.

Посмотрите на того маленького ребенка, который только что бросился на колено своей матери, независимо от результата и не обращая внимания на то, что она может потревожить «свою маму». И она совершенно права, она не беспокоит свою мать. Мама просто немного отодвигается и продолжает шить.

Луизин Хавемейер — покупательница картины в 1901 году

10. Этюд молодой женщины

Йоханнес Вермеер | 1665-1667 | Холст, масло | Галерея 964

По сравнению с голландскими выдающимися художниками, такими как Рембрандт и Франц Хальс, которые уже были известны при жизни, Иоганнес Вермеер был гораздо менее известен.Его творчество стало получать признание только в конце 19 века. Вне художественных кругов он оставался малоизвестной фигурой, пока в 2003 году не вышел фильм «Девушка с жемчужной сережкой» со Скарлетт Йоханнсон.

За свою жизнь Вермеер написал всего 43 известных картины, и большинство из них были проданы в городе Делфт, где он жил. К сожалению, он умер в молодом возрасте 43 лет, оставив жену и 11 детей! Из-за финансового кризиса в Голландии в начале 1670-х годов его последние несколько лет были довольно плачевными.

«Этюд молодой женщины» не задумывался как портрет, даже если использовалась живая модель. Эти типы картин назывались «трони», термин, который больше не использовался, означал головы, лица или выражения. Они были выполнены как форма коллекционных предметов, на которых изображены интригующие типы персонажей или экзотические костюмы. Например, синий шелк вокруг плеч модели был нанесен специально для глаз покупателя. Это продемонстрировало способности художников изобретать и исполнять.

Я считаю, что глаза девушки на фотографии пронзают вашу душу. Однако невинное, почти застенчивое выражение ее лица объясняет, что она не питает к вам неприязни и делает это не намеренно.

9. Портрет женщины с мужчиной у створки

Фра Филиппо Липпи | 1440 | Темпера на дереве | Галерея 602

Жизнь фра Филиппо Липпи так же увлекательна, как чтение книги, если не даже больше! Осиротевший в молодом возрасте тетя отдала его в монастырь.По словам Джорджо Вазари, пираты похитили его и помогали ему в течение 18 месяцев в качестве раба, пока он не написал портрет своего хозяина.

Позже в жизни у него случился настоящий скандал, так как у него возникли отношения с молодой монахиней Лаури Бути. Судя по всему, его поймали и пытали, и освободили только после того, как Козимо де Медичи вмешался, чтобы спасти его! Кстати, союз художника и его любовницы-монахини привел к тому, что они поженились и у них родился сын Филиппино Липпи, который был великолепным художником в конце 15 века.

Согласно Официальным архивам МЕТ, «Портрет женщины с мужчиной у створки — самый ранний из сохранившихся двойных портретов в Италии, первый, на котором натурщики изображены в домашней обстановке, и первый с видом на пейзаж».

На рукаве женщины буквы «Леалта» (верность). Есть мужчина, который смотрит на нее (почти неуютно близко) из окна, так что, может быть, это ее суженый? Его руки касаются герба, который, я уверен, в свое время был бы узнаваем для многих, кто смотрел эту картину.Многие историки искусства считают, что этой парой могут быть Лоренцо ди Раньери Сколари и Ангиола ди Бернардо Сапити, поженившиеся около 1439 года.

Задача Липпи осложнялась тем, что итальянцы предпочитали вид в профиль, а не вид в три четверти к северу от Альп.

Официальный архив MET

8. Музыканты

Караваджо (Микеланджело Меризи) | 1597 | Холст, масло |

Караваджо был бы из тех парней, с которыми хочется пообщаться в баре.Но, наверное, не хотел бы знакомить свою семью. Жизнь Караваджо была совсем не обычной. Например, он ходил по Риму с мечом, якобы был членом местной банды и даже убил человека на дуэли.

В результате убийства он был вынужден бежать из Рима и путешествовать по живописным югам по пути из Неаполя, на Сицилию, на Мальту и обратно. Согласно легенде, он ждал прощения от Папы Урбана VIII, когда один из его врагов наконец настиг его и убил в Порто Эрколе.

Трудно не написать целую книгу об этой картине или о творчестве Караваджо в целом. До сих пор существовали шаблоны, как рисовать святых и святых (раскрашивая с идеальной красотой и чистотой). Караваджо разрушил эти концепции, изображая святых и святых как обычных людей с обычными недостатками. Эта революционная идея навсегда изменила мир искусства.

«Музыканты» — более ранняя работа мастера, напоминающая картины юношей, которые можно увидеть в галерее Боргезе в Риме.Современник Караваджо Джованни Бальоне писал, что художник нарисовал «концерт, в котором очень хорошо изображены молодые люди с натуры». Скорее всего, это картина, о которой идет речь. Интересно, что Караваджо играет здесь эпизодическую роль вторым мальчиком справа!

7. Автопортрет в соломенной шляпе

Винсент Ван Гог | 1887 | Холст, масло | Галерея 825

Ван Гог нарисовал более двадцати автопортретов самого себя! Однако не спешите судить его как самого большого нарцисса на планете.Многие художники использовали себя в качестве моделей для практики, учитывая, что модели были довольно дорогими.

Классический образец дара цвета и самовыражения Ван Гога, эта картина обманчиво проста по своему дизайну. Сотни крошечных мазков придают картине подвижное, живое качество, а простые контрастные цветовые схемы позволяют фигуре (сам Ван Гог!) Отрываться от холста. Светлая палитра и соломенная шляпа напоминают о летних днях и деревенских сюжетах, которые были навязчивыми идеями Ван Гога в течение его короткой жизни.

Многие люди не знают, что на обратной стороне холста есть другая картина. Ван Гог нарисовал картофелечистку в 1885 году и показывает крестьянина, чистящего картофель. В 1887 году он перевернул холст и нарисовал себя в соломенной шляпе.

Я специально купил достаточно хорошее зеркало, чтобы работать с собой, из-за отсутствия модели

Винсент Ван Гог

6. Мост через пруд с кувшинками

Клод Моне | 1840-1842 | Холст, масло | Галерея 819

Это один из моих личных фаворитов за мир, который он приносит.Это также демонстрирует Моне на вершине своего мастерства. Хотя это достаточно простой предмет, художнику удается запечатлеть тонкие различия в цвете между розовыми лилиями и травянистой листвой, нависающей над водой.

Моне был страстным садоводом и фактически приобрел недвижимость Живерни за пределами Парижа. На картине выше изображена часть этой собственности. Моне нарисовал деревянный мостик над прудом в серии из 12 картин, это исполнение является его самой знаменитой.

Пейзаж не пройдет за один день. И вдруг я понял, насколько очарователен мой пруд. Я взял свою палитру. С тех пор у меня почти не было другого предмета.

Клод Моне

5. Танцевальный класс

Эдгар Дега | 1874 | Холст, масло | Галерея 815

Каждый раз, когда я смотрю на эту картину, у меня в голове возникает песня ABBA «Dancing Queen»! Танец был навязчивой идеей художника Дега, и похожая картина о танцорах есть в Музее д’Орсе.В движении и форме изящных балерин он продвигал вперед возможности модернистского искусства.

В «Танцевальном классе» вы видите группу девочек и их матерей, которые стоят вокруг и наблюдают за практикой одной молодой девушки. За танцором наблюдает известный балетмейстер Жюль Перро. Прошло более 100 лет, и вы можете легко представить себе подобный сценарий сегодня в балетной школе. Юные балерины тренируются, болтают со своими друзьями и смотрят, как танцуют другие девушки.Однако репетиционная комната, изображенная здесь, должна была находиться внутри старой Парижской оперы, которая недавно сгорела во время написания картины.

Дега предлагает нам следовать этим сценариям, поскольку естественные линии картины направляют наш взгляд к задней стене студии. Работа, в конечном счете, основана на воображении.

4. Гольфстрим

Уинслоу Гомер | 1899 | Холст, масло | Галерея 767

«Гольфстрим» опередил популярный фильм «Челюсти» почти на 100 лет, но эффект страха похож.Достаточно плохо оказаться в море, но добавить в смесь голодных акул определенно хуже. Лично я считаю, что это один из самых больших моих опасений!

В последние годы жизни Уинслоу Гомер жил почти в полном уединении на побережье штата Мэн. Хотя он интересовался морем, в последние годы жизни он был почти одержим им и нашей уязвимостью по отношению к нему.

Зимой он много раз ездил на Багамы и там черпал вдохновение для этой картины.Гольфстрим — это теплый поток, который течет с севера Атлантики вниз в Южную Атлантику.

На картине мужчина стоит перед довольно безнадежным решением. Лодка потерпела бедствие из-за отсутствия мачты и руля направления. Рядом с его ногами можно увидеть несколько стеблей сахарного тростника, который является единственной пищей мужчины. К сожалению, незаметно для человека, на далеком горизонте находится корабль, который Гомер позже добавил в композицию в знак надежды на спасение.

Согласно официальным архивам МЕТ, «картина, написанная вскоре после смерти его отца в 1898 году, была интерпретирована как выражение предполагаемого чувства смертности и уязвимости художника».

3. Смерть Сократа

Жак Луи Давид | 1787 | Холст, масло | Галерея 614

Эта трогательная картина почти ничего не будет значить для зрителя без контекста и знания истории. Например, картина могла быть изображением группы мужчин в классическом стиле, ведущих интересную беседу. И в какой-то момент слуга дает самому важному человеку в центре коктейль (вино в свое время). Однако этот человек дает ему ядовитую болиголову!

Сократ (470–390 до н. Э.) Был одним из самых разрушительных философов классической эпохи.Самым известным его учеником был Платон, записавший сцену смерти Сократа в своей работе «Федон». Осужденный за нечестие, он был приговорен к смертной казни. Он мог бы отречься, но, похоже, умер добровольно, выпив яд. По словам Платона, Сократ окружил себя ближайшими учениками и обсуждал бессмертие души, когда пил смертоносный эликсир.

Давид потерял отца на дуэли (это все еще происходило в те времена). Его дяди заботились о нем, и было очевидно, что он обладал большим талантом в искусстве.В первые годы творчества он пережил много испытаний и невзгод и даже пытался покончить жизнь самоубийством голодной смертью (стоический путь). В конце концов, он выиграл стипендию для учебы в Риме, и тогда он начал расцветать.

Давид стал одним из самых выдающихся художников-неоклассиков того времени. Что касается смерти Сократа, он консультировался с учеными-антикварами, чтобы дать подлинное представление об мебели и даже одежде того времени. Во время революции и после он прославился как официальный художник Наполеона и его шедевр «Коронация Наполеона».

Искусство древности меня не соблазнит, ему не хватает живости

Жак Луи Давид

2. Вашингтон пересекает Делавэр

Эмануэль Лойце | 1851 | Холст, масло | Галерея 760

Пожалуй, одна из самых известных картин американского патриотизма (по крайней мере, для меня). «Вашингтон пересекает Делавэр» символизирует настойчивость перед лицом огромных препятствий. Эта большая картина на холсте копировалась и копировалась, пародировалась и отмечалось бесчисленное количество раз в своей истории.

Хотя картина написана спустя почти сто лет после описываемых на ней событий, картина представляет собой опасное путешествие Вашингтона по замерзшей реке Делавэр с непосредственностью и страстью. Истощенные и лишенные боевого духа, люди вашингтонской роты пересекли Делавэр в внезапной атаке на вражеские войска, расквартированные в Трентоне, штат Нью-Джерси, в день Рождества 1776 года.

Пожар фактически повредил картину в мастерской Лойце в 1850 году. Она снова была повреждена во время бомбардировки в 1942 году и, к счастью, до сих пор с нами! В 1851 году Маршалл, Маршалл О.Робертс купил картину за 10 000 долларов. По официальным данным, сегодня это будет колоссальная сумма в 342 тысячи долларов!

1. Жюли Лебрен смотрит в зеркало

Элизабет Луиза Виже Ле Брен | 1787 | Холст, масло | Галерея 616

Элизабет Луиза Виже Ле Брен была создана для кино. (При написании этой статьи я действительно искал фильм о ней и нашел его на Amazon за

Ле Брун — один из лучших французских художников 18 века и, возможно, одна из самых важных женщин-художников.Она сама научилась рисовать и была чрезвычайно талантлива. Она жила в неспокойные времена Французской революции и, тем не менее, добилась больших успехов.

Элизабет Лебрен вышла замуж в 21 год за ведущего арт-дилера в Париже, и из-за его профессии ее сначала не приняли в престижную Королевскую академию скульптур и искусства. Однако так случилось, что она познакомилась с королевой Марией-Антуанеттой, которая знала несколько человек и поступила туда в возрасте 28 лет.

Когда разразилась Французская революция, она была вынуждена бежать из Франции, так как у нее были довольно тесные отношения с королевой.Некоторое время она жила в Италии, а затем вернулась во Францию.

Жюли Ле Брен «Глядя в зеркало» — это удивительное изображение единственного ребенка Ле Бруна. Ле Брен сделала такой же новаторский портрет двумя годами ранее своей дочери. Двойное изображение играет на реальности против иллюзии и тем более показывает, насколько талантливым был художник Ле Брен. Я выбрал эту картину как номер один не только из-за ее уникальности характера, но и невозможности перспективы.