Вы можете создавать собственные узорчатые кисти, в том числе кисти с узорчатыми мазками, на нескольких цифровых платформах, включая Adobe Photoshop и Adobe Illustrator.Однако в этом уроке мы проведем вас через шаги по созданию кистей с узором в Procreate.

Сначала создайте новый пользовательский холст. Обычно квадрат (например, 12 x 12 дюймов) работает лучше всего, и убедитесь, что он установлен на 300 DPI. Чтобы создать узор, вы начнете с заполнения центра холста желаемыми формами, будь то что-то абстрактное, например, мазки кистью, или физические объекты, например, клубника. Эти первые фигуры, которые вы рисуете, не должны касаться края холста.

Теперь, когда у вас есть средняя часть узора, вы измените его, чтобы он повторялся плавно.

Сначала откройте панель инструментов слоев и продублируйте слой с вашим рисунком. Затем коснитесь инструмента выделения и убедитесь, что у вас включена функция магнитного поля.Теперь сдвиньте рисунок влево, пока ровно половина его не окажется за пределами холста. (Вы должны увидеть синюю направляющую линию, которая поможет вам определить, что рисунок расположен по центру.) Затем повторите с другим слоем, чтобы создать правую сторону узора.

Когда вы убедитесь, что обе стороны рисунка расположены правильно, объедините два слоя. На этом этапе у вас будет пустое пространство в середине холста. Заполните пространство дополнительными мазками кисти или фигурами, не касаясь верхнего или нижнего края холста.

Затем повторите этот процесс, но для верхней и нижней частей иллюстрации. Снова заполните среднюю часть дополнительной графикой или мазками кисти, чтобы завершить узор. Вносите коррективы до тех пор, пока рисунок не станет сбалансированным, и вы не будете довольны общим дизайном. Наконец, сохраните его как PNG.

Введение в создание повторяющихся узоров в Illustrator с Элизабет Олвен 

Перейдите на панель кистей, выберите знак «плюс» в правом верхнем углу и назовите свою кисть (например,г., «цветочный принт» или «узор с коротким штрихом»). В разделе «Источник формы» выберите «Обмен из профессиональной библиотеки» и выберите сплошной черный квадрат. В разделе «Источник зерна» выберите «вставить фото» и выберите изображение узора, которое вы только что создали.

На вкладке «зернистость» вы можете внести дополнительные изменения, чтобы ваша кисть работала так, как вы хотите. Например, попробуйте сдвинуть масштаб до упора вправо, пока не появится надпись «Следовать за размером». Если этот параметр включен, при использовании большой кисти рисунок также будет казаться большим.Когда вы переключитесь на меньшую кисть, рисунок будет меньше. По сути, узор будет масштабироваться в зависимости от размера используемой кисти.

Если мазок узорной кисти не соединяется плавно, убедитесь, что вы не отрываете стилус от экрана — это приведет к тому, что узор будет начинаться заново каждый раз, когда вы начинаете новую строку.

При использовании кисти с узором на иллюстрации может быть полезно иметь каждый цвет иллюстрации на отдельном слое. Теперь вы можете выбрать отдельные слои для добавления узора.

Например, если вы хотите создать фон, добавьте пустой слой позади существующих слоев. Затем выберите узорчатую кисть и прокрасьте ею весь холст.

Чтобы применить узор к меньшей фигуре на иллюстрации, сначала проведите вправо по слою, содержащему фигуру, которую вы хотите заполнить. Это создаст альфа-блокировку, что означает, что вы сможете рисовать только внутри того, что уже существует на этом слое.Затем выберите кисть и прокрасьте фигуру.

Вы можете создавать собственные узорчатые кисти практически любой формы и текстуры, какие только можно вообразить — от абстрактного геометрического узора до органического узора бабочки со свободным мазком кисти. Ниже представлены уникальные примеры узоров мазков кистью Photoshop, а также узоры и пользовательские кисти, созданные в Illustrator и Procreate.

Мазки и узоры кистью могут быть мощными инструментами для ваших цифровых иллюстраций. Используя эти настраиваемые кисти для добавления текстур и фона, вы можете вывести свои проекты на новый уровень.

Создание узоров и узорчатых кистей в Procreate® с Сандрой Бауэрс

Как рисовать уверенными мазками

Уверенное использование смелых мазков начинается с основы, основанной на значении цвета.

Патти Моллика

Патти Моллика — член жюри конкурса AcrylicWorks 9 — крайний срок подачи заявок на участие в конкурсе — 18 октября 2021 года.

Быстро, свободно и смело — вот три слова, которые описывают, что происходит, когда вы с уверенностью подходите к картине. Если вы уверены в своем методе и процессе, это отразится на получившейся картине. Картина выполняется относительно быстро, потому что вы работаете с ценностным планом. Ваша кисть расплывчата, потому что вы наносите четкие мазки, и вам не нужно их менять или переделывать. Ваши цвета свежие, потому что они не перемешаны. Основной дизайн достаточно смелый, чтобы поддерживать картину и хорошо читаться на расстоянии.

У многих людей, которые посещают мои семинары, создается впечатление, что они будут учиться рисовать быстро и яростно. Поэтому я сразу объясняю, почти извиняясь, что мой подход лучше описать как осознанный. В конце концов, любой может рисовать быстро и яростно. Дайте краску двухлетнему ребенку и наблюдайте за скоростью и энергией. Мой метод в основном предназначен для репрезентативных художников, которые хотят отказаться от принуждения к рисованию в мельчайших деталях, которое мешает им быть более выразительными.

Основа постоянства

Возникает вопрос: как добиться художественной уверенности, необходимой для создания картин, которые выглядят именно так? Мне потребовались годы, чтобы отточить основные инструменты, которые помогли мне постоянно становиться лучше как художник. Последовательный — ключевое слово здесь. Пока я экспериментировал со своим методом, я создавал картины, которые иногда удавались, а иногда и вовсе не удавались.Чтобы добиться последовательности в своей работе, я должен заранее знать, что я заложил необходимый фундамент, на котором можно построить сильную, прочную картину.

Мой метод основан на трех строительных блоках. Эти ключи закладывают прочную основу, позволяющую художнику уверенно рисовать. Как только эти инструменты будут поняты, применены на практике и реализованы, двери широко откроются для гораздо более свободного опыта рисования.

От записи к дизайну

Первым и, на мой взгляд, самым важным строительным блоком является понимание и видение упрощенных отношений ценности. В течение многих лет я слышал слово «ценность», и мне говорили, как важно искать правильные ценности. Значение относится к относительной светлоте или темности цвета. Я понял важность определения приблизительного значения цвета по шкале от 1 до 10. Но я не совсем понимал, как это улучшит качество моих картин.Понимание того, как определить светлый или темный цвет, очень важно. Однако умение группировать схожие значения не менее важно для создания более смелого базового дизайна.

Наконец, ключевое значение имеет изучение того, как взять этот дизайн и изменить его, чтобы создать более четкое и читаемое изображение. Нам часто приходится использовать «художественную лицензию», чтобы изменить значения того, что мы видим, на значения, которые лучше работают в качестве картины. Например, если я рисую объект среднего тона на фоне среднего тона, я часто делаю фон либо светлее, либо темнее, чтобы мой объект выделялся более резко.Моя цель — сделать хорошую картину, а не точно передать то, что я вижу. Часто наш объект не идеально расположен или освещен. Мы должны иметь возможность сдвинуть горы — или изменить их размер и форму — и изменить значения того, что мы видим, чтобы наш объект легко читался и в результате получился сильный рисунок.

Строительство на черном и сером

В 1980-х я пошел в школу, чтобы изучать графический дизайн, режиссуру и иллюстрацию.На протяжении всей своей карьеры я приобрел опыт в создании графических иллюстраций и логотипов для различных клиентов. Тогда у нас не было персональных компьютеров, поэтому все делалось вручную. Инструменты, которые я использовал для своей работы, были черными и средне-серыми маркерами. Изображения, которые я создавал, должны были быть четкими и легко читаемыми в определенных приложениях, таких как: черно-белая газетная реклама, в которой использовались очень грубые экраны; факсимильные аппараты, которые в то время были зернистыми и некачественными; и пакеты канцелярских принадлежностей, которые требовали уменьшения дизайна до размера визитной карточки.

Я не работал в цвете, пока не убедился, что мои идеи работают только в черно-белом (и, если повезет, в сером). Если мой дизайн прошел этот тест, я был готов представить его клиенту. Как только дизайн был одобрен, я перешел к следующему этапу, переводя дизайн в цвета с помощью цветных карандашей и маркеров.

Притормозите, чтобы рисовать быстро и свободно

Этот опыт оказался бесценным, поскольку помог мне перейти к разработке композиций, которые я буду использовать для своих картин.Многие преподаватели скажут вам, что каждая хорошая картина имеет сильный замысел. Хитрость заключается в том, чтобы научиться создавать упрощенные планы стоимости, чтобы вы знали, еще до того, как возьмете кисть, что у вашей картины очень хорошие шансы на успех. Этому обычно не учат, потому что это довольно сложно преподавать.

Многие ученики хотят сразу же начать рисовать, чтобы нарисовать именно то, что они видят. Я это понимаю, потому что я тоже.Но путем проб и ошибок я понял, что рисую с гораздо большей уверенностью, когда рисую, имея перед собой план значений, на который я могу ссылаться в процессе рисования. Я всегда призываю студентов замедлиться и работать над планом значений, который поможет им не сбиться с пути в композиции, и только потом переходить к цвету.

Сила ценностного плана

Второй блок может преобразовывать значения в смешанные цвета.Каждый цвет краски имеет определенное значение, и для того, чтобы ваша картина читалась правильно, необходимо обратить внимание на то, чтобы цвета переводились в правильные значения. Например, диоксазиновый пурпур прямо из тюбика соответствует темному тону, желтая охра — среднему тону, а лимонно-желтый кадмий — светлому тону. Очень легко определить значения некоторых цветов. Другие цвета, особенно очень насыщенные, яркие цвета кажутся намного светлее, чем они есть на самом деле.

Чтобы увидеть истинное значение цвета, нужно прищуриться, полузакрыв глаза.Ваши ресницы действуют как затемняющий фильтр, который блокирует часть света и помогает вам воспринимать яркость или темноту цвета. Например, блестящий красный или оранжевый кадмий на первый взгляд может восприниматься как светлая величина. Однако, если вы проведете его мазком по средней серой палитре, а затем присмотритесь к цвету, вы увидите, что это среднее значение. Это оптическая иллюзия насыщенных (ярких, сочных) цветов. Именно по этой причине я всегда работаю с нейтральной серой палитрой, так как я постоянно щурюсь на свои цвета, смешивая их, чтобы увидеть их реальную ценность.

Удары уверенности

Третий блок – выразительная кисть. Мне нравится внешний вид мазков, которые энергичны, жестикулируют и не суетливы.Этот тип работы кистью можно выполнить только с помощью мазков, которые помещаются, а затем оставляются в покое. Я пытаюсь смешать правильное значение и нанести штрих в форме, которая помогает определить форму. Другими словами, я стараюсь сделать как можно больше каждым ударом.

Эта экономия мазка приводит к свежей и чистой работе кисти. На своих семинарах я даю студентам специальные упражнения, которые можно выполнить только с помощью больших кистей и очень небольшого количества мазков. Для многих это совершенно новый опыт.Легко попасть в привычку мазать свои штрихи — часто бессознательно — пока обдумываете, что делать дальше. Я считаю, что мазок снижает жестикуляцию мазка. Я призываю учащихся один раз записать свой цвет и сознательно оставить его в покое.

Хотя в создании успешной картины есть много аспектов, мой личный опыт показывает, что наличие надежного плана и методологии способствует уверенности, необходимой для того, чтобы рисовать смело и небрежно.Я предпочитаю делать тяжелую работу в самом начале, разрабатывая свои значения и композицию, чтобы я мог быть более игривым и выразительным с цветом и кистью.

Демонстрация: Soho Florist

Материалы

• Блокнот Strathmore Toned Grey Sketch 51⁄2×81⁄2
• Золотые тяжелые краски для тела: хинакридоновый пурпурный, ализариновый малиновый, кадмий красный светлый
• Yellowochre, кадмий первоцвет желтый, фталосиний (зеленый оттенок), церулеан синий, ультрамарин синий, титановый белый , жженая сиена или жженая умбра
• Princeton Catalyst Polytip Brushes.плоские, №№ 2, 4, 6, 10, 12 и 16, а также риггер или кисть для письма
• Палитра Grey Matters
• Мягкие угольные палочки из виноградной лозы
• Белый мел или пастель
• Ластик

Шаг 1

Это типичный эскиз, который я создаю перед тем, как начать рисовать. Я разрабатываю базовый дизайн в нейтральном сером альбоме размером 5,5×8,5 и использую мягкий виноградный уголь, чтобы имитировать мои самые темные оттенки, и белый мел, чтобы решить, где будут мои самые светлые оттенки.

Шаг 2

Я использую сетку своего квадратного наброска, чтобы пропорции были такими же, когда я перевожу его на гипсовую доску 12×12. Я использую черный левкас, чтобы покрасить гипсовую доску, и белый карандаш, чтобы нарисовать предварительный набросок.

Шаг 3

Я начинаю со среднего значения красного цвета, так как мои темные цвета уже находятся на своем месте на черном фоне.

Шаг 4

Затем я начинаю размещать темные оттенки холодных цветов.

Шаг 5

После размещения нескольких темных и средних значений я добавляю несколько светлых значений.Это помогает мне увидеть взаимосвязь цветов и гарантирует, что я придерживаюсь своего плана.

Шаг 6

По мере того, как картина развивается, я часто прищуриваюсь, чтобы убедиться, что я следую наброску, который создал в начале.

Шаг 7

Я стараюсь не слишком заморачиваться с мелкими деталями, предпочитая, чтобы структура тележек, ящиков, фруктов и других элементов сливалась с помощью цветов и значений, которые я выбираю.

Шаг 8

Несмотря на то, что это сложная сцена с множеством элементов, кисть нечеткая, потому что я уверен в своем плане значений и поэтому мне не нужно перекрашивать какие-либо штрихи или пассажи.

Знакомство с художником

Патти Моллика считает, что красоту любой сцены — будь то сад или оживленная улица Нью-Йорка — художник может воплотить в жизнь. Моллика работает маслом и акрилом. В своей книге Modern Acrylic она исследует, как акрил дает художникам универсальность и средство для личного самовыражения. Среди других ее книг: Теория цвета и Начало работы (акриловые краски). Ее работы хранятся в частных коллекциях, а также в совместных коллекциях American Express, Sheraton Hotels, CBS и RCA Records, Penguin Press, Mellon Bank и многих других. Посетите ее веб-сайт по адресу pattimollica.com.

Патти Моллика также является членом жюри конкурса AcrylicWorks 9.

Черно-белая абстрактная золотая рамка.Наш Абст

Биргит О’Коннор и мир акварельной живописи

Когда я впервые начал рисовать много лет назад, художественный магазин, где я провел свою первую демонстрацию, подарил мне самую большую кисть, которую я когда-либо видел, №30.

Я понятия не имел, что с ней делать и как ею пользоваться, она была ужасно неудобна в моей руке, я подумал, что кисть, которую мне дали, была хороша, поэтому я просто отложил ее в сторону, потому что большая часть моих кисти, с которыми я работал в то время, были меньшими №3, №8, №10 и, возможно, самой большой кистью №12.

Однажды мне надоело возиться с мазками, и я захотел упростить свой стиль рисования и увеличить размер своих картин. Мне было сложно получить желаемые результаты с большинством моих кистей, и я многому научился, просто тестируя разные марки и типы кистей.

Большинство из них были либо слишком мягкими и слабыми, либо жесткими, поэтому я попробовал кисть из демонстрации, и она прекрасно сработала, я не только смог увеличить размер своих картин, но и вырос как художник.

Посмотреть на YouTube https://youtu.be/6BP7z-o_ocs

Если вы видели какие-либо из моих ранних видеороликов или демонстраций, то вы бы заметили мою кисть с белой ручкой, и с годами наконечник ослаб, и я хотел поделиться этой замечательной кистью со своими учениками, поэтому я искал, и это было негде. быть найденным. Я нашел альтернативу, которая работала почти так же хорошо, но мне по-прежнему нравилась моя оригинальная кисть с белой ручкой, и, поскольку я не мог направить своих учеников к этой щетке, я отложил ее в сторону и сосредоточился на других.

Самое смешное, что спустя 20 лет или около того, однажды я обнаружил, что борюсь с листом бумаги для демонстрации, где размер просто не работал для меня, я схватил эту старую кисть, и я почувствовал себя как старый друг, комфорт и легкость того, как хорошо это сработало, я подумал просто еще раз осмотреться, и я нашел его, я был ошеломлен.

В видео вы сможете увидеть кисть, которую я тестировал еще раз в первый раз, и, возможно, вы захотите изучить ее самостоятельно.

Теперь вы сможете найти их в моем магазине. теперь я ношу кисти в своем магазине на моем сайте www.birgitconnor.com

Посетите мой магазин Щетка для мытья кошачьего языка  

Блог

Онлайн-курсы

Драма силуэтов очаровывает коллекционеров

Силуэты, вырезанные из бумаги, всегда восхищали меня. Идея о том, что художник может создать образ человека или даже целой сцены, просто разрезая бумагу, удивительна.Кроме того, простая элегантность черного силуэта, наклеенного на белую бумагу, драматична и создает великое искусство.

Должно быть, поэтому старинные вырезанные из бумаги силуэты остаются популярными среди коллекционеров. Эти образы, сначала получившие название «тени», привлекают даже новых любителей антиквариата. Вырезание бумаги, которое теперь часто называют голландским или немецким термином Scherenschnitte, — это искусство, требующее острых лезвий и острого глаза.

Резка по бумаге существует уже несколько столетий, хотя недавно эта техника возродилась.Возможно, из-за скрапбукинга инструменты и наборы для резки бумаги становятся все более популярными.

Искусство из бумаги существует уже давно. Древнее китайское и японское искусство использовали эту технику, а в 18 веке это ремесло восприняли многие европейские культуры, включая Польшу, Италию, Голландию, Швейцарию и Германию.

Немецкая форма состоит из сложенной бумаги и вырезанных фигур, но другие стили и национальности используют отдельные листы и затемненное изображение профиля. Большинство из них вырезаются и вставляются из силуэта, но есть также версия, известная как полая вырезка, когда художник вырезает изображение, оставляя негативное изображение дизайна, которое затем вставляется в фон.

Старые документы иногда имеют края, обрезанные бумагой, чтобы украсить их, и валентинки часто украшаются этой кружевной деталью. Даже дети научились резать бумагу и создавать некоторые из сокровищ, которые сегодня можно найти в антикварных магазинах и на аукционах. Ножи, бритвы и ножницы — это инструменты, которые творческие художники, работающие с бумагой, сваривают, как кисть.

Профили часто были вырезкой странствующих мастеров, которые путешествовали из города в город, вырезая изображения людей, мест и вещей, чтобы заработать на жизнь.Эти простые изображения были очень ценными в дофотографическую эпоху и с гордостью демонстрировались.

В федеральный период немцы и швейцарцы, поселившиеся в Пенсильвании, стали и до сих пор известны своим народным искусством вырезания из бумаги. Некоторые вырезают профили, другие вырезают фото в полный рост. Цвет бумаги также различался, хотя обычно использовались черный и серый цвета. Также использовались сепия и коричневый цвет.

На многих ранних американских силуэтах изображены государственные деятели или важные фигуры, такие как Джордж и Марта Вашингтон.

Еще один тип силуэта, который часто можно найти в антикварных магазинах, — это стиль с обратной росписью. Это не изображение, вырезанное из бумаги, а картина, обычно нарисованная черной краской по стеклу. Часто стекло вогнутое, а иногда матовое (фон) содержит цвет и фоновую сцену.

Большинство этих нарисованных силуэтов датируются 1930-ми годами, поэтому они не так стары и не так ценны, как настоящие антикварные силуэты 17-го и 18-го веков. Они могут быть проданы в хороших антикварных магазинах или на распродаже за сотни долларов.

Знакомство с силуэтами требует глубоких знаний техники, обрамления и дизайна. Имена артистов также важны, так как многие из очень старых подписаны. Силуэты 17-го и 18-го веков часто известны и исследуются, что способствует происхождению и инвестиционному качеству этих прекрасных предметов антиквариата. Некоторые из самых громких имен — Дойл, Эдуарт, Метфорд и Пил.

Замечательный ресурс для старинного искусства силуэта находится на веб-сайте любителей народного искусства и Америки Пегги МакКлард и Рэнди Сеготты (mcclardsegotta.ком).

Последние новости дня и многое другое в вашем почтовом ящике

автопортретов Ван Гога Бесконечное и обыденное

В письме своему брату Тео Винсент Ван Гог писал: «Я хотел бы изобразить мужчину или женщину с тем je ne sais quoi вечного, символом которого когда-то был ореол и который мы пытаемся передать. достичь через само сияние, через яркость наших красок».

Что было глубоко в душе этого художника, так это вечность, увиденная как в бесконечном, так и в обычном – JE

Автопортреты Ван Гога часто (неверно) интерпретировались с точки зрения его беспокойной жизненной истории вместо того, чтобы обращать внимание на то, что он говорит о них в своих письмах.Ван Гог. Автопортреты пересматривают этот аспект его творчества и помещают его самопредставление в контекст, чтобы показать роль, которую оно играет в его творчестве. Удивительно, но это первый раз, когда на выставке исследуется весь период автопортрета Ван Гога; на всем пути от его раннего Автопортрета в темной фетровой шляпе, созданного в 1886 году в период его становления в Париже, до Автопортрета с палитрой, написанного в приюте в Сен-Реми-де-Прованс в сентябре 1889 года. из его последних автопортретов перед смертью в 1890 году.То, что мы находим, — это сияние вечного в яркости цвета.

Винсент Ван Гог Автопортрет с перевязанным ухом 1889

Творчество Ван Гога выходит из мрака его первой великой работы Едоки картофеля или, в данном случае, Автопортрета в фетровой шляпе через осветление его палитры в результате растущей уверенности в использовании цвета, изначально обретенной благодаря его глубокому интересу к Импрессионистское и неоимпрессионистское искусство. Начало этого изменения можно увидеть здесь с Автопортретом 1887 года, который перед этой выставкой был очищен от желтого лака, скрывавшего его яркие цвета.

Этот переход к цвету сопровождается более свободными, пастозными мазками, часто построенными в виде кругов, которые имитируют или отражают солнце, создавая цветное освещение. В его работах солнце символизирует присутствие Христа, а желтый цвет подразумевает божественное присутствие. Это перемещает его от реалистичной игры света на лице, которую он эффективно использует в «Автопортрете в фетровой шляпе», к изображению света вечности через цвет и рисунок. Он делает это двумя разными способами. Первый заключается в создании ореолов с помощью других средств, а не кругов из сусального золота.В таких работах, как «Сеятель с заходящим солнцем», он размещает желтое солнце позади Сеятеля, чтобы создать эффект ореола, а здесь, в «Автопортрете в серой фетровой шляпе», он использует фон из оранжевых точек, наложенных на длинные синие мазки, чтобы создать эффект ореола. то же самое.

Второй — создать внутренний свет, используя жирную штриховку, расходящуюся от носа наружу, чтобы создать эффект круга или ореола на лице или исходящий от лица. Опять же, Автопортрет в серой фетровой шляпе представляет собой отличный пример внутреннего света, исходящего изнутри.Тем не менее, его наиболее яркое использование происходит с Автопортретом 1887 года. Мазки, исходящие от лица, почти электрические по своей силе, простираясь вверх к его волосам, которые буквально встают дыбом, и вниз к его халату, который становится гибким и плавным. И все же это свет, внутренний свет, исходящий от этих светящихся линий цвета молнии. Его друг, художник Эмиль Бернар, говорил о «огненных лицах» Ван Гога, и нет лучшего выражения для этого эффекта. Все это для того, чтобы изобразить сияние вечности.

Автопортреты, описанные Бернаром как «пламенные лица» Ван Гога, были выставлены в 1887 году в Le Grand Bouillon-Restaurant du Chalet на Монмартре вместе с работами Анри Тулуз-Лотрека, Бернара, Луи Анкетена и Арнольда Конинга. Они показывают Ван Гога в его самом экспериментальном виде, когда эти цветовые пятна действуют скорее как маска, закрывающая лицо, чем как средство репрезентации.

Винсент Ван Гог Автопортрет в образе художника 1888

Собранные здесь 16 автопортретов составляют примерно половину тех, что он создал за свою карьеру, последний из которых, написанный в период, когда его душевное расстройство было наиболее выраженным, является одним из самых мирных и цельных из представленных.Опять же, демонстрируя, в какой степени жизненный опыт Ван Гога часто читался в картинах способами, которые противоречат самим картинам.

На выставке также представлены «Портрет Юджина Боха» и «Кресло Ван Гога». Они, хотя и не автопортреты в обычном смысле, включены как изображения, раскрывающие аспекты образа Ван Гога, и как работы, которые сыграли важную роль в формировании этого образа. Например, в своем портрете бельгийского живописца Боха Ван Гог стремится передать свой образ идеального художника, того, кто «грезит великими мечтами».Позади Боха Ван Гог нарисовал звездное небо — один из своих излюбленных мотивов — для обозначения «бесконечности». Таким образом, Евгений Бох нарисован с тем «je ne sais quoi вечного», о котором Ван Гог писал и пишет: следовательно, проекция его собственной художественной идентичности.

Стул Ван Гога, напротив, скромный и домашний; часть его желания преобразить обыденное и приземленное, которое проявляется на протяжении всей его работы, начиная с «Едоков картофеля», где он видит, по словам Макото Фуджимуры, «священный, теплый свет» и далее.Нарисованное как контрастная пара со Стулом Гогена, простота и скромность Стула Ван Гога выражает его давнюю близость к крестьянскому образу жизни и, таким образом, претендует на роль символического «автопортрета».