Ар Деко и мода — История костюма — LiveJournal

 В галерее Зураба Церетели проходит выставка «Ар Деко и мода. Золотые 20-е!»
 Я в восторге!:) Выставка великолепно организована. Она дарит возможность заглянуть в романтическое прошлое «ревущих 20-х», почувствовать аромат эпохи джаза.

 Стиль Ар Деко по образному выражению Скотта Фицжеральда был сформирован «всей нервной энергией, накопленной и растраченной в войне». Пружина, так сильно сжатая войной, наконец разжалась и эффект был стремительным и неожиданным. Жесткие традиции моды предыдущих десятилетий быстро сменялись под влиянием новых идей в искусстве, архитектуре и музыке, новых исторических открытий, новых технологий.

 Временем появления этого стиля можно смело назвать 1918 год — той осенью закончилась Первая Мировая война, приведшая к огромным изменениям в парадигме этого мира.

 Эйфорическое ощущение победы охватило общество, и, слившись со звуками привнесенного войной из США новомодного джаза, оно потребовало срочных перемен и в модном женском силуэте.

В первую очередь, период 1920-х годов знаменит новой концепцией женского тела — не «бельфамистой», то есть пышногрудой фигуры femme fatale, а стройной, спортивно-подтянутой и узкобедрой фигурки Garconne.

 Женщина нового десятилетия старалась во многом быть похожей на мужчину — водить автомобиль и аэроплан, работать с утра до вечера, курить в обществе, заниматься спортом, купаться и загорать на смешанных пляжах, пить шампанское и лихо танцевать чарльстон или фокстрот. С легкой руки Голливуда, чьи немые фильмы во многом способствовали распространению моды Ар Деко во всем мире, вошел новый тип беззаботной девушки с короткой стрижкой и ярким макияжем в стиле «вамп», мечтавшей о романах с миллионерами, роллс-ройсах, шампанском и полуночных танцах. Эти юные создания получили прозвище «флэппер» ( от английского слова «хлопушка»). Для подобного образа жизни требовались новые, отражающие запросы той бурной эпохи платья, вовсе не похожие на вышедшие из моды силуэты прошлых лет.

 Следует отметить и геополитические причины изменения женской моды в ту пору. Так из праха возродилась Польша, на карте образовались Литва, Латвия, Эстония, Чехословакия, Венгрия и Румыния, а на обломках австро-венгерской монархии родилось королевство Югославии. Рождение этих новых государств мотивировалось в первую очередь их культурной уникальностью и неповторимостью. А значит, в связи с этим, возник интерес к их национальному искусству, фольклору, орнаменту и костюму.

 Мода моментально взяла на вооружение орнаментальную часть восточно-европейского фольклора, особенно вышивок. Ведь во время недавней войны множество ткацких фабрик, ранее вырабатывавших великолепные шелковые ткани на нужды модной индустрии, были вынуждены волею судеб переквалифицироваться на нужные армии ткани для обмундирования, и первые послевоенные сезоны в моде нового направления ощущалась очевидная нехватка роскошных материалов. Так в моду вошла ручная вышивка, неотделимая от концепции стиля Ар Деко в 1918-1929 годы, то есть до периода экономического кризиса осени 1929 года, повлекшего за собой Великую депрессию и рождение совсем другой моды.

Среди вышивок на платьях тех лет особенно заметны славянские и русские мотивы, чья популярность поддерживалась небывалым притоком русских беженцев в страны Европы из послереволюционной России.

 

 

 

 Главные изменения силуэта в тот период коснулись длины платьев, которая постепенно поднималась все выше и выше, пока не достигла шокировавшей тогда многих ретроградов поколенной длины. Другие изменения коснулись линии талии, которая в 1920-е годы окончательно упала низко на бедра. Новое положение талии позволило совершенно выпрямить силуэт женских платьев, сделав их почти геометрически прямоугольными, что вторило стилю архитектуры, живописи, убранству интерьера и орнаментам периода Ар Деко. Сам термин «Ар Деко» пришел в моду лишь в 1925 году, когда в Париже открылась международная выставка «Des Arts Decoratifs». Много павильонов имели строго выдержанные геометрические формы пирамиды, призмы или конуса, тем самым задавая тон всему визуальному пространству той творческой эпохи.

 Интерес к пирамидам был вовсе не случаен: в 1923 году английский археолог Картер открыл ранее неизвестную гробницу забытого египетского фараона Тутанхамона. Обилие золотых украшений египетского стиля, мебель и предметы быта, найденные там, стали мировой сенсацией и вызвали волну так называемой «египтомании», сильно повлиявшей и на модные тенденции — появление «египетских платьев», шляп, серебряных каирских шалей, оригинальной обуви и украшений, моды на псевдоегипетские прически и грим, характерные позы манекенщиц на модных фотографиях тех лет.

 

 

 Культ молодости — это изобретение 20-х годов. Тот, кто хотел идти в ногу со временем, должен был быть мобильным и беззаботным. Жили на пределе, обгоняли на автомобиле старые экипажи, заправлялись алкоголем как топливом, заглушали гложущие чувства голода или вины опиумом и танцевали до упада. Лучшего средства поддержания стройности не существовало. Ведь она должна была непременно быть худенькой, эта garconne ( «женщина-мальчик» ) 20-х годов.

 Так их стали называть после романа Виктора Маргеритта «Мальчик», опубликованного в 1922 году. Несмотря на то, что эту книгу расценили как порнографию, так как в ней описывались женщины, которые коротко стриглись, делали карьеру, носили мужскую одежду и предавались свободной любви, роман стал бестселлером, а его главная героиня на протяжении многих лет была примером молодой женщины в стиле «унисекс», которая из принципа предпочитала делать все то, что вызывало скандал или было запрещено.

 Иначе она, видимо, получала бы мало удовольствия. Мужчин катастрофически не хватало…Кто же в такой ситуации станет мечтать об идеале обеспеченной и потому беззаветно преданной жены и матери? Ведь лучше было изображать роковую женщину-вамп, в духе тех, что производили фурор в кино. И потому они пользовались косметикой, брились и опрыскивали себя духами так, будто все они были звездами экрана.

 В остальном мальчишеский облик не предусматривал наличия признаков пола. Волосы можно было коротко постричь, но куда делись грудь, живот и бедра? Конечно, спорт и всевозможные диеты входили в обязательную программу современной женщины, и новые эластичные корсеты делали плоским все, что прежний корсет когда-то подчеркивал.

 

 Что касается аксессуаров, то важна была не стоимость, а шокирующий эффект. Поэтому бесконечно длинный мундштук, который мог быть так провоцирующе двусмыслен, пользовался еще большим успехом, чем безумно длинная нить жемчуга, причем совсем необязательно настоящего.

 

 

 Обувь «сумасшедших лет» была рассчитана на танцы. Поэтому и сшиты туфли были так, чтобы не соскользнуть с ноги. Туфли с ремешком — это символ золотых двадцатых, времени буйных вечеринок и танцевальных марафонов. Верхом экстравагантности была танцевальная обувь из той же ткани, что и выходное платье.

 Теплые пальто с меховым воротником и дорогой вышивкой на рукавах вошли в моду по необходимости: как иначе можно было не замерзнуть в крошечных платьицах?
Пуаре тут же создал подходящую шляпку.

Анна Павлова

 В «черную пятницу», крах на бирже 25 октября 1929 года, закончилась короткая эра золотых двадцатых.

Окунуться в эпоху джаза мне помогли книги:
Шарлотта Зелинг «Мода. Век модельеров»
Александр Васильев, Назим Мустафаев «Ар Деко и мода» 

Стиль арт-деко в одежде — основные черты образа

Отправляясь на светский раут или торжественный прием, многие женщины теряются в непростом выборе вечернего наряда. В самом деле, какой лучше предпочесть образ – возвышенный романтичный, артистический экстравагантный, а может быть, клубный диско? Но каждый из них требует особого подхода и соответствующей атмосферы.

Чтобы не ошибиться с выбором, стилисты рекомендуют обратить внимание на трендовый ретро-стиль арт-деко. В одежде эпохи прошлых лет на праздничном вечере вы будете неотразимы и обаятельны. Эффектный наряд, украшенный множественным декором, придает даме легкую театральность и загадочность.

Истоки стиля

Еще в начале прошедшего века эталоном женской красоты были пышные формы и миниатюрная талия. Дамы предпочитали тугие корсеты, пышные юбки с турнюрами и завивали волосы в шикарные локоны. Тяготы и беды Первой мировой войны внесли глобальные изменения в жизнь людей. Феминизм достиг необычайных высот в борьбе женщин за равные права с мужчинами. Преобразования коснулись всех сторон жизнедеятельности, что не могло не отразиться на костюме.

 В 1925 году в Париже, общепризнанной столице мировой моды, прошла выставка декоративных искусств Arts Décoratifs (фр). В представленных проектах архитектуры, дизайнах интерьера, народных промыслах отмечалась помпезность, вычурность и невероятное количество декоративных элементов. Все это символизировало переход на мирные рельсы и надежды людей на стабильность и обеспеченность.

 Крупное мероприятие на несколько лет вперед определило жизненный стиль Европы, а термин арт-деко стал созвучием послевоенной моды. В числе первых лиц, стоявших у истоков развития новаторского тренда, находились Роман Эрте (Тыртов) и Поль Пуаре. Это были яркие представители художественной богемы и талантливые французские кутюрье, прославившие своим искусством самые известные глянцевые журналы того времени.

Модная характеристика арт-деко

На Парижской выставке многочисленным гостям представили новые дорогие ткани, необычные цветовые решения и модели с нетривиальными геометрическими формами. Силуэты арт-деко были результатом симбиоза двух стилевых направлений модерна и неоклассицизма. В одежде модного течения удачно совмещались тонкие мотивы древних греков и египтян, изящные элементы культуры народов майя и ацтеков с резкими очертаниями кубизма и категоричностью русского конструктивизма.

 Женская одежда отличалась простым кроем, обильно дополненным изящными драпировками, многоярусными складками. В костюме арт-деко обязательно присутствовали многочисленные аксессуары и дорогие украшения.

 Прямые платья, свободно ниспадающие с плеч, с заниженной линией талии успешно скрывали плавные очертания фигуры, создавая мальчишеский типаж. Своим видом они подтверждали торжество эмансипации. Но женская сущность оставалась неизменной и требовала внешнего проявления. Это выражалось в обязательном наличии декора, создающего иллюзию роскоши и богатства.

Типичные черты в женском гардеробе art deco

 

Самой популярной одеждой были платья длиной чуть ниже колена, превращавшие дамскую фигуру в прямоугольник. Смещение талии вниз либо полное ее отсутствие визуально вытягивало силуэт, делая женщину выше и стройнее. Большая часть моделей задумывалась без рукавов, с открытой спиной и глубоким декольте.

Изысканный вид одежде создавали дорогостоящие материалы бархат, велюр, шелк, атлас. В моде были яркие принтованные ткани с изображениями геометрических фигур и абстрактных рисунков. Чтобы придать изделиям помпезный вид, их обильно расшивали блестящими пайетками, бисером, камнями, кружевами. Популярными украшениями были перья, меха, бахрома, искусственные цветы.

Главный акцент делали на изысканные и утонченные аксессуары. В моде были отделанные стразами сумочки ридикюли, удлиненные серьги, многочисленные бусы, браслеты, кольца.

Особое внимание уделялось головным уборам, без которых ни одна женщина не появлялась на людях. Типичная шляпка в стиле арт-деко имела фасон cloche, лаконичной формой напоминавший цветочный колокольчик. Визитной карточкой модного тренда были также повязки и ободки с обязательным декорированием.

Стиль арт-деко в одежде 21 века

Сегодня ретро тренд в чистом виде приветствуется на тусовочных вечеринках и тематических балах. Но это вовсе не означает, что у него осталось только узкое направление. В повседневной одежде сохранились общие черты простого кроя, при этом уменьшилось количество нарядных деталей. Драпировки теперь выглядят скромнее, вышивки и  украшения отличаются сдержанностью.

 Вместе с тем наряды в стиле art deco должны смотреться дорого и эффектно. Поэтому декоративные элементы для них следует подбирать только из числа качественных материалов: кружева, вышивки, ленты, стразы. Для пошива платьев лучше выбирать бархат, натуральный шелк, атлас.

 Наиболее подходящим видом обуви являются туфли лодочки на невысоком каблуке, сандалии с переплетенными ремешками или ботильоны. Дополнить образ помогут аксессуары, подобранные со вкусом и тщательностью. Можно использовать элегантные шляпки, миниатюрные сумочки, кружевные перчатки, украшения из драгоценных и полудрагоценных материалов.

Большое внимание следует уделять прическе и макияжу. Длинные волосы укладывают волнами и закрепляют тонкой сеточкой. Темные тени и сочная помада ярко смотрятся на осветленной коже, создавая эффектный контраст.

 

Нестареющий стиль арт-деко не обходят своим вниманием современные звезды экрана и шоу бизнеса. Их появление в ярких вычурных образах вызывает бурю эмоций у поклонников и вызывает желание подражания модному стилю. Достаточно посмотреть на фото Шарлиз Терон, Николь Кидман, Кристины Агилеры, Хайди Клум и прочих общепризнанных модниц, чтобы понять простую истину – платья эпохи вековой давности по-прежнему выглядят свежо и ново.

Facebook

Twitter

Вконтакте

Google+

Стиль Art Deco в моде и одежде

Стиль Арт Деко – это модное направление, в основе которого лежит одноименное течение в искусстве. Стиль обладает настоящим воплощением женственности, шарма, роскоши и некой простоты исполнения. Это стиль 20-х годов со своими четкими правилами и границами допустимости. Одежду арт деко в современной моде невозможно отнести к повседневной. Такие наряды, в своем роде, уникальны, с индивидуальной дизайнерской задумкой и больше подходят для особых случаев и значимых мероприятий.

История стиля Арт Деко в одежде

Истоки модного направления переносят нас в Париж 1925 года, на выставку современных декоративных и промышленных искусств – Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, откуда Arts Décoratifs позже сократилось до Art Déco. Если рассмотреть время, в котором зародилось направление арт деко в моде, следует вспомнить историю тех времен. Так, Первая Мировая война подошла к концу и тем самым положило началу новой эпохи. Царившая нестабильность в социальных кругах и экономической сфере наносила разлад в обществе. И выставка 1925 года стала первой весточкой в налаживании мира в привычной мирной жизни. Таким образом, Франция решила продемонстрировать, что даже война не помешала стране оставаться главной законодательницей моды и стиля.

Послевоенное время стало настоящей компенсацией для большинства жителей Европы после 4 лет лишений и потерь во время войны. Где послевоенный стиль Арт Деко в одежде приобретает все больше вычурности, яркости и помпезности. Роскошный вид стиля пришелся по душе многим модницам и он был быстро подхвачен не только Францией, но всей послевоенной Европой.

Первые модели направления арт-деко сочетали в себе смешанные элементы различных стилевых течений и мотивов. Сюда входили восточные элементы, модерн, русский конструктивизм, кубизм и абстракционизм. Все эти течения создавали одежду в стиле Арт Деко в ярком и довольно необычном исполнении. А необычные узоры, геометрические принты и цветовые сочетания делали наряды претензионными.

Одежда Арт Деко особенно выделялись в балетные «Русские сезоны». Так творческая деятельность знаменитого театрального деятеля Сергея Дягилева стала настоящим источником вдохновения для поклонников стиля Арт Деко. На протяжении 20 лет с 1909 по 1929 года русские балетные сезоны покорили целый мир необыкновенными костюмами актеров и яркими декорациями. Все это дало мощный толчок в становлении и развитии модного направления арт деко.

Арт Деко – характерный стиль в одежде

Смелый образ в данном стилевом направлении собрал в себя, практически, несочетаемые элементы. Тут присутствуют эпатажность и в то же время сдержанность, элегантная утонченность и яркая чрезмерность. Давайте рассмотрим, какими основными чертами обладает стиль Арт Деко в одежде.

После пережитой войны, Европу охватило такое явление как эмансипация. Женщины ставили себя наравне с мужчинами и старались ни в чем им не уступать. Это нашло отражение и в одежде. Так наряды перестали подчеркивать женскую фигуру, а красивыми считались худощавые девушки, что смахивали на юношей. Для модного направления 20-х годов характерны мягкие извилистые или прямые линии пошива одежды без акцента на талии.

Но все же, прекрасная половина человечества стремилась выглядеть как женщина. Чтобы как-то продемонстрировать свое тело, наряды изготовлялись с вырезами, разрезами. Платья в стиле Арт Деко выполнялись с открытыми плечами и открытой спиной. В нарядах присутствовал декор в виде изящных соблазнительных кружев, а ткань для пошива выбиралась либо полупрозрачный шифон и шелк, либо нежный бархат.

Стиль Арт Деко в одежде ярко выразился в дизайне платьев. Собственно только и созданием платьев характеризуется данное стилевое направление. Длина юбки могла быть любой. В моде были как длинные изделия до пола, так и сексуальные наряды до колен. Особый акцент делается на спине. Она может быть как полностью оголена, так и декорирована кружевами, бисером или бахромой.

Большинство платьев изготовляются без рукавов очень простого прямого кроя, что напоминает собой прямоугольник. Вся сложность исполнения заключается в их декорировании:

• к простым моделям из недорогой ткани добавлялись искусственные цветы, простые кружева, несложная драпировка;
• дорогие наряды в стиле Арт Деко расшивались камнями, бисером и пайетками вручную;
• самым распространенным рисункам служили абстрактные узоры или геометрические фигуры;
• также распространен был принт, который невозможно встретить в обычной жизни – образ павлинов, драконов, лебедей;
• нередка была отделка из натурального меха, перьев и бахромы.

Образ в стиле Арт Деко выглядит неполным без дополнительных аксессуаров. Самыми яркими аксессуарами выступают:

• головные уборы – шляпки, береты, ободки, ленты, сеточка-вуаль и перья;
• в качестве украшений использовались нити жемчуга, броские ожерелья, объемные серьги и браслеты;
• неотъемлемой частью стиля арт-деко являются перчатки;
• в качестве обуви выбор отдается простым и удобным лодочкам;
• дополнить образ можно небольшой сумочкой или клатчем.

Для стиля арт-деко совсем не свойственны брюки. Хотя некоторые модницы того времени все же включали их в свой образ. Для этого они выбирали модели прямых немного расклешенных брюк и сочетали их с блузками. А вот пальто в стиле Арт Деко вполне значимый элемент. Чаще всего он был выполнен в очень индивидуальном дизайне и обязательно с длиной выше колен на размер ладошки.

Всеобщее признание стиля Арт Деко

Первый дизайнер, который занялся выпуском одежды в стиле арт-деко считается Поль Пуаре. Он не остался в стороне всеобщего помешательства знаменитыми балетными постановками «Русских сезонов». В истории высокой моды модельер Поль оставил весомый след. В 20-е годы французский кутюрье создавал наряды, что вобрали в себя точные геометрические линии, которые сочетали в себе довольно простой силуэт пошива, но со сложной драпировкой. Столь яркое и индивидуальное исполнение нарядов было признано высокой модой и дало начало новому стилевому направлению.

Позже инициативу подхватили такие дома мод как: модный дом Шанель, Арманд, Мартиаль и Агнесс создавали свои творения. Столь популярный стиль в одежде в 20-х годах, платья в стиле арт-деко остаются актуальными и сейчас. Современное видение моды не остается без внимания к столь изящному исполнения вечерних туалетов. В коллекциях Alberta Ferretti ни раз были замечены элементы Арт Деко. К такому изысканному исполнению прибегал и знаменитый американский модельер и Ralph Lauren.

Именно стремление к празднику и произвело такое стилевое направление как Арт Деко. Ведь стиль вобрал в себя всю театральность исполнения и некую вычурность. Платья в стиле Арт Деко – это настоящее произведение искусства. Данное стилевое направление практически не претерпело изменений с тех времен. Изменения коснулись только тканей для пошива.

В современные дни большими поклонниками стиля арт-деко славятся исполнительницы Кристина Агилера, Шер, актрисы Николь Кидман, Эмма Стоун и модель Хайди Клум. Собственно, именно с красной дорожки платья Арт Деко снова вернулись в моду. Данному стилевому направлению посвящаются песни, снимаются киноленты и сериалы. Самыми яркими кино-работами стали экранизация фильма Великий Гэтсби и снятый сериал Аббатство Даунтон. Среди российских звезд особую любовь к данному направлению питает актриса и режисер Рената Литвинова. Образы в стиле Арт Деко у нее получается особенно прекрасно.

Выбрав себе яркий образ для вечеринки в стиле Арт Деко, я отправляюсь на поиски очередных модных новинок, ведь мне по-прежнему ✭ Нечего Надеть ✭

Mia Pas

Ар-деко: революционная эпоха расцвета моды

В каждой эпохе были свои символичные и культурно значимые явления и события, которые спустя годы и десятилетия вдохновляют дизайнеров, художников, архитекторов. В XX веке таких явлений было немало, и одним из них стало культовое направление в изобразительном и декоративном искусстве ар-деко. Все, от модных стрижек и до архитектуры, было подчинено ему на протяжении целых трех десятилетий – с 20-х по 40-е годы. И мода не была исключением.

 

 

Поствоенное время стало освобождением от традиционных ценностей викторианской эпохи, все казалось легко осуществимым и вседозволенным. Люди были лишены нормальной жизни на протяжении Первой Мировой войны и теперь старались компенсировать себе все то, что было потеряно. Жизнь была словно танцем под бешеные ритмы джаза, и именно поэтому одно из десятилетий получило название «ревущих двадцатых». Олицетворяющие новое поколение молодые девушки – флэпперы – использовали много косметики, надевали довольно вызывающие по тем временам наряды, имели собственные автомобили и обрели независимость от мужчин.

 

 

В 1922 году появляется первый цветной фильм, а в 1927 – полнометражная картина с музыкой и синхронной речью, что выводит кинематограф на совершенно новый уровень. В художественной, архитектурной и модной сфере царил эклектизм: этнические узоры, геометрические формы, блестящие материалы, буйство красок, четкость кубизма, новаторство модернизма и русский абстракционизм. Гремевшие на весь мир «Русские сезоны» Дягилева вдохновили дизайнеров приспособить яркие театральные костюмы и произведения изобразительного искусства для повседневной жизни.

 

 

Огромную популярность приобретают мастера драпировки Поль Пуаре и Мадлен Вионне, эксцентрик моды Эльза Скиапарелли дает начало спортивному стилю в высокой моде, Габриель Шанель придумывает маленькое черное платье и формирует новый образ современной эмансипированной женщины. Девушки стали заимствовать одежду из мужского гардероба, примеряя на себя брюки, тельняшки и куртки-авиаторы, в моду вошел прямой силуэт платьев с низкой линией  талии и четкая геометрия угловатых коротких стрижек. Платья, особенно вечерние, обильно украшались вышивками, бисером, стеклярусом и бахромой.

 

 

Адаптация ар-деко в XXI веке происходила на протяжении нескольких сезонов. Ralph Lauren, Nina Ricci, Lacoste, Alberta Ferretti – многие дизайнеры в разное время черпали вдохновение для своих коллекций в этой эпохе. Но не стоит слишком прозрачно копировать образы того времени. Вышивки и декор бисером или бахромой не должны быть слишком броскими, лишь завораживать своей необычной красотой. Ориентальные нежные мотивы отлично выглядят на спортивных бомберах, строгих лаконичных пальто и классических блузках.

 

 

Выбирайте один элемент наряда с четким геометричным линиями и фигурами, а если вы уверенно обращаетесь с сочетанием разных графических принтов, то смело составляйте необычные комбинации. Также в создании стильного образа помогут аксессуары и обувь. И то, и другое можно найти в новой коллекции CORSOCOMO FW’15-16. Вдохновляйтесь фильмами в стиле «нуар», произведениями Фрэнсиса Скотта Фицджеральда и почувствуйте дух прекрасной революционной эпохи вместе с нами.

 

Почему ар-деко снова в моде: новые правила стиля

05.06.2020 20:00 Содержание статьи:

Карина Батурова

Этот стиль появился почти сто лет назад, продержался на пике моды два десятилетия, снова обратил на себя внимание в 1980-х, триумфально вернулся в моду в 2017 году и по-прежнему не теряет актуальности. Почему ар-деко продолжает вдохновлять дизайнеров и как этот стиль выглядит сегодня?

Сто лет ар-деко

Стиль ар-деко появился во Франции в 1920-х и зарабатывал мировую популярность на протяжении двух следующих десятилетий. Это направление пришло на смену ар-нуво, не сумевшему пережить Первую мировую войну. Оба стиля культивировали декоративность, но если ар-нуво стремился создавать принципиально новое жилое пространство, копируя природные изгибы, ар-деко просто брал и объединял всё, что нравилось его создателям.

5 находок для вашей гостиной из ТК «Ланской»

Пище нужны приправы, а интерьеру — акценты. Мы собрали ТОП-7 маст-хэвов для вашей гостиной, которые помогут визуально сбалансировать композицию, станут точкой притяжения взгляда и позволят обновить интерьер без вмешательства ремонтной бригады.

Результатом стал экзотичный гибрид неоклассицизма, кубизма, конструктивизма, анималистичных принтов, восточных и африканских мотивов. Когда в лесах Мексики обнаружили руины древних городов, эклектичный ар-деко примерил на себя ацтекские орнаменты, открытие гробницы Тутанхамона в 1922 году наделило стиль египетскими элементами. Базой для всей этой эклектики стали статусные отделочные материалы. 

Несмотря на декоративную хаотичность, ар-деко выглядит сбалансировано, отличается статичной симметрией, ассоциируется со стабильностью и достатком. Визитная карточка стиля: геометричность. 

Задачи ар-деко шли вразрез философии его популярного современника — авангарда. Если авангард строил утопическое будущее, ар-деко предлагал радоваться жизни здесь и сейчас. Этот посыл сделал ар-деко ведущим стилем в интерьерах Нового Света, не видевшего разрушений Первой мировой.

В американских интерьерах ар-деко обернулся роскошью и изобилием. Декораторы активно использовали золото, мрамор, слоновую кость, шкуры зебр, крокодиловую кожу и экзотические породы дерева. Такая несдержанность с годами повлекла за собой обвинения в дурновкусии. Ар-деко в Америке начал терять популярность во времена Великой депрессии и окончательно ушёл к началу Второй мировой.

В 1980-х годах цикличная мода снова обратила внимание на ар-деко, прошло достаточно времени, чтобы надоевшие элементы стали вызывать ностальгию. Это десятилетие становится новой вехой для стиля во многом благодаря графическому дизайну и кинематографу. Вспомним культовую ленту Стэнли Кубрика «Сияние» с одним из самых «цитируемых» интерьеров за всю историю кинематографа — ар-деко работает как ностальгическая декорация. 

В жилые пространства стиль начинает возвращаться уже в 21 веке, уверенно заявляет о себе в 2017 году, заставляя подвинуться минимализм, господствующий в дизайне интерьера. 

Ар-деко против минимализма

В наше время интерьерная мода выглядит контрастно: с одной стороны поборники минимализма, с другой — возвращение интереса к детализированному декоративному оформлению. 

Минимализм стоит на идее отказа от неограниченного потребления во имя защиты окружающей среды. С таким сильным посылом минималистичный подход к оформлению жилого пространства едва ли уйдет со сцены в ближайшем будущем. Однако белый скандинавский минимализм начал надоедать даже ярым поклонникам. Чтобы адаптироваться к меняющимся вкусам, скандинавский стиль стал экспериментировать с новыми цветовыми сочетаниями и активно перенимать черты других стилей. Но этого хватает не всем. Максималисты от дизайна хотят большего.

Если возвращение к неорококо или необарокко в 2020 году выглядит скорее иронично, то ар-деко — идеальный кандидат, чтобы воскресить интерьерную роскошь и продемонстрировать статус.

В авторских проектах пристрастие к максимализму иногда подбирается к грани китча, но маловероятно, что в наше время такой подход войдет в моду на потребительском уровне. Другое дело — ар-деко. При всей своей любви к роскоши, детализированности и декоративности, этот стиль умеет выглядеть сдержанно и даже строго, а значит не пугает потребителя помпезностью.   

В отличие от дворцовых стилей девятнадцатого века ар-деко не требует глобального метража: ему удобно как в особняках, так в малогабаритных апартаментах. 

Этот стиль хорошо адаптируется к новому, и, как и минимализм, органично смешивается с элементами других стилей. Более того: отдельные элементы ар-деко вполне могут прижиться в минималистичных пространствах.

Ар-деко сегодня

Ар-деко гармонично соседствует с другими интерьерными трендами, хорошо принимает современные бытовые сценарии, технику, новые материалы и современное искусство. Новинки в таком пространстве могут сосуществовать с винтажными подлинниками стиля. 

Разумеется, ар-деко стал скромнее. Во времена, когда мода призывает к ответственному потреблению, интерьер с натуральной шкурой зебры на полу едва ли может протиснуться в рамки хорошего вкуса.

В 2020 году ар-деко более демократичен, спокойно относится к искусственным аналогам дорогих материалов. Он по-прежнему не любит простоты: хлопок и лён в таком интерьере не к месту, другое дело — шёлк и бархат, но искусственная кожа или имитация мрамора вполне допустимы. 

В чистом виде ар-деко, как и любой исторический стиль — сегодня явление редкое. Правильнее говорить о налёте ар-деко в интерьере, проявляющим себя в характерной геометрии, узнаваемых принтах и обязательных металлизированных элементах.

Теренс Конран: дизайнер, который заново изобрел удобство

«Хороший дизайн – это 98% здравого смысла и 2% эстетики»

Стиль ар-деко по-прежнему чужд любой идеологии, его задача — создавать комфортное эстетичное и респектабельное пространство для жизни. Возможно, именно такой подход объясняет его бессмертность. 

Как быть красавицей эпохи ар-нуво • Arzamas

7 февраля 2018Антропология, История

Автор Ольга Вайнштейн

Существует теория, что каждая эпоха имеет Zeitgeist — дух времени, создающий характерную узнаваемую эстетику в самых разных областях, от высокого искусства до бытовых привычек. В конце XIX века подобным универсализмом обладал стиль ар-нуво: знаменитые изогнутые линии господствовали решительно во всех жанрах. Текучий силуэт платьев Поля Пуаре рифмуется с ракушечными завитками в дизайне домов Антонио Гауди и с растительными мотивами ювелирных украшений Рене Лалика. Всемир­ная выставка в Париже в 1900 году демонстрировала современникам триумф ар-нуво во всех областях — от архитектуры и дизайна интерьера до женской моды и танца. Самая известная танцовщица Лои Фуллер демонстрировала там свое искусство в специальном павильоне со свето­выми эффектами, и развевающиеся при движении волнистые складки ее шелков стали символом La Belle Époque.

1. Подражайте актрисам

1 / 2

Портрет Сары Бернар. Картина Жоржа Кларина. 1876 годPetit Palais, Paris / Wikimedia Commons

2 / 2

Портрет Лили Лангтри. Картина Джорджа Фрэнсиса Майлза. 1884 годWikimedia Commons

Признанными красавицами в стиле ар-нуво были драматические актрисы Сара Бернар и Лили Лангтри, обладательница греческого профиля и объект покло­нения Оскара Уайльда. Знаменитые актрисы становятся учительницами хоро­шего вкуса для своих поклонниц. Один из таких уроков красоты — использова­ние макияжа в повседневной жизни и уход за кожей. Слово «make-up»  Понятие «make-up» как «способ сочетания» использовалось с начала XIX века, в 1805–1815 годах начинает употребляться в значении «применять косметику». Королева Виктория осуждала использование make-up, считая его проявлением вульгарности. утра­чивает отрицательную коннотацию, и если раньше броский макияж считался верной приметой куртизанок, то теперь использовать косметику начинают дамы из приличного общества. В конце XIX века появляются новые косметиче­ские средства, и производство косметики становится массовым. 

1 / 4

Румяна марки Bourjois. 1880-е годы© Bourjois Paris

2 / 4

Кольдкрем марки Otto of Rose. 1890-е годы© eBay Inc.

3 / 4

Тушь для ресниц производителя Doctor F. Formaneck Co. 1916 год© Ruby Lane, Inc.

4 / 4

Театральный грим производителя The M. Stein Cosmetic Co. 1906 год© eBay Inc.

С легкой руки актрис в дамский арсенал входят жидкая пудра, румяна, черная тушь и губная помада. Уже в 1880-е годы Сара Бернар красит губы алым, а в 1884 году фирма Guerlain начинает первое коммерческое производство губной помады, которая продается в шелковой обертке и наносится кисточкой (металлический цилиндр для помады изобретут позже, в 1915 году). Руковод­ства по макияжу конца XIX века пестрят ссылками на искусство театрального грима. Одна из авторов таких трактатов, Элла Флетчер, советует, прежде чем наносить пудру и румяна, смазать лицо чистым белым вазелином или кольд­кремом: «Это хорошо известный прием в театральном гриме, чтобы защитить кожу от вред­ных последствий макияжа». Актрисы делятся секретами красоты на страницах женских журналов и позируют для рекламы косметики. Звезда «Комеди Фран­сез» Сесиль Сорель снимается в рекламе «жемчужной пудры», а Сара Бернар рекламирует рисовую — La Diaphane  E. A. Fletcher. The Woman Beautiful. New York, 1899..

Реклама пудры La Diaphane. Художник Жюль Шере. 1890 год Bibliothèque nationale de France

В честь Сары Бернар называется одна из сложных причесок в греческом стиле, модная в 1880-е годы, а ее рецепт косметической ванны пользуется бешеной популярностью:

Ингредиенты:
2 фунта ячменя 
1 фунт риса
6 фунтов пшеничных отрубей
2 фунта овсяной муки
¼ фунта лаванды 

Кипятить указанную смесь в течение часа в 2 литрах воды, полученный отвар процедить. Добавить немного питьевой соды (не более чайной ложки) и щепотку буры  Паке Д. История красоты. М., 2001, с. 74..

2. Будьте экстравагантны

Мари Темпест. Фотография Александра Бассано. 1884 год National Portrait Gallery

Красавица эпохи ар-нуво отличалась экстравагантностью, которая достигалась за счет искусственности образа. Апофеозом такой искусственности стал образ актрисы Мари Темпест, которая исполняла ведущие роли в комических операх в Лондоне: 

«Мари Темпест невыразимо искусственна и божественно поверхностна, от изящной шляпки на ее нарядной головке до рыжеватых волн ее волос, от капризных завитков возле ее капризных ушей до непослуш­ного вида ее непослушной юбки… Она абсолютный сплав тела и души, чудесный союз всех чувств, все у нее работает в полном порядке, от пер­вого волоска до последней ресницы, это постоянный бурлящий триумф тщательно рассчитанной гармонии, точного дизайна и без­упречной симметрии»  J. Douglas. Adventures in London. London, 1909. Цит. по: К. Бруард. Модный Лондон. Одежда и современный мегаполис. М., 2016..

Темпест заказывала туалеты у известных парижских портных — Дусе, Ворта, Феликса — и носила их как на сцене, так и в повседневной жизни. Сохранился анекдот о происшествии на Риджент-стрит: «Юбка была надета поверх „кас­када“, хитроумного изобретения, напоминаю­щего птичью клетку, которое тогда было принято носить, прикрепляя к лифу. Мари Темпест внезапно почув­ствовала какое-то неудобство и, повернувшись, столкнулась с мужчиной, кото­рый держал ее „каскад“ в руке. „Кажется, это ваше, мисс Темпест“, — сказал он. „Отнюдь. Вы ошиблись“, — ответила она и ушла»  К. Бруард. Модный Лондон. Одежда и современный мегаполис. М., 2016..

1 / 2

Маркиза Луиза Казати со своей борзой. Картина Джованни Болдини. 1908 годЧастное собрание / Wikimedia Commons

2 / 2

Луиза Казати в маскарадном костюме. Фотография Мариано Фортуни. 1913 годMuseo Fortuny / Fondazione Musei Civici di Venezia

Экстравагантные манеры были присущи и великосветским дамам. Так, маркиза Луиза Казати отличалась любовью к метаморфозам и постоянно удивляла поклон­ников экспериментами над собой. Вслед за княгиней Бельджойозо она продолжала традицию неоготической «болезненной» красоты. Маркиза отли­ча­лась худобой и высоким ростом (180 см), красила в огненно-медный отте­нок пышные волосы и капала в глаза белладонну, чтобы добиться эффекта рас­ши­ренного зрачка. Она пользовалась только белой пудрой: «Белая пудра ложи­лась на ее сухую кожу как пыльца», по словам Габриэле д’Аннунцио, при­чем с годами «оттенок ее пудры становился все светлее: маркиза добивалась поистине мертвенной бледности, на фоне которой горели изумрудным огнем глаза, обведенные угольно-черными кругами, — круги начинались от самых бровей и доходили до резко обозначенных скул. На веки Луиза накладывала индийскую тушь и наклеивала полоски черного бархата»  С. Д. Райерссон, М. О. Яккорино. Неистовая маркиза. М., 2006.. Она жила в Вене­ции и любила прогуливаться полуобнаженной по площади Сан-Марко в ком­пании двух гепардов в бриллиантовых ошейниках и с живой змеей. Маркиза заказывала платья по эскизам Льва Бакста  Лев Бакст (1866–1924) — художник, сценограф, иллюстратор и дизайнер, работавший преимущественно в Санкт-Петербурге и Париже., шила наряды у Поля Пуаре и Ма­риано Фортуни  Мариано Фортуни (1871–1949) — испано-итальян­ский дизайнер одежды, основатель собственного модельного дома. , а на балах появлялась в изысканных маскарад­ных костюмах. Страсть к экстрава­гантности приводила к трагическим инцидентам:

«Маркиза Казати решила выступить в роли электрифицирован­ного свя­того Себастьяна. Она должна была появиться в доспехах, пронзенных стрелами; а на каждую стрелу насадили массу звезд, и всем им полага­лось загореться в момент выхода… Но едва костюм включили в розетку, как случилось короткое замыка­ние, и вместо того, чтобы вспыхнуть тысячей звезд, маркиза получила элек­три­ческий шок и опро­кинулась навзничь. К балу она так и не оправилась, лишь прислала хозя­ину записку „Весьма сожалею“»  С. Д. Райерссон, М. О. Яккорино. Неистовая маркиза. М., 2006..

3. Двигайтесь быстро

1 / 2

Одна из первых женщин-пилотов Раймонда де Ларош за штурвалом биплана. Около 1910 годаSchlesinger Library of Harvard University

2 / 2

Раймонда де Ларош. Около 1915 годаSchlesinger Library of Harvard University

Начало XX века — эпоха обретения женщинами новой свободы в плане пере­движения (та же маркиза Казати носилась по окрестностям на «роллс-ройсе»). На смену статичному и скромному викторианскому идеалу «ангел в доме» приходит образ спортивной мобильной женщины, которая выходит из дома и активно осваивает новые пространства. Если раньше дама могла позволить себе разве что верховую езду, да и то сидя боком в неудобной амазонке, то теперь она с легкостью передвигается на высоких скоростях, используя различные виды техники. В книге «Умение хорошо одеваться» (1914) дан впечатляющий перечень костюмов для скоростных видов спорта:

Костюм для авиации 

«Отважных женщин, способных подняться на дирижабле или аэро­плане, еще пока немного; те же, которые на это рискнут, должны надеть юбку кюлотт, очень узкую, чтобы ветер не мог раздувать ее, пальто из драпа или кожи и мягкую шляпу или капор; плотно привязанный вуаль, обмотанный на шее, чтобы он не развевал­ся».

Мужчина помогает подтолкнуть автомобиль. Фотография Уильяма Джеймса. Около 1900 года City of Toronto Archives

Автомобильный костюм

«Здесь самое главное — пальто и шляпа. Под пальто можно надеть и простой дорожный костюм, и элегантное платье. Больше всего пом­ните, что надо одеваться тепло: быстрота движения, ветер — как легко простудиться! Кроме того, нужно защитить себя от пыли. В хо­лод­ные дни под пальто надевают узкую кожаную куртку. Для защи­ты головы от ветра и пыли удобен капор из меха или фетра, покрытый густой синей или зеленой вуалью, совершенно закрывающий голову и обмо­танный вокруг шеи. Эти цвета предохраняют зрение.

Очки надеваются на вуаль. Необходимо надевать на булавки предохра­нители, чтобы не поранить нечаянно своего спутника при внезапном толчке. Обувь может быть обычная, но для долгой поездки лучше надевать плотные чулки и кожаные ботинки. Кожаные перчатки, серые или коричне­вые, смотря по цвету пальто, дополняют костюм»  Умение хорошо одеваться. М., 1914..

4. Ездите на велосипеде

Девушки на велосипедной прогулке в окрестностях Скенектади. Около 1900 годаCycling History

В конце XIX века в моду вошли велосипедные прогулки, и это произвело револю­цию в дамской моде. Традиционный дамский наряд был мало приспо­соблен для езды на велосипеде: подол цеплялся за колесо, жесткий корсет впивался в ребра. Постепенно для таких поездок стала появляться специаль­ная одежда — юбки с длинными разрезами спереди и сзади, которые надева­лись поверх бриджей. К разрезам иногда пришивались пуговицы, чтобы юбку можно было застегнуть после прогулки. Велосипедистки также носили широ­кие юбки со складками, прикрывающими ноги: демонстрировать лодыжки в то время все еще считалось неприличным. 25 февраля 1896 года англичанка Элис Байгрейв запатентовала специальную юбку со шнурами, которую можно было приподнять и закрепить во время езды. Кроме того, любительницы вело­прогулок стали носить специальные щадящие модели корсетов — более широ­кие и короткие, чем обычные, с каркасом из проволоки вместо китового уса и дышащие благодаря системе отвер­стий.

Патент велосипедной юбки. 1896 годCycling History

В 1895–1898 годах в Англии царила настоящая велосипедная лихорадка.  Из-за «неприличных» костюмов женщин публично оскорбляли, а иногда не пускали в общественные заведения. Такой случай произо­шел с известной велосипедисткой леди Харбертон, которой в 1898 году не дали выпить кофе в гостинице Hautboy, придравшись к ее бриджам. Харбертон была основатель­ницей Общества рационального костюма, активисты которого (в том числе жена Оскара Уайльда Констанция) пропагандировали раздвоенные юбки, те же бриджи и критиковали «тугие корсеты, узкие туфли, сапоги на высо­ком каб­луке и тяжелые юбки»  Подробнее о велосипедном костюме см.: Л. Алябьева. Как воспитать «организатора совершенного дома и будущую мать крепких и красивых детей»: дискуссии о женщине и спорте в викторианской Англии. Новое Литературное Обозрение, № 70, 2004, с. 94–128 . 

Чтобы защититься от оскорблений и избежать унизительной необхо­димости в компаньонках, дамы вступали в женские велосипедные клубы. В 1895 году была образована Ассоциация женщин-велосипе­дистов, и только в одном Эдин­бурге открылось четыре женских велосипедных клуба. К 1914 году ситу­ация стабилизировалась — женщины на велосипеде перестали вызывать раздра­жение и нападки, а велосипедный костюм стал восприниматься как вариант спортивной моды: «Необходима короткая, по колено, юбка, закрываю­щая пан­тало­ны, сделанные из той же материи: зимой — из синего или серого сукна или саржи, летом — из альпага. Короткая жакетка в талию или болеро, гладкая рубашечка, канотье без отделки или шляпа из мягкого фетра; вуаль, желтые башмаки, такие же чулки и замшевые перчатки»  Умение хорошо одеваться. М., 1914..

5. Одевайтесь по средствам

Иллюстрация из датского дамского журнала Puk. № 45, 1894 годWikimedia Commons

Экстравагантные наряды носили в основном великосветские красавицы и актри­сы. Что же предпочитали в то время обычные женщины — дамы среднего класса, которые «страдают и мучаются оттого, что не могут тратить на свои туалеты столько, сколько им хочется»  Умение хорошо одеваться. М., 1914.? В сборниках модных советов для этой категории читательниц есть две недвусмысленные рекомендации.

Шейте сами

В начале ХХ века многие популярные журналы выпускали приложения с выкройками, по которым женщины шили одежду на дому. Недаром в рекла­ме «Журнала для хозяек» писали: «Журнал этот особенно полезен для женщин, делающих себе и детям платье домашним способом». По выкройкам можно было сшить практически любую одежду — повседневную, нарядную, для спор­та, верхнюю и белье. Среди предлагаемых выкроек фигурируют «блузка анг­лий­­­ская», «платье нарядное», «платье венчальное или баль­ное», «костюм тайёр английский и фантази»  Тайёр (от франц. tailleur — костюм) — в дамской моде — ансамбль, включающий жакет и юбку, сшитые из одинаковой ткани. Такие костюмы обычно шили на заказ. Английский костюм — более строгий, как правило, шился из твида. Костюм «фантази» допускал разные варианты ткани и отделки., «манто модное», «ротонда», «куртка для спор­та», «лифчик нарядный». Установка на шитье по выкройкам была связана и с об­щими принципами экономии в домашнем хозяйстве дам сред­него класса, и с огром­ным количеством портних, чья работа совсем недорого стоила  См. подробнее: К. Руан. Новое платье империи: история российской модной индустрии 1700–1917. М., 2011. .

Будьте скромны

Скромность и простота, ограниченное количество туалетов — вот принципы экономии, выраженные в «Умении хорошо одеваться». Неизменный классиче­ский костюм — залог верности своему вкусу. Эти идеи совер­шенно противо­положны принципам изменчивой моды и нехарактерны для этого времени. Если идеология непостоянства моды связана с сезонными ритмами, с жела­нием обновления, с радостной молодостью, с необходимыми тратами и денежным достатком, то буржуазная экономность и присущие ей идеалы скромности и простоты подразумевают жесткие ограничения в коли­честве нарядов: «Платья, которые необходимо иметь, следующие: капот; костюм для прогулок; вечернее платье и дневное для визитов. Если желате­льно, то, конечно, можно этот список увеличить и прибавить шерстяную юбку и несколько блузок»  Умение хорошо одеваться. М., 1914.. Однако и в режиме экономии предусмотрены возмож­ные хитрости: почаще менять отделку на платье — чередовать, к примеру, густой волан, кружевной шарф, вышитый тюль, золотую или серебряную прошивку, рюши из тюля или букет цветов на корсаже.

1 / 5

Дамский модный журнал The Designer. № 4, 1906 год, Нью-ЙоркCaliban Books

2 / 5

Дамский журнал L’Élan de la mode. № 1, 1907 год, ПарижBibliothèque nationale de France

3 / 5

Дамский журнал L’Élan de la mode. № 1, 1907 год, ПарижBibliothèque nationale de France

4 / 5

Дамский модный журнал The Designer. № 5, 1906 год, Нью-ЙоркCaliban Books

5 / 5

Дамский модный журнал The Designer. № 6, 1906 год, Нью-ЙоркCaliban Books

Особая сфера «скромности» — одежда пожилых дам. По мысли модных моралистов, они должны носить длинные юбки, скрывать фигуру, избегая обтягивающих фасонов, предпочитать темные тона, но при этом шить кос­тюмы из дорогих материй хороших сортов, чтобы достичь эффекта «благо­родной простоты».

6. Не носите птиц на шляпах

Девушка в шляпе, украшенной птицей. Конец XIX — начало XX векаVintage Everyday

В XIX веке зарождается экологический подход к моде: возникают протесты против употребления меха и жестокого обращения с домашними животными. При Александре II создается Российское общество покровительства животным (1865). Особые возражения вызывает мода носить чучела маленьких птиц на шляпах и украшать дамские шляпы крыльями, эгретами  Эгрет, эгретка (фр. Aigrette — султан) — украшение шляп и бальных причесок в виде торчащего вверх пера или пучка перьев. У основания эгрета крепилась брошь. и головками птиц  Gusarova K. «Retaining their bestial character»: Fashion, fear of degeneration and animal protection in late imperial Russia. Clothing Cultures, Volume 3, Number 3, 1 December 2016.. Известная благотворительни­ца Софья Карзинкина от имени только что обра­зованного «Женского комитета против жестоких мод» публикует в 1899 году специальную листовку «К женщинам», призывая отказаться от покупки шляп с подобными «украшениями». Приведенная ею статистика впечатляет: в Анг­лию ввозят ежегодно 30 миллионов птиц, остальная Европа потребляет 150 миллионов. «Один лондонский купец получил только в одном транспорте 32 тысячи колибри, 80 тысяч водяных птиц и 80 тысяч пар крыльев». Карзин­кина перечисляет варварские способы ловли птиц и факты полного уничтоже­ния отдельных видов. Члены «Женского комитета против жестоких мод» обязу­ются не носить на шляпках «ни чучел птиц, ни частей их», единственное исключение делается для перьев, которые птицы теряют при линьке, — напри­мер, страусовые или павлиньи.

Более поздние руководства по стилю продолжают критиковать эту моду (в качестве альтернативы предлагаются цветы, отделка и украшения из шелка и бархата):

«Отделка из птичьих голов, попугаев, петухов-шантеклеров  Шантеклер (фр. Chantecler) — персонаж пьесы Эдмона Ростана «Шантеклер» (1910). Шантеклер — галльский петух, воплощение смелости, юмора и жизнелюбия. Фигурирует в народных песнях и поговорках романского мира в Средние века. и других подоб­ных животных не рекомендует­ся. Я совсем не касаюсь здесь точки зрения, с которой сурово осуждается кокетство женщин, требующее массу лишних жертв в виде тех животных и птиц, мех и перья которых идут для отделки туалетов… Головы животных и птиц всегда имеют неопрятный вид, сохраняя свой животный характер, который совсем не гармонирует со свежим лицом молодой женщины. В остром клюве, в мертвых глазах есть что-то отталкиваю­щее, чего, по-видимому, жен­щина не замечает: если она сама найдет на дороге мертвую птицу, обя­зательно раздаются вопли ужаса и жалости; если же кто-нибудь отберет птицу раньше и отдаст ее выделать, женщина с удоволь­ствием посадит ее на свою шляпу. И никто не хочет замечать этого противоре­чия»  Умение хорошо одеваться. М., 1914..

7. Используйте цветочные ароматы

Реклама духов Rodo. Художник Альфонс Муха. 1896 год Arthive

Автор руководства по хорошему тону «Женщина дома и в обществе» замечает, что в настоящее время предпочтение отдается духам, обладающим запахом одного цветка. Смешанные запахи — скажем, фиалка и роза — менее востребо­ваны. Популярные духи этой эпохи — «Японская сирень», «Ландыш», «Амо». Выбор марки духов зависит от обстоятельств:

«Для вечерних выездов на балы и в театр употребляют духи „Япон­ская сирень“ или же „Альпийский ландыш“. Для концертов, лекций, собраний — „Цикламен белый“, „Альпийская фиалка“, „Идеал“, „Тама­риск“, „Семис-де-Флер“. Для домашнего приема и деловых посещений рекомендуются духи „Пассифлора“, „Брюэра“».  Женщина дома и в обществе. М., 1912.

Выбор духов зависел от цвета волос их хозяйки: «Блондинки употре­бляют больше запах фиалок, ландыша, гиацинта, между тем как брюнетки предпо­читают запахи розы, цикламена, жасмина, хризантемы»  Там же.  .

1 / 3

Туалетная вода Violet Sec. Производитель Richard Handout. 1900 годladynicollette.tumblr.com

2 / 3

Духи Azurea. Производитель L. T. Piver. 1897 годnouveaufindesiecle.tumblr.com

3 / 3

Духи Floramye. Производитель L. T. Piver. 1905 годPerfume Projects / Lightyears, Inc.

Эмансипированная женщина ар-нуво охотно использует чувственный потен­циал ароматов. Как пишет Умберто Эко в своей «Истории красоты», «Женское тело легко сводится к мягким линиям и асимметричным изгибам и обволаки­вается головокружитель­ной аурой сладкой неги». Духи «Цикламен» Пивера фигурируют в романе Федора Сологуба «Мелкий бес» (1905), выступая как сим­вол эротического соблазна.

«Слушай, — три духа живут в цикламене, — сладкою амброзиею пахнет бедный цветок — это для рабочих пчел. Ведь ты знаешь, по-русски его дряквою зовут. <…> …Сладкая амброзия, и над нею гудят пчелы, это — его радость. И еще он пахнет нежною ванилью, и уже это не для пчел, а для того, о ком мечтают, и это — его желание, — цветок и золотое солнце над ним. И третий его дух, он пахнет нежным, сладким телом, для того, кто любит, и это — его любовь, — бедный цветок и полднев­ный тяжелый зной. Пчела, солнце, зной — понимаешь, мой светик?»

8. Внимательно выбирайте декольте

Камилла Клиффорд в декольтированном платье. Фотография Альфреда Эллиса. Около 1905 года National Portrait Gallery

Декольтированные платья были в моде, и оттого женщины очень тщательно подходили к выбору формы декольте в зависимости от типа лица и фигуры. Говорили, что глубокое декольте идет только женщинам с высокой грудью и длинным овалом лица. Небольшое круглое декольте, напротив, советовали маленьким женщинам с шаловливым, лукавым, смеющимся личиком. Остро­конечная форма выреза считалась универсальной.

Поскольку грудь была на виду, женщинам рекомендовали специальные меры по уходу за бюстом и гримировке:

«Прежде нежели приступить к гримировке бюста, спину и плечи тщательно вымывают, вытирают досуха и, в зависимости от качества кожи, втирают соответствующий крем. Когда крем втерт, весь излишек его уда­ляется ватой или полотенцем, и дают коже отдохнуть полчаса для того, чтобы краснота от втирания прошла. Затем приступают к на­ве­дению на верхней части грудных желез жилок, соответствующих есте­ственному направлению поверхностных кожных вен. Для наведения вышеупомянутых жилок употребляется „Крейон Нереид“ № 121  Поскольку издание «Женщина дома и в обществе» было выпущено Товари­ществом провизора Остроумова, то и все косметические средства, рекомендованные в этой книге, — производства парфюмерной фабрики провизора А. М. Остроумова.. Жил­ки должны быть наво­димы очень деликатно и в небольшом коли­че­стве. После окончания этой манипуляции приступают к накладыва­нию белил или наложению пудры. Из пудр рекомендуется пудра „Лакте“ № 35, из бе­лил — лосьон „Ариадна“ № 52. Как пудру, так и белила наклады­ва­ют равномерным слоем на грудь, плечи и спину таким образом, чтобы все это сливалось с цветом шеи и лица и пред­ставляло одно целое»  Женщина дома и в обществе. М., 1912..

«Упражнения в выражениях». Карикатура Чарльза Дана Гибсона. 1906 годPeriod Paper

Пожилым дамам порой приходилось пускаться на хитрости, ведь декольте было обязательным элементом туалета на придворных балах: «Старая импе­ратрица Германии Августа, супруга Вильгельма I, вынуждена была прибегнуть к гриму и велела сделать себе восковые плечи, которые и носила, прикрепляя их к шее посред­ством колье. Конечно, этой остроумной идеей сейчас же вос­пользова­лись в Европе, и в резуль­тате на императорских, королевских и вели­ко­княжеских приемах настоящие мраморные плечи молодых женщин очути­лись по соседству… с восковыми плечами их бабушек»  Умение хорошо одеваться. М., 1914..

Читайте также, как быть красавицей в конце XVIII — начале XIX века и в Викторианскую эпоху. 

Источники

• Алябьева Л. Как воспитать «организатора совершенного дома и будущую мать крепких и красивых детей»: дискуссии о женщине и спорте в викторианской Англии.

  Новое Литературное Обозрение, № 70, 2004, с. 94–128.

• Бруард К. Модный Лондон. Одежда и современный мегаполис.

  М., 2016.

• Карзинкина С. К женщинам.

  М., 1899.

• Кушлина О. Страстоцвет, или Петербургские подоконники.

  СПб., 2001.

• Паке Д. История красоты.

  М., 2001.

• Райерссон С. Д., Яккарино М. О. Неистовая маркиза.

  М., 2006.

• Умение хорошо одеваться. Пер. с франц. О. А. Кудрявцевой.

  М., 1914.

• Эко У. История красоты.

  М., 2005.

• Женщина дома и в обществе. Издание товарищества провизора А. М. Остроумова.

  М., 1912.

• Правила светской жизни и этикета. Хороший тон.

  СПб., 1889.

• Douglas J. Adventures in London.

  London, 1909.

• Fletcher E. A. The Woman Beautiful.

  New York, 1899.

• Gusarova K. «Retaining their bestial character»: Fashion, fear of degeneration and animal protection in late imperial Russia.

  Clothing Cultures, Volume 3, Number 3, 1 December 2016.

• Ribeiro A. Facing Beauty. Painted Women and Cosmetic Art.

  New Haven and London, 2011.

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

История стиля. Часть 1: Ар-нуво – FAVOT.ru

Нужно ли знать историю моды, чтобы хорошо одеваться? Вряд ли в этом есть необходимость. Однако все мы понимаем, что в наше время почти нет фасона, принта или детали, которые бы не были придуманы до нас. Загляните в свой гардероб: чтобы попасть в него, каждая вещь прошла путь не только от станка до магазина и далее — до вашего дома. Путь любого предмета одежды — прежде всего исторический, и обусловлен самыми разными факторами: от вековых традиций до мимолетных желаний модной публики того или иного времени. Интересно? Чтобы хоть немного разобраться, что к чему, FAVOT решил изучить историю стилей XX века и посмотреть, как мода прошлого столетия привела нас к тому, что мы видим на подиумах и в своих шкафах сейчас.

Первый стиль, о котором стоит упомянуть, — ар-нуво или арт нуво (от фр. art nouveau — «новое искусство») — был популярен в Европе конца XIX — начала XX века, до 1910 года. С течением времени его значение немного забылось, поэтому теперь многие лишают его обособленности, объединяя с похожим стилем — ар-деко. Или же просто считают одним из синонимов известного художественного направления в искусстве — модерна.  Это, конечно, неправильно.

Без сомнения, ар-нуво по праву может называться отдельным культурным феноменом, существовавшим в эпоху модерна и оказавшим на него влияние, не потеряв при этом своей индивидуальности. Ниже мы приведем лишь некоторые отличительные черты, по которым его можно узнать.

1.Женственность и воспевание естественной красоты природы.

В первую очередь ар-нуво выделяют мягкость и красота плавных линий. Дизайнеров того времени вдохновлял образ женщины-райской птицы, окруженной благоухающими цветами, ветвями и листьями тропических растений, бабочками, стрекозами и послушными дикими животными. Образ блаженствующий, спокойный и томный. Отсюда — слегка приглушенные природные оттенки натуральных тканей — шелка, бархата, шифона, органзы; анималистические и цветочные принты; крупные, в основном жемчужные, украшения, сделанные исключительно вручную. Свое богатство женщины демонстрировали через благородную изящность и оригинальное оформление нарядов, избегая при этом устаревшего пафоса накрахмаленных пышных юбок.

2.Отсутствие корсета и завышенная талия.

Особенности стиля, логически вытекающие из его главной идеи. Конечно, далеко не все модельеры легко и сразу решились отказаться от строго выверенных женственных форм, которые придавал женской фигуре корсет. Однако революционный взгляд более прогрессивных деятелей моды того времени — таких как Поль Пуаре — оказался настолько своевременным и правильным, что быстро добился признания публики. Свобода, которая всегда ассоциируется с природой, — вот чего хотелось уставшим от тугих платьев девушкам.

Кадры из сериала «Аббатство Даунтон»

3.Японские мотивы.

Распространено мнение, что в основу зарождавшегося когда-то ар-нуво французские художники положили элементы именно японского стиля. Увидев цветочные гравюры, выполненные на дереве, волнообразные линии японских картин, нарисованных широкой мягкой кистью, они с радостью привнесли это в европейскую культуру. Естественно, интерпретируя и видоизменяя позаимствованные детали на свой лад.

Что интересно, показательна в этом плане была не только одежда, но и прически, макияж. Высший свет Европы вдохновлялся хрупким образом бледнолицей японки с характерно собранными в пучок волосами — благодаря этому прическа а-ля «гейша» обрела небывалую популярность. Но еще больше внимания уделялось цвету лица. Наилучшим комплиментом стала фраза «Вашей кожи будто бы никогда не касался солнечный свет». Для того, чтобы добиться обморочной бледности, девушки использовали японскую рисовую пудру легкого сиреневого оттенка. А контрастности и большей выразительности помогали добиться глаза, аккуратно подведенные углем или сажей.

4.Цвета и античность.

Вместе с очевидными для ар-нуво оттенками зеленого, в светских платьях того времени широко использовались пастельные тона синего, фиолетового и красного в сочетании с черным и белым. Не менее популярным были светлые наряды цвета слоновой кости, по кромке расшитые золотом и темным бисером. Подобные цветовые сочетания, наряду с мягкими драпировками похожих на античные туники платьев ар-нуво, отражают связь этого стиля с традициями стран, нередко вдохновляющих дизайнеров и в наше время, — Древней Греции и Древнего Рима.

Это лишь некоторые, но, без сомнения, одни из самых ярких проявлений «нового искусства» — ар-нуво — в одежде. Изменения, последовавшие во времена его расцвета в моде, стали одними из первых ступеней развития новейшего женского гардероба, дошедшего и до наших дней. Из повседневного костюма постепенно начали исчезать огромные тяжелые шляпы, которые почти невозможно было носить: они становились аккуратнее, легче. На место пышных нарядов пришли элегантные, иногда достаточно простые, но всегда красивые платья; на место вычурности — естественность; на место строгих рамок — свобода. Всем этим мы обязаны ар-нуво.

Наиболее известные современные бренды, в коллекциях которых можно увидеть наряды, близкие к стилю ар-нуво: Valentino, Elie Saab, Marchesa, Pamella Roland, Zuhair Murad.

Ар-деко — концепции и стили

Начало ар-деко

К концу 19 века ^-го во Франции многие известные художники, архитекторы и дизайнеры, сыгравшие важную роль в развитии стиля модерн style признал, что он становился все более и более passé . В конце столетия, когда наступила промышленная революция, современная жизнь стала сильно отличаться от нескольких десятилетий назад. Пришло время для чего-то нового, чего-то, что кричало бы «20 ^th Century» со со вкусом оформленных модернистских крыш.

Общество художников-декораторов Франции

Из этого желания двигаться в новый век в ногу с инновациями, а не сдерживаться ностальгией, группа французских художников-новаторов сформировала организацию под названием Societé des Artistes Décorateurs (Общество художников-декораторов). В группу входили как известные фигуры, такие как дизайнер и гравер в стиле модерн Эжен Грассе, так и архитектор в стиле модерн Эктор Гимар, а также начинающие художники-декораторы и дизайнеры, такие как Пьер Шаро и Фрэнсис Журден.Французское государство поддерживало и поощряло это направление художественной деятельности.

Одна из основных целей новой группы состояла в том, чтобы бросить вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая низводила художников-декораторов до более низкого статуса, чем более классические средства живописи и скульптуры. Известная цитата Журдена гласит: «Мы, следовательно, решили вернуть декоративное искусство, которое небрежно относилось к золушке или бедным родственникам, которым разрешено есть вместе со слугами, на важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во всех странах. стран земного шара.«План крупной выставки, представляющей новый вид декоративного искусства, изначально был задуман на 1914 год, но его пришлось отложить до окончания Первой мировой войны, а затем по разным причинам отложить до 1925 года.

Выставка, которая официально открылась механизм

Французское правительство, которое устроило выставку между эспланадой Дома инвалидов с золотым куполом и входами в Малый дворец и Большой дворец по обе стороны реки Сены, попыталось продемонстрировать новый стиль.Свои работы на выставке представили более 15 000 художников, архитекторов и дизайнеров. За семь месяцев работы выставки многочисленные отдельные экспонаты посетили более 16 миллионов человек. Эта выставка стала катализатором начала движения.

Ар-нуво и ар-деко

Ар-деко было прямым эстетическим и философским ответом на стиль модерн и более широкий культурный феномен модернизма. Ар-нуво начал выходить из моды во время Первой мировой войны, поскольку многие критики считали, что продуманные детали, тонкий дизайн, часто дорогие материалы и методы производства этого стиля плохо подходят для сложного, нестабильного и все более механизированного современного мира.В то время как движение в стиле ар-нуво заимствовало свои замысловатые стилизованные формы от природы и превозносило достоинства ручной работы, эстетика ар-деко подчеркивала обтекаемость машинного века и гладкую геометрию.

Ар-деко и модернизм

Международная выставка собрала не только работы в стиле ар-деко, но и выставила изделия ручной работы рядом с образцами авангардных картин и скульптур в таких стилях, как кубизм, конструктивизм, баухаус, де Стиджл и футуризм. . К 1920-м годам ар-деко был ярким, но в основном основным направлением, противоположным более интеллектуальным эстетикам Баухауса и Де Стиджа.Все трое разделяли акцент на чистых, сильных линиях как на организационном принципе дизайна. Практики ар-деко приняли технологические инновации, современные материалы и механизацию и попытались подчеркнуть их в общей эстетике самого стиля. Практики также заимствовали и учились у других модернистских движений. Ар-деко стал популярным среди поклонников, идущих в ногу с дальновидными перспективами современных авангардных движений. По иронии судьбы модернистская живопись и скульптура сыграли второстепенную роль на выставке, за редким исключением советского павильона и павильона Esprit Nouveau Ле Корбюзье.

Ар-деко после Великой депрессии

Начало второй фазы ар-деко совпало с началом Великой депрессии. Фактически, строгость могла быть основной эстетикой как по прагматическим, так и по концептуальным причинам этого второго развития ар-деко. В то время как архитектура ар-деко, например, была ориентирована вертикально с небоскребами, поднимавшимися на высокие высоты, более поздние здания в стиле ар-деко с их в основном безукраинными экстерьерами, изящными изгибами и горизонтальными акцентами символизировали прочность, спокойное достоинство и устойчивость.В самые тяжелые годы экономической катастрофы, с 1929 по 1931 год, американское ар-деко перешло от следования тенденциям к их установлению.

Streamline Moderne

Streamline Moderne стал американским продолжением европейского движения ар-деко. Помимо серьезных экономических и философских влияний, эстетическим вдохновением для первых структур Streamline Moderne были здания, спроектированные сторонниками движения Новой Объективности в Германии, которые возникли в результате неформальной ассоциации немецких архитекторов, дизайнеров и художников, сформировавшейся в ранние годы. -20 ^-е век.Художники и архитекторы New Objectivity были вдохновлены тем же трезвым прагматизмом, который заставлял сторонников Streamline Moderne устранять излишества, в том числе эмоциональность экспрессионистского искусства. Архитекторы New Objectivity сконцентрировались на создании структур, которые можно было бы рассматривать как практичные, как отражающие требования реальной жизни. Они предпочитали, чтобы их дизайн адаптировался к реальному миру, а не заставлял других приспосабливаться к эстетике, которая была непрактичной. С этой целью архитекторы New Objectivity даже первыми внедрили технологию сборных конструкций (помогая быстро и эффективно размещать бедняков Германии).

Лишенная орнамента архитектура Streamline Moderne отличалась чистыми изгибами, длинными горизонтальными линиями (включая полосы окон), стеклянными кирпичами, окнами в виде иллюминаторов и цилиндрическими, а иногда и морскими формами. Больше, чем когда-либо, особое внимание уделялось аэродинамике и другим проявлениям современных технологий. Более дорогие и часто экзотические материалы ар-деко были заменены бетоном, стеклом и хромированной фурнитурой в Streamline Moderne. Цвет использовался экономно, так как не совсем белые, бежевые и землистые тона заменили более яркие цвета ар-деко.Стиль был сначала представлен в архитектуре, а затем расширился на другие объекты, аналогично традиционному стилю ар-деко.

Ар-деко имеет ретроактивное название

Первоначально термин «ар-деко» использовался уничижительно известным критиком, модернистским архитектором Ле Корбюзье, в статьях, в которых он критиковал стиль за его орнамент, что он считал ненужным. в современной архитектуре. В то время как сторонники стиля приветствовали его как упрощенный модернистский ответ на чрезмерный орнамент, особенно по сравнению с его непосредственным предшественником, ар-нуво, поскольку любое украшение было излишним для Ле Корбюзье.Только в конце 1960-х годов, когда интерес к этому стилю возродился, термин «ар-деко» стал использоваться в положительной форме британским историком искусства и критиком Бевисом Хиллиером.

Ар-деко и США

В США восприятие движения ар-деко развивалось по другой траектории. Герберт Гувер, в то время министр торговли США, постановил, что американские дизайнеры и архитекторы не могут выставлять свои работы на Международной выставке, поскольку он утверждал, что в стране еще не возник отчетливо американский стиль искусства, который был бы удовлетворительно «достаточно новым». .«В качестве альтернативы он отправил делегацию во Францию, чтобы оценить предложения на выставке, а затем применить то, что они увидели, к современному американскому художественному и архитектурному стилю. В контингент эстетических эмиссаров, посланных Гувером, входили важные фигуры из Американский институт архитектуры, Музей искусств Метрополитен и The New York Times . Миссия почти сразу вызвала бум художественных инноваций в США.

К 1926 году уменьшенная версия французской ярмарки под названием «Избранная коллекция предметов» из Международной выставки «Современное, промышленное и декоративное искусство» »проехал через многие У.Южные города, такие как Нью-Йорк, Кливленд, Чикаго, Детройт, Сент-Луис, Бостон, Миннеаполис и Филадельфия. Американские всемирные ярмарки в Чикаго (1933 г.) и Нью-Йорке (1939 г.) занимали видное место в дизайне ар-деко, в то время как Голливуд принял эстетику и сделал ее гламурной по всей стране. Даже американские корпорации, такие как General Motors и Ford, построили павильоны на Всемирной выставке в Нью-Йорке.

Среди наиболее известных примеров американского стиля ар-деко — небоскребы и другие масштабные постройки.Фактически, американская итерация ар-деко в строительных конструкциях была названа зигзагообразным модерном из-за ее угловатых и геометрических узоров как сложных архитектурных фасадов. Однако в целом американский ар-деко зачастую менее декоративен, чем его европейский предшественник. Помимо чистых линий и сильных изгибов, смелых геометрических форм, богатого цвета и иногда щедрого орнамента, американская версия выглядит более урезанной. Поскольку важные влияния, такие как новая объективность и международный стиль архитектуры, а также серьезные экономические неудачи конца 1920-х и начала 1930-х годов начали оказывать влияние на эстетику ар-деко, стиль стал гораздо менее щедрым.Например, это преобразование может быть символизировано заменой золота на хром, перламутра на бакелит, гранита на бетон и т. Д.

Американский стиль ар-деко развился как праздник технологического прогресса, включая массовое производство, и восстановленная вера в социальный прогресс. По сути, эти достижения можно было считать отражением национальной гордости. В 1930-х годах при Управлении прогресса работ Рузвельта (WPA) многие из произведений, которые были созданы, были в стиле ар-деко, от муниципальных структур, таких как библиотеки и школы, до массивных общественных фресок.WPA был призван дать толчок послевоенной экономике США, создав рабочие места в общественных работах, и стремился служить обществу, создавая рабочие места и привнося американские ценности в дизайн. Таким образом, использование американского ар-деко явилось выражением демократии через дизайн. Некоторые материалы, которые часто использовались при создании ар-деко, были дорогими и, следовательно, недоступными для среднего человека. Однако использование недорогих или новых материалов позволило производить широкий спектр доступных продуктов и, таким образом, по-новому привнесло красоту в общественную сферу.Ар-деко вдохновил дизайн и производство множества предметов — от обложек журналов и красочной рекламы до функциональных предметов, таких как столовые приборы, мебель, часы, автомобили и даже океанские лайнеры.

Мировой рост ар-деко

Стиль ар-деко утвердился в самых разных мировых столицах, таких как Гавана, Куба, Мумбаи и Джакарта. Гавана может похвастаться целым кварталом, построенным в стиле ар-деко. Железнодорожная система лондонского метрополитена в значительной степени воплощает этот стиль. В порту Шанхая находится более пятидесяти построек в стиле ар-деко, большинство из которых было спроектировано венгром Ласло Худеком.От военных памятников до больниц, такие далеко идущие города, как Сидней и Мельбурн в Австралии, также впитали феноменальный стиль.

Ар-деко: концепции, стили и тенденции

Основные визуальные характеристики ар-деко проистекают из повторяющегося использования линейных и геометрических форм, включая треугольные, зигзагообразные, трапециевидные и шевронные формы. Подобно своему предшественнику, ар-нуво, когда представлены такие объекты, как цветы, животные или человеческие фигуры, они сильно стилизованы и упрощены, чтобы соответствовать общей эстетике ар-деко.Характер и степень стилизации и упрощения или урезания варьируются в зависимости от региональной итерации стиля. Например, фигура «Жар-птица » (1922 г.) французского дизайнера Рене Лалика элегантно тонкая и утонченная, а модель Atlas (1937 г.) Ли Лори за пределами Рокфеллер-центра — прочная и крепкая, с подчеркнуто линейной мускулатурой, хотя и то и другое. считается прекрасным воплощением стиля деко.

В соответствии с акцентом движения на современные технологии, художники и дизайнеры ар-деко использовали современные материалы, такие как пластик, бакелит и нержавеющая сталь.Но когда потребовался всплеск богатства и изысканности, дизайнеры использовали более экзотические материалы, такие как слоновая кость, рог и кожа зебры. Как и в случае с движениями ар-нуво и искусства и ремесла, стиль ар-деко гораздо меньше применялся к традиционно высокопоставленным формам выражения изобразительного искусства: живописи и скульптуре.

Дизайн

Стиль ар-деко оказал влияние на графику таким образом, что проявилось влияние итальянского футуризма с его любовью к скорости и обожанием машины.Художники-футуристы использовали линии для обозначения движения, известные как «усы скорости», которые выделялись из колес быстро движущихся автомобилей и поездов. Кроме того, практикующие ар-деко использовали параллельные линии и сужающиеся формы, которые предполагают симметрию и обтекаемость. На типографику повлияло международное влияние ар-деко, и гарнитуры Bifur, Broadway и Peignot сразу же вызывают в памяти этот стиль.

С точки зрения образов, простые формы и большие области сплошного цвета напоминают японские гравюры на дереве, которые стали основным источником влияния для западных художников, особенно во Франции, после окончания изоляционистского периода Эдо в 1868 году.Последующий приток искусства из Японии в Европу оказал огромное влияние. В частности, художники нашли в формальной простоте ксилографии образец для создания своих собственных, отчетливо современных стилей, начиная с импрессионизма.

Мебель

До конца 1920-х годов во Франции авангардный дизайн мебели в основном представлял собой вариации стиля модерн, но упрощенные и менее криволинейные. В течение десятилетия Эмиль-Жак Рульманн стал ведущим дизайнером мебели (у Рульмана был собственный павильон на выставке 1925 года).В то время как его дизайн был в первую очередь вдохновлен изделиями 18 ^-го -го века, выполненными в неоклассическом стиле, он устранил большую часть орнамента, по-прежнему используя экзотические материалы, которые предпочитают дизайнеры в стиле модерн, такие как красное дерево, черное дерево, палисандр, слоновая кость и панцирь черепахи. . Конечно, его работы часто были слишком дорогими для приобретения кем-либо, кроме самых богатых.

В отличие от роскошного дизайна Рульмана, который, казалось, смешивал стили ар-нуво и ар-деко, более определенно дизайнером мебели в стиле ар-деко во Франции был Жюль Леле.Он был традиционным дизайнером, пока новый стиль не вытеснил ар-нуво, и он известен дизайном большой столовой Елисейского дворца в Париже и роскошными каютами на первоклассной палубе элегантного парохода Normandie.

В отличие от Леле и Рульмана, Ле Корбюзье был сторонником очень урезанной версии стиля ар-деко без орнаментов, часто создавая мебель, подходящую для строгих интерьеров, своих собственных архитектурных сооружений. Его намерением было разработать прототипы, в частности стульев, которые можно было бы производить массово и, следовательно, доступными для более широкого рынка.Также следует отметить, что дизайн интерьера известной достопримечательности Нью-Йорка Radio City Music Hall, созданный Дональдом Дески, является прекрасным примером американского дизайна мебели в стиле ар-деко, который до сих пор сохранился в своем первоначальном виде.

Архитектура

Архитектура ар-деко отличается резкими краями, часто богато украшенными узорами, подчеркнутыми блестящими металлическими акцентами. Многие из этих зданий имеют вертикальный акцент, построенный таким образом, чтобы обращать внимание наверх. Прямоугольные, часто блочные формы расположены геометрически с добавлением шпилей на крышах и / или изогнутых декоративных элементов для обеспечения обтекаемого эффекта.Небоскребы Нью-Йорка и здания в пастельных тонах Майами входят в число самых известных американских примеров, хотя этот стиль использовался во множестве структур по всему миру.

В Соединенных Штатах Управление прогресса работ помогло архитектуре ар-деко стать мейнстримом. Интересно, что слияние ар-деко и классицизма изящного искусства, наблюдаемое во многих общественных работах эпохи депрессии, стало известно как PWA Moderne или Depression Moderne.

Дальнейшие разработки — после ар-деко

Ар-деко вышло из моды в годы Второй мировой войны в Европе и Северной Америке, когда из-за суровости военного времени этот стиль казался неизменно ярким и декадентским.Металлы использовались для изготовления оружия, а не для украшения зданий или внутренних помещений. Мебель больше не считалась статусным объектом. Дальнейшие технологические достижения позволили удешевить производство основных потребительских товаров, устраняя потребность и популярность дизайнеров ар-деко.

Механизм, который во многих отношениях стремился оторваться от прошлого, теперь стал классикой, которую вспоминают с любовью и ностальгией. С 1960-х годов интерес к этому стилю не прекращался.Отголоски ар-деко можно увидеть в дизайне «модерн середины века», который воплощает в себе обтекаемую эстетику деко и пересматривает чистую простоту Баухауса. Deco также помог вдохновить Memphis Group, движение в области дизайна и архитектуры, сосредоточенное в Милане в 1980-х годах. Мемфис также опирался на поп-арт и китч в качестве источников своих красочных, сознательно постмодернистских дизайнов.

Роскошный стиль, который все еще вдохновляет наше воображение

Последнее обновление 14 июля 2021 г.

Что такое стиль ар-деко?

Стили дизайна неразрывно связаны с культурой.Тенденции, технологии, социальные нормы и даже политический климат определенного периода времени влияют на все, от архитектуры до моды и дизайна интерьера. Эта связь между культурой и дизайном удивительно очевидна при изучении ар-деко. Стиль дизайна, который так часто называют «смелым» и «роскошным», является ярким отражением того периода времени: «Ревущие 20-е».

Понимание смелой эстетики

Стиль ар-деко часто называют «эклектичным», в основном из-за бесшовного сочетания резких геометрических линий и форм с грандиозным орнаментом и экзотическими деталями.Смесь создает поразительную эстетику, которую легко распознать. Независимо от того, изучаете ли вы архитектуру или дизайн интерьера, вы заметите несколько ключевых идентификаторов стиля.

Узоры и элементы ар-деко

Особенности этого стиля дизайна, как в архитектуре, так и в дизайне, включают:

Горизонтальные и вертикальные линии

Архитектура ар-деко часто включает окна и дверные проемы, которые вставляются в здания рядами или столбцами, притягивая взгляд вертикально или горизонтально.Точно так же стиль играет с восприятием глубины за счет использования линий и принудительной перспективы. Важность окна или двери повышается за счет повышенного внимания. Эти же линии можно найти во множестве других дизайнов ар-деко, включая мебель, скульптуру и другие произведения искусства с прямой росписью, вышивкой или резьбой.

Геометрические фигуры

Вы найдете различные треугольники, шевроны, зигзаги и другие элементарные геометрические формы, включенные в драматические фасады зданий и роскошные интерьеры в этом стиле.Представьте себе причудливые треугольные столешницы или шкафы с лакированными шевронными узорами, украшающими дверцы или инкрустированные поверхности сторон и полок. Отличительной чертой этого стиля является сопоставление острых угловатых форм внутри одного и того же элемента дизайна или резкие переходы от одной секции к другой. Он присутствует во всем, от обоев в стиле ар-деко до рамок для картин.

Изысканные детали

Одной из отличительных черт дизайна ар-деко является богатая детализация архитектурных элементов, освещения и мебели.На этот стиль большое влияние оказали искусство и архитектура из экзотических и далеких стран. Это означает, что здания, мебель и другой интерьер включают роскошный египетский, парижский, восточный и другие эклектичные дизайны. Сложная резьба по барельефам из различных материалов была любимым показным дополнением этой эпохи и часто была центральным элементом комнаты.

Изысканный интерьер

Интерьеры в стиле ар-деко часто украшены и экстравагантны, полны лакированного глянцевого дерева, мерцающего золота, хрома и современных светильников.Причудливые геометрические рисунки полов в плитке или роскошные настенные мозаики, изображающие богов или сцены из природы, часто украшали величественные комнаты банков, судов или театров. Эта кропотливая работа потребовала часов кропотливых усилий художников, чьи работы остаются потрясающими даже сегодня. Сильно украшенная лепнина короны и красочные акценты на потолке гарантируют, что ни один квадратный дюйм не останется скучным для глаз.

Изгибы

Строгие угловатые геометрические формы и прямые линии в стиле ар-деко сочетаются с изящными плавными изгибами (вспомните полукруги наверху здания Крайслер-билдинг).Эти плавные линии также были интегрированы во многие парадные лестницы и арочные входы. Мебель Deco часто имеет изогнутый элемент, например, кресло с закругленной спинкой или изогнутые подлокотники. Эту кривизну можно увидеть во многих конструкциях стульев для клубов или цветочных стульев, которые были популярны в ту эпоху, что резко контрастирует с упорядоченным линейным аспектом большей части архитектуры.

Симметрия

Арт-деко — это очень симметричный стиль дизайна, характерный для которого является его влияние модернизма.Баланс был важным фактором в архитектуре того времени. Многие здания судов, финансовые учреждения и другие столпы городской власти, построенные в 1920-х годах, должны были передавать ощущение стабильности, сохраняя при этом визуальную привлекательность. Ар-деко достиг и того и другого и выдержал испытание временем. Это сильно контрастировало с легкомыслием авангардного художественного движения того времени, которое стремилось передать красоту в нетрадиционных формах и изображениях.

Эклектичный стиль

Как уже очевидно, арт-деко имеет ряд дизайнерских влияний.Ранние художники и архитекторы ар-деко испытали влияние множества предыдущих стилей, включая кубизм, конструктивизм, функционализм, модернизм, футуризм, Баухаус и ар-нуво. Ар-деко также является одним из самых распространенных архитектурных стилей в США — вы увидите характерные здания в любое время, когда проезжаете по крупному городу.

Когда было движение ар-деко?

Невозможно полностью оценить ар-деко, не понимая, как он возник — его культурные корни сильно влияют на эстетику стиля.Он стал заметным примерно с 1919 по 1940 год, в период между двумя мировыми войнами, когда люди во всем мире приветствовали модернизм и величие, больше путешествовали и использовали новые технологии.

Что такое арт-деко?

Самым заметным представлением дизайна ар-деко миру была Парижская выставка 1925 года. Двадцать стран приняли участие в выставке архитектуры, произведений искусства, мебели и товаров — единственное требование? Дизайнерам пришлось использовать совершенно современные идеи.Практически все страны представили дизайны с тематикой ар-деко, включая модернизм и роскошное великолепие. Дизайн всего, от мебели до ювелирных изделий и керамической посуды, был сложным, эклектичным и разнообразным, и почти все они должны были быть эффектными и декоративными. Этимология «ар-деко» происходит от этого события, поскольку это просто усечение слов «Arts Decoratifs» в названии.

Движение в США и век машин

В 1926 году Музей Метрополитен попросил парижскую выставку внести свой вклад в создание своей собственной.После выставки Метрополитен арт-деко стал популярным в США, но с немного менее роскошной эстетикой. В 20-е годы экономика и обрабатывающая промышленность процветали, а век машин был в самом разгаре. В то время как дизайн на Парижской выставке должен был быть единственным в своем роде, из-за роста индустрии мебели и декора дизайны в стиле ар-деко в США начали массово производиться на фабриках и были немного проще.

Ревущие 20-е годы

Арт-деко был относительно недолговечным стилем дизайна.Таким образом, он стал неразрывно связан с одним историческим периодом, в частности: Ревущими 20-ми годами. В то время, когда мужчины и женщины одевались в роскошную одежду и ценили великолепие, роскошный и веселый стиль ар-деко идеально подходил им. В моде были вечера на открытом воздухе, где гости потягивали коктейли и беседовали на декадентской богато украшенной садовой мебели из кованого железа. В наши дни он широко представлен в фильмах, действие которых происходило в тот период, в том числе «Полночь в Париже», «Чикаго» и «Великий Гэтсби» База Лурмана.«Если вы смотрели фильм Лурманна, обратите внимание на роскошный глянцевый особняк Джея Гэтсби, декорированные шкафы и мебель в гостиной Дейзи Бьюкенен. Эти фильмы ясно показывают одно: ар-деко был неотъемлемой частью того периода и продолжает оставаться одним из самых любимых стилей украшения.

Выдающиеся личности, оказавшие влияние на стиль дизайна

Есть множество архитекторов и дизайнеров, которые сильно повлияли на ар-деко, но одни оказали большее влияние, чем другие.Вот лишь некоторые из самых выдающихся фигур в истории стиля дизайна:

Ле Корбюзье

Ле Корбюзье был очень влиятельным архитектором и дизайнером, и хотя его работы больше соответствовали модерну середины века и Баухаусу, ему приписывают то, что он первым использовал термин «ар-деко». Его показ на Парижской выставке был одним из немногих, в котором был представлен более современный, упрощенный дизайн, разительно контрастирующий с замысловатым французским ар-деко.

Йозеф Хоффман

Йозеф Хоффман проектировал мебель, декор и архитектуру на рубеже 20-го века.Его работы, которые часто включали сетчатые узоры и мебель с прямыми вертикальными деревянными решетками, считаются важным влиянием на дизайнеров ар-деко.

Август Перре

Август Перре спроектировал один из самых ранних образцов зданий в стиле ар-деко — Театр Елисейских полей в Париже. Он специализировался на использовании железобетона в своих проектах, и экстерьер театра отличается этим бетоном, а также вставными окнами, геометрическими линиями и широкими кривыми, характерными для стиля ар-деко.

Эмиль-Жак Рульманн

Рульманн — один из самых известных дизайнеров мебели в стиле ар-деко всех времен. В истинно французской моде ар-деко его изделия роскошны и роскошны, с использованием экзотических пород дерева, интересного шпона, идеальных пропорций и декоративных деталей. Фактически, Рульманн стал одним из самых знаменитых дизайнеров своего времени после того, как его работы были представлены на Парижской выставке. Рульманн особенно известен своими шкафами с изящными ножками и геометрическими узорами.

Эйлин Грей

Хотя в свое время ее не так любили, как Рульманн, сейчас Эйлин Грей считается одним из лучших дизайнеров ар-деко. Ее специализацией были красивые и экзотические лаки — отличительная черта стиля, который она использовала в дизайне мебели и ширм. Грей также известен своим современным дизайном, в том числе стулом Bibendum, который был похож на кресло-капсулу, вдохновленное человеком Мишлен.

Sue et Mare

Sue et Mare (Луи Сью и Андре Маре) были дуэтом дизайнеров мебели, у которых, как и у Рульмана, была очень популярная выставка на Парижской выставке.От шкафов до ширм и столов — дизайны Sue et Mare были известны своим глянцевым лаком, хромом и экзотическим, ярким деревом, таким как кубинское красное дерево.

Архитектура ар-деко

Есть несколько знаковых примеров архитектуры ар-деко, которые следует упомянуть в любом разговоре о стиле дизайна. В их числе:

Крайслер-билдинг

Здание Крайслер-билдинг, расположенное в Нью-Йорке и спроектированное Уильямом Ван Аленом, является, пожалуй, наиболее широко используемым образцом ар-деко.Вертикальные колонны и врезные окна небоскреба притягивают взгляд вверх к его шпилю, а округлые слои шпиля содержат треугольные детали для эстетики, идеально отражающей вневременной стиль.

Башня Лурс

Luhrs Tower — небоскреб в Фениксе, спроектированный архитектурной фирмой Trost & Trost. Он содержит несколько элементов дизайна ар-деко, в том числе декоративный фасад и дверной проем, напоминающий замысловатые детали французского ар-деко.

Кинотеатры в стиле ар-деко

Во время своего расцвета в 20-е годы популярность кинотеатров также росла по всей территории США. По этой причине в 20-е и 30-е годы небольшие города по всей Америке уступали место кинотеатрам в стиле ар-деко, многие из которых существуют и по сей день. . Фасады театров, как правило, были украшены декоративными шатрами, часто с шевроном или другими геометрическими деталями, характерными для этого стиля. Вестибюли и залы внутри были украшены декоративными потолками, лакированными стенами и другими элементами графического декора.Некоторые из самых известных включают Paramount Theater в Окленде, Калифорния, и Majestic Theater в Детройте, среди многих других.

Мебель и искусство в стиле ар-деко

Есть много памятных предметов мебели той эпохи, и движение ар-деко также оказало сильное влияние на моду и искусство.

Шкаф Etat

Шкаф Etat — это классический предмет мебели в стиле ар-деко, разработанный Рульманном. Этот шкаф сделан из темного глянцевого дерева с мелкими геометрическими деталями и большим изображением вазы с цветами, выполненным с использованием слоновой кости.Чистые линии и орнаментальные детали — прекрасные образцы стиля дизайна.

Стул Hill House

Стул Hill House Chair, разработанный Чарльзом Ренни Макинтошем, представляет собой обеденный стул с резко высокой спинкой и лестничной конструкцией из глянцевых черных деревянных планок, заканчивающейся решеткой из дерева наверху.

Скульптуры

Арт-деко охватывает не только архитектуру и дизайн интерьера, но и искусство, моду и ювелирный дизайн. Таким образом, декоративные скульптуры стали очень популярными, как правило, из бронзы, слоновой кости, мрамора и других экзотических материалов.Одна из самых известных скульптур того времени — работа дизайнера Макса Леверье «Кларт», на которой изображена обнаженная женщина, откинувшаяся назад и держащая свет в протянутых руках.

Плакаты в стиле ар-деко

Некоторые из наиболее запоминающихся образов этого периода можно найти в печатных коммерческих произведениях, которые украшали стены для всеобщего обозрения.

А.М. Кассандра

Самым известным из художников ар-деко был А. Кассандра. Этот художник-график в стиле ар-деко, получивший классическое образование, объединил вдохновение в стиле ар-нуво и кубизм, чтобы создать рекламу, которая понравилась обычному человеку.Его незабываемый стиль упрощал сообщение как визуально, так и текстуально. Кассандра стремилась создавать произведения, которые можно было бы прочитать с быстро движущихся транспортных средств — важное соображение, поскольку транспортные технологии стремительно совершенствовались.

Он создал привлекательные туристические плакаты в стиле ар-деко для Le Nord Express и Normandie, прославившие этот технологический прогресс. Позже он выпустил обложки журналов для Harper’s Bazaar и даже культовый логотип YSL Ива Сен-Лорана.

Шрифты ар-деко

Важнейшим компонентом работы Кассандры была типографика.Смелые и яркие шрифты не только передают рекламные сообщения, но и выполняют декоративную функцию — часто окружая графические элементы как границу ар-деко. Он даже создал три самых типичных шрифта ар-деко: Acier, Bifur и Peignot.

Арт-деко сегодня

Хотя арт-деко просуществовал недолго, он повлиял на дизайн всего: от архитектуры и дизайна мебели до моды, искусства, керамики, ювелирных изделий и многого другого. Из-за этого этот стиль по-прежнему является неотъемлемой частью нашей культуры, а здания в стиле ар-деко по-прежнему занимают видное место в силуэтах и ​​декоре, которые можно найти во многих современных предметах интерьера.В период своего расцвета арт-деко действительно оказал огромное влияние на мир дизайна.

Фото:

• Mohawk Building, Питер Даттон из Форест-Хиллз, Куинс, США [CC BY 2.0], через Wikimedia Commons
• Здание Восточной Колумбии, созданное Visitor7 / CC BY-SA
• Вход в здание Oviatt, автор — MelissaMStewart / CC BY-SA
• Daily Express Building от DarTar [общественное достояние], через Wikimedia Commons
• General Electric Building by Spinklink (собственная работа) [CC BY-SA 4.0], через Wikimedia Commons
• General Electric Building, Тони Хисгетт из Бирмингема, Великобритания / CC BY
• Почтовое отделение Джона У. Маккормака, Кэрол М. Хайсмит [общественное достояние], через Wikimedia Commons
• Плакат с экспозицией Автор Elee46 (собственная работа) [CC BY-SA 3.0], через Wikimedia Commons
• Плакат The Great Gatzby от Warner Bros.
• Стул Hoffman от Wittman
• Кабинет Рульмана, автор Жан-Пьер Дальбера из Парижа, Франция [CC BY 2.0], через Wikimedia Commons
• Крайслер-билдинг от Джона Вишневски на Flickr
• Стул Hill House от Cassina

Стиль ар-деко 1925-1940

История

Стиль ар-деко — один из самых легко узнаваемых, поскольку его острые края и стилизованные геометрические декоративные детали очень характерны.Развитие этого архитектурного стиля было намеренным разрывом с прошлыми прецедентами в попытке воплотить идеи современной эпохи. Это был первый американский архитектурный стиль, который смотрел вперед, а не назад, как в случае с предыдущими стилями возрождения. Некоторые историки архитектуры называют стиль ар-деко «модернистским», что приводит к некоторой путанице между зданиями в стиле ар-деко и зданиями в стиле ар-модерн, которые можно охарактеризовать как модернизм. Поскольку стили ар-деко и модерн сильно различаются по внешнему виду, каждый стиль описывается отдельно в этом практическом руководстве.Оба стиля были частью современного движения в архитектуре в начале 20-го века, сознательного разрыва с прошлыми прецедентами возрождения в архитектуре. Стиль ар-деко впервые привлек внимание общественности в 1922 году на конкурсе дизайнеров для штаб-квартиры Chicago Tribune. Финский архитектор Элиэль Сааринен представил дизайн в стиле ар-деко, который не был выбран, но получил широкую огласку и был воспринят как захватывающий новый архитектурный стиль. В 1925 году выставка «Exposition des Arts Decoratifs» в Париже еще больше способствовала росту популярности архитектуры стиля ар-деко, а также украшений, одежды, мебели и изделий ручной работы в стиле ар-деко.

Здания в стиле ар-деко имеют гладкий, линейный вид со стилизованным, часто геометрическим орнаментом. Основной фасад зданий в стиле ар-деко часто имеет ряд задних частей, образующих ступенчатый контур. Декоративные панели с низким рельефом можно встретить у входов, вокруг окон, по краям крыши или в виде струнных рядов. Здания в стиле ар-деко отличаются характерными строительными материалами с гладкой отделкой, такими как лепнина, бетонный блок, глазурованный кирпич или мозаичная плитка. Декоративные детали могут включать в себя различные художественные или экзотические мотивы в зависимости от функции здания или прихоти архитектора.Шевроны, зигзаги и другие геометрические мотивы — распространенные формы орнамента на зданиях в стиле ар-деко. Поскольку стиль ар-деко рассматривался как отказ от исторических прецедентов в использовании новых строительных технологий, он особенно подходил для дизайна нового здания 20-го века — небоскреба.

В Пенсильвании здания в стиле ар-деко можно найти в самых разных формах, от высоких городских небоскребов до небольших зданий, таких как почтовые отделения, театры, школы, оружейные склады и многоквартирные дома.Кинотеатры 1920-х и 30-х годов часто включали дизайн ар-деко во все здания, от изогнутых линий экстерьера до стилизованного декора внутренних штор, фресок и светильников. Некоторые здания этой эпохи, спроектированные WPA (Works Progress Administration), также выполнены в стиле ар-деко. У театра Уорнер в Эри есть драматический шатер в стиле ар-деко и детали интерьера. Средняя школа Prospect в Питтсбурге — одно из нескольких школьных зданий в Питтсбурге в стиле ар-деко, спроектированных архитектурной фирмой Steen & Sons.Оружейная палата Гамбурга в округе Гамбург, графство Берк, имеет строго геометрический фасад в стиле ар-деко. Многочисленные примеры высококлассных жилых домов в стиле ар-деко можно найти в городских условиях. Другие часто встречающиеся здания в стиле ар-деко — это почтовые отделения и правительственные учреждения, на которых часто изображены стилизованные орлы или другие национальные символы. Здание Государственного совета по контролю за алкогольными напитками в Гаррисбурге — один из таких примеров с огромными орлами по бокам от главного входа.

Общие типы зданий

• кинотеатры
• коммерческих зданий
• офисов
• правительственный штаб
• квартир
• производственные комплексы

Идентифицируемые признаки

1. Гладкая поверхность стены
2. Острая кромка, прямой вид
3. Стилизованные элементы декора с использованием геометрических форм, зигзагов, шевронов
4. Панно декоративное невысокое
5. Фасад ступенчатый или задний
6. Полосы оконные с декоративными перемычками
7. Рифление и рифление вокруг дверей и окон

Фото

Щелкните эскизы, чтобы увеличить изображения.

мода ар-деко | ITSLIQUID

_{Изображение предоставлено Музеем Виктории и Альберта}

Мода ар-деко
Музей Виктории и Альберта, Лондон

Отчетливые, элегантные и яркие по цвету изделия из модных коллекций V&A демонстрируют взаимосвязь между дизайном в стиле ар-деко и одеждой и украшениями 1920-х и 1930-х годов.От кутюр Жанны Ланвин до смелых геометрических украшений Раймонда Темплиера — многочисленные влияния ар-деко прослеживаются в их форме, фасоне и деталях. Jeanne Lanvin Вечерние платья 1930-х годов были воплощением элегантности ар-деко , отражая голливудское чувство гламура. Lanvin часто сочетал простые, длинные, плавные формы с строгой геометрией, характерной для стиля ар-деко с влиянием кубизма. Ее использование светоотражающего атласа перекликалось с увлечением ар-деко светом и блеском поверхности.

г

_{Изображение предоставлено Музеем Виктории и Альберта}

г

Один из лучших примеров в нашей коллекции — вечернее платье косого покроя от Lanvin из пурпурного атласа . Огромный воротник прямоугольной формы состоит из треугольников и квадратов. Воротник покрыт узкими параллельными рядами строчки, которые не только укрепляют ткань, позволяя воротнику сохранять форму, но и служат декоративным целям.Используя один яркий цвет , Lanvin добился простого, но скульптурного вида . Теннисное платье, разработанное, сшитое и надетое мисс Хепберн Скотт, демонстрирует, как Art Deco вошел в более функциональную моду . Платье без рукавов с заниженной талией из белого льна с зелеными льняными аппликациями сильно опирается на геометрию: квадратный вырез, аккуратные складки и клетчатый узор. Любовь ар-деко к геометрической форме также воплотилась в украшениях , заменив замысловатые детали прошлого.В 1930 году парижский ювелир Раймон Темплиер (1891–1968) дал комментарий в «Журнале ювелиров». Гуляя по улицам, я везде вижу идеи для украшений: колеса, машины, «современные машины». Его смелые абстрактные конструкции отражали динамизм современной городской культуры, что принесло ему репутацию «архитектора жемчужины». В конце 1920-х годов стал популярен полностью белый образ. Ледяные сочетания бриллиантов , горного хрусталя и платины вышли на первый план с геометрическими минималистскими кольцами, иллюстрирующими строгость дизайна Art Deco .Платина стала излюбленным материалом, потому что ее прочность позволяла использовать минимальное количество металла, что придавало камням наибольшую известность.

г

_{Изображение предоставлено Музеем Виктории и Альберта}

г

В начале 1920-х годов русская художница Наталья Гончорова работала в Maison Myrbor, эксклюзивном магазине итальянки Мари Куттоли, где продавались модные вещи, коврики и шторы, разработанные международным авангардом .Гончарова (1881–1962) имела долгую карьеру в «Русских балетах» Сергея Дягилева, которые оказали большое влияние на ар-деко. Гончарова шила для Дягилева удивительные костюмы, но, как и многие русские беженцы в Париже, она также шила платья. Ее изысканное вечернее платье из шелка с аппликациями из шелка и бархата и металлической нитью, перевязанное хромом, во многом отражает ее работу для балета и ее русское наследие. Еще один яркий предмет одежды, разработанный и сделанный для Maison Myrbor, — это пальто, которое носила мисс Эмили Григсби (1876–1964), богатая независимая американка, приехавшая в Англию из Нью-Йорка.Широкое квадратное пальто из белой шерсти, расшитое золотой нитью, во многом вдохновлено африканским искусством и восточными фасонами, демонстрируя моду начала 1920-х годов на экзотику.

г

_{Изображение предоставлено Музеем Виктории и Альберта}

г

Тесную связь между модой и более широким кругом искусства можно увидеть в портфолио Sonia Delaunay . Портфолио — это факсимиле коллекции акварельных рисунков Делоне для текстиля и одежды.Он включает стихи и тексты различных авторов-авангардистов, в которых хвалят или имеют какое-то отношение к творчеству Делоне. Факсимиле демонстрирует то, как даже в то время такие дизайнеры, как Делоне, были признаны в Париже за их ценность для широкой публики. Повторение зигзагов и форм в восточном стиле очень резонирует с эстетикой ар-деко. Художественная восприимчивость в стиле ар-деко проявляется в раскрашенной вручную гипсовой голове манекена, сделанной в 1925 году. Ее удлиненные черты и голубоватая кожа напоминают работы художников , Амедео Модильяни (1884-1920) и Анри Матисса ( 1869 — 1954).Манекен типичен для представленных на Парижской выставке 1925 года, на которой новое поколение манекенов в авангардном стиле представляло роскошную моду в эксклюзивных бутиках.

подробнее . www.vam.ac.uk

г

_{Изображение предоставлено Музеем Виктории и Альберта}

Руководство по дизайну интерьера в стиле ар-деко

Оформление в стиле ар-деко означает охват периода, который был популярен в Америке и Европе в 1920-е и 1930-е годы.Это был резкий контраст с предшествовавшим ему более минималистским, вдохновленным природой ар-нуво. Подобно ар-нуво, арт-деко затронул все области декоративного искусства, от дизайна интерьера до моды и дизайна автомобилей. Он подчеркивал современность и машины, и в то же время считался элегантным и функциональным.

Ар-деко пережил бурю 20-х годов, депрессию 30-х годов и глобальный конфликт 40-х годов. Он окончательно потерял популярность в 50-х годах, уступив место обтекаемому образу современного стиля середины века.В настоящее время ар-деко переживает возрождение с появлением старинных предметов и репродукций в этом культовом стиле, пользующемся большим спросом. Если вы хотите добавить немного стиля ар-деко в свое жилое пространство, вот мотивы, материалы и элементы, на которые можно сразу обратить внимание.

Распространенные мотивы стиля ар-деко

Смелые, плавные и симметричные мотивы, узоры и темы ар-деко символизировали технический прогресс в различных отраслях, от транспорта до архитектуры, которые преобразили страну.Геометрические, линейные и угловатые формы характеризуют дизайн ар-деко. Образ сильный и смелый, без суетливости или романтики. Когда вы ищете мебель или аксессуары в стиле ар-деко, обратите внимание на несколько регулярно встречающихся мотивов, в том числе:

• Трапецеидальные формы
• Зигзагообразные узоры
• Шевронные узоры
• Ступенчатые формы
• Изгибы
• Формы солнечных лучей
• Треугольные формы
• Стилизованная дикая природа
• Чувственные, иногда абстрактные, обнаженные девушки
• Зубчатые, заостренные края, вдохновленные небоскребами (такими как здание Крайслер)

Ель / Франческа Майолино

Влияние туризма на ар-деко

Поездки за границу для участия в сафари или посещения древних пирамид стали популярными в 1930-е годы.Эти поездки во многом вдохновили на использование рисунков животных (например, зебры) и иероглифических символов, которые обычно встречаются в декоре ар-деко.

Общие материалы в стиле ар-деко

Определенные материалы определяют дизайн ар-деко. Например, щедрое использование золота и стали в архитектуре, мебели и аксессуарах в стиле ар-деко отдавало дань уважения богатству, которое создавали новые отрасли промышленности в то время. Категории материалов, используемых в период ар-деко, включают:

• Высококлассные обивочные ткани для сидений и изголовий, такие как кожа акулы, бархат и зебра
• Нержавеющая сталь, зеркало и хром, стекло и лак в качестве материалов для мебели и аксессуаров
• Дорогие материалы для высококачественной мебели и аксессуаров, такие как черное дерево, зебрано и мрамор

Ель / Франческа Майолино

Элементы стиля ар-деко

Стиль ар-деко был очень важен в оформлении интерьеров и архитектуре.Если вы любите ар-деко и хотите окружить себя парочкой предметов той эпохи, можно комбинировать ар-деко с другими стилями. Например, включение нескольких криволинейных или зеркальных элементов в стиле ар-деко в комнату с традиционной мебелью добавит визуального интереса и неповторимого оттенка вашему интерьеру. Вот элементы дизайна ар-деко, на которые стоит обратить внимание, чтобы вы могли добавить в свой дом винтажный модернистский вид.

Цвета

Цвета периода ар-деко яркие и смелые.Цвета часто сочетаются с блестящими серебристыми, хромированными или черными акцентами или акцентируются на них.

• Любимые цвета той эпохи — яркие и насыщенные желтые, красные, зеленые, синие и розовые.
• Более мягкие цвета той эпохи включают кремовый и бежевый, многие из которых использовались в гостиных, столовых и спальнях.
• Нейтральные тона хорошо сочетаются с полированным деревом и лакированной мебелью того времени.

Мебель

Мебель в стиле ар-деко отличается большими размерами, обтекаемыми формами, но без излишеств или замысловатых деталей.Для этого периода характерны большие буфеты, шкафы и просторные стулья. Популярность сафари в то время вдохновляла мебель с элегантными вставками из перламутра или черепахи.

Ткани

Помимо кожи акулы и кожи зебры, обивочные ткани в стиле ар-деко включают бархат и кожу. Чрезмерно женственные цветочные или явно мужские пледы не считаются частью декора ар-деко. Вместо этого склоняйтесь к однотонным цветам или текстилю с геометрическим рисунком.Также дизайном ар-деко считается мягкая мебель с массивными контрастными цветовыми блоками.

Полы

Если у вас деревянный пол с узором «елочка» или паркет, или с простыми вставками, которые создают форму, например, солнечные лучи, у вас уже есть элементы ар-деко в вашей комнате. Под ногами на линолеуме или плитке были обнаружены и другие мотивы, такие как черно-белый клетчатый пол или кубические узоры с оптическими иллюзиями. Красиво смелые полы в стиле ар-деко часто покрываются большими коврами с такими же яркими геометрическими узорами.

Освещение

Возможно, один из самых простых и привлекательных способов привнести ар-деко в ваш дом — это осветительные приборы, характерные для того периода. Осветительные приборы той эпохи известны своими геометрическими и симметричными узорами. В них больше деталей, чем в других элементах дизайна ар-деко, и они включают три общих элемента дизайна:

• Светильники с чистыми современными аэродинамическими линиями и силуэтами с минимальной детализацией
• Светильники с плафонами из травленого стекла или хрома ступенчатой ​​или удлиненной формы, изображающие небоскребы
• Абажуры с веером, закрывающие лампочки

Ель / Франческа Майолино

Что такое опаловое стекло?

Опаловое стекло, также называемое молочным стеклом из-за его полупрозрачной белой отделки, было изобретено в Италии задолго до периода ар-деко.Однако в период ар-деко он широко использовался для создания теней на осветительных приборах.

Вечное очарование ар-деко

Тутти Фрутти (смелые цветовые контрасты с использованием резных драгоценных камней) завораживает в этом браслете, броши и наручных часах от Mauboussin. Ювелирные изделия любезно предоставлены Кэтрин Бонанно. Бурные двадцатые — это время, которое до сих пор нас восхищает.

Автомобили, радио, телефон и кино стали неотъемлемой частью культуры. Небоскребы выросли в крупных городах.Джаз доносился из подпольных кафе Гарлема. Чарльз Линдберг совершил первый беспосадочный трансатлантический перелет. Ф. Скотт Фицджеральд, Эрнест Хемингуэй, Коко Шанель, Дюк Эллингтон, Бейб Рут и Чарли Чаплин руководили культурной сценой, их слава подпитывалась ростом средств массовой информации.

Роль женщин тоже менялась. Массово вступив на рынок труда во время Первой мировой войны, женщины получили право голоса в 1920 году. Флапперы — женщины, носившие короткие платья и короткие волосы — были новыми знаменосцами моды, шокировавшими общество своим скандальным поведением.И они хотели нового стиля, который не был бы похож на вычурные традиционные украшения эпох Эдвардиана и модерна.

Такова была обстановка для прихода ар-деко — стиля, знаменующего век машин. Изящные океанские лайнеры, обтекаемые поезда и высокие небоскребы были любимыми изображениями, чтобы выразить это: они символизировали процветание и прогресс, а также веру в то, что технологии являются лекарством от всех болезней.

Термин «ар-деко» — период с 1920-х по 1930-е годы — появился на выставке декоративно-прикладного искусства Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industrials Modernes, проходившей в Париже в 1925 году.Ювелирные изделия были одним из представленных предметов, и судьи выбрали геометрические, линейные предметы, прославляющие современную промышленность.

Этот плакат с изображением поезда в стиле ар-деко демонстрирует мощь технологий и прогресса.

Чтобы придать объектам футуристический вид, художники ар-деко использовали вертикальные линии и геометрические формы (дуги, круги, треугольники, квадраты, прямоугольники и т. Д.) В повторяющихся узорах. Крайслер-билдинг на Манхэттене — классический образец архитектуры ар-деко, в котором есть ряд таких элементов дизайна.

Крайслер-билдинг — шедевр ар-деко.

Дизайнеры ювелирных изделий были частью движения ар-деко. Отойдя от органических криволинейных элементов, присущих более раннему движению, ар-нуво, эти дизайнеры выбрали вертикальные линии и простые повторяющиеся геометрические узоры. Цель заключалась в том, чтобы вызвать элегантность и изысканность.

Ювелиры в стиле ар-деко использовали платину и белое золото, геометрические формы и яркие цвета, контрасты, чтобы передать дух времени.Огранки бриллиантов геометрических форм, таких как багет, треугольник, трапеция и полумесяц, стали популярными в украшениях ар-деко.

Серьги-люстры в стиле ар-деко из платины, изумрудов, сапфиров и бриллиантов.

Достижения в огранке камня позволили ювелирам изготавливать сложные изделия, такие как эта подвеска / брошь из платины, сапфира и бриллианта, показанная ниже.

Брошь любезно предоставлена ​​компанией Frank Goodman & Son, Лос-Анджелес, Калифорния.

Значительным событием в движении ар-деко стало открытие гробницы Тутанхамона в 1922 году.Искусство и архитектура Египта были экзотикой — новое вдохновение для художников, получивших образование у мастеров старого мира, таких как Микеланджело и Рембрандт, — и приверженцы ар-деко с готовностью заимствовали мотивы у него и других древних цивилизаций, которые были обнаружены.

Пряжка любезно предоставлена ​​Джинджер Моро.

Художники ар-деко одновременно черпали из прошлого и смотрели в будущее. Это было уникальное сочетание, создавшее особый стиль, поразивший воображение публики.

Роберт Акерманн, инструктор по производству ювелирных изделий, GIA, Карловы Вары.

Вечная красота ар-деко и его обещание светлого будущего — это то, что пленило хлопушек — и до сих пор говорит с нами. Ф. Скотт Фицджеральд поэтично выразил это чувство в «Великом Гэтсби»: «Гэтсби верил в зеленый свет, оргастическое будущее, которое год за годом отступает перед нами. Тогда это ускользнуло от нас, но это неважно — завтра мы побежим быстрее, дальше протянем руки. . . Итак, мы бьем, лодки против течения, непрестанно возвращаясь в прошлое.”

Советы по разработке и продаже украшений в стиле ар-деко

• Ар-деко определяли вертикальные линии и повторяющиеся геометрические формы. Используйте их для создания украшений в стиле деко. Расскажите своим клиентам, как эти элементы дизайна создают элегантный и изысканный вид.
• Украшения в стиле ар-деко часто имеют резкие цветовые контрасты. Возможно, это было выражением оптимизма в отношении будущего или долгожданным изменением пастелей эпохи модерна и типичного отсутствия цветных камней в большинстве ювелирных изделий эпохи Эдварда.Использование ярких контрастных цветных драгоценных камней или эмали в ваших изделиях может вызвать стиль ар-деко.
• Художники ар-деко свободно заимствовали элементы дизайна из древних культур. Контраст современности и старины создает увлекательные работы. Покупателям это наверняка будет интересно. Вы также можете использовать древние мотивы, чтобы добавить изюминку в свой дизайн.

10 художников ар-деко, навсегда изменивших мир декора

Недавно мы обсуждали важность и характеристики стиля Art Deco и его особенности.Пережив свои золотые годы в период между двумя крупнейшими глобальными конфликтами, ар-деко был одним из самых элегантных и гламурных стилей в истории современного искусства. Между 1920-ми и 1940-ми годами ар-деко принимали многие художники независимо от области, в которой они работали, от архитектуры и дизайна интерьера до живописи, скульптуры, керамики, моды и ювелирных украшений. В межвоенный период образцы ар-деко были синонимом модернистских идей прогресса, оптимистичного празднования жизни и роскошного образа жизни поколения молодежи, достигшей совершеннолетия после войны.Эстетика и наследие ар-деко продолжают жить сегодня, а ностальгические тенденции в современном обществе продолжают возрождать некоторые черты этого великолепного стиля прошлого. В духе памяти мы сегодня пересматриваем работы десяти самых влиятельных художников в стиле ар-деко и говорим о том, как они изменили мир декора.

Слева: Тамара де Лемпицка — Девушка в перчатках, 1930/ Справа: Тамара де Лемпицка — Женщина с голубем, 1931

Тамара де Лемпицка — Баронесса с кистью

Тамара де Лемпицка , возможно, одна из самых уважаемых и узнаваемых художников ар-деко.Лемпицка родился в Польше в 1898 году и поселился в Париже после русской революции. Лемпицка вела богемный образ жизни парижских светских людей 1920-х годов, создавая портреты многих выдающихся личностей, в том числе изгнанного дворянства, что принесло художнику признание критиков, известность и значительное богатство. Ее артистизм — идеальное отражение ее гламурного образа жизни. Черпая вдохновение в популярных направлениях живописи того времени, например, в кубизме, Тамара де Лемпицка разработала свой уникальный подход, который был более тонким, чем оригинальное выражение кубизма, элегантным, точным и чистым.Смелые яркие цвета и угловатый стиль, которые стали доминировать в ее творчестве, как основные черты стиля ар-деко, являются одними из основных причин, по которым творчество Тамары де Лемпицка считается лучшим представителем живописи ар-деко. Она была одним из самых выдающихся художников-портретистов своего поколения, пользовалась благосклонностью элитной публики, и ее работы даже сегодня приветствуются с энтузиазмом.

Эрте — Симфония в черном, 1983.

Эрте — экстравагантный художник по костюмам

Ромен де Тиртофф , известный под псевдонимом Эрте , вероятно, один из самых известных дизайнеров ар-деко.Он родился в Санкт-Петербурге в 1892 году и стал одним из самых влиятельных модельеров и иллюстраторов в Париже в 1920-х годах. Эрте получил широкую известность благодаря своим сложным и стилизованным модным иллюстрациям. В течение двух десятилетий, с 1915 по 1937 год, его работы были на обложках Harper’s Bazaar и появлялись в других ведущих модных журналах, таких как Vogue и Cosmopolitan . В течение этого периода он также сотрудничал с Полем Пуаре , другим известным дизайнером золотых лет ар-деко, и, кроме иллюстраций, он создал множество дизайнов для оперных и театральных костюмов и декораций.Его рисунки и иллюстрации часто описываются как экзотические и романтичные, экстравагантные по внешнему виду. За свою долгую карьеру, длившуюся примерно восемь десятилетий, этот дизайнер в стиле ар-деко работал и в других областях, от дизайна ювелирных украшений до декора интерьера и скульптуры. Некоторое время он также работал с голливудскими продюсерскими компаниями, создавая декорации и костюмы для некоторых незабываемых фильмов, таких как Бен-Гур .

Рене Лалик — Дух ветра, 1930

Рене Лалик — Мастер-ювелир

Рене Жюль Лалик , пожалуй, самый известный в мире дизайнер художественного стекла, чье наследие по-прежнему велико и чьи произведения любят коллекционеры.Лалик родился в 1860 году в Париже и стал одним из самых известных дизайнеров ювелирных украшений в стиле модерн , работавших на ведущих французских ювелиров, таких как Cartier и Boucheron. В 1920-х годах Рене Лалик отказался от своей ориентации в стиле ар-нуво на естественные, плавные формы и принял тенденции зарождающегося стиля ар-деко. Его изделия стали более обтекаемыми, и он начал экспериментировать с новыми материалами, от металла до эмали. Тем не менее, стеклянные изделия оставались его фаворитами, но только приобретали новые призматические качества.В период ар-деко он доминировал на рынке ювелирных изделий и стекла, и его успех также можно объяснить его методом литья по выплавляемым моделям из воска, который позволил ему создать несколько экземпляров одного и того же дизайна. Некоторые из его монументальных работ в стиле ар-деко, за исключением небольших флаконов для духов, украшений и автомобильных украшений, представляют собой стены из стекла с подсветкой и стеклянные колонны для океанского лайнера Normandie и его стилизованный стеклянный фонтан, сделанный для первой экспозиции в стиле ар-деко.

Ле Корбюзье — Павильон Le Esprit Nouveau, Выставка декоративного и промышленного искусства, 1925

Ле Корбюзье — Человек, стоящий за термином ар-деко

Хотя он был одним из самых ярых противников декоративного искусства, архитектор Шарль-Эдуард Жаннере-Гри, более известный как Ле Корбюзье , с годами стал неотделим от контекста ар-деко.Первое использование термина ар-деко часто приписывается этому человеку, хотя этот термин официально вошел в словарь истории искусства в шестидесятые годы. В 1925 году на первой выставке в стиле ар-деко павильон Ле Корбюзье противопоставил экстравагантным декоративным мотивам, типичным для нового стиля. Уже будучи кумиром в истории архитектуры, Ле Корбюзье отдавал предпочтение стандартизированному жилью, чистоте эстетики, строгому и рациональному дизайну. Ближе к идеям Баухауса, архитектурные работы Ле Корбюзье были антидекоративными и враждебно относились к роскошным, дорогим и экзотическим материалам, продвигаемым художниками ар-деко.Однако из-за тесной связи ар-деко с модернистской эстетикой и ранних работ Ле Корбюзье в качестве декоратора, его имя стало важным в любом разговоре об истории стиля ар-деко.

Жан Дюнан и Жан Гулден — Лакированный кабинет, 1921 год.

Жан Дюнан — Величайший художник по лаковому покрытию

Французский художник Жан Дюнан , безусловно, был самым выдающимся мастером лаков периода ар-деко. В годы становления он больше всего интересовался скульптурой и медными работами.После 1910 года он начал свои эксперименты с лаком в качестве ученика японского художника Сэйдзо Сугавара . Быстро обучающийся, Дюнан быстро освоил эту сложную и трудоемкую технику вместе с техникой coquille d’oeuf , которая позволила ему создавать удивительные узоры, встраивая яичные скорлупы в слои лака. Сначала его лаковые работы были в основном вдохновлены японским культурным наследием и натуралистическими мотивами, типичными для дизайна в стиле модерн, но впоследствии он отказался от этих мотивов в пользу более абстрактных и чистых форм под влиянием кубизма и африканского искусства.Дананд, плодовитый дизайнер ар-деко, наносил лак на самые разные предметы и поверхности: от ваз и ювелирных украшений до панно, мебели и даже портретов. Во многих случаях он работал с другими выдающимися дизайнерами мебели периода ар-деко, и спустя целое столетие его мебель и декоративные работы по-прежнему высоко ценятся коллекционерами произведений искусства.

Леон Бакст — декорации «Шахерезада», 1910

Леон Бакст — ведущий художник по костюмам России

Art Deco — это прежде всего эклектичный выбор стилей.The Ballets Russes как первая международная театральная труппа, представившая сценические работы и костюмы известных артистов, долгое время была одним из главных источников вдохновения для дизайнеров ар-деко. Русский художник Леон Бакст , который был одним из самых влиятельных дизайнеров труппы Русских балетов Сергея Дягилева в период с 1909 по 1921 год, оказал влияние на формирование ранней эстетики ар-деко. Он был участником группы «Мир искусства», прославившейся в Париже в годы помешательства на балетах.Эта группа художников произвела революцию в театральном дизайне в начале века, работая не только над костюмами и декором, но и влияя на визуальный стиль танца. Яркие и захватывающие, полные экзотических образов и мотивов, костюмы и декорации Леона Бакста воплотили в себе все те основные элементы, которых так ждали художники ар-деко. Его использование гармоничной окраски, богатого декора и смелых композиций повлияло на новое поколение дизайнеров ар-деко, оказав большое влияние на дальнейшее развитие этого декоративного стиля.

Слева: Эмиль-Жак Рульманн / Справа: Эмиль-Жак Рульманн — кабинет

Эмиль-Жак Рульманн — дизайнер мебели Genius

Среди пионеров и самых громких пропагандистов стиля ар-деко — французский дизайнер мебели и интерьеров Эмиль-Жак Рульманн . Рульманн твердо верил, что спасение искусства зависит от элиты, и в отличие от Ле Корбюзье, пропагандировавшего строгость и пуризм, рисунки Рульмана идеально воплощали этот эффектный и роскошный дух эпохи.Хотя он был ограничен в использовании украшений, он вылепил свою мебель и предметы интерьера из лучших и дорогих материалов, таких как экзотическое дерево, слоновая кость, лак и драгоценные металлы. Эмиль-Жак Рульман, безусловно, был любимым художником послевоенных буржуазных классов, стремившихся показать свое богатство и вкус. Возможно, самым большим достижением в творчестве Рульмана было его умение представить аристократический классический стиль прошлого в современном контексте. Среди художников высокого стиля ар-деко Рульманн, безусловно, является предшественником, который помог определить движение и до сих пор вдохновляет дизайнеров.

Слева: Соня Делоне — Пляжная одежда, 1927/ Справа: Соня Делоне — Эскиз костюма для Le P’tit Parigot, режиссер Рене Ле Сомпье, 1926.

Соня Делоне — Пионер абстрактной моды

Французская художница русского происхождения Соня Делоне входит в число тех дизайнеров ар-деко, которые и сегодня сильно влияют на модные тенденции. Вдохновленная кубизмом, фовизмом и в тесном сотрудничестве со школой сюрреалистической поэзии и художниками дадаизма, она была первым дизайнером, который привнес абстрактное вдохновение в мир моды.Идея геометрического дизайна была совершенно новой и модной в течение десятилетия между 1920 и 1930 годами, и некоторые из ее лучших произведений происходят из этого периода. Ее смелые сочетания цветов и тканей принесли ей титул дизайнера современной моды на выставке 1925 года, и она прославилась своими платьями в стиле пэчворк, которые были экспериментами с simultanéisme , странным и современным сочетанием разных цветов и материалов. В 1920-х годах ее сотрудничество с художниками-дадаистами привело к созданию ее «платьев для стихов», в которых геометрические блоки цветов были размещены рядом со строками стихов.Как один из самых значительных художников ар-деко, Соня Делоне также создавала оригинальные жилеты для Тристана Цары, Луи Арагона, Рене Кревеля и других поэтов-сюрреалистов, и даже сегодня ее абстрактный дизайн влияет на коллекции модной одежды высокого класса.

Слева: Жорж Лепап — L’Entracte / Справа: Жорж Лепап — Vogue, 20 июля 1029 г.

Жорж Лепап — Восточное вдохновение

Другой известный дизайнер ар-деко — Жорж Лепапе . Сначала он вошел в мир искусства, работая иллюстратором у Поля Пуаре, а позже стал одним из самых известных иллюстраторов модных журналов.До середины 1930-х он был звездным иллюстратором журнала Vogue. Искусство Жоржа Лепапа в основном характеризуется его остроумными портретами, криволинейным стилем, элегантностью, которая преобладала в его гравюрах, иллюстрациях плакатов и каталогах. На протяжении всей своей работы, как и многие другие художники ар-деко, Жорж Лепап находился под влиянием ориентализма, персидской миниатюры и популярной театральной эстетики Русского балета. Представителями его стиля являются его иллюстрации, изображающие худые женские фигуры в тюрбанах, и, возможно, лучшими качествами его героев являются их беззаботность, самоуверенность и независимость.После 1938 года Лепапе в основном создавал книжные иллюстрации, оставив мир моды.

Jean Després — Ювелирные заводы

Jean Després — Празднование промышленной эры

Прославление технологического развития и индустриализации в стиле ар-деко, пожалуй, лучше всего воплощено в работе Jean Després . В годы перед Второй мировой войной молодой Депре работал подмастерьем в парижской мастерской по металлу, обучаясь, чтобы продолжить семейный небольшой ювелирный бизнес.Его годы в Париже были отмечены его дружбой с художниками-авангардистами Модильяни, де Кирико и Браком. В начале Первой мировой войны Деспрес начал работать над самолетом, промышленным дизайном и обоими этими элементами, кубистское вдохновение и промышленный опыт повлияли на его более поздние ювелирные работы. После войны Жан Депре прославился своими новаторскими и концептуальными геометрическими рисунками. Некоторые из созданных им произведений были основаны на реальных деталях машин. Среди других его известных работ — украшения, включающие миниатюрные картины в стиле кубизма и неоклассические предметы, представляющие собой странное сочетание металла и керамики.Помимо украшений, он также проектировал такие предметы, как чайные и кофейные сервизы, столовые приборы, подносы, кувшины и другие предметы сервировки. По сей день он остается одним из любимых коллекционерами ювелиров.

Совет редакции: Art Deco

Как один из самых популярных декоративных стилей в истории, ар-деко пережил множество возрождений и имитаций.

No related posts.