Натюрморты современных художников: Натюрморты современных художников — онлайн-галерея «Смарт»

Содержание

Натюрморты современных художников — онлайн-галерея «Смарт»

По школьным учебникам мы помним, что натюрморт — это изображение предметов, «неживой природы». В памяти всплывают картины с цветочными букетами и с фруктами, выполненные в реалистичной манере. Потом мы вспоминаем натюрморты, которые видели в музеях, но тоже в первую очередь вспоминается классика — реалистичное искусство.

Но современное изобразительное искусство не стоит на месте. Пишут ли современные художники натюрморты? Какие они? Такие же, как 100-200-300 лет назад? Отчасти — да, отчасти — категорическое «нет».

Почему «да»? Потому что жанр натюрморта как был, так и остается. Это изображение неживой природы. Это определение в теории искусства не меняется, оно статично и стабильно.

А что же меняется? Меняется быт людей, меняются предметы — и это только верхушка айсберга. Главное — меняются стили, в которых работают художники. Меняется их отношение к этому жанру. Появляются новые техники исполнения.

С появлением фотографии художники в большинстве своем перестали ставить своей целью «нарисовать похоже». На первый план вышла уникальность трактовки старых, понятных образов. Какие трактовки могут быть в натюрмортах, спросите вы? А давайте посмотрим!

Мы подготовили обзор натюрмортов художников нашей галереи!

Работа Абжинова Эдуарда «Васильки» интересна своей техникой (холст, масло, воск). В такой технике мало кто работает, она достаточно сложна. Именно воск придает такую фактурность красочной поверхности. Сложный цвет фона (серо-зеленый) — как будто состаренный, припыленный. И на этом фоне ярко-синие васильки! Немного наивно, нарочито неидеально. Никаких парадных глянцевых ваз! Никаких пышных парадных цветов! Тихие, скромные васильки, которые мы больше помним по детству, нежели по сегодняшнему дню. Все это в совокупности — состаренность, припыленность, фактурная восковая поверхность, простые полевые цветы — выстраивает какую-то простую деревенскую историю.

Когда все просто. Когда не надо «казаться», а можно просто «быть».

«Balance» — работа Григоряна Юрия. Этот натюрморт про современность, про идеальный баланс (и про его хрупкость, нестабильность). Вряд ли можно назвать эту работу натюрмортом в его классическом понимании, но у нас не стоит задача сверяться с теорией искусства. Мы думаем, здесь больше не про предметы, а про состояние. Состояние баланса — в настроении, в делах, в жизни. Это не про «натюрморт на кухню», понимаете, да?

«Дыня на закате» — работа художника Ефанова Павла. Какие цвета! Яркий, сочный поп-арт! Выглядит очень современно! Этот натюрморт — про жизнь, которая бьет ключом, про молодость и беззаботность) Полуабстракция-полунатюрморт. Но мы все же явно угадываем ровные ломтики порезанной дыни.

Работу «ХЛЕБЪ» художника Михаила Кабан-Петрова сложно назвать натюрмортом. Она и не является натюрмортом в классическом понимании. Работа концептуальная и философская. Это не просто «я положил кусок хлеба на стол и его нарисовал», как может показаться неискушенному зрителю Для того, чтобы разобраться, как относиться к такого рода работам, нужно ознакомиться с творчеством этого художника, почитать/послушать его интервью. И паззл начнет складываться. Но, повторимся, для неискушенного зрителя это «натюр» «морт» — неживая натура. Мы писали о творчестве Михаила здесь.

Работа «Семь груш» художника Колеватых Сергея. Яркая жизнерадостная композиция! И эту работу можно отнести к натюрмортам. Она напоминает нам компьютерную игру или какую-то другую цифровую иллюстрацию. Ощущение ультрасовременности и диджитала. Согласитесь, существенно отличается от классических натюрмортов, которые мы помним со школы?) В этой новизне и заключается смысл поисков художника.

«Ваза № 3» из серии «Голландия» художника Колистратова Дмитрия. Посмотрите внимательно — ваза разбита и склеена. Хотим обратить ваше внимание, что картина не обязана быть «красивой» — глянцевой, прилизанной и парадной. Зачастую именно неидеальность «делает» настроение и вызывает эмоции. Если бы вы увидели красивую, новую, целую вазу, вы бы подумали «Красивая ваза». И все) А сейчас даже у неискушенного зрителя появятся вопросы — «А почему она разбита? Она сама разбилась или ее кто-то разбил? Зачем ее склеили? Почему это важно?». Все эти вопросы могут наводить на более глубокие мысли — «Можно ли склеить то, что уже было разбито? Профессию? Отношения? Жизнь?»

Разве это просто натюрморт? Это просто про вазу? Просто про неживую натуру? Нет, конечно. Но в основе — жанр натюрморта.

«The gloaming (Сумерки)», художник Корчагин Олег. Черно-белый натюрморт, уходящий в сумеречную синеву. Все вокруг становится одного цвета — предметы, дома, деревья. И чаша на столе — как символ дома, убежища, крова над головой. И дело не в цвете, а в ощущении дома. А возможно, вы вспомните свои личные события. И от этого эта картина станет еще теплее, еще ближе.

Посмотрите также на технику письма: поверхность кажется шероховатой, потертой, неровной — как будто состаренной, напоминающей о старой деревне. Такие моменты тоже очень выделяют работу среди других. Главное — не быть «как все». Для профессионального художника — это смерть.

Работа Сайкова Вячеслава «Артефакт 2» из серии «Быт». Опять же — надо знакомиться с творчеством художника, с его идеологией, чтобы понять, как к этому относиться. Вот здесь написали о Вячеславе статью. Вячеслав не дает своим работам названия. Названия на нашем сайте — очень условны и присвоены работам сотрудниками галереи. Выбирали максимально нейтральные, чтобы название не перебило идею, заложенную в эту серию. Она — про обычные вещи, мимо которых мы каждый день проходим, не замечая их. Ложка, табуретка, чайник. Порой в этих предметах — целая история. Порой — воспоминания. Эти работы тоже нельзя причислить к «обычным натюрмортам». Они — глубже. Но как об этом рассказать неискушенному зрителю? Пока — через более-менее понятное слово «натюрморт».

Работа «Сирень» Скаргиной Лидии ближе к «обычным», классическим натюрмортам. Прежде всего, наверное, предметом: букет сирени — часто используемая тема для натюрмортов. Но техника, в которой выполнены все работы Лидии, выделяет именно этот натюрморт среди прочих сиреней. Техника, близкая к технике импрессионистов. Обращение не к логике (похоже/непохоже), а к эмоциям и чувствам. Поздняя весна, вечер, теплый влажный воздух, запах сирени…

Это лишь часть работ художников нашей галереи, которые мы можем объединить одним словом «натюрморт». Но теперь вы знаете, что они бывают очень и очень разными.

Ниже — некоторые из этих работ в интерьерах. Обратите внимание, как современно они смотрятся.

Еще больше натюрмортов вы можете посмотреть здесь.

Натюрморты современных художников — какие они? | Галерея SMART

Мы подготовили обзор натюрмортов художников нашей галереи!

«Натюрморт с гранатами» — работа заслуженного художника Российской Федерации Григоряна Юрия Суреновича. Согласитесь, совсем другая история! И совсем другое настроение. Очень зрелые эмоции. Мы не знаем, о чем думал автор, когда писал эту картину. Да это и не имеет особого значения для зрителя. Ловите свои эмоции, вспоминайте свой опыт. Мы видим спокойную и сложную цветовую палитру. Широкие уверенные мазки краски создают впечатление, что работа написана легко, непринужденно и очень быстро. Вряд ли это так на самом деле. Но опять же — не это важно. Какое настроение чувствуете вы? Какие эмоции? У нас — ощущение ностальгии, светлой грусти — возможно, по детству. Возможно, о родных людях, о родных местах. Совершенно другой натюрморт!

«Balance» — работа еще одного Григоряна Юрия (сына Юрия Суреновича). Этот натюрморт про современность, про идеальный баланс (и про его хрупкость, нестабильность). Вряд ли можно назвать эту работу натюрмортом в его классическом понимании, но у нас не стоит задача сверяться с теорией искусства. Мы думаем, здесь больше не про предметы, а про состояние. Состояние баланса — в настроении, в делах, в жизни. Это не про «натюрморт на кухню», понимаете, да?

Ниже — некоторые из этих работ в интерьерах. Обратите внимание, как современно они смотрятся.

Еще больше натюрмортов вы можете посмотреть здесь.

Ставьте лайк и подписывайтесь на наш канал! Мы вам рады!

Грачева С. М. Натюрморт в творчестве современных петербургских художников-академистов – Конференция Актуальные проблемы теории и истории искусства

Для цитирования данной статьи, пожалуйста, используйте эту ссылку: http://dx.doi.org/10.18688/aa188-4-44

Заголовок	Натюрморт в творчестве современных петербургских художников-академистов
Автор	Грачева С. М.			email	[email protected]
Сведения об авторе	Грачева Светлана Михайловна — доктор искусствоведения, декан факультета теории и истории искусств, профессор. Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина при Российской академии художеств, Университетская наб., д. 17, Санкт-Петербург, Российская Федерация, 199034.
В рубрике	Русское искусство XX–XXI века			DOI	10.18688/aa188-4-44
Год	2018	Номер сборника	8	Страницы	456–466
Тип статьи	Научная статья	Индекс УДК	7. 036	Индекс ББК	85.103(2)64
Аннотация	Натюрморт — «мертвая», «застывшая» природа, он передает мир художника, именно в предметном, материальном аспекте, раскрывает понимание мира через вещественную среду. В натюрморте иначе, чем, например, в пейзаже, трактуется пространство: предметы, а не природная среда в нем занимают главное место. Разумеется, и натюрморт может быть решен «пейзажно», также как пейзаж «натюрмортно», поскольку в этом есть определенный принцип, взгляд на мир. Современный натюрморт, как и другие жанры, часто раздвигает свои привычные границы. Натюрморт как жанр становится одним из самых излюбленных в творчестве современных художников-академистов. В искусстве петербургских мастеров этот жанр развивается в нескольких направлениях. Первое, классическое, представлено произведениями таких мастеров, как А. К. Быстров, А. Н. Блиок, В. В. Загонек. В живописи К. В. Грачева он представлен как философский жанр и опирается на достижения так называемой «сферической перспективы». В рамках декоративного направления созданы натюрморты В. А. Мыльниковой. Экспрессионистические тенденции, основанные именно на живописном экспрессионизме, проявляются в живописи С. Д. Кичко, Ю. В. Калюты, Д. А. Коллеговой. Натюрморт, в своем первоначальном эмблематическом значении, как жанр, опирающийся на глубокий символический подтекст, занял особое место в живописи таких петербургских художниц, как Н. Рыжикова, Е. Базанова, О. Шведерская. Все перечисленные художники пишут натюрморты и как самостоятельные произведения, и делают их частью сюжетных композиций. Изучение эволюции и специфики жанра натюрморта в современном петербургском академическом искусстве поможет глубже понять коренные процессы, происходящие в российском изобразительном искусстве в целом.
Ключевые слова
Библиографическая ссылка	Грачева С. М. Натюрморт в творчестве современных петербургских художников-академистов // Актуальные проблемы теории и истории искусства: сб. науч. статей. Вып. 8 / Под ред. С. В. Мальцевой, Е. Ю. Станюкович-Денисовой, А. В. Захаровой. — СПб.: Изд-во СПбГУ, 2018. С. 456–466. ISSN 2312-2129. http://dx.doi.org/10.18688/aa188-4-44
	Полный текст статьи			Язык статьи	русский
Список цитируемой литературы	1. Болотина И. С. Проблемы русского и советского натюрморта (изображение вещи в живописи XVIII-XX вв.). — М.: Советский художник, 1989. — 192 с. 2. Виппер Б. Проблема и развитие натюрморта. — Казань: Молодые силы, 1922. — 168 с. 3. Грачева С. М. Мир перламутровых грез Нины Рыжиковой // Нина Рыжикова. Альбом. — СПб.: Artindex, 2013. — С. 8-15. 4. Грачева С. М. Грани современного академического реализма // Научные труды. Вып. 38. Вопросы художественного образования. — СПб.: Ин-т имени И. Е. Репина, 2016. — С. 108-127. 5. Грачева С. М. Ренессансные мотивы в изобразительном искусстве современных петербургских художников-академистов // Актуальные проблемы теории и истории искусства. Вып. 6 / Под ред. А. В. Захаровой, С. В. Мальцевой, Е. Ю. Станюкович-Денисовой. — СПб.: НП-Принт, 2016. — С. 706714. URL: http://dx.doi.org/10.18688/aa166-9-77 (дата обращения: 20.02.2017). 6. Грачева С. М. Современно ли современное академическое искусство? // Доклад на международной научной конференции в КАзНАИ им. Жургенова (г. Алматы): Вопросы искусствоведения ХХ начала XXI в. , приуроченной к 20-летию со дня основания кафедры «История и теория изобразительного искусства». — Алматы: КазНАИ им. Жургенова, 2016. — С. 241-248. 7. Дмитренко А. Ф., Бахтияров Р А. Петербургская (ленинградская) художественная школа и современное искусство // Петербургский художник. — 2017. — № 1. — С. 74-90. 8. Кутейникова Н. С., Сазонова К. К. Ленинградская живописная школа // Ленинградская живописная школа. Соцреализм. — СПб.: Коломенская верста, 2008. — С. 3-5. 9. Кривцун О. А. Психология искусства. — М.: Юрайт, 2015. — 265 с. 10. Леняшин В. А. Жанровая система как проблема искусствознания // Художник. — 1977. — № 10. — С. 33-38. 11. Леняшин В. А. Юрий Калюта. В поисках утраченной живописи // Юрий Калюта. Красное и черное. — СПб.: Palace Editions, 2012. — С. 13-25. 12. Леняшин В. А. Единица хранения. Русская живопись — опыт музейного истолкования. — СПб.: Золотой век, 2014. — 439с. 13. Манин В. С. Жанры искусства в свете их сущности // Советское искусствознание 20. — М.: Советский художник, 1986. — С. 196-227. 14. Мочалов Л. В. О систематике типов пространственного построения картины // Критерии и суждения в искусствознании: Сб. статей. — М.: Советский художник, 1986. — С. 276-293. 15. Пунин Н. Н. Новейшие течения в русском искусстве. Т. 1. Традиции новейшего русского искусства. — Л.: Издание ГРМ, 1927. — 14 с. 16. Пунин Н. Н. Новейшие течения в русском искусстве. Т. 2. Предмет и культура. — Л.: Издание ГРМ, 1928. — 16 с. 17. Салиенко А. П. О натюрморте И. Машкова «Привет XVII съезду ВКП(б)» 1934 г. // «Гений места» в русском искусстве ХХ века: Сб. научных статей. — Волгоград: Панорама, 2016. — С. 343-357. 18. Тарабукин Н. Проблема пейзажа // Печать и революция. — 1927. — № 3. — С. 63-64. 19. Хузина Т.Е. Предметный мир в советской живописи 1930-х годов. Автореф. дисс. … канд. искусствоведения. — СПб.: СПбГУП, 2009 — 24 с. 20. Яковлева Н. А. Жанры русской живописи. Основы теории и методики системно-исторического анализа: Учебное пособие. — Л.: ЛГПИ им. Герцена, 1986. — 83 с.

Cheifetz David. Натюрморты живопись | Usenkomaxim.ru

Привет всем входящим на usenkomaxim.ru

Раз уж пошла тема натюрмортов в живописи, то выкладываю еще одного стоящего внимания американского художника Cheifetz David. Как и недавний Keys Daniel J он примечателен своеобразной этюдной манерой письма. При всей намеренной незавершенности картин и скудной детализации, их все же смотришь и смотришь, одну за другой. Для меня они оказались очень притягательными эффектом света и контрастами чистых красок. И все это усилено грамотным минимализмом композиций. Местами напоминает фотографии, качественно обработанные фильтрами Photoshop. Но от мысли этой картины хуже не воспринимаются. Своеобразные очень запоминающиеся работы и молодой автор, нашедший свой индивидуальный стиль.

Как противопоставление сегодняшнему и позавчерашнему авторам хочу привести известного в жанре натюрморта художника Jose Escofet. У него полноразмерные ОЧЕНЬ прорисованные работы. Полная противоположность «миниатюрам» Cheifetz David, размер которых около 25х40 см. И если бы меня в обязательном порядке попросили выбрать для своей квартиры картину одного из этих авторов, то я бы однозначно выбрал одну из работ Cheifetz David. Уж больно притягателен свет и цвет…

Cheifetz David родился в 1981 году в Pacific Northwest, сейчас живет со своей женой в Пало-Альто, что в Калифорнии. В 2004-ом David окончил Университет Вашингтона со степенью бакалавра изобразительных искусств и архитектуры. После учебы стал работать архитектором. Осенью 2007 начал учиться писать маслом в школе изобразительных искусств Schuler в Балтиморе,. Далее учился у лучших художников, обучался на нескольких курсах. Уже в 2009 году полностью перешел в художество и вскоре получил широкое признание и награды. В сентябре 2010 года Юго-Западный художественный журнал отметил его как «восходящую звезду» среди художников в возрасте до 31.

Помимо натюрмортов размещу пару рисунков и работы художника других жанров. Чтобы сложилось более полное представление о нем.

Портрет

Городской пейзаж

Напоследок скажу, что работы художника стоят от 900 до 3500 долларов.

Ниже отличного качества слайд-шоу с работами художника. Разрешение даже больше, чем на фото в тексте. Надо только выбрать 720HD в настройках воспроизведения…

Другие материалы из этой категории:

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Смотрите также:

Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова

Основы рисования: Инвентарь начинающего художника

Как начать рисовать чернилами

Картины маслом натюрморты современных художников. Лучшие натюрморты. Всеохватывающие натюрморты Поля Сезанна

Сегодня была на выставке в Национальном украинском музее современного искусства.
Многое понравилось. Делюсь.

Виктор Толочко
1922-2006, Ялта
«Весенний натюрморт», 1985
масло, холст.

Виктор Толочко
«Натюрморт с белым чайником», 1993
масло, холст

/Родился в Мелитополе, участник ВОВ, учился в Харькове. Возглавлял Художественный музей в Ялте, занимавший в то время залы Воронцовского дворца. Потом переехал в Донецк. На склоне лет вернулся в Крым. Писал натюрморты, пейзажи, портреты. Народный художник Украины /.

Ибрагим Литинский
1908-1958, Киев
«Натюрморт с пеонами на рояле», 1958
масло, холст

/Литинский Ибрагим Моисеевич (1908 — 1958)- украинский художник, портретист, мастер политического и киноплаката. Закончил Киевскую художественно-индустриальную школу, после учился в Киевском художественном институте на театральном и кинофакультете (1927 — 1928). Писал портреты выдающихся людей — Сталина, Панаса Саксаганского, Ивана Паторжинского, Наталии Ужвий, Гната Юры. Работы художника находятся в различных частных коллекциях /(с)

Нина Драгомирова
1926
«Натюроморт с овощами», 1971

/Украинская художница, живописец. Окончила Крымское ХУ им. Н. Самокиша (1952). Член НСХУ с 1970. Мастер пейзажа и натюрморта. Работы находятся в многочисленных частных собраниях Украины.(с)/

Сергей Шаповалов
1943, Кировоград
«Натюрморт». 1998
Масло, холст

/Закончил Киевский государственный художественный институт. Член Союза Художников Украины. Заслуженный художник Украины (2008). Значительная часть работ художника находятся в передвижных художественных выставках Министерствах культуры и в музеях Украины. Много произведений художника находятся в частных коллекциях. Принимал участие в зарубежных коммерческих выставках («Нью-Йорк. Інтер-Експо 2002» (США), «Русский дом» в Берлине (Германия). В 2004 году состоялась персональная выставка художника в Гвадалахаре (Испания) (с)/.

Федор Захаров
1919-1994, Ялта
«Сирень», 1982
масло, холст

/Выдающийся живописец, мастер пейзажа и натюрморта. Родился в с. Александровское Смоленской области. В 1935 — 1941 учился в художественно-промышленном училище им. М. Калинина в Москве, в 1943 — 1950 — в Московском художественном институте им. В. Сурикова у А. Лентулова, И. Чекмасова и Г. Ряжского. В 1950 переехал в Симферополь, где преподавал Художественном училище им. Н. Самокиша. В 1953 поселился в Ялте. Заслуженный деятель искусства УССР с 1970, народный художник УССР с 1978.

Лауреат Государственной премии УССР им. Т. Шевченко (1987). Мемориальные выставки художника проходили в Государственной Третьяковской галерее (2003), в Симферополе (2004) и Киеве (2005). Произведения хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Национальном художественном музее Украины, Феодосийской картинной галерее им. И. Айвазовского, Симферопольском, Севастопольском художественных музеях и др.(с)/

Сергей Дуплий
1958, Киев
«Флоксы», 2003
масло, холст

/Родился в 1958 году в селе Сидоровка Черкасской области.
Большое влияние на его становление как художника оказало творчество И.Грабаря, Н.Глущенко и Ф.Захарова.
Член Национального Союза художников Украины с 2000 года. Живет и работает в Ржищеве.(с)/

Валнтина Цветкова
1917-2007, Ялта
«Осенние цветы», 1958
масло, холст

/Украинский и российский живописец, мастер пейзажа и натюрморта. Родилась в г. Астрахань, Россия. Окончила в 1935 Астраханское художественное училище. Награждена орденами и медалями. Народный художник Украины с 1985. Жила и работала в Ялте.(с)/

Степан Титко
1941-2008, Львов
«Натюрморт», 1968
масло, холст

/Родился в селе Стильское Львовской области.
В 1949 году семья художника была репрессирована и сослана в Хабаровский край. В 1959 году Степан Титко закончил школу и поступил на художественно-графический факультет Хабаровского государственного полиграфического института, а в 1961 году — в Хабаровский художественный институт. С 1964 года жил в Комсомольске-на-Амуре и работал художником-оформителем в Институте космонавтики. В 1966 году, вместе с семьей, художник возвращается на Украину, поселяется в г. Новый Роздол Львовской области и работает преподавателем рисования в школе. С 1969 по 1971 год Титко С.И. находится в творческой командировке на японском острове Сакю.

В 1974 году участвовал в «бульдозерной выставке». Был обвинен в формализме и прозападном отношении к искусству.
Произведения Титко С.И. хранятся в музейных и частных коллекциях Украины, Польши, Германии, Франции, США и других стран.(с)/

Константин Филатов
1926-2006, Одесса
«Натюрморт с чашкой», 1970
картон, масло

Константин Филатов
1926-2006, Одесса
«Баклажаны и перцы», 1965
холст на картоне, масло

/Заслуженный художник Украины. Родился в Киеве.
В 1955 году окончил Одесское художественное училище имени М.Б.Грекова. С 1957 года — участник республиканских, всесоюзных и зарубежных художественных выставок. Член Союза художников УССР с 1960 года.
Работал в области станковой живописи. Автор многочисленных жанровых картин, пейзажей, портретов и натюрмортов.
С 1970 по 1974 год — преподаватель Одесского художественного училища.

В 1972 году стал Лауреатом Государственной премии УССР им. Т. Шевченко за картины «Красная площадь» и «В. И. Ленин». В 1974 году присвоено звание «Заслуженный художник УССР».
Произведения К.В. Филатова представлены в музейных и частных собраниях в Украине и за ее пределами. (с)/

Павел Мирошниченко (эта работа очень нравится!)
1920-2005, Севастополь
«Натюрморт», 1992
масло, холст

/Заслуженный художник Украины. Пейзажист, мастер натюрморта. Родился в г.Беловодск, Луганской области.
Участник Великой Отечественной войны. Награжден орденами и медалями.
С 1946 по 1951 год обучался в Крымском художественном училище им. Н. С. Самокиша. С 1951 года художник жил и работал в г.Севастополь.

С 1965 года Мирошниченко П.П. — член Союза художников Украины.
Работы находятся в Севастопольском художественном музее им. М. П. Крошицкого и других музейных и частных коллекциях в Украине, России, Франции, Германии, Японии, США, Польше и Чехии. Пять морских пейзажей были приобретены для Музея русского искусства в Японии.(с)/

Гаянэ Атоян
1959, Киев
«Васильки», 2001
масло, холст

/В 1983 году окончила Киевский государственный художественный институт. Своим главным учителем считает свою мать — художницу Татьяну Яблонскую . С 1982 года принимает участие в художественных выставках.
В 1986 году была принята в Союз художников Украины.
Произведения Гаяне Атоян находятся в художественных музеях Киева, Запорожья, Хмельницкого, в частных коллекциях Украины и за ее пределами.(с)/

Евгений Егоров
1917-2005, Харьков
«Розы», 1995
бумага, пастель

/Работал в Харьковском художественно-промышленном институте (сейчас ХГАДИ) с 1949 по 2000 гг. (с 1972 по 1985 гг. — ректором)/.

Сергей Шуров
1883-1961, Киев
«Натюрморт», 1950-е
Бумага, акварель

Игорь Котков
1961, Киев
«Натюрморт с красными цветами» 1990
масло, холст

/Окончил Киевскую Республиканскую художественную школу, затем — Художественную Академию в г. Киеве. Работал художником-постановщиком на киностудии «УкрАнимафильм» создавая мультфильмы для взрослых. Постепенно художник выработал свою манеру письма, свой творческий почерк. Сейчас живопись — любимое занятие и дело его жизни. В его творческом арсенале несколько десятков работ в частных коллекциях Украины, России, Германии, Великобритании, США, Канады, две персональные выставки в Киеве и участие во многих других выставках.(с)/

Владимир Микита (класс!)
1931, Закарпатье
«Гуцульский натюрморт», 2002
холст, смешаная техника

/Народный художник Украины.
Родился в селе Ракошино Мукачевского района Закарпатской области. Национальность — русин.
В 1947 году, после 9-ого класса сдал экзамены в Ужгородское училище прикладного искусства и был принят на 3-й курс.
С 1951 по 1954 год находился в рядах Советской армии на острове Сахалин. После армии был принят на работу в Художественно-производственные мастерские Художественного фонда Закарпатья, где работал до выхода на пенсию в 2001 году.

В 1962 году принят в Союз художников Украины. В 2005 году — лауреат Национальной премии Украины им. Тараса Шевченко.
Награжден орденами Ярослава Мудрого V и IV степени . С 2010 года — Почетный гражданин г. Ужгорода.
Произведения художника находятся в фондах Министерств культуры Украины и России, в различных художественных музеях, включая зарубежные: Литва, Словакия, Германия, Венгрия, Сербия, Венесуэла и в частных собраниях всего мира.(с)/

Анастасия Калюжная (тоже очень нравится)
1984, Керчь
«Натюрморт» 2006
масло, холст

/Анастасия Калюжная окончила Национальную академию изобразительного искусства Украины, Художественную школу Романа Сердюка. Богатый опыт школы украинской живописи послужил основой для развития художницы. Сейчас она работает в Керчи в реалистической манере живописи.(с)/

Михаил Роскин
1923-1998, Ужгород
«Хрустальная ваза с цветами», 1990
бумага, пастель

/Родился в г. Никополь Днепропетровской области. Художественно-профессиональную подготовку получил в Студии военных художников им. М. Б. Грекова. Член Национального союза художников Украины с 1978 г.(с)/

Елена Яблонская
1918-2009, Киев
«Душистый табак на окне», 1945
картон, масло

/Сестра художницы Татьяны Яблонской. Жена выдающегося украинского художника Е.В.Волобуева.
В 1941 году окончила Киевский государственный художественный институт. В 1945 году награждена Медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941—1945 гг.».
Член Союза художников СССР с 1944 года.

Мастер станковой живописи и книжной графики. Двадцать лет Елена Ниловна иллюстрировала книги. На ее работах выросло несколько поколений детей. Художница параллельно вела и педагогическую деятельность — учила графиков и скульпторов.
В 1977 году присвоено звание — «Заслуженный художник Украины».
Произведения Е.Н. Яблонской представлены в Национальном художественном музее Украины, в музейных, галерейных и частных собраниях в Украине, Германии, Англии, США и в других странах.(с)/

Оксана Пилипчук
1977, Киев
«Натюрморт», 2001
масло, холст

/Пилипчук Оксана Дмитриевна — художник-живописец, член Национального союза художников Украины, преподаватель Киевского Национального университета строительства и архитектуры (кафедра рисунка и живописи).
Работы хранятся во многих украинских музеях, а также частных коллекциях Украины, Белоруссии, России, Голландии, США, Японии, Словакии, Чехии, Польши, Германии, Израиля, Франции./

Евгений Смирнов
1959, Севастополь
«Натюрморт с зелеными грушами», 2000
масло, холст

/Родился в г. Рыбинск, Ярославской области, Россия. С 1975 по 1979 г.г. учился на живописном факультете Саратовского художественного училища им. Боголюбова. По окончании обучения Евгений Смирнов переезжает в г. Севастополь.
В 1993 году вступает в Национальный Союз художников Украины. С 2005 года — заслуженный художник Украины.
Работы художника находятся в Севастопольском художественном музее им. М.П.Крошицкого и в других музейных и частных коллекциях Украины, России, Германии и других стран./

Вера Чурсина
1949, Харьков
«Вечерний натюрморт», 2005
масло, холст

/График, живописец.
Родилась в с. Борисовка Белгородской обл., Россия.
В 1972 г. окончила Орловский государственный педагогический институт — художественно-графическое отделение.
В 1980 г. защитила диплом в Харьковском художественно-промышленном институте, по специальности «Станковая графика». Заслуженный деятель искусств Украины, член Харьковского отделения Национального союза художников Украины, преподаватель Харьковской государственной академии дизайна и искусств, профессор кафедры живописи.
Принимает участие в международных, всеукраинских и областных выставках.
С 1992 г. — член ХО Национального союза художников Украины.(с)/

Владимир Кузнецов
1924-1998, Харьков
«Натюрморт», 1992
масло, картон

/Закончил Харьковский институт искусств (1954), там же преподавал. Постоянный участник городских, региональных и зональных выставок с 1954 г. Работы художника находятся во многих региональных музеях, в частных коллекциях в России и за рубежом./

Александр Громовой
1958
«Натюрморт», 2011
масло, холст

/Родился в с.Краснополье Николаевской области.
В 1987 году окончил Ужгородский государственный университет, в 1993 году — художественно-графический факультет Одесского педагогического института им.К.Д.Ушинского. Член Национального Союза художников Украины с 1995 года./

Азат Сафин
1961, Харьков
«Натюрморт» 2003
масло, холст

Анна Файнерман
1922-1991, Киев
«Натюрморт с рябиной», 1966
картон, масло

/Родилась в станице Успенской Белоглинского района Краснодарского края России. В 1941 году закончила художественную среднюю школу им. Т. Г. Шевченко. После окончания в 1945 году факультета журналистики Уральского университета поступила в Киевский художественный институт, который закончила в 1951 году.
Во время учебы в институте работала литературным сотрудником и корректором в издательстве «Советская Украина».
Жена известного украинского художника Рапопорта Бориса Наумовича.

Член Союза художников УССР с 1955 года. Произведения хранятся в музейных, галерейных и частных коллекциях в Украине и за ее пределами./

Адальберт Мартон
1913-2005, Ужгород
Натюрморт, 1969
бумага, пасель

/Украинско-венгерский живописец. Мастер закарпатского пейзажа и натюрморта.
Родился в г. Клертон, США. В 1936 году окончил художественно-промышленную школу в г. Габлонци, Чехословакия.
С 1937 года жил и работал в Ужгороде. С 1957 года участвовал в областных, республиканских, всесоюзных и международных выставках. Работы художника находятся в музеях, галереях и частных коллекциях Украины, России, Венгрии, США, Канады и Японии. В 1972 году художник переехал в Венгрию, где и умер в 2005 году.(с)/

Александр Шеремет
1950, Киев
«Натюрморт», 2001
масло, холст

Константин-Вадим Игнатов
1934, Киев
«Чайная церемония» 1972
холст темпера

/Родился в Харькове (Украина). Учился в художественной школе города Киева, также учился в Киевском государственном художественном институте.
В советское время имел репутацию незаурядного иллюстратора и проработал в издательстве «Веселка» около 30 лет, где проиллюстрировал более 100 книг. Член Национального Союза художников Украины./

Леся Прыймыч
1968
«Святвечер», 2013
масло, холст

/Родилась в г.Ужгород Закарпатской обл.
Окончила Львовский государственный институт прикладного и декоративного искусства (1992). Живописец. Член НСХУ (2006)./

Андрей Звездов
1963-1996, Киев
Натюрморт с осенними листьями» 1991
масло, картон

Карл Звиринский
1923-1997
«Натюрморт», 1965

Зоя Орлова
1981, Киев
Натюрморт», 2004
картон, смешанная техника

Олег Омельченко
1980
«Натюрморт с часами», 2010
масло, холст

Николай Кристопчук
1934, Львов
«Косовский натюрморт», 1983
масло, холст

Борис Колесник
1927-1992, Харьков
«Натюрморт», 1970
картон, масло

/Родился в с. Вильшаны Харьковской области.
В 1943-1949 г.г. учился в Харьковском государственном художественном училище, в 1949-1955 г.г. — в Харьковском государственном художественном институте.
В 1965 г. вступил в Союз Художников УССР.
Автор жанровых лирических картин, раскрывающих быт и традиции украинского народа.
Работы Колесника Б.А. хранятся в Музее Русского Искусства в Киеве, в художественных музеях Харькова и других городов Украины и бывшего СССР./

Константин Ломыкин
1924-1993, Одесса
«Груши», 1980
картон, пастель

/Живописец, график. Народный художник Украины.
Родился в г. Глухов, Сумской области. В 1951 году окончил Одесское художественное училище. Член Одесской организации Союза художников УССР с 1953 года.
Автор тематических картин, произведений бытового жанра, пейзажей и натюрмортов.
Заслуженный деятель искусств УССР.
Произведения художника находятся в художественных музеях Украины, а также в частных коллекциях Украины, России, Японии, Франции, Греции, Германии, Италии, Португалии и других стран./

Александр Хмельницкий
1924-1998, Харьков
«Натюрморт с красной шляпой»
масло, холст

/Родился в Харькове.
Учавствовал в боевых действиях в годы Великой Отечественной войны.
С 1947 по 1953 год обучался в Харьковском государственном художественном институте, затем преподавал в ХГХИ, (Харьковский художественно-промышленный институт), с 1978 года — профессор
В 1956 году был принят в члены Харьковской организации Союза художников Украины, был председателем секции живописи.
В 1974 году участвовал в создании диорамы «Форсирование Днепра» в соавторстве с А. Константинопольским, В. Мокрожицким, В. Парчевским для Музея Великой Отечественной войны в Киеве.
Народный художник Украины. Был членом-корреспондентом Академии искусств Украины с 1997 года.
Произведения художника находятся в музеях, галереях, частных коллекциях Украины и за ее пределами./

Владимир Богуславский
1954, Львов
«Бронзовый кувшин», 2005
масло, холст

/Родился в 1954 году в Киеве. В 1973 — 1978 годах учился в Львовском институте декоративно-прикладного искусства. Стал известным после знаменитых седневских молодежных пленэров (1988), где принимал участие по приглашению Тиберия Сильваши, а также выставок молодежного искусства «Совиарт» (1989-1991). Участник многочисленных международных выставок, масштабных презентаций отечественного искусства. Произведения находятся в музейных собраниях Украины и заграничных частных коллекциях/.

Надеюсь, вам понравилось.
Спасибо за внимание!

Переходим к заключительной стадии этой серии постов о жанре натюрморта. Он будет посвящен творчеству художников России.

Начнем пожалуй с Федора Петровича Толстого (1783-1873). Натюрмортная графика Ф.П. Толстого, известного русского скульптора, медальера, рисовальщика и живописца, наверно, наиболее выдающаяся и ценная часть его творческого наследия, хотя сам художник говорил, что создавал эти произведения “в свободное от серьезных занятий время”.

Главное свойство натюрмортных рисунков Толстого — их иллюзорность. Художник тщательно копировал натуру. Он пытался, по его собственным словам, “со строгой отчетливостью передать с натуры на бумагу копируемый цветок так, как он есть, со всеми малейшими подробностями, принадлежащими этому цветку”. Чтобы ввести зрителя в заблуждение, Толстой использовал такие иллюзионистские приемы, как изображение капелек росы или полупрозрачная бумага, прикрывающая рисунок и помогающая обмануть зрение.

Илья Ефимофич Репин (1844-1930) также не раз обращался к такому мотиву натюрморта, как цветы. К таким произведениям можно отнести картину “Осенний букет” (1892, Третьяковская галерея, Москва), где художник с равным вниманием изображает осенний пейзаж, молодую женщину, стоящую на фоне золотистых деревьев, и скромный букет из желтых и белых цветов в ее руках.

И. Репин. Осенний букет. Портрет Веры Репиной. 1892, Третьяковская галерея

История картины “Яблоки и листья” несколько необычна. Натюрморт, сочетавший фрукты и листья, был поставлен для ученика Репина, В.А. Серова. Предметная композиция настолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт. Цветы и плоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти, наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы. Даже И.Н. Крамской, пренебрежительно относившийся к подобному жанру, также отдал дань натюрморту, создав эффектную картину “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва).

Валентин Александрович Серов (1865-1911) известен большинству из нас как художник, уделявший в своем творчестве внимание в области пейзажа, портрета и исторической живописи. Однако, следует заметить, что предмет в его творчестве всегда играл важную роль и нередко занимал такое же равноправное положение, как и другие элементы композиции. Чуть выше я уже упомянул его ученическую работу «Яблоки на листьях», 1879 года, выполненный под руководством Репина. Если сравнить эту работу с произведением, написанным на ту же тему Репиным, можно увидеть, что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя. Начинающий художник использовал низкую точку зрения, поэтому первый и второй планы совмещены, а фон уменьшен.

Известная всем с детства картина «Девочка с персиками» выходит за рамки портретного жанра и не случайно названа она “Девочка с персиками”, а не “Портрет Веры Мамонтовой”. Мы можем видеть, что здесь соединились черты портрета, интерьера и натюрморта. Художник уделяет равное внимание изображению девочки в розовой кофточке и немногочисленным, но умело сгруппированным предметам. На белой скатерти лежат нежно-желтые персики, кленовые листья и блестящий нож. Любовно выписаны и другие вещи, находящиеся на дальнем плане: стулья, большая фарфоровая тарелка, украшающая стену, фигурка игрушечного солдата, подсвечник на подоконнике. Солнечный свет, льющийся из окна и ложащийся на предметы яркими бликами, придает изображению поэтическое очарование.

Михаил Александрович Врубель (1856-1910) писал: “И опять меня обдает, нет, не обдает, а слышится мне та интимная национальная нотка, которую мне так хочется поймать на холсте и в орнаменте. Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного, дифференцированного и бледного Запада”.

В Академии художеств любимым преподавателем Врубеля был Павел Чистяков, учивший молодого живописца «рисовать формой» и утверждавший, что объемные формы не следует создавать в пространстве тушевкой и контурами, их следует строить линиями. Благодаря ему Врубель научился не просто показывать натуру, а словно вести с ней задушевную, почти любовную беседу. В таком духе выполнен чудесный натюрморт мастера “Шиповник” (1884).

На фоне изысканной драпировки с цветочными мотивами художник разместил изящную округлую вазочку, расписанную восточными узорами. Отчетливо выделяется нежный белый цветок шиповника, оттененный сине-зеленой тканью, а листья растения почти сливаются с тускло мерцающим черным горлышком вазы. Эта композиция исполнена невыразимой прелести и свежести, которой зритель просто не может не поддаться.

В период болезни Врубель стал больше писать с натуры, причем его рисунки отличаются не только чеканностью формы, но и совершенно особенной одухотворенностью. Кажется, что каждое движение руки художника выдает его страдания и страсти.

Особенно примечателен в этом отношении рисунок “Натюрморт. Подсвечник, графин, стакан”. Это сокрушительный триумф яростной объективности. Каждый предмет натюрморта несет в себе скрытую взрывчатую силу. Материал, из которого изготовлены вещи, будь то бронза подсвечника, стекло графина или матовый отблеск свечи, ощутимо дрожит от колоссального внутреннего напряжения. Пульсация передается художником короткими перекрещивающимися штрихами, из-за чего фактура приобретает взрывчатость и напряженность. Таким образом, предметы приобретают невероятную заостренность, в которой и заключается истинная суть вещей

Большого мастерства в создании натюрмортов-“обманок” достигли Г.Н. Теплов и Т. Ульянов. Чаще всего они изображали дощатую стенку, на которой были прорисованы сучки и прожилки дерева. На стенках развешаны или заткнуты за прибитые гвоздями тесемочки разнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узких полочках расставлены часы, чернильницы, флаконы, подсвечники, посуда и другие мелкие вещицы. Кажется, что подобный набор предметов совершенно случаен, но на самом деле это далеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников, занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно и старательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью и непосредственностью восприятия натуры.

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) также много уделял в своем творчестве жанру натюрморта. На его жизнерадостных полотнах можно увидеть яркие атласные ткани, сверкающие медью самовары, блеск фаянса и фарфора красные ломти арбуза, виноградные грозди, яблоки, аппетитные кексы. Одной из его замечательных картин является «Купчиха за чаем», 1918 г. Невозможно не восхищаться ярким великолепием показанных на полотне предметов. Сверкающий самовар, ярко-красная мякоть арбузов, глянцевые яблоки и прозрачный виноград, стеклянная вазочка с вареньем, позолоченная сахарница и чашка, стоящие перед купчихой, — все эти вещи вносят в изображение праздничное настроение.

В жанре натюрморта большое внимание уделялось так называемым «натюрмортам-обманкам». Многие натюрморты-“обманки”, несмотря на то, что их главной задачей было введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в музеях, где, развешанные по стенам, такие композиции, конечно же, не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, “Натюрморт с книгами”, выполненный П.Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный “книжный шкаф”, и посетители не сразу догадываются, что это всего лишь картина.

Очень хорош “Натюрморт с попугаем” (1737) Г.Н. Теплова. С помощью ясных, четких линий, переходящих в мягкие, плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художник показывает разнообразные предметы, развешанные на дощатой стене. Виртуозно передана древесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почти реальное ощущение свежего запаха только что выструганного дерева.

Г.Н. Теплов. “Натюрморт с попугаем”, 1737, Государственный музей керамики, усадьба Кусково

Русские натюрморты-“обманки” XVIII века свидетельствуют о том, что художники еще недостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показать фактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. В отличие от голландских натюрмортов, где вещи, поглощенные световой средой, изображены в единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно, даже мелочно, живут как бы сами по себе, вне зависимости от окружающего пространства.

В начале XIX века большую роль в дальнейшем развитии натюрморта сыграла школа А.Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегося научить своих воспитанников целостному видению натуры.

А.Г.Венецианов. Гумно, 1821-23 г.

Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер. Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни, кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т.п. В этих произведениях важное место отводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти не интересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось очень немного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менее, Венецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица и фигуры людей, но и окружающие их вещи.

Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан с остальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа. Например, подобную функцию выполняют серпы в картине “Жнецы” (вторая половина 1820-х, Русский музей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными в неспешную и безмятежную жизнь персонажей.

Хотя Венецианов, по всей вероятности, не писал собственно натюрмортов, он включал этот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: “Неодушевленные вещи не подлежат тем разнообразным изменениям, кои свойственны предметам одушевленным, они стоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему время точнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как в линиях, так в свете и тени самим цветом, кои зависят от места, занимаемого предметами ”.

Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академии художеств в XVIII-XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии с натюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодых художников обращаться к натуре, ввел в свою программу первого года обучения натюрморт, составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветные ленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так, чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы по цвету.

В картинах, созданных талантливыми учениками Венецианова, вещи переданы правдиво и свежо. Таковы натюрморты К. Зеленцова, П.Е. Корнилова. В творчестве венециановцев есть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но, тем не менее, роль вещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна “Кабинет в Островках” и “Отражение в зеркале” Г.В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге.

Г.В. Сорока. “Кабинет в Островках”. Фрагмент, 1844, Русский музей, Санкт-Петербург

Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а как своеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему композиционному и эмоциональному строю картины. Главным связующим элементом здесь является свет, мягко переходящий от одного предмета к другому. Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику, любовно изобразившему каждый предмет, каждую самую мелкую вещицу.

Натюрморт, представленный в “Кабинете в Островках”, хотя и занимает небольшое место в общей композиции, кажется необыкновенно значительным, выделенным благодаря тому, что автор отгородил его от остального пространства высокой спинкой дивана, а слева и справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столе предметами, что почти забыл об остальных деталях картины. Мастер тщательно выписал все: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листы бумаги, свечу в подсвечнике. Точка зрения сверху позволяет рассмотреть все вещи, ни одна из них не загораживает другой. Такие атрибуты, как череп, часы, а также символы “земной суеты” (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислить натюрморт к типу vanitas, хотя такое совпадение чисто случайно, скорее всего, крепостной художник воспользовался тем, что лежало на столе его хозяина.

Известным мастером предметных композиций первой половины XIX столетия был художник И.Ф. Хруцкий, написавший множество прекрасных картин в духе голландского натюрморта XVII века. Среди самых лучших его работ — “Цветы и плоды” (1836, Третьяковская галерея, Москва), “Портрет жены с цветами и фруктами” (1838, Художественный музей Белоруссии, Минск), “Натюрморт” (1839, Музей Академии художеств, Санкт-Петербург).

В первой половине XIX века в России большой популярностью пользовался “ботанический натюрморт”, пришедший к нам из Западной Европы. Во Франции в это время выходили сочинения ботаников с прекрасными иллюстрациями. Большую известность во многих европейских странах получил художник П.Ж. Редуте, который считался “самым прославленным живописцем цветов своего времени”. “Ботанический рисунок” был значительным явлением не только для науки, но и для искусства и культуры. Подобные рисунки преподносились в подарок, украшали альбомы, что таким образом ставило их в один ряд с другими произведениями живописи и графики.

Во второй половине XIX века большое внимание изображению предметов уделял П.А. Федотов. Хотя он не писал собственно натюрмортов, мир вещей, созданный им, восхищает своей красотой и правдивостью.

Предметы в произведениях Федотова неотделимы от жизни людей, они принимают самое непосредственное участие в драматических событиях, изображенных художником.

Глядя на картину “Свежий кавалер” (“Утро после пирушки”, 1846), поражаешься обилию предметов, тщательно выписанных мастером. Настоящий натюрморт, удивляющий своей немногословностью, представлен на знаменитой картине Федотова “Сватовство майора” (1848). Осязаемо реально передано стекло: фужеры на высоких ножках, бутылка, графин. Тончайшее и прозрачное, оно как будто издает нежный хрустальный звон.

Федотов П.А. Сватовство майора. 1848—1849. ГТГ

Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не только достоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишком привлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажется удивительным и красивым.

Хотя Федотов не писал натюрмортов, он проявлял несомненный интерес к этому жанру. Чутье подсказывало ему, как расположить тот или иной предмет, с какой точки зрения его представить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но и выразительно.

Мир вещей, помогающий показывать жизнь человека во всех ее проявлениях, наделяет произведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины “Анкор, еще анкор” (1851-1852), “Вдовушка” (1852) и многие другие.

Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересовать художников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в свои композиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В.Г. Перова (“Чаепитие в Мытищах”, 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л.И. Соломаткина (“Славильщики-городовые”, 1846, Государственный исторический музей, Москва).

Натюрморты представлены в жанровых сценах А.Л. Юшанова (“Проводы начальника”, 1864), М.К. Клодта (“Больной музыкант”, 1855), В.И. Якоби (“Разносчик”, 1858), А.И. Корзухина (“Перед исповедью”, 1877; “В монастырской гостинице”, 1882), К.Е. Маковского (“Алексеич”, 1882). Все эти полотна ныне хранятся в собрании Третьяковской галереи.

К.Е. Маковский. “Алексеич”, 1882, Третьяковская галерея, Москва

В 1870-1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотя пейзаж и портрет также занимали важное место. Огромную роль для дальнейшего развития русского искусства сыграли передвижники, стремившиеся показать в своих произведениях правду жизни. Художники стали придавать большое значение работе с натуры и потому все чаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последний напрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннего содержания. Так, И.Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, не пренебрегавшем натюрмортами, в письме к В.М. Васнецову: “Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол”.

Тем не менее, многие русские художники, не писавшие натюрмортов, восхищались ими, глядя на полотна западных мастеров. Например, В.Д. Поленов, находившийся во Франции, писал И.Н. Крамскому: “Посмотришь, как тут дело идет, словно по маслу, работает каждый в своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится и оплачивается. У нас главным образом значение имеет, что сделано, а тут — как сделано. Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще в придачу считают сего медных дел мастера первым живописцем, и, пожалуй, не без резону”.

Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В.И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: “Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал”. Есть в его письме к П.М. Третьякову и такие слова: “А рыбы Жильберта — чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано”.

И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях (“Больная” Поленова, “Меншиков в Березове” Сурикова).

В.Д. Поленов. “Больная”, 1886, Третьяковская галерея

Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870-1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающие стремление авторов передать особенности вещей. Некоторые подобные работы изображают необычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картины И.Е. Репина “Запорожцы пишут письмо турецкому султану”, 1891). Самостоятельного значения такие произведения не имели.

Интересны натюрморты А.Д. Литовченко, выполненные как подготовительные этюды к большому полотну “Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею” (1875, Русский музей, Санкт-Петербург). Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие, инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся в царских сокровищницах.

Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычные бытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, а также являли собой результат упражнения в живописной технике.

Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи. Например, в картине И.Н. Крамского “Некрасов в период „Последних песен” (1877-1878, Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С.Н. Гольдштейн, занимавшийся исследованием творчества Крамского, пишет: “В поисках общей композиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер, несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознанию духовного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельные аксессуары этого интерьера — тома “Современника”, беспорядочно уложенные на столике у постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского, висящий на стене портрет Добролюбова — приобрели в этом произведении значение отнюдь не внешних признаков ситуации, но реликвий, тесно связанных с образом человека”.

Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают “букеты”. Интересен “Букет” В.Д. Поленова (1880, Музей-усадьба Абрамцево), по манере исполнения немного напоминающий натюрморты И.Е. Репина. Непритязательный по своему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он, тем не менее, восхищает своей свободной живописью. Во второй половине 1880-х годов похожие букеты появятся в живописи И.И. Левитана.

По-иному демонстрирует зрителю цветы И.Н. Крамской. Многие исследователи полагают, что две картины — “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва) и “Розы” (1884, собрание Р.К. Викторовой, Москва) — были созданы мастером во время работы над полотном “Неутешное горе”.

Два “букета” Крамской продемонстрировал на XII Передвижной выставке. Эффектные, яркие композиции, изображающие садовые цветы на темном фоне, нашли покупателей еще до открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г.О. Гинцбург и императрица.

На IX Передвижной выставке 1881-1882 годов внимание публики привлекла картина К.Е. Маковского, названая в каталоге “Nature morte” (теперь она находится в Третьяковской галерее под названием “В мастерской художника”). На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок, тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры — всего лишь детали, нужные автору для того, чтобы оживить натюрморт — множество роскошных вещей в мастерской художника. Написанная в традициях фламандского искусства, картина Маковского все же трогает душу зрителя. Художник, увлекшийся передачей красоты дорогих вещей, не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого — демонстрация богатства и роскоши.

Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своим великолепием. На столе лежит традиционный для натюрморта набор фруктов — крупные яблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебряная кружка, украшенная орнаментом. Рядом стоит бело-синий фаянсовый сосуд, возле которого располагается богато украшенное старинное оружие. О том, что это мастерская художника, напоминают кисти, помещенные в широкий кувшин на полу. У золоченого кресла — шпага в роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат и дорогие ткани — парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес. Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого, золотистого.

Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт не играл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд к картине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамках академической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру не возвращались. Натюрморты писали в основном непрофессионалы, создававшие акварели с цветами, ягодами, фруктами, грибами. Крупные мастера не считали натюрморт достойным внимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показать обстановку и украсить изображение.

Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников, работавших на рубеже XIX-XX столетий: И.И. Левитана, И.Э. Грабаря, В.Э. Борисова-Мусатова, М.Ф. Ларионова, К.А. Коровина. Именно в то время в русском искусстве натюрморт появился как самостоятельный жанр.

Но это был весьма своеобразный натюрморт, понимаемый художниками, работавшими в импрессионистической манере, не как обычная замкнутая предметная композиция. Мастера изображали детали натюрморта в пейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько само пространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интерес представляют также графические натюрморты М.А. Врубеля, отличающиеся неповторимой самобытностью.

В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такие художники, как А.Я. Головин, С.Ю. Судейкин, А.Ф. Гауш, Б.И. Анисфельд, И.С. Школьник. Новое слово в этом жанре сказал и Н.Н. Сапунов, создавший целый ряд картин-панно с букетами цветов.

В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разных направлений. Среди них были т.н. московские сезаннисты, символисты (П.В. Кузнецов, К.С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестве таких известных мастеров, как М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк, П.П. Кончаловский, А.В. Шевченко, Д.П. Штеренберг, сделавшие натюрморт полноправным среди других жанров в русской живописи XX века.

Одно перечисление русских художников, которые в своем творчестве использовали элементы натюрморта заняло бы немало места. Поэтому ограничимся приведенным здесь материалом. Желающие могут ознакомиться более подробно по ссылкам, приведенным в первой части этой серии постов о жанре натюрморта.

Предыдущие сообщения: Часть 1 –
Часть 2 –
Часть 3 –
Часть 4 –
Часть 5 –

О некоторых знаковых художниках, создававших картины в жанре натюрморта.

Введение

Термин «натюрморт» используется для дефиниции картин, изображающих неодушевленные объекты (от латинского «мертвая природа»). Причем объекты могут быть как естественного происхождения (плоды, цветы, мертвые животные и насекомые, черепа и прочее), так и созданные человеком (различная утварь, часы, книги и свитки бумаги, ювелирные украшения и так далее). Зачастую в натюрморт включается некоторый скрытый подтекст, переданный через символическое изображение. Работы аллегорического характера относятся к поджанру «ванитас» .

Натюрморт как жанр получил наибольшее развитие в Голландии в 17-ом веке как способ протеста против официальной церкви и навязывания религиозного искусства. В дальнейшей истории живописи работы голландцев того времени (Утрех, Лейден, Делфт и других) оказали огромное влияние на развитие искусства: композицию, перспективу, использование символики в качестве элемента повествования. Несмотря на свою значимость и интерес со стороны публики, по мнению академий искусств , натюрморт занимал в общей иерархии жанров последнее место.

Рэйчел Рюйш

Рюйш — один из самых известных голландских реалистов и авторов натюрморта. Композиции этой художницы содержат массу символики, разнообразных моральных и религиозных посылов. Ее фирменный стиль представляет собой комбинацию темного фона, дотошной проработки деталей, нежной окраски и изображении дополнительных, придающих интерес, элементов(насекомых, птиц, рептилий, хрустальных ваз).

Хармен ван Стенвейк

Работы этого голландского реалиста прекрасно демонстрируют натюрморты в стиле ванитас, иллюстрирующие суету земной жизни. Одной из самых знаменитых картин является «Аллегория тщеславия человеческой жизни», в которой показан человеческий череп в лучах солнечного света. Различные предметы композиции отсылают к идеям неотвратимости физической смерти. Детализация и уровень реализма картин Стенвейка достигается за счет использования тонких кистей и техники нанесения краски.

Поль Сезанн

Известный своими пейзажами, портретами и жанровыми произведениями, Сезанн внес вклад и в развитие натюрморта. После того, как интерес к импрессионизму пропал, художник начал исследовать фрукты и природные объекты, экспериментировать с объемными фигурами. Эти исследования помогли создать перспективу и объем в натюрмортах не только с помощью классических методов, но и путем мастерского использования цвета. Все рассмотренные Сезанном направления в дальнейшем были дополнительно изучены Жоржем Браком и Пикассо при разработке аналитического кубизма . В погоне за целью создать что-то «постоянное», художник предпочитал писать одни и те же объекты, а невероятно длительный процесс создания натюрморта приводил к тому, что фрукты и овощи начинали гнить и разлагаться задолго до завершения картины.

Хем

Ученик Давида Байи, голландский реалист Хем известен великолепными натюрмортами с большим числом деталей, нагруженными композициями, обилием насекомых и прочих декоративных и символичных элементов. Нередко художник использовал в работах религиозные мотивы, подобно Яну Брейгелю и Федерико Борромео.

Жан Батист Шарден

Сын плотника Жан Шарден приобрел свое трудолюбие и тягу к порядку именно благодаря отцу. Картины мастера зачастую спокойны и трезвы, ведь он стремился к гармонии тона, цвета и формы, во многом достигаемой благодаря работы с освещением и контрастами. Желание чистоты и порядка выражается также в отсутствии аллегорий в композициях.

Франс Снейдерс

Автор натюрмортов и сцен с животными эпохи барокко был невероятно плодовитым мастером, а его способность изобразить текстуру кожи, меха, стекла, металла и прочих материалов была непревзойденной. Снайдерс был также выдающимся анималистом, часто изображая в своих натюрмортах мертвых животных. Позже он становится официальным живописцем эрцгерцога Альберта Австрии, что вылилось в создание еще большего числа шедевров.

Франсиско де Сурбаран

Сурбаран — известный автор картин на религиозную тему — является одним из величайших создателей натюрмортов. Окрашенные в строгих испанских традициях, его работы имеют качество, не зависящее от времени, и безупречную простоту. Как правило, они представляют небольшое число объектов на затемненном фоне.

Конор Уолтон

Из современных авторов внимания заслуживает Конор Уолтон. Вклад ирландского художника в развитие натюрморта можно отчетливо увидеть в работах «Сокрытое: апельсины и лимоны» (2008), «Натюрморт с большими Орхидеями»(2004). Труды мастера точны и выполнены с исключительным использованием света, помогающим передать текстуры различных поверхностей.

Лучшие натюрморты

обновлено: Ноябрь 14, 2017 автором: Глеб

Современные художники, современное искусство

Мы стараемся предлагать Вашему вниманию лучшие работы современных художников: не только получивших всемирное признание, но и молодых, малоизвестных мастеров. Приводя развернутую биографию художников, представленных в нашей галерее, мы хотим помочь Вам сделать правильный выбор, оценить инвестиционный потенциал покупки. Ведь картина — это не только прекрасный дорогой подарок, но и выгодное вложение денежных средств, способ уберечь их от инфляции.

Помимо работ современных отечественных художников в нашем арт-центре представлены картины западных мастеров, а также знаменитых российских художников начала XX века. Коллекция нашей галереи современного искусства включает большой выбор живописи, графики, гравюр, экслибриса.

Ниже Вы найдете пока неполный список современных художников, чьи работы являются гордостью нашей коллекции. Звоните нашим консультантам или приходите в наш арт-центр Галерею соврменного искусства «Артимекс». Мы находимся в самом центре Москвы. Будем рады видеть Вас!!!

Абрамов Рудольф Федорович

РУДОЛЬФ ФЕДОРОВИЧ АБРАМОВ (1934-2012)

Художник, живописец. Член Союза художников СССР.Член МОСХ.
Работал в жанре пейзажа, натюрморта.
Участник региональных, областных и московских выставок.
Произведения мастера находятся в региональных музеях и частных собраниях.

Андронов Николай Иванович

Никола́й Ива́нович Андро́нов (30 апреля 1929, Москва — 10 ноября 1998, Москва)— русский художник, живописец, один из основоположников сурового стиля.

Барри Бриско (Barry Briscoe) Барри Бриско (Barry Briscoe) (1936-2010) родился в Глочестере, Англия в 1936 году, в возрасте тринадцати лет переехал в Канаду со своими родителями. После окончания школы в Канаде, он не стал сразу же поступать в университет, три года он путешествовал по Канаде и Австралии. Бродская Лидия Исааковна Бродская Лидия Исааковна (1910, Петербург -1991, Ленинград).
Народный художник СССР (1980). Член-корреспондент Академии Художеств СССР (1970). Лауреат Государственной премии РСФСР им. И.Е. Репина.
В 1935-1939 гг. в качестве вольнослушателя училась в мастерской своего отца И.И. Бродского в ленинградской Академии художеств, с 1939 г. училась в Москве у Н.П. Крымова.

Музеи: ГТГ; Государственный Русский музей, Санкт-Петербург; в музеях Киева, Львова, Челябинска, Астрахани.

Быков Виктор Александрович

Быков Виктор Александрович (1958)

Известный российский пейзажист, живописец. В 1980 он закончил челябинский колледж искусств. С 1988 по 1993 учился в Москве в МГХПА им. Строганова. Картины художника находятся в частных коллекциях Германии, Австрии, США и России.

Вертков Николай Васильевич

Вертков Николай Васильевич родился в 1935 году в селе Алексеевка Новосибирской области. Окончил Ярославское художественное училище.
Член Союза художников России.

Один из искусствоведов заметил о Николае Васильевиче «В своем творчестве он тяготеет к обобщенности образа, подчеркнутой монументализации, плакатности изобразительного языка.»

Рейтинг художника 4В

Вихрова Мария

Талантливая молодая художница, увлеченная кубизмом Пикассо, режиссер, подающий надежды. Очень самобытный стиль живописи, свой удивительно богатый мир, где люди слипаются друг с другом и страдают от одиночества, мир ярких пятен, и контрастов, а также полутонов. Живет в Москве.

Гаврилов Владимир Николаевич Владимир Николаевич Гаврилов (31 мая 1923, Москва — 17 июля 1970) — российский художник. Отец пианиста Андрея Гаврилова. Заслуженный художник РСФСР (1970). Гарнисов Геннадий Борисович

Гарнисов Геннадий Борисович (1926-1991) Художник-нонконформист.

В 1950-е годы художник подружился с В.Немухиным, Н. Вечтомовым, В. Вайсбергом, которые были вовлечены в подпольное авангардное движение.

Его работы находятся в коллекции художественного музея Нью-Джерси США. ГТГ, частных коллекциях России, США и Германии.

Глебов Федор Петрович

ГЛЕБОВ ФЕДОР ПЕТРОВИЧ

(1914-1980)

Советский живописец, пейзажист. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1974). Родился в 1914 году. Учился в Московском областном художественном училище памяти 1905 г. у Н.П. Крымова (1932-1936), в МГХИ им. В.И. Сурикова у С.В. Герасимова, А.А. Осмеркина (1936-1941).

Горлов Николай Николаевич

Николай Николаевич Горлов (1917 -1987)

1917 Родился в Омске

1934—1938 Воспитывался в Люберецкой трудкоммуне имени Ф. Э. Дзержинского
1936 Начал участвовать в выставках

В 1937 году директор Художественного института им. В.И. Сурикова Игорь Эммануилович Грабарь посетил коммуну имени Дзержинского и, увидев работы Николая Горлова, зачислил его безо всяких экзаменов сразу на 2-й курс института.

Гришин Петр Алексеевич Гришин Петр Алексеевич
(1923—2001), художник, педагог, член Союза художников России (1957),
заслуженный художник России (2001)
Родился в Саратове. В 1939-1943, 1947-1949 гг. учился в СХУ у И. Н. Щеглова, В. Ф.Гурова, Б. В. Миловидова, в 1949-1950 гг. – в Рижской Академии художеств. Участник Великой Отечественной войны. Награжден орденами Красной Звезды и Отечественной войны I ст. и медалями. В 1973-1984 гг. преподавал в СХУ. Участник областных, зональных, республиканских выставок с 1951 г. Персональные выставки состоялись в 1987, 1998 гг. в Саратове. В 1959-1960 гг. был председателем Саратовской организации Союза художников, в 1979-1986 гг. – председателем молодежного объединения при Саратовской организации Союза художников. Губарев Петр Фёдорович

Петр Фёдорович Губарев (18 октября 1906, село Бутчино, Калужская область — 13 января 1994, Москва) — художник.
Рейтинговым Центром Профсоюза художников присвоена рейтинговая категория: Губарев Петр Федорович — 4А — «состоявшийся профессиональный художник с творческим потенциалом».

Дёмин Сергей Михайлович

ДЕМИН СЕРГЕЙ МИХАЙЛОВИЧ (1946)

Член СХ России с 1995 года. Участник областных и зональных выставок. С 1999 по 2004 гг. провёл пять персональных выставок. В Орехово-Зуеве, Московском Фонде Культуры, выставочном зале «Творчество» (Москва), художественной галерее «Импрессия» (Гостиный Двор) и др. Участник международных выставок в Китае. Награждён бронзовой медалью «За мастерство» Фонда «Культурное Достояние».

Евстафьева Ирина Андреевна

Евстафьева Ирина Андреевна (24.7.1917, Орёл — 22.4.2001, Москва) — художница, русский живописец и график, постимпрессионист

Коллекции:
Государственная Третьяковская галерея (там же – двойной портрет Т.Мавриной «Антонина Софронова с дочерью Ириной», холст, масло, 1938)
Орловский областной музей изобразительных искусств
Национальная картинная галерея Республики Коми, Сыктывкар
Звенигородский историко-архитектурный и художественный музей
Государственный историко-литературный музей-заповедник А.С.Пушкина, Большие Вязёмы, Московская область
Ярославский художественный музей
Дом-музей С.И. Танеева, деревня Дютьково под Звенигородом
Частные собрания А.Заволокина, В.Яковлева, В.Иванюка, С.Маркуса, В.Алексеева-Набокова (все — Москва).

Земсков Лев Николаевич

Земсков Лев Николаевич родился 25 октября 1916 года в Москве.

В 1937 году окончил художественное училище имени 1905 года (учителя Н.И. Шестаков и Н.П. Крымов). По окончании училища поступил в Московский Государственный Художественный Институт им. В.И. Сурикова, который окончил в 1945 г. по квалификации художник-живописец. В институте учился у Г.Г. Ряжского и в мастерской С.В. Герасимова и П.Д. Покаржевского (название дипломной работы — «Встреча героя»).

Зорин Леонид Николаевич

Зорин Леонид Николаевич

Профессия: педагог, архитектор, художник; профессор кафедры дизайна архитектурной среды Московского архитектурного института; Родился: 02.08.1955, г. Владимир;

Членство: Московский союза художников (МСХ), Союз московских архитекторов, Союз художников России, Международный союз экслибрисистов ФИСАЕ. Награжден дипломом Российской академии художеств.

Иванов Всеволод Борисович

Иванов Всеволод Борисович (1950)

Иванов Всеволод Борисович родился 14 августа 1950 год в городе Беломорске. 1978 г. — окончил тверское художественное училище по специальности художника-оформителя. До 1974 года участвовал в городских, областных и одной всесоюзной выставках самодеятельных художников. После 1978 года выставлялся по линии Союза Художников России.

Комаров Виктор Сергеевич Виктор Сергеевич Комаров родился в 1934 году, получил два высших образования — в Московском инженерно-строительном институте и Московском художественно-промышленном училище. С 1969 года является членом творческого союза художников страны. Более 40 лет работал иллюстратором, создал иллюстрации более чем к шестистам книгам. Имеет 4 диплома за лучшее оформление книг. Конышева Натта Ивановна

Конышева Натта Ивановна

Работы Конышевой хранятся в Государственной Третьяковской галереей в Москве, Русским музеем в Санкт-Петербурге, Музеем наивного искусства в Ницце, Франция. Коллекционеры России, Франции, Италии, Германии и других стран с большим удовольствием инвестируют свои деньги в картины этого замечательного художника.

Крикис Андрей Янисович

Родился 19 сентября 1950 г. в г. Ярославле.

Начиная с раннего детства 1953г. Вся сознательная жизнь художника прошла в Узбекистане.

Отец Андрея — Крикис Янис Константинович, археолог по профессии, был направлен из Ташкента на научно-исследовательскую работу в Самарканд по вопросу археологического исследования древнего городища Афросиаб.

Красноперов Александр Фокеевич

Живописец. Пейзажист

Произведения находятся в ООМИИ им. М.А. Врубеля, ГМИО, «Либеров-центр», в музее Саяно-Шушенской ГЭС. Томском краеведческом музее, в ведомственных музеях и районных картинных галереях.
Работы художника также являются собственностью частных картинных галерей и коллекций в России и за рубежом Летянин Виктор Федорович

ЛЕТЯНИН ВИКТОР ФЕДОРОВИЧ (1921-2009)

Заслуженный художник Р. Ф. Родился в с. Калинине Нижегородской губернии. Окончил ГХУ(1938−1949) и Институт им. И. Е. Репина АХ СССР (1949−1955). Работает в области жанровой картины. Автор ряда полотен на тему Великой Отечественной войны 1941−1945г.г. Член Союза художников России с 1957 года. С 1955 года — постоянный участник областных выставок. Экспонент зональных(«Большая Волга», 1967, 1974, 1985, 2003), республиканских (Москва, 1957), всесоюзных (Москва, 1959) художественных выставок. Персональные выставки: Н. Новгород: 1991, 2002. Ветеран Великой Отечественной войны 1941−1945г.г.

Макаренков Александр

Александр Макаренков закончил художественно-графический факультет Смоленского государственного педагогического института, работал преподавателем, журналистом, художником, редактором в различных издательствах. Участвовал в художественных выставках не только в городах России, но и за рубежом. Нарисовал иллюстрации более чем к 60 книгам.

Максимов Кондрат Евдокимович

Максимов Кондрат Евдокимович (1894-1981) — живописец, пейзажист, мастер натюрмортов.

Родился в 1894 году, в деревне Шишкино Вятской губернии. Один из видных представителей реалистической школы живописи в Татарстане. В 1914-1917 учился в Казанской художественной школе. Затем жил и работал в Казани. Народный художник Республики Татарстан.

Мустафина Эльмира

Эльмира Мустафина

Родилась в 1977 году в городе Чистополь, Татарстан.
Окончила Казанское Художественное училище им. Фешина и Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (факультет графики М.М. Герасимова).
С 2005 член Санкт-Петербургского Союза Художников и член Общества акварелистов Санкт-Петербурга.

Первухин Константин Константинович

Первухин Константин Константинович (1863 — 1915) — русский пейзажный живописец импрессионист, иллюстратор, фотограф, член Товарищества передвижных художественных выставок, один из учредителей Союза русских художников.

Разумовская Юлия Васильевна

РАЗУМОВСКАЯ ЮЛИЯ ВАСИЛЬЕВНА

(1896—1987)

Работы художницы хранятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, в музее Гугенхайма (Нью-Йорк), во многих музеях России, а также в частных коллекциях.

Расторгуев Евгений Анатольевич

РАСТОРГУЕВ ЕВГЕНИЙ АНАТОЛЬЕВИЧ (1920-2009)

Художник Расторгуев Евгений Анатольевич Заслуженный деятель искусств России, член Союза художников, живописец, график-иллюстратор, скульптор.

Расторгуев Евгений Анатольевич участник известной «Группы 16». Художник знаменит в основном своим практически бесконечным циклом «Городецкие фантазии».

Рождественский Василий Васильевич

Рождественский Василий Васильевич [1884 — 1963]
Русский и советский живописец. График и театральный художник.

Участник выставок с 1907;
Мир искусства. Москва, 1917,
1922; 5-я Государственная выставка картин. Москва,
1919; 1-я Государственная выставка картин местных и московских художников. Витебск,
1919; 1-я Государственная выставка искусства и науки. Казань,
1920; Берлин, 1922; XIV Международная выставка искусств. Венеция,
1924; Московские живописцы. Москва,
1925; VIII выставка АХРР. Москва, 1926 и другие.

Россаль-Воронов Алексей Семёнович

Россаль-Воронов Алексей Семёнович (1921 — 2008) — российский художник, иконописец.

Алексей родился в Ананьеве (Украина), затем семья перебралась в Москву. Но спустя несколько лет его отца арестовали и выслали в Магнитогорск, на строительство металлургического комбината. Семья последовала за ним. Вскоре семья вновь переехала уже в Самарканд, где Алексей поступил в Самаркандское художественное училище. Одним из его учителей был Роберт Фальк.

Смирнов Юрий Федорович

Смирнов Юрий Фёдорович

Родился в Тамбовской области в июле 1941г. под созвездием Рака, что, как он считает, и сказалось на его характере. В 1972 г. он окончил Московское училище памяти 1905 года, с 1990 г.- член Союза художников России, член МЕЖДУНАРОДНОЙ ФЕДЕРАЦИИ ХУДОЖНИКОВ (IFA) при ЮНЕСКО. Автор двух десятков книжных знаков. Его творчество отмечено рядом престижных российских и международных наград. Участник XXVII, XXVIII и XXIX Конгрессов FISAE. Участник более 30-ти художественных выставок.

Смирнов Марк Александрович

СМИРНОВ МАРК АЛЕКСАНДРОВИЧ (1985)

Художник, пейзажист, портретист.

Член Международного Художественного Фонда.Академик Европейской академии искусств в Ганновере (Германия).

Спэкман (Cyril Saunders Spackman)

Спэкман Сyril Saunders Spackman (1887-1963) — скульптор, художник, архитектор. Родился в Клевленде США 15 августа 1887 году.

Образование получил в Кливленде, затем в Королевском Колледже Лондона.

Получил ширукую известность именно в Англии, где много работал и выставлялся.в период с 1913-1940 гг.

Картины обладают прекрасным коммерческим потенциалом, украсят интерьер и станут жемчужиной коллекции современного искусства.

Струлев Евгений Алексеевич

Струлев Евгений Алексеевич (1939-1998)

Художник Струлев — мастер примитивизма. Начиная с 1960-х гг. в Москве проходят его персональные выставки. Также художник выставлялся в Европе и Канаде. Работы находятся в музеях Брянска, Волгограда, Екатеринбурга, Казани, Новосибирска,Оренбурга, Переславль-Залесского, Киргизии и др.

Субота Максим

Выставки:
2010 -участие «Российская неделя искусств».
2011 -участие «Борщ».
2013 — «Психотерапия» арт-галерея «ЭГО».
2014 — «Introversion» BriArt Design Studio.
2015 — «33 агрессивных детей» Мясницкая 13.
2015 — участие,мастер-класс «Юрьева ночь.Созерцание космоса.» Творческая мастерская Рябичевых.
2015 — «Shnugmoongness tales» ДК Петлюры.
2015 — мастер-класс «Архмосква».
2015 — участие » Trimurti 2015″ » Gallery Day of Joy».
2015 — пеформанс «Умирание и преображение» «Еще не открывшееся пространство».
2015 — участие «Параллельная программа 6 московской биенале в творческой усадьбе «Гуслица»».

Усачев Анатолий Андреевич

УСАЧЕВ АНАТОЛИЙ АНДРЕЕВИЧ (1914-1998)

А.А. Усачев известный художник-архитектор-иллюстратор.
Родился 23 апреля в Оренбурге в семье рабочего-железнодорожника. Юношей уехал в Москву.
В 1940 г. закончил Архитектурный институт и получил первую премию от Союза архитекторов из рук профессора Щусева.
Воевал. Награжден 14 орденами и медалями.
После войны работал в различных архитектурных мастерских. Свободное время отдавал рисованию.
Начиная с 1977 г., полностью посвящает себя масляной живописи.
Более 200 персональных выставок в России и за Рубежом.

Уткин Петр Саввич

Уткин Петр Саввич (1877-1934)

П.С. Уткин родился в семье железнодорожника. В саратовской студии Общества любителей изящных искусств, а затем в Боголюбовской рисовальной школе (в дальнейшем — училище) он начал свое художественное образование.

Филонов Фёдор Андреевич

Федор Андреевич Филонов — профессиональный художник, график, живописец.

Родился Ф. А. Филонов в 1919 году в селе Ново-Александровка (ныне Рубцовский район Алтайского края). Ушел из жизни в 2007 году в Барнауле.

Картины Ф.А.Филонова пользуются огромной популярностью среди коллекционеров советского искусства.

Фогель Борис Александрович Фогель Борис Александрович родился 18 января 1872 года в городе Темир-Хан-Шуре (ныне Буйнакск).
В 1882 году пошёл во 2-ю мужскую гимназию. С первого класса занимался рисунком у А. В. Захарова, воспитанника Строгановского училища. Продолжал занятия живописью, пользуясь советами В. Поленова, В. Маковского, К. Коровина, С. Коровина. Около года занимался в частной студии у Л. Пастернака, с которым впервые писал декорации к опере А. С. Аренского «Рафаэль», написанной в 1894 году для Всероссийского съезда художников и открытия Третьяковской галереи. Цыплаков Виктор Григорьевич

художник Цыплаков Виктор Григорьевич

Цыплаков Виктор Григорьевич (1915 – 1986)

Персональные выставки прошли в 1956, 1986 и 2007 гг. в Москве.
Работы хранятся в Государственной Третьяковской Галерее,
Государственном Русском Музее, крупнейших музеях бывшего СССР.

Чаркин Серафим Серафимович

Чаркин Серафим Серафимович родился 17 февраля 1945 года в городе Сумы.

В 1969-1973 гг. обучался на живописно-реставрационном отделении Ленинградского художественного училища им. В.А.Серова (Гольдин М.А.).

С 1988 года член Союза художников СССР.

Чижонков Александр Тимофеевич

Чижонков Александр Тимофеевич (1930, с. Нарышкино, Тульская обл. – 2008, Москва)

В 1956 г. с отличием окончил Московское художественно-промышленное училище памяти 1905 г., в 1962 г. также с отличием – Московский Государственный Художественный Институт им. В.И. Сурикова (мастерская В.Г. Цыплакова).
В 1964 г. вступил в Союз Художников СССР. Мастер жанровой картины, натурного пейзажа.
Выставочную деятельность начал в 1959 г. (выставка «Кузбасс в строительстве семилетки»).
Произведения хранятся в Государственной Третьяковской Галерее (картина «1942 год. Поезд милосердия», 1967), региональных художественных музеях России.

Чумак Владимир Федорович

Чумак Владимир Федорович (1938-2013)

Один из ведущих живописцев земли Пензенской. Он родился в апреле 1938г. в г.Медногорске Оренбургской области. С 1961 по 1966гг. учился в Пензенском художественном училище им. К.А.Савицкого. С 1966г. — участник областных, зональных Всероссийских и даже международных выставок.
В 1979г. его пейзаж «Лунная ночь» был представлен на выставке в Тернополе, посвященной 325-летию воссоединения Украины с Россией. В составе творческих групп он трижды был на Академической даче им. И.Е. Репина, где его работы получили самые высокие отметки от крупнейших российских живописцев, академиков В.Ф. Загонека, С.П. и А.П. Ткачевых, Ю.П. Кугач и других, с которыми работал бок о бок.

Шугрин Анатолий Иванович В наши дни произведения А.И.Шугрина хранятся в музеях Нукуса, Ярославля, Новосибирска и Тбилиси, в частных коллекциях России и зарубежья (Франции, Венгрии, США и других стран)
В состав ретроспективы А.И. Шугрина в Третьяковской галерее включено около 80 работ 1930–1970-х годов из собрания семьи автора и частных коллекций Москвы и С.-Петербурга. Разное Вашему вниманию представлены картины художников современной живописи.

Этот современный художник-натюрморт достигает глубин стиля

Джанет Рикус

привносит очень современный вид в почтенный жанр.

Джон А. Паркс

Дар (масло на панели, 14 × 18) Джанет Рикус

В руках Джанет Рикус натюрморты стали стильными, современными и электрическими. Многие предметы и реквизит, с которыми она работает, — фрукты, овощи и керамика — были основными продуктами жанра на протяжении веков.Но Рикус находит новые и удивительные способы позировать и расположить традиционные элементы. Она также добавляет раритеты, современный тканевый принт или необычный кусок керамики, который явно сигнализирует о чем-то современном. Это ощущение усиливается общим видом картин; есть четкая ясность, в которой каждый объект полностью реализован в хрустальном прохладном дневном свете.

Объекты как метафоры

Помимо элегантности композиций, картины Рикуса несут в себе множество уровней значимости; они часто имеют для художника глубоко прочувствованное значение.«Натюрморты — это жизнь, — говорит она, — связь с людьми и природой, которые мне нравятся. Для меня это не просто рисование предметов. Фрукты и овощи, прекрасные сами по себе и часто вызывающие воспоминания, позволяют мне привнести наблюдения за жизнью на картины. Керамика, новая или старая, с ее декоративными или утилитарными функциями, несет свою собственную историю и связь с жизнями, стоящими за ней ».

Рикус выражает уважение к объектам, которые она рисует необычным способом: она рисует все в их реальном размере.Тыквы, яблоки, кувшины, миски и ткани тщательно отмеряются и вытягиваются один к одному. «Я не совсем понимаю, как это произошло», — говорит художник. «Но я чувствую, что для представления объектов я должен показать их такими, какие они есть на самом деле. Если бы они были меньше, то это были бы не они ». Отождествление художника со своими объектами также означает, что она никогда не калечат их каким-либо образом. «Я никогда не нарежу фрукт или что-нибудь нарежу», — говорит она. «Я просто не могу этого сделать».

Почти (холст, масло, 14 × 18) Джанет Рикус

Реляционные композиции

Это ощущение объектов натюрморта, играющих почти человеческие роли, влияет на то, как Рикус организует свои композиции.Например, в «Почти » (вверху) две дыни не совсем касаются друг друга, что сигнализирует о чем-то вроде межличностного напряжения. Еще одна очень человечная драма разыгрывается в фильме «Зеленый цвет» (ниже). Зеленая керамическая птица помещена среди группы естественно зеленых фруктов. «Я думаю, что эта картина пытается вписаться», — говорит художник. «Это юмористично, но также и о том, что делают люди».

На самом деле, Рикус говорит, что она часто черпает идеи от своих собратьев.«То, как вещи соприкасаются, накладываются друг на друга и наклоняются в моих картинах, — это то, что я узнала из того, как люди относятся к ним», — говорит она. «Не знаю, чем бы я еще занимался, и думаю, что зрители так относятся к картинам. Даже когда я намеренно не создаю человеческую ситуацию, люди, смотрящие на картину, склонны привносить в нее свои собственные драмы ». Далекий от того, чтобы рассматривать натюрморт как бесплодную формальную игру, Рикус понимает этот жанр как нечто, глубоко отражающее ее жизнь и жизни окружающих.

Быть зеленым (холст, масло, 14 × 18) Джанет Рикус

Измеряемый процесс

Генезис картины Рикуса сочетает в себе простор для изобретений с высокодисциплинированной методологией. Ее студия находится на верхнем этаже дома и выходит окнами на север. Это пятно дает ей стабильный прохладный свет в течение большей части дня. Она никогда не использует фотографию.

Выбрав предметы для новой картины, она приступает к работе, расставляя и переставляя их в сочетании со скатертями или тканями.По мере продвижения она взвешивает различные аспекты абстрактного дизайна, цветовой координации и иконографии. Когда она устраивает композицию, она растягивает холст подходящего размера. Поскольку она рисует в натуральную величину, объекты декораций и пропорции композиции во многом определяют размеры холста. «Я измеряю фактическую композицию на столе, оставляя равные поля с каждой стороны и припуски сверху и снизу», — говорит художник.

Peepers (холст, масло, 15 × 30) Джанет Рикус

Слои на слои

Рикус продолжает свою подготовку, нанося на холст восемь тонких слоев акрилового гипса.Между большинством слоев она шлифуется, чтобы получить гладкую поверхность. Затем она наносит тонкий слой акриловой краски, чтобы подкрасить весь холст. «Я использую необработанную умбру, но легко могу использовать любой нейтральный цвет — черный, сине-серый или другие коричневые», — говорит она.

Затем Рикус использует Т-образный квадрат, чтобы нарисовать карандашную линию на своем холсте, указывая на столешницу ее установки. Она добавляет маленькие карандашные отметки, чтобы показать, где композиция будет начинаться и заканчиваться слева и справа от ее поверхности. «Поскольку я работаю в натуральную величину, я часто, насколько могу, измеряю объекты, которые буду рисовать, чтобы получить хорошее представление о соотношении размеров», — говорит художник.

«Для них я тоже делаю пометки карандашом. Затем я набираю краски на свою палитру любого цвета, который, по моему мнению, мне понадобится для объектов передо мной. Я начинаю с левой стороны, рисуя кистью первый объект подходящего цвета. Я надеюсь, что когда я перейду на другую сторону картинки, я не буду слишком далеко от своей карандашной отметки с правого поля ». Здесь стоит отметить, что Рикус не создает монохромный подмалевок; она начинает с прямых заявлений о цвете перед ней.

Натюрморт с ложками (холст, масло, 16 × 20) Джанет Рикус

Исправления и цвета

Сделав набросок всего изображения, Рикус затем вносит необходимые коррективы для стабилизации композиции и исправления рисунка. Затем она начинает процесс наслоения, медленно доводя всю картину до завершения.

Рикус работает синтетическими кистями скромного размера, создавая краску небольшими мазками, исследуя тонкие вариации цвета на поверхностях.Она не использует веерную кисть или другие инструменты для растушевки. Позже она добавляет в краску ликер Winsor & Newton Liquin. Это создает большую полупрозрачность и глубину, поскольку она наносит цвет на более твердые слои под ним.

«Каждый объект работает над другим, — говорит она, — и по мере того, как один объект приближается к завершению, следующий объект должен соответствовать развитию предыдущего». Одна из проблем, которую Рикус должен решить на этом этапе, — это выбор цвета фона. «Это одна из самых сложных частей картины», — говорит она.«Фон обычно имеет оттенки серого — теплый, холодный, коричневатый или голубоватый. Но всегда сложно найти правильный цвет или тон, который дополнял бы каждый объект на картине. Часто это результат проб и ошибок ».

Заимствованная серия VIII (холст, масло 16 × 20) Джанет Рикус

Отражения

Когда она рисует, Рикус время от времени смотрит на свою работу в зеркало. Эта стратегия позволяет ей взглянуть на произведение свежим взглядом. Часто это обнаруживает какие-либо ошибки в рисунке или слабые места в рендеринге.По вечерам она переносит картину в другую комнату, чтобы посмотреть на нее в другом свете. Этот прием не только освежает ее видение, но и помогает понять, как картина может выглядеть в другом контексте.

В конце концов, Рикус должен решить, когда остановиться. «Я не могу сказать, как я узнаю, что картина закончена, — говорит она, — за исключением того, что она закончена равномерно и меня ничего в этом не беспокоит».

После того, как картина закончена, а это занимает от двух до четырех недель, Rickus позволяет ей высохнуть еще несколько недель, прежде чем нанести смесь матового и глянцевого лака, чтобы выровнять поверхность картины и добавить определенную степень защиты.

Заимствованная серия IX (холст, масло, 17 × 28) Джанет Рикус

Сцена для творческой игры

Картины Рикус имеют последовательный вид, что вытекает из видения художника, но также и из ее приверженности единообразному подходу. Все картины написаны в одном свете с мольбертом на одинаковом расстоянии от предметов. Угол обзора, уровень чуть выше столешницы, никогда не меняется, и выбор довольно нейтрального цвета фона происходит на всех картинах.

Преимущество строгого ограничения этих переменных состоит в том, что артист определяет для себя сцену, на которой она будет заниматься творчеством. Эти ограничения не ограничивают ее творческие возможности, а позволяют ей сосредоточиться на изучении широкого и увлекательного диапазона идей.

Картина Птицы (холст, масло, 18 × 18) Джанет Рикус

Игры, в которые она играет

Например, в A Bird Painting (вверху) Рикус объединяет несколько изображений птиц, создавая игривое соответствие между трехмерными и плоскими изображениями.Зеленая керамическая птичка закрепляет композицию. Но птицы также появляются в каждом из предметов: напечатаны на ткани, нарисованы на банке, вылеплены на ручке горшка и вырезаны в рельефе на стене. «На то, чтобы собрать все предметы для картины, потребовалось довольно много времени, — говорит Рикус. «Я обыскивал антикварные магазины и дома друзей в поисках вещей с изображениями птиц». Она зашла в магазины тканей, но не нашла подходящего птичьего принта. «Наконец-то я нашла отпечаток на самодельном фартуке в местном магазине изделий ручной работы», — вспоминает она.«Я разобрал фартук и превратил его в скатерть для картины». Она нашла горшок в том же магазине ручной работы и купила зеленого керамического голубя на eBay.

Выше и ниже (холст, масло, 20 × 30) Джанет Рикус

Она играет в игру другого типа в « Above and below », где большая группа объектов, включая кувшин с красочно нарисованным цветочным узором, сидит на ткани, цвета которой отражают цвета предметов.Создается впечатление, что нижняя часть картины представляет собой некую абстракцию вышеперечисленных объектов.

Более буквальная игривость проявляется в At Rest (внизу), где большая тыква несколько нелепо лежит на полноразмерной подушке, как спящий ребенок. «Каждый год осенью я хожу на ферму и всегда нахожу что-то красивое и чудесное», — говорит Рикус.

«В этом году я увидел эту огромную тыкву — и она действительно была огромной. Он был длинным, но очень толстым.В этом было что-то такое, что мне понравилось, как толстый ребенок: вы просто хотите его обнять, но вам также немного плохо, потому что он такой толстый. Но это так красиво! Мое сердце упало на это. Я принес домой. А потом я подумал: «Это такое особенное, что я должен положить его на подушку». Готовая картина имеет немного странное ощущение, нежный юмористический сюрреализм.

At Rest (холст, масло, 23 × 34) Джанет Рикус

Скрытые смыслы

В The Gift (вверху страницы) идет почти приватная игра, где группа объектов слегка обведена лентой с бантом.«У меня есть группа людей, которые были моими лучшими друзьями с подросткового возраста», — говорит Рикус. «И я решил, что хочу написать о нас, но мне пришлось работать в рамках своих ограничений. Я сказал им всем выбрать овощ или фрукт ».

Рикус говорит, что сначала она не могла найти нужный объект для своего собственного представления, что-то, что могло бы иметь смысл, но также закрепило бы композицию. «Наконец-то я придумала этот кувшин, который бабушка подарила моей матери», — говорит она.«Это все очень личное. Я обматываю все вокруг лентой, чтобы связать все вместе, как в дружбе. Я полагаю, что зритель никогда не узнает эту интерпретацию, но, надеюсь, энергия и чувство все еще что-то делают ».

Rickus планирует продолжить работу в этом направлении в обозримом будущем. «Я просто продолжаю придумывать идеи», — говорит она, отмечая, что ей нравится работать в своих рамках. Она замечает, что с годами ее работа стала более точной и квалифицированной, и она явно этим гордится.Без сомнения, с большим контролем придут еще более тонкие игры и стратегии, а также новые глубины чувств. Художник с нетерпением ждет этого.

Материалы

ПОВЕРХНОСТЬ: хлопчатобумажная утка со средней текстурой на тяжелых носилках и грунтовка Utrecht Professional Acrylic Gesso
МАСЛА: Old Holland , Holbein и Winsor & Newton
& Newton Liquin, растворитель без запаха
ЛАК: Liquitex Soluvar Varnish, матовый и глянцевый, в смеси 1-1
КИСТИ: Loew-Cornell No.1 белая нейлоновая плоская морилка; Утрехт № 8 белый нейлон, круглый; Princeton Nos. 2, 4, 6 и 8 нейлоновые фундучки
ДРУГОЕ: Фарфоровый эмалированный лоток для палитры 11 × 15 для палитры, мольберт с ручкой, малая палочка, Т-образный квадрат

О художнике

В течение последних двух лет Джанет Рикус в Государственном университете Центрального Коннектикута (Новая Британия), где она должна была получить степень бакалавра наук в области бизнес-образования, она прошла несколько художественных курсов, не собираясь делать карьеру в этой области.После колледжа она продолжала время от времени посещать уроки рисования и начала широко выставляться и получать награды. Галерея Henoch (Нью-Йорк), Clark Gallery (Линкольн, Массачусетс) и Quidley & Company (Бостон и Нантакет, Массачусетс) представляют ее работы. Другие ее картины можно найти на сайте artsy.net/artist/janet-rickus. Фото Дороти Рикус.

Джон А. Паркс — не только писатель, но и художник. Его последняя книга — Универсальные принципы искусства: 100 ключевых концепций понимания, анализа и применения искусства .Посетите его сайт johnaparks.com.

Вам также может понравиться:

Рог изобилия современного натюрморта — ARTnews.com

Прошлой осенью британский художник Мэт Коллишоу показал серию ярко освещенных цветных фотографий в Художественном музее Майами Басс. В одном из них было изобилие современных удовольствий: сырные сэндвичи на гриле, нарезанные треугольными клиньями, сложены высоко на серебряном блюде, восковые комочки сыра просачиваются сквозь поджаренную корочку.Слева — соусник, полный кетчупа, справа — два сваренных вкрутую яйца, пропитанные глазурью булочки с корицей — в тени, а картофель фри рассыпается на стол.

Произведение 2011 года называется Гарри Миллер . Миллер был осужден за насильник и убийцу, казненный с помощью смертельной инъекции 5 декабря 2000 года в Хантсвилле, штат Техас. Этот залитый жиром дисплей с искусной подсветкой — воссоздание его последней трапезы.

На других изображениях серии, озаглавленных «Последняя трапеза в камере смертников, штат Техас», также показаны бутерброды с индейкой ( Bernard Amos ), листовая зелень и спелые помидоры ( Chester Wicker ), стейк на косточке и вареные креветки ( Martin Vega ), замороженные хлопья и пинта молока ( Jeffrey Barney ), а также вафля для причастия и бокал вина ( Jonathan Nobles ).Это снисходительность — буквальная и духовная — перед лицом смерти, на грани смерти и в качестве замены самого мертвого человека, каждая из которых является визуальным эквивалентом последнего глотка воздуха.

По совпадению, официальные лица правительства штата прекратили практику «последней трапезы» в Техасе в 2011 году, в том же году, когда Коллишоу, которого представляют Blain | Southern в Лондоне и Галерея Тани Бонакдар в Нью-Йорке, завершила серию.

Мэтью Бенедикт включает череп, традиционный символ vanitas , в свой смешанный медиа- Apocalyptic Still Life , 2012, в котором ракушки сочетаются с устаревшими калькулятором и пишущей машинкой.

Сериал представляет собой умный взгляд на болезненный, часто vanitas — насыщенный визуальный синтаксис, типичный для европейских натюрмортов 16-17 веков — закодированный словарь, в котором представлены свежие цветы, спелые фрукты, сырое мясо, очищенные устрицы и т. Д. черепа, перья, ракушки и другие экзотические диковинки как символы смерти. И это мотив, который в 21 веке претерпел возрождение: Коллишоу — один из целого ряда художников, использующих внешний вид и язык модели nature morte , чтобы выразить беспокойство по поводу нашей современной эпохи из книги Мэтью Бенедикта «Апокалиптический натюрморт ». устаревших технологий: разбитая люстра из муранского стекла Хавьера Переса, которую теребят вороны, или скульптурные виньетки Джессики Джексон Хатчинс, в которых предметы повседневного обихода загораживаются огромными гипсовыми формами и заключены в них, как если бы они были реликвиями современной Помпеи.(Большой выбор работ Джексона Хатчинса занимает видное место в фильме «Жанры: Натюрморт», который можно будет увидеть в Художественном музее Эли и Эдит Броуд в Университете штата Мичиган до 16 марта.)

«Вопросы смерти, времени и потребления являются ключевыми для жанра», — говорит Пол Мартино, младший хранитель фотографий в Музее Дж. Пола Гетти в Лос-Анджелесе. «И все это вопросы, которые остаются для нас центральными сегодня, может быть, даже в большей степени из-за безумной активности современной жизни», — и проблемы расточительства, поспешности, войны и глобализации, заложенные в них.

Майкл Петри, лондонский художник и куратор, автор недавней книги Nature Morte: Contemporary Artists Reinvigorate the Still-Life Tradition (Thames & Hudson), предполагает, что это могло быть явным условием после 11 сентября: « Непрерывная война в течение последних десяти лет и непрекращающаяся угроза терроризма породили представление о том, что смерть на самом деле идет с нами ».

Хрупкость жизни — мощная подкатегория этой более широкой тенденции. Это идея, которую традиционные художники-натюрморты выражали столетия назад через цветы на грани зрелости и начала распада, и современные художники стремятся развить и расширить.Финская художница Саара Экстрём, которая выставляется в галерее Kalhama & Piippo в Хельсинки, долгое время работала в жанре натюрморта. Например, ее серия «Лимбус» 2011 года включает черно-белые фотографии цветов, разбросанных по земле среди человеческих волос, листьев и веток. Снимки были сделаны в стиле, похожем на фотографии с места преступления, обращая внимание на то, как срубают цветы в расцвете сил, и мрачно расширяя их ассоциации со смертностью.

Ekström также использует покадровую фотографию, чтобы показать извечную связь натюрморта со смертью и распадом.В фильме « Clouded Yellow Bud » (2008) она зафиксировала камеру на переполненной чашке чая, когда на ее поверхности и блюдце постепенно образовывалась плесень; в фильме Domestic Nature Morte (2004) зрители наблюдают, как сморщиваются и умирают пухлые спелые помидоры.

Ори Гершт подчеркивает разрушение, лежащее в основе жанра натюрморта, в таких взрывающихся натюрмортах, как Time After Time: Untitled 8 , 2007.

ПРЕДОСТАВЛЕНО THE ARTIST AND CRG GALLERY, НЬЮ-ЙОРК

Израильский фотограф и видеохудожник Ори Гершт также хорошо известен своим необычным взглядом на присущую нам хрупкость и исторический натюрморт в целом.Его работы (показанные в обзоре Гершта 2012 года под названием «History Repeating» в Музее изящных искусств в Бостоне) включают серию «Blow Up»: крупномасштабные принты с цветочными композициями, напоминающие работы XIX века. Живописец Анри Фантен-Латур — запечатлел срединный взрыв, с угловатыми осколками стеблей и лепестков, усеивающими живописное пространство (эффект, достигнутый путем замораживания композиции в преддетонации жидкого азота). Такие видеоработы, как «Большой взрыв» (2006), документируют сам взрыв в замедленном темпе и в замечательном высоком разрешении, продвигая органические осколки по большей части черного кадра.Они падают и разлетаются, как орбитальный мусор.

Гершт обратился к другому мотиву натюрморта в Pomegranate (2006), который имитирует композицию Хуана Санчеса Котана для Айва, капуста, дыня и огурец (около 1602 года), хотя и с другими фруктами. В этой видеоработе, также снятой с чрезвычайно высокой частотой кадров для воспроизведения действия в замедленном движении, пуля летит к свисающему гранату, разрезая фрукт пополам. Он устрашающе отражает человеческую плоть, из которой медленно выливаются семена и кроваво-красный сок.

«Во многих моих работах присутствует акт разрушения, который для меня как бы бросает вызов самому понятию натюрморта, потому что традиционно существует вечная сохранность», — говорит Гершт, представитель CRG в Нью-Йорке. «В то же время на фотографиях я замораживаю момент и сохраняю его как вечное». Момент, который относится к короткому и ненадежному жизненному циклу цветка; момент, который наводит на мысль о смертности и течении времени.

«Это процесс, в котором акт разрушения становится в работе моментом творения», — продолжает Гершт.«Я думаю, это имеет отношение к духу натюрморта и сохранению эфемерного».

Гершт также интересовался исследованием того, как технологии влияют на то, как мы визуализируем мир — как они «постоянно меняют наше восприятие реальности» и как они могут позволить нам испытать то, что раньше было незаметно для человеческого глаза (пуля в полете, например, или цветочная композиция midexplosion), или, как он это называет, «гиперреалистично».

В более буквальном смысле британские художники Роб и Ник Картер сотрудничали с Moving Picture Company — студией визуальных эффектов, создавшей такие фильмы, как « Жизнь Пи », чтобы создать «Вазу с цветами в окне » Амброзиуса Босхарта Старшего (ок. .1618) как полностью цифровое изображение, которое постепенно смещается в течение трех часов по мере того, как солнце садится и лепестки цветка увядают. Произведение под названием Transforming Still Life Painting (2012) было показано вместе с выставкой «Вермеер, Рембрандт и Хальс: шедевры голландской живописи из Маурицхейса», недавно представленной в коллекции Фрика в Нью-Йорке.

Медлительность — важнейший элемент недавней работы Картеров. В Transforming Vanitas Painting (2012–13) компьютерная анимация изображает мертвую лягушку в фильме Амброзиуса Босхарта Младшего «Мертвая лягушка с мухами » (ок.1630) медленно гниют и распадаются в течение трех часов работы изделия. Толчком к работе послужило утверждение, что посетители музея тратят в среднем всего шесть секунд на просмотр произведения искусства.

В этих произведениях используются технологии как средство замедления работы зрителей, — говорит Кейт Брайан, руководитель отдела современного искусства Лондонского общества изящных искусств, проводившего в прошлом году обзор работ Картеров. Картеры, добавляет Брайан, пытаются «вернуть наше внимание и заставить нас снова взглянуть» — не только на свою работу, но и на то, что нас окружает.

Для фотографа из долины Гудзон Шэрон Кор, которая выставляется в галерее Янси Ричардсон в Нью-Йорке, элемент медлительности присущ длительному и органическому процессу, который лежит в основе ее работ, ориентированных на натюрморты. Как и многие ее коллеги, которые напрямую занимаются этим жанром, Кор смотрит на исторические натюрморты, чтобы стимулировать свои современные композиции, цитируя работы художников, от мастеров 16-го века, таких как Босхарт и Ян Брейгель Старший, до более поздних практикующих, таких как Фантин. -Латур и Рафаэль Пил.Текущая серия под названием «1606–1907» включает в себя усилия Core по воссозданию — и оживлению — своей работы с помощью фотографии.

В своей серии «1606–1907» Шэрон Кор выращивает фамильные цветы и фотографирует их в тщательной аранжировке, воссоздавая натюрморты разных эпох. 1606 , 2011, напоминает голландских мастеров.
© SHARON CORE / ПРЕДОСТАВЛЕНИЕ ХУДОЖНИКА И Янси Ричардсон, НЬЮ-ЙОРК,
Core берет на себя трудную задачу поиска семян и луковиц семейных реликвий для выращивания оригинальных видов фруктов, овощей и цветов, которые появляются в работах более ранних художников, и выращивания их самостоятельно.В отличие от живописи, «фотография рассматривается как быстрое средство», — говорит Кор. «Но если я пытаюсь имитировать что-то из прошлого, это означает, что я должен создавать прошлое в настоящем». А на это нужно время.
«Мне нравится такая подрывная деятельность», — добавляет Core. «Оригинальные работы часто писались кропотливо. Я отражаю это в своей деятельности ». Картеры тоже, если на то пошло: их цифровые рендеры создавались более трех лет.
«Меня всегда впечатлял тот факт, что натюрморт использовался на протяжении всей истории как традиционный и экспериментальный способ визуального исследования», — говорит Мартино, куратор исторического обзора фотографии натюрмортов в Getty в 2010 году.«Это также похоже на то, к чему отступают фотографы, когда в художественной среде происходят большие изменения».
Например, он добавляет: «Я думаю, что смерть химической фотографии заставила художников отступить к чему-то, что они знают, почти как стоять на твердой земле. Это позволяет вам быть более творческими и экспериментальными. И я думаю, что это одна из причин, почему натюрморт за последние несколько лет стал более популярным жанром ».
Есть также определенный элемент скромности, который пронизывает современную фотографию натюрморта, особенно в нашу посткризисную эпоху.Голландский фотограф Криста ван дер Ниет, чьи работы были включены в обзорный обзор современной голландской фотографии натюрморта, организованный Мультимедиа Арт Музеем в Москве и Московским Домом фотографии, признает этот элемент своей работы и ее работы. коллеги тоже.
«Люди хотят работать в студии, чтобы переоценить простые вещи вокруг нас и заново оценить эти вещи», — говорит ван дер Ньет, выступая с Liefhertje en De Grote Witte Reus в Гааге.Большая часть работ Ван дер Ньета основана на визуальном соединении природных и искусственных объектов. В Fruit (2009) полутрадиционное расположение продуктов, купленных в магазине, заключено в обнаженный чулок. Образовавшаяся пленкообразная поверхность указывает на гниение или даже — с американской точки зрения — на пестициды, которыми покрываются многие из наших фруктов и овощей, выращиваемых на массовых фермах.
Действительно, сегодняшняя культура питания — ее производство, ее брендинг и ее дефицит в определенных сообществах по всему миру — часто неотделимы от ее использования в современном искусстве.В Kerstmis (2011) ван дер Ньет поместил голову и туловище мертвого кролика, подвешенного за задние лапы, на группу красных елочных украшений; в безымянной работе 2012 года она оставила клин канталупы, частично покрытый пищевой пленкой; и в живописной и почти монохромной композиции (также без названия) она разместила баклажаны и авокадо вокруг небольшого холма ежевики, покоящегося в пластиковом контейнере, в котором они были.
Столь же детально проработаны фотографии пухлых красных яблок и идеально разделенных пополам вафель в шоколаде, сделанные Кристофером Уильямсом, стилизованные и сфотографированные профессиональными коммерческими специалистами — четкие изображения с потенциальным брендом без бренда и проницательный комментарий о том, как изображаются и упаковываются продукты питания. , и продал.Уильямс выставляется в галерее Дэвида Цвирнера в Нью-Йорке и Лондоне и в Galerie Gisela Capitain в Кельне. Ретроспектива его работ в середине карьеры будет представлена в Чикагском институте искусств до 18 мая; он отправится в Музей современного искусства в Нью-Йорке в августе.
Фотограф из Чикаго Лаура Летински, которую, как и Кор, представляет дилер современной фотографии Янси Ричардсон, была привлечена к работе с натюрмортами, потому что она видела в нем «способ взаимодействия с моей культурой, моим обществом.Но вместо того, чтобы думать об историческом натюрморте, который она называет своего рода «рогом изобилия или наслаждением чувств», Летинский хотел исследовать «более скудный путь, склонность быть довольным тем, что у тебя есть». Все это заставило меня захотеть взглянуть на натюрморт в тот момент, когда что-то потреблено, — подумать об этом моменте «поста», о голоде, о желании, желании и нужде »
Эмма Беннетт, Невесомая тишина, , 2013. Беннетт выделяет детали из голландских и итальянских натюрмортов 17-го века, подвешивая их на черном фоне.
ПРЕДОСТАВЛЕНО CHARLIE SMITH LONDON
В натюрмортах Летинского (которые были собраны на персональной выставке в Денверском художественном музее в прошлом году) одинокий пластиковый стаканчик стоит на покрытом белым полотном столе с ложкой, лежащей на его губе, и полосатыми остатками посуды. шоколадный пудинг, покрывающий его стороны. В сериале «Собака и волк» 2008 года Летинский изображал апельсиновые корки, устричные раковины, разделанную рыбу, сморщенные цветы, недоеденные праздничные торты и сдутые воздушные шары, которые могли остаться после вечеринки.Как и ее фламандские предшественники, Летинская намекает на непостоянство, течение времени и неизбежный конец всему. Но она также призывает нас радоваться жизни — она призывает нас окопаться.
Помимо множества фотографов и видеохудожников, занимающихся этим жанром, следует отметить, что натюрморт остается мощным инструментом и для художников. Художники стремились использовать этот жанр, чтобы комментировать жизнь и искусство, прошлое и настоящее, изобилие и расточительство. Например, испанский художник Хорхе Дьесма, который выставляется вместе с Галерией Алегриа в Барселоне и Мадриде, покрывает огромные холсты почти фотореалистичными изображениями туш животных и экзотических семейных реликвий, погружая зрителей в его замысловатые просторы декаданса и смерти.А Эмма Беннетт, лондонская художница, которую представляет Чарли Смит, вырезает и рисует части голландских шедевров посреди полностью черной пустоты. Получающиеся изображения кажутся подвешенными в воздухе, не привязанными к какой-либо сфере и напоминающими зрителю, что наши мирские владения столь же непостоянны, как и мы, — что все это в конечном итоге исчезнет.
Рэйчел Вольф — писатель, редактор и продюсер из Бруклина.
Версия этой истории впервые появилась в февральском выпуске журнала ARTnews за 2014 год на странице 62 под тем же названием.
10 известных художников-натюрмортов 20-го века
Изображение обыденных предметов, таких как чаши, цветы, продукты питания и другие предметы, которые можно найти в обычном доме, было и остается главной заботой художников-натюрмортов . Однако средства, стили и средства, с помощью которых может быть представлено искусство натюрморта, значительно различаются.
В начале 17 века натюрморт стал самостоятельным жанром в искусстве , но считался менее важным, чем исторические и аллегорические изображения того периода.Появившись как независимый жанр в Европе в те же годы, невозможно определить, кто первым разработал и практиковал натюрморт в живописи. Истоки жанра натюрморта прослеживаются в живописных традициях Европы , включая фламандские картины Марии, созданные в пятнадцатом веке, итальянские изображения мясных прилавков и испанские винные погреба. Жан-Батист Шарден в 18 веке продолжал развивать натюрморты после успеха фламандских художников-натюрмортов.Он использовал либо реализм в голландском стиле, либо более мягкую гармонию в своих творениях и создал одни из самых известных натюрмортов. С развитием художественных академий по всей Европе, которые пропагандировали иерархию жанров, натюрморты постепенно отставали и практиковались меньше, чем другие жанровые формы. Однако, когда неоклассицизм начал исчезать с ростом романтизма и реализма, натюрморт снова стал важной темой среди художников, таких как Франсиско Гойя, Гюстав Курбе и Эжен Делакруа.Следующим этапом в развитии натюрморта стал импрессионизм и постимпрессионизм, преобладание цвета и света над темой.
В 20 веке натюрморт считался художественной темой наравне с другими. Развитие натюрморта внимательно следило за стилистическими изменениями того периода: от фовизма, экспрессионизма, кубизма до поп-арта и фотореализма. Предметы натюрморта даже вышли за рамки традиционного средства живописи и вошли в арт-сцену как арт-объекты через ready-mades и инсталляции, где вместо того, чтобы быть представленными, они сами стали произведениями искусства, как в работах Армана и Джуди Чикаго.
В следующем списке приведены примеры некоторых из известных художников-натюрмортов 20 века вместе с их картинами

Совет редакции : Nature Morte: современные художники возрождают традиции натюрморта
Ведущие художники современности возрождают натюрморт — жанр, который когда-то больше ассоциировался со старыми мастерами шестнадцатого и семнадцатого веков, чем с современным искусством. Смелые натюрморты, прославленные здесь, бросают вызов этому историческому превосходству и по-новому определяют, что значит быть произведением природы (что буквально переводится с французского: «мертвая природа»).Будь то живопись, рисунок, скульптура, видео или другие средства массовой информации, современные художники опираются на многовековую традицию создания работ концептуальной живости, красоты и эмоциональной остроты в настоящее время. Структурированная в соответствии с классическими категориями традиции натюрморта — Флора, Еда, Дом и дом, Фауна и Смерть, каждая глава в книге Майкла Петри исследует, как вечный символический резонанс memento mori был заново открыт для нового тысячелетия. .
Поль Сезанн — Аналитический подход к натюрморту
Поль Сезанн считается предшественником кубизма и модернизма в целом.Его аналитический подход к форме, линиям и цвету часто заставлял его создавать свои изображения из фрагментарных мазков, которые в дальнейшем будут использоваться кубистами. В его натюрмортах фрукты, кувшины и бутылки лежат на гофрированных скатертях и часто расположены так, чтобы походить друг на друга. Вместо того чтобы создавать реалистичный эффект за счет иллюзии глубины, Сезанн экспериментировал с живописными элементами . Поэтому неудивительно, что многие модернисты называли его «отцом всех нас».
Изображение: Поль Сезанн — Натюрморт с черепом, 1895-1900 гг. Изображение с www.ibiblio.org
Анри Матисс — Натюрморт Модернизм
Больше, чем просто лидер фовистского движения с Андре Дереном, Анри Матисс считается одной из ключевых фигур модернизма 20-го века. Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой относится к периоду его фовизма, когда яркие цвета и линейный стиль создают динамичную композицию с изображением одной из скульптур художника.Картина, созданная в арендованном доме в Исси-ле-Мулино недалеко от Парижа, изображает стену его мастерской, которая будет присутствовать на многочисленных картинах этого периода. Фовизм отдавал предпочтение экспрессии и цвету над реалистичными изображениями мира, и в натюрмортах Матисса такая тенденция очевидна. Цвета обычно не соответствуют фактической ситуации, что делает его натюрморты одними из первых модернистов 20 века.
Посмотрите другие работы Анри Матисса на Widewalls Marketplace!

Лучшее изображение: Анри Матисс — Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой, 1910 год.Изображение предоставлено art-matisse.com
Жорж Брак — Раздробление предметов
Продолжая и углубляя эксперименты Сезанна с элементами живописи, Жорж Брак создал некоторые из своих знаменитых натюрмортов в стиле кубизма, фрагментируя объекты на картинах и одновременно представляя их разные ракурсы. Хотя он начинал как фовист, после встречи с Пабло Пикассо он вскоре изменил свой стиль и принял кубизм в качестве основного способа выражения.За свою карьеру он создал множество картин, изображающих повседневные предметы, и часто использовал технику коллажа в своих творениях.
Показанное изображение: Жорж Брак — Натюрморт с гроздью винограда, 1912 год. Изображение взято с wikiart.org
Джорджио Моранди — Метафизические и минималистичные кадры
Пожалуй, самый известный художник-натюрморт 20 века, Джорджио Моранди , в первую очередь сосредоточился на изображениях ваз, цветов, чаш и бутылок.Его стиль перешел от более метафсиальных визуализаций к очень тонкому использованию цвета, которое часто сводилось к нескольким градациям оттенка и тона. Из-за его ограниченной палитры и минималистского выражения он считается провидцем минимального искусства.
Представленное изображение: Джорджио Моранди — Натюрморт, 1955 год. Изображение предоставлено arthistoryproject.com
Рой Лихтенштейн — Поп-объективность
Поп-арт — определенно направление высокого искусства, в котором мирские вещи получили беспрецедентную известность.Один из представителей движения, Рой Лихтенштейн , создал одни из самых ярких образцов этого типа. Известный тем, что он использовал точки и отрывки из комиксов, Лихтенштейн применил тот же подход в своих натюрмортах.
Посмотрите другие работы Роя Лихтенштейна!
Featured image: Рой Лихтенштейн — Натюрморт. Изображение с сайта keyword-suggestions.com
Арман — Накопление предметов
Арман Фернандес, или просто Арман , французский художник, который начинал как художник, используя следы чернил и краски, оставленные различными объектами на его работах, чтобы позже перенести свой интерес с живописных эффектов на сами объекты.Член Nouveau réalisme , Арман наиболее известен своими Accumulations — отливками из полиэстера, заполненными различными находками, от столовых приборов, обуви и часов до флаконов для духов и даже противогазов. Накопления напоминают традиционные натюрморты с той разницей, что найденных здесь вещей не представлены, а литературно представлены в пластиковой клетке.
Показанное изображение: Arman -Athérosclérose, 1961. Изображение предоставлено italy24.ilsole24ore.com
Джорджия О’Киф — Монументальность натюрморта
Считается матерью американского модернизма, Джорджия О’Киф известна своими картинами цветов и пейзажей.Сюжеты, мотивы и формы живописи О’Киффа изменились под влиянием европейского модернизма. Хотя многие связывали ее изображения цветка ириса с вульвой, она отвергла такие фрейдистские интерпретации. Однако это не помешало другим феминистским художникам называть ее своим влиянием, и даже Джуди Чикаго посвятила ее место в своем произведении Dinner Party . Помимо цветов, Джорджия О’Киф также нарисовала различные предметы, такие как черепа, фрукты и мертвого кролика, в своих знаменитых натюрмортах.
Показанное изображение: Джорджия О’Киф — Восточные маки, 1927 год. Изображение предоставлено theredlist.com
Майя Копицева — Раскрашивая каждый день
Одна из представительниц Ленинградской школы живописи и Заслуженная художница Советского Союза, Майя Копыцева известна своим натюрмортным искусством, в котором ее вдохновляли цвета и фактура фруктов, посуды и других предметов, найденных на кухне. Как один из самых известных художников-натюрмортов, она создавала выразительные цветовые изображения этих предметов, в которых игра с дополнительными и контрастными цветами дает доминирование над предметом.
Рекомендованное изображение: Майя Копицева — Натюрморт с бананами, 1975 г. Изображение предоставлено commons.wikimedia.org
Джуди Чикаго — ужин
Джуди Чикаго ’s Ужин считается одним из самых значительных произведений искусства ХХ века. Хотя она не выполнена в традиционной для жанра технике, эта инсталляция относится как к традиции натюрморта, так и, что более важно, к исторической маргинализации женщин.Стол накрыт для 39 известных женщин, и каждая сервировка украшена уникальной фарфоровой тарелкой, расписанной вручную на основе форм вульвы и бабочки, вышитыми полозьями, золотой чашей и посудой. Цель этой исключительной инсталляции натюрморта, по словам Чикаго, — «положить конец продолжающемуся циклу упущений, в котором женщины были исключены из исторических записей».
Показанное изображение: Джуди Чикаго — ужин, 1979. Изображение предоставлено nyclovesnyc.blogspot.rs
Одри Флэк — Преодоление женственности и феминизма
Родилась в 1931 году в Нью-Йорке, Одри Флэк взрослая жизнь была определена Движением за гражданские права и феминизмом Второй волны.Ее живописные работы отражают эти социальные условия. В ее натюрмортах изображены украшения, флаконы для духов, тюбики для губной помады и другие атрибуты женственности. Выполненные в стиле фотореализма, эти картины до сих пор вызывают споры о том, олицетворяет ли она женственность, демонстрируют ли эти работы феминистскую позицию или и то, и другое одновременно.
Показанное изображение: Андрей Флэк — Джоли Мадам, 1973 г. Изображение взято с bookslut.com
Традиция натюрморта
Жанры фотореализма и гиперреализма восходят к голландским и фламандским художникам-натюрмортам 17 ^-го века.Чьи изображения фруктов и цветов были тщательно нарисованы, чтобы максимально приближать их к самой роскошной сервировке стола. Каждый объект в этих композициях религиозно символичен или призван напомнить зрителю о краткости человеческой жизни. В современном натюрморте мы рассмотрим ниже, как художники используют свои объекты, чтобы символизировать жизнь 21-го века, ссылаться на других художников или показать свое мастерство в жанре гиперреализма.
«В иерархии жанров (или типов сюжетов) искусства, установленной в семнадцатом веке Французской академией, натюрморт занимал нижнее — пятое место после исторической живописи, портретной живописи, жанровой живописи (сцены повседневной жизни) и пейзажа. .Натюрморты и пейзажи считались низкими, потому что в них не было человеческого сюжета ».
— Tate.org.uk
Но зачастую натюрморт может так много рассказать зрителю о жизни. Будь то то, что важно для художника, что важно для зрителя, что кажется роскошным или что считается грехом. С точки зрения взгляда на эти картины как на понимание временного периода натюрморты не следует упускать из виду.
Франсиско Стайл

«Калифорния» 40 x 60 см, Холст, Масло
Итальянский художник Франсиско Стайл вырос живописью — и его мать, и дед были неаполитанскими ведутами-любителями.Он изучал и копировал прошлое искусство в ателье портретиста Карло Роберто Ла Вольпе до конца девяностых годов, а затем открыл свою собственную студию, чтобы посвятить себя имитациям живописи с особым интересом в школе Караваджо 1600-х годов.
Именно это образование привело Стайла туда, где он находится сегодня — идеальное сочетание традиционного и современного. Часто состоит из очень простых композиций: один вид фруктов в миске на графическом фоне; он разделяет голландские натюрморты 1600-х годов и обновляет их.Они раскрашены с должным вниманием и вниманием, чтобы сделать простую композицию приятной и утонченной. Он умеет улавливать идеальный свет в своих картинах, чтобы предметы оживали и действительно подчеркивали их красоту.
НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы увидеть больше работ.
Педро Кампос

‘Hot Day IV’ 114 x 162 см, холст, масло
Испанский художник Педро Кампос работал реставратором до 1998 года, когда он бросил это занятие, чтобы заниматься рисованием кошелька на полную ставку.В своих смелых и современных картинах он привносит свои обширные знания, использование традиционных материалов и техник, используемых старыми мастерами. Эта гармония между традиционным и современным — вот что делает работу Кампоса такой изысканной. Его сюжеты — алюминиевые банки, конфеты в стеклянных банках, миндальное печенье и корешки книг по искусству — тщательно воспроизведены в его крупномасштабных и смелых стилизованных картинах. ВНИМАНИЕ !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! Его история как художника основана на традициях натюрморта, поскольку он применяет свои знания для создания точных современных работ.
Яркий черный фон, часто встречающийся в его работах, позволяет Кампосу признать фотографическую основу многих современных образов. Он сосредотачивается на домашних объектах, создавая диалог между объектами и зрителем, который не может быть сформирован с помощью фотографии, а благодаря его навыкам гиперреалистичного художника.
НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы увидеть больше работ.
Синтия Пул

«Преднамеренные композиции I» 80 x 100 см, холст, акрил
Зимбабвийская художница Синтия Пул, вероятно, одна из художников галереи, где ее влияние наиболее очевидно.В своей последней коллекции работ, представленных на ее персональной выставке «Золотые изделия и другие исследования», она исследует работы Джорджо Моранди, «Чаша с водой и роза» Франсиско де Сурбарана и использование сусального золота в традиционных картинах. Она переносит все эти «этюды» в 21 ^-й век своим выбором объектов; начиная от банки из-под колы и заканчивая яблочным телефоном. Эта иконография нашей современной жизни преподается урок истории искусства и превращается в вневременные натюрморты.
Она по-прежнему сохраняет свои тенденции поп-арта, сосредотачиваясь на обычных объектах, лишенных окружающего контекста.Она исследует возможности сусального золота и золотого пигмента, используя их в современном стиле. Пул была заинтригована, узнав, могут ли ее предмет и стиль живописи гармонично сочетаться с традиционным качеством Золотого листа.
НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы увидеть больше работ.
Расчет со временем — ЧЕРНОЕ ИСКУССТВО В АМЕРИКЕ ™
Шантей Робинсон
Натюрморты исторически находились на низшей ступени иерархии жанров искусства.В то время как историческая живопись занимает первое место, а портретная живопись — второе, натюрморт находится внизу, а жанр, пейзаж и живопись животных занимают более высокое место. Учитывая это низкое отношение, натюрморты входили и выходили из моды за последние пять веков. Его истоки в современном понимании относятся к Средневековью и древнегреко-римской эпохе. Хотя этот жанр был классифицирован и популяризирован ранними европейцами, в гробницах Древнего Египта можно найти натюрморты, вдохновленные верой в то, что изображения станут реальными и станут доступными для существования в загробной жизни.Хотя в наше время натюрморт менее возвышен, он имеет множество форм и вариаций. Такие художники, как Пикассо и Брак, оживили неодушевленные предметы, такие как музыкальные инструменты, с кубистическим преобразованием в традиционный натюрморт. Дюшан создал готовые трехмерные натюрморты. А из банок с супом Кэмпбелл Уорхола стали массово производить натюрморты.
Хотя популярность натюрморта со временем пошатнулась, афроамериканцы, внесшие вклад в канон натюрморта, не получили такого внимания, как художники других жанров.Если посмотреть на стипендию по истории афроамериканских художников, натюрморты встречаются редко. Но более пристальный взгляд показывает, что они были там, есть и внесли большой вклад в развитие жанра. Афроамериканские натюрморты, которые обычно считаются декоративным искусством, могут быть менее популярны среди коллекционеров и художественных учреждений, потому что большая часть рассказов афроамериканцев обычно не представлена в натюрмортах. Но натюрморты рассказывают свои истории. В европейских традициях они рассказывали истории эфемерности и священности жизни, поскольку некоторые натюрморты показывают гниющие фрукты или включают изображения черепов вместе с растительностью.Термин «натюрморт» произошел от голландского слова stilleven , а на итальянском языке используется термин natura morta , оба значения означают «мертвая природа».
Самые узнаваемые натюрморты — это фрукты, овощи и цветы в раздаче. Они ссылаются на богатые природные ресурсы и, таким образом, понравились определенной аудитории, будучи модными в европейских странах, таких как Испания, Франция, Италия и Нидерланды. Европейские культуры считали натюрморт за использование религиозных символов, цветов и других предметов.Но красота натюрморта далее оценивается за его trope l’oeil или обманчивый характер. Умение заставлять неодушевленные предметы на картине обмануть глаз — это навык, которым овладели и использовали еще до эпохи фотографии. Даже сегодня, хотя фотография процветает, способность художника обманывать глаз является высоко ценимым навыком, о чем свидетельствует популярность портретных картин афроамериканских художников. Несмотря на низкое уважение, натюрморт может продемонстрировать превосходное мастерство художника так же, как и любой другой жанр.
Чарльз Итан Портер (1847–1923)
Без названия (Треснувший арбуз), ок. 1890
Американец, холст, масло; 19 1/8 × 28 3/16 дюйма (48,6 × 71,6 см)
Музей Метрополитен, Нью-Йорк, покупка, отзывный фонд Нэнси Данн, 2015 (2015.118)
Чарльз Итан Портер
Одним из самых почитаемых афроамериканских художников-натюрмортов был Чарльз Итан Портер. Родившийся в 1847 году, чтобы освободить чернокожих в Коннектикуте, Портер приобрел известность благодаря использованию этого жанра для привлечения коллекционеров, когда этот жанр был в моде.Перейдя в художественный кружок в Хартфорде, штат Коннектикут, и продав достаточно произведений искусства, чтобы совершить поездку в Европу для развития своего мастерства, он вернулся в город и общество, которые перестали интересоваться натюрмортами. Портер стал бедным и всю оставшуюся жизнь обменивал картины на еду и кров. Но за последние 20 лет его работы были собраны, в частности, в Метрополитен-музее и Смитсоновском музее американского искусства. В 2016 году две его картины были заново открыты в Сиэтле и висели на видном месте в библиотеке Тихоокеанского университета Сиэтла.Портер поддерживал отношения с Марком Твеном, который был одним из его коллекционеров. В письме к Твену в 1883 году он написал: «Я знаю, что есть немало моих друзей из Хартфорда и других, которые хотят увидеть, как цветной художник будет целоваться». Портер продолжает: «Но меня впечатляет не этот мотив. Есть кое-что более важное: цветные люди — мои люди — как раса, которая мне интересна, и мой успех только добавит других, которые уже показали, что они способны так же, как и другие люди.”
Малвин Грей Джонсон — негритянские маски
Малвин Грей Джонсон
Малвин Грей Джонсон, 1896 года рождения, вместе с семьей переехал из Северной Каролины в Нью-Йорк и поступил в Национальную академию дизайна. Как самый молодой из художников эпохи Возрождения из Гарлема, его работа в рамках Federal Art Projects запечатлела чернокожих жителей юга. Джонсон выиграл несколько призов, в том числе премии Хармона и Отто Х. Кана. Испытанный под влиянием кубистов и импрессионистов, его работы отмечены как «Символическая абстракция».Хотя Джонсон создавал традиционные натюрморты, которые легко вписывались в исторический канон западного искусства, он также рисовал африканские маски, изучая африканскую скульптуру. Музей Метрополитен пишет: «Хотя эти маски с самого начала могли быть предназначены для арт-рынка, для художника они олицетворяли значимый и мощный образ Африки». Джонсон использовал натюрморты, чтобы связать афроамериканский опыт с Африкой через свой эстетический выбор и тематику.
Уильям Х. Джонсон — Натюрморт-фрукты, бутылки
Уильям Х. Джонсон
Еще один великий художник, создавший коллекцию натюрмортов, — Уильям Х. Джонсон. Джонсон родился в Южной Каролине в 1901 году. Он наиболее известен своими красочными модернистскими картинами, но также имеет множество натюрмортов, хранящихся в Смитсоновском музее американского искусства. Джонсон переехал в Нью-Йорк в возрасте 17 лет, чтобы поступить в престижную Национальную академию дизайна.После школы в США он поехал учиться в Париж и встретил свою жену Холчу Краке. Когда он вернулся в штаты, он получил золотую медаль Фонда Хармона в области изящных искусств за выдающиеся достижения среди негров. Жизнь Джонсона была полна трагедий. Его работа попала в ловушку домашнего пожара, его жена умерла от рака груди, и ему был поставлен диагноз сифилис, который препятствовал его умственной и двигательной функции. Он провел 23 года своей жизни в Центральной государственной больнице Айлип. К счастью, его работы, оставшиеся невостребованными на хранении, были спасены друзьями, которые доставили их Фонду Хармона.
Джеймс-Портер-Натюрморт с пионами
Джеймс А. Портер
Джеймс А. Портер, 1905 г. рождения, художник и историк искусства, более сорока лет преподававший в Университете Говарда. Он также включил в свои произведения натюрморты. Портер и его жена Дороти, библиотекарь в Ховарде, были партнерами в его бизнесе по историзации афроамериканского искусства. Он известен как автор первого всестороннего исследования афроамериканского искусства «Современное негритянское искусство ». Но он был сам по себе знаменитым художником. Его картина Натюрморт с пионами, находится в коллекции Смитсоновского музея американского искусства. Согласно каталогу выставки афроамериканского искусства: Гарлемский ренессанс, гражданские права и не только , «В « Натюрморт с пионами »Портер объединил фон, который, как и в Soldado Senegales , дань уважения Матиссу, с маленьким изображением одной из картин Портера и цветочным подтверждением профессиональных достижений его жены.Работа представляет собой краткое изложение совместной жизни пары и философии искусства Портера ».
«Утренний солнечный свет» Бренды Джойсмит
Современные художники-натюрморты
Сегодня натюрморты существуют среди афроамериканских художников в различных художественных итерациях. Они олицетворяют кубизм, голландское влияние и импрессионистские ценности. Работы Кейта Маллетта, Бренды Джойсмит, Ирмы Стерн и Патрисии Клементс принадлежат к этому жанру, но их можно отличить по стилистическому оформлению.Кейт Маллетт использует музыкальные инструменты, африканские маски и геометрические формы для создания четких коллекций предметов, которые подчеркивают художественную самобытность афроамериканцев. Подход Бренды Джойсмит более традиционный. Рендеринг неодушевленных предметов — фруктов, скульптур и глиняной посуды — более реалистичен, но она действительно привносит африканскую иконографию, такую как ткань кенте, в свои картины, чтобы привлечь внимание чернокожих зрителей. Ирма Стерн использует импрессионистический подход к рисованию растительности с использованием ярких цветов и смелых мазков, напоминающих Винсента Ван Гога.Натюрморты Патрисии Клементс более модернистские, с их яркими цветами и несколько плоскими изображениями фруктов и цветов.
Хотя натюрморт — жанр, популярность которого колеблется, афроамериканские художники всегда вносили свой вклад в канон этого жанра своим собственным стилистическим чутьем. Может показаться, что натюрморт мало что рассказывает зрителю о культуре, в которой было написано произведение искусства, но кое-что он нам рассказывает. Они относятся к стилистическому выбору дня.Они раскрывают нам склонности художников. И они обозначают временность жизни. Когда афроамериканские художники создают натюрморты, они не пытаются вписаться в западные нормы, которые диктуют, каким должно быть искусство. Афроамериканские художники исторически создавали натюрморты, отражающие эстетическую среду афроамериканских ценностей. Хотя рынок натюрмортов колеблется вместе с потребностями коллекционеров, натюрморты, тем не менее, неподвластны времени.
Ищите и покупайте изобразительное искусство от нашей растущей сети художников, коллекционеров, поместий, галерей, специализирующихся на работах чернокожих американских художников, которые высоко ценят высшее искусство.
Подпишитесь на наш бесплатный курс по электронной почте о том, как начать собирать коллекцию.
Шантай Робинсон участвовал в программе наставничества писателей-художников Burnaway , стипендии для редакторов журнала New South Университета Дьюка и программе наставничества арт-критиков CUE Art Foundation. Она писала для Burnaway, ArtsATL, ARTS.BLACK, AFROPUNK, Number, Inc. и Washington City Paper . Получив степень магистра в области письма в Колледже искусств и дизайна Саванны, она работала доцентом в Высшем художественном музее.В настоящее время она работает над докторской степенью по письму и риторике в Университете Джорджа Мейсона.
Вы бы купили акции BAIA, если бы могли? Итак, мы приглашаем вас присоединиться к нам, чтобы стать спонсором на месяц, начиная всего с 3 долларов в месяц ВЫ становитесь стейкхолдером и начинаете помогать нам преобразовывать жизни через искусство. Мы расширяем команду BAIA и будем использовать ваш вклад для найма большего количества членов команды с целью создания дополнительных образовательных и маркетинговых ресурсов для школ и университетов об афроамериканских художниках, как прошлых, так и настоящих.

Просмотрите наш список наград за то, чтобы стать сторонником BAIA Patreon / покровителя. Ваш ежемесячный взнос имеет длительные преимущества. — «Каким будет ваше наследие» — доктор Маргарет Берроуз
Делорис и Эдди Янг , Эстер Сильвер-Паркер, Юджин Фони, Задиг и Вольтер, Фонд семьи Петруччи Коллекция афроамериканского искусства , Национальный фестиваль искусств чернокожих , доктор Лесли Филдс, Джим Никсон, доктор Майкл Батлер , Мэтью Путман, Грант-Хилл , Фрэнк Фрейзер , Хьюстонский музей афроамериканской культуры, Джоан Крислер, Ди Грир, Марш на Вашингтонском кинофестивале, Дэнни Дженкинс, Дебора Л.Маккалоу , Эшли Джейкоб, Джон и Мелани Гесс, Триша Конан, Майкл Бринсон, Доктор А. Холлоуэй , Рози Гордон-Уоллес, Жанетт Д Адешот, Джа-На Бордес, преподобный Анита Маршалл, Триша Конан, Робин Кинг , Керри Л. Форрест, Нэн, Томас Э. Роджерс, Д. Лейси, Джеффри Вашингтон, Бренда Ларнелл, Хелен Ойекан, Джеффри Вашингтон, Леташия Мосбей, Мэриан Дарлингтон, Рослин Валентайн, Вьонн Дива, Эднарина Блейк, Девера Редмонд, Реджинальд Браун , Карла Уэст, Беатрис, Лонгшор, Абимбола Томпсон, Барбара Джонсон, Беверли К. Смит, Дебора Р.Мур, доктор Скайллер Уокс, Эднарина БЛЕЙК, Гарр Паркс, Джеральд Кэррингтон, Джей М., Джеймс Би Уинго, Джослин Ламур, Кевин Смоклер, Мэрион Цвейг, Мэри Али-Масаи, Майкл Дж. Тодд, Нэн, Рег Пью, Шеннон Девани, Томас Э. Роджерс, Тоня Пендлетон, Д. Лейси, Норин Виннингем, Мейсон Арчи, Джилл Скотт, Кари Джексон Льюис, Патрик Стюарт, Рэйчел Корбрей, Сесилия Уинтерс-Моррис, Крист Ван Лоан старший, Ромейн Робертс, Майкл Джейкобс, KL Мартин, Гейл Росс, Мануэлита Браун, Аннет, Джамал Лав, Гленн Исаак-старший, М.Рашид, Анджела Уильямс, Дана Тодд Поуп, Тереза Л. Хокинс, Марк Эверетт Сандерс, Кирби Л. Коулман, Гарольд Мур, Фредрик Ислер, доктор Р. Локк, Куин Брукс, Чарльз Биббс, Дайана Шеннон Янг, доктор Йонетт Томас, М. Белинда Такер, Карен И-Хаус, Рунес М. Бендер, Дюк Виндзор, Шерил Оделей, Стивен Беннетт, Шон Реа, Этни Уикес, Пол Робинсон, Дженис Орр, Патрисия Д. Данги, Джоселин Бенита Смит, Джоан Л. Уорд, Гарр Паркс, Памела Картер , Карлтон Коттон, Дайан Р. Майлз, Джин Энн Дюрадес, Лютетис Кэри, Сьюзан Росс, Гарри Ф. Бэнкс, Шелия Макнейр, Лорна Конли, Шелли Берд, Делорес М. Дайер, Стефани Фе Стил, Марджори Хаммок, Селестин Хиннант, книжный магазин ALKEBU LAN IMAGES, Дебора Пейдж-Джексон, Дезире Дансан, Карен Пинзоло, Соня Спенсер, Джеймс Уиттен, Шелли Дэнзи, Линда Эдди, Вильгельмина Баркер, Дороти Месси, Энни Чефферс, Мэдди Маркленд, Кейли Нельсон, Келлин Магуайр, Кори Хафф, Сара Кейшруа, Кейшруа Фризен, Дезире Страуд, Мэдисон Тейлор, Нина Мари, Мина Сильва, Wh Итни, Тони Вендел, Сан-Франциско, Клэр Сиг, Изабель Энгель, Сара Друри, Элизабет Дебанс, Ханна Динер, Дайан Хьюз, Петрина Буркард, Лаура Ди Пьяцца, Лиза Данфорд Дикман, Джоселин Грин, Шерил Би Бланкман, Николь Фархет, Митчелл Шоул Рашид, Сара Руни, Марина Кович, Ллойд Гуд, Сара, Перли Тейлор, Лорна Дун, Эшли Литтлфилд, Моника Пи, Элисон Деас, Карла Сонхейм, Николь Брюс, Бренда Кейт, Луиза Бернер-Холмберг, Теллис, Памела Харт, Ким Уолкер, Джессика Бекстром, Франклин Джексон, Кристина Левин, Кертис Морроу, Джеки Раст, Сара Капуто, Фреда Дэвис, cdixon06, Холлис Тернер, Лаура Перейра, Данни Сересо, Куки Голдблатт, Клаудиа Белл, Гвен Рафф, Эмили Льюис , Джудит Бержерон, Сюзетт Ренвик, Беверли Грант , Кэтлин Тернер, Линда Б.Смит, Джой Питерс, Джеа Делсарт, Реджинальд Лоран, Рита Криттенден, Мишель К. Мэйс, доктор Сандра Бойс Брумс, доктор Дарлин Уайт, Кейтлин Чарльз, Джин Гамппер, Сад Бенджамин, Эдди Сантош, Патрисия Хасселл, Айока Чензира, Мари Л. Джонсон, Джорджия Ф. Лайлс, Моррис Ховард, AnnaTheLoon, С. Харрис, Рэйчел Хорнер, Эмили М, Аннеке Швоб
Мы ценим вашу поддержку
Натюрморт и как он пережил тысячи лет
Эдуард Мане однажды назвал натюрморт «пробным камнем живописи».Этот жанр искусства, характеризующийся интересом к неодушевленному, был популярен в разных движениях, культурах и периодах, и такие крупные фигуры, как Поль Сезанн и Пабло Пикассо, разделяли взгляды художника-импрессиониста.
Здесь мы исследуем вековой жанр, прослеживая его историю и смотрим на известные работы, чтобы ответить на вопросы: что такое натюрморт и как он эволюционировал с течением времени?
Определение натюрморта
Натюрморт (также известный под французским названием « nature morte ») — это произведение, в основе которого лежит композиция неодушевленных предметов.Обычно эти предметы устанавливаются на стол и часто включают в себя органические предметы, такие как фрукты и цветы, а также предметы домашнего обихода, такие как стеклянная посуда и текстиль.
Термин «натюрморт» происходит от голландского слова s tilleven , получившего известность в 16 веке. Хотя именно в это время натюрморт получил признание как жанр, его корни уходят в глубь веков.
История
Древнее искусство
Самые ранние известные натюрморты были созданы египтянами в 15 веке до нашей эры.В древних захоронениях были обнаружены погребальные рисунки с изображением еды, в том числе сельскохозяйственных культур, рыбы и мяса. Самый известный древнеегипетский натюрморт был обнаружен в гробнице Менны , на месте, стены которого были украшены исключительно подробными сценами повседневной жизни.
Натюрморт, найденный в гробнице Менны (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons Public Domain)
Древние греки и римляне также создавали похожие изображения неодушевленных предметов. Хотя они в основном использовали натюрморты для мозаик, они также использовали его для фресок , таких как «Натюрморт со стеклянной чашей с фруктами и вазами» , настенная живопись 1-го века из Помпеи.
«Натюрморт со стеклянной чашей с фруктами и вазами» (63–79 гг. Н. Э.) (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons Public Domain)
Средневековье
В средние века художники приспособили натюрморт для религиозных целей. Помимо включения символических композиций в изображения библейских сцен, они также использовали их для украшения иллюминированных рукописей. В пределах этих книг можно найти такие предметы, как монеты, ракушки и бушели фруктов, в том числе искусно украшенный Часы Екатерины Клевской 15 века.
«Часы Екатерины Клевской» (1440)
Ренессанс
Художники Северного Возрождения популяризировали натюрмортную иконографию своими цветочными картинами . Эти произведения обычно демонстрируют красочную флору «из разных стран и даже с разных континентов в одной вазе и в один момент цветения» (Музей искусств Метрополитен) и часто не содержат других сюжетов. Эти картины приобрели известность в начале 17 века, когда художники Северного Возрождения все больше интересовались созданием реалистичных этюдов повседневных предметов.
Ян Брейгель Старший, «Цветы в деревянном сосуде» (1606–1607) (Фото: Google Art Project через Wikimedia Commons Public Domain)
Голландский золотой век художников продвинули этот интерес к детальному цветочному искусству на шаг вперед, создав свои картины vanitas . Картины Vanitas вдохновлены жанром memento mori , латинское название которого переводится как «помни, что ты должен умереть». Как и memento mori , изображения , , эти части часто сочетают срезанные цветы с такими объектами, как человеческие черепа, тусклые свечи и перевернутые песочные часы, чтобы прокомментировать мимолетную природу жизни.
Однако, в отличие от memento mori art, картины vanitas «также включают другие символы, такие как музыкальные инструменты, вино и книги, чтобы явно напомнить нам о тщеславии мирских удовольствий и благ» (Тейт).
Питер Клас, «Ванитас — Натюрморт» (1625 г.) (Фото: «Память о Нидерландах» через Wikimedia CommonsPublic Domain)
Современное искусство
Натюрморт оставался популярным элементом во многих направлениях современного искусства. В то время как художники-импрессионисты, такие как Пьер-Огюст Ренуар, баловались этим жанром, он дебютировал в современном стиле в период постимпрессионизма, когда Винсент Ван Гог использовал вазы для цветов в качестве своего предмета, а Сезанн написал знаменитую серию натюрмортов с яблоками и бутылками вина. , и кувшины с водой, покоящиеся на перевернутых столешницах.
Винсент Ван Гог, «Подсолнухи» (1889 г.) (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons (общественное достояние)
Поль Сезанн, Корзина яблок (ок. 1895 г.) (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)
Некоторые изображения Сезанна даже отдают дань уважения жанру vanitas , включая черепа.
Поль Сезанн, «Натюрморт с черепом» (ок. 1895-1900) (Фото: Иллюстрация только через Wikimedia Commons Public Domain)
Помимо постимпрессионистов, мастера кубизма Пабло Пикассо и Жорж Брак и пионер поп-арта Рой Лихтенштейн также отдавали предпочтение повседневным предметам, от мисок с фруктами до технологических изобретений.
Жорж Брак, «Натюрморт с метрономом» (1909)
Фото: Музей Метрополитен через Wikimedia Commons
Современное искусство
Сегодня многие художники вносят современный поворот в вневременную традицию, рисуя натюрморты с изображением современной еды и предметов в гиперреалистичном стиле. Подобно предметам, которые их вдохновляют, эти картины высокого разрешения доказывают, что даже самые приземленные предметы можно превратить в шедевры.
Тьялф Спарнай, «Здоровый бутерброд» (2013)
Статьи по теме:
Модные диеты знаменитостей, воссозданные как классические натюрморты
Изысканные композиции из цветов и блюд напоминают изящную художественную красоту натюрмортов
Красочные натюрморты, вышивки причудливых комнатных растений и современный дизайн интерьера
Художник дает старым кистям новую жизнь и индивидуальность в образе персонажей в стиле барокко
Современный натюрморт | Выставки
Contemporary Still Life объединяет около пятидесяти картин, скульптур, рисунков, гобеленов и фотографий, выполненных с 1960 года.Выставка была создана с целью побудить к переосмыслению традиционно узкого определения натюрморта.
Натюрморт как вид искусства принадлежит к давней традиции, которая началась в древние времена, особенно расцвела в 17 веке, и продолжается до наших дней. Хотя натюрморт был популярным предметом в массах до 19 века, он считался принадлежащим к более низкой категории искусства, менее значимой, чем историческая живопись, и уступающей пейзажу и портретной живописи.Однако с освобождением художественного мнения натюрморт стал основным направлением для современных художников.
Вдохновленные менталитетом «найденного объекта», иконографией поп-арта начала 1960-х годов, а в последнее время и новым реализмом, современные художники расширили традиционно узкое определение натюрморта за счет использования новых медиа и новых предметов. Они распространили жанр за пределы картин с фруктами и цветами прежних времен, охватив среду и ансамбли.Благодаря принятию новых сюжетов, таких как пивные банки Джаспера Джона или коробки Брилло Энди Уорхола, жанр натюрморта еще больше изменился. Благодаря своей гибкости в использовании новых техник и новых предметов, а также способности успешно охватить широкие стилистические изменения от абстрактного экспрессионизма до поп-арта, натюрморт продолжает оставаться жизнеспособным и ярким жанром.
No related posts.

alexxlab

Разное

Как часто можно делать клизму грудничку: рекомендации педиатров

Разное

Почему новорожденный не спит ночью: 11 главных причин и способы решения проблемы

Разное

Как успокоить плачущего ребенка: 10 эффективных способов

Разное

Что нужно новорожденному на первое время: полный список необходимых вещей

Разное

Пеленки для новорожденных: виды, размеры и способы использования

Разное