ЖИВОПИСЬ И ПОРТРЕТЫ МАСЛОМ ИЗВЕСТНЫХ ХУДОЖНИКОВ — Философия

Просмотров: 938

Авторский портрет маслом – это один из основных жанров в изобразительном искусстве. Многочисленные картины – камерные, сюжетные, парадные портреты десятки и сотни лет сохраняют внешность когда-то живших людей, нетронутую временем. Основными задачами художника портретиста являются умение добиться максимального внешнего сходства оригинала с его изображением, и передача индивидуальных черт характера человека.

Картины маслом на холсте – покупайте портреты в арт мастерской

С помощью кисти и таланта, живописец создает на холсте образ, отражающий ту или иную эпоху. Благодаря живописным портретам маслом известных художников прошлого, сегодня мы имеем наглядное представление о быте, моде и нравах людей других эпох. Но это непростая задача. Чтобы ее решить, художнику приходится много работать. Старинные портреты маслом представляют собой огромную историческую ценность, но, кроме картин, ценится и жанровая живопись известных художников. Чем больше полотну лет, тем оно ценнее. Ведь это мир искусства, и здесь – свои законы!

История портрета насчитывает несколько тысячелетий, но подлинный расцвет портретной живописи начался в эпоху Возрождения. В ту пору началась новая жизнь, было сказано много новых слов в искусстве. Художники проповедовали гуманистические идеалы, а главным их интересом становится человек. До нашего времени дошло много знаменитых картин того великого периода, в том числе и портреты маслом. Сегодня живопись известных художников приобретает особое значение, это культовые, знаковые вещи, произведения вечного искусства живописи!

В настоящее время иметь в частной коллекции живопись известных художников, портреты маслом или жанровые картины – вопрос, прежде всего, престижа. Не каждый собиратель творчества любимых живописцев в состоянии позволить себе приобретать оригиналы. В художественной мастерской  Вы всегда, в любое время дня и ночи, можете оформить заказ на создание копии знаменитых картин маслом, будь то портреты, или полотна, написанные в любом другом жанре. Написанные копии портретов маслом известных художников обрамляются в дорогой багет, что делает полотно завершенным. Для картины это так же важно, как стильная гармоничная одежда для красивой женщины, Вы будете довольны качеством полотна.

Смотреть на видео мастер класс как рисовать портрет по фотографии

Живопись маслом на холсте

Художник Волегов Владислав — живопись маслом на холсте.

Масляная живопись — вид изобразительного искусства, в котором произведения изготавливаются при помощи масляных красок, наносимых на какую-либо плоскость.

Живопись маслом на холсте — наиболее совершенная техника создания картин, которая позволяет с максимальной полнотой показывать находящийся вокруг живописца мир. Технические приёмы масляной живописи неизменно притягивала художников-портретистов, а также мастеров прочих тематических жанров изобразительного искусства.

Масляная живопись, как и другие разновидности искусства, обладает особым художественным языком, при помощи которого живописец показывает окружающий мир. Однако, показывая собственное восприятие мира, художник вместе с тем претворяет в работах собственные идеи и ощущения, устремления, эстетические каноны, передает качественную оценку действам нашей жизни, на свой манер отображая их содержание и значение.

В художественных работах различных направлений изобразительного искусства, создаваемых художниками, чаще всего используют рисунок, светотени, цвет, фактуру и композицию, живость мазков. Станковая масляная живопись (картина) обладает самостоятельным характером, а также определенным смыслом. Всеобъемлемость и всесторонность охвата настоящей жизни выражается в многообразии свойственных станковой живописи разновидностей и тематических жанров: натюрморт, пейзаж, бытовой, исторический, батальный жанры, а также портрет.

В живописном изображении с натуры требуется принимать во внимание отнюдь не только большой выбор цветов, но еще и их целостность, обусловливаемое силой и цветом источника света. Цветовое пятно необходимо вставлять в картину, только лишь согласовав его с всеобщим цветовым состоянием. Колорит отдельного объекта, как в тени, так и на свету, обязан быть близким колористической гамме в целом. В случае, если краски картины не показывают воздействия цветового освещения, то они не окажутся согласованны цельной цветовой палитре. В подобном изображении отдельный цвет начнет отличаться как будто что-то чужеродное и чуждое необходимому состоянию освещения.

Цвет — одно из самых выразительных средств, используемых в живописи. Живописец изображает на полотне красочное богатство увиденного, с использованием цветоформы познаёт и отображает окружающий мир. В ходе изображения натуры формируется ощущение цвета и его бесчисленных цветовых тонов, что даёт возможность применить цвет как главное выразительное средство при создании картин.

Понимая принципы контраста, живописец ориентируется в тех трансформациях цвета изображаемой натуры, которые в отдельных случаях с определенной сложностью улавливаются глазом. Воспринимание цвета находится в зависимости от окружения, в котором объект расположен. По этой причине художник, транслируя цвет натуры, сопоставляет цвета между собой, добивается, чтобы они воспринимались во взаимозависимости.

При создании портрета в решении выразительной формы масляная живопись предоставляет богатые и самые разные возможности. Масляные краски очень практичны в работе над картиной — так-как они не стекают с плоскости холста и с кисти, как у акварели. Масляными красками можно рисовать очень тонким слоем, жидко разведя их специальным растворителем, либо густо, пастообразной непрозрачной массой. В соответствии с другими материалами масляные краски высыхают более продолжительное время. И до тех пор, пока красочный слой еще не просох, живописец может сделать еще раз прописку и внести изменения. А также по-новому переписать неудавшиеся участки на холсте.

В наше время мастера чаще всего пишут портреты масляными красками поверх грунтованного холста, натянутого на подрамник из дерева. Картина — это самостоятельное по значению, создание художественного произведения в красках. Живописные картины делятся по направлениям (жанрам): натюрморт, пейзаж, жанровая картина, а также портрет. В противоположность этюду (наброску) картина отображает реальность с самой значительной глубиной, в завершённой, а также продуманной во всех деталях и в целом форме. Картина — это классический вид станковой живописи, и она в отличие от монументальной живописи имеет возможность легко экспонироваться. Картины пишутся чаще всего на холсте масляными или другими красками и помещаются в багетную раму. А ведь еще несколько веков назад картины маслом писали на деревянных досках и это было в то время наиболее надёжным основанием для создания масляной живописи.

Исстари художники-портретисты выискивали материал, на котором масляная живопись могла сохранится на долго, не утрачивая имеющихся начальных свойств. Подбор основы обычно находился в зависимости от традиций, запросов определенного периода времени, личных возможностей и вкуса живописца. Однако какой бы вид материала ни применялся для письма, настоящий художник неизменно уделял огромное и пристальное внимание качеству основы при её подготовке для живописной работы. Совсем не удивительно, что многочисленные картины мастеров былых времен, нарисованные масляными красками, выглядят как только что написанные и через 300 — 500 лет.

Одно из первых качеств художника-портретиста состоит в неторопливом и очень тщательном исследовании модели. Здесь мастеру нужно не только глубочайшее проникновение в персоналистический склад модели, но и умение его обобщить и осознанно утрировать те или другие детали, с целью сделать акцент на самое характерное в модели и отчётливо передать ее образ.

Имеются две концепции создания портрета — историческая и романтическая.

1-ая из них представляет строгую, точную, скрупулезную передачу контура и формы, что совсем не исключает идеализации, которая для портретиста заключается в подборе особенно свойственной позы, наилучшим образом выражающей душевное состояние модели. Она подразумевает также умышленное, в благоразумных границах, преувеличение значимых деталей, акцентирование того, что непосредственно выделяется, что является самым главным и характерным, и, несколько с иной стороны, — игнорирование неважных деталей и случайных искажений.

2-ая концепция, которой следуют колористы, заключается в том, чтобы из портрета получить картину, настоящее поэтичное творение, где присутствует пространство и творческая поэзия. В этом случае искусство наиболее взыскательно и устанавливает перед собой намного более непростые задачи. Художник обязан суметь отыскать романтичную атмосферу, которая явится внутренним фоном его модели, — зыбкие, горячие испарения либо мягкие сумерки. В таком варианте намного больше простора для воображения, и, на подобии того как роман иногда бывает честнее исторической повести, так к примеру, щедрая и лёгкая кисть живописца другой раз наиболее проницательно выражает модель, чем, например, карандаш рисовальщика.

Романтизм в портрете состоит отнюдь не в избрании сюжета, не в правдивости рисунка, а прежде всего в чувствительной манере. Романтизм — это особенно сильное отображение красоты. Иначе говоря, романтизм — это сокровенность, воодушевленность, колорит, устремленность к беспредельному, воплощенное различными доступными средствами.

Далее Вы можете посмотреть портреты и картины выполненные Волеговым Владиславом маслом на холсте.

• Групповой портрет. Масло Групповой портрет. Масло
• Масло. Мужской портрет Масло. Мужской портрет
• Мужской портрет в интерьере Мужской портрет в интерьере
• Мужской портрет. Масло Мужской портрет. Масло
• Групповой портрет маслом Групповой портрет маслом
• Женский портрет маслом Женский портрет маслом
• Детский портрет маслом Детский портрет маслом
• Портрет по фото маслом Портрет по фото маслом
• Мужской портрет маслом Мужской портрет маслом
• Копия с репродукции Ван Эйка Копия с репродукции Ван Эйка
• Серафим Вырицкий. Масло, холст Серафим Вырицкий. Масло, холст
• Портрет девушки. Холст, масло Портрет девушки. Холст, масло
• Двойной портрет. Масло Двойной портрет. Масло
• Семейный портрет. Масло Семейный портрет. Масло
• Двойной портрет. Масло Двойной портрет. Масло
• Девушка в цветах Девушка в цветах
• Капитан 2-ого ранга Капитан 2-ого ранга
• Мужчина с собакой Мужчина с собакой
• Мужской портрет Мужской портрет
• Мужчина за столом Мужчина за столом
• Семейный портрет Семейный портрет
• Женский портрет Женский портрет
• Детский портрет Детский портрет
• Портрет девушки Портрет девушки
• Портрет Петра I Портрет Петра I
• Семейный портрет Семейный портрет
• Портрет генерала Портрет генерала
• Семейный портрет Семейный портрет
• Портрет бабушки Портрет бабушки
• Путь. 150х120, холст, масло. 1994г Путь. 150х120, холст, масло. 1994г
• Путь. 150х120 (в интерьере) Путь. 150х120 (в интерьере)
• Храм души. 120х90, холст, масло. 1993г Храм души. 120х90, холст, масло. 1993г
• Выставка — Золотая кисть 97. (ЦДХ). Москва. 1997г Выставка — Золотая кисть 97. (ЦДХ). Москва. 1997г
• Москва Златоглавая. 70×70, холст, масло. 1995г Москва Златоглавая. 70×70, холст, масло. 1995г
• Фламинго. 60×40. Холст, масло. 1995г Фламинго. 60×40. Холст, масло. 1995г
• Утка. 120х40, холст, масло. 1996г Утка. 120х40, холст, масло. 1996г
• Маленькая балерина. 60х40, холст, масло. 1995г Маленькая балерина. 60х40, холст, масло. 1995г
• Идилия. 40×60, холст, масло. 1993г Идилия. 40×60, холст, масло. 1993г
• Солнечный Лес. 60×40, холст, масло. 1995г Солнечный Лес. 60×40, холст, масло. 1995г
• Солнечный Лес — 2. 60×40, холст, масло. 1996г Солнечный Лес — 2. 60×40, холст, масло. 1996г
• Сосна. 40×30, холст, масло. 2000г Сосна. 40×30, холст, масло. 2000г
• Березки. 40×30, холст, масло. 2000г Березки. 40×30, холст, масло. 2000г
• Березы. 30×40, холст, масло. 2000г Березы. 30×40, холст, масло. 2000г
• Березовая роща. 30×40, холст, масло. 2000г Березовая роща. 30×40, холст, масло. 2000г
• Березовая роща — 2. 40×30, холст, масло. 2000г Березовая роща — 2. 40×30, холст, масло. 2000г
• Золотой Лес-1. 40×60, холст, масло. 2001г Золотой Лес-1. 40×60, холст, масло. 2001г
• Золотой Лес-2. 40×60, холст, масло. 2001г Золотой Лес-2. 40×60, холст, масло. 2001г
• Австрийский пейзаж. 30×40, холст, масло. 1995г Австрийский пейзаж. 30×40, холст, масло. 1995г
• Кувшинки. 30×40, холст, масло. 2000г Кувшинки. 30×40, холст, масло. 2000г
• Обнаженная. 40х70. Холст, масло. 2001г Обнаженная. 40х70. Холст, масло. 2001г
• Обнаженная-4. 30х40. Холст, масло. 2001г Обнаженная-4. 30х40. Холст, масло. 2001г
• Обнаженная-5. 30х40. Холст, масло. 2001г Обнаженная-5. 30х40. Холст, масло. 2001г
• Копия с репродукции Ван Эйка Копия с репродукции Ван Эйка
• 6 фрагментов из картин известных художников 6 фрагментов из картин известных художников
• Озеро Гарда Озеро Гарда
•  

Как работали великие художники

 

   

         Метод И.Репина: краски как обычно размещены вдоль верхнего края палитры. В центре расположены белила, справа теплые, а слева холодные цвета.

         Метод художников 17 века: свинцовые белила возле отверстия для большого пальца, затем вдоль края палитры идут охра желтая, зеленая земля, сиена, охра красная, умбра, и черный. В этом варианте, цвета размещены от светлых к темным.

         Практическое правило старых мастеров: во избежание образования грязного цвета, применяйте последний метод, и смешивайте цвета только с ближайшими цветами на палитре, или с белым.

         Основная схема работы заключается в следующем: темные места пишите с помощью умбры, полутона сиеной, а светлые места – желтой.

         Главное правило старых мастеров – не зависимо от того, какого цвета предмет, передавать его следует в контексте всей композиции, тем разнообразием цветов, который есть у вас на палитре.

         Лучше всего раскладывать краски ближе к внешнему краю палитры, таким образом, останется больше места для работы с цветами.

         Многие художники вместо одного большого пятна каждой краски, делают несколько маленьких. В результате чего, легче поддерживать чистоту, и яркость красок.

         Прежде всего, нужно изучить техники старых мастеров, разобраться в пигментах какими они пользовались, и как составляли свою палитру.

         Изучать этот вопрос легче всего по автопортретам художников, где они изображали себя или других художников за работой, с палитрой в руке.

Франсиско Хосе де Гойя–и–Лусьентес  (1746-1828)

         Испанский художник, один из самых ярких представителей эпохи романтизма.

         Гойя использовал семь цветов (не считая белого и черного), и размещал их на палитре с белым пигментом вначале, у отверстия для большого пальца, и черным в конце. Помимо белого и черного Гойя использовал только природные пигменты.

         На картине видны девять пигментов, которые размещены по внешнему краю палитры в таком порядке: свинцовые белила, охра желтая, охра коричневая, красный светлый, сиена жженная, и четыре черных пигмента.

         Как и у большинства художников 18 века, вермильон размещен отдельно, перед белым пигментом.

         В центре палитры художник начал смешивать краски для получения необходимых цветов.

         Природные пигменты могут быть очень яркими и обладать высокой тональной силой: охра желтая выглядит практически так же, как и неаполитанская желтая, красный светлый как вермильон, сиена жженная, как краплак, и глауконит (когда используется) как виридиан.

         Необычной особенностью палитры Гойя является то, что на его палитре большое количество черных пигментов (четыре), но, в то же время, явное отсутствие умбры.

         Также на палитре Гойя отсутствуют синий и зеленый пигменты.

         Большое количество черного на заднем плане придает его работам особенный характер.

Оскар Клод Моне (1840-1926)

         Французский художник–импрессионист.

         Палитра художника Клода Моне описывается как яркая, или богатая.

         Моне обращался с красками также свободно, как и пианист с клавишами пианино. Работая над картиной, он не отрывал от нее взгляда, ему не требовалось смотреть на палитру, чтобы найти нужную краску. Его палитра все время менялась.

         Начиная с 1860 года, Моне избегал черных красок, его палитра состояла только из чистых светлых цветов.

         Отвечая на вопросы, он говорил             «… Самое важное, это знать, как использовать краски. Выбор красок – всего лишь дело привычки. Я использую свинцовые белила, кадмий желтый, вермильон, крапп (ярко красная), кобальт синий, окись хрома, и все.»

         Детальное изучение техники Моне, показывает, что краски, часто, использовались прямо из тюбиков, или смешивались непосредственно на холсте.

         Также, Моне прибегал к технике лессировки (работа полупрозрачными красками), чтобы добиться эффекта прозрачности, и свечения.

         Моне наносил краску легкими мазками, либо так чтобы они не соприкасались, либо непосредственно одну за другой.

Рембрандт Хермес ванн Рейн (1606-1669)

         Голландский художник. Один из самых ярких представителей золотого века голландской живописи. Мастер светотени.

         Рембрандт всегда интересовался светом. Он любил создавать интригу с помощью света и тени, пользуясь насыщенными природными пигментами.

         В работе над своими картинами, Рембрандт использовал исключительно небольшое количество красочных пигментов. Его палитру можно охарактеризовать как простую.

         В разные времена, палитра Рембрандта включала в себя такие краски: свинцовые белила, охру желтую, охру красную, кость черную, вермильон, краплак, зеленую землю, умбру, свинцово-оловянную желтую, коричневый «ван-дейк».

         Но никогда, все эти краски не были одновременно на палитре Рембрандта.

         Свинцовыми белилами Рембрандт писал тело, белые манжеты и воротники, а свинцово-оловянным желтым наиболее яркие места.

         Как правило, Рембрандт природные (земляные) пигменты смешивал с другими цветами, чтобы усилить цвет.

         Художник часто использовал яркую охру красную, усиливая ее краплаком, но не вермильоном, который применял редко.

         Для предварительных набросков композиции на холсте, а также насыщенного темно коричневого заднего плана, художник любил использовать коричневый «ван-дейк». Но поскольку он плохо сохнет, Рембрандт смешивал его с другими природными пигментами, что бы предотвратить этот эффект.

         Художник выкладывал на палитру ровно столько красок, сколько было нужно на день. Делалось это по двум причинам: 1) Пигменты были дорогими, и расходовать их нужно было разумно; 2) Краски никогда не оставались на палитре до следующего раза, потому что они подсыхали, и могли испортить картину.

         Существовала формула при написании таких специфических вещей, как золота, лошадей, и тела. Если Рембрандт собирался провести день, рисуя только лошадь, он подготавливал лишь необходимые для этого пигменты, а именно: свинцовые белила, черную и охру желтую.

         Как правило, Рембрандт, составляя краски, использовал 3-4 основных цвета, и только работая над телом, применял до шести пигментов.

Поль Гоген(1848-1903)

         Французский художник самоучка. Представитель постмодернизма.

         Поль Гоген верил в чистый цвет, в то, что работа художника должна быть посвящена именно этому.

         На изображении можно рассмотреть палитру художника, которая была найдена в мастерской после его смерти. Краски Гоген, не раскладывал в каком то определенном порядке, похоже, что он даже не чистил свою палитру, а накладывал краски поверх высохших.

       Своему ученику он говорил забыть традиционное использование цвета, какому его учили в академии, и вместо этого рисовать так, как он видит в природе, используя яркие цвета: « Каким ты видишь это дерево? Оно зеленое? Тогда нарисуй его зеленым, лучшим какой имеется на твоей палитре. Какими ты видишь эти деревья? Они оранжевые. Тогда делай их оранжевыми. А тени от них синие? Тогда изобрази их с помощью чистого ультрамарина.  Листья красные? Тогда бери вермильон».

Французский художник Жорж Пьер Сера(1859-1891)

       Жорж Сера верил в то, что основные цвета: красный, желтый и синий достигают глаз с разным спектром, и смешиваются на сетчатке.

       Следовательно, Сера раскладывал краски в определенном порядке (желтые, красные, синие — от светлых к темным), всего лишь добавляя нужные цвета ( красный/зеленый, или фиолетовый/желтый), и для каждого цвета отдельный белый.

       Черный не использовался, поскольку был объявлен физиками не ярким цветом.

         Жорж Сера не любил технику импрессионизма из-за легких мазков, лежащих в ее основе.

         Напротив, он применял технику «пуантилизм», которую создал и разработал вместе с другом, художником Полом Синяком.

         Пуантилизм заключается в использовании большого количества маленьких точек, для создания объекта.

         После Сера многие художники прибегали к этой техники.

         Пуантилизм скорее техника смешивания цветов, чем стиль. Суть в том, что цвета смешиваются только при зрительном восприятии, так званом оптическом смешении, без непосредственного физического смешивания.

Французский художник Эдгар Дега(1834-1917)

         Один из главных представителей импрессионизма, хотя сам считал себя реалистом.

         Работал в разных техниках: масляная живопись, акварель, пастель и бронзовая скульптура.

         Палитра Дега (на изображении) относится к раннему этапу его творчества, когда основную часть красок художника составляли природные (земляные) пигменты.

         Значительно ярче палитра Дега стала позже, когда изменилась тема его работ, а также техника, для которой стали характерны смелые, широкие мазки.

         С помощью серии длинных, волнистых линий чередующими цветами одну за другой, Дега предавал вибрации и энергии даже самые обычные предметы.

       Другой любимой техникой Дега выступает поперечная штриховка, где линии- штрихи пересекаются серией перпендикулярных линий.

         Штриховка, и поперечная штриховка чаще всего встречаются в пастельных работах Дега.

         Дега также работал в технике «импасто», когда краска накладывается толстым, густым слоем, ударными мазками.

         Дега часто комбинировал пастель, или масло со связующими веществами, в результате чего получалась густая, пастообразная краска.

         Дега как-то признался своему другу, что никогда не чувствовал себя по настоящему удовлетворенным, когда его работы покидали мастерскую.

Винсент Ван Гог (1853-1890)

         Нидерландский художник, представитель постмодернизма.

         Ван Гог скорее задавался целью передать настроение, и эмоции, чем использовать цвета реалистично.

         В то время это было неслыханно.

         «Вместо того, что бы в точности передавать увиденное, я более произвольно использую цвета, что бы мощнее передать мои собственные ощущения».

         Поначалу, палитра Ван Гога состояла в основном из темных и мрачных земляных пигментов, таких как: умбра, сиена и оливковый зеленый.

         С развитием новых, светостойких пигментов, а также интерес к работе импрессионистов, внесли в его палитру яркие краски: красные, желтые, оранжевые, зеленые и синие.

         Типично, палитра Ван Гога состояла из таких цветов: охра желтая, желтый крон, кадмий желтый, оранжевый крон, вермильон, прусский синий, ультрамарин, свинцовые и цинковые белила, изумрудный, краплак, охра красная, сиена и черный.

         Ван Гог работал очень быстро, с чувством безотлагательности, используя краску прямо из тюбиков, широкими красочными мазками (импасто).

        В письме своему брату Тео, в 1882, Ван Гог писал: « Есть три основных цвета – красный, желтый и синий; дополнительными цветами выступают оранжевый, зеленый и фиолетовый.

         Если добавить черный и немного белого, можно получить бесконечное разнообразие серых – серый красный, серый желтый, синий серый…

         Невозможно даже сказать, сколько существует серо-зеленых. Понимая эти простые правила, можно получить более 70 разных цветов.

         Художник – это человек, который по крайней мере знает как анализировать цвет, когда видит его в природе, и может сказать, к примеру, что тот серо-зеленый это желтый с черным и синим и.т.д. Другими словами, это тот, кто знает, как найти серые цвета природы на своей палитре».

         «Что бы подчеркнуть красоту волос, я прибегаю к оранжевым цветам, кронам, и бледно желтому… Я создаю ясный задний план, с помощью богатого, насыщенного синего, который только могу придумать, и с помощью этой простой комбинации – ярких волос на фоне насыщенного синего заднего плана, я получаю мистический эффект, как у звезды в глубине лазурного неба».

Пьер Огюст Ренуар( 1841-1919)

         Французский художник. Один из самых ярких представителей, а также основателей импрессионизма.

         Ренуар всегда начисто вытирал свою палитру после работы. Он был аккуратным и экономным.

         Ренуар стал известным благодаря умению использовать цвета, в частности: черный, белый и серый.

         В основном, Ренуар пользовался всего лишь пятью разными цветами кроме белого: титановые белила, желтый крон, краплак, голубой ультрамарин, прусский синий, вермильон. 

         В разные периоды творчества, палитра Ренуара дополнялась такими цветами: неаполитанская желтая, виридиан, кость жжёная, умбра жжёная, сиена, охра желтая, венецианская красная, синтетически краплак (темно красная), кобальт синий, окись хрома, свинцовые белила.

         Он был настолько влюблен в живопись, что не прекращал работать даже в старости, болея разными формами артрита, и рисовал кисточкой привязанной к рукаву.

         Ренуар любил импрессионизм, он изображал обычных людей танцующих и веселящихся. Благодаря его мастерству передавать свет, картины Ренуара яркие, живые и спонтанные.

         С возрастом также изменился стиль Ренуара, он стал мягче, а очертания   поверхностными.

         Художник начал использовать мощные цвета, чаще всего красные и оранжевые, а мазки делать густыми и насыщенными.

         Его любимой темой стали молодые, полные, обнаженные девушки.

         Используя холсты уже покрытые белой масляной краской, Ренуар, тем не менее, с помощью мастехина наносил еще один слой свинцовых белил.

         Новый слой заполнял узор холста, делая его поверхность гладкой и отражающей.

         Когда холст был все еще влажным, художник тонким слоем наносил краску на водной основе, благодаря чему достигалась поразительная прозрачность и текучесть. Таким приемом, Ренуар чаще всего пользовался, работая над лепестками цветов, а также задним планом.

         Изучение техник и палитр великих мастеров способно дать больше чем все современные книги о живописи вместе взятые. Нужно лишь научиться видеть.

 

Перейти в Галерею.

 

15 знаменитых и завораживающих улыбок в мировой живописи

Улыбка Запишись на консультацию

Если ты когда-нибудь интересовался живописью, то наверняка слышал, что улыбающихся людей на картинах можно увидеть довольно редко. Представь себе, каково это позировать по пять, шесть часов с улыбкой на губах? Писать такие портреты даже для профессионала очень сложно. Но в истории есть художники, чьи произведения искусства поражают своими завораживающими улыбками.

1. Портрет неизвестного, Антонелло да Мессина

Антонелло да Мессина, чьи картины маслом в Италии получили широкое признание, создал прекрасный портрет, на котором джентльмен смотрит на зрителя блестящими глазами сквозь спектр и слегка улыбается. Многие считают, что человек, который позировал для художника, был пиратом с острова Сицилия. (1) Сам же Антонелло славился портретами мужчин — и “Портрет неизвестного” считается одним из выдающихся.

2. “Смеющийся кавалер”, Франс Халс

“Смеющийся кавалер” — это работа нидерландского художника Франса Халса. Картина считается одним из ярчайших портретов периода Барокко. В 1870 году, когда картина была доставлена в музей Великобритании, она сразу же стала самым известным произведением искусства. Можно подумать, что неизвестный кавалер вовсе не улыбается, но в его мимике безусловно есть загадка. Интересный факт заключается в том, что этот портрет в качестве своего лого использует пивная компания McEwan’s. Картина немного изменена — на бутылке можно видеть улыбающегося кавалера с бокалом пива в руке. Теперь ты знаешь, как родилась идея!

3. “Девушка, читающая книгу”, Пьер Огюст Ренуар

Полностью погруженная в свою книгу. Глаза читающей девушки полузакрыты, а на губах — загадочная улыбка. Работа художника отличается максимальной точностью цветопередачи и ярким образом. (2)

4. Портрет актрисы Жанны Самари, Пьер Огюст Ренуар

Жанна Самари (1857-1890) была французской актрисой и моделью. Она получила музыкальное и театральное образование. Ее отец был виолончелистом, а тетя и бабушка — актрисами. В 1877 году художник Пьер Огюст Ренуар создал прекрасный портрет этой женщины. Веселая и в то же время очень глубокая работа, демонстрирующая лучшие черты актрисы в одной картине, в том числе и ее сияющую улыбку. (3)

5. Портрет М. И. Лопухиной, Владимир Лукич Боровиковский

Живопись Владимира Лукича Боровиковского раскрывает поразительную связь человека и природы. Природа кажется частью души женщины, а женщина — частью природы. Размытые цветы могут быть интерпретированы как женская красота, а также символизировать короткую жизнь. В случае с Лопухиной этот символ был очевиден. Именно с этой работы Владимира Лукича Боровиковского началась новая эра портретной живописи в России. По одному из старых поверий, если молодая девушка смотрит на картину слишком близко, то вскоре ее настигнет смерть. По мнению многих людей, это изображение привело к смерти около десяти молодых девушек. Но все это только слухи. (4)

6. Портрет Доры Маар. 1937, Пабло Пикассо

Генриетта Маркович появилась в жизни художника в 1936 году. Ее портрет, написанный в 1937 году, изображает величественное отношение и легкую кокетливую улыбку. Для многих эта деструкция искусства напрямую связана с Пикассо, автором этой картины. Однако, несмотря на художественные искажения, Пикассо получил удивительное признание. (5)

7. “Майкл Джексон”, Энди Уорхол

Ни для кого не секрет, что Майклу Джексону принадлежит одна из знаковых улыбок в истории поп-музыки. Этот портрет был создан в 1984 году по заказу певца для альбома «Thrilller». На аукционе произведение искусства было продано более чем за миллион долларов, а улыбка Майкла стала одной из самых дорогих в искусстве. (6)

8. Портрет женщины в белом, Густав Климт

Объектами произведений искусства Густава Климта всегда были женские тела, нежная, но сдержанная сексуальность и эротика. Говорят, что дама в белом была музой художника, потому что в его хранилище есть несколько портретов, изображающих женщину в белом. 

9. “Иоанн Креститель”, Леонардо да Винчи

На полотне изображен Святой Иоанн Креститель. Благодаря специальной технике, образ появляется на темном фоне. Работу часто цитировали, а ее элементы в ее искусстве использовались другими художниками, особенно учениками. Его жест рукой исторически увеличил присутствие и значение религии в искусстве. (7)

10. “Цыганка”, Франс Халс

В 1628 году голландский художник Франс Халс написал портрет темноволосой девушки. Улыбающаяся цыганка отвернулась от художника, открыв ему свою мягкую и приятную мимику. Её одеяние не было особенно популярным в те времена, но художник решил запечатлеть ее именно в этом наряде. (8)

11. “Турецкая невольница”, Пармиджанино

Название картины происходит от неверной интерпретации головного убора девушки. Это типичный головной убор, который носили девушки Северной Италии (Венеции) в 30-х года XVI века. Называется он «бальцо» и очень напоминает мавританский тюрбан. Персонаж портрета — молодая женщина с каштановыми волосами и глазами, розовыми щеками и застенчивой улыбкой. Тем не менее, изысканная одежда, элегантные руки и кокетство демонстрируют ее интеллект и соблазнительное очарование.

12. Портрет Сюзанны Фоурмент, Питер Пауль Рубенс

Женщина, которая позирует художнику, является женой его сестры. Во многих музейных описаниях упоминается, что за прекрасными лицом и застенчивыми глазами прячется желание снять с себя массивное одеяние. Однако, несмотря на это, она несколько часов позировала художнику. Многие пытаются разгадать загадку — действительно ли она была единственной сестрой жены художника? Вполне вероятно, что ответ кроется в растерянной улыбке.

13. Портрет графини д’Оссонвиль, Жан Огюст Доминик Энгр

На протяжении только двух лет художник создавал эскиз картины, все время изменяя и улучшая его, так как история всегда казалась ему скучно. В тайне от всех портрет хранился на протяжении 80-ти лет в частном семейном архиве, и только потом его стали выставлять на особенных и частных выставках для ценителей живописи. Улыбка главной героини очень спокойная, но в то же время уверенная.

14. “Менины”, Диего Веласкес

У этой картины особая композиция — в ее центре находится находится принцесса Маргарита со своими фрейлинами (менины), а за принцессой и ее спутницами виден художник. Конечно, основное внимание уделяется принцессе, которая, будучи очень молодой, выделяется убедительной и даже зрелой улыбкой. Картина была закончена в 1656 году и высоко оценена даже испанской королевской семьей.

15. «Портре́т госпожи́ Ли́зы дель Джоко́ндо», Леонардо да Винчи

Мона Лиза — всемирно известного работа художника и скульптора Леонардо да Винчи. Это произведение искусства обладает не только самой большой в мире славой, но и самой популярной улыбкой в искусстве. Мона Лиза была написана во Флоренции, где в то время жил сам Винчи. Теперь картинку можно увидеть в Париже, в Лувре. Таинственная улыбка Моны Лизы  — одна из самых знаменитых загадок картины. (9)

Запишись на консультацию

портрет * описания картин

Навигация по записям

У Леонардо множество рисунков, посвященных разработке сюжета Мадонны с младенцем, особенно так называемой Млекопитательницы, т.е. кормящей грудью. Но представить его сентиментальным художником, глубоко и благоговейно размышляющим о материнской любви (как часто пишут в рецензиях, посвященных эрмитажной «Мадонне Литта»), совершенно невозможно. Увольте, пожалуйста! Нежность, сентиментальность и прочее мимими – это то, чего точно нет у Леонардо, и никогда не было. Описание картины Мадонна Литта Леонардо да Винчи →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Пепельное, дымное, томное, пастельное, воздушное… Лиловое, бледно-голубое, нежное, прозрачное… Пепел розы. В безумно талантливом романе-бестселлере К. Маккалоу «Поющие в терновнике» цвет платья главной героини, обреченной на вечную разлуку с возлюбленным, назывался «пепел розы». В портрете Марии Лопухиной, умершей от чахотки через год после его завершения, все пронизано тончайшей грустью молодости, не ведущей ни к какому будущему, исчезающей как дым – все пронизано «пеплом розы».
Описание картины Портрет М.И. Лопухиной работы В.Л. Боровиковского →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Снова сказка, страшная сказка, иновременная и иномировая, неземная и манящая царевна — вот кто изображен Врубелем на картине. Замышлял портрет жены, нарисовал не свое и не людское даже. Но чтобы понять эту картину, надо хотя бы ознакомиться с сюжетом, который проиллюстрирован художником, если здесь применимо это простецкое называние. Описание картины Царевна-Лебедь Михаила Врубеля →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Картину Вермеера увидеть у нас непросто. Какое-то впечатление вы можете составить по репродукциям, и, конечно же, по вдохновенным описаниям очевидцев. До нынешнего времени дошли считанные десятки работ мастера, хранимая в Амстердаме «Молочница» — одна из них. Описание картины Молочница Вермеера Дельфтского →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Не волк-волчок, серый бочок, а натуральный монстр, Фенрир, лесное чудовище из сказок северных народов — такой воистину СКАЗОЧНЫЙ волчище на картине Виктора Васнецова. И что касается человеческих персонажей, тоже есть что проанализировать. Нам, взрослым, тяжело вновь пережить сказку, но также и сложно всецело понять художника, ее, сказку, рисующего. Попробуем, однако. Описание картины Иван-царевич на сером волке Виктора Васнецова →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Аленушка с картины Васнецова — непростая героиня. Это произведение при всей обыденности пейзажа, при всей известности сказки — сложное для понимания. Значит, понимать не нужно. Следует переживать. Как будто слушаешь сказку. Описание картины Аленушка Виктора Васнецова →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Посмотреть на процесс создания всем известных картин — это может быть очень интересным. Поль Гоген предоставил нам такую возможность, написав Винсента Ван Гога за работой. А Ван Гог знаменит подсолнухами — их он и рисует. Описание картины Портрет Ван Гога рисующего подсолнухи Поля Гогена →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Картина знаменитого русского художника, прожившего большую часть жизни в Индии, прошедшего с экспедицией Центральную Азию, изображает не менее великого тибетского отшельника, странствующего учителя и практика Йоги Миларепу. Что он услышал?.. Описание картины Миларепа Услышавший Николая Рериха →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Сейчас и в прошлом тысячи искусствоведов пытаются раскрыть загадку Джоконды — самого, пожалуй, известного потрета в мировой живописи. Но существует ли загадка как таковая? Быть может, портрет Моны Лизы для Леонардо был всего лишь портретом женщины? Конспирологические теории находят на этой картине вообще портрет автора. Мы тоже не дадим никаким ответов, но поразмыслим и сообщим несколько полезных фактов. Описание картины Мона Лиза Леонардо да Винчи →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Известная картина советской художницы Татьяны Яблонской изображает радостное утро и в нем — дочь художницы. Полотно пронизано солнечным светом. Описание картины Утро Татьяны Яблонской →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Навигация по записям

Страница 1 из 212»

Боровиковского, Брюллова, Кустодиева и других.

Мы знаем их в лицо и любуемся красотой в расцвете молодости. Но как жили эти женщины дальше, после того, как картина была закончена? Иногда их судьба оказывается удивительной. Вспоминаем с Софьей Багдасаровой.

Сарра Фермор

И.Я. Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. Около 1749–1750. Русский музей

Картина Вишнякова — один из самых прелестных образцов русского рококо и один из самых знаменитых портретов эпохи императрицы Елизаветы Петровны. Особенно эффектен контраст между ребяческой прелестью 10-летней девочки и тем, что она все пытается делать «как взрослая»: принимает правильную позу, держит веер согласно этикету, старательно сохраняет осанку в корсете придворного платья.

Сарра — дочь генерала Виллима Фермора, обрусевшего шотландца на русской службе. Это он взял нам Кёнигсберг и всю Восточную Пруссию, а на гражданской службе после пожара отстроил классицистическую Тверь в том виде, который восхищает нас сейчас. Мать Сарры тоже была из шотландского рода — из Брюсов, причем приходилась племянницей знаменитому Якову Брюсу, «колдуну с Сухаревой башни».

Сарра была выдана замуж по тем временам поздно, в 20 лет, за своего ровесника Якоба Понтуса Стенбока — представителя графской шведской семьи (из нее даже вышла одна шведская королева). Стенбоки к тому времени перебрались в российскую Эстляндию. Супруги жили, скажем прямо, неплохо: достаточно сказать, что это в их дворце в Таллине сейчас размещаются помещения эстонского премьер-министра и зал заседаний правительства. Сарра, по некоторым указаниям, стала матерью девяти детей и скончалась уже при императоре Александре I — то ли в 1805 году, то ли вообще в 1824-м.

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковский. Портрет М.И. Лопухиной. 1797. Третьяковская галерея

Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. В нем все приемы мастера применены так искусно, что мы и не замечаем, каким именно способом нас околдовывают, как создается очарование этой барышни, которой почти сто лет спустя Яков Полонский посвящал стихи («…но красоту ее Боровиковский спас»).

Лопухиной на портрете 18 лет. Ее непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Но каким на самом деле был ее характер, мы не знаем. При этом Мария, оказывается, была родной сестрой Федора Толстого (Американца), известного своим вызывающим поведением. Удивительно, но если взглянуть на портрет ее брата в молодости (Государственный музей Л.Н. Толстого), то мы увидим ту же вальяжность и расслабленность.

Влюбиться в Третьяковке

Портрет был заказан ее мужем, Степаном Лопухиным, вскоре после свадьбы. Лопухин был старше Марии на 10 лет и происходил из богатого и знатного рода. Через шесть лет после написания картины девушка умерла — от чахотки. Через 10 лет умер и ее муж. Поскольку они были бездетными, картину унаследовала единственная выжившая дочь Федора Толстого, у которой в 1880-х годах ее и купил Третьяков.

Джованнина Пачини

К.П. Брюллов. Всадница. 1832. Третьяковская галерея

«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все — и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. Русскому академизму есть чем гордиться.

На нем написаны две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованнина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Но имели ли они право на эту фамилию, до сих пор не ясно. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния Скавронских, Литта и Потемкина. Бросив первого мужа, Самойлова уехала жить в Италию, где в ее салоне бывали и Россини, и Беллини. Своих детей у графини не было, хотя она еще дважды выходила замуж, один раз — за молодого и красивого итальянского певца Пери.

Лекция. Археология масонского взгляда: «Последний день Помпеи» Карла Брюллова

По официальной версии, Джованнина и Амацилия были родными сестрами — дочерьми автора оперы «Последний день Помпеи», композитора Джованни Пачини, друга (и, по слухам, возлюбленного) графини. Она забрала их в свой дом после его смерти. Однако, судя по документам, у Пачини была только одна дочь —младшая из девочек. Кто была старшая? Есть версия, что ее вне брака родила сестра того самого тенора Пери, второго мужа Самойловой. А может, у графини с девочкой была и более тесная родственная связь… Недаром «Всадницу» сначала считали портретом самой графини. Повзрослев, Джованнина вышла замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, и уехала с ним в Прагу. Самойлова гарантировала ей большое приданое. Однако, поскольку к старости графиня разорилась (ей пришлось выплачивать третьему мужу, французскому аристократу, огромные алименты), обе «дочери» взыскивали со старухи «матери» обещанные деньги через адвоката. Самойлова скончалась в бедности в Париже, дальнейшая же судьба ее воспитанниц неизвестна.

Елизавета Мартынова

К.А. Сомов. Дама в голубом. 1897–1900. Третьяковская галерея

«Дама в голубом» Сомова — один из символов живописи Серебряного века, по выражению искусствоведа Игоря Грабаря — «Джоконда современности». Как и в картинах Борисова-Мусатова, здесь не только наслаждение красотой, но и любование уходящим очарованием помещичьей России.

Читайте также:

Елизавета Мартынова, которая позировала Сомову на портрете, была, видимо, одной из немногочисленных женских симпатий художника. Художник познакомился с ней, дочерью врача, во время учебы в Императорской Академии художеств — она была в числе учеников набора 1890 года, когда женщинам впервые разрешили поступать в это учебное заведение. Удивительно, но произведений самой Мартыновой, кажется, не сохранилось. Однако ее портреты писали не только Сомов, но и Филипп Малявин и Осип Браз. Вместе с ней училась Анна Остроумова-Лебедева, которая в своих мемуарах мимоходом отметила, что, хотя Мартынову писали всегда высокой статной красавицей, на самом деле она была маленького роста. Характер у художницы был эмоциональный, гордый и легкоранимый.

Сомов писал ее несколько раз: в 1893 году акварелью в профиль, через два года — карандашом, а в 1897 году он создал ее небольшой портрет маслом на фоне весеннего пейзажа (Астраханская художественная галерея). Эту же картину он создавал с перерывами три года: из них художник два провел в Париже, а Мартынова для лечения болезни легких на долгое время поселилась в Тироле. Лечение не помогло: примерно через четыре года после окончания полотна она скончалась от чахотки в возрасте около 36 лет. Семьи у нее, видимо, не было

Галина Адеркас

Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Русский музей

Хотя «Купчиха за чаем» Кустодиева написана в послереволюционном 1918 году, для нас она — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Впрочем, Кустодиев после революции своим любимым сюжетам не изменял: для человека, до конца жизни прикованного к инвалидному креслу, это стало формой эскапизма.

Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XIII века. Одна из баронесс фон Адеркас даже была воспитательницей Анны Леопольдовны.

В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода, студентка-первокурсница медицинского факультета. И честно говоря, на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше и не такой внушительной. Изучала она, как говорят, хирургию, но увлечения музыкой увели ее в другую сферу. Обладательница интересного меццо-сопрано, в советские годы Адеркас пела в составе русского хора в Управлении музыкального радиовещания Всесоюзного радиокомитета, участвовала в озвучивании фильмов, но большого успеха не добилась. Вышла замуж она, судя по всему, за некоего Богуславского и, возможно, стала выступать в цирке. В Рукописном отделе Пушкинского Дома даже хранятся рукописные воспоминания за авторством Г.В. Адеркас, озаглавленные «Цирк — это мой мир…». Как сложилась ее судьба в 30-е и 40-е годы — неизвестно.

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

10 самых известных масляных портретов в истории

Масло было одним из самых влиятельных типов красок с тех пор, как оно стало популярным сотни лет назад. Он использовался для создания некоторых из самых известных и любимых картин в истории, многие из которых были портретами. Хотя сегодня стали популярными такие материалы, как акриловая краска, существует множество масляных портретов, которые выдержали испытание временем.

Ночной дозор

Этот холст, масло написал Рембрандт ван Рейн в 1642 году.Эта картина маслом получила известность благодаря гигантским размерам и новому использованию света и тени. Размер картины позволял запечатлеть групповой портрет. Его хвалят за то, что он показывает военную группу в движении, а не в статичной позе.

Портрет Людовика XIV

Этот портрет Людовика XIV был написан Гиацинтом Риго в 1701 году. На картине изображен Людовик XIV в коронационных одеждах и висел в Версальском дворце, пока не был перенесен в Лувр.Эта картина оказала прочное влияние на историю искусства из-за ее связи с Людовиком XIV, сложной фигурой в истории Франции.

Дама с горностаем

Этот портрет был написан Леонардо да Винчи в конце пятнадцатого века. Написав всего четыре портрета женщин за свою жизнь, Lady With An Ermine ценится за представление талантов да Винчи.

Девушка с жемчужной серьгой

На этой картине в центре внимания находится женщина.Иоганнес Вермеер написал это произведение в конце семнадцатого века. Это считается одним из самых важных произведений голландского золотого века, охватившего 17 век.

Las Meninas

Название этой картины 1656 года переводится как «фрейлины». Художник Диего Веласкес создал эту работу как кульминацию своей карьеры. Картина, которую часто называют одной из самых анализируемых картин в мире, не существует общепризнанного анализа этой работы.Вместо этого ведется много споров по поводу того, что Веласкес пытался передать в своем знаменитом произведении.

Портрет мадам X

Этот портрет интересен тем, что он был выполнен по просьбе художника, а не по заказу. Художник, Джон Сингер Сарджент, выбрал светскую львицу Вирджини Амели Авеньо Готро в качестве фокуса своей работы. Хотя этот портрет потенциально менее известен, чем другие картины маслом в этом списке, он выдержал испытание временем как среди коллекционеров искусства, так и среди историков.

Автопортрет без бороды

Винсент Ван Гог за свою жизнь написал около трех десятков автопортретов, среди которых большинство из известных художников. Хотя все его автопортреты привлекли внимание, ни один из них не вдохновил на больший анализ, чем его «Автопортрет без бороды» . Почти все автопортреты Ван Гога показывают его характерную рыжую бороду, за исключением его вышеупомянутых работ. Претендент на то, чтобы быть его последним известным автопортретом, эта картина дает захватывающий взгляд на внутреннюю сущность Ван Гога.

Портрет Гертруды Стайн

На этом портрете, написанном на рубеже двадцатого века, изображена икона Гертруды Стайн. Этот портрет был написан Пабло Пикассо и многими считается одним из самых важных произведений его периода Розы.

Портрет Арнольфини

Эта картина была завершена в 1434 году, что делает ее старой масляной картиной в этом списке. Художник Ян ван Эйк в своей работе сосредоточился на Джованни ди Николао Арнольфини и его жене.Считавшийся выдающимся для своего времени, Портрет Арнольфини заслужил свое место среди самых известных масляных картин в истории.

Мона Лиза

Возможно, самый известный портрет в мире, Мона Лиза , был написан Леонардо да Винчи. Этот портрет стал известен отчасти благодаря своей интриге. Загадочная улыбка испытуемого вызвала много вопросов у зрителей, которые на нее смотрели.

Эти десять картин — лишь некоторые из самых известных портретов маслом в истории.Даже сегодня люди во всем мире покупают и заказывают репродукции, чтобы продемонстрировать этот уровень артистизма в своей повседневной жизни.

Ваш персональный портрет маслом

Вы когда-нибудь представляли, что можете сделать свой персональный портрет маслом на основе одной из известных картин, упомянутых выше? Ознакомьтесь с услугами Mavenart.

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Нравится:

Нравится Загрузка …

Связанные

Картины маслом | Allartclassic

Картины маслом

Настоящая ручная роспись маслом на холсте по разумной цене
Мы предлагаем подлинные, полностью ручные репродукции картин маслом на шедевры искусства.Это недешевые принты жикле, где изображения печатаются на холсте, чтобы передать эффект масляной живописи.
Как и старый Мастер, наш художник начинает с наброска карандашом на холсте, а затем добавляет все детали, используя точные мазки и текстуру краски, улавливая сущность и дух оригинальной масляной живописи.

Поиск исполнителей в алфавитном порядке по именам

Чтобы найти конкретного исполнителя, выберите первую букву его фамилии

Самые популярные темы

Найдите свою картину из этих популярных жанров искусства или выберите в разделе «Все темы».

Пейзажи

Произведение искусства школы реки Гудзон, Барокко и современность, Горы, Морской пейзаж, Городской пейзаж

Натюрморт

Цветы и натюрморт, от Снайдера до Сезанна и Ренуара

Животные и охота

Конные и охотничьи работы избранных ведущих художников — Рубенса, Стаббса, Хейвуда Харди и других.

Фигуративная живопись

Представленное искусство от художников раннего Возрождения Веронезе и Рафаэля до Пикассо и Дали

Фигурные композиции

Большие многофигурные полотна таких художников, как Рубенс, Рембрандт, Дега и др.

Морской пейзаж

Выберите свой любимый морской пейзаж от художников Айвазовского, Тернера и других.

Живопись цветов

Цветы всех стилей. Избранные художники Renoir, Van Gogh, Heade

Боди-арт роспись

Творческая роспись боди-арта. Лучшие исполнители в этом разделе — Дега, Жером и Альма Тадема

Известные произведения искусства и художники

В этом каталоге можно найти любые произведения искусства, зарегистрированные в государственных коллекциях и музеях.Кроме того, каталог также содержит статьи из книг и альбомов, хранящихся в базе данных Allartclassic.
Если интересующая вас картина или художник не представлены, см. «Все известные художники» или свяжитесь с нами, и мы будем рады помочь.

По вашему запросу мы сделаем вашу репродукцию старинной , потрескав поверхность картины маслом для абсолютного сходства с оригиналом (по желанию).

Также можно заказать портреты маслом по фото — качественные, ручная работа.Семейные и домашние портреты.

Оригинальное современное искусство

В разделе оригинальных произведений искусства представлен широкий спектр работ различных современных художников акрилом и маслом, их работы выставлены в галереях Парижа.

Как мы красим

Посетите официальную страницу Allartclassic на Youtube. Посмотрите последние работы и способы их создания, а также подробное видео о процессе рисования.

Репродукции картин маслом ручной работы

В нашей галерее представлена ​​лучшая коллекция изобразительного искусства мира! На продажу выставлено более 700 великих художников и тысячи известных картин маслом.
Allartclassic является домом для 9500 картин старых мастеров, а также оригинального искусства современных художников. Это также место, где различные современные художники могут познакомиться с выставкой своих работ.
Каждая репродукция искусства расписана вручную, полноцветна и выполнена с высочайшим качеством.Представляем вашему вниманию образцы репродукций наших картин маслом.

6 самых легендарных портретов истории искусства

Иоганнес Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой (около 1665 г.) / Via Wikimedia Commons

Откройте для себя необычные портреты на KAZoART.com

Портретная живопись — один из самых популярных жанров в живописи.В принципе, это способствует точному представлению человека, подчеркивая его физические характеристики и, возможно, даже интеллектуальные или духовные качества. Чтобы лучше проиллюстрировать это, KAZoART обратится к шести наиболее известным портретам, которые стали неотъемлемой частью истории искусства.

1. Мона Лиза , Леонардо да Винчи (1503-1506)
Леонар де Винчи, Мона Лиза, 1503-1506 / через Wikimedia Commons (улучшенное изображение)

Безусловно, самый известный портрет в мире, Мона Лиза очаровывает нас на протяжении веков.Эта молодая женщина является предметом множества исследований и интриг и поэтому стала источником вдохновения для многих художников по всему миру, скопировавших ее стиль. Она даже несколько раз подвергалась плагиату.

Было много гипотез, связанных с личностью натурщика, но искусствоведы пришли к согласию относительно имени: Лиза Герадини дель Джокондо. Эта молодая женщина без бровей и ресниц, кажется, следит за нами глазами, куда бы мы ни пошли! Украденная в 1911 году, а затем возвращенная, она сейчас сидит в своей комнате в Лувре и продолжает озадачивать нас своей улыбкой, которая говорит слишком много, но все же недостаточно.Вся шумиха вокруг этого небольшого холста привела к тому, что ее назвали «переоцененной». Обожаете ли вы ее или относитесь к ней равнодушно, она никуда не денется и продолжит занимать первое место.

2. Девушка с жемчужной сережкой , Йоханнес Вермеер (около 1665 г.)
Йоханнес Вермеер, Девушка с жемчужной серьгой (около 1665 г.) / Через Wikimedia Commons

Написано около 1665 года художником Девушка с жемчужной серьгой изначально называлось Девушка в тюрбане и, несомненно, является одним из главных произведений западного искусства.Этот портрет, который часто называют «Мона Лиза Северной», представляет собой одну из дочерей голландского художника. Мягкие черты лица молодой женщины выделяются на глубоком черном фоне. Ее шелковистый сине-желтый наряд еще раз подчеркивает общую изысканность работы.

Похоже, она хотела что-то сказать. Но чего она ждет? Загадка остается. Она смотрит через плечо, чтобы посмотреть на зрителя, и не отводит взгляда. Маленькая, но важная деталь, которой мы обязаны названием работы, — это, очевидно, жемчужина, которая сияет и противостоит окружающей тьме, символизируя целомудрие.

3. Мэрилин Монро , Энди Уоррол (1967)
Энди Уоррол, Мэрилин Монро, (1967)

Эта серия портретов объехала весь мир! Уорхол видел в Монро неиссякаемый источник вдохновения и умножил ее портрет на набор красочных шелкографий. Ключевой игрок в движении поп-арта, Уорхол разделил шок американской публики, когда в 1962 году было обнаружено, что актриса и певица покончили с собой.Происхождение этих портретов — фотография из рекламы фильма «Ниагара», на которой Монро предстает в черно-белом цвете с застывшей улыбкой.

На своих шелкографических принтах Уорхол раскрашивает ее лицо и доводит ее макияж до предела. Более того, цвет ее век систематически перекликается с фоном. Иногда это может выглядеть как ее настоящее изображение, но в других версиях ее ультра-яркие цвета могут быть немного резкими для глаз. Этот странный контраст был способом Уорхола воздать должное ослепительному присутствию иконы в Голливуде 50-60-х годов.

4. Портрет Адель Блох Бауэр I , Густав Климт (1907)
Густав Климт, Портрет Адель Блох-Бауэр I (1907 г.) / Via Wikimedia Commons

На этом знаменитом портрете Густава Климта в центре внимания — женственность. Техника, использованная для этой картины, очень похожа на тех, что использовались в Поцелуй, , который был написан всего несколько месяцев спустя. Квадратный формат работы погружен в золото, что освещает молодую женщину и ее хорошо изображенные черты лица.Адель Блох Бауэр была обожаемым другом и покровителем художника. Она и ее муж Фердинанд поддерживали великих художников своего времени, одним из которых был Климт.

По их покровительству родился этот стилизованный портрет. Тело Адель покрыто множеством византийских мотивов. Повторяющиеся мозаичные изображения часто встречаются в работах Климта. Белая кожа модели радикально контрастирует со всеми золотыми нарядами вокруг нее, а общая абстракция работы прекрасно сочетается с реализмом ее портрета.

# 5 Vertumne, Arcimboldo (1590)
Арчимбольдо, Vertumne (1590) / через Wikimedia Commons

Арчимбольдо — художник, стиль которого невозможно не узнать. Итальянский художник эпохи Возрождения известен своими портретами, состоящими из растений и растений. Сделанный в 1590 году, этот Вертюмне, написанный маслом по дереву, представляет собой портрет немецкого императора Рудольфа II. Подход художника бесконечно точен, каждая деталь представлена ​​разными продуктами или растениями.Заметны даже зубы!

Хотя этот портрет далек от реалистичного изображения, мы должны приветствовать гений Арчимбольдо. Зеленая фасоль для бровей, красные фрукты для губ, яблоки для щек и груша для носа — это технический подвиг. Тем не менее, он по-прежнему соблюдает (большинство) стандартов типичной портретной фотографии. Фон — приглушенный черный, голова объекта повернута на три четверти. Эта картина была написана как дополнение к его серии под названием The Seasons , начатой ​​несколькими годами ранее.

# 6 Американская готика , Грант Вуд (1930) Грант Вуд, Американская готика (1930) / Via Wikimedia Common

Пародировалось больше раз, чем мы можем сосчитать, Американская готика — одно из самых известных произведений 20 века. Эта картина Гранта Вуда была вдохновлена ​​архитектурой фермерского дома 19 века. Модели были не кто иной, как сестра художника и дантист. При дальнейшем наблюдении зритель может начать немного беспокоиться или беспокоиться об этой картине.Нас заставляют спросить, почему мужчина держит вилы и почему женщина в фартуке смотрит вдаль.

Ну, вилы связаны с красным сараем с жестяной крышей на заднем плане. Но что более важно, мы видим дом с высокой симметрией. Центральное готическое окно на верхнем этаже равноудалено от двух фигур. Увлечение Гранта Вуда этим хорошо известным архитектурным жанром в конечном итоге стало тезкой картины.

Известные картины маслом — Новости искусства и события от zet gallery

Хотя масляная краска впервые начала использоваться китайцами и индийцами для создания буддийских картин где-то между V и X веками, эта техника не пользовалась большой популярностью до XV века.Примерно в то время масляная живопись стала основной техникой производства, и ее возможности были широко признаны.

Популярность этой техники объясняется в основном ее универсальностью, в основном потому, что можно контролировать не только время высыхания, но и «средний» тон, консистенцию, текстуру, яркость и т. Д. Плюс возможность комбинирования нескольких разные масла в одной картине, создавая разные эффекты и пигменты.

Было много художников, которые открыли двери для новых и более смелых применений масла, создавая культовые произведения искусства и доводя искусство до того, чем оно является сегодня.

Мы уже выбрали пятерку самых известных картин, что всегда было сложной задачей из-за тысяч возможных комбинаций. Мы уверены, что если бы мы попросили тысячу человек выбрать их топ-5 известных картин, у нас была бы тысяча различных комбинаций.

На этот раз, поскольку это одна из техник и стилей живописи, которыми больше всего восхищаются, мы сделали подборку из известных картин маслом .

1. Мона Лиза (1503-1506) — Леонардо да Винчи

Мона Лиза, Джоконда или Мона Лиза дель Джокондо — возможно, самое известное произведение искусства маслом в мире, созданное единственным и неповторимым Леонардо да Винчи.Помимо того, что Мона Лиза является «жемчужиной в короне» Лувра, который, согласно «Отчету о посещаемости мировых достопримечательностей» только в 2014 году, посетило около 9300 миллионов человек, Мона Лиза также считается самым ценным произведением искусства в мире. Существует много теорий о изображении женской фигуры на картине, но предполагается, что изображенная женщина является женой Франческо дель Джокондо, итальянского торговца и политика.
Это произведение искусства, помимо того, что несомненно принадлежит к группе известных картин маслом, несомненно, является картиной с наибольшим количеством репродукций и переосмыслений в мире.

Леонардо да Винчи-Мона Лиза

2. Постоянство памяти (1931) — Сальвадор Дали

Абсолютный ландшафт в художественной культуре, Постоянство памяти — одно из самых загадочных произведений Сальвадора Дали. Несмотря на то, что они были написаны за пять часов, как он признался, «мягкие часы» — так часто называют это произведение искусства — сразу же стали одним из самых сильных и характерных символов его творчества. Это произведение искусства, выбранное из обширного портфолио знаменитых картин Дали, написанных маслом, отражает его интерес к достижениям современной науки, пересекая абстрактные теории физики, в том числе перспективу относительности Эйнштейна, которая бросает вызов идее фиксированного пространства и времени, и исследования Фрейд о бессознательном и важности снов.

Сальвадор Дали — Постоянство памяти

3. Герника (1937) — Пабло Пикассо

Знаковое произведение Пабло Пикассо, в котором используется палитра серого, черного и белого, является одним из самых трогательных и ярких произведений антивоенной истории. Считается, что Пикассо, также автор нескольких известных картин маслом, написал эту работу в ответ на бомбардировку Герники, изображая страдания людей и животных и показывая разрушения и хаос.

Пабло Пикассо — Герника

4. Рождение Венеры (1483) — Сандро Боттичелли

Рождение Венеры — одно из самых известных произведений Боттичелли, наряду с «Весна». Это было революционное полотно для своего времени, первое крупное произведение искусства эпохи Возрождения, посвященное светской и мифологической теме и не сосредоточенное на религиозном искусстве. Композиция с тонкой лирикой изображает прибытие на сушу Венеры (Афродиты), рожденной из морской пены.Несмотря на то, что богиня обнажена, она не предполагает никакого эротизма, но на самом деле представляет собой некую тонкую чистоту.

Сандро Боттичелли — Рождение Венеры

5. Звездная ночь (1889) — Винсент Ван Гог

Звездная ночь , вероятно, самая известная картина маслом , написанная голландским художником-постимпрессионистом. Написанный, когда Ван Гогу было 37 лет и он был изолирован в психиатрической больнице, пейзаж изображает смесь между реальным миром и собственными воспоминаниями Ван Гога.В период изоляции художник создал более 150 работ, основанных на пейзажах, которые он видел в Провансе.

Висент Ван Гог — Звездная ночь

Комментарии

комментария

10 самых известных портретных картин

Портретная живопись широко считается самой сложной формой живописи, поскольку требует острой остроты зрения для изображения человеческой формы с предельным уровнем детализации.

Портреты сфокусированы на одном или нескольких людях, причем основной акцент делается на верхней части тела.Некоторые из самых известных художников в истории обладали уникальной способностью уловить суть человеческих эмоций в одном портрете.

Многие художники досконально изучили анатомию человека, пытаясь понять нюансы каждой маленькой минуты изменения выражения.

Были художники-портретисты со всего мира, которые оттачивали свои навыки рисования в стремлении усовершенствовать искусство портретной живописи, в том числе такие имена, как Леонардо да Винчи и Рембрандт.

Вот 10 самых известных портретных картин, когда-либо созданных.

Знаменитые портретные картины

1.

Мона Лиза — да Винчи

Мона Лиза — одна из самых известных картин всех времен и, несомненно, самая известная работа художника эпохи Возрождения Леонардо да Винчи в жанре портретной живописи. Картина, также известная как Портрет Лизы Герардини, была написана где-то между 1503 и 1519 годами во Флоренции, Италия.

Да Винчи написал эту работу маслом на деревянных панелях, и она широко известна исключительным уровнем детализации, а также любопытным выражением лица объекта.

Многих искусствоведов и энтузиастов особенно интересует личность женщины, при этом они отмечают, что ее глаза обладают сверхъестественной способностью следовать за зрителем, где бы он ни стоял.

Пожалуй, наиболее заметным элементом Моны Лизы, по крайней мере, среди опытных художников, которые хорошо знают, насколько сложно рисовать реалистичные изображения, является высокий уровень детализации в руках женщины, которые кажутся реалистичными до такой степени, что они могут почти фотография.

Мона Лиза сейчас находится в Лувре в Париже, Франция, и каждый год привлекает сюда огромное количество любителей искусства, чтобы увидеть ее лично.

2.

Девушка с жемчужным ушком — Vermeer

Один из самых известных портретов всех времен был написан в 1665 году голландским художником Йоханнесом Вермеером. Картина написана маслом и изображает молодую девушку, которая смотрит на зрителя с очаровательным выражением лица, вызывающим любопытство у всех, кто имеет удовольствие видеть эту работу.

Картина хорошо известна своим удивительным уровнем реализма и тем, как Вермеер может уловить тонкие различия между светом и темнотой.

Искусствоведы и энтузиасты отмечают, что глаза девушки — одна из самых интересных частей работы, так как они прикованы к зрителю и игриво, и предвкушает.

Красота и черты девушки снова становятся в центре внимания, поскольку фон, окружающий ее присутствие, представляет собой сплошную черную бездну.

Эта картина широко считается величайшим достижением Вермеера и долгое время была известна как одна из величайших портретных картин всех времен.

3.

Las Meninas — Diego Velázquez

На момент создания работа Диего Веласкеса под названием Las Meninas заработала репутацию одного из самых красивых произведений искусства Испании 17 века. В творчестве Веласкеса изображена пятилетняя Маргарита Тереза, известная дочь короля Испании Филиппа IV и Марианы Австрийской.

Картина содержит потрясающий уровень детализации, который дает представление о Веласкесе и его намерении не оставлять без внимания ни один аспект на всем гигантском холсте размером 10 футов 5 дюймов на 9 футов 1 дюйм.

Картина изображает сцену из повседневной жизни королевской семьи вместе с другими персонажами, которые участвуют в различных действиях, которые создают ощущение действия и волнения — небольшой проблеск в жизнь королевской семьи, которую окружающий мир никогда бы не обошлось без помощи художника.

Веласкес также включается в картину в темном углублении на левой стороне полотна, почти незаметно глядя на элегантный, невидимый момент в королевском дворце.

Хотя Мариана является центральным центром работы, одним из элементов портрета является то, что зритель, кажется, разделяет ту же точку зрения, что и король и королева, поскольку их можно увидеть в отражении небольшого зеркала на заднем плане.

4.

Две Фриды — Фреда Кало

Легендарный мексиканский художник Фреда Кало известна своими картинами, отражающими суть коренного прошлого страны и постоянно усиливающееся европейское влияние начала 1900-х годов.

Работа Кало под названием «Две Фриды» — это странное, но наводящее на размышления изображение двойственной природы того самого общества, в котором она и другие мексиканцы живут в это время. Картина была написана в 1939 году и изображает две версии Кало, сидящие в элегантной, но вызывающей недоумение манере.

Слева зритель видит изображение Кало, одетого в стилистическое платье европейского дизайна, которое было распространено среди представителей высшего сословия Мексики в то время, а также служило символом богатства и изобилия.

Кало, показанная справа, одета в гораздо более традиционное мексиканское платье, которое предлагает немного больше цвета, чем ярко-белое платье, которое носит ее противоположность.

Портрет, как говорят, изображает явный контраст между страной, раздираемой приходящим европейским влиянием того времени, но все еще цепляющейся за суть мексиканского наследия. Мы ясно видим, где находится сердце Кало, поскольку ее европейская версия изображена с разрывающимся сердцем, а Фрида справа показывает сердце, которое живо и здорово.

5.

Портрет Адели Блох-Бауэр I — Густав Климт

Немногие портреты среди самых известных картин всех времен предлагают такую ​​яркую окраску и символизм, как картина Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр I.

Работа была завершена в 1907 году и изображает жену Фердинанда Блох-Бауэра, известного предпринимателя в Австрии начала 20 века.

Картина была также известна как «Золотая женщина» из-за высокого уровня золотых тонов во всей картине, которые кажутся ошеломляющими для многих энтузиастов искусства и критиков.Работа предлагает множество различных способов, которыми свет играет на поверхности золота с его различными характеристиками мерцания и сияния.

Эта работа приобрела дополнительный уровень известности и известности после того, как была украдена немцами во время Второй мировой войны. Спустя годы семья Адели боролась против австрийского правительства в суде, чтобы вернуть себе права на картину.

6.

Мать Уистлера — Джеймс Эббот Макнил Уистлер

Среди самых известных портретных картин в истории Америки и мира — работа Джеймса Макнила Уистлера «Мать Уистлера».На картине, написанной в 1871 году, изображена мать художника, которая запечатлена в траурном состоянии, когда она изображена одетой во все черное и с мрачным выражением лица на стареющем лице.

Картина известна способностью художника передать такое глубокое чувство эмоции через боковой профиль своего объекта, в данном случае его матери.

Работа отличается различной степенью затемнения от светло-серого до глубокого черного. Многие искусствоведы отмечают, что картина предлагает уникальный уровень реализма, который редко изображается в такой мрачной, меланхоличной манере.

7.

Портрет мадам X — Джон Сингер Сарджент

Джон Сингер Сарджент был американским художником, прославившимся своими чрезвычайно реалистичными работами во второй половине XIX века. Его работа под названием «Портрет мадам X» покорила сердца любителей искусства во всем мире своей утонченной красотой, но многие официальные лица и критики того времени отмечали, что работа была слишком провокационной, чтобы ее так высоко ценили во Франции 1884 года.

Сарджент написал портрет своего коллеги-экспатрианта Виржини Амели Авеньо Готро, жену успешного банкира во Франции.Работа вызвала бурю негодования среди консервативных членов французского общества в то время — даже вынудив Сарджента бежать из страны и укрыться в Лондоне.

С тех пор искусствоведы и энтузиасты внимательно наблюдали за картиной и признали ее невероятный уровень реализма, а также способность художника изобразить такую ​​красивую женщину в центре внимания, несмотря на то, что ее окружало такое подавляющее количество тьмы. фигура.

8.

Портрет Арнольфини — Ян ван Эйк

Известный как один из самых известных портретов в истории с изображением супружеской пары, работа Яна ван Эйка под названием «Портрет Арнольфини» была завершена в 1434 году как картина маслом на деревянном панно, которое было довольно популярно в то время.

Картина известна высокой детализацией и четкостью вплоть до мельчайших деталей. Считается, что на картине изображена пара итальянских купцов в их богатом доме.

Видно, как муж с благочестивым выражением лица нежно берет руку своей беременной жены. Ван Эйк смог наложить картину таким образом, чтобы получить глубокие уровни различных тонов и цветов, которые привлекают внимание зрителя.

Способность художника запечатлеть пару таким образом, чтобы идеально передать различные уровни измерений, поскольку и мужчина, и его жена обладают замечательным уровнем реализма, уходящим глубоко в задний план.

9.

Портрет Пабло Пикассо — Хуан Грис

Есть несколько портретов, которые исторически славились своим качеством, а также своим сюжетом. Работа Хуана Гриса под названием «Портрет Пабло Пикассо» — одна из таких работ, поскольку она изображает легендарного испанского художника в непринужденной позе, которая предлагает зрителю дразнящее изображение, сочетающее в себе более глубокие уровни цвета и световой контраст.

Написанная в 1912 году, эта картина считается одной из самых известных картин Гриса, который, как говорят, был близким другом Пикассо.

Изящные геометрические формы картины привлекают внимание к различным уровням света и тому, как темнота растворяется в различных элементах, создавая расслабленный образ знаменитого художника.

10.

Американская готика — Грант Вуд

Картина Гранта Вуда «Американская готика» известна как одно из самых знаковых произведений американского искусства, поскольку на ней изображены две торжественные фигуры, стоящие перед скромным фермерским домом.

Написанная в 1930 году, эта работа является очевидным свидетельством жестокости, которую люди Соединенных Штатов были вынуждены вынести во время Великой депрессии 1920-х годов.Это прекрасный образец искусства соцреализма. На картине Вуда изображен дом с уникальным дизайном, который, по мнению Вуда, имел архитектурный облик в готическом стиле.

После разработки чертежей дома Вуд использовал своего дантиста и сестру в качестве торжественных отца и дочь, которые прилежно стояли перед их фермерским домом.

Работа отражает трудолюбивый американский дух, которым очень гордились жители страны. Работа Вуда мгновенно стала классикой и с тех пор стала одним из самых знаковых произведений искусства в американской культуре.

---

Надеемся, вам понравился наш список известных портретных картин!

Сегодняшние художники-портретисты, которые придают современный вид вековому жанру

До фотографии художники были теми, кто делал визуальные снимки человечества. Считается, что некоторые самые ранние портреты были нарисованы на камне древними египтянами, чтобы увековечить своих правителей и богов. На протяжении веков традиционный жанр по-прежнему использовался для изображения королевских семей и религиозных деятелей.Лучшим художникам в этом районе было поручено создать произведения искусства, которые должны были передать «истинную сущность» их сюжетов. По этой причине ранние портреты часто были художественным изображением человека, а не изображали его истинное подобие.

На протяжении разных эпох и художественных течений портретная живопись развивалась вместе с цивилизацией. От благородных портретов эпохи Возрождения до изображений жизни среднего класса во время движения реализма художники разработали свои собственные стили, а некоторые даже начали рисовать свои автопортреты.Известные художники, такие как Ван Гог, Мэри Кассат, Пабло Пикассо и Густав Климт, все специализировались на изображении человеческого выражения и вдохновляли многих современных художников-портретистов, которые толкают вековой жанр в новых направлениях.

Вот 8 современных художников-портретистов, которые придают современный вид вековому жанру.

Лорен Бревнер

Художница из Ванкувера Лорен Бревнер создает портреты женщин в смешанной технике, которые напоминают современные версии работ Густава Климта.Размывая грань между современным искусством и традиционным японским ремеслом, каждый стилизованный портрет нарисован на деревянных панелях и выполнен из комбинации материалов, включая масляную и акриловую краску, смолу, мерцающее сусальное золото и кусочки традиционной японской бумаги.

Ясутомо Ока

Работа японского художника Ясутомо Ока сначала может показаться фотографией, но на самом деле каждый портрет был создан масляной краской.На каждой фотореалистичной картине запечатлены все детали женских персонажей художника, такие как мягкая кожа, распущенные волосы и фактурная одежда. Как и старые мастера прошлого, Ока использует реальные модели в качестве отправной точки в своей работе, но часто заканчивает тем, что создает идеализированные изображения своих предметов.

Кехинде Вили

Недавно написав официальный портрет бывшего президента США Барака Обамы, нью-йоркская художница Кехинде Вили заново изобретает классические портреты в стиле эпохи Возрождения, заменяя белую аристократию современными цветными людьми.В его потрясающих портретах персонажи изображены в образе королевских членов общества в окружении ярких цветочных узоров, которые отсылают к тканям и декоративным мотивам их культур.

Эми Шеральд

Портретные картины художницы из Балтимора Эми Шеральд бросают вызов стереотипам об афроамериканцах, проливая свет на события, которые часто остаются вне истории. «Мы получаем одни и те же истории о том, кто мы есть — истории, наполненные болью, угнетением и борьбой», — говорит она.«Но есть и другие стороны жизни чернокожих, которые не часто представлены. Я рисую этих людей ».

Пожалуй, ее самый известный заказ был для бывшей первой леди Мишель Обамы. Выполненная в своем фирменном стиле, Шеральд нарисовала миссис Обаму, которая позировала, положив руку под подбородок, в платье в стиле оп-арта от дизайнера Мишель Смит.

Франс Смит

Южноафриканский художник Франс Смит переосмысливает европейские портреты XIII – XVII веков, превращая работы старых мастеров в абстрактные картины маслом.Размывая грань между портретной живописью и уличным искусством, его работы содержат характерные элементы традиционных портретов, но наложены текстурными завитками и брызгами краски, искажающими их идентичность.

10 самых влиятельных портретистов | by 1ST ART GALLERY INC.

Вы верите, что портретные картины — это всего лишь безупречное изображение лица объекта? Но хорошо подобранный портрет захватывает гораздо больше! От личности человека и его душевного состояния до действий и эмоций, событий во времени и историй — портретная живопись тонко раскрывает многое о предмете.

Следовательно, ни один вид искусства не может сравниться с портретной живописью. Хотя мир видел некоторые шедевры великих художников-портретистов, здесь мы перечисляем 10 самых влиятельных портретистов всех времен.

Репродукция Моны Лизы Картина Леонардо да Винчи

Большая часть популярности Леонардо да Винчи может быть отнесена на счет его творения, величайшего портрета всех времен — Моны Лизы! Кроме того, за свою профессиональную карьеру портретиста он написал очень мало работ, но получил широкое признание и популярность.Его популярность настолько велика, что даже если вы спросите соседского человека, который ничего не знает о портретной живописи, он тоже узнает о Леонардо да Винчи.

Репродукция картины Джона Сингера Сарджента «Дочери Эдварда Дарли Бойта»

Пожалуй, один из величайших и самых известных портретистов современной эпохи, Сарджент приобрел популярность благодаря своему всемирно известному шедевру — Портрет мадам X (1884 г.) в возрасте 28 лет и продолжает быть известной даже сегодня. Что делает его картины неповторимыми и по-настоящему уникальными, так это безупречное сочетание классической формы искусства и импрессионистского стиля живописи.Другой его шедевр — « Дочери Эдварда Дарли Бойт » — блестящий пример его впечатляющего вида искусства.

Репродукция человека в красном тюрбане, но Ян Ван Эйк

Ян Ван Эйк — еще один чрезвычайно влиятельный художник-портретист. Сам факт, что его картины продолжают быть музой масс даже спустя столетия после того, как они были впервые созданы, является свидетельством величия его ремесла. Картины Эйка представляют собой идеальное использование масел, реализма, а также некоторых скрытых символов и значений! Среди его известных работ — двойной портрет « Свадьба Арнольфини » и « Человек в красном тюрбане» , который на самом деле является автопортретом .

Репродукция картины «Лукреция» Рембрандта Ван Рейна

Рембрандт Ван Рейн, портретист 17 века, владел живописью масляных портретов стиля живописи. Самая яркая особенность картин Райна — его способность улавливать мельчайшие детали и чрезвычайно чувствительный способ изображения человеческого лица. Среди великих работ Рембрандта ван Рейна — «Урок анатомии доктора Николаеса Тулпа» (1632 г.), «Портрет Яна Шестого» (1654 г.) и «Лукреция» (1666 г.).

Репродукция портрета кардинала Гвидо Бентивольо работы сэра Энтони Ван Дейка

Сэр Энтони Ван Дайк был великим художником-реалистом на все времена. Его картины настолько близки к реальности, что можно легко прокатить чувства. Ни один из его портретов не кажется искусственным или увеличенным. Этот реализм и естественная красота картин Дейка сделали его своим собственным стилем и сделали его популярным художником своего времени. Среди его известных работ — Портрет кардинала Бентивольо (1623 г.) и королевы Генриетты Марии (1633 г.).

Репродукция «Менинов» Диего Родригеса де Сильвы и Веласкеса

Испанский художник Диего Веласкес был большим источником вдохновения для художников всего мира благодаря своим сложным изображениям и уникальному стилю живописи. Его портретные картины, такие как « Портрет Папы Иннокентия X » и групповой портрет « Las Meninas », зарекомендовали себя как незабываемые шедевры в истории искусства.

Репродукция портрета Бальдассара Кастильоне работы Рафаэля

Рафаэль, несомненно, был величайшей находкой эпохи Высокого Возрождения.Он умер в возрасте 37 лет, но оставил после себя вечное наследие в виде поистине вдохновляющих произведений искусства. Его вклад в искусство портретной живописи включает его портреты Мадонны и, по крайней мере, два отдельных шедевра: « Портрет Бальдассаре Кастильоне » и « Портрет Папы Льва X ».

Репродукция Генриха VIII после 1537 года работы Ганса Гольбейна Младшего

Ганс Гольбейн Младший был поистине одаренным и разносторонним портретистом с разнообразной и вечной работой на его счету.Его картины отличались большим вниманием к деталям и уникальным сочетанием простоты и величия, которое очаровывало зрителя. Известные работы включают Портрет Генриха VIII (1536), Портрет сэра Томаса Мора, Дамы с белкой и скворцом и Послы ( 1533).

Репродукция картины Джузеппе Арчимбольдо «Библиотекарь»

Джузеппе считается изобретателем уникального жанра живописи, который включал в себя необычную организацию книг, цветов, фруктов, животных и других предметов для создания безупречного и абсолютно узнаваемого человеческого портрета.Как это потрясающе! Эти уникальные картины Арчимбольдо действительно представляют собой особый класс. Примеры образцовых работ Арчимбольдо: Библиотекарь, Зима (1573) и Гарднер (1590)

Репродукция картины Теодора Жерико «Плот Медузы»

Ни один список влиятельных художников-портретистов не может быть полным без включения имени Теодора Жерико. Самая известная картина Теодора — современная историческая картина « Плот Медузы» .Однако Жерико был также мастером-портретистом, и его портреты характеризовались чуткой характеристикой его натурщиков. Известные портреты Теодора Жерико включают клептоманов ( 1823), женщин, страдающих от навязчивой зависти (1822) и женщин, увлекающихся азартными играми (1822).

Влияния и разнообразия работ, представленных вышеупомянутыми художниками-портретистами, должно быть достаточно, чтобы вдохновить вас на создание одного из них для себя! Семейный портрет картина , автопортрет известного художника или картина масляный портрет — выберите свой любимый стиль и получите его сегодня.