Работы акварелью известных художников: что такое акварель, разновидности, отличия от живописи и графики, классификация акварельных техник. История акварели, примеры картин и знаменитые художники-акварелисты

Содержание

Акварели известных художников цветы. Арт-терапия. акварель.картины известных художников

Дата публикации: 23.12.2016

Есть в акварельной технике какое-то особое – хрупкое очарование, легкость и невесомость, способность удивительно точно передать стремительность и мимолетность момента. Современные живописцы любят акварель. Эта техника идеально подходит для динамичного, стремительно меняющегося на наших глазах мира. В этом обзоре предлагаем вам подборку самых известных художников-акварелистов, добившихся больших высот в искусстве акварели и завоевавших всемирную популярность.

Самый известный австралийский художник, работающий в технике акварели. В Загребе есть музей, названный в его честь. Дело в том, что родился художник в Хорватии (в 1952 г.), но в возрасте 18 лет с семьей эмигрировал в Австралию.

В университете Мельбурна он изучал промышленный дизайн, а позже получил свои первые награды и всемирное признание. Хорваты очень гордятся своим именитым земляком. Во многих художественных магазинах Европы в продаже можно найти кисти, маркированные его именем.

Секрет успеха художника, по его собственному признанию, в том, что он никогда не делает картин для продажи, а творит исключительно для собственного удовольствия. Работы Д. Збуквича можно видеть в ведущих галереях по всему миру (в США, Великобритании, Австралии, Китае).

Его фирменный знак – “Z” (первая буква его фамилии). Своих студентов он учит свободе, а акварель сравнивает с дикой необузданной лошадью, которую никогда нельзя приручить по-настоящему. Признается в любви к ней, как к самой любимой женщине, и эта любовь длится уже 40 лет.

Художник не любит чистый черный цвет, говоря, что черный – это не цвет, а его отсутствие. Любимая тема – морской пейзаж и городские виды. Одна из самых необычных акварелей, которые создал мастер, написана всего одной краской – и краской этой является быстрорастворимый кофе.

Этот художник просто обожает писать красивых женщин и маленьких детей, окруженных солнечным светом. Его картины чувственны, иногда неприкрыто сексуальны, полны гармонии и очень реалистичны.

Подчас они напоминают искусные фотоснимки. Он любит писать женщин на фоне водных пейзажей, особенно реалистично получается у художника водная стихия.

Стив Хэнкс родился в 1949 г. в Калифорнии и с детства полюбил океан, ведь на его побережье он проводил довольно много времени. Закончил с отличием художественную Академию в Сан-Франциско.

Свой собственный стиль художник называет «эмоциональным реализмом». Входит в 10-ку самых известных американских художников. Про себя говорит, что пишет людей, но не портреты.

Он обожает писать солнечный свет, который является одним из главных действующих лиц его акварелей. Вначале художник пробовал работать с разными техниками – маслом, акрилом. Но позже был вынужден перейти на работу только с акварелью, так как у него выявилась аллергия на краски.

В конце концов, он добился такого мастерства в акварельной живописи, что сделал эту технику очень похожей на живопись маслом.

Родилась в 1953 г. в Огайо. Живописи училась в Филадельфии в художественной школе. Конек этой художницы – портреты.

Она рисует потрясающие акварельные портреты самых разных людей – бедняков, рабочих, детей, старух и стариков, красивых афроамериканских девушек на цветущих, залитых солнцем лугах.

Целая галерея лиц современной Америки. Очень яркие, сочные и солнечные акварели, полные глубокого смысла. На них изображены люди в самых обычных ситуациях, занятые повседневными делами.

Главным в работе художница считает способность точно передать эмоции. Просто мастерски копировать вещи и людей недостаточно.

Художница работает в двух техниках – в масле и акварелью. Именно акварель принесла ей славу и признание по всему миру. Мэри Уайт также с успехом занимается иллюстрированием детских книг.

Его называют французским реалистом. Художник родился в 1962 г. в Париже. В настоящий момент работает иллюстратором в одном из издательств. Получил образование в области декоративно-прикладного искусства.

Рисует исключительно акварелью, пользуясь собственной техникой многослойного нанесения красок, за счет чего добивается неимоверной реалистичности работ. Любит работать над отдельными акцентами.

Тщательная проработка деталей – любимый прием художника, его фирменный знак. Любимая тема – городской пейзаж. Художник обожает писать свой родной Париж и Венецию. Его акварели пронизаны романтизмом и очарованием. Своим учителем в живописи считает Эжена Делакруа.

Итак, некоторое время назад у нас состоялся разговор о восприятии картин в отрыве от имени художника, и всего того, что за именем стоит. Почитать о начале можно здесь
Сегодня я расскажу, кто есть кто.
Общие выводы из ваших комментов и опроса моих знакомых — качественный уровень картины видно сразу. Некоторую безуминку или странность тоже, но очень часто люди путаются, то ли это признак современного искусства, то ли просто нечто непонятное… Различить русского, китайского, европейского художника тоже оказалось сложным.

Угадали единицы, да и то, в основном только потому, что узнали авторов картин.

Акварель №1
Английский художник — Уильям Тернер (1775-1851)
Он потрясающий.
Стоимость каждой его картины десятки миллионов фунтов стерлингов. Обязательно посмотрите его акварели, но не в интернете, а желательно хотя бы в бумажных репродукциях

Акварель №2
Питерский акварелист — Сергей Темерев.
Его журнал sergestus
Нашла случайно, когда искала в жж тех, кто рисует акварелью. Мне очень нравится его картины — и морские пейзажи, и очень необычные натюрморты. Мечтаю как-нибудь попасть на мастер-класс:))

Акварель №3
Константин Кузема. Современный питерских художник. 100 лучших акварелистов мира и все такое:) Про него сейчас очень много говорят, особенно те, кто учиться рисовать.
Сайт, на котором можно посмотреть другие работы или почитать полезные статьи про технику http://kuzema.my1.ru
Но лично я к его картинам отношусь глубоко равнодушно. Не трогает и все.

Акварель №4
Автор — Джозеф Збуквич (Joseph Branko Zbukvic). Родился в 1952 в Хорватии. Позже переехал в Австралию.
Один из самых признанных акварелистов в мире. Его картины и техника просто потрясают воображение. Можно написать его имя в гугле или яндексе и наслаждаться:)

Акварель №5

Это мой трехминутный эскиз, к этой последней акварели:

Где эскиз и где акварель?:) Мне просто хотелось кое-что проверить, и я прикинула композицию пока рисовала вместе с дочкой. Хотя самый популярный ответ был, что именно этот художник из Китая:) Вот они, мои восточные корни:))))) Эта работа совершенно неправильная, потому что всю акварельную краску я мешала с белилами, чтобы проверить, как это будет влиять на подтеки.

Акварель №6
Константин Стерхов.
Он интересен тем, что ведет крайне информативный блог про акварелистов, берет у них интервью без привязки к языковым и географическим барьерам. Живет в Питере, но иногда дает мастер-классы в Москве.

Блог http://sterkhovart.blogspot.ru/
Страница на фейсбуке

Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Акварель часто называют самой непослушной, самой капризной краской. С ней трудно работать, ее трудно хранить, она непредсказуема и требует от художника максимальной сосредоточенности. Зато те, кому удалось ее покорить и приручить, знают секрет создания по-настоящему потрясающих работ, глядя на которые задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?»

сайт приглашает вас в галерею по-настоящему атмосферных, ярких и талантливых работ. Это именно то современное искусство, которому не стыдно признаться в любви.

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, — к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Акварель – (от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира.Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер . Примером тому может послужить его работа «Заяц».

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII-XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Акварельная живопись Петербурга и России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, минимальное количество утомительных сеансов позирования, воздушность колорита – во всем этом нуждалось русское общество. И поэтому, именно акварель пользовалась успехом в высших и средних его слоях.

Эдуард Петрович Гау . Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин , Михаил Врубель , Валентин Серов , Иван Билибин .

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896-1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870-1960), Льва Бакста (1866-1924), Ивана Билибина (1876-1942), Константина Сомова (1869-1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871-1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877-1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица. 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

История английской акварели, живопись старых мастеров

наша КОЛЛЕЦИЯ СТАРИННОЙ ЖИВОПИСИ И АКВАРЕЛИ>>>

Акварель нередко называют самой капризной и непредсказуемой техникой. Связано это со многими нюансами поведения красок на водной основе. Неопытный в акварельной живописи художник, даже соблюдая все правила, может получить совсем не тот результат, на который рассчитывал. Но при этом акварель – техника очень благодарная, поскольку позволяет получить тончайшие нюансы полутонов, недоступные никакой другой технике.

Акварель пришла в Европу в эпоху Ренессанса. Всем любителям старинной живописи известен «Заяц» Альбрехта Дюрера. Но лишь в XVIII веке мастера английской живописи первыми стали активно применять акварель и разработали базовые принципы этой техники.

А. Дюрер. Заяц. 1502

Появление акварели в Англии.

Когда в точности акварель попала в Англию – неизвестно. Возможно, её завёз великий голландец Антонис Ван Дейк (1599-1641), который был придворным живописцем Якова I и Карла I. Его деятельность вызывала пристальный интерес английских художников той эпохи, и стремление перенять его приёмы было совершенно естественным.

Долгое время акварель использовалась в строго утилитарных целях – геологами, топографами, архитекторами при проектировке замков и даже военными разведчиками. Одним из таких топографов был Пол Сэндби, считающийся основателем жанра акварельного пейзажа.

Пол Сэндби (1725-1809) первым задумался о том, что техника акварели может быть использована при создании больших картин. Художник много путешествовал по Великобритании и создал множество акварельных картин, изображавших красивейшие замки и поместья страны. Благодаря ему в Англии возникло настоящее поветрие, «мода на Британию». Акварели Сэндби переводились в гравюры и печатались массовыми тиражами, его сюжеты воспроизводились в интерьерах домов, поместий, наносились на фарфоровые изделия.

П. Сэндби. Виндзорский замок.1760 г.

Кисти Сэндби принадлежат первые картины, которые могут считаться серьёзными акварельными произведениями. Это в основном пейзажи, написанные им во время поездок по стране.

Пол Сэндби стал одним из учредителей Королевской академии художеств, а впоследствии удостоился неофициального титула «отца английской акварели». Но настоящий взлёт живописи акварелью в Англии связан с именами уже других мастеров.

Романтизм в английской живописи

Прежде, чем перейти к изложению дальнейшей эволюции акварельной живописи Англии, необходимо сказать два слова об эпохе, которая начиналась в искусстве Европы — о наступлении периода романтизма.

Безраздельно господствовавшим в европейском искусстве направлением уже почти столетие был классицизм. В конце георгианского периода классицизм с его приверженностью канонам начинает становиться обузой на пути развития искусства, и идеология романтизма с его стремлением к бунтарству, разрушению стереотипов, свободе творчества получает всё большее распространение.

Возникновение романтизма имело и вполне материальные основы. Вторая половина XVIII века – время бурного развития промышленности, вовлечения значительных масс населения в активную жизнь, невиданного расширения народного кругозора. Апофеозом стали события Великой французской революции 1789 года, потрясшие всю Европу.

Не случайно именно в эпоху распространения романтизма начинается настоящая полнокровная история акварели, техники, которая давала значительную свободу изобразительных средств, свободу самовыражения, позволяла разрушать старые догматы и создавать свои, новые правила.

Становление и подъём английской школы акварели.

Одним из основоположников английской акварельной школы был Томас Гёртин (1775-1802). Как и многие акварелисты, Гёртин освоил технику, работая над топографическими и архитектурными рисунками. Однако он быстро отошёл от монохромного топографического стиля и едва ли не первым стал использовать всё богатство акварели в создании полутонов. Интересной находкой Гёртина стало использование сероватой бумаги вместо белой, что придавало его картинам особый колорит.

Т.Гёртин. Замок Файндлейтер.1792 г.

Гёртин также отказался от композиционных канонов топографического и архитектурного рисунка. Он вполне мог оставить на переднем плане картины пустое пространство, расположив главный объект своего интереса сбоку или вдали. Его композиционные решения стали важным шагом в процессе перехода акварели в ранг самостоятельного вида изобразительного искусства.

Т.Гёртин. В Шотландии у Драйбурга.1801 г.

Гёртин умер от туберкулёза в своей мастерской, работая над очередной картиной. Лучше всего охарактеризовал масштаб таланта художника его давний друг, один из величайших живописцев эпохи Уильям Тёрнер. «Будь Гёртин жив, я умер бы от голода», — сказал он.

Сам Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) был великим мастером акварели, во многом первопроходцем и истинным виртуозом техники. К серьёзным занятиям живописью Тёрнера подтолкнула именно дружба с Гёртином, вместе с которым когда-то в ранней юности он занимался копирование чертежей, гравюр, а затем и картин старых мастеров.

Д.У.Тёрнер. Ледник.1803 г.

Тёрнер с одинаковым совершенством работал и с акварелью, и с маслом. В своих работах он гениально использовал преимущества обеих техник в передаче света, цвета, состояния стихий – воды и воздуха. Вообще источник света Тёрнер обыгрывал очень тонко, мастерски передавая нюансы моря, неба, льдов. В своих работах он создавал настроение, даже просто изменив положение источника света на холсте и тем самым меняя освещённость зданий, деревьев и других изображённых на картинах объектов.

Д.У.Тёрнер. Абергавенский мост. 1815 г.

Современники называли картины Тёрнера «россыпью драгоценных красок». Непередаваемый колорит и эмоциональность картин Тёрнера впоследствии произвели сильное впечатление на будущих импрессионистов, и творчество мастера, бесспорно, повлияло на складывание творческой манеры представителей этого направления в живописи. Известный критик Джон Рёскин, «крёстный отец» прерафаэлитизма, назвал Тёрнера величайшим художником своего времени.

Выдающимся акварелистом был великий пейзажист Джон Констебл (1776-1837). Пристрастие художника к пейзажам и вызвало его интерес к акварели, которая открывает совершенно новые возможности в этом жанре. Его пейзажи очень лиричны и наполнены великолепной игрой света и тени. Главные работы Констебла написаны маслом, однако знаменитое имя художника немало способствовало продвижению техники акварели. Новые технические приёмы, применённые Констеблом, впоследствии получили развитие в трудах более поздних мастеров. Своими работами он наглядно доказывал, что акварель может не уступать маслу, а в чём-то и превосходит традиционную технику.

Д. Констебл. Аббатство Нетли при лунном свете.1833 г.

Особое место в истории акварели принадлежит творчеству выдающегося художника и поэта Уильяма Блейка (1757-1827). К живописи Блейк пришёл, копируя иллюстрации к средневековым книгам в Вестминстерском аббатстве. Возможно, именно отсюда пошло пристрастие художника к мистике. Сюжеты его картин таинственны, демоничны, иррациональны, эмоциональны.

У. Блейк.Великий красный дракон и жена одетая в солнце.1805 г.

Акварели Блейка иногда контрастны, иногда наоборот построены на полутонах, но всегда очень ярки, броски и романтичны. Мощь цвета в его творениях находится на уровне написанных маслом полотен, при этом плавные переходы от цвета к тени, необходимые по сюжету, требовали именно акварельного решения.

Отдельно следует отметить вклад в развитие английской акварели Джона Варли (1778-1842), акварелиста, теоретика искусства, астролога, близкого друга Уильяма Блейка. Прекрасный художник, Варли прославился не столько своими произведениями, сколько своей деятельностью в качестве преподавателя. У него учились мастера, являющиеся гордостью «золотого века» английской акварели – Дэвид Кокс, Копли Филдинг, Питер де Винт и ряд других известных художников викторианской эпохи.

Д. Варли. Город на реке.1820 г.

«Золотой век» английской акварельной школы.

Работы мастеров георгианской эпохи, наглядно показавших живописные возможности акварели, отточивших уже известные технические приёмы и создавших множество новых, привели к подлинному расцвету английской школы акварели в XIX веке. Многие лучшие старинные картины викторианской эпохи исполнены именно в этой технике. Исследователи антикварной живописи Англии с полным основанием утверждают, что в начале XIX века акварель становится едва ли не важнейшим видом английского изобразительного искусства.

Знаком популярности техники акварели стало основание в 1804 году Общества акварелистов. Инициатором создания Общества был Уильям Фредерик Уэллс (1762-1836), акварелист и гравёр, член Королевской академии художеств, друг Уильяма Тёрнера.

Популярность акварели объяснялась также сравнительной простотой и доступностью техники. Появляется множество художников-любителей, пробовавших свои силы в жанрах пейзажа и миниатюрного портрета.

Поскольку акварель стала пользоваться большим спросом, акварелистам больше не нужно было отвлекаться на поиск иных источников доходов (как это были вынуждены делать пейзажисты предшествующего периода), и они могли отдавать акварели всё своё время и творческие силы. Благодаря этому, в начале XIX века на авансцену выходит целый ряд новых мастеров, каждый из которых мог предъявить свою собственную творческую манеру.

Несмотря на короткую творческую жизнь, Томас Гёртин успел оставить учеников. Наиболее известен из них Джон Селл Котман (1782-1842). Выходец из семьи торговца тканями, в 16 лет он приехал в Лондон, где Гёртин принял его на обучение в свою мастерскую. В поисках сюжетов талантливый маринист объездил всё побережье Англии и Нормандии и оставил сотни картин, рисунков, эскизов.

Д. Котман. В песках у Ярмута.Ок.1820 г.

Помимо творческой деятельности, Котман активно занимался преподаванием, в том числе в Королевском колледже в Лондоне. Немало сделал он и для популяризации английской акварели, являясь президентом знаменитой Нориджской (Норвичской) школы искусств.

По световым решениям и общему колориту многие специалисты считают Котмана одним из предшественников стиля модерн. По данным Британского музея, в XX веке среди ценителей антикварных картин Котман является самым известным акварелистом Англии, превзойдя по популярности даже Тёрнера.

Одним из самых выдающихся пейзажистов «золотого века» английской акварели считается Дэвид Кокс (1783-1859). Кокс прекрасно владел техникой масляной живописи, гравюры, у своего отца, кузнеца-оружейника, он научился работе по металлу, но главной любовью его была акварель.

Д. Кокс. Замок в осеннем пейзаже.1849 г.

В юности Дэвид Кокс брал уроки у нескольких художников, одновременно работая художником-декоратором в театре. Будучи студентом Королевской академии художеств, он написал несколько теоретических работ по живописи. Занятия акварелью Кокс совмещал с преподаванием, причём сразу же всерьёз зарекомендовал себя на этом поприще. Первым его учеником, который был в восторге от уроков Кокса и в благодарность ввёл его в высшие круги Англии, был полковник Генри Виндзор, будущий герцог Плимутский.

Признание к Коксу, как к художнику, пришло достаточно поздно, но было сразу решительным и безоговорочным. Он входит в состав целого ряда обществ акварелистов Англии, часто выставляется. Две его акварели были приобретены для королевы Виктории.

Известный нам Джон Рёскин писал, что по простоте и серьёзности с Коксом не может сравниться ни один пейзажист. За решительность мазка, смелость колорита Дэвида Кокса считают одним из ранних предшественников импрессионизма.

Ещё один представитель старшего поколения «золотого века», Сэмюэл Праут (1783-1852), был мастером городского пейзажа. При этом своё призвание Праут нашёл лишь в 35 лет. До этого он писал сельские пейзажи, рисовал эскизы фасадов будущих зданий, давал уроки.

С. Праут. Вид Нюрнберга.1823 г.

Во время своей первой поездки на континент Праут, кроме рисунков фасадов, стал делать акварельные зарисовки улиц, рыночных площадей, старых замков. Его работы привели в восторг друзей и знакомых своими не видными простым глазом тонкостями обводов зданий, полускрытыми нюансами цвета и освещения.

Наследие Праута составляет сотни картин и эскизов городских видов. Современники сравнивали его с Гейнсборо, Констеблем. В акварели критики считали Праута таким же корифеем городского пейзажа, каким был Тёрнер в пейзаже сельском. Вездесущий Рёскин писал, что иногда ему бывает скучно смотреть Тёрнера, но никогда – Праута.

Заслуги Праута были признаны на самом высоком государственном уровне – он был штатным акварелистом при дворе Георга IV и королевы Виктории.

Техническим виртуозом акварели, овладевшим всеми её тонкостями, был Уильям Генри Хант (1790-1864). В отличие от большинства своих коллег по ремеслу, Хант почти не путешествовал и большую часть жизни провёл на побережье в курортном Гастингсе, где беспрестанно экспериментировал, оттачивая технику акварели. Он вводил в состав красок новые пигменты, варьировал оттенки цвета, степень шершавости бумаги и т. п.

У.Г.Хант. Гнездо зяблика и майский букет.1845 г.

Свои находки художник использовал в совершенно непривычных до него сюжетах – птичьи гнёзда, поспевающие сливы и многие другие. И, конечно же, не забывал при этом о страсти любого акварелиста – пейзажах, прослыв самым тонким пейзажистом своего времени. Детализация в работах Ханта подчас удивляет и могла бы заставить забыть об акварели, но невероятная чуткость к оттенкам цвета не свойственна никакой другой технике. Его виды побережья у Дувра, Гастингса, бытовые зарисовки – символ простоты и вместе с тем английского изящества викторианской эпохи.

Уильям Генри Хант представлен в нашей коллекции.

Мастера нового поколения.

Необычна судьба одного из самых оригинальных акварелистов младшего поколения, оказавшего огромное влияние на развитие живописи – Ричарда Паркса Бонингтона (1802-1828). Его семья переехала в Кале, когда ему было 14 лет. Уже во Франции Бонингтон стал изучать живопись и мог бы считаться французским художником, если бы не одно обстоятельство. Его учителем был Франсуа-Луи Томас Франчия, который только что вернулся из Англии восторженным почитателем Томаса Гёртина. Он научил Бонингтона английской технике акварели и познакомил его с произведениями английских мастеров.

Р.П.Бонингтон Вид на Венецию.Б.д.

В 1818 году семья Бонингтона переехала в Париж, где он подружился со знаменитым впоследствии Эженом Делакруа. Бонингтон учится в Школе изящных искусств, изучает окрестности Парижа и оттачивает свою технику акварели, рисуя буквально всё, что увидит. Из таких случайных набросков родилась серия работ, за которую он получил золотую медаль Парижского салона 1824 года, вместе с Джоном Констеблем и Энтони Копли Филдингом.

Р.П.Бонингтон Рыбный рынок.1824 г.

Ненадолго посетив Англию для ознакомления с последними работами Тёрнера, Бонингтон возвращается в Париж, откуда совершает путешествие в Северную Италию, следствием чего становится его блестящая Венецианская серия. В 1828 году художник возвращается в Лондон, где умирает от туберкулёза в возрасте 25 лет, повторив печальную судьбу своего заочного учителя Томаса Гёртина.

Работы Бонингтона – это квинтэссенция самой идеи акварели, её лёгкости, воздушности, неуловимости, воплощения света. Почти все его работы были распроданы на аукционах сразу после кончины художника, большинство из покупателей – англичане. И неудивительно – на стенах домов туманного Альбиона картины Бонингтона могли показаться окном в иной, более светлый мир. И в Англии, и во Франции его творчество сразу же снискало себе множество последователей. А более чем через 30 лет после смерти Бонингтона Эжен Делакруа высказывался о творчестве своего друга юности в выражениях, более свойственных восторженному студенту, чем признанному мэтру, стоявшему у истоков французского романтизма. Многие специалисты усматривают сильное влияние творческой манеры Бонингтона на мастеров импрессионизма и барбизонской школы.

Обречён на популярность – так можно было сказать о Джоне Фредерике Льюисе (1804-1876), даже если исходить только из тематики его картин. Экзотический Восток – таков был предмет интереса Льюиса. По поручениям своего дяди-книгоиздателя художник немало поездил по Европе, делая зарисовки для будущих книжных иллюстраций, но истинную свою любовь – Восток – нашёл во время путешествия в бывшую арабскую Испанию и в Марокко.

Затем были Константинополь и Каир, в котором Льюис остался почти на десять лет. Он вжился в этот город, стал одной из его «достопримечательностей». Уильям Теккерей, старый друг Льюиса, вывел его в одном из своих произведений.

Д.Ф.Льюис.Арабские ночи.Ок.1845 г.

Вернувшись в 1851 году в Лондон, Льюис привёз с собой множество набросков и целый ряд готовых акварелей на восточные темы. Его работы произвели в Англии фурор. Великолепное мастерство рисовальщика, виртуозное воссоздание диковинной для Запада цветовой гаммы, умение передать эмоциональную атмосферу совершенно обыденных сценок – всё это поставило Льюиса в первый ряд акварелистов своего времени.

Очень интересна творческая биография Сэмюэла Палмера (1805-1881), одного из столпов английского романтизма, писавшего маслом, акварелью, прекрасного гравёра, преподавателя, члена творческой группы «Древние», предвосхитившей некоторые идеи прерафаэлитов.

С.Палмер Персиковое дерево в саду обнесённом стеной 1829 г.

В творчестве Палмера ощущается серьёзное влияние Уильяма Блейка, с которым Палмер познакомился в молодости. Постепенно он отошёл от мистических сюжетов и полностью отдался пейзажной живописи, продолжая, тем не менее, развивать идеи Блейка в области цветовых решений.

Именно пейзажи принесли Палмеру широкую известность в Англии. Из двухлетней поездки в Италию художник привозит множество набросков, из которых впоследствии рождается «Итальянская серия». По единодушному мнению критиков, после поездки палитра Палмера становится ярче, богаче, а творческий почерк его становится значительно более самостоятельным и узнаваемым.

Впоследствии Палмер активно занимается преподаванием, иллюстрирует поэмы Виргилия, Мильтона. После его смерти творчество Палмера было незаслуженно забыто, а множество его работ по не вполне понятным причинам было сожжено его сыном Альфредом. Но уже в 20-е годы ХХ в. его поклонники организовали несколько выставок картин Палмера, и сейчас влияние его творчества отчётливо заметно в работах ряда современных английских акварелистов.

Значительное влияние на английскую акварель оказало творчество Энтони Вандейка Копли Филдинга (1787-1855). Его картины считались образцом элегантности, вкуса и завершённости, что снискало ему массу почитателей и последователей. В 1824 году он был удостоен золотой медали Парижского салона. Филдинг вёл активную преподавательскую деятельность и в течение многих лет возглавлял Общество акварелистов.

К.Филдинг. Замок Хэрлич.1855 г.

В редком для акварели жанре социального реализма работал Фредерик Уолкер (1840-1875). Блестящий художник, гравёр, иллюстратор, большую часть своих работ он посвятил Лондону. Колорит его работ очень тонко отражает жизнь большого города, в них нет той безмятежности, что свойственна большинству акварелей, даже изображающих городские виды. Уолкер был членом Английского и Бельгийского обществ акварелистов, а один из столпов прерафаэлитизма Джон Эверетт Милле считал его лучшим художником века.

Выдающимся маринистом викторианской эпохи был Сэмюэл Уолтерс (1811-1881), один из виднейших представителей Ливерпульской школы. Излюбленный сюжет Уолтерса – борьба двух стихий, воды и воздуха, изображая которые, художник великолепно использует весь арсенал акварели. Он был членом Ливерпульской академии художеств, многократно выставлялся в Королевской академии Лондона.

С.Уолтерс. Лайнер Город Берлин. 1876 г.

Любопытно, что Уолтерс является представителем целой династии маринистов. Его отец Майлз был довольно известным художником, а сын Джордж (1838-1924) в полной мере унаследовал отцовский дар акварелиста.

Творчество Джорджа Уолтерса представлено в нашей коллекции.

Рамки статьи не позволяют рассказать обо всех выдающихся мастерах акварели, которыми так богата викторианская эпоха. Майлз Бёркет Фостер, Питер де Винт, Томас Кольер и многие другие – все они составили славу английской живописи XIX века.

К началу ХХ столетия акварели приходится делить позиции с другими изобразительными средствами. Отчасти это объясняется подъёмом таких стилей, как абстракционизм, фовизм и других, представители которых применяли иные техники. Отчасти – чисто техническими причинами. Некоторые новые пигменты, применённые в акварелях середины века, оказались недолговечными, и картины выцвели, что вызвало некоторое разочарование публики. В технике акварели продолжали работать многие интересные мастера – Дэвид Вудлок (представлен в нашей коллекции), Айзек Тейлор и другие – однако «золотой век» явно подходил к концу.

С новой силой английская акварель возродилась после Второй мировой войны, однако эталоном английского стиля, гордостью британского изобразительного искусства остаются именно картины старых мастеров-акварелистов XVIII-начала ХХ веков, принёсших английской живописи неоспоримый авторитет в Европе.

наша КОЛЛЕЦИЯ СТАРИННОЙ ЖИВОПИСИ И АКВАРЕЛИ>>>

Картины акварелью известных художников современности и интересные факты

Акварель — краска на основе растительного клея и воды. Одноименное название имеет вид станковой живописи, который известен в Европе еще с XII века. Однако техника остается популярной вплоть до сегодняшнего дня. Одной из важнейших задач современных художников является ее интеграция в окружающие реалии.

История и картины акварелью великих художников

Как пишет источник https://kyiv.gallery/ru/kartiny/akvarely, впервые термин был употреблен Ч. Ченнини в «Трактате о живописи» в 1437 г. Он описывал разновидность краски, основанной на растительном клее гумми, которая растворяется в воде. Художественный материал был изобретен в Др. Китае во II веке до н. э., когда там распространилась каллиграфическая письменность на бумаге.

Акварельная живопись делится на 2 основные техники:

Рисование по сухому грунту.
Письмо по влажной бумажной поверхности.

В европейском изобразительном искусстве акварель стала популярной значительно позже других разновидностей живописи. В эпоху Ренессанса внушительный вклад в ее развитие внес А. Дюрер. Его картина «Заяц» — традиционный образец для всех, кто постигает данную технику.

В XIX в. на Британских островах распространилась манера нанесения краски на мокрый грунт. Акварельная школа английских мастеров отличается особой глубиной и утонченностью.

В XIX в. популярность акварели дошла до США. К концу века появление более долговечных красок привело к некоторому спаду интереса к акварели во всем мире. Однако на рубеже веков и в первой половине XX в. в этой технике работали некоторые популярные художники: П. Синьяк, П. Сезанн, В. Кандинский, М. Прендергаст и Э. Шиле.

Сегодня произведения, нарисованные акварелью, очень востребованы. Многочисленные выставки, арт-галереи, аукционы и знаменитые художники этому подтверждение.

Акварелью пишут самые разные картины:

городской пейзаж;
натюрморты;
портреты;
пейзажи;
абстракция;
реализм;
гиперреализм.

Из-под кисти опытных художников произведения приобретают особый шарм. Рисунки наполняются легкостью, свойственной акварели.

Интересные факты об акварельной живописи

В истории есть немало занимательных фактов, связанных с акварельной техникой рисования:

В составе краски присутствует бычья желчь, благодаря которой она не скатывается в капли во время написания картины. Без нее не получается делать плавные переходы и перетекания одного цвета в другой.
В краску добавляется мед, который делает ее полужидкой и позволяет сохранять такую консистенцию в течение долгого времени.
Каждый год 23 ноября отмечается Международный день акварели. Праздник был учрежден мексиканским художником А. Г. Рохо в 2001 году.
Водянистый эффект и размытие, свойственные акварельным краскам, стремительно набирают популярность в тату-индустрии. Создателем направления считается мастер Аманда Вачоб из Нью-Йорка. Стиль приобрел спрос преимущественно среди представительниц прекрасного пола, поскольку ее татуировки обладают нежностью и легкостью.
Вплоть до XVIII в. каноном в акварельной технике считалась четкая прорисовка деталей переднего плана картины. Лишь в новое время классический подход начинает меняться в сторону размытия и легкости.

Особняком в акварельной живописи стоит стиль прованс. Отличительной чертой является уклон на изображение фруктов, цветов на окне и в вазе, овощей, осени, озер, цветение маков и других характерных пейзажей и культурно-городских элементов, характерных французскому Провансу.

Современные украинские художники-акварелисты

Украинский арт-рынок развит относительно слабо, но в последние годы усилиями комьюнити, местных авторов и бизнеса, работающего в сфере искусства, начался постепенный рост. Сегодня в Украине есть большое количество, набирающих популярность, молодых авторов, многие из которых работают в акварельной технике:

Альберт Десятничук — молодой художник из Киева. Родился 22.09.1993. Он окончил Республиканскую художественную школу и Академию искусств и архитектуры. Существенную долю в его творчестве занимают пейзажи старых кварталов, скульптур и достопримечательностей столицы Украины. Также он пишет портреты и городские пейзажи других городов.
Ирина Столярова родилась в 1982 году в г. Житомире. С ранних лет она начала познавать азы изобразительного искусства. Училась в одесском университете К.Д.Ушинского на художественно-графическом факультете. Сейчас Ирина активно выставляет свои работы в Украине и за рубежом. Начиная с 2010 г. она вошла в житомирский отдел Союза Художников Украины. В 2012 г. ее картина «Сон» заняла первое место в категории «Жанровая живопись» в крупном арт-конкурсе Ukrainian Art Week 2012. Ее произведения хранятся и экспонируются во многих частных галереях современного искусства по всему миру. Она работает в разных стилях: от пейзажа и натюрморта до абстракционизма и портрета.
Захар Шевчук — молодой живописец, закончивший Одесское художественное училище. Сейчас обучается в Украинской академии искусств (НАОМА). Работает в разных стилях и техниках, в том числе и акварелью. В творчестве отдает предпочтение портретам, пейзажам и натюрмортам.
Марина Лянце в 2000 г. окончила дизайнерский факультет в Львовской национальной академии искусств. Проживает в Львове. С начала нулевых занимается разработкой дизайна интерьеров и пишет акварельные картины. В основном на своих полотнах изображает овощи, цветы и фрукты. В 2017 г. была организована персональная выставка мастера под названием «Maryna Lyantse Watercolor».
Олег Колесников — художник с многолетним опытом. Родился в 1954 г. в городе Кременчуге. Получил диплом Харьковской академии дизайна и искусств (ХГАДИ). По специальности является промышленным дизайнером, поэтому долгое время работал на предприятии ХК «АвтоКрАЗ». Сейчас является членом Союза дизайнеров Украины и ведет собственный бизнес в сфере дизайна. После долгого перерыва в творчестве в 2012 г. снова вернулся к живописи. Пишет преимущественно пейзажи природы акварелью.
Алексей Маслов родился в 1967 г. в городе Остер Черниговской области. Рисованием увлекся в раннем детстве. Окончил художественную школу и архитектурный факультет в университете. Сейчас проживает в небольшом городке Ирпень неподалеку от Киева. В творчестве отдает предпочтение акварельной технике. Преимущественно изображает городские пейзажи. Каждая картина обладает собственной атмосферой и характером, что передается единой цветовой гаммой.
Виктор Микитенко родился в 1979 г. Получил образование в КНУСА. Работает в акварельной технике, отдавая предпочтение рисованию на бумаге. В творчестве преобладают городские пейзажи и изображения диких животных. Также есть морские пейзажи, портреты и сюжетные картины.

Акварельные картины в последние годы вновь набирают популярность. Неповторимые оттенки, эффект размытия помогают создать легкие, «воздушные» образы, которые пробуждают множество чувств и эмоций у смотрящего на картину.

Permanent link to this publication:

https://elibrary.com.ua/m/articles/view/%d0%9a%d0%b0%d1%80%d1%82%d0%b8%d0%bd%d1%8b-%d0%b0%d0%ba%d0%b2%d0%b0%d1%80%d0%b5%d0%bb%d1%8c%d1%8e-%d0%b8%d0%b7%d0%b2%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%bd%d1%8b%d1%85-%d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%bd%d0%b8%d0%ba%d0%be%d0%b2-%d1%81%d0%be%d0%b2%d1%80%d0%b5%d0%bc%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%be%d1%81%d1%82%d0%b8-%d0%b8-%d0%b8%d0%bd%d1%82%d0%b5%d1%80%d0%b5%d1%81%d0%bd%d1%8b%d0%b5-%d1%84%d0%b0%d0%ba%d1%82%d1%8b Similar publications: L^RussiaL^WorldY G

Publisher:

Україна Онлайн → Contacts and other materials (articles, photo, files etc)

Author’s official page at Libmonster: https://elibrary.com.ua/Libmonster

Find other author’s materials at: Libmonster (all the World) • Google • Yandex

Permanent link for scientific papers (for citations):

Картины акварелью известных художников современности и интересные факты // Kiev: Library of Ukraine (ELIBRARY.COM.UA). Updated: 14.08.2019. URL: https://elibrary.com.ua/m/articles/view/Картины-акварелью-известных-художников-современности-и-интересные-факты (date of access: 23.09.2021).

Акварель известных художников. Акварель и акварелисты

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Эдуард Петрович Гау . Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица. 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

Лекарство для тех, кто устал от трэша и суеты. В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта. Мы считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин «по географическому признаку». Тем не менее, любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. Дюваль пишет картины исключительно акварелью. При этом у него есть своя собственная техника многослойного нанесения краски, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Жаркий полдень Канта Харусаки

Канта Харусаки (Kanta Harusaki) — японский акварелист, родился в Кумамото, работать акварелью начал в возрасте 32 лет. Харусаки любит писать, используя «wet brush», но сохраняя правильность рисунка. Он умеет мастерски и достоверно передать прозрачнейший легкий цвет,а также свет и пространство. Зрители восхищаются умением художника передать чёткие контуры бликов и листвы, сочетая это с техникой «по-мокрому».

Живая вода Дэвида Драммонда

Дэвид Драммонд (David Drummond) — американский художник, 20 лет назад влюбившийся в пейзаж водохранилища Пауэлл. Теперь он не устает изучать каждый уголок этого удивительного места и запечатлевать его при помощи акварели. Драммонда интересуют разные состояниия воды, «настроение» природы и перемены в нем. Как обладатель ученой степени по физике, Драммонд со всей научной ответственностью подходит к творчеству, поэтому его акварели кажутся настолько живыми и реалистичными.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (Christian Graniou) часто изображает на своих картинах провинциальные пейзажи. Несмотря на то, что детальная прорисовка его не привлекает, а свет оказывается распределенным по всему пространству, работы художника вызывают ощущения простора и заполненности воздухом.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники. Он считает, что она живет собственной жизнью. Ее невозможно изучить, не существует способа контролировать поведение акварели. Только объезжать, словно дикую лошадь. Причем ежедневно заново.

Акварель и акварелисты. — Искусство

http://www.liveinternet.ru/users/4605275/post338390274/Акварель – ( от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер. Примером тому может послужить его работа «Заяц».

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII—XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист Джозеф Тернер также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Эдуард Петрович Гау. Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин, Михаил Врубель, Валентин Серов, Иван Билибин.

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

Александр Бенуа (1870-1960). Римский капитолий. Карандаш, акварель и гуашь на бумаге.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица . 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

Захаров С.Е. Вечер в Чернавино 1976. Бумага, акварель.

В.Конашевич. «Желтые георгины» (бумага, акварель)

Малыш Гавриил Кондратьевич

Художник Н.Ф. Лапшин (1888-1942). «Зима. Адмиралтейство». 1938 г. Бумага, акварель.

С.И.Пустовойтов. Софийский собор XI в. 1968 г. Акварель, бумага

Фонвизин Артур Владимирович

Л. С. Герасимов (акварель)

Анатолий Зверев.

В настоящее время существует множество художников, работающих в технике акварельной живописи. Их работы отличаются, но есть и много общего – кажущаяся простота и легкость исполнения, воздушность.
В 1998 году было создано «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

Константин Кузема

Справочник. АКВАРЕЛИ ИЗВЕСТНЫХ ХУДОЖНИКОВ,http://www.artap.ru/slovar_…
http://st-orange-r.ru/art1….

Магия акварели | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Третьяковская галерея выражает признательность Анатолию Ивановичу Новикову за финансовую поддержку выставки.

Выставка графики из фондов Третьяковскои галереи, открытая в Лаврушинском переулке до ноября этого года, представляет более 350 произведений русскои акварели XVIII-XX веков, среди которых — и хорошо известные шедевры, и работы, не знакомые широкому кругу зрителей.

Акварель — одна из самых сложных и загадочных художественных техник. Секрет ее, на первый взгляд, достаточно прост: растворенные в воде очень мелко растертые частицы пигмента создают прозрачный красочный слой, проницаемый для световых лучей, которые, отражаясь от белой поверхности бумаги, повышают интенсивность звучания цвета. Но тайна обаяния, неизменной привлекательности акварельной техники, ее вечной молодости и актуальности остается неразгаданной. Свободное перетекание тонов, мягкость переходов и насыщенность колористических созвучий, активная роль бумаги, ее тона и фактуры — все это сообщает акварели ни с чем не сравнимые очарование и изысканность. Почти не допускающая переделок и правок, эта техника требует от художника особой чуткости, верности глаза и руки, виртуозного владения цветом и формой. Настоящему мастеру она дает возможность бесконечного разнообразия эффектов.

Историческая картина развития техники сложна. Она не складывается в единый поступательный эволюционный процесс, хотя общая тенденция, направленная на осознание особенностей пластического языка, формирование эстетики, отличной от других видов живописи, прослеживается достаточно определенно. В работе акварелью предельно раскрывается темперамент художника, обнажается самый нерв его творческой индивидуальности — чувство цвета, степень и характер колористической одаренности. Именно поэтому история акварели демонстрирует обилие направлений, богатство самостоятельных манер, стилей и почерков, будто соревнующихся в своей неповторимости. Наряду с яркими достижениями больших мастеров, обозначающими вершины ее возможностей, чрезвычайно важна и общая культура акварели, создаваемая трудами широкого круга профессионалов, а иногда и просто любителями и отражающая мироощущение поколения.

История акварели в России начинается с XVIII века — ею пользовались при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов. На выставке в ГТГ можно увидеть несколько редких, наиболее ранних анонимных образцов подобного прикладного применения этой техники. В конце столетия акварель становится уже самостоятельным видом искусства, обладающим собственными средствами выразительности и художественным языком.

Техника акварели пришла в Россию, как и во многие страны Европы, из Англии. В практике английской акварели сложилась определенная система приемов работы «по-мокрому». Краска наносилась широкой заливкой. Общий тон подчинял себе остальные цвета — художественное впечатление строилось на постепенных, едва уловимых тональных переходах. Наиболее ранними примерами этой «английской манеры» могут послужить акварельные видовые ландшафты М.М. Иванова, а также редкая для своего времени по жанру работа Г.И. Скородумова «Портрет И.И. Скородумова» (1790-е), представляющая особый интерес, поскольку ее автор долгое время жил в Англии и воспринял технику английской акварели в наиболее чистом виде.

Родиной разновидности акварели, получившей распространение чуть позже, была Италия. В итальянской акварели художник пишет «по-сухому». Тона накладываются один на другой постепенно, после просыхания предыдущего слоя, мазками, градации цвета усиливаются от светлого к темному. Итальянскую акварель отличали звучное многоцветие, пластичность, яркость и напряженность колорита. Проводниками «итальянской манеры» стали члены обширной русской художественной колонии в Риме, пенсионеры Академии художеств, и прежде всего — К.П. Брюллов.

Большую роль в развитии акварели в России играл пейзажный жанр. Здесь наряду с произведениями, исполненными исключительно акварелью, показательны и работы, сочетающие акварель с гуашью — «Вид Царскосельского парка» (1793) Ф. де Мейса, «Мельница и башня Пиль в Павловске» (не ранее 1797) С.Ф. Щедрина, а также гуаши с «эффектом акварели», например «Пруд в парке Царского Села» (начало 1810-х) А.Е. Мартынова. Они демонстрируют происходивший на рубеже веков процесс осмысления различий свойств водорастворимых красок, их взаимодействия с бумагой. Важной линией в формировании акварельного пейзажного жанра стали архитектурные виды и фантазии — ведуты, — исполненные архитекторами. Среди такого рода произведений гордость коллекции ГТГ — «Итальянский пейзаж. Рим» (1762—1764) В.И. Баженова, «Казанский собор в Петербурге» (1800) А.Н. Воронихина, «Пейзаж с руинами» (1800-е) Дж. Кваренги. Блестящим мастером ведуты, родоначальником городского пейзажа в России был Ф.Я. Алексеев. Его листы «Вид на Михайловский замок в Петербурге» (1799—1800), «Вид на Казанский собор» (1810-е) отличает изящество техники. Прозрачные жемчужные оттенки цвета, совершенство архитектурных форм, мастерски расставленные цветовые акценты стаффажных фигурок придают запечатленным ансамблям очарование и гармонию идеала. Традиции Алексеева продолжил его ученик М.Н. Воробьев, создавший один из самых проникновенных образов Петербурга в русском искусстве. В его рисунках из путешествий, предпринятых для «снятия видов», топографическая точность сочетается с удивительной свободой, эмоциональность манеры исполнения — с крайней условностью художественного языка.

Акварельный пейзаж получил широкое распространение как в кругу профессиональных художников, так и среди любителей. Экспозиция впервые представляет малоизученный еще пласт альбомной акварельной культуры — графику К.И. Кольмана, Н.К. Гампельна, Н. Куртейля, Н.И. Тихобразова. Любительское рисование в целом и акварель в частности — существенная составляющая искусства начала XIX века. Из среды художников-любителей выходят такие крупные мастера, как П.А. Федотов и Ф.П. Толстой. Особое обаяние ранним акварелям Федотова (парные портреты супругов Колесниковых, 1837; «Прогулка», 1837; «Переход егерей вброд на маневрах», 1844) сообщают непосредственность, искренность, которые выдают путь «самообразования» их создателя. В его знаменитых сепиях безупречность исполнения выводит бытовую зарисовку из области любительского досуга в один из важных жанров изобразительного искусства.

Работы Толстого — неожиданный поворот в развитии акварели. Они достаточно условно могут быть причислены к этой технике: художник сам растирал и готовил краски, которые представляли собой нечто среднее между гуашью и акварелью. Авторские краски позволяли использовать преимущества обеих техник — работать и корпусными мазками, и тончайшими лессировками.

Интенсивность и плодотворность развития акварели зависела от степени ее востребованности, от того, насколько ее язык соответствовал эстетическим категориям эпохи. В эпоху романтизма акварель впервые по-настоящему обретает самостоятельность. В ранг ведущего жанра того времени был выведен портрет. Порой кажется, что художественные образы, созданные мастерами первой половины XIX века не только воплотили, но и сформировали представления об идеале эпохи — душевный строй модели, сам ее облик, манеру поведения.

Акварельный портрет первой половины XIX столетия составляет самостоятельный раздел экспозиции, в котором это явление рассматривается в динамике. Ранние работы родоначальника жанра П.Ф. Соколова раскрывают свое происхождение от портретной миниатюры — в характерном малом формате, овальной композиции, особой трактовке пространства листа. Со временем эта связь утрачивается, изображение осторожно осваивает всю плоскость бумажного листа, мазок становится широким, свободным и разнообразным, краски — прозрачными, легкими. Выполненные за один сеанс, работы Соколова 1820-х — начала 1830-х годов полны тонкого обаяния дружеского диалога между художником и моделью. Достижения мастера вдохновляют большой круг последователей, достаточно широко представленный на выставке работами В.И. Гау, А.Д. Надеждина, М.Н. Алексеева, И. Алексеева, А.М. Воробьева, К.С. Осокина. Осваивая и варьируя соколовские приемы, художники создали галерею образов, настолько стилистически родственных, что в совокупности они воспринимаются как портрет прекрасной классической эпохи, в культуре которой искусство акварельного портрета возникло, расцвело и ушло безвозвратно вместе с поколением, чей образ оно так бережно сохранило.

Другая самостоятельная линия акварельного портрета представлена творчеством братьев Александра и Карла Брюлловых. Скромному обаянию моделей Соколова противостоят поза, артистический жест постановочных картинных брюлловских портретов, всегда, даже при камерных задачах, сохраняющих репрезентативность. Характеристика модели у Брюллова поддержана многоголосием аксессуаров: узором переливчатых складок тканей, ажурным рисунком кружева, игрой фактур. Гордость собрания Третьяковской галереи — шедевры кисти К.П. Брюллова: большие парадные портреты Г.Н. и В.А. Олениных (1827), М.И. Бутеневой с дочерью Марией (1835). Мастер жанровых сцен и пейзажей, Брюллов виртуозно вводит их элементы в портрет. Такая форма и усложняла живописную задачу, и одновременно позволяла в полной мере проявиться мощному колористическому дару художника, раскрепощала его «пылкий художнический темперамент и плодовитое воображение»[1]. Характеристика акварельного творчества К.П. Брюллова была бы неполной без показа столь любимых современниками художника итальянских сценок — «перлов его фантазии и гениальной кисти»[2]. На выставке экспонируется целая «сюита» маленьких веселых и беззаботных итальянских жанров мастера, в которых он чувствовал себя свободным от академических канонов. Художник добился здесь нарядной «средиземноморской» звучности цвета, умело гармонизировал сложные колористические аккорды, достиг предельной интенсивности красок и почти картинной выверенности и завершенности[3].

Уникально акварельное наследие А.А. Иванова. Это непревзойденный еще рубеж мастерства владения техникой и абсолютное выражение ее сути. К акварели художник обратился, обладая уже большим опытом в живописи маслом. Даже первые его графические работы («Жених, выбирающий серьги невесте», 1838; «Октябрьские праздники в Риме», 1842) поражают смелостью и совершенством. Чувствуется восторг художника перед открывшимися возможностями. Для Иванова акварель — это техника живописных исканий, обретения нового цветового и светового решения пространства. Написанные быстро, «на одном дыхании» натурные пейзажи середины 1840-х — 1850-х годов («Море у берегов Неаполя», «Лодки», «Вода и камни»), позволяют зрителю прочувствовать процесс рождения изображения от первого и до последнего движения кисти.

Тема многих акварелей Иванова — солнечный свет. Словно осознавая уникальность художественной задачи, мастер отмечал произведения подобного рода специальным пояснением: «исполненные на солнце». Акварель «Терасса, увитая виноградом» представляет знаменитый «экспериментальный» альбом Иванова, составленный из почти монохромных натурных зарисовок. В них ослепительный солнечный свет, воплощенный в сияющей белизне листа бумаги, своевольно меняет форму и цвет предметов, обобщает очертания, создает эффект подвижной световоздушной среды, трепещущей, переливающейся материи.

Вершиной творчества Иванова несомненно являются его «библейские эскизы». В условности акварельной техники, в принципиальной незаконченности высказывания, свойственной природе эскиза, художник находит соответствие своему замыслу. В библейских эскизах нет единообразия технических приемов — они варьируются, сочетаются и рождаются заново в связи с той или иной живописной задачей. В одних листах краски почти нематериально прозрачны, в других — акварель становится многослойной и приобретает плотность и весомость звучания. В композициях, исполненных на темных бумагах, эффект завораживающего внутреннего свечения достигается применением белил. Судьба акварельного наследия А. А. Иванова сложилась так, что оно практически не имело никакого воздействия на искусство современников и ближайших потомков. Известные лишь очень узкому кругу лиц акварели были бережно хранимы братом художника С.А. Ивановым и М.П. Боткиным согласно воле самого автора, осознававшего «преждевременность» своих открытий. Частично опубликованные в 1870-е — 1880-е годы[4] они лишь тогда стали важным фактом художественной жизни, оказавшим огромное влияние на поколение рубежа XIX—ХХ веков.

После почти одновременного ухода с художественной сцены выдающихся мастеров-акварелистов П.Ф. Соколова, К.П. Брюллова и А.А. Иванова акварель переживает очень сложный период, отмеченный серьезными изменениями в понимании задач и предназначения искусства, наметившимися в обществе. Утонченная эстетика и изысканная культура акварели с условностью и артистизмом ее языка в 1860-е годы не вполне соответствовали тем социальным задачам, которые выдвигались новой художественной эпохой. Позиции акварели оставались непоколебимыми лишь в таких традиционных для нее областях применения, как видовой ландшафт, «итальянский жанр», костюмированный портрет. Здесь заботливо сохранялись традиции, профессионализм исполнения. Тщательно разработанные, «картинные» листы К.Ф. Гуна, Ф.А. Бронникова, Л.О. Премацци, И.П. Раулова, А.А. Риццони, Л.Ф. Лагорио трактуют акварель как техническую разновидность живописи. Произведения воспринявших эту традицию художников демонстрируют очень естественную и неконфликтную смену поколений акварелистов-«консерваторов».

Одновременно большие перемены происходят в иерархии и бытовании основных жанров акварели. Акварельный портрет и интерьер как непременные атрибуты дворянского быта сталкиваются с появлением модного конкурента — даггеротипа, а затем фотографии, которая постепенно замещает их «документальные» функции. Камерный акварельный портрет почти перестает быть заказным, он входит теперь в «рабочий» круг жанров, где происходит поиск иных средств выразительности, исподволь формируется иной язык акварели.

В середине XIX века акварель осваивает новые сферы применения — натурный этюд, иллюстрация, критический бытовой жанр, сатирические зарисовки. Каждый из этих жанров скромно обогащает технику какими-то особыми чертами. В бытовых сценках П.М. Шмелькова отрабатывается принцип взаимодействия акварели и карандашного рисунка, проложенного поверх еще не просохшего слоя краски, «происходит соединение двух начал — живописного и графического»[5]. В эскизах и этюдах картин художников-передвижников естественный и даже неизбежный эффект незаконченности начинает осознаваться как особое преимущество техники, важный эстетический прием.

В 1870-е годы молодое поколение художников как бы заново раскрывает возможности акварели. Она не публична, это — техника «для себя», дающая абсолютную свободу самовыражения. Так, совершенно непривычного, «неизвестного» Крамского являют нам его пейзажные «Калитка в саду» (1874), «Деревенский дворик во Франции» (1876), «В роще Медон близ Парижа» (1876), «Гапсаль» (1878). Трудно поверить, что жизнерадостные, многоцветные работы, исполненные вдохновенно и артистично, принадлежат кисти художника, которого в живописи отличают рассудительность, эмоциональная сдержанность, скупая, почти аскетичная цветовая гамма. Поражает не столько даже «несвоевременность» этих маленьких шедеров, их несоответствие живописной манере Крамского-художника и системе взглядов Крамского — теоретика искусства и общественного деятеля, сколько сама мощь его колористической одаренности, не нашедшая выхода в живописной практике.

С 1860-х годов очень интересно выстраивается линия развития пейзажа в сепии, представленная на выставке работами Л.Ф. Лагорио, А.П. Боголюбова, Ф.А. Васильева и И.И. Левитана. Их объединяют благородство и артистизм исполнения, основывающиеся на бесконечном разнообразии приемов владения кистью, характере ее прикосновений к бумаге, на различной степени проработки поверхности и нагруженности красочного слоя.

Для многих мастеров-передвижников обращение к акварели было единичным, эпизодическим. Однако в акварели результаты их художественных поисков проявляются раньше или прочитываются яснее. Так, сопоставление работ И.И. Левитана и В.А. Серова 1890—1900-х годов позволяет уловить тот момент в истории пейзажа, когда в акварели рождается «психологический пейзаж», передающий состояние природы, ее настроение — «нежную, прозрачную прелесть русской природы, ее грустное очарование»[6].

Мощный импульс в постижении особенностей языка акварели и осознании ее эстетических возможностей дает введение изучения этой техники в программу высших художественных учебных заведений. Во многом новый взлет в акварельной живописи на рубеже XIX—XX веков связан с деятельностью П.П. Чистякова, он был осуществлен его учениками — В.И. Суриковым, В.А. Серовым и М.А. Врубелем. Феномен «чистяковской школы» заключается в непохожести вышедших из нее
художников. Чистяков обладал особым даром выявлять и развивать индивидуальные черты, манеру письма каждого из них, «указать путь» (по выражению Сурикова).

В художественной системе Сурикова, а может быть, и в его жизни акварели отведено особое место[7]. В этой технике он постоянно работал на протяжении почти 50 лет. Эволюция его акварельной манеры очевидна. Ее начало обозначено Сибирским циклом, исполненным летом 1873 года до занятий у Чистякова. Эти пейзажи объединяет строгость колористического решения, построенного на синевато-зеленых, «не знающих солнца» оттенках, «словно подсказанных художнику самой суровой сибирской природой»[8]. Серия итальянских акварелей 1883—1884 годов — шедевры акварельной манеры Сурикова. Ему подвластны жемчужное марево утреннего света, играющего на белых стенах соборов, слепящая яркость помпейских фресок, буйство красок карнавала. Он пишет и «воздушной, паутинной кисточкой», прозрачными тонами, едва прикасаясь к бумаге, и слоистыми лессировками, и короткими, «дерзкими» ударами кисти, и широкими переливчатыми затеками. Другая знаменитая серия акварелей — испанская — создана в 1910 году во время совместного европейского турне В.И. Сурикова и П.П. Кончаловского. Естественно возникшее между ними соперничество было не просто соревнованием двух замечательных колористов, представителей разных поколений, но плодотворным для обоих столкновением разных художественных систем. Акварель Сурикова, будучи очень чутким инструментом, впитывает в себя черты искусства Нового времени. Экспрессия цвета, его эмоциональная напряженность, острота диссонирующих сопоставлений, культ незаконченности меняют его акварельную систему: он пишет размашистыми движениями кисти, широкими свободными заливками по влажной бумаге, доводя «красочную звучность акварели почти до парадокса, до перенапряжения»[9]. Таковы «Севилья», «Бой быков в Севилье».

В творчестве младших учеников Чистякова — Врубеля и Серова — акварель обретает значительность, сопоставимую с их живописными произведениями. Работая буквально рядом, «рука об руку», каждый из них прошел собственный путь в акварели. Одаренный одинаково щедро талантом рисовальщика и колориста Серов выработал такую систему письма акварелью, где линия и цвет неразделимы. Он видел предметы обобщенно, воплощая их на листе бумаги как лаконичные пластические формулы, одним движением кисти моделировал форму и сообщал ей цвет. По своей природе акварель Серова тяготеет к графике, подчиняясь законам этого вида искусства в отношении к поверхности листа, принципам построения пространства и формы, степени условности языка. Колористическая гамма работ художника сдержана, построена на множественности тончайших градаций тона, разнообразии нюансировок и оттенков, ее благородный серый цвет способен выразить все цветовое многообразие мира. Удивительны никогда ранее не экспонировавшиеся акварельные наброски «В дороге» (1900-е) и «Греция. Остров Крит» (1907). Подойдя в них к некой границе предметного мира, к предельной степени условности языка, допустимой в рамках пластической системы того времени, Серов затрагивает задачи будущего художественного поколения, нерв их эксперимента с абстрактной формой.

Врубель обладал редкой предрасположенностью к работе акварелью. Поразительно, что уже его первые акварельные опусы «Голова девочки (1882), «Е.М. Бем, сидящая в кресле» (1882), «За кружкой пива» (1883), исполненные в период обучения в Академии, лишены налета ученичества, выдают руку прирожденного акварелиста. Художник мгновенно осознал огромные перспективы, которые открывала именно его художественным потребностям акварельная техника. Акварельная манера Врубеля очень разнообразна: в «Персидском принце» (1886) он выслаивает пространство листа мельчайшими, тщательно нюансированными по цвету мазками, скрупулезно следующими форме; в «Портрете артистки Т.С. Любатович» (1890-е) создает изображение крупными пятнами, вольными затеками, словно подчиняясь прихотливому течению краски. В своей знаменитой «Розе» (1904) Врубель вдумчиво конструирует форму, словно стремясь проникнуть в тайны строения натуры, передать энергию тугих лепестков распускающегося цветка. В почти лишенных цвета монохромных иллюстрациях к «Демону» М.Ю. Лермонтова (1891), бесконечно варьируя приемы нанесения краски, сгущая ритмы разнообразных по тону пятен, Врубель создал особую вибрирующую подвижную среду — аналог поэтической материи лермонтовского текста. Выбор «стиля» определился лишь требованиями конкретного замысла, художественного образа.

Особняком в истории акварели стоит творчество В.Э. Борисова-Мусатова. Художник приходит к ней лишь в последние годы жизни — в период полного владения живописной формой. Колористическая насыщенность и осязаемость фактуры его работ маслом и темперой в поздних акварелях «Балкон осенью» (1905), «Реквием» (1905) оборачиваются прозрачностью, «нематериальностью» цвета, игрой полутонов, приглушенных размытых красок, тающих теней, что как нельзя более соответствует поэтическим образам его призрачного мира, балансирующего на тонкой грани реального и сочиненного.

Возрождение всеобщего интереса к акварели произошло в последние десятилетия XIX века. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. На выставке представлены произведения М.Я. Виллие, Э.С. Вилье де Лиль-Адана, П.П. Соколова, Р.Ф. Френца, И.А. Александрова, А.С. Егорнова, Р.А. Берггольца, Альб.Н. Бенуа. Некоторые из этих художников работали исключительно как акварелисты и, может быть, поэтом у остались почти незаметными для «всеобщей» истории искусств. Тем не менее, задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов» несомненно выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства.

Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников. Так, под руководством блестящего мастера акварели Альберта Бенуа осваивали эту технику многие будущие члены художественного объединения «Мир искусства» Л.С. Бакст, А.Н. Бенуа, К.А. Сомов. Интересно, что создатели высочайшей графической культуры — «мирискусники» старшего поколения — в своем творчестве не часто обращались к технике чистой акварели. В «графических картинах», фантазиях на историческую тему они тяготели к более плотному корпусному письму и отдавали предпочтение гуаши и темпере, но приемы работы в этих техниках зачастую оставались акварельными.

Акварельные работы А.Н. Бенуа, М.В. Добужинского, А.П. Остроумовой-Лебедевой почти всегда сдержаны и изысканны по цветовому решению, свободная работа акварельным пятном сочетается в них с активным рисунком, придающим графическую четкость организации поверхности листа.

Особого внимания заслуживают работы К.А. Сомова. В жизни и в искусстве он всегда оставался в тени своих более активных коллег. В истории изобразительного искусства, построенной преимущественно на основе живописных работ, он остался автором нескольких картин и десятка куртуазных гуашевых композиций, составляющих лишь малую толику его художественного наследия. Однако Сомов был превосходным акварелистом и верно служил акварели до последних дней своей жизни. Творчество художника соединяет обе линии развития техники, примиряя традиционалистов и сторонников поиска новых форм. Более того, в его акварелях удивительным образом сходятся все нити, значимые для развития этой техники в России; он «пропустил через себя» все когда-либо существовавшие жанры, исследовал и испробовал все стили.

Самой интересной и недооцененной страницей сомовского творчества являются натурные пейзажи, в которых запечатлено почти невозможное: едва уловимые эффекты смены состояния и настроения природы — ветер, дождь, сумерки, белые ночи. Радуга (излюбленный мотив Сомова) в маленьком этюде 1908 года изображена так, что воспринимается как своеобразная метафора акварели, зримое воплощение рождения цвета и формы в напоенном влагой и светом воздухе.

Экспозиция «Магия акварели» ограничивается 1910-ми годами, когда завершился очередной цикл развития техники, но ее история на этом не заканчивается — новый, не менее интересный период в ХХ веке обозначен именами К.С. Петрова-Водкина, А.В. Лентулова; фантастические, блистательные и пугающие акварельные миры создают В.В. Кандинский, П.Н. Филонов. Но это уже совершенно другая история. Остается только надеяться, что выставка акварели ХХ века в Третьяковской галерее не заставит себя долго ждать. Следующие проекты в залах графики в Лаврушинском переулке будут посвящены рисовальным техникам в искусстве XVIII — начала XX века и составят в итоге цикл, охватывающий все многообразие технических средств и материалов графики.

Мокрицкий А. Воспоминания о Брюллове. Цит по: К.П. Брюллов в письмах, документах и воспоминаниях современников. М., 1961.С. 148.
Там же.
Талант Брюллова-акварелиста раскрылся и в монохромной разновидности этой техники — сепии. Здесь возникает новое понимание эстетической законченности произведения, художник обретает особую свободу дыхания, в чем-то предугадывая новые возможности техники и пути развития акварели (см.: Плотникова ЕЛ. Выставка русской акварели конца XVIII — начала ХХ века из собрания Государственной Третьяковской галереи. М., 1966. С. 16).
Эскизы из Священной истории Иванова. I-XIV. Берлин, 1879-1887.
Плотникова ЕЛ. Выставка русской акварели конца XVIII — начала ХХ века из собрания Государственной Третьяковской галереи. М., 1966.С. 20.
Головин А.Я. Воспоминания. Цит по: Встречи и впечатления. Письма. Воспоминания о Головине. Л.-М., 1960.С. 27.
Удивительно верно по сути немного шутливое высказывание А.М. Эфроса: «Было два существа: одно — Суриков, другое — Василий Иванович. Суриков был национальным достоянием и создавал «Боярыню Морозову»; Василий Иванович жил для себя и делал акварели. Его мы не знали до самой последней поры и лишь понемногу узнаем теперь» (Эфрос А.М. Рисунки и акварели Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 5).
Торстенсен Л.А. Акварельная живопись В.А. Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 9.
Эфрос А.М. Рисунки и акварели Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 6.

Иллюстрации

П.Ф. СОКОЛОВ. Цветы и фрукты. 1840-е
Бумага, акварель. 26,5×19,2

И.А. ИВАНОВ. Дом графа А.К. Разумовского со стороны парка. Начало 1800-х
Бумага, акварель, тушь, кисть, перо. 35,2×51,5

И.Н. КРАМСКОЙ. Деревенский дворик во Франции. 1876
Бумага цветная, акварель, белила. 24×31,5

П.А. ФЕДОТОВ. Прогулка. 1837
Бумага, акварель. 26,5×21,4

Ф.А. ВАСИЛЬЕВ. После проливного дождя. 1870
Бумага, акварель, белила. 17,3×36,1

В.Д. ПОЛЕНОВ. Среди учителей (Христос отрок в синагоге). 1894
Эскиз картины «Среди учителей» (1896, ГТГ). Бумага, акварель, графитный карандаш. 22,4×40,5

В.Е. МАКОВСКИЙ. В казначействе в ожидании пенсии. 1879
Бумага, акварель, графитный карандаш. 17,3×25,7

В.И. СУРИКОВ. Портрет Ольги Васильевны Суриковой (1878–1958), дочери художника. 1883–1884
Бумага, акварель, графитный карандаш. 27×21

В.А. СЕРОВ. Королевский сад в Афинах. 1907
Бумага, графитный карандаш, акварель. 22,6×35,3

И.И. ЛЕВИТАН. Осень. 1890-е
Бумага, акварель, графитный карандаш. 31,5×44

А.П. ОСТРОУМОВА-ЛЕБЕДЕВА. Амстердам. 1913
Бумага на картоне, акварель, уголь. 34,5×50

Е.Д. ПОЛЕНОВА. На дворе зимой. 1890-е
Бумага, акварель. 50×32,1

К.А. СОМОВ. Купальщицы. 1904
Бумага, акварель, черный карандаш. 28,8×38

М.А. ВРУБЕЛЬ. Роза. 1904
Бумага на картоне акварель, графитный карандаш. 29,8×18,5

К.А. СОМОВ. Радуга. 1908
Этюд. Бумага, акварель. 25,2×26,3

К.Ф. ЮОН. Ночь. Тверской бульвар. 1909
Бумага на картоне, акварель, белила. 60,5×73

Художник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. Лучшие акварели

Привет всем входящим на usenkomaxim.ru

Нашел еще одного художника-акварелиста. На этот раз югославский мастер Joseph Branko Zbukvic. И он мне понравился значительно больше японской художницы Keiko Tanabe, работы которой выкладывал в предыдущем посте. Последняя относительно первого словно ученица. У нее еще все впереди…. Более ничего писать от себя не буду. Прилагаю выдержки из сети…

Его годы становления были проведены на небольшой ферме, в широком семейном кругу, где большая часть домашних работ выполнялась вручную в традиционной манере. Этот идиллический опыт семейной жизни в сельской атмосфере дал ему более утонченное понимание отношений человека с природой, а также развил его сильную нравственную сторону. Его бабушка быстро распознала и поощряла его художественный талант в дошкольном возрасте. И эта его ранняя любовь к рисованию осталась с ним на всю жизнь, ныне является основой всей его работы.

Художник-акварелист Joseph Branko ZbukvicХудожник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. МастерскаяХудожник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. Рабочее место

Несмотря на очевидный талант сына, родители Joseph Branko Zbukvic решили, что достойного будущего в профессии художника у их сына не будет, и в 1967 году он поступил в университет на кафедру изучения языков и литературы, для того чтобы впоследствии посвятить себя преподавательской деятельности.

Но все это образовательное начинаение было прервано в 1970 году, когда из-за политических волнений семья решила эмигрировать из Югославии в Австралию. Там Joseph Branko Zbukvic продолжил свое заочное образование в университете Дикин в Мельбурне. Окончив университет в 1974 году, он получил диплом искусств в области промышленного дизайна. В тот же период он снова для себя открыл акварель и начал писать, достигнув мгновенного успеха в художественных конкурсах, выиграв свою первую крупную награду искусства в 1975 году. С тех пор он завоевал более 200 международных наград, провел более 40 персональных выставок в Мельбурне, Сиднее, Брисбене, Аделаиде, Лондоне и Сан-Антонио… А первая персональная выставка у него была в 1977 году в галерее Истгейт, Брайтон, Мельбурн.

В 1978 году он начал писать полный рабочий день, и вскоре зарекомендовал себя как ведущий акварелист. Joseph добился огромного успеха в акварельной живописи благодаря мастерской технике и невероятному разнообразию изображаемых тем и предметов.

После 20-летнего отсутствия, Joseph Branko Zbukvic побывал в Загребе в 1990 году. Он получил теплый прием и был сделан художником в резиденции Мимара Музея изобразительных искусств.

На данный момент Joseph Branko Zbukvic является одним из лучших художников-акварелистов в мире. Его акварельные работы, семинары, практические уроки востребованы и продаются всюду, где он путешествует…

Ну и кончено, в настоящее время он стоит членом множества самых престижных клубов, обществ, институтов акварельного искусства. Ведет преподавательскую деятельность…

Другие материалы из этой категории:

Известных художников-акварелистов — Университетское искусство

АЛЬБРЕХ ДЮРЕР

Акварель существует с самого зарождения живописи, но не получила широкого распространения до эпохи Возрождения. Немецкий гравер Альбрехт Дюрер был одним из первых практиков и нашел этот материал идеальным для небольших подробных исследований.

Альбрехт Дюрер, Заяц, 1502

УИЛЬЯМ БЛЕЙК

Акварель оставалась второстепенной дисциплиной в мире живописи в течение некоторого времени, пока английский гравер и поэт Уильям Блейк заново не открыл ее иллюстративную силу, когда он использовал ее для раскрашивания гравюр вручную.

Уильям Блейк, Древний днями, 1794

J.M.W. ОБОРОТНИК

Немного более молодой современник Блейка, Дж. М. У. Тернер также обнаружил, что акварель является идеальным средством для пленэра. живописи. Поразительно атмосферные и выразительные картины Тернера, изображающие сельскую местность и морские пейзажи Европы, предвосхитили движение импрессионистов более чем на 50 лет и превратили пейзажную живопись в жизненно важную дисциплину там, где раньше она была уделом любителей-натуралистов и любителей.

Дж. М. В. Тернер, Замок Долбадарн, 1799

Дж. М. У. Тернер, Венеция, глядя на восток с Гайдекки, восход солнца, 1819

ТОМАН МОРАН

В то же время в Соединенных Штатах британец Томас Моран писал пейзажи еще малоизвестных западных Скалистых гор. Он даже был включен в одну из первых экспедиций в то, что впоследствии стало Йеллоустонским национальным парком. Акварели были одними из многих инструментов его ремесла.

Томас Моран, Castle Geyser, Верхний бассейн Гейзера, 1871

ДЖЕЙМС МАКНИЛ УИСТЛЕР

Хотя вы, возможно, знаете его работы по знаменитой картине его матери, которую он написал, Джеймс Макнил Уистлер был еще одним британцем, весьма искусным в акварели. Чрезвычайная портативность носителя сделала его полезным для быстрых набросков, где бы Уистлер ни находился. Его энергичные, сокращенные мазки и экономичные мазки цвета контрастируют с гораздо более мрачной палитрой и сдержанным нанесением знаков на его картинах маслом.

Джеймс Эббот Макнил Уистлер, Цветочный рынок, 1885

WINSLOW HOMER

Пожалуй, самым известным акварелистом XIX века был Уинслоу Гомер. Гомер был в основном художником-самоучкой, который так тщательно использовал акварель для своих многочисленных пейзажей, морских пейзажей и сцен повседневной жизни в Америке 19-го века. Уважение Гомера к возможностям акварели побудило многих его современников тоже попробовать ее.

Уинслоу Гомер, Голубая лодка, 1892

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ

Джон Сингер Сарджент родился в Америке, но работал в основном в Англии.Он был известен своими портретами маслом, но во время своих многочисленных путешествий он запечатлел большую часть своего окружения акварелью, изображая предметы, которые он никогда не пытался рисовать маслом, например эту церковь в Венеции, Италия.

Джон Сингер Сарджент, Санта-Мария-делла-Салюте, 1904 г.

ПОЛ КЛИ

В то же время в живописи произошел значительный сдвиг в сторону абстракции в начале 20-го века, и многие движения, последовавшие за импрессионизмом, привели к другим направлениям для исследования акварели.Работы швейцарца Пауля Клее варьировались от экспрессионизма до кубизма, и акварель играла роль в его абстрактных исследованиях.

Пауль Клее, Красные и белые купола, 1914

ГРУЗИЯ O’KEEFFE

В США Джорджия О’Киф использовала акварель как средство исследования ярких цветов и света, свидетелем которых она стала после переезда в сельскую местность Нью-Мексико.

Джорджия О’Кифф, Санрайз, 1916

ЭДВАРД ХОППЕР

Эдвард Хоппер интересовался более тонкими качествами света и тем, как они могут быть полезны при изображении мест, пережитых американцами.

Эдвард Хоппер, Адамс Хаус, 1928

ДЖЕЙМИ УАЙТ

Американский художник Джейми Уайет часто писал акварельными красками drypoint , в которых используется очень мало воды. Преемник отца Эндрю и деда Н.К. Уайета, оба восхищались американскими художниками, Джейми большую часть своей карьеры посвятил изображению сельских пейзажей Новой Англии и продолжает активно работать по сей день.

Джейми Уайет, Слейтон Хаус, 1968

Сегодня современная акварельная сцена так же жизнеспособна и активна, как и когда-либо, и многие художники со всего мира посвятили себя этой драгоценной среде.Как вы примете участие в формировании этого развития акварели?

10 самых известных художников-акварелистов

Известные художники-акварелисты не только оказали влияние на современное искусство, но и некоторые из этих имен также оказали влияние на современные культуры.

Некоторые из них можно найти на общественном телевидении, некоторые — на успешных каналах YouTube, а некоторые — в самых известных художественных музеях мира и считаются самыми известными произведениями всех времен.

Ознакомьтесь с нашей подборкой акварельных отпечатков

1. Джон Сингер Сарджент

Американец Джон Сингер Сарджент признан во всем мире как один из самых положительных факторов, оказавших наибольшее положительное влияние на среду, и один из самых стимулирующих и наиболее важных художники 19 — начала 20 веков художники-иммигранты.

Известные акварельные картины Джона Сингера Сарджента включают:

Simplon Lesson, 1911

2.Винсент Ван Гог

Художник из Голландии Винсент Ван Гог был художником, чьи работы оказали одно из самых важных влияний на искусство 20-го века и чья депрессия была хорошо известна. Хотя он был наиболее известен своими картинами маслом, у него все еще есть коллекция из более чем 150 произведений акварельной живописи. Все слышали о Ван Гоге!

Известные акварельные картины Ван Гога включают:

Воскресенье в Эйндховене

3. Пауль Клее

Пауль Клее был немецким художником швейцарского происхождения.На его индивидуальность повлияли такие художественные направления, как экспрессионизм, кубизм и сюрреализм.

Знаменитые акварельные картины Пауля Клее включают:

Twittering Machine, 1922

4. Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи был ученым итальянского Возрождения, который считался одним из величайших художников всех времен время. Мона Лиза — самая известная работа Леонардо и самый известный портрет из когда-либо созданных. Он был художником нескольких сред, как и несколько художников в этом списке.

Его акварельные работы не пользуются большим признанием по сравнению с другими его работами.

Знаменитые акварельные картины да Винчи Включают:

Этот арт пост был создан художниками, которые выбрали материалы специально для вас.
Нажмите ниже, чтобы делать покупки со скидкой 30%.

5. Джорджия О’Киф

Одна из самых влиятельных женщин в СМИ, Джорджия О’Киф, была одной из первых американских модернистов. Она была первой женщиной, прославившейся своим стилем.Она известна своими пейзажами и изображениями на юго-западе.

Знаменитые акварельные картины Джорджии О’Киф включают:

Каньон с воронами, 1917 год

6. Боб Росс

Боб Росс был американским художником, учителем рисования и телеведущим. Он был директором и ведущим образовательной телепрограммы «Радость рисования», которая транслировалась в 1983–1994 годах по общественному телевидению в Америке и Канаде.

Известные акварельные картины Боба Росса включают:

До снегопада

7.Альбрехт Дюрер

Альбрехт Дюрер был художником и теоретиком немецкого Возрождения. Дюрер родился в Нюрнберге и приобрел свою популярность и влияние во всей Европе, когда ему было 20 лет, благодаря своим высококачественным гравюрам на дереве.

Знаменитые акварельные картины Альбрехта Дюрера включают:

Вид на долину Акро в Тироле, 1495

8. Бренда Свенсон

Бренда Свенсон была членом правления Национального общества акварелистов Америки и акварельного Запада сообщество.Ее эскизы и картины публиковались в журналах «Акварель» и «Классические грузовики». Теперь у нее много подписчиков на YouTube за ее прекрасные уроки.

Знаменитые акварельные наброски Бренды Свенсон включают:

Хайленд Парк

9. Шибасаки

Известный на YouTube как «Боб Росс из Японии», Шибасаки приобрел культовую аудиторию во всем мире. за его успокаивающее присутствие на его быстро развивающемся канале YouTube, где он обучает технике акварели в простых пошаговых уроках.

Знаменитые акварели Шибасаки Картины включают:

10. Василий Кандинский

Василий Васильевич Кандинский, живописец и теоретик русского искусства, прославился несколько десятилетий назад. Принято считать, что Кандинский — пионер абстрактного искусства.

Знаменитые акварельные картины Василия Кандинского Включают:

Это было первое абстрактное акварельное произведение Кандинского, получившее высокую оценку как наиболее известное его произведение под названием «Без названия».

** Бонус: Признание знаменитой акварельной живописи

Как огромные поклонники комиксов, мы должны выразить признательность одному художнику — Биллу Уоттерсону — за то влияние, которое он оказал на среду своей всемирно известной серией акварелей Кальвина и Гоббса.

Вот кое-что для визуализации:

Самые известные художники-акварелисты всех времен

Эти художники внесли свой вклад в демонстрацию красоты акварели, и, хотя все они оказали влияние на всю историю акварели, все они принесли свои собственные стили тоже.

Если вы хотите найти собственные акварельные идеи и техники, ознакомьтесь с нашим разделом акварельных уроков, чтобы начать совершенствовать свое ремесло!

Сообщите нам, каких художников мы забыли! Это список, который мы составили, по нашему мнению, поэтому есть место для разговора.

Этот арт пост был создан художниками, которые выбрали материалы специально для вас.
Нажмите ниже, чтобы делать покупки со скидкой 30%.

5 влиятельных женщин-акварелистов — американская акварель

МЭРИ КАССАТТ (американка, 1844-1926)

Портрет художника (1878 г .; акварель, гуашь на плетеной бумаге, наложенной на древесно-целлюлозную бумагу желтого цвета, 23 5/8 x 16 3/16 дюйма) Мэри Кассат
Мэри Кассат провела свою взрослую жизнь во Франции, где она стала неотъемлемой частью группы импрессионистов.Кассат родилась в богатой семье, которая сначала протестовала против своего желания стать художником. В конце концов, она бросила художественную школу после того, как ее расстроило отдельное отношение к студенткам — они не могли использовать живые модели и им пришлось рисовать по слепкам.
Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат пошла на частное ученичество и проводила свободное время, копируя картины старых мастеров в Лувре. Карьера Кассат уже начала развиваться, когда она присоединилась к импрессионистам и на всю жизнь подружилась с Дега.В то же время она откровенно высказывала свое недовольство формальной системой искусства, которая, по ее мнению, требовала от художников-женщин флирта или дружбы с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед. Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, создавая работы, в которых часто подчеркиваются женщины, выполняющие обязанности смотрителей. На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.
Кассат написала этот автопортрет, один из двух известных, через год после того, как Эдгар Дега пригласил ее на выставку с импрессионистами.Его влияние проявляется в необычном темно-зеленом фоне, внимании к контрастным дополнительным цветам и смелой и небрежной асимметричной позе фигуры. Луизин Элдер (позже миссис Х.О. Хавмейер), молодая американская студентка-искусствовед, с которой Кассат познакомилась в Париже в 1874 году, приобрела эту работу к 1879 году. Хавмейер станет большим другом Кассат и американским покровителем, пожертвовав большую часть своей коллекции импрессионистов Музею искусств Метрополитен.
BERTHE MORISOT (французский, Бурж 1841–1895)
Женщина, сидящая на скамейке на авеню дю Буа (1885; акварель поверх следов графита, 7 7/8 x 11 дюймов).) Берта Моризо
Считающаяся одной из великих женщин-импрессионисток, Берта Моризо владела искусством, живущим по ее жилам. Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой племянницей знаменитого художника в стиле рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом Парижском салоне, а затем присоединилась к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанном, Ренуаром и Дега. У Моризо особенно близкие отношения с Эдуардом Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.
Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем. Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковались как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о том, как ее изо всех сил пытались воспринимать всерьез как женщину-художника, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который относился бы к женщине как к равному, и это все, о чем я бы попросил, потому что я знаю, что я стою столько же, сколько они ».
ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ (американка, 1887–1986 гг.)
«Восход солнца и маленькие облака» (1916, акварель) Джорджии О’Киф
Джорджия О’Кифф, будучи авангардистом американского модернизма, является одной из самых знаменитых женщин-художников в истории.Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открывая эру «искусства ради искусства». При жизни ее карьера была связана с ее мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идеи о том, что американское искусство может быть равным европейскому и что художницы могут создавать искусство столь же мощное, как и мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.
Штиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли, вкупе с его интимными портретами О’Киф, подтолкнули к мысли, что ее изображения цветов крупным планом были метафорами женских гениталий.Это концепция, которую художница всегда отрицала, хотя ее работы, несомненно, чувственны. О’Кифф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражения ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в женских художественных выставках, желая, чтобы ее определяли просто как художницу, свободную от пола.
ФИДЕЛИЯ МОСТЫ (американские, 1834-1923 гг.)
Ирисы вдоль реки (до 1923 г., акварель на бумаге на доске, 9 1/2 x 24 3/4 дюйма) от Фиделии Бриджес
Фиделия Бриджес была одной из немногих женщин, сделавших успешную карьеру в искусстве в конце XIX века. известен тонко детализированными картинами, на которых запечатлены цветы, растения и птицы в их естественной среде обитания.Хотя она начинала как художник маслом, позже она приобрела репутацию эксперта в акварельной живописи. Она была единственной женщиной среди семи художников в первые годы существования Американского общества акварелистов. Некоторые из ее работ были опубликованы в виде иллюстраций в книгах и журналах, а также на поздравительных открытках.
КЕЙТ ГРИНАВЭЙ (Великобритания, 1846–1901)
«Женщина и ребенок» (1883, графит с элементами акварели, 4 1/8 x 3 7/8 дюйма) Кейт Гринуэй
Кэтрин Гринуэй была английской викторианской художницей и писательницей, известной своими детскими книжными иллюстрациями.Она получила образование в области графического дизайна и искусства в период с 1858 по 1871 год в Художественной школе Южного Кенсингтона, Королевской женской школе искусств и Школе изящных искусств Слейда. Она начала свою карьеру с дизайна для растущего рынка праздничных открыток, с производства рождественских и валентинских открыток. В 1879 году гравер и печатник по дереву Эдмунд Эванс напечатал «Под окном», мгновенный бестселлер, который укрепил ее репутацию. Ее сотрудничество с Эвансом продолжалось на протяжении 1880-х и 1890-х годов.
Изображения детей в воображаемых костюмах 18-го века в стиле королевы Анны были чрезвычайно популярны в Англии и во всем мире, что породило стиль Кейт Гринуэй. Через несколько лет после публикации «Под окном» работы Гринуэя начали копировать в Англии, Германии и США.
Чтобы получить больше вдохновляющих историй, подобных этой, подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную электронную рассылку .
женщин и акварель — журнал Antiques
Рис.1. «Дикие розы среди ржи» Фиделии Бриджес (1834–1923), 1874 г. Акварель, гуашь поверх карандаша на плотной тканой бумаге, 13 1⁄2 на 9 дюймов. Музей Флоренс Грисволд, Олд Лайм, Коннектикут, подарок Хартфордской инспекции паровых котлов
и страховой компании.
Энтузиазм к акварельной живописи, охвативший Соединенные Штаты после основания Американского общества акварелистов, был благом для многих художников, борющихся за критическое внимание и покровительство, таких как Уинслоу Гомер и Томас Икинс.Но ни один класс художников не выиграл больше, чем женщины, которые извлекли выгоду из своего традиционного знакомства со средой. Чистую, легкую, недорогую и широко доступную акварель учили дома и в школе детей и особенно молодых женщин. Отвергнутая в середине века как «женская среда», акварель стала модной после 1870 года, а давняя связь с декоративными, благородными достижениями, такими как великолепные вышитые и расписанные предметы интерьера школьниц в начале девятнадцатого века, стала источником энергии. а не ответственность.
Популярность акварели среди женщин, вероятно, обескуражила рядовых представителей школы Гудзон-Ривер, которые до этого не проявляли особого интереса к медиуму, отчасти из-за того, что она ассоциировалась с любителями — возможно, их матерями и сестрами — и коммерческими художниками. Зарекомендовавшие себя живописью и скульптурой, высшими и наиболее важными медиумами в европейской иерархии, признанные художники стремились дистанцироваться от материалов, используемых их родственницами-женщинами, не говоря уже о граверах, архитекторах и дизайнерах.Ситуация изменилась с основанием акварельного общества в декабре 1866 года, когда группа респектабельных мужчин-профессионалов решила, что Соединенным Штатам нужен специальный форум, на котором акварели можно было бы использовать в своих интересах. Их первая выставка, состоявшаяся годом позже, ознаменовала начало сознательной кампании по подъему интереса к медиуму как среди художников, так и среди коллекционеров. Среди основателей были специалисты по акварели, родившиеся в Великобритании, которые тосковали по поддержке, которую они получали в старой стране, и ядро художников-масляных художников во главе с Сэмюэлем Колманом, родившимся в Америке, их первым президентом, который придал свое очарование и престиж новой стране. риск.В течение пятнадцати лет акварельное общество было тостом Нью-Йорка и самым разнообразным и интересным выставочным центром города; в течение пятидесяти лет медиум будет широко практиковаться современными американцами и прославляться как сугубо национальная форма самовыражения. Этот замечательный рост статуса медиума, о котором говорится на выставке «Американская акварель в эпоху Гомера и Сарджента», которая в настоящее время находится в Художественном музее Филадельфии, поднимет настроение сотням женщин-художников. ¹
Рис.2. Симплонский перевал: Урок Джона Сингера Сарджента (1856–1925), ок. 1911. Полупрозрачная акварель, с элементами непрозрачной акварели и воскового резиста, поверх графита на бумаге, 15 1⁄8 на 18 1⁄8 дюймов. Некоторых из величайших акварелистов того времени — Уинслоу Гомер и Сарджент — научили работать в технике их матери. Сарджента часто окружали акварелисты-женщины, в том числе его сестра Эмили (в центре) и племянница Рейн Ормонд (справа). Музей изящных искусств, Бостон, Коллекция Хайдена — Фонд Чарльза Генри Хайдена.
Либеральная политика нового клуба была очевидна на первой ежегодной выставке, организованной как новое дополнение к возобновленной «зимней выставке» Национальной академии дизайна 1867/68 года. Основатели нанимали из всех уголков мира искусства, принимая рисунки архитекторов, эскизы портфолио, английские акварели от коллекционеров и дилеров, а также поразительное количество произведений женщин, около 30 процентов от общего числа. Более чем вдвое больше, чем женщин в обычном весеннем ежегоднике Национальной академии, эти проценты снизятся по мере того, как акварель станет популярной и прибыльной для мужчин, но общество остается форумом, где женщины-художники, скорее всего, смогут найти точку опоры.²
Рис. 3. Осенние листья Эллен Роббинс (1828–1905), ок. 1870. Подпись «Эллен Роббинс» внизу справа. Тканая бумага, акварель с выборочно нанесенной глазурью поверх графита, 21 1⁄2 на 29 5⁄8 дюймов. Художественный музей Филадельфии, приобретенный на средства Американского Оборотного фонда искусства.
Как и ожидалось, первой женщиной-звездой, а также первой женщиной, избранной в общество, была Элизабет Хифи Мюррей, профессиональный художник-акварелист, родившийся в Англии.Жена британского консула в Портленде, штат Мэн, Мюррей была хорошо обучена, много путешествовала и имела социальные навыки; ее жанровые картины, в основном основанные на европейских цыганских сюжетах, приводили в восторг ее поклонников в Бостоне и Нью-Йорке на протяжении десятка лет ее проживания в Соединенных Штатах. Более тихая, скромная и более типичная для художников американского происхождения на первой акварельной выставке Эллен Роббинс специализировалась на натюрмортах. Она зарабатывала себе на жизнь в Бостоне, обучая акварели и выпуская изысканные альбомы с изображением североамериканских листьев.К 1867 году Роббинс отправлял более грандиозные одиночные композиции на акварельные однолетники в Нью-Йорке, похожие на «Осенние листья» (рис. 3), в которых традиция ботанической иллюстрации сочеталась с новым вкусом к рисованию на открытом воздухе, вдохновленным трудами Джона Раскина.
Рис. 4. Bow Sprit Алисы Шилле (1869–1955), ок. 1916–1918 гг. Бумага, акварель, 13 1⁄4 на 16 1⁄2 дюйма. Коллекция мистера и миссис Х. Шмидт III.
Fidelia Bridges выросла из той же рускинской культуры, терпеливо изучая с натуры.Более подготовленная, чем Роббинс, она научилась тонкому стилю реализма у филадельфийского художника Уильяма Троста Ричардса и разработала собственный жанр с птицами и цветами, которые понравились публике на выставках акварели (рис. 1, 10). В 1875 году, когда Уинслоу Гомер стал новой силой в акварели, писатель Генри Джеймс нашел «сырые» приморские наброски Гомера и «бесконечно прекрасные» придорожные идиллии Бриджеса лучшим развлечением на ежегодном мероприятии того года. ³ Bridges установили профессиональный стандарт для большой группы молодых или прибывающих позже женщин-цветочных художников, включая Марию Оки Дьюинг, Эллен Тайер Фишер, Кэтлин Грейторекс и Эмили М.Скотт, который в 1880-х годах перешел на территорию импрессионизма.
Рис. 5. Сбор полевых цветов Рода Холмс Николлс (1854–1930), ок. 1900. Бумага, акварель, 20 1⁄2 на 14 дюймов. Высокий музей искусств, Атланта.
Повторяя успех Элизабет Мюррей, образцовой художницей-акварелистом для следующего поколения женщин будет англичанка Рода Холмс Николлс. Она приехала в Нью-Йорк в 1884 году как опытный акварелист, получив образование в Лондоне, Венеции и Риме, где она познала яркий импрессионистический стиль современной испано-итальянской школы (рис.5). Влиятельный учитель и образец для подражания, она была в 1890 году среди основателей New York Water Color Club, новой группы, организованной отчасти для решения проблемы неудач Американского общества акварелистов, становящегося все более «старым», в избрании многих женщин в свои члены. . Женщины сразу же стали офицерами и составляли значительную долю в новом клубе, который слился со старым обществом в 1941 году.
История New York Water Color Club повторилась во многих новых обществах, образовавшихся в Соединенных Штатах по мере того, как популярность этого средства массовой информации распространилась.В Бостоне их было два: один был создан мужчинами, другой — женщинами (которые более терпимо допускали гостей и мужчин-художников). Филадельфийский акварельный клуб также был создан значительным ядром женщин-художников. Выставки акварели, созданные такими новыми клубами, открывали возможности для многих молодых талантов первых десятилетий двадцатого века. Алиса Шилле и Джейн Петерсон, обе со Среднего Запада, преуспели на этой выставочной площадке и в колониях художников нового века (см. Рис. 4, 7).Оба стажировались в Нью-Йорке, а затем много путешествовали по Европе, приобретая опыт, который позволил им развить свои работы акварелью в постимпрессионистских направлениях. Техника яркой гуаши Петерсон показала авантюрное чувство узора и цвета, в то время как Шилле научилась у живописи фовистов, чтобы развить блестящий прозрачный стиль, который сделал ее одной из самых уважаемых женщин-художников того периода.
Рис. 6. Без названия (Этюд с розой) Генриетты Бенсон Гомер (1809–1884), 1873 г.Бумага, акварель, 14 7⁄8 на 11 дюймов. Художественный музей колледжа Боудоин, Брансуик, штат Мэн, подарок семьи Гомеров.
Шилле, как и Николлс, Роббинс и многие другие художницы-женщины, могла бы получить стабильный доход от преподавания, но некоторые найдут возможности в коммерческом искусстве и иллюстрации. Фрэнсис («Фанни») Бонд Палмер проложила путь для женщин 1850-х и 1860-х годов, работая в печатном издательстве Currier & Ives. Она прославилась созданием акварельных рисунков для литографий; женщины также нашли работу, раскрашивая эти же принты акварельными красками, используя такие рисунки в качестве шаблонов.Бриджес пойдет по этому пути в 1876 году, после того как ее акварели получили заказ на создание календаря от бостонского хромолитографа Луи Пранга. Его новые цветные печатные машины были хороши в воспроизведении прозрачности акварели, и его компания будет нанимать много женщин, включая Мюррей и Роббинс, по мере расширения его бизнеса. Бриджес стал одним из дизайнеров своего дома и, в конечном итоге, стал именем нарицательным, выпустив десятки очаровательных акварелей для принтов и поздравительных открыток.
Рис. 7. Пирс, Эдгартаун Джейн Петерсон (1876–1965), ок.1915. Подпись «Джейн Петерсон» внизу слева. Бумага, непрозрачная акварель, уголь, 17 на 23 1⁄4 дюйма. Коллекция мистера и миссис Чарльза В. Этвуд.
Другие женщины воспользовались бумом иллюстрированных газет, журналов и книг, который сопровождал улучшение цветной печати. Акварель преподавалась в новых школах дизайна, где женщин-художников обучали профессиям иллюстрации, дизайна и преподавания. Художник-акварелист и искусствовед Сьюзен Н. Картер руководила многими студентами в качестве директора Школы женских искусств при Купер Юнион в Нью-Йорке; и Филадельфийская школа дизайна для женщин (ныне Колледж искусства и дизайна Мура) аналогичным образом решила бы «проблему» профессионального обучения девочек, ищущих надежную и респектабельную работу.Также в Филадельфии иллюстратор Ховард Пайл был наставником «Девушек из красной розы» — Элизабет Шиппен Грин, Вайолет Окли и Джесси Уиллкокс Смит (рис. 12) — в Институте Дрекселя. Все трое начинали как художники-акварелисты, использовали среду для иллюстративных проектов, и все завоевали национальную репутацию. Окли также использовал акварель для создания витражей и настенных росписей, следуя практике Джона Ла Фаржа и других лидеров американского Возрождения. Ее проекты для обширной кампании украшения Капитолия Пенсильвании в Гаррисберге сделали ее самой известной художницей-монументалистом своего времени (рис.9).

Рис. 8. Этюд макового оттенка Клары Дрисколл (1861–1944), ок. 1900, для Tiffany Studios (1902–1932). Бумага, акварель, графит и черные чернила, 12 1⁄4 на 19 3⁄4 дюйма. Музей Метрополитен, покупка, Уолтер Ховинг и Джулия Т. Велд Подарки и Фонд Доджа.
Окли была не первой женщиной, которая применила навыки акварели, чтобы войти в сферу декоративного дизайна, который был третьим путем к профессиональному статусу для женщин-художников, помимо выставочной работы и иллюстрации.Настроение реформ и возрождения, последовавших за столетним юбилеем в 1876 году, привело к энтузиазму в отношении всех видов декоративного искусства, а также к идеологии интегрированного дизайна. Идея целостного художественного интерьера, представленная в бестселлере Кларенса Кука «Красивый дом» в 1878 году, была подхвачена тремя великими американскими дизайнерами эстетического направления — Ла Фарж, Луи К. Тиффани и Сэмюэлем Колманом. Все они были художниками-акварелистами, и все они нанимали женщин в декоративных проектах, которые связывали многие среды — текстиль, витражи, керамику, мебель — через общую практику дизайна в акварели.Все трое опирались на опыт импресарио-вышивальщицы Кэндис Уиллер, чья команда виртуозных рукодельниц производила роскошный текстиль того периода. Роскошная портьера Уиллера, редкая вещь, сохранившаяся из роскошных интерьеров 1880-х годов в Метрополитен-музее, демонстрирует живописные эффекты, к которым стремились ее рисунки. По замыслу Уиллера, она создала «вышитую поверхность, которая должна обладать всей мягкостью акварели». ⁴
Рис.9. Эскиз фрески «Божественный закон» в Капитолии штата Пенсильвания, Гаррисбург, автор Вайолет Окли (1874–1961), ок. 1917. Непрозрачная акварель, масляная краска, сусальное золото поверх болта, перо, черные туши и графит на доске для иллюстраций, квадрат 20 1⁄2 дюйма. Художественный музей Филадельфии, приобретенный на дискреционный фонд директора.
Ла Фарж и Тиффани также нашли акварель, с ее прозрачностью и интенсивностью цвета, идеальным средством для дизайна витражей. В производстве этого материала Тиффани работало много женщин как дизайнеров, так и монтажников; он считал, что женщины более чувствительны к цвету.В его большой стекольной мастерской работали «девушки Тиффани» под руководством Клары Дрисколл, художницы, создавшей его знаменитые абажуры (рис. 8), а многие из его самых любимых оконных дизайнов были созданы талантливой Алисой Нортроп. Инновационное опалесцирующее стекло, используемое как La Farge, так и Tiffany, продемонстрировало перекрестное оплодотворение этого момента, поскольку акварельные рисунки предполагают движение и разнообразие в витражах, в то время как законченные окна и абажуры напоминают меняющуюся мазку акварельной краски.
Рис. 10. Зимний пейзаж с птицами у мостов , н.о. Акварель на тканой бумаге размером 5 1⁄8 на 3 1⁄2 дюйма. Художественный музей Филадельфии, подарок Ферн и Херш Коэн.
Искусство керамики разделяло ту же эстетику кроссовера, что и художники, работавшие между акварелью и фарфором. Справочники признали, что техника рисования на фарфоре похожа на акварельную живопись, и популярность этих двух искусств одновременно росла с 1870-х до начала века.Подобно акварельной живописи, китайская живопись рассматривалась как подходящая отдушина для женского творчества, но эта область приобрела профессионализм с появлением более амбициозных талантов, таких как Мэри Луиза Маклафлин, основательница женского гончарного клуба Цинциннати. Используя печи Руквудской керамики, Маклафлин был пионером в области глазирования и росписи керамики (рис. 11). Не случайно она также выставляла свои акварели на выставках Американского общества акварелистов. Многие женщины будут заняты украшением керамики; другие создавали дизайны для художественных журналов того периода, которые содержали образцы для рисования на фарфоре, наряду со многими самодельными художественными проектами декоративной эпохи.
Рис. 11. Портрет Эстер Маклафлин работы Мэри Луиз Маклафлин (1847–1939), 1881. Фарфор, диаметр 18 дюймов. Художественный музей Цинциннати, дар Ассоциации женских художественных музеев.
Рис. 12. С задумчивыми глазами Джесси Уиллкокс Смит (1861–1935), 1909. Акварель и белая гуашь поверх угля на доске для иллюстраций, 21 7⁄8 на 16 дюймов. Пенсильванская академия изящных искусств, Филадельфия, дар поместья Джесси Уиллкокс Смит.
Подписчики этих журналов и любители натюрморта, китайской живописи и вышивки составляют последнюю и самую большую группу женщин-художников акварельного движения. Они принадлежали к тому же классу, который раньше занимался вышивкой и акварелью, подобными изображенной на Рисунке 1, для украшения дома, но теперь их число было огромным, и «дамская среда» была в моде. Многие, например Генриетта Бенсон Гомер, продолжали работать дома, добавляя нотку красоты в гостиную или подавая пример своим детям (рис.6). Она рисовала цветочные сюжеты в стиле Фиделии Бриджес и размещала карточки для семейного обеденного стола; она также послала свои акварели на выставку в Бруклине весной 1873 года, за несколько месяцев до того, как ее сын Уинслоу решил сам заняться акварелью. Следующей зимой мать и сын дебютируют в Американском обществе акварелистов. Уинслоу Гомер был не единственным художником, который последовал примеру своей матери: мать Джона Сингера Сарджента, Мэри, была опытным акварелистом, как и его сестра Эмили и его племянница Рейн (оба показаны на рис.2). Чарльз М. Рассел утверждал, что стал акварелистом, наблюдая за своей матерью; Чарльз Демут вырос в семье акварелистов; а у Джорджии О’Киф было два поколения женщин-акварелистов, формирующих ее девичье детство. Такие любители были также источником энергии как коллекционеры: Изабелла Стюарт Гарднер, обученная рисованию акварелью для грандиозного тура, стала могущественной покровительницей Сарджента; Сара Чоат Сирс, отмеченная наградами акварелист, поддержала бы работы Мориса Прендергаста.Своим примером и воодушевлением женщины помогли сформировать вкус к акварели, который изменил статус этого средства массовой информации в Соединенных Штатах между 1860 и 1925 годами.
1 Для получения дополнительной информации и библиографии см. Кэтлин А. Фостер, Американская акварель в эпоху Гомера и Сарджента (Музей искусств Филадельфии и издательство Йельского университета, 2017). Шесть объектов, проиллюстрированных в этой статье, находятся на выставке, и все художники, упомянутые здесь, подробно обсуждаются в книге. 2 Дополнительную статистику и график участия женщин-художников в выставках акварели см. Там же, с. 291. 3 Генри Джеймс, «О некоторых недавно выставленных фотографиях», Galaxy , vol. 20 (июль 1875 г.), стр. 91. 4 Миссис Бертон Харрисон, «Некоторые работы« Ассоциированных художников »», Новый ежемесячный журнал Харпера , vol. 69 (июнь – ноябрь 1884 г.), с. 346.
45+ Красивые цитаты акварелью, чтобы вдохновить вас
Акварель — это форма рисования, в которой водорастворимые пигменты разных цветов используются для рисования с помощью кистей.
Акварель популярна среди детей, а также среди художников. Отточить эту технику росписи — долгий и сложный процесс.
Акварельные краски — это цветные пигменты, залитые в тюбики или высушенные и залитые по цветовым палитрам. Они сделаны из пигментов, которые смешиваются со связующим веществом, называемым гуммиарабиком, а затем к нему добавляется вода для нанесения на бумагу. Художники используют акварель по разным причинам: это отличный материал, гибкость прозрачности — преимущество, а также свечение в акварельных картинах.Легендарные художники, такие как Альбрехт Дюрер, Уильям Блейк, Джозеф Мэллорд, Уильям Тернер, Элизабет Мюррей и многие другие, использовали акварель для рисования. Уильям Блейк использовал акварель для написания «Божественной комедии» Данте, которая сейчас является одной из самых известных акварельных картин.
Цитаты из акварели действительно вдохновляют, многие художники разных возрастов говорили об акварельных картинах и иногда сравнивали акварель с другими формами искусства с помощью этих цитат. Вот список цитат для акварельных картин, которые можно даже использовать для надписей на акварельных рисунках в ваших социальных сетях.Цитаты о живописи сейчас в тренде, так что вы можете найти здесь интересные цитаты акварелью.
Если вы ищете другие статьи, связанные с акварельными цитатами, вы можете проверить эти [цитаты Пикассо] и цитаты для детей.
‍
Вдохновляющие цитаты из акварели
Многие художники говорили о техниках акварели и сравнивали их с другими аспектами жизни. Вот список вдохновляющих цитат из акварели для начинающих художников и тех, кто увлечен искусством.
1. «Искусство смывает с души прах повседневной жизни».
— Пабло Пикассо.
2. «Если я могу кому-нибудь посоветовать, так это вот что: займитесь акварельной живописью».
— Чарльз Буковски.
3. «Хорошая акварель занимает всю жизнь — плюс полчаса».
— Тони Онли.
5. «Я всю жизнь рисовал тушью и акварелью на бумаге. Это мой способ пробудить мое воображение, чтобы увидеть то, что я нахожу скрытым в моей голове».
— Морис Сендак.
6. «Я восхищаюсь и удивляюсь качеству линий и прозрачности или свойствам акварели».
— Джерри Пинкни.
7. «Я использую акварель, чтобы озвучить то, о чем я хотел бы поговорить».
— Джерри Пинкни.
8. «Это было отличным испытанием моей способности работать с … акварелью. И это было также испытанием моего терпения; мне нужно было поставить себя в совершенно дисциплинированное положение … Я не мог ошибаться . »
— Лю Дань.
9. «В акварели, если у тебя нет проблем, значит, ты в беде».
— Сельма Блэкберн.
10. «Только один раз за последние тридцать лет я сделал копию, и это была акварель с моей картины маслом, которая сейчас принадлежит Художественной галерее Лейтон в Милуоки, под названием« Слушай! Жаворонок »».
— Уинслоу Гомер.
11. «Акварель — это среда, которая может быть такой же требовательной и темпераментной, как и те, кто предпочитает рисовать ею. Но в то же время это красочная и захватывающая среда, которая также хорошо подходит для описания многих настроений объекта. как у художника, владеющего кистью.«
— Жан Бурман.
12.« Возможно, акварель — это больше искусство, чем акрил или масло, потому что возможность исправить ошибки очень ограничена, так как цвета прозрачные… Солнце, ветер и температура влияют на водно-пигментную бумагу! Все течет, рисую акварелью! »
— Адриана Буггино.
13.« Я люблю акварель отчасти потому, что ошибки видны, и вы не можете многое исправить. Это должно выглядеть легко. Когда дело доходит до конца, это выглядит легко, но чтобы добраться до этого момента, нужно приложить немало усилий.«
— Крис Рашка.
14.« Прозрачность — это эффект, уникальный для акварельной среды, и соблазн, который манит меня в студию для еще одного творческого приключения ».
— Мишель Купер.
15.« Акварель. их труднее контролировать, и очень часто ошибку в цвете или значении исправить нелегко. С другой стороны, с маслами гораздо легче манипулировать. Люди часто спрашивают меня, какой из них я предпочитаю, и ответ — тот, который я использую в данный момент ».
— Гай Корриеро.
16. «Акварель со всеми ее тонкими градациями цвета и оттенков, а также с ее многочисленными приятными сюрпризами — идеальное средство для передачи настроения».
— Рэй Хендершот.
17. «Акварель, вероятно, является наиболее удовлетворительным из всех средств. Хотя вначале это было сложно, после практики ее тайны раскроются, доставляя огромное удовольствие посвященным».
— Роберт Ловетт.
Лучшие цитаты из акварели
Многие художники произнесли ряд цитат, поэтому вот список одной из лучших цитат, которые могут заставить вас глубоко задуматься об искусстве и найти искусство в повседневной рутине.
18. «Акварель — это как жизнь. Лучше сделай это правильно с первого раза — второго шанса не будет!»
— Сергей Бонгарт.
19. «Что мне нравится в акварели, так это то, что случается много счастливых случайностей».
— Джейн Сеймур.
20. «Поскольку акварель действительно движется по бумаге, она является наиболее активным из всех средств, почти перформансом».
— Нита Энгл.
21. «Акварель — это алхимическая среда: краски смешиваются с водой, соединяются с ней, расширяются ею, создавая новую жизнь там, где ее раньше не было.«
— Джозеф Рафаэль.
22.« Она была прозрачной, как акварель. Как будто она вот-вот растворилась в звуке, в еще не созданных тонах ».
— Питер Хёг.
23.« Акварель — первое и последнее, что делает художник ».
— Виллем де Кунинг.
24. «Вот увидите, в будущем я буду жить своей акварелью. «
— Уинслоу Гомер.
25.« Романы подобны картинам, особенно акварели ».
— Джоан Дидион.
26. «Мой отец научил меня рисовать акварелью, когда я был молод, и поэтому в очень молодом возрасте я узнал основные элементы ценности света и композиции».
— Мэтью Модайн.
27. «Я начал с акварели. Что мне нравится в акварели, так это то, что происходит много счастливых случайностей».
— Джейн Сеймур.
28. «Акварель — это плавание в метафизике жизни… зеркало собственного характера. Пусть она будет непредсказуемой и красочной.«
— Неизвестно. *
29.« Акварели в рамке отделены от зрителя стеклом. С картиной на холсте зритель может смотреть и видеть мазки кисти, текстуру и даже прикасаться к картине, если так хочет. Стекло отделяет зрителя от материала… менее приятное визуально… и все же они должны быть защищены ».
— Дениз Безансон.
30.« Когда я смотрю на акварель того же человека, она кажется мне живой, более открытый, чем фотография.«
— Francesco Clemente.
31.« Меня привлекает все, что касается акварели, но, возможно, прежде всего, особенности среды, как правило, бросают вызов моим усилиям контролировать ее… это больше похоже на представление или танец ».
— Джон Халси.
42. «Акварельная живопись известна своей сложностью — очень многое зависит от прямоты и скорости, а также от уверенности в намерении. Неуверенные или неуклюжие прикосновения губительны, потому что их нелегко стереть ».
— Уолтер Дж.Филлипс.
Акварельные цитаты для Tumblr
Tumblr известен своим разнообразным контентом от художников со всего мира и эстетическими картинами, которыми пользователи делятся на сайте. Вот несколько акварельных цитат, которые вы можете использовать для подписей к Tumblr или любой другой платформе социальных сетей, которую вы хотите использовать. Акварельные цитаты не могут быть лучше этих!
33. «Живопись — это еще один способ вести дневник».
— Пабло Пикассо.
34.«После нескольких тысяч акварелей вы обнаружите, что влюбились в бумагу и краски».
— Рекс Брандт.
35. «Это не акварель, это фреска».
— Эрих Сигал.
36. «Для меня акварель — это западная среда, поэтому, когда я чувствую, что использую западную манеру, я буду использовать английский, чтобы подписать свое имя».
— Лю Дань.
37. «Если Лондон — акварель, то Нью-Йорк — картина маслом».
— Питер Шаффер.
38.«Я, как правило, использую акварель — мне нравятся такие вещи, как брызги, которые можно сделать акварелью».
— Mini Grey.
39. «Я провожу много времени, занимаясь акварелью и играю музыку в своей квартире».
— Лола Кирке.
40. «Поначалу мои рисунки были полностью акварельными, но они хотели мягкости и многоцветности».
— Джон Джеймс Одюбон.
41. «Меня не интересует темнота и мрачность. Для меня удовольствие акварели заключается в том, чтобы улавливать свет внутри белой бумаги, окружая ее последовательными смывами прозрачного цвета.«
— Жан Грасторф.
42.« Акварель предлагает нам, как художникам, вдохновенный подход к вековому процессу создания пения картин ».
— Джеффри Дж. Уоткинс.
43.« Рисовать Для успешной акварели нужно знать, как будет выглядеть готовый результат, до того, как на бумагу будет нанесен первый мазок цветущего цвета. «
— Дайан Миддлтон.
44.« Поскольку акварель действительно движется по бумаге, она является наиболее активным из всех средств, почти перформансом.»
— Нита Энгл.
45.» Я лучше проиграю крупно, чем немного выиграю. Я думаю, что жизнь — это картина маслом, а не акварель ».
— Джанет МакТир.
Здесь, в Kidadl, мы тщательно создали множество интересных цитат для всей семьи, чтобы каждый мог им насладиться! Если вам понравились наши предложения по акварельным цитатам, тогда почему бы не взглянуть на эти [цитаты Микеланджело] или [цитаты Анри Матисса], чтобы узнать больше цитат, которыми можно поделиться с коллегами-художниками?
* Вы знаете, откуда взялась эта цитата? Пожалуйста, напишите нам, чтобы сообщить нам по адресу [адрес электронной почты защищен]
‍
Известные китайские художники-акварелисты
Акварель, улица (1957), китайский художник: Си Де Цзинь
Китайский художник акварелью: Си Де Цзинь (1923-1981)
Си Де Цзинь родился в провинции Сычуань, Китай.В 1948 году окончил Художественную академию Ханчжоу по специальности акварель. Он переехал на Тайвань и позже получил премию Чун Шань в 1975 году. Си Де Цзинь преподавал на факультете архитектуры Университета Цмчан и в Национальном педагогическом университете Тайваня. Он ненадолго уехал в Париж на 3 года.
Акварельная живопись, Мирный сад (1997), 96 × 106 см, известного художника Дин Шао Цюаня.
Художник: Дин Шао Куанг (1937-)
Дин Шао Куанг, также известный как Тин Шао Куанг, родился в Шаньси.Он окончил Центральную академию искусств и ремесел в 1962 году. В 1962-1980 годах он преподавал в Академии художеств Юньнани. Его самой известной картиной была большая фреска для Большого Зала Народов под названием «Сишуаньбаньна, место красоты и чудес». Он переехал в США в 1980 году. Его работы широко выставлялись. Одна из его гравюр на дереве: «Свет прав человека», выпущенная ООН по всему миру в 1993 году, «Материнство» в 1994 году и «Религия и мир» в 1995 году. Шесть его картин были изготовлены с марками и собраны в Женеве. (** Еще картины этого художника)
Акварель, сцена Пекина (1954), 46,5 × 36,5 см, художник Ву Гуань Чжун
Автор: У Гуаньчжун (1919-2010)
У Гуаньчжун родился в провинции Цзянсу. Он изучал искусство в Национальной академии искусств в Ханчжоу, затем посещал классы масляной живописи в Национальной школе изящных искусств в Париже, получая государственную стипендию. Он был лектором в Центральной академии изящных искусств в Пекине, университете Цинхуа, Пекинском педагогическом колледже изящных искусств и Центральном институте искусств и ремесел.У Гуанчжоу стал ведущим мастером китайской живописи 20-го века и познакомил своих учеников с западным искусством и абстрактными формами. Он использовал принципы западной живописи, но добавил духовые и тональные вариации чернил, характерные для китайского стиля. В 1992 году выставка «У Гуаньчжун: китайский художник ХХ века» в Британском музее в Лондоне.
Топ-10 величайших художников-акварелистов мира
Акварельная живопись — это древнее искусство, восходящее, по крайней мере, к древнеегипетской цивилизации, где оно использовалось для иллюстрации рукописей, и, возможно, его можно проследить до наскальных рисунков палеолитической Европы.Тем не менее, именно в эпоху Возрождения начинается его непрерывная история как художественной среды, и некоторые из них конкретно датируют начало 1502 годом, когда акварель была инициирована немецким художником Альбрехтом Дюрером. Сегодня акварельное искусство широко ценится, и его произведения считаются одними из самых красивых произведений искусства во всем мире; они чувствительны, могут легко и глубоко прикоснуться к вам и служат хорошей пищей для воображения, жаждущего красоты. В этой теме мы представили вам 10 из величайших художников-акварелистов вместе с некоторыми из их творческих работ.
10 Шахзия Сикандер
Она родилась в 1969 году в Лахоре, Пакистан. Сикандер поступила в Национальный колледж искусств в Лахоре, затем получила степень магистра в области дизайна в Школе дизайна Род-Айленда в 1995 году. Она использует свой традиционный стиль в живописи, который очень дисциплинирован, и специализируется на персидской и индийской миниатюре. произведения искусства. Сикандер удостоена множества наград за свои работы, таких как награда «Почетный художник», присужденная ей Министерством культуры Пакистана.
Произведения Сикандера
9 Дэвид Дж. Роджерс
Дэвид Дж. Роджерс — профессиональный художник-акварелист из Калифорнии, работающий в этой области более 25 лет. Он трудолюбивый художник, так как ежегодно проводил почти 40 фестивалей и шоу по всей Калифорнии. У него есть два личных сайта: DJRogersArt.com и DogPrintsGallery.com. В настоящее время он продает свои произведения искусства онлайн на многих сайтах, таких как Amazon.com, Etsy.com и Ebay.com.
Произведения Роджерса
8 Труонг Ван Нгок
Труонг Ван Нгок — художник и акварелист из Вьетнама.
Произведения Труонг Ван Нгок
7 Ахсан Хабиб
Он художник и акварелист родился в Сайедпуре, Бангладеш, 13 июля 1986 года в университете. Альтернатива развития в Дакке.Он учился на бакалавра искусств в Университете творческих технологий Мариума с 2007 по 2011 год. Ахсан Хабиб специализируется на рисовании пастелью, карандашом, чернилами, акрилом, акварелью и углем. В 2010 году он участвовал в выставке «Насилие против женщины и ВИЧ», а в 2011 году — в выставке творческой дестинации «Санносара». Он также принял участие в международной выставке «Шэньчжэньская акварельная биеннале», Китай, в Художественном музее Шэньчжэня с 10 декабря 2013 года по 10 января 2014 года. С 2011 по 2014 год он участвовал в жюри «Международного общества акварелистов» в качестве мастера акварели. художник.Он работал учителем рисования в Бангладешской академии изящных искусств, Национальной академии королевских искусств, а также в школе и колледже A M.
Произведения Ахсана Хабиба
6 Дорис Йоа
Немецкий художник акварелью и маслом. Она начала свой путь с этого искусства как хобби, а затем превратилась в ее страсть в жизни, пока она не стала профессиональным художником. Фигура и розы — два ее главных любимых предмета. Ее стиль живописи описывается как «Романтический реализм».Она страстно любит рисовать красоту природы. Вы могли чувствовать тени и запах цветов на картинах Дорис Хоа; ее работы полны одновременно природных и волшебных сцен.
Произведения Дорис Хоа
5 Bui Duy Khanh
Художник-акварелист и художник-самоучка из Вьетнама, родился в Хайфоне в 1972 году. Bui Duy Khanh является членом Союза Культура и искусство Хайфона и Вьетнамская ассоциация изящных искусств.Он активный художник, у которого было много выставок, таких как Национальная выставка изящных искусств в Ханое 2010, Художественная выставка «Нет времени» во Вьетнамском национальном музее изящных искусств в Ханое 2011, Художественная выставка «Сегодня и навсегда» в Хайфоне 2012, Художественная выставка «Hong Bang» Хайфон 2013, Художественная выставка «Знакомство» в музее Хайфона 2014, Художественная выставка «Город и река Северный Там» Хайфон 2015, Первая Международная выставка акварельной живописи во Вьетнаме — Ханой 2015, и Художественная выставка «Сегодня» Ханой 2016.
Работы Буй Дуй Кхана
4 Джек Тиа Ки Вун
Он художник-акварелист из Сингапура. В области акварельного искусства Ки Вун известен своей уникальной техникой акриловой среды, благодаря которой цвета в его картинах выглядят очень глубокими. Можно сказать, что его искусство находится под влиянием китайской и японской культур. У него большой талант в использовании как традиционной акварели, так и яркого акрила в своих уникальных произведениях искусства.Его видение состоит в том, чтобы заново изобрести сингапурские пейзажи в своих произведениях; он мог показать реку, улицы и исторические здания Сингапура в новом свежем виде.
Работы Джека Тиа Ки Вуна
3 Сергей Темерев
Сергей Темерев — российский художник-акварелист, который в уникальной технике умел рисовать морские пейзажи и красивые облака. Он настолько искусен в рисовании воды и разбивающихся волн, что «нетронутые глубины и отражения для меня — это проверка моей силы, страсти и отдыха», — это то, что он заявил на своем личном веб-сайте.Помимо больших успехов в области акварельного искусства, он также является доцентом кафедры архитектуры и художественного металла Художественно-промышленной академии.
Работы Сергея
2 Директ Кингнок
Директор Кингнок рассматривал акварельное искусство как творческий инструмент, позволяющий передать красоту всего, что его окружает, в красивые картины. Красивые места и природные пейзажи считаются элементами, из которых он всегда черпал вдохновение.Акварельные картины Direk Kingnok показывают естественную жизнь каждого из нас, или, как он выразился, «обычных людей в общих местах», поэтому его произведение искусства передает простоту и творческий подход.
Образцы работ Директора
1 Томас Шаллер
Он известен как один из выдающихся художников-архитекторов во всем мире. В области акварельного искусства Thomas W Schaller получил почти все крупные награды за свои картины.
No related posts.

alexxlab

Разное

Как часто можно делать клизму грудничку: рекомендации педиатров

Разное

Почему новорожденный не спит ночью: 11 главных причин и способы решения проблемы

Разное

Как успокоить плачущего ребенка: 10 эффективных способов

Разное

Что нужно новорожденному на первое время: полный список необходимых вещей

Разное

Пеленки для новорожденных: виды, размеры и способы использования

Разное

Акварели известных художников цветы. Арт-терапия. акварель.картины известных художников

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Магия балета от Лю Йи

История английской акварели, живопись старых мастеров

Картины акварелью известных художников современности и интересные факты

История и картины акварелью великих художников

Интересные факты об акварельной живописи

Современные украинские художники-акварелисты

Permanent link to this publication:

Publisher:

Permanent link for scientific papers (for citations):

Акварель известных художников. Акварель и акварелисты

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Жаркий полдень Канта Харусаки

Живая вода Дэвида Драммонда

Деревенское утро Кристиана Гранью

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Акварель и акварелисты. — Искусство

Магия акварели | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Иллюстрации

Художник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. Лучшие акварели

Другие материалы из этой категории:

Известных художников-акварелистов — Университетское искусство

АЛЬБРЕХ ДЮРЕР

УИЛЬЯМ БЛЕЙК

J.M.W. ОБОРОТНИК

ТОМАН МОРАН

ДЖЕЙМС МАКНИЛ УИСТЛЕР

WINSLOW HOMER

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ

ПОЛ КЛИ

ГРУЗИЯ O’KEEFFE

ЭДВАРД ХОППЕР

ДЖЕЙМИ УАЙТ

10 самых известных художников-акварелистов

1. Джон Сингер Сарджент

2.Винсент Ван Гог

3. Пауль Клее

4. Леонардо да Винчи

5. Джорджия О’Киф

6. Боб Росс

7.Альбрехт Дюрер

8. Бренда Свенсон

9. Шибасаки

10. Василий Кандинский

** Бонус: Признание знаменитой акварельной живописи

Самые известные художники-акварелисты всех времен

5 влиятельных женщин-акварелистов — американская акварель

МЭРИ КАССАТТ (американка, 1844-1926)

BERTHE MORISOT (французский, Бурж 1841–1895)

ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ (американка, 1887–1986 гг.)

ФИДЕЛИЯ МОСТЫ (американские, 1834-1923 гг.)

КЕЙТ ГРИНАВЭЙ (Великобритания, 1846–1901)

женщин и акварель — журнал Antiques

45+ Красивые цитаты акварелью, чтобы вдохновить вас

Вдохновляющие цитаты из акварели

Лучшие цитаты из акварели

Акварельные цитаты для Tumblr

Известные китайские художники-акварелисты

Китайский художник акварелью: Си Де Цзинь (1923-1981)

Художник: Дин Шао Куанг (1937-)

Автор: У Гуаньчжун (1919-2010)

Топ-10 величайших художников-акварелистов мира

alexxlab

Как часто можно делать клизму грудничку: рекомендации педиатров

Почему новорожденный не спит ночью: 11 главных причин и способы решения проблемы

Как успокоить плачущего ребенка: 10 эффективных способов

Что нужно новорожденному на первое время: полный список необходимых вещей

Пеленки для новорожденных: виды, размеры и способы использования

Детская кроватка для новорожденного: как правильно выбрать

Добавить комментарий Отменить ответ