Рисунок силуэта человека: D1 81 d0 b8 d0 bb d1 83 d1 8d d1 82 d1 87 d0 b5 d0 bb d0 be d0 b2 d0 b5 d0 ba d0 b0: стоковые векторные изображения, иллюстрации
%d1%81%d0%b8%d0%bb%d1%83%d1%8d%d1%82%d1%8b %d1%87%d0%b5%d0%bb%d0%be%d0%b2%d0%b5%d0%ba%d0%b0 PNG, векторы, PSD и пнг для бесплатной загрузки
green environmental protection pattern garbage can be recycled green clean
2000*2000
естественный цвет bb крем цвета
1200*1200
ма дурга лицо индуистский праздник карта
5000*5000
набор векторных иконок реалистичные погоды изолированных на прозрачной ба
800*800
be careful to slip fall warning sign carefully
2500*2775
вектор поп арт иллюстрацией черная женщина шопинг
800*800
ценю хорошо как плоская цвет значок векторная icon замечания
5556*5556
вектор поп арт иллюстрацией черная женщина шопинг
800*800
крем крем вв вв на воздушной подушке иллюстрация
2000*2000
дизайн плаката премьера фильма кино с белым вектором экрана ба
1200*1200
happy singing mai ba sing self indulgence happy singing
2000*2000
витамин b5 пантотеновая кислота вектор витамин золото масло таблетки значок органический витамин золото таблетки значок капсула золотое вещество для красоты косметическая реклама дизайн комплекс с химической формулой иллюстрации
5000*5000
новые facebook покрытия с red lion и черный и синий полигональной ба
5556*5556
break split orange be
2000*2000
bb крем ню макияж косметика косметика
1200*1500
в первоначальном письме вв логотип шаблон векторный дизайн
1200*1200
syafakallah la ba sa thohurun in syaa allah арабская молитва для бесплатного скачивания
2048*2048
bb крем тень вектор
1300*1300
bb кремовый плакат белый макияж косметический На воздушной подушке
3240*4320
Косметический bb Крем Дизайн Плаката косметический Косметика постер Реклама косметики Плакат
3240*4320
номер 83 золотой шрифт
1200*1200
элегантный серебряный золотой bb позже логотип значок символа
1200*1200
в первоначальном письме вв логотип шаблон векторный дизайн
1200*1200
в первоначальном письме вв логотип шаблон
1200*1200
Красивая розовая и безупречная воздушная подушка bb крем косметика постер розовый красивый розовый Нет времени На воздушной
3240*4320
Индикатор заряда батареи Иконка 87
1200*1200
82 летняя годовщина векторный дизайн шаблона иллюстрация
4083*4083
3d модель надувной подушки bb cream
2500*2500
Векторная иллюстрация мультфильм различных овощей на деревянном ба
800*800
в первоначальном письме вв логотипа
1200*1200
asmaul husna 83
2020*2020
в первоначальном письме вв логотип шаблон
1200*1200
have electricity prohibit be careful be
2000*2000
red bb cream cartoon cosmetics
2500*2500
bb крем элемент
1200*1200
82 летняя годовщина логотип дизайн шаблона иллюстрацией вектор
4083*4083
bb логотип письмо дизайн вектор простые и минималистские ключевые слова lan
1202*1202
Асмаул Хана 87
2020*2020
Воздушная подушка cc крем косметика косметика по уходу за кожей плакат пресная Воздушная подушка bb крем cc
3240*4320
asmaul husna 82
2020*2020
черный градиент 3d номер 87
2500*2500
b8 b 8 письма и номер комбинации логотипа в черном и gr
5000*5000
номер 82 золотой шрифт
1200*1200
asmaul husna 81
2020*2020
глюк числа 87 вектор на прозрачном фоне
1200*1200
жидкая подушка крем bb
1200*1200
витамин b5 логотип значок дизайн типы
1200*1200
bb логотип градиент с абстрактной формой
1200*1200
номер 81 3d рендеринг
2000*2000
ba угол звезда голографическая радуга лазерная наклейка
1200*1200
Художественная студия ArtClass.by
Хочется сказать огромное спасибо всей студии, директору, преподавателям, а в особенности преподавателю Лене =) То что для нас, учеников, делает Елена, а это не только отличное преподавание курса, пленэры и мастер-классы, но и выставки! Это очень ценно, круто и вдохновляюще, спасибо Лене и студии в целом =)
Отличные курсы, как для желающих просто развивать в себе творческое начало, так и для людей, ставящих перед собой высокие цели. Чувствуется искренняя заинтересованность преподавателей в прогрессе учеников, ответственность за результат. С их стороны создаются условия для разностороннего развития посещающих студию (не только непосредственно процесс обучения в студии, но и организация различных мероприятий, выходящих за рамки простого прямого преподавания). Подход индивидуальный, зависит от целей и уровня ученика. И просто место с хорошей атмосферой, которую создаёт компания творческих, открытых людей.
Замечательный академический курс рисунка. Огромное спасибо Артему Владимировичу. Хороший натурный фонд. Возможность рисовать с натуры людей. Чай и хорошая музыка. Творческая атмосфера. Был в других студиях — долго не задерживался. Здесь уже год.
Подруга порекомендовала студию, хожу уже второй месяц. Отличные адекватные преподаватели, очень довольна. Уже вижу первые результаты, хотя до этого никогда не рисовала. Приятный бонус — всегда хорошая музыка.
Отличная студия, очень нравится атмосфера филиала Ленина, 9. Прихожу на занятия и сразу же забываю обо всем.
Благодаря студии Artclass поступил в БГУ на дизайн и очень рад. Благодаря многомесячному абонементу сэкономил 28% от стоимости — это 364 byn. Спасибо огромное преподавателю Елене, обучался у нее на Притыцкого 8, всем советую. Очень хороший человек и квалифицированный преподаватель.
Вожу свою дочь на занятия в филиале по адресу Дзержинского 119, ходим уже не первый месяц, очень нравится подход к занятиям, без лишней сухости, и в то же время очень грамотно. Мне очень приятно, что в Минске существует студия с преподавателями, которым можно доверить своих детей. Учитель Мария превзошла все ожедания
Привозим двоих детей на занятия в студию по адресу Быховская, 35. Очень радуют цены и расписание удобное. Устраивает в том чиле то, что можно отучится пропущенные по болезни занятия.
Преподаватель Максим Александрович в филиале Ленина, 9 очень вдохновляет! И мансарда классная, чувствуешь себя как где-то в Париже. Реально забывашься обо всем
Хотел заниматься татуировкой, пытался найти студию где дадут базу, но без лишней теории, чтобы скорее приступить к работе. И не прогадал. В Artclass мой преподаватель дает знания конкретно под человека и его цели.
дизайнерские решения, как выбрать материал
На рынке сейчас представлены различные вариации специальных шторок для ванной. Разнообразие в материале, цвете, фактуре. Это уже не просто советская толстая клеенка или тонкий полиэтилен из 90-х, внешний вид и дизайн современных шторок презентабелен. Разберем, какие шторы для ванной лучше.
Шторка в ванной может не только защищать от брызг, ещё она способна служить стильным элементом декора комнаты
Кратко о шторах для ванной: разновидности, варианты дизайна, примеры
Разновидностей шторок не много, а дизайн исполнения заслуживает отдельного внимания. Посмотрите нашу фотоподборку насколько они не похожи.
Занавеска с рисунком морской тематики
Яркий принт для поднятия настроения
Подходящий вариант для минималистического интерьера
Выделяют два основных вида:
- стационарные;
- подвесные.
Стационарные конструкции выполняются из стекла или пластика. Подвесные из синтетических материалов, натуральных тканей (последние стоят дороже). Но натуральные ткани обрабатываются специальным химическим водоотталкивающим составом. Таким образом вода быстро стечет и высушить их легко, оставив в расправленном состоянии.
Материал шторы – это то, на что нужно обращать внимание в первую очередь. От него зависит срок службы, прочность и внешний вид занавески
Если в запаснике найдете отрез ткани, который отлично подойдет к интерьеру вашей ванной, не спешите. Результат скорее всего не понравится. Ткань нужна специальная, иначе будут проблемы и с внешним видом, и с эксплуатацией (высушить большой кусок ткани в закрытом помещении задача не из легких).
Если же вы всё таки захотите видеть в интерьере ванной занавеску именно из вашего отреза, ткань можно закрыть от брызг защитной шторкой из полиэстера, подвесив её на второй ряд крючков
Описание разновидностей штор для ванной
Остановимся на каждом виде подробнее.
Шторы с магнитами
Многие удивятся, обнаружив магнитные пластины в уже купленном изделии. Не сразу понятно зачем они. Но как только начинаешь пользоваться, то все становится на свои места. По сути это вариант утяжелителя. Шторка не просто хорошо висит, но еще и не остается зазора между ней и ванной. Брызги не попадут на пол даже если в ванной устраивает заплыв ребенок. Чуть ли не каждый отзыв покупателей в сети говорит о том, что шторка для ванной с магнитами супер-вещь.
В нижней части такой шторки расположены магнитики, играющие роль утяжелителей и одновременно фиксаторов
Схема использования: заходите принять душ, задергиваете шторки, слышен брязг, это магниты приклеились к чугунной ванне. Идея проста как все гениальное!
Чтобы на магнитики не попадала вода, они спрятаны в специальных герметичных кармашках
На внешнем виде наличие магнитов не сказывается, они незаметны, так как скрыты в самой ткани.
Такую занавеску можно сделать и самостоятельно, просто вшить 2-3 кусочка магнита (например, от игрушки) в нижнюю часть изделия.
Шторы из полиэстера, качественные характеристики
Это несомненный лидер продаж. Бюджетный аксессуар за счет простоты монтажа и стоимости самого материала. Функциональность аксессуара при этом не страдает — безупречно защищает от брызг и луж на полу.
Занавеска из полиэстера не мнется, держит складку и не промокает
Качество полиэстера, который выбирается для изготовления шторок, в последнее время улучшилось. А невысокая цена позволит менять цветовой облик ванной комнаты так часто, как только этого захочется.
Внешне полиэстеровые шторки выглядят как текстиль, а не клеенка
Кстати, частая смена штор для душа из полиэстера не прихоть, а правила эксплуатации, рекомендуемые производителями. Стирать шторку при активном режиме купания (например, если в доме много людей) нужно раз в две недели, при этом ополаскивая после каждого принятия душа. Если на “подоле” занавески появился мыльный скользкий налет, то это сигнал к тому, чтобы заменить аксессуар. Так как это уже рассадник бактерий и грибков, и вскоре занавеска может стать причиной неприятного запаха в ванной.
При покупке шторки-занавески обратите внимание на присутствие синтетического запаха. В норме его не должно быть, а если есть, то лучше отложите изделие в сторону. Качественный материал не источает резких запахов. Лучше выбирать проверенных производителей, на территории России и стран СНГ хорошо зарекомендовали себя шторы от компании Spirella.
Цветовое решение и орнамент могут быть абсолютно любыми. Подумайте, как будут располагаться занавески в ванной. Если планируете всегда держать в расправленном виде, то для рисунка нет ограничений. Если же удобнее в собранном виде (например, если отсутствует раковина и ванна всегда нужна), то тут гармоничнее однотонный аксессуар или мелкий рисунок.
Если выбираете шторку в тон стенам ванной, то пространство будет казаться шире. Можно сделать наоборот акцент, выбрав занавески, коврик и полотенца в одной цветовой гамме. Второй прием замечательно смотрится в монохромной ванной, и часто используется дизайнерами. Визуально главными героями в такой ванной становятся именно яркие предметы.
Занавеска с вертикальными полосками зрительно приподнимет потолок ванной комнаты
Итак, основные преимущества занавески из полиэстера для ванной:
- штанга и шторка легко монтируется;
- весь уход заключается в своевременной стирке и после принятия ванны или душа необходимо расправить ее до полного высыхания, чтобы не появилась плесень;
- разнообразие расцветок.
Оригинальные принты
Принт на дизайнерских шторах для ванной ограничен только фантазией производителя, выпускаются отдельные серии с оригинальными и прикольными рисунками, например, целующаяся парочка или силуэт человека (тут главное попривыкнуть, потому как первое время скорее всего при входе в ванную пугаться будете).
Любимая и самая ми-ми-мишная тема это, конечно, котики в самых разных стилях.
Котики бывают разные, в том числе и настоящие
Для тех, кто любит пощекотать нервы своим гостям, производители выпускают кровавые шторки, то есть с имитацией кровоподтеков. Тут, конечно, нужно иметь отличное чувство юмора, ну и бабушку в гости лучше не звать (не одобрит!).
Как говорится, “на вкус и цвет товарищей нет”
Для заядлых путешественников можно ввести традицию – приобретать шторы с достопримечательностями страны, где удалось побывать, или куда планируется поехать следующим летом. Своего рода стена желаний, которая будет всегда на виду.
Шторы с 3d рисунком, описание технологии нанесения рисунка
Для занавесок в ванную в формате 3d зачастую выбирается морская тематика, хотя тут, конечно, ограничений никаких нет, и уместны яркие и красивые сюжеты на любую тематику. Интересно смотрятся виниловые шторы с эффектом капелек воды. Выглядит реалистично.
Такие “капельки” не вытрешь насухо
Чтобы фотошторы органично смотрелись, стены должны быть нейтральны в цветовом оформлении, так как слишком много акцентов перегрузят маленькое пространство комнаты.
Фотошторы производят по современным технологиям, и без производственного принтера тут не обойтись. Процесс начинается с работы дизайнера, который создает картинку с трехмерным эффектом, после чего специальное оборудование (лазерная гравировка или тиснение на усмотрение производителя) переносит рисунок на полотно (из винила или полиэстера) и фиксирует.
Современные технологии позволяют переносить на ткань весьма реалистичные изображения
Стирка занавесок независимо от разновидности происходит вручную или в стиральной машинке при температуре 40°С, без отжима. После чего можно сразу повесить на карниз, чтобы не было заломов.
Стеклянные шторы, краткое описание, варианты моделей штор, конструктивные особенности
Стеклянные ширмы — это долговечность и практичность. Для безопасности используется только толстое каленое стекло. Разбить его сложно, но все-таки можно, в этом случае оно разлетится на мелкие неострые осколки.
Стеклянные шторки долговечнее и прочнее мягких занавесок
Стеклянные шторы имеют разнообразные варианты исполнения. Материал “благодарный” и дизайнерам есть, где разгуляться и в плане крепежей, и в оформлении полотна. Популярны стекла с нанесенным рисунком, матовое, цветное. Крепиться такая перегородка тоже может по-разному. В основном тут учитывается планировка помещения. Так, к примеру, если говорить о распашных стеклянных шторах, распахиваться створка может как наружу, так и внутрь (если, к примеру, раковина мешает движению дверцы).
Для открывания распашной шторки необходимо свободное пространство
Это уместно для маленьких ванных комнат, позволяет совместить душевую с ванной. Такая укомплектованность ванны позволит превращать ее при необходимости в полноценную душевую кабину.
В раздвижных моделях одна створка сдвигается вдоль другой по специальным направляющим. Такие шторки не требует свободного места для открывания, поэтому идеально подходят маленьких комнат
Уход за стеклом прост — легко моется, не реагирует на бытовую химию и не повреждается. Но делать это придется часто, так как любая мыльная капелька будет портить вид.
Пластик тут ведет себя хуже – становится тусклым и появляются царапины.
Низкая цена – пожалуй, это единственный критерий, по которому можно рекомендовать пластиковые шторки
В строймаркетах найдутся уже готовые пластиковые ограждения, состоящие из трех створок, двух боковых стоек и двух направляющих для дверей. Слабое место в такой конструкции — соединение боковой стойки и нижней направляющей, отсюда у воды есть шанс проникать наружу.
Совет! При монтаже двух смежных деталей стоит обработать герметиком, после чего стянуть саморезами. После установки душевого ограждения со стороны ванны наносится силиконовый герметик в местах соединения стены и конструкции. Теперь проблемы с протеканием не будет.
Стеклянные и пластиковые шторки по конструкции бывают распашными, раздвижными и гармошкой
Размеры штор: доступные варианты размером, как правильно выбрать штору по размерам ванной
Все в нашей жизни стандартизировано, так и со шторами, в основном встречаются размеры:
- 180х180 см;
- 180х200 см;
- 200х200 см.
Чтобы не ошибиться с размером, посмотрите на обратной стороне упаковки, какой размер отмечен галочкой.
Размер шторы всегда указывается на упаковке
Для нестандартных случаев встречаются и увеличенные размеры — 200х220 см, 200х240 см. Например, если ванна не зажата с трех сторон стенами, и необходимо закрыть не только лицевую сторону, но и боковую, чтобы уберечь технику и розетки от брызг.
Длина занавески может быть до борта ванны, до середины ванны, либо “в пол”
Для сложных случаев планировки и форм ванной можно обратиться в ателье по пошиву штор и заказать индивидуальное решение.
Оригинальные шторы для эксклюзивного интерьера в обычных магазинах не купишь, такие модели придется делать на заказ
Чтобы определиться с размером шторки возьмите рулетку и измерьте ширину от стены до стены или длину поддона душевой. Если карниз для шторки уже присутствует, то добавьте в расчеты высоту. Если карниза нет, то повесите его, ориентируясь на размер шторки. К первому значению добавьте минимум 20 см и получите необходимый размер шторки.
Примеры уникальных дизайнерских решений, фото красивых штор
Занавеска в ванной это самый заметный элемент, определяющий весь стиль помещения. И здесь большой выбор принта и моделей. Встречаются даже многоярусные пышные занавески.
Интересно смотрятся кружевные модели. На вид ткань выглядит как настоящее кружево, но тем не менее пропитка позволяет отлично справляться изделию с основной задачей. Подойдет для душевой в комнате девушки.
Кружевной интерьер во французском стиле
Для мальчиков тоже много предложений в выборе рисунка.
Посмотрите на занавески в ванную комнату (фото ниже), где оттенки настолько удачно перекликаются с цветочным орнаментом на кафеле.
Удачное сочетание шторки с кафельной плиткой
На этом фото ванная и занавеска составляют единую композицию, и добавляют комнате некую будуарность.
Белая шторка здесь закреплена на овальном карнизе, повторяющем форму ванны
В преддверие Рождества и Нового года появляются шторы для ванной с праздничными принтами, которые могут стать отличным подарком.
Такую шторку можно повесить перед Новым годом
Занавески из смесовых тканей выглядят благородно и добавят статусности помещению. Но и стоить будут немало. Обычно они идут двойные, то есть лицевая сторона выполнена из ткани, а внутренняя сторона из полиэстера. Такой двухслойный вариант исполнения штор обеспечивает защиту от воды.
Подобрать занавески для ванной и душа среди имеющегося разнообразия сейчас не такая сложная задача, главное определиться с бюджетом.
Видео: Шторы для ванной комнаты
Фото-идеи дизайна штор для ванной
ПредыдущаяШторыКак погладить шторы не снимая, без утюга
СледующаяШторыПортьера: что это такое, ткань для штор в гостиную
Зодчество: 16 истин
Фестиваль «Зодчество», куратором которого в этом году стал главный архитектор Калуги Алексей Комов, пройдет под темой «Истина». Искать эту самую истину архитекторы-участники будут в городе, космосе, Арктике, науке, памяти, свободе, любви, равновесии, слове, форме, а также во всем живом и в самих себе.
Всего в рамках фестиваля запланировано 16 спецпроектов. Расскажем немного о каждом из них.
Истина в Памяти
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Экспозиция «Южный берег Крыма: вспомнить будущее» предлагает к рассмотрению нереализованные, оставшиеся в чертежах проекты, в которых сохраняется память о прозрениях, оказавшихся чересчур дерзкими для воплощения в конкретный исторический период. Здесь будут представлены три проекта, сотворенные великими зодчими для ЮБК: комплекс императорского дворца в Ореанде работы Карла-Фридриха Шинкеля (1839 г.), план послевоенного восстановления Ялты, созданный в 1945 году Андреем Буровым, и эскиз города-сада Голубой залив, подготовленный в 1974 году Анатолием Полянским.
Куратор: искусствовед Андрей Карагодин
Концепция: художник Алексей Беляев-Гинтовт
Истина в Свободе
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Благодаря экспозиции «Русская дача: место силы и свободы» посетители смогут погрузиться в атмосферу свободы и уединения. Созданная из состаренного дерева и фрагментов загородных домов застройка стенда имитирует дачную архитектуру: дощатый пол, стена из «вагонки», окно веранды. На закрытом клеенкой столе – ароматные яблоки, а на стенах – ностальгические фотографии старых подмосковных дач, выполненные фотографом Федором Савинцевым.
Куратор: искусствовед Евгения Микулина
Дизайн: архитектор Николай Лызлов
Истина в Равновесии
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
В прошлом учебном году студенты Института бизнеса и дизайна разработали несколько разномасштабных концепций по благоустройству Ржева, реконструкции значимых объектов и созданию новых. Обобщает все эти точечные вмешательства научно-исследовательская работа по комплексному формированию городской среды Ржева на основе закономерностей развития динамического моделирования. Этот суммирующий проект даёт ощущение будущего, пока еще зыбкого, как равновесие весов, на чашу которых поставлены проект и реализация, архитектор и заказчик, педагог и студент, администрация города и его население.
Экспозиция представляет собой полупрозрачную скульптуру – мобиль, балансирующий в среде перспективного генплана города, который графически решен как космическое пространство созвездия Весов.
Куратор: архитектор Влад Савинкин
Экспозиция: Институт бизнеса и дизайна
Истина в Науке
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Экспозиция посвящена исследованию терапевтических свойств архитектуры и дизайна. Здесь можно будет увидеть реализованные проекты, которые уместно рассматривать в контексте арт-терапии, и пообщаться на стыке разных наук и сфер деятельности профессиональным архитекторам, психологам, ландшафтным дизайнерам, арт-терапевтам, педагогам и другим специалистам.
Кураторы: художник Игорь Бурганов, руководитель архитектурно-проектного бюро «ЭЛИС» Николай Лютомский
Истина в Севере
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Проектно-исследовательская команда «Арктикаметрия» будет искать на «Зодчестве» истину в Арктике. Цель – продемонстрировать неразрывную связь между развитием Арктики и судьбами людей, которые ее открывали. Здесь расскажут о ключевых событиях развития севера, а также покажут реальную жизнь северян сегодня – какие «народные» приспособления используются для проживания в суровых условиях, какие подходы к проектированию применяются для создания комфортной городской среды в северных городах.
Кураторы: архитекторы Елизавета Сорокина, Елена Хмара, Виктория Богинская
Дизайн: Елизавета Сорокина
Истина в Форме
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Проект «Ленинградский модернизм (и постмодернизм). Взгляд из XXI века» представит фотографии знаковых объектов советской архитектуры, в число которых входят СКК «Петербургский», Морской вокзал, Российская национальная библиотека и др. Участниками станут 20 российских архитектурных фотографов: Юрий Пальмин, Владимир Антощенков, Александр Антипин, Алексей Боголепов, Алиса Гиль, Григорий Соколинский, Родион Атаулин, Дмитрий Цыренщиков, Алексей Коженков, Илья Смагин, Иван Черных, Егор Рогалёв, Дмитрий Яговкин, Камилла Ханапова, Александр Дымников, Александр Лаврентьев, Андрей Стрельников, Александр Теребенин, Арсений Котов и Дмитрий Чебаненко.
Куратор: искусствовед Владимир Фролов
Графический дизайн выставки: Лена Бовичева
Истина в Живом
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
В центре проекта – взаимоотношения и совместное существование человека и лошади раньше (когда лошадь использовалась в качестве основного средства передвижения и тягловой силы) и сейчас (когда лошади нашлось место и в городе, но теперь уже в качестве равноправного партнера в досуге, спорте, тактильной коммуникации). Экспозиция будет представлена плоскостными инсталляциями, послойно раскрывающими тему.
Кураторы: архитекторы Андрей Савин и Марьяна Давыдова
Истина в Машине
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Идеалы индустриальной цивилизации – стандартизация и управляемость.
Если мы нажимаем кнопку, получаем предсказуемый результат. Иррационализму здесь места нет. Возможно ли избавиться от этого? Будут ли города будущего типовыми, рациональными и сверхэкономичными? Некоторые элементы такого подхода в градостроительстве человечество уже реализует. Как далеко мы в этом направлении уйдем?
Куратор: архитектор Андрей Савин
Истина в Космосе
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Этот спецпроект представит концепции внеземных поселений с возможностью автономного существования человека – на Луне и Марсе. Создание и обустройство космических жилых пространств – популярная и, можно сказать, уже актуальная тема. Посетители экспозиции познакомятся с решениями, которые предлагают российские и американские архитекторы.
Кураторы: Наталья Абакумова, директор Государственного музея истории космонавтики им. К.Э.Циолковского, Ольга Баннова, профессор Международного центра космической архитектуры Сасакава (SICSA), Университет Хьюстон, США
Истина в Городе
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Архитекторам предложено создать графический образ идеального города, в котором они хотели бы жить сами. Техногенная цивилизация, отрицающая символическую память, приводит к разрушению города как исторического организма. Но центры великих исторических городов – Санкт-Петербурга и Москвы, Рима и Венеции и многих других желанных мест обитания и паломничества туристов – по-прежнему несут в себе образ идеального города.Что же это за образ? В истории культуры есть два символических города – Небесный Иерусалим и Вавилон. Первый ассоциируется с традиционными историческими городами, второй – с техногенным сверхвысотным строительством. Первый – прекрасен, идеален и веками вдохновлял архитекторов на создание великих произведений. Поэтому расширенное задание проекта состоит в том, чтобы воплотить архитектуру Небесного града. Небесный град понимается не только как Небесный Иерусалим, но и в контексте 60-летия полета Гагарина в космос и в перспективе освоения космического пространства, которое нас точно ждет в ближайшие десятилетия.
Участники: архитекторы Михаил Филиппов, Максим Атаянц, Степан Липгарт, Артем Никифоров
Куратор: Лариса Копылова, архитектурный критик
Истина в Любви
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Выставка-размышление носит название «Вселенная Кузьмин» и приурочена к 70-летнему юбилею Александра Викторовича Кузьмина, главного архитектора Москвы с 1996 по 2012 годы. Архитектор ушел из жизни в 68 лет, однако сумел достичь реального долголетия благодаря своим проектам, книгам, рисункам, многочисленным интервью, памяти людей, знавших и любивших его. Есть надежда, что эта любовь способна преодолеть время, а значит продолжить жизнь. И в этом истина.
Участники: Михаил Петров, Анна Акимова, Алексей Воронцов, Светлана Лоханина, Валентина Землянская, Елена Семина, Татьяна Жукова, Ирина Некрасова, Ольга Полонская
Кураторы: декоратор Мария Нарышкина, советник президента РААСН Наталия Климова
Истина в Себе
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
По мере погружения в бездну Метавселенной, создаваемой и изменяемой по воле человека ежесекундно в бесконечном движении к ее познанию, все сложнее становится отделить физический мир от нематериального, а значит осознание Истины переходит от постулата «Истина вовне» к признанию человека центром мироздания, главным смыслом существования которого является коллективное создание среды обитания на сверх уровне сознания, то есть к установлению постулата ответственности каждого жителя Метавселенной, как Архитектора Нового мира.
Куратор: архитектор Станислав Кулиш
Истина в Слове
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Экспозиция посвящена Тарусе – городу, вдохновившему на создание произведений многих писателей и поэтов. У архитектора, академика Ивана Жолтовского высшей оценкой архитектурному пространству была фраза: «Поэтично!». Поэтика этого города – лейтмотив спецпроекта «Истина в слове». Внутри спецпроекта будет выстроена башня, посвященная поэту Николаю Заболоцкому, чья творческая жизнь неразрывно связана с Тарусой.
Куратор: архитектор Петр Попов
Истина в Обитании
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Группа учёных на протяжении короткометражного фильма, снятого в жанре мокьюментари, ищет причину всеобщей урбанистической ипохондрии. В шутливо-трагичной манере показан процесс возвращения утраченной истины жизни в городе. На основе предшествующей серии исследований составляется анамнез пространства, жителей, архитектора. Научные выводы подкрепляют интервью горожан (пациентов), потерявших Дом. Выжившие делятся опытом взаимодействия с пространством. Какой диагноз в итоге получит город?
Участники: Анна Базина, Марина Курсова, Елена Малахова, Алсу Махмудова, Дарья Пожидаева, Екатерина Сапунова, Ярослав Таразанов, Данил Титов, Анастасия Яшкина.
Кураторы: Сергей Малахов, архитектор, зав. кафедрой инновационного проектирования СамГТУ, доктор архитектуры, профессор; Евгения Репина, архитектор, профессор кафедры инновационного проектирования СамГТУ
Истина в Призвании
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Призвание архитектора – в готовности приносить пользу другим, чувствуя себя реализованным. Это личный персональный смысл жизни зодчего, преобразованный в практическую цель, как предназначение. В спецпроекте «Истина в Призвании» представлен арт-объект «Алтарь архитектурной правды» в виде увеличенной в 10 раз контурной модели премии фестиваля «Зодчество» Дедал, символа архитектурного признания.
Куратор: архитектор Алексей Комов
Истина в Юности
Предоставлено пресс-службой фестиваля «Зодчество»
Экспозиция представит современную архитектуру России и ее перспективы глазами молодых архитекторов из разных уголков нашей страны. Участники проекта – молодежные секции САР, студенческие объединения, инициативные команды и даже школьники.
Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России
***Помимо перечисленного, посетителей ждет насыщенная деловая программа. Ознакомиться с расписанием мероприятий можно здесь. И не забудьте заранее зарегистрироваться на сайте и ознакомиться с правилами посещения.
6 самых необычных музеев мира
Современного человека трудно удивить нетрадиционным подходом к искусству. Многие, вроде бы, уже привыкли к композициям, созданным из бытового мусора или картинам, состоящим целиком из… обычных белых носков. Ан нет, в мире ещё много того, что заставит ваши зрачки изумлённо расшириться. Готовы удивляться? Тогда вперёд — навстречу путешествию (да, виртуальному… Но разве это плохо?) по самым необычным музеям мира:
1. Музей лапши быстрого приготовления Момофуку Андо (Япония, Осака)
Здание музея, посвящённого лапше быстрого приготовления, имеет вид туннеля, к стенам которого крепятся сотни упаковок этого нехитрого блюда (в общей сложности их около 800). Также в музее представлены макаронные изделия со всего света. Макароны имеют разную форму, разный состав и готовятся тоже по-разному — любители этих мучных изделий точно оценят приглашение в такой музей!
2. Музей разводов (Хорватия, Загреб)
Каждая вещь в экспозиции этого музея принадлежит человеку, пережившему развод. За вполне обычной деталью гардероба тарелкой или топором скрыта, как правило, целая история (забавная или не очень) о том, как чувства со временем изжили себя. Число экспонатов время от времени пополняется.
3. Музей смерти (Лос-Анджелес, Калифорния)
Примечательно то, что по этому музею не проводятся экскурсии. Его суть состоит именно в самостоятельном осмотре экспозиции каждым посетителем. Документы о вскрытиях, видеоматериалы с мест убийств и даже голова серийного убийцы из Франции — Синей Бороды — всё это можно увидеть здесь. Посещение такого музея может прояснить для вас те или иные события, связанные со смертью. А может быть, и изменить отношение к этому явлению.
4. Музей «Кошкин Дом» (Нидерланды, Амстердам)
Любители кошек, добро пожаловать! Здесь собрано множество картин, рисунков, статуэток, посуды и прочих милых мелочей с изображением усатых-полосатых, либо посвящённых им. Как только вы переступите порог музея, ощутите на себе доброжелательные (а иногда, честно говоря, и не очень…) взгляды сотен Барсиков, Пушков и Мурок. И даже погладите их. А заодно и узнаете о значении кошек в жизни человека (спойлер — нет, их значение в нашей жизни не ограничивается умением снимать боль, ложась на больное место).
5. Музей британских газонокосилок (Саутпорт, Великобритания)
Да-да, в этом музее — сплошные газонокосилки и ничего, кроме них. Присутствуют даже те модели, которым более двухсот лет. Интересный факт: посетителям разрешают приводить в действие некоторые из газонокосилок. Особой популярностью пользуются те, которыми косили траву члены королевской семьи.
6. Музей отвратительной еды (Швеция, Мальмё)
Если вы давно собираетесь сесть на диету, но каждый раз откладываете столь решительный шаг на завтра, посетите этот музей (или хотя бы откройте фото его экспонатов) — аппетит тут же помашет вам ручкой. Здесь представлено около сотни противных, мерзко пахнущих и невкусно выглядящих продуктов. Среди них сыр с личинками, канадское пиво со вкусом зубной пасты и много-много другой гадости, которая, вроде, съедобна, но в действительности для того, чтобы сие попробовать, нужно обладать огромным мужеством. Самые отчаянные искатели приключений могут даже продегустировать блюда из коллекции музея. А вы отважитесь?
«Крыша степи». Какие открытия ждут туристов в горах Сарыарки
Мы продолжаем рассказывать о неизведанных локациях, которые заслуживают внимания туристов. В прошлый раз мы говорили о селе Егиндыбулак в Карагандинской области, привлекающем своими природными красотами. В этот раз в материале Tengritravel.kz и Aviata.kz мы расскажем о селе Шабанбай би и горе Аксоран — самой высокой точке Сарыарки.
В Карагандинской области есть крохотное село с населением меньше тысячи человек. Здесь находится наивысшая точка Сарыарки (так называемого казахского мелкосопочника). Именно с нее открывается великолепная панорама с идеальной видимостью на сотню километров вокруг. А при хорошей погоде можно увидеть и силуэт знаменитого Бектау-Ата — вулканического массива, что находится в 120 километрах, на территории Северного Прибалхашья.
«Сокровище, о котором мы не знали». Чем туристов привлекает Егиндыбулак
Речь идет о горе Аксоран высотой 1 565 метров. Несмотря на относительно небольшую высоту, благодаря своему расположению среди равнины этот горный массив еще называют «Крышей степей». О том, как появилось это название, рассказал президент историко-географического общества «Авалон» Виталий Шуптар.
«Если Памир или Тибет принято называть «Крышей мира», то Аксоран вполне заслуживает звания «Крыша степей», — сказал поднимавшийся вместе с нами на Аксоран немец по имени Михаэль. В этот момент мы находились в метрах ста от вершины. Его сравнение мне понравилось и показалось весьма метким.
Потом я много раз использовал это выражение в качестве эпитета в газетных и журнальных статьях, и оно «прижилось», стало вторым названием этой горной вершины (а иногда и всего оазиса). Сейчас его употребляют в своих путевых заметках как казахстанские, так уже и зарубежные путешественники», — поделился Виталий.
Непосредственно для подъема на вершину Аксоран необходимо подняться всего-то на 600 метров, но путь не самый простой, и на полное восхождение туда-обратно уйдет от шести до восьми часов.
«Технически подъем несложен. Больше изматывают колючие кусты, через которые приходится периодически пробираться. В то же время тропы на вершину из урочищ Торкора и Шабан размечены: на деревьях краской нанесены маркировки, плюс установлены каменные туры», — рассказывает Виталий Шуптар, который вместе с единомышленниками приложил немало усилий для занесения этой местности на карты Google.
Гора Аксоран — это древний потухший вулкан, состоящий в основном из осадочных и магматических пород. Весь горный массив — часть Кызыларайского государственного природного заказника. Так что прогулка в этих местах — это живописный поход среди соснового леса, где можно встретить лосей, кабанов. Также здесь обитают крайне редкие краснокнижные животные Казахстана:
птицы — черный аист, беркут, филин;
млекопитающие — казахстанский архар, а также хищные рысь и манул.
Эти кошачьи крайне осторожны и стараются держаться от человека поодаль, но у них острые зубы и цепкие когти. Имейте это в виду.
Что же касается казахстанского архара, или, как его еще называют, «горного барана», то он занесен еще и в Красный список Международного союза охраны природы как редкий вид, находящийся в состоянии, близком к уязвимому положению.
Вся территория горного массива Кызыларай достаточно большая, примерно 15 на 25 километров.
«Стихия когтями расцарапала землю»: Какие загадки скрывают горы Коныркызылтау
Интересный факт.
Местные сосновые леса, растущие на гранитных скалах, представляют интерес для ученых как самое южное место произрастания сосны в Центрально-Казахстанской экосистеме, граничащее с пустынными просторами.
Природный заказник организовали в 1986 году и утвердили постановлением правительства РК в 2005 году бессрочно.
Здесь также можно прикоснуться к историческому наследию, восходящему к бронзовому веку. Вообще, Актогайский район стал широко известен всему миру, после того как в середине прошлого столетия академик Алькей Маргулан изучил исторический памятник эпохи бронзы — уникальные гранитные гробницы Бегазы.
Бегазинская пирамида: где увидеть 3000 лет истории Казахстана в одном месте
Помимо гробниц, здесь можно наткнуться на каменные изваяния в виде человеческих фигур тюркского периода.
Стоит отметить, что эта местность также является частью Великого шелкового пути, который проходил вдоль местной реки Токыраун.
Интересный факт.
В этом районе родился выдающийся политический деятель, руководитель движения «Алаш» — Алихан Бокейханов.
Здесь создавалась история казахов: пещера легендарного Кейки батыра в Улытау
Помимо прочего, здесь можно встретить наскальные рисунки бронзового и раннего железного века близ гор Желтау и интересное природное образование — пещеру Аулие.
«В эту пещеру ведет небольшой подъем в сторону от тропы, идущей к поляне в урочище Аулие. Пещера — это, конечно, громко сказано. Это, скорее, грот, небольшой, но довольно своеобразной формы. Очевидно, именно поэтому пещера и обрела славу места, куда приходят те, кто не может иметь детей, дабы эту ситуацию изменить. Это все влияние древних культов плодородия, что в Казахстане много где встречается», — рассказывает Виталий Шуптар.
Зачем сюда приезжают иностранцы?
Ну и под конец нельзя не упомянуть про село Шабанбай би. Названо оно в честь известного казахского бия — Шабанбая Калкаманулы. Село расположено у самого подножия горы Аксоран. Это место, где развивается экотуризм, основанный на местных сообществах. В домах жителей села Шабанбай би туристам предлагают проживание. Но самое интересное — это возможность познакомиться с простым сельским бытом, отведать блюда казахской национальной кухни: бешбармак, куырдак, плов.
«Впервые я попал в Кызыларай во время велосипедной экспедиции «Бронзовое кольцо Сарыарки» в августе 2008 года. А месяцем позднее я начал работать в проекте по развитию экологического туризма. В ответ на наше предложение работать с туристами жители Шабанбай би в него активно включились. С тех пор я бывал в Кызыларае очень часто.
Поразила хлебосольность жителей села. Конечно, гостеприимством у нас в Казахстане никого не удивишь, но здесь я себя сразу почувствовал максимально комфортно. Ну а уже когда начали не только в этих краях отдыхать, но и работать, то приятно удивила и инициативность властей и жителей Шабанбай би», — вспоминает президент историко-географического общества «Авалон» Виталий Шуптар.
«Изначально мы это направление пытались развивать и раскручивать для иностранных туристов. Но последние пару лет сюда стали ездить и казахстанцы. Конечно, это не совсем типичный для наших соотечественников отдых, потому как здесь нет водоемов, а нашим людям зачастую этот момент принципиален.
Но для тех, кому интересны нетронутая природа, горные прогулки, сельская жизнь, казахская кухня и весьма наглядно представленная история, — это просто находка. Местные жители по-прежнему работают с туристами. И в любом из гостевых домов можно отведать все что угодно. Как по мне, здесь самый вкусный бешбармак в Казахстане», — уверяет он.
«Гостевых домов в Шабанбай би сейчас несколько (количество хозяйств, работающих с туристами, варьируется в разные сезоны от одного до семи). Хозяева некоторых могут помочь вам в том, чтобы посмотреть окрестности, сходить в горы, покататься на лошадях. А зимой можно еще и на санях. В общем-то, этим туристский сервис и ограничивается. Но приехать сюда однозначно стоит», — подытожил Виталий Шуптар.
Что же, добраться до этих мест можно на автобусе от поселка Актогай до села Шабанбай би. Путь до подножия горы Аксоран — около 300 километров от Караганды. Можно и на своем авто, но имейте в виду, что дорога туда проложена не лучшего качества.
Фото предоставлены Виталием Шуптаром
Авиата напоминает, что путешествия — это еще и ответственность. Давайте относиться к природе бережно, чтобы нашим детям было что изучать, а нам — куда возвращаться завтра.
В наших руках то, какой природа будет «после». Поддержать инициативу можно, выкладывая фото и видео с ваших «осознанных» путешествий с хештегом Авиаты #jasylbolsyn
Предмет ИЗО, силуэтное рисование
Предмет ИЗО тема: «Силуэтное рисование»
МБОУ СОШ № 1 имени А.В. Суворова
Учитель ИЗО Сидякина М.Д.
Что такое силуэтный рисунок?
- Силуэт в изобразительном искусстве — это графическая техника, плоскостное однотонное изображение фигур и предметов, т.е. внешнее очертание чего-либо. Силуэты рисуются (тушью на светлом фоне или белилами на тёмном) либо вырезаются из бумаги.
Откуда произошло слово силуэт?
- Силуэт – это фамилия француза. Звали его Эжен де Силуэт. Он был маркизом и министром финансов Франции. Силуэт был знатен и богат, но мало кто любил его. И вот однажды ранним утром вышла газета с его портретом. Художник изобразил его голову в профиль в виде тени. У министра и так-то был длинный нос, но художник решил пошутить и нарисовал его еще длиннее. Люди, покупавшие газеты, его легко узнавали и весело смеялись, тыкая пальцем в газету.
- Силуэтные изображения стали входить в моду. Заказать портрет живописцу было очень дорого, а иметь свой собственный портрет за меньшую цену хотели многое. Такими портретами украшали стены комнаты, кабинетов, шкатулки, ювелирные украшения.
Живопись и силуэт
- Живопись – это искусство изображать действительность красками. Вечернее и ночное время суток для художника излюбленная тема. Подмечено, что все предметы, фигуры, образы становятся плоскими и одноцветными на ярком цветном фоне. Этот прием в изобразительном искусстве получил название «смешанная техника». На живописном полотне фона появился графический рисунок – силуэт. И теперь мы под силуэтным рисованием понимаем яркий фон и темный контурный рисунок.
Силуэтное рисование
- Силуэтный рисунок – отображает темы: «закат», «рассвет», «лунная ночь» и т.п. В общем и целом – это предметный мир на фоне яркого потока света.
Отображение реального мира в силуэтном рисунке
Отображение вымышленного мира в силуэтном рисунке
Последовательность выполнения практической работы на тему: «Силуэтный рисунок, акварельная техника»
Совет: для изображения силуэтов можно пользоваться шаблонами или трафаретами.
Вывод: для создания картин, в технике силуэтного рисунка, самое главное не боятся экспериментировать!
Творите, создавайте, фантазируйте!
И пусть у Вас всё получится!
Силуэт | рисунок | Britannica
Silhouette , изображение или дизайн в одном оттенке и тоне, чаще всего это популярные профильные портреты 18 и 19 веков, выполненные черным на белом или наоборот. Силуэт — это также любой контур или резкая тень объекта. Это слово сатирически произошло от имени скупого министра финансов Франции середины 18 века Этьена де Силуэта, чьим хобби было вырезание портретов с бумажными тенями (фраза à la Silhouette стала означать «по дешевке»).
Коллекционирование силуэтов получило широкое распространение, особенно среди мировых знаменитостей, примером чему может служить коллекция Гете. Ведущие художники-силуэтеры второй половины 18-го и начала 19-го века, золотого века искусства, включали Фрэнсиса Торонда, А. Чарльза, Джона Майерса, К. Розенбурга, миссис Браун, Огюста Эдуарта, Т. Гамлета, и г-жа Битэм (, урожденная Изабелла Робинсон).
Британская викторина
Викторианская Англия: искусство, литература и жизнь
Какой детский писатель и математик написал «Приключения Алисы в стране чудес»? Какой иск о клевете привел к одному из самых громких судебных процессов в истории искусства? Проверьте свои знания.Пройдите викторину.
Развитие силуэтов связано с рисованием контуров и тенями. Вероятно, происходящее из пещерных фресок народов каменного века, особенно во Франции и Испании, реалистичное изображение, по-видимому, было сначала достигнуто путем прорисовки контура тени объекта, которая обычно была заполнена плоским цветом. Изображение профиля продолжилось в более развитых изображениях гробниц, рельефных скульптур и керамических украшений древних египтян, месопотамцев, минойцев, греков и этрусков.Древнегреческие и римские художники разработали методы рисования контура тени человека, отбрасываемой солнечным светом, а также при свечах или свете лампы. Последние две техники получили распространение в Европе 17 века. Эти теневые портреты были написаны на различных материалах (гипсе, воске, пергаменте и бумаге) и часто были тщательно закреплены и обрамлены.
Начиная с эпохи Возрождения, были изобретены различные механические устройства, такие как физионотрас, которые использовались для облегчения правильного рисования контуров.Когда бумага стала общедоступной, теневые портреты и сцены часто вырезались, часто от руки, прямо из натуры. Раскрашенный «абажур» и вырезанный из бумаги силуэт были очень модными в Европе и Америке 18-го века в качестве личных сувениров. После развития дагерротипа и фотографии в середине XIX века теневые изображения и силуэты стали типом народного искусства, которое в основном исполнялось странствующими художниками на улицах, в кафе и на ярмарках. Иногда профессиональные карикатуристы, такие как англичанин Фил Мэй, продолжали использовать стиль рисованной тени; но основные принципы силуэтного искусства должны были в основном сохраняться в мультфильмах 20-го века Уолта Диснея и Лотте Рейнигер, а также в плакатном искусстве.На рубеже 21-го века американская художница Кара Уокер возродила силуэт, оказав сильнейшее влияние в своей работе о расе и гендерных отношениях.
Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчасБум ультраортодоксального еврейского искусства
Когда Шошана Голин-Кан почти 30 лет назад решила поступить в художественную школу, она сделала то, что делают многие ортодоксальные евреи, столкнувшись с серьезным решением: она позвонила своему раввину. Он сказал ей, что единственным ограничением, с которым она столкнется, будет то, что она не должна рисовать живых обнаженных мужских моделей, потому что раввин считал, что это будет нескромно для одинокой женщины.
Выросшая в большой православной общине в Монси, штат Нью-Йорк, Голин-Кан, 53 года, почувствовала себя аномалией, когда решила заниматься изобразительным искусством профессионально; члены сообщества искоса посмотрели на нее. «Это было похоже на то, что искусство было слишком материалистичным, как будто я был слишком озабочен изображением окружающего меня мира, того, что он чувствовал, цветов и текстур», — сказала она мне через Zoom. «Людям казалось, что это не из [религиозных], как будто это было слишком глобальным».
Ортодоксальная еврейская община придерживается раввинского толкования Торы и ее заповедей, уделяя особое внимание месоры , или передаче традиций, а во многих харедимских (ультраортодоксальных) общинах — даас Тора , неоспоримый авторитет раввинского истеблишмента.Таким образом, православное искусство в некотором роде парадоксально. Искусство может требовать определенного уровня трансгрессии, и в консервативных культурах, где социальное соответствие является обязательным, а вопросы о зондировании редко допускаются, искусство обычно является формой декора, а не формой комментария.
Например, в магазинах иудаики в Монси и Бруклине вы обнаружите, что классическое православное искусство единообразно — раввины, танцы хасидов, пейзажи Иерусалима, Западные стены, свитки Торы, скрипки. Женщин изображают редко.Это искусство стремится выполнить изречение пророка Исаии: «И глаза ваши увидят учителей ваших». Ортодоксальная культура обычно не рассматривает художников как мыслителей — идеи, как правило, передаются через уроки Торы, через интенсивное изучение для мужчин, через сообщения в WhatsApp и аудиолекции о религиозном праве и духовном самосовершенствовании. Большинство людей, которые пытаются создавать вольнодумное искусство, в конечном итоге покидают православное сообщество в поисках пространства за его пределами — своего рода борьба, воплощенная в романе Хаима Потока 1972 года « Меня зовут Ашер Лев ».Ортодоксальный еврей, распространяющий нонконформистское послание с помощью кисти или резца скульптора, — это необычно.
Однако в последние годы наблюдается рост числа художников, которые, как Голин-Кан, пытаются создавать нонконформистские произведения искусства, оставаясь при этом наблюдательными и оставаясь в рамках своего сообщества. Новое поколение американских ортодоксальных евреев, которое познакомилось с остальным миром через Интернет, находит способы творить, задавать вопросы и говорить правду, твердо укоренившись в религиозной практике.«Существует большая группа поддержки онлайн-сообщества [ из художников]», — сказала мне по телефону Шифра Шейнман-Кроуфорд, хасидская художница из Монси. Шейнман-Кроуфорд пишет классические портреты, но некоторые из них представляют собой автопортреты, поразительные изображения самой себя в традиционном головном платке, с широко открытыми и пронзительными глазами — редкость в консервативном сообществе, которое все еще испытывает дискомфорт из-за видимости женщин. «Instagram — это место, где мы делимся своей работой».
Шифра Шейнман-Кроуфорд пишет классические портреты, но некоторые из них являются автопортретами, яркими образами самой себя в традиционном головном платке — редкость в консервативном сообществе, которое до сих пор не чувствует себя комфортно из-за видимости женщин.Слева направо: «Материнство в Краун-Хайтс» и «Автопортрет в дни до свадьбы» (Шифра Шейнман-Кроуфорд)
Эти художники осторожно находят способы донести свои идеи, несмотря на препятствия, которые ставят перед ними как их собственные сообщества, так и искусство. промышленность. Голин-Кан вспомнила одно из своих интервью для Нью-Йоркской академии искусств, во время которого профессор сказал ей, что она должна выбирать между религиозностью и становлением художницей. «Он говорил, что искусство должно быть в основном вашей религией», — сказала она.Тоби Кан, художник, выросший в немецкой православной общине в Вашингтон-Хайтс, в Нью-Йорке, также засвидетельствовал противоречие между искусством и религией. «Людям в мире искусства не нравится религиозность людей, потому что у них есть предвзятое мнение», — сказал он мне. «Оба сообщества нервничают по поводу друг друга; это улица с двусторонним движением. Но я думаю, что вы можете думать о религии и искусстве одновременно и не спорить ». Эти творческие люди надеются, что, если они смогут расширить нормы своей среды того, что является социально приемлемым, их работа не будет рассматриваться как трансгрессивная, и они смогут расширить границы дискурса в своем сообществе.
Носив повязку, полностью закрывающую ее волосы, как это принято у замужних ортодоксальных женщин, Голин-Кан показала мне серию гравюр на библейской истории Эстер, вдохновленную Рембрандтом. «Я изучаю [Тору] каждый день», — объяснила она. По ее словам, история Эстер — это история о том, «каково быть православной женщиной». На одном из рисунков Эстер изображена приближающейся к царю Артаксеркс, чтобы пригласить его на свой пир, на котором она в конечном итоге раскроет свою истинную еврейскую идентичность и умоляет о спасении своего народа.За королем плывут головы и призрачные придворные.
Прочитано: хасиды, набожные и чертовски безумные по поводу COVID-19
«Все головы, это люди, которые говорят о вас», — сухо сказал мне Голин-Кан. «Это люди, которые смотрят и говорят:« О, что она делает? »- продолжила она:« Мой опыт в религиозной общине в период взросления заключался в том, что люди говорят о вас, а люди судят вас. Я потратил на это много напрасной энергии. Время от времени я пытаюсь убедить себя, что на самом деле этого не происходит, но потом понимаю, что это так.Она указала на Эстер, фигуру с протянутыми руками, лицо которой было закрыто маской. «У маски нет рта. Маски — это все, чтобы молчать ».
Когда эти изображения появились в еврейском общинном центре Питтсбурга в 2001 году, Голин-Кан дал о них интервью еврейскому журналисту-мужчине. Она сказала ему, что сериал возник из ее опыта взросления в православном мире. «Он чувствовал, что моя точка зрения была совершенно неправильной, как женщина frum ». Голин-Кан сказала мне, что ее искусство не столько выражает радикальные идеи, сколько наполнено библейскими историями или классическими натюрмортами с тонкими комментариями к ее собственному опыту религиозной женщины.После выставки 2001 года она переехала в Цинциннати, штат Огайо, где, по ее словам, у нее есть больше возможностей для творчества без «людей, которые говорят о тебе».
Но в некоторых островных сообществах, таких как хасидский Вильямсбург, начинающим художникам приходится считаться с большим социальным давлением в своих местечках , или анклавах. Залмен Глаубер, хасидский бизнесмен, ставший скульптором, является одним из таких художников. Ему было 20 лет, когда он женился на своей жене Лии; У пары быстро родилось пятеро детей, не оставив времени на творчество, только на семейный бизнес в сфере недвижимости.«Мы женемся молодыми, у нас большие семьи; нам нужно быстро зарабатывать деньги, — сказала мне Лия. Но ее муж, которому сейчас 46 лет, питал тайную страсть к искусству, которая продолжала его звать. В 2011 году Глаубер решил записаться в художественную школу, где изучал как форму, так и историю искусств. «Когда я впервые увидел ленту Мебиуса, кто-то объяснил мне, что это такое, и в ней я увидел расщепляющееся [Красное] море», — сказал мне Глаубер. «История повторяется».
Глаубера тянуло к скульптуре — медиуму, который в православном сообществе традиционно считается идолопоклонником.Православных детей воспитывают на рассказах о молодом патриархе Аврааме, разбивающем идолов своего отца, о матриархе Рахили, крадущем идолов своего отца, чтобы поощрять монотеизм, и о римских солдатах, оскверняющих Иерусалимский храм статуями Юпитера. Итак, Глаубер пошел к своему раввину и попросил разрешения на скульптуру. Раввин разрешил это при одном условии: скульптуры не могут быть полными изображениями людей; в них должны отсутствовать части.
Залмен Глаубер был привлечен к скульптуре — медиуму, который в православном сообществе традиционно считается идолопоклонником.На фото: «Целующий тфилин» (Ави Кайе)В результате получилось поразительное искусство — мужчина целует свои филактерии, выражение экстаза на его лице, без плеч. Другая часть изображает veker , традиционный городской глашатай, который будит преданных на рассвете для утреннего покаяния, держа фонарь у окна, также без оружия. По словам Глаубера, скульптура — это «не то, на чем вы воспитаны» в хасидском сообществе. «Творческий класс в сообществе стремительно растет за последние 20 лет в том, что касается пения и музыки.За последние 10 лет это превратилось в изобразительное искусство », — писал он мне позже. «Так что я увидел необходимость создать платформу для этих новых художников, чтобы продемонстрировать свой талант».
Этим летом Глаубер открыл в Бруклине Штетл, галерею, которая собирает произведения искусства ортодоксальных евреев. Помещение, расположенное на цокольном этаже отеля Condor в Вильямсбурге, представляет собой переоборудованный бальный зал с каменными стенами в иерусалимском стиле. Большинство работ посвящено традиционным темам. На портрете Пинни Сегала Ландау « Еврей в диаспоре » изображен меланхоличный молодой хасид, смотрящий прямо на зрителя.Импрессионистическая картина костра Гиллеля Вейзера — это скорбная дань уважения жертвам недавней давки в Мероне, Израиль, во время которой было убито 45 верующих. Только одно традиционное произведение, написанное художницей родом из Аргентины Розой Катценельсон, четко изображает женщин, показывая мать, обучающую своих дочерей чтению на иврите.
Тем не менее, некоторые работы довольно радикальны для этого сообщества. В нескольких холстах от раввинских портретов Сегеля Ландау современные работы Янки Уолдмана сочетают в себе элементы природы: пейзаж из яичных скорлуп, склеенных вместе в омбре цветовой гаммы, россыпь игл дикобраза, выходящих из холста — отход от обычного искусства иудаики, который в целом реалистичен и откровенно еврей.И три негабаритных картины Липы Шмельцер входят в абсурд. Шмельцер, хасидская поп-звезда, недавно обратился к изобразительному искусству, изучая технику с новым рвением. «Безумие [художника] у меня уже есть», — сказал он мне. «Это основы — навыки, которым мне нужно научиться». Он рисует как любимые детские ритуалы (такие как ежемесячное благословение луны, произносимое за пределами синагоги), так и изображения своей глубоко похороненной детской боли. На одной картине изображена большая голова религиозного человека, обнажающая жестокие зубы; Позже Шмельцер сказал мне, что это отражает его опыт развода в обществе.«Липа пережила много травм, — сказала мне Лия Глаубер. «Он все еще работает над этим». В отличие от других информационных табличек Штетла, которые находятся на английском языке, таблички рядом с картинами Шмельцера только на идиш, как бы предполагая, что его секреты должны храниться внутри общины.
Читайте: Распечатывая огромную популярность Shtisel
Больше, чем просто художественное пространство, Shtetl превращается в социальный центр творческих умов хасидов — коллектив хасидского авангарда.В течение нескольких месяцев Залмен Глаубер руководил группой в WhatsApp, в которой могли общаться хасидские художники-мужчины, а теперь они начинают регулярно собираться лично, чтобы обсудить идеи. В прошлом месяце я наблюдал за собранием этих людей — Залмена и трех других художников, а также поэта, режиссера и редактора нового журнала на идиш. Смешав идиш и английский язык за бокалами водки, они обсудили Маймонида и политику сообщества («Как вы думаете, насколько плохим был прошедший год для хасидского сообщества с точки зрения освещения в средствах массовой информации?»), А затем переключились на анализ текстов песен. Леонарда Коэна и Королевы, все с оживленными жестами рук студентов ешивы, как будто в разгар талмудических дебатов, прерываемых затяжкой электронной сигареты или рюмкой спиртного.Уолдман сказал мне, что когда он только начинал, ему пришла в голову идея использовать псевдоним. «Это критическое сообщество», — сказал он. Он нервничал, когда его друзья приходили посмотреть его работы, но пока отзывы были на удивление положительными. «Мои друзья никогда не ходили в музеи. Они оценили искусство, цвет, текстуру. Они не оправдали ожиданий. [В Штетл] приходят люди, которые никогда не слышали о Пикассо ».
Художники, с которыми я разговаривал, приписывали признание сообществом их искусства тому факту, что глауберы были чувствительны к определенным обычаям.Мероприятия для мужчин и женщин планируются отдельно. У входа в галерею в элитной недвижимости изображены портреты раввинов и хасидских знаменитостей. «Настройка имеет значение. «Эта галерея — хеймиш », — сказал 22-летний Вайзер, используя слово на идиш, которое означает «домашний», но также «культурно и религиозно знакомое» и, следовательно, «безопасное». «Если бы это было где-то еще, я не знаю, как бы отреагировали люди». Шмельцер согласился с этим мнением. «Пятнадцать лет назад эта галерея была бы закрыта через день», — сказал он.
Директор галереи Майер Кон, известный среди мужчин просто как Менахел (на иврите «директор школы»), является своего рода мотивационным тренером для молодых художников. Он ходит вокруг стола, похлопывая их по спине, мягко улыбаясь, напоминая им об их ценности. С бумом хасидских предпринимателей, преуспевающих в сфере недвижимости, здравоохранения и электронной коммерции в последнее десятилетие, у нового бизнес-класса в сообществе есть капитал, чтобы щедро инвестировать в искусство, и многие предпочитают покупать у местных художников-хасидов.«Искусство сейчас там, где вино было 20 лет назад», — сказал мне Кон. «Мы как сообщество должны научиться ценить искусство. Мы должны обучать людей. Мы начинаем понимать, что искусство — это язык. Художники больше связаны с Богом ».
Галерея и ее склонность к модернизму являются показателями изменений в сообществе, которое, каким бы замкнутым оно ни было, неизбежно подвержено влиянию внешней светской культуры и Интернета, а также его собственного растущего богатства и устремлений. Но религиозные художники по-прежнему сталкиваются с проблемами поиска свободного самовыражения в консервативной по замыслу культуре.В моих беседах с ними некоторые художники рассказывали мне о секретных работах, которые хранились в домашних мастерских — женских портретах, изображениях раввинов как борющихся людей, а не житиях, а также об искусстве, которое остается в их сознании. они хотели бы творить, но не осмеливались бы. А пока галерея в подвале гудит от активности нового поколения — художников, рассказывающих истории, раздвигающих границы, стремящихся к большему, одним мазком за раз.
Искусство, дизайн и визуальная культура.
Изобразительное искусство
1 октября 2021 г.
Грейс Эберт
«Ровный водопад» (2021 г.), холст, масло, 28,75 × 23,62 дюйма. Все изображения любезно предоставлены Thinkspace Projects, предоставлены с разрешения
Будь то парящая группа лестниц и балконов или жилое пространство, разделенное различными силами тяжести, новая серия картин Синты Видаль (ранее) устанавливает множественное восприятие реальности в рамках одной работы. Художница, которая живет в небольшом городке Кардедеу недалеко от Барселоны, предпочитает искаженные перспективы, которые переворачивают предметы домашнего обихода и инвертируют архитектуру, и ее коллекция масляных картин, состоящая из Concrete , использует тот же стиль искажения, чтобы подвергнуть сомнению представления об индивидуальном пространстве и сообществе. и обнесенные стеной конструкции, которые люди строят в своем сознании.
Выполненные в приглушенной цветовой палитре серого и мягкого синего, композиции точно выстраивают множество маршрутов и способов жизни в единых, цементных зданиях. Каждая работа «напоминает зрителям, что они не одиноки, и обращает пристальное внимание на множество жизненных путей, существующих среди масс».
Куратор Thinkspace Projects, Concrete будет представлен со 2 октября по 26 декабря в рамках серии персональных выставок Structure в Музее искусства и истории в Ланкастере.Видаль также занимается росписью большой уличной фрески рядом с ее небольшими работами, и вы можете следить за ее успехами в Instagram.
«Ева» (2021 г.), холст, масло, 31,5 × 31,5 дюйма
«Вечер» (2021 г.), холст, масло, 39,37 × 39,37 дюйма
«Закат» (2021), холст, масло, 23,62 × 23,62 дюйма
«Сумерки II» (2021), холст, масло, 36,22 × 28,74 дюйма
«Ночной образ жизни» (2021), гобелен, масло, 143,70 × 70.87 дюймов
Фотография
1 октября 2021 г.
Грейс Эберт
Все изображения любезно предоставлены Volume Co., предоставлены с разрешения
Фундаментальная идея новой книги Лиама Вонга заключается в том, что «реальная жизнь столь же мощна, причудлива и интересна, как и все, что мы можем себе представить». After Dark , выпущенный краудсорсинговым издательством Volume, является продолжением первой монографии эдинбургского фотографа TO: KY: OO , в которой были запечатлены пустые японские улицы в свете неоновых огней.Теперь Вонг аналогичным образом документирует городскую жизнь в своем фирменном кинематографическом стиле, хотя он рискует выйти за пределы Токио, чтобы раскрыть широкие блестящие панорамы ночной жизни Осаки, Киото, Лондона, Сеула, Парижа и Рима.
В 176-страничной книге приводятся примеры городского одиночества и раскрывается всеобщее чувство одиночества, которое обрушивается на город, когда большинство его жителей спят. Вонг (ранее) имел обыкновение создавать кадры из временно заброшенных районов делового района или шумного квартала, который, вероятно, будет хаотичным для прохожих через несколько часов, придавая своим снимкам футуристический оттенок, который больше напоминает кибернетическую видеоигру, чем обычную уличную фотографию. After Dark запечатлел «мрачную пустоту лондонской площади Пикадилли в 4:00 утра, ночных водителей такси в Сеуле, движущихся по бесшумным дорогам, двух птиц, разделяющих тепло неоновой вывески в районе TSM Гонконга, и служащего, ожидающего в очереди». пустая платформа метро в токийском районе Акихабара », — говорится в сообщении.
Подписанные и коллекционные издания After Dark , в том числе одно в упаковке с печатью, доступны для финансирования прямо сейчас на сайте Тома. Вы также можете приобрести принты в магазине Вонга, а другие его фотографии можно найти в Instagram.(через «Это хорошо, что»)
Изобразительное искусство
1 октября 2021 г.
Грейс Эберт
Лаура Бергер, «Я помню запах мудреца» (2021), холст, масло, 48 х 36 дюймов. Все изображения любезно предоставлены Hashimoto Contemporary, предоставлены с разрешения
От капельных неоновых капель Дэна Лэма (ранее) до минималистичных телесных картин Лоры Бергер (ранее), первая выставка в Hashimoto Contemporary представляет широкий спектр работ двух десятков художников, работающих сегодня.Групповая выставка открывает новое пространство галереи в Калвер-Сити и помещает анимированных керамических щенков Кэти Киммел (ранее) рядом с геометрическими абстракциями Августина Кофи и сценами с граффитами Джессики Хесс. Если вы находитесь в Лос-Анджелесе, вы можете лично увидеть работы до 2 октября — следите за сайтом Хашимото, чтобы узнать о предстоящих выставках в новом месте, — и найдите некоторые из наших фаворитов ниже.
Спереди слева: Дэн Лам, «Ни один человек не может устоять» (2021 г.), смола, акрил, клей на пенополиуретане, 23 x 21 1/2 x 17 дюймов.В центре сзади: Дэн Лам, «Она такая тяжелая» (2021), смола, акрил, клей на пенополиуретане, 18 x 32 x 30 1/2 дюймов. Спереди справа: Дэн Лам, «Столп силы» (2021 г.), смола, акрил, клей на пенополиуретане, 32 1/2 x 29 1/2 x 27 дюймов
Слева: Стейси Розич, «» (2021), бумага, акварель, гуашь, в рамке, 22 х 17 1/2 дюймов. Справа: Джеффри Чунг, «Клубок II» (2019), холст, акрил, 72 x 60 дюймов
Кэти Киммел, «Bulldog Planter» (2021 г.), керамика, 20 x 22 x 20 дюймов
Джессика Хесс, «Break Free Redux» (2021), холст, масло и акрил, 65 x 73 дюйма
Кэти Киммел, «Ваза для бульдога» (2021 г.), керамика, 8 x 8 x 5 1/2 дюймов
Дэн Лам, «Она такая тяжелая» (2021 г.), смола, акрил, клей на пенополиуретане, 18 x 32 x 30 1/2 дюймов
Августин Кофи, «Уродство речи» (2021), акриловый полимер на утином холсте, лента в обрамлении художника, 48 x 51 дюйм
Изобразительное искусство
30 сентября 2021 г.
Грейс Эберт
«Rock my Heart» (2018), бронза, 23 3/4 × 11 × 7 3/4 дюйма
Испанская художница Изабель Мирамонтес (ранее), рассекая торсы пополам со спиралями или растягивая ленты с бахромой со стороны фигуры, воплощает движение в телах своих анонимных объектов.Она изображает мимолетные жесты и позы в бронзе, словно запечатлевает завихрение детского платья или глубокий наклон вперед. Каждая работа, большинство из которых имеют высоту от 20 до 30 дюймов, контрастирует с полными, гибкими телами фигур с пустотой, созданной спиральными вмешательствами художника.
Мирамонтес в настоящее время представлена галереей Canfin в Нью-Йорке, где в настоящее время у нее есть несколько доступных произведений, и вы можете найти более крупную коллекцию работ на Artsy.
«Танго» (2021 г.), бронза, 30 7/10 × 23 3/5 × 7 1/10 дюйма
«На краю мира» (2017), бронза, 27 1/2 × 9 7/8 × 5 7/8 дюймов
«Amor» (2017), b ronze, 24 3/8 × 15 3/4 × 4 3/4 дюйма
«Глиссада», 20 x 20 x 6 дюймов
Изобразительное искусство
30 сентября 2021 г.
Грейс Эберт
Все изображения Сола Паперана, Николаса Пеццино и Давида де ла Мано любезно предоставлены Давидом де ла Мано
Расположенный на фоне леса в оттенках синего и белого, темная извилистая сказка окаймляет вестибюль Католического университета Уругвая.Трехэтажная фреска Давида де ла Мано названа «Космос» и использует характерные силуэты испанского художника и тонкие ветвистые линии, чтобы создать зловещее повествование, поглощенное таинственностью и беспорядком: гибридные существа убегают вниз по лестничной клетке, армия марширует по балкону, и мириады персонажей крутятся и бродят хаотичными группами.
Выполненная при содействии художника Андреса Кокко, масштабная работа происходит от общего этимологического корня «университет» и «вселенная», что означает целостность или все, что существует.«Космос» напоминает картину созвездий и зодиака 15 века Фернандо Гальего, которая когда-то скрывала сводчатый потолок библиотеки Университета Саламанки в родном городе де ла Мано, хотя в этой новой итерации нет звезд. «Это произведение, полное загадок… Есть моя собственная иконография. Есть идея миграции, постоянная в моей работе много лет назад », — говорится в заявлении художника. «Звезды сменились двумя лесами. Есть темный лес, который не дает вам видеть, и есть чистый лес, в котором идет свет.”
Проведя годы в Уругвае, де ла Мано вернулся в Саламанку, и вы можете следить за его работами в Instagram.
Фотография
29 сентября 2021 г.
Грейс Эберт
«Золотой орел». Все изображения © Марк Харви, предоставлены с разрешения
После своих портретов акробатических птиц, выполняющих серию трюков, фотограф Марк Харви обращает внимание на более крупных и могущественных существ птичьего вида.Новая коллекция под названием Raptors In Flight посвящена хищным птицам и их изящным движениям во время охоты. Будь то сипуха, ныряющая на землю, или ястреб-харрис, распахивающий свои крылья, каждое из изображений подчеркивает уникальные физические особенности хищников, делая видимыми отдельные детали их перьев, изогнутых клювов и глаз.
Снимок с его фирменным стилем, который добавляет драматизма и без того поразительным существам, фотографии снимаются по одной в медленном, среднем формате.«Освещение — ключевой аспект моей работы, помогающий нарисовать свежий взгляд на хорошо известные объекты, и эти птицы не исключение, поскольку они установлены в сложной системе освещения, чтобы в конечном итоге показать птиц в новом свете», — делится Харви. «С широко распростертыми крыльями красота этих высших хищников демонстрируется в полной мере».
Харви только что выпустил в своем магазине 15 лимитированных отпечатков каждого предмета, и вы можете следить за его фотографической практикой, которая часто фокусируется на лошадях и собаках, в Instagram.
«Сипуха»
«Бородатая неясыть»
«Белая сова»
«Филин»
«Белая сова»
«Харрис Хок»
Милтон Глейзер, главный дизайнер логотипа «I ♥ NY», мертв по адресу 91
Милтон Глейзер, графический дизайнер, изменивший лексику американской визуальной культуры в 1960-х и 1970-х годах своими яркими экстравертными плакатами, журналами и т. Д. Обложки книг и обложки для пластинок, особенно его плакат 1967 года с изображением Боба Дилана с психоделическими волосами и его логотипом «I ♥ NY», умер в пятницу, в его 91-й день рождения, на Манхэттене.
Его жена и единственная оставшаяся в живых, Ширли Глейзер, сказала, что причиной был инсульт. У него также была почечная недостаточность.
Г-н Глейзер привнес в коммерческое искусство остроумие, причудливость, повествование и умелое рисование в то время, когда в рекламе преобладали строгие ограничения модернизма, с одной стороны, и уютный реализм журналов, таких как The Saturday Evening Post, с другой.
В студии Push Pin Studios, которую он и несколько бывших одноклассников Cooper Union основали в 1954 году, он открыл дизайн для бесчисленных влияний и стилей, которые начали привлекать внимание журналов и рекламных агентств, в основном благодаря влиятельному рекламному изданию студии Push Альманах булавок (позже переименованный в ежемесячную графику с кнопками).
«Мы были взволнованы самой идеей, что мы можем использовать все, что есть в визуальной истории человечества, в качестве влияния», — сказал в интервью для книги г-н Глейзер, который за свою карьеру разработал более 400 плакатов. Графика канцелярской кнопки: четверть века инновационного дизайна и иллюстрации »(2004 г.).
«Ар-нуво, китайский рисунок, немецкие гравюры на дереве, американская примитивная живопись, венский раскол и карикатуры 30-х годов были бесконечным источником вдохновения», — добавил он.«Все вещи, которые доктрина ортодоксального модернизма, казалось, презирали — украшения, повествовательные иллюстрации, визуальная двусмысленность — привлекали нас».
Г-н Глейзер восхищается сочетанием визуальных элементов и стилистических мотивов из разных источников. Для рекламы Olivetti 1968 года он модифицировал картину XV века Пьеро ди Козимо, изображающую скорбящую собаку, и вставил последнюю портативную пишущую машинку итальянской компании у ног мертвой нимфы на оригинальном произведении искусства.
Для плаката Дилана, рекламного ролика, включенного в альбом 1967 года «Величайшие хиты Боба Дилана», он создал простой контур головы певца, основанный на черно-белом силуэте автопортрета Марселя Дюшана, и добавил толстые волнистые полосы цвета волос, формы, которые он заимствовал из исламского искусства.
Почти шесть миллионов плакатов разлетелись по домам по всему миру. Бесконечно воспроизводимый образ стал одной из визуальных подписей той эпохи.
«I ♥ NY», его логотип кампании 1977 года по продвижению туризма в штате Нью-Йорк, получил еще более широкое распространение. Набросанный на обратной стороне конверта красным карандашом во время поездки на такси, он был напечатан черными буквами жирным шрифтом, с вишнево-красным сердцем вместо слова «любовь». Почти сразу же логотип стал мгновенно узнаваемым символом Нью-Йорка, таким же узнаваемым, как Эмпайр-стейт-билдинг или Статуя Свободы.
«Я ошеломлен тем, что случилось с этой маленькой, простой ничем не придуманной идеей», — сказал г-н Глейзер The Village Voice в 2011 году.
После террористических атак 11 сентября 2001 года футболки с гербом логотип продавался тысячами, поскольку гости города ухватились за него как за способ выражения солидарности. Г-н Глейзер разработал модифицированную версию — «Я ♥ Нью-Йорк больше, чем когда-либо» с темным синяком на сердце — которая была распространена в виде плаката по всему городу и воспроизведена на первой и последней страницах The Daily News от сентября.19.
Милтон Глейзер родился 26 июня 1929 года в Бронксе у Юджина и Элеоноры (Бергман) Глейзер, иммигрантов из Венгрии. Его отец владел химчисткой и ателье; его мать была домохозяйкой.
Когда Милтон был маленьким мальчиком, старший двоюродный брат нарисовал птицу на стороне бумажного пакета, чтобы развлечь его. «Внезапно я чуть не упал в обморок от осознания того, что можно создать жизнь с помощью карандаша, — сказал он журналу Inc. в 2014 году. — И в тот момент я решил, что именно так я собираюсь провести свою жизнь.”
Он посещал уроки рисования у Рафаэля и Моисея Сойеров, художников-соцреалистов, прежде чем поступить в Высшую школу музыки и искусства на Манхэттене (ныне Высшая школа музыки, искусства и исполнительских искусств Фиорелло Х. Ла Гуардия). После того, как он дважды провалил вступительные экзамены в Институт Пратта, он работал в компании, занимающейся дизайном упаковки, прежде чем был принят Куперским союзом по развитию науки и искусства.
Находясь в Cooper Union, он и три одноклассника — Сеймур Чваст, Эдвард Сорел и Рейнольд Раффинс — арендовали часть лофта в Гринвич-Виллидж и создали компанию Design Plus.Они выполнили один проект: пробковые коврики с трафаретной печатью, которые они продали в универмаг Wanamaker.
После окончания Cooper Union в 1951 году и работы в отделе рекламы в журнале Vogue г-н Глейзер получил стипендию Фулбрайта в Академии изящных искусств в Болонье, Италия, где он изучал гравюру у художника-натюрморта Джорджо Моранди. и, освященным веками, рисовали по гипсовым слепкам. Этот опыт оставил его страстным сторонником дисциплины рисования и врагом найденных изображений и коллажей в дизайнерской работе.
«Дизайнер, которому для создания эффектов приходится полагаться на вырезы и перестановку, который не может реализовать конкретное изображение или идею, которые он хочет рисовать, находится в беде», — сказал он журналу Graphis в 1960 году.
Возвращаясь в Нью-Йорк, г-н Глейзер возобновил сотрудничество со своими бывшими одноклассниками, которые создали Альманах с кнопками, чтобы рекламировать свои работы и позволять им экспериментировать. Когда в 1954 году они основали Push Pin Studios, г-н Глейзер был назначен ее президентом. Студия быстро стала известна своими яркими красками, сюрреалистическими сопоставлениями и преувеличенными, приплюснутыми формами, которые можно увидеть в книжных обложках (Mr.Глейзер разработал все обложки для «Signet Classic Shakespeare», иллюстрации для журналов, обложки пластинок, телевизионные рекламные ролики и типографику.
Он женился на Ширли Гиртон, его замене в компании по дизайну упаковки, которая впервые наняла его, в 1957 году. Пара сотрудничала над детскими книгами «Если бы у яблок были зубы» (1960), «Альфазеды» (2003) и «The Большая гонка »(2005). Они жили в Манхэттене и Вудстоке, штат Нью-Йорк
Мистер Глейзер, которого Newsweek однажды назвал «одним из немногих гениев в области создания изображений», широко известен как создатель пухлого мультяшного стиля, известного как искусство «Желтой подводной лодки». популяризирован анимационным фильмом «Битлз» 1968 года, но практикуется в Push Pin с конца 1950-х годов.
Г-н Глейзер объединил усилия с редактором Клэем Фелкером в 1968 году, чтобы основать журнал New York, где он был президентом и директором по дизайну до 1977 года, создав визуальный формат, который в значительной степени сохранился. Вместе со своим другом Джеромом Снайдером, арт-директором Scientific American, он написал бюджетную колонку «Подземный гурман» для New York Herald Tribune, а затем и для журнала New York. Колонка породила одноименный путеводитель в 1966 году и «Поваренную книгу подземных гурманов» в 1975 году.
Г-н Глейзер основал свою собственную дизайнерскую фирму Milton Glaser Inc. в 1974 году. Год спустя он покинул Push Pin, когда ему давали собственную выставку в Музее современного искусства.
«В какой-то момент нас приняли, и как только это произойдет, все станет менее интересным», — сказал он в интервью для выставки «Графический дизайн в Америке: история визуального языка» в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе. 1989.
В 1978 году он был нанят британским магнатом Джеймсом Голдсмитом для изменения дизайна интерьера, экстерьера и упаковки сети супермаркетов Grand Union, которую г-н.Голдсмит только что приобрел. Г-н Глейзер разработал несколько проектов для ресторатора Джо Баума, особенно запомнились ресторанный дворик Big Kitchen в вестибюле первого этажа Всемирного торгового центра, реконструкция окон в мире в 1990-х годах и Rainbow Room в Рокфеллер-центре.
В 1983 году вместе с Уолтером Бернардом г-н Глейзер основал WBMG, фирму по дизайну публикаций, которая обновила десятки газет и журналов в Соединенных Штатах и за рубежом, включая The Washington Post и O Globo в Бразилии.Позже он и г-н Бернард совместно работали над историей своей дизайнерской работы «Mag Men: 50 лет создания журналов», которая была опубликована в декабре.
Ему удавалось идти в ногу со временем. В конце 1980-х он разработал логотип Всемирной организации здравоохранения по СПИДу, а также логотип и упаковку для Brooklyn Brewery, используя заглавную букву B, вдохновленную старым Brooklyn Dodgers. Он разработал логотип для пьесы Тони Кушнера, получившей Пулитцеровскую премию, «Ангелы в Америке», а также плакаты к 50-летию Vespa в 1996 году и к финальному сезону телесериала «Безумцы» в 2014 году.
Г-н Глейзер, другие книги которого включают «Плакатную книгу Милтона Глейзера» (1977), «Искусство — это работа» (2000) и «Рисование — это мышление» (2008), много лет преподавал в Школе визуальных искусств в г. Манхэттен. Он был героем документального фильма 2008 года «Милтон Глейзер: информировать и восхищать».
В 2004 году он получил награду за выдающиеся достижения от Национального музея дизайна Купер-Хьюитт (ныне Купер Хьюитт, Смитсоновский музей дизайна), а в 2009 году он стал первым графическим дизайнером, получившим Национальную медаль искусств.
«Я человек, который имеет дело с визуальным материалом, каким бы он ни был — архитектурой, предметом, набором тарелок, обоями — прямо сейчас я делаю футболки», — сказал он Эйлин Квун и Брин Смит для их книги. «Двадцать за восемьдесят: разговоры о жизни в архитектуре и дизайне» (2016). «Я много знаю о том, как все выглядит, и, как следствие, пытаюсь понять, какую часть этого мира я могу охватить».
Дженни Гросс предоставила отчеты.
Line Drawing Art Woman — Perangkat Sekolah
Комнатное растение в горшке Сплошной рисунок одной линией.Концепция флаера плаката баннера карточки логотипа.
Штриховое искусство Женщина Абстракция Штриховое искусство Наброски Искусство Штриховое искусство Рисунки
Сборник обложек для историй в социальных сетях.
Штрих-арт женщина . 996239 Художественные репродукции с произвольным рисованием линий. Привет, парень, добро пожаловать на наш канал, сегодня мы будем рисовать женские линии. Женщина в шляпе с рукой.
Карта Земли. Какой формат. Печать современного искусства с вектором искусства линии женщины.
Просмотрите 4213 невероятных векторных иконок, графических изображений и фонов «Женщина рисования линий» для бесплатной загрузки от творческих участников Vecteezy. 9 марта 2018 г. — Посетите доску Виктории Лисис «Рисующие женщины», за которой следят 487 человек в Pinterest. У нас есть 11 фото о Line Art Silhouette Female Body Outline Рисование изображений, фотографий, фонов и многого другого.
Пожалуйста, дайте мне знать, нравится ли вам видео, но вы не любите его. Например, png, jpg, анимированные гифки, символ искусства, черно-белые картинки и т. Д.Абстрактный портрет мужчины.
Нарисуйте со мной, приостановите видео, вернитесь назад и нарисуйте вместе с мезо l. — Принт на футболки, карточки, карточки, приглашения, сувениры, поделки, виниловый декор, поделки, изделия из дерева и многое другое. Концепция красоты привлекательного портрета молодой женщины женская.
Абстрактный цветок в векторе стиля рисования одной линии. Просмотрите 218249 женских рисунков стоковых иллюстраций и векторной графики, доступных без лицензионных отчислений, или начните новый поиск, чтобы найти больше отличных стоковых изображений и векторной графики.Привет всем, это художественный урок, в котором я рисую женское лицо с помощью однострочного рисунка.
Концепция флаера, плаката, плаката, карточки с логотипом. Женщина с рисунком: стоковые видеоклипы. Дополнительные идеи о художественных рисунках для рисования линий.
Посмотреть еще идеи о рисунках портретное искусство рисования. 408244 стоковых векторных изображения и иллюстраций line art woman доступны без лицензионных отчислений. Женщина минимальная рисованная иллюстрация.
Иллюстрация об искусстве рисования линий.Рисунок лица женщины: стоковые видеоклипы. Штриховая графика Женщина Рисование линии женщины SVG-файл firstpectiveDesign 206.
Линейные изображения женщин. Загрузите этот премиум-вектор о Одной непрерывной линии сексуального тела, рисунок одной линии, искусство, женское тело, изолированное, простой арт, дизайн, абстрактная линия, силуэт для кадра, и откройте для себя более 16 миллионов профессиональных графических ресурсов на Freepik. Исламская архитектура логотип линии искусства значок символ вектор.
Женщина минимальная рисованная иллюстрация.Что поделаешь с этими красивыми иллюстрациями. Иллюстрация о молодой женщине прыгать непрерывный рисунок одной линии.
Красивая женщина непрерывной линии искусства женский вектор. Непрерывное рисование линий, держащих руки вместе. Собака матрос леди кошка портрет одежда аксессуар носить синглетный кошелек табачные очки.
— Каждый элемент дизайна из этого набора разделен в zip-архив. Иллюстрация концептуального портрета девушки — 124815301. Добавить в избранное Политика магазина для firstpectiveDesign Последнее обновление: 17 августа 2021 г. Обмен возвратов.
Женщина пьет кофе вектор женщина эскиз иллюстрации рука рисовать женщина лицо женщина лицо ресница лицо женщина черный и белый женщина рисунок лицо лицо кривая эскиз девушка лицо кофе искусство тело. 113319 стоковых фотографий, векторных изображений и иллюстраций для рисования линий лица женщины доступно без лицензионных отчислений. На такой странице у нас дополнительно есть несколько изображений.
Иллюстрация концептуальной модели девушки — 226789542. Я не принимаю возврат, обмен или отмену. Пожалуйста, свяжитесь со мной, если у вас возникнут проблемы с вашим заказом.Минимальные изображения цветка женщины чертежа линии.
Непрерывный однолинейный рисунок. Иллюстрация об искусстве рисования линий. 30 июня 2021 г. — Изучите искусство на доске Рании Магедс — Рисование линий, за которым следят 777 человек в Pinterest.
Минималистичная девушка-девушка, плывущая по линиям. Как получить эти файлы. Буффало бык простой значок в векторе линии искусства.
Понятие красоты и моды. Иллюстрация линии человека красивой — 124815302. Искусство волны линии искусства красоты девушки раскраски одна линия танец счастливы и успех лицо силуэт мужчина женщина аннотация мужчина эскиз профиль вектор книжка-раскраска полет одной линии прыжок векторные иллюстрации лицо с одним.
Линия искусства люди плести абстрактные лица бесшовные векторные. Женщина в шляпе с рукой.
Женщина, рисование линий Минимальная художественная печать в одну линию От Blek Prints X Художественные рисунки мелкими линиями Контурные художественные рисунки
Булавка на Artsy
Женщина, штриховая графика, штриховая графика, штриховая графика, художественная печать,
67 Best Doodles Space Steps Line Art Рисунки Art Drawings Art
Pin On Line Art
Женщина, рисование одной линией, печать, линия, искусство, женское лицо, эскиз Etsy в 2021 году, абстрактное искусство, линия, искусство, линия, рисунок,
Художественный принт с цветочной девушкой, рисование одной линии, женское искусство линии, Etsy In 2020, штриховые рисунки, контурные художественные рисунки,
Женское Лицо Линии ИскусствоЖенский Рисунок Линии Абстрактная Женщина Etsy Рисунки Художественные Эскизы Рисование Принты
Женщина Лицо Цветы Профиль Иллюстрация Рисование руки Художественный принт Эскиз плаката Рисование одной линии Цветочные иллюстрации Искусство Рисование плаката Иллюстрация цветов
Pin On Diy
Простые линии No1 Плакат Штриховая графика Рисунки Контурное искусство Абстрактное штриховое искусство
На этом изображении изображена женщина, нарисованная в одну линию с цветами. Рисунок сделан мной Плакат идеален. Искусство линий. Абстрактное искусство. Линии. Абстрактный плакат.
Женское лицо, рисование одной линии, женское искусство, цветок, Etsy в 2021 году, рисование линий, художественные рисунки, простое искусство линий
Женская фигура, непрерывная линия, искусство 4, роялти-фри, вектор, непрерывная линия, женская фигура, черно-белое изображение, искусство, рисование, линия, искусство, векторные татуировки, силуэт
Минималистский Женский Однострочный Принт Женское Искусство Стены Цветок Рисование Линии Искусство Женщина Современное Искусство Стены Декор Стены Спальни Цветочные Рисунки Штриховые Рисунки Контурное Искусство
Minimal Line Art Woman With Flowers II Art Print By Nadja1 Society6 Штриховые рисунки Художественные принты
Штифт на A R T
Булавка на стене спальни
Pin On Line Art
Кливлендский художественный музей приобретает портрет Ренуара, сделанный коллегой французского импрессиониста Фредериком Базилем
КЛИВЛЕНД, Огайо — За три года до своей смерти в катастрофической франко-прусской войне 1870-71 годов молодой французский импрессионист Фредерик Базиль написал удивительно свежий и реалистичный портрет его друга и коллеги, художника Пьера Огюста Ренуара.
Портрет Ренуара, который сверкает четкими, отчетливыми мазками, является одним из последних приобретений, объявленных сегодня Кливлендским музеем искусств.
Другие работы, входящие в постоянную коллекцию, включают впечатляющую пару японских экранных картин 18-го века художника Ватанабэ Шико; трио доколумбовых объектов, которые возникли у народов, живших много веков назад на территории современного Перу; портретный рисунок 1630-х годов французского художника Симона Вуэ; и пять фотографий Шона Уокера и Честера А., изображающих жизнь чернокожих в Америке с 1950-х по 1970-е годы.Хиггинс-младший
Картина Базиля несет в себе особенно острый эмоциональный заряд из-за ее качества и из-за трагической гибели Базиля во время франко-прусской войны, в которой коалиция германских государств разгромила французскую армию 1870 года в возрасте 28 лет.
Базиль родился в семье высшего среднего класса на юге Франции, в 1862 году переехал в Париж, чтобы изучать медицину, но вскоре поступил в художественные классы и подружился с импрессионистами, включая Ренуара, Клода Моне и Альфреда Сислея.
Вдохновленный их примером, он развил способность изображать большие группы своих современников на открытом воздухе при естественном освещении, что является ключевой задачей импрессионистского движения. Однако его многообещающая карьера была прервана войной, которую Франция проиграла превосходящим и лучше организованным силам недавно объединенной Германии.
Работы Базиля были предметом крупной выставки в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, в 2017 году.
Значительные картины Базиля редко появляются на рынке из-за безвременной смерти художника и небольшого количества работ, музей говорится в пресс-релизе.
«Портрет Ренуара» дает редкую возможность увидеть тесную дружбу Базиля и Ренуара в то время, когда они только начинали развивать стиль импрессионизма », — говорится в сообщении музея. «Вся поверхность оживлена живыми мазками, что придает композиции ощущение неформальности, которого нет в заказных портретах того периода».
В музее сказали, что Базиль «представляет собой значительное дополнение к коллекции CMA и особенно важно, поскольку Базиль был единственным крупным импрессионистом, не представленным в коллекции музея.» В пресс-релизе не было указано происхождение или историю владения картиной.
«Цветы и деревья четырех времен года» Ватанабэ Шико — это пара складывающихся экранов с шестью панелями, на которых справа изображены растения весны и лета, а слева — растения осени и зимы.
Имея примерно пять футов в высоту и 12 футов в ширину, они добавляют глубины музейному фонду работ художника и углубляют его способность передавать его развивающийся стиль.
Недавно приобретенные предметы доколумбовой эпохи из керамики и резного камня имеют возраст примерно от 900 г. до н.э. до 1530-х годов.Они добавляют глубины музейной коллекции произведений народов Перу.
One, «Лежащий сосуд для собак», который представляет недавно родившую перуанскую лысую собаку, считается важным дополнением к музейной коллекции произведений искусства Чиму и Чиму-Инка. Он будет включен в предстоящую выставку CMA, которая прослеживает империю Чиму с момента ее основания в 1000 году до прибытия инков к испанскому завоеванию в 1532 году, говорится в сообщении музея.
Вуэ «Портрет мужчины в профиль, повернутый налево» — первый рисунок художника, попавший в коллекцию музея.Он дополняет картину 1630 года с изображением Святой Марии Магдалины художником, приобретенную музеем в 1988 году.
Музей описал фотографии Уокера и Хиггинса как часть своих постоянных усилий по расширению своей коллекции работ афроамериканских художников.
Работы включают «Человек-невидимку: Без названия», который музей описал как автопортрет, на котором изображен силуэт Уокера в берете, отраженный в темном окне.
«Неуловимый характер этого портрета имеет смысл в контексте серии, к которой он принадлежит,« Человек-невидимка », отсылки к важному одноименному роману Ральфа Эллисона 1952 года о невидимости чернокожих в обществе», — говорится в сообщении музея.
художников, на которых оказал влияние Джаспер Джонс, обсуждают важность его работы — ARTnews.com
«Возможно, это его великая работа — пробудить сомнения в воздухе, окружающем искусство». Джаспер Джонс написал эти слова в A.i.A. Номер за июль / август 1969 года, посвященный памяти Марселя Дюшана, скончавшегося годом ранее. Пожалуй, самый значительный наследник наследия Дюшана, Джонс поднял сомнения, витавшие в воздухе вокруг искусства в своих ранних работах 1950-х годов, и начал работать над этим.С тех пор он продолжал разрабатывать способы подхода к значениям, материалам и художественным процессам, чтобы усилить вопросы о том, что такое искусство и как оно работает. По случаю «Mind / Mirror», ретроспективы Джонса, открывающейся одновременно в Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке и в Художественном музее Филадельфии в конце сентября, мы пригласили восемь художников, чтобы они прокомментировали возможности, которые открыла работа Джонса. и о проблемах, которые он ставит, и о том, как их собственная работа формировалась в результате встреч с его.
Келти Феррис
Я знал Мишень с гипсовыми слепками (1955) из лекций по истории искусства задолго до того, как столкнулся с ней лично. Я нашел это потрясающим. Я все еще делаю. Он не утратил своей власти надо мной, когда я был подростком. Я видел тело, заключенное в ловушку картины, как Хан Соло, заключенное в карбонит. Тело изрублено и разделено на ящики. Но почему-то все не так страшно. Цель говорит вам, куда смотреть — на картину! — но слепки выстраиваются по краю, как фигуры в настольной игре.И вы не знаете, кто там в ловушке. Это я? Это художник? Какова цель этой игры? Я стреляю или в меня стреляют?
Келти Феррис: Trifecta , 2015, бумага, масло и порошковый пигмент, 491/2 на 52 дюйма. Предоставлено Mitchell-Innes & Nash, Нью-ЙоркТак много искусства, связанного с телом, связано с движением, вызывающим активный жест. Но тело в работе Джонса кажется застывшим, как будто время было высосано из комнаты.Есть неподвижность и сосредоточенность, которые так просты и буквальны. В тишине работа кажется жуткой и смертоносной, но в то же время живой, как очень сложная головоломка. Нога Джонса была в мире, и теперь она является частью картины. Он переделал свое тело как найденный объект.
Джонс — прапрадедушка готовой марки. Когда он работает с энкаустикой, он делает слепки знаков. Как и Джонса, я действительно интересуюсь картофельным штампом, типами печати снежных ангелов, простейшими формами гравюры.Они заставляют вас принимать оценки во всех их особенностях.
В Study for Skin I (1962) вы можете увидеть хореографию его лица из стороны в сторону, запечатленную углем на бумаге. Он сделал и другие подобные слепки тела, и они очень похожи на слепки. Прокатившись головой по бумаге, он изобразил лицо с разных ракурсов, человека, сгибающегося внутрь. Гипсовые слепки также закручиваются внутрь. Они заперты в коробках, страдающих клаустрофобией.
Джаспер Джонс: Кожа , 1965, уголь на масляной бумаге, 22 на 34 дюйма. Коллекция Menil, Хьюстон. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк,Отпечатки и слепки, кажется, возникли из-за давнего интереса Джонса к самому себе как к чему-то, что можно увидеть, но не увидеть. Как будто его нужно видеть, но только частично или только с определенных точек зрения. Части его тела в Target с гипсовыми слепками не только его части — они являются изюминками мужского тела. В работе есть это обычное качество. Он раскрывается, но только анонимно.Я тоже хотел сделать это, и после того, как я увидел отпечатки тела Джонса в «Сером» в Метрополитене в 2008 году, я попробовал несколько своих собственных. Отпечаток тела — очень правдивый и беспощадный процесс раскрытия себя. Он правдиво фиксирует формы и формы тела. Но это не картинка. Показывает все и ничего. Это я, но совсем не я. Это ощущение, которое я испытываю от большей части работ Джонса: он раскрывает фактическую правду о чем-то, но не показывает это изображение.
Johns: Spring , 1986, холст, энкаустика, 75 на 50 дюймов. Предоставлено Институтом Вильденштейна Платтнера, Нью-Йорк / Коллекция Роберта и Джейн Мейерхофф. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк.Луи Фратино
Джаспер Джонс остается загадкой даже для экспертов. Чем больше я узнаю о нем, тем больше это кажется его желаемым эффектом. Его сюита 1985–86 годов «Времена года» меня особенно заинтересовала, так как это редкий случай, когда Джонс изображает полный автопортрет, возможно, обнаженный, — мой любимый предмет.Он появляется как тень, падающая на каждую картину, фигуру, начерченную с его собственного тела. Форма вершины промежутка между ногами очень мягко намекает на гениталии, что заставляет меня интерпретировать изображение как автопортрет человека, который хочет быть одновременно раскрытым и замаскированным.
Луи Фратино: июля , 2020, холст, масло, 57 на 38 дюймов. Предоставлено Sikkema Jenkins and Co., Нью-ЙоркАвтопортреты Джонса в «Временах года», кажется, отсылают к картине Пикассо «Тень» (1953).На этой картине художник отбрасывает тень на изображение обнаженной женщины. Пикассо и объект его желания ясно описаны. Но в каждой картине своей сюиты Джонс объединил паутину объектов, элементов пейзажа, своих собственных произведений искусства и малоизвестных историко-художественных отсылок. В Spring хорошо известный силуэт, который может быть кроликом или уткой, скрыт за отпечатком руки — еще один знак того, кто хочет быть двумя вещами одновременно или никогда полностью не разрешится.
Проведя некоторое время с «Временами года», я укрепил мои мысли о том, чем «аутсайдеры» сравниваются с нашими предшественниками.Большая часть моих работ изображает мое собственное обнаженное тело — а не просто форму, которую оно имитирует, — поскольку я понимаю, как это могло быть представлено языком Пикассо. Джонс относится к Пикассо как к вырезанному из газеты куску найденного предмета, который он может переделать и перепрофилировать. Он хочет быть Пикассо, взламывая свою методологию. Я и многие другие художники, работающие сегодня, знаем, что мы никогда не будем Пикассо. Тем лучше использовать его настоящий язык в наших собственных целях.
Я не хочу сказать, что Джонс представляет себя скрытым образом или что он ссылается на Пикассо из туалета.Однако я действительно думаю, что привилегии моего поколения принесли новый комфорт с видимостью и использованием намеков. Такая разборчивость несет в себе опасность, поскольку художника, взявшегося за это, слишком легко называть «геем Пикассо» или рассматривать как сведущего квир-опыт до перформативной идентичности. Я думаю, что созерцание Джонса в этот момент является напоминанием о том, что отказ от попыток показать себя целиком может привести к более точной картине, то есть еще неизвестной.
Джаспер Джонс: Банки из окрашенной бронзы / эля , 1960, окрашенные в бронзу, 5½ на 8 на 4¾ дюйма. Музей Людвига, Кельн. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк,Сэм Маккиннисс
Ни у кого из американских художников больше никогда не будет карьеры Джаспера Джонса. Это невероятно очевидная вещь, которую можно сказать Art in America , журналу, назвавшему то, что это такое, но раз уж мы говорим о Джонсе, давайте продолжим. Я полагаю, ты должен был быть там. Три флага — очень известная картина, хранящаяся в коллекции Музея американского искусства Уитни, основанного в 1930 году.Этот журнал был основан до этого, в 1913 году. По какой-то причине никто не удосужился создать Three Flags , пока Джонс не сделал в 1958 году. Большая энкаустическая картина Америки играет главную роль и дает платформу для двух меньших идентичных, концентрически уменьшающихся внутри. его границы. «Энкаустик», горячий воск, этимологически недалек от «едкого» — как в едком, саркастическом выражении — вещества, которое горит или разрушает.
Джонс скопировал это изображение флага и заставил его повторяться из-за пигмента и тепла.Что заставило его это сделать, никто никогда не узнает, но это то, что Америка собиралась сделать, независимо от того, с ним или без него. Так почему бы не использовать, не изобретать или не использовать загруженное изображение, подобное этому? Флаг — такая же хорошая основа, как и любой другой, для начала карьеры. От американца больше не требуется объяснений. Мы считаем, что эти истины являются само собой разумеющимся. В любом случае, это все украденные труд и земля; попробуйте и наслаждайтесь. Поп-арт. Это жестокая страна.
Сэм Маккиннисс: Халли и Энни , 2020, холст, масло, 24 на 20 дюймов. Предоставлено JTT и Almine RechПомимо того, что 1958 год стал годом прорыва для Джонса, Фил Спектор выпустил свою первую пластинку, би-сайд под названием «Don’t You Worry My Little Pet». Спектор умер от COVID-19 в начале этого года, отбывая срок за убийство второй степени, но забавно думать о Джонах в Нью-Йорке и Спекторе в Голливуде, двух гениях, которые занимались своим делом в то время на обоих концах страны. Картина Джонса 1961 года Карта — это разноцветная, агрессивно восторженная картина Ab Ex, разложенная по всей карте США, какой бы нелепой она ни была.Для меня это стена звука Спектора как картина. Какофоническая, синестетическая стена поп-музыки, лишенная всех предшествующих философствований, связанных с возвышенным абстрактным экспрессионизмом, в пользу жизни на земле в низменной материальной культуре. Клайффорд Стилл, старше Джонса всего на двадцать шесть лет, однажды проповедовал о собственном искусстве: «Я не заинтересован в иллюстрировании своего времени. . . . Я не вижу смысла добавлять к его гигантскому высокомерию комплимент в виде графического уважения ». Добавление графического почтения — это именно то, что делает картография Джонса, высокомерие и все такое.
Одна вещь, которую я люблю, — это Painted Bronze (1960). Две банки Ballantine Ale, стоящие рядом друг с другом. Это валентинка к тому, чтобы тратить время на хорошее или плохое и забывать о нем позже, если бы только Джаспер не отлил его как скульптуру навсегда. Это любовь? Ну нет; Это искусство, детка, обновленное Феликсом Гонсалесом-Торресом « Perfect Lovers » (1991), о котором я всегда думаю следующим. Идентичные часы также расположены бок о бок, работают от батареек и, следовательно, очень коррозийны и, следовательно, подвержены собственному саморазрушению, если ими пренебречь.Как я уже сказал, это жестокая страна.
Jaune Quick-to-See Smith: Пятьдесят оттенков коричневого , 2017–18, холст, смешанная техника, 48 на 72 дюйма. Предоставлено галереей Гарта Гринана, Нью-Йорк,Jaune Quick-to-See Smith
Повлиял ли Джаспер Джонс на мою картину?
Когда мне было шесть лет, мы переехали из резервации, потому что мой отец думал, что я получу лучшее образование в школе для белых.Мое самое большое воспоминание из первого класса — это знакомство с мелками Crayola, библиотечной пастой и темперной краской. Я нюхал их и пробовал, как индийские дети. Краска темперная была зернистой и невкусной. Цветные карандаши пахли небесно, но оставались крошками во рту. Зато паста из библиотеки была съедобной и вкусной. Возможность рисовать или раскрашивать стала моей сладкой стороной, моим утешением. Это был рай.
Когда мне было шестнадцать, я нашла на обложке спичечного коробки объявление о заочном курсе Школы знаменитых художников и умоляла отца разрешить мне потратить немного денег на сбор бобов.Я копил с тех пор, как в восемь лет стал полевым работником, работая вместе с рабочими-мигрантами. Он сдался и позволил мне отослать меня на заочное обучение. Напомню, что на первом или втором уроке я должен был нарисовать курицу. Я терпел неудачу снова и снова.
Джаспер Джонс: Карта , 1961, холст, масло, 78 на 123 дюйма. Музей современного искусства, Нью-Йорк. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-ЙоркИтак, в 1956 году я решил поступить в художественную школу при олимпийском младшем колледже в Бремертоне, штат Вашингтон.В моем классе были все ветераны Корейской войны по законопроекту о военнослужащих. Это было мое первое знакомство с Джаспером Джонсом? Я всегда так думал. Мой учитель был родом из Нью-Йорка, учился ли он там, знал ли он художников там? Не помню. Все, что я точно помню, это то, что он сказал мне в конце года, что я могу рисовать лучше мужчин, но женщина не может быть художником. Он предложил мне заняться преподаванием.
Похоже, Джонс запечатлелся в моем мозгу. В 1960-х, переехав в Сиэтл, затем в Хьюстон, а затем в Мальборо, штат Массачусетс, я пошел в школу в Государственном колледже Фрамингема, решив стать учителем.Джонс, конечно же, был включен в учебную программу. В середине 70-х, когда я жил в Нью-Мексико, я ездил в Нью-Йорк и лично изучал его работы.
Я был влюблен в краску, текстуру краски, поверхность краски, и в то время я не знал никого, кто создавал бы поверхность на картине, как Джонс. Я решил, что если бы я научился рисовать, у меня не было бы ничего лучше, чем практиковаться, имитировать и изучать его текстуру, его мазки. Я часами стоял перед холстом, накладывая краску на контур карты, держа книгу с репродукцией Джонса.Я видел карту украденной земли, карту геноцида, карту нерассказанной истории США, которую, я полагаю, он не видел. Моя потребность создать историю с политическим заявлением отличала меня от его бесстрастного наслоения красок, часто в основных цветах. Но я не хотел делать политический плакат, я хотел написать картину. Кто лучше меня наставляет, чем Джонс, самый элегантный художник, которого я знал.
Гленн Лигон
В 1964 году Джаспер Джонс написал себе записку: «Возьми предмет / Сделай что-нибудь с ним / Сделай с ним что-нибудь еще.[Повтор.] »
В 2008 году я написал в журнале: «Поверь на слово / Сделай что-нибудь с ним / Сделай что-нибудь еще с ним [Повторить]».
Гленн Лигон: Double America 2 , 2014, неон и краска, 48 на 145 на 3 дюйма. Предоставлено Hauser & Wirth, Нью-Йорк, Regen Projects, Лос-Анджелес, Thomas Dane Gallery, Лондон, и Chantal Crousel, Париж, Джаспер Джонс: Две карты II , 1966, литография, 33 на 26 дюймов.Музей американского искусства Уитни. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк Гленн Лигон: Rückenfigur , 2009 г., неон и краска, 24 на 145 на 3 дюйма. Предоставлено Hauser & Wirth, Нью-Йорк, Regen Projects, Лос-Анджелес, Thomas Dane Gallery, Лондон, и Chantal Crousel, Париж, Johns: Maps I , 1966, литография, 33 на 26 дюймов. Музей американского искусства Уитни. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк, Джаспер Джонс: Карта из портфолио «Художники для Обамы», 2012 г., литография, 14 на 11 ½ дюймов. Предоставлено Gemini G.E.L. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк, Гленн Лигон: Без названия, 2008, неон и краска, 24 на 168 дюймов. Предоставлено Hauser & Wirth, Нью-Йорк, Regen Projects, Лос-Анджелес, Thomas Dane Gallery, Лондон, и Chantal Crousel, Париж,Маргарет Ли
Маргарет Ли: I.C.W.U.M. # 03 , 2019, газета, масляные краски, масляная пастель, гвозди, холст, 48½ на 36 дюймов. Предоставлено авторомДисплей всегда привлекал мое воображение больше, чем реальные объекты, доступные для размещения. При этом все мои годы, одержимо доводя объекты до их простейших и скользких значений, вернули меня к фактуре вещей. Это вернуло меня к рассмотрению Flag (1954–55). Я явно воспринимал это произведение как должное, предполагая, что понимаю, что оно представляет.Невозможно было отделить воспоминания о произведении от моих сложных диаспорных переживаний по поводу национализма. Но я признаюсь, что искал это, прежде чем в прошлом году приступить к рисованию. Просмотр IRL заставил меня осознать, что я упустил из виду его материальную конструкцию и полосы газет, которые все еще видны через энкаустику, покрывающую поверхность. Я обнаружил, что смотрю на края и середины, просматривая работу, не цепляясь за какие-либо претензии на знание этого.
Джаспер Джонс: Флаг , 1954–55, энкаустика, масло, коллаж, ткань на фанере, 42¼ на 60⅝ дюймов. Музей современного искусства, Нью-Йорк. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк,Существует неоспоримая практичность в использовании легкодоступного материала, такого как газета, когда вы берете объект, делаете что-то с ним и делаете с ним что-то еще, перефразируя знаменитую цитату Джонса. Печатные новости дня содержат детали и отвлекают. Во времена Джонса чтение газеты было банальным занятием. В наше время это анахроничный акт неповиновения или упрямства.Как бы ни приходилось складывать старые газеты в студии, нетрудно увидеть их потенциал для использования. Нанесение этого материала на холст обеспечивает новую поверхность вдали от переплетения, позволяя краске двигаться и сидеть по-разному. Чтение наряду с вырезанием и вставкой меняет взгляд на вещи. Выбор того, что остается видимым в преобразовательной пошаговой работе в слоях материала, дает возможность спрятаться у всех на виду. Затем предоставляется пространство для наведения между ними, что усложняет представление за пределами , это , а не , а ., что-то и , что-то еще , возможно, позволяют нейтрализовать ограничения отображения. Эти операции служат напоминанием о том, что художественная автономия выходит за рамки контроля условий демонстрации своей работы. Остатки предоставляют примечания для чтения за пределами поверхности представления.
Джаспер Джонс: Гоночные мысли, 1983, энкаустика и коллаж, холст, 48 на 75 дюймов. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк.© 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк,Ребекка Уотсон Хорн
С 0 по 9 (1961) мы видим числа, расположенные друг над другом и расположенные друг над другом. Без последовательности значение становится бессмысленным, знак становится изображением. Мы не знаем, на что смотрим. Это близость Джаспера Джонса. Когда мы доверяем языку и некритически наделяем его способностью описывать и анализировать, мы уже далеки от самой вещи. Но когда мы подходим к миру, идеям и языку, не делая предположений, с вопросами: «Что это? Кто я? »- это близость, это любовь.
Ребекка Уотсон Хорн: Без названия , 2020, мешковина, масло, 31 на 25 дюймов. Предоставлено авторомДжонс применяет различные тактики, чтобы создавать эти «скачки», эти моменты незнания. В « Гоночных мыслях » (1983) он использует знакомые, простые вещи, чтобы мы успокаивались, думая, что знаем, на что смотрим. Он пишет воском вместо масла. Кто не играл с зажженной свечой? Основные цвета, серый с черным (запрет художественной школы), плакат с изображением Моны Лизы, гвоздь и его тень, нанесенные по трафарету буквы — это то, что мы знаем.Его грубое использование trompe l’oeil никогда не пытается убедить зрителя в иллюзии. Скорее, это тактика возни с познанием. Ближе к центру Racing Мысли мазок краски формирует тень плохо нарисованного гвоздя, как если бы этот набросок действительно вбивался в поверхность. Однако это не физическая вещь, а всего лишь ее намек. Согласный T появляется несколько раз в этой работе, визуализированный с помощью различных наборов трафаретов. Буква T — это не переживание этого звука, прикосновения языка к зубам. T — это абстракция, идея, и остается таковой, если только наши тела и разум не активизируют ее для придания ей смысла. С помощью беспорядочной уловки Джонс прерывает непосредственность распознавания, чтобы мы могли наблюдать, как T , гвоздь и его тень — это язык, переходящий в изображение, изображение переходящее в язык.
Я думаю, что процесс, который я здесь описываю, характерен для всех великих произведений искусства. Это воплощенная передача знаний через опыт. Это гностическая форма обучения.Джонс проводит нас в своем материальном исследовании автоматического когнитивного процесса называния: «Это то». Это политически, но не очевидно — вот почему его флаги такие умные и непонятные. Я делаю работы на основе своих наблюдений за языком и формированием мысли. Они не основаны на визуальном восприятии. Они также не разборчивы, хотя формы букв очевидны. Я следую тому, что, как я чувствовал, делает работа Джонса, когда впервые столкнулся с ней в студенческие годы. Его отметки сопротивляются созданию смысла. Его работа не имеет значения.Он ставит нас перед самой вещью и ставит под сомнение наше отношение к ней. Он создает разрыв в языке, пространство незнания, вопросов и любопытства, скромного наблюдения — переживания близости.
Джош Смит
Джош Смит: Без названия, 2015, бумага, монотипия, 33 на 25 дюймов. Предоставлено Дэвидом ЦвирнеромДжонс проливает свет на всю траекторию. Я не знаю всего, что он сделал с гравюрой, но чувствую, что у меня есть целостное понимание.Рисовать все время можно многовато. Было бы хорошо потратить некоторое время на изучение других творческих ситуаций. Печатная студия — это место, где можно пойти на большой или маленький риск и, возможно, сделать маленькие или большие открытия. Два-три дня работы с настоящим гравером — это перерыв и шанс побыть с явно талантливыми людьми.
Сладкий запах типографии. Чернила и химикаты освежают после долгого нахождения рядом с масляной краской и скипидаром. Есть и цвета чернил.Они разные, и их невозможно воспроизвести масляными красками. Бумага — еще одна важная часть поделки. Такую тонкую и особую бумагу можно использовать для нанесения изображения. Как только вы начнете замечать тонкие аспекты всего, вы сможете начать строить мир.
Я видел несколько видео, где Джаспер Джонс работает над гравюрами. Он приносит себя и объединяет все знания, методы и оборудование, которые предлагает ситуация. Его оценка возможностей очевидна. Для него эстамп — это эксперименты и сотрудничество.Он уверен в себе и компетентен, но всегда открыт для новых возможностей. Я не вижу, чтобы он воспринимал что-либо как должное. Есть аспекты печати, которые нельзя контролировать или предсказать. Пресс оказывает давление. Давление приводит к несчастным случаям. Я люблю это.
Джаспер Джонс: Savarin , 1982, монотипия, 50 на 30 дюймов; опубликовано ULAE. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк. © 2021 Джаспер Джонс / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк,Люди часто говорят об интеллектуальных качествах работы Джонса.В принтах все, что осталось, но вес уменьшился. Его отпечатки более точны. Картина может длиться вечно, тогда как печать нужно отпускать или убивать относительно быстро. Создание и изготовление отпечатка не может занять слишком много времени, потому что тогда вы захотите попробовать что-то еще. Художникам нужно печатать, поэтому художник должен уйти. Они ждут, когда ты уйдешь. Это несколько заставляет его руку. Картины Джонса как бы зашиваются (таким милым образом), а отпечатки лежат прямо на листе бумаги.
Все это эволюционировало. От ранних литографий ULAE до монотипий, которые он в настоящее время делает, были выявлены и исправлены бесчисленные обманчивые нюансы. В конце концов, каждый отпечаток проецирует момент. Может быть, как он себя чувствует в тот день, я не знаю. Это только мои мысли, я понятия не имею, о чем он думает. Я вспотел писать это. . . .
Первой книжкой по искусству, которую я когда-либо купил, со скидкой для сотрудников Barnes & Noble в размере 20%, была книга «Джаспер Джонс: рисунки» .
