10 разных типов рисовки аниме, о которых должен знать каждый художник | АниСериалс

Рисование в стиле аниме одно из самых популярных в мире. Давайте признаем, красота японской анимации захватила мир. Хоть с первого взгляда кажеться, что всё аниме похоже по стилю на самом деле это не так и в этой статье мы расскажем вам о разных стилях рисовки в аниме.

1. Чиби стиль

Квартет из альтернативного мира

Квартет из альтернативного мира

Скорее всего вы уже знаете что это за стиль. Чиби это слово из японского сленга, означает «маленький». В аниме среде это означает милых персонажей, которые нарисованы маленькими и милыми. Как правило персонажи выглядят намного моложе в таком стиле. Обычно в таком стиле обрисовывают комедийные сцены после эндинга либо незначительные овашки с персонажами.

2. Моэ стиль

За гранью

За гранью

Определение стиля моэ сложно определить. Этот стиль эксплуатирует предпочтения людей. Иногда создатели аниме делают это осознанно, а иногда просто случайно запрыгивают в поезд фанатов моэ.

Стиль моэ это милые девушки, которые выглядят очень молодо. Обычно к ним добавляют какие-то интересные детали для фансервиса, например — очки.

3.

Сёдзё стильThe Poe Clan

The Poe Clan

Манга The Poe Clan отличный пример классической сёдзе рисовки, хотя сама манга издана в 2019.

Современная рисовка сёдзе — отличительная черта много милых элементов. (аниме: Ежемесячное сёдзё Нодзаки)

Современная рисовка сёдзе — отличительная черта много милых элементов. (аниме: Ежемесячное сёдзё Нодзаки)

Возможно вы уже слышали это название. Так называется аниме нацеленное в основном на женскую аудиторию. В основном в этом жанре используются темы, которые по мнению японцев интересны девушкам — романтика, драма, комедия и дружба. Этот стиль обычно подчёркивают рисовкой. Она естественно менялась со временем. Если вам интересно, то я сделаю отдельную стать на эту тему.

4. Сэйнэн

Царство

Царство

Противоположность сёдзе. Это жанр манги рассчитанный на мужчин. Хотя как сёдзе так и сённен смотрят представители обоих полов, это очень условное разделение. Стиль рисовки более реалистичный и грубый. Обычно у аниме этого жанра сложный сюжет.

5. Дзёсэй

Princess Jellyfish

Princess Jellyfish

Стиль рисовки для манги нацеленной в основном на взрослых женщин. Слово «дзёсэй» буквально означает «женщина». Этот стиль используют для выражения повседневных проблем женщин без особой сюжетной драмы.

6. Кодомо

Мой сосед Тотторо

Мой сосед Тотторо

Стиль кодомо нацелен на детей. Если вы хотите подчеркнуть, что ваш комикс нацелен на детей, то это отличный выбор. Этот стиль не похож на чиби. Он чуть более приближен к реальности, но всё равно остаётся милым и красочным.

7. Мультяшное аниме

Да, это всё ещё аниме

Да, это всё ещё аниме

Звучит конечно как тавтология, но это новый подвид стилистики аниме. К нему относятся все аниме, которые пытаются копировать стиль западных современных мультиков.

8. Реалистичная рисовка

Сага о Виланде

Сага о Виланде

Чем более реалистичная рисовка, тем сильнее и сложнее должен быть сюжет. Трудна сказать, что такая рисовка близка к реализму, но всё же она к нему более приближенна чем персонажи с носом закорючкой из обычных аниме.

9. Кэмоно стиль

Дракон горничная

Дракон горничная

Это стиль в котором аниме персонажи дают атрибуты каких-то животных и это определяет его характер.

10.

СёнэнГерои манги из журнала «Джамп»

Герои манги из журнала «Джамп»

Стиль рисовки показывавший, что это аниме нацелено на парней и в нём будут драки, мотивационный сюжет и много действий.

Мы перечислили лишь малую часть! В аниме куда больше стилей рисовки, чем принято считать.

Стили и направления в живописи. Художественные техники

Время прочтения: 4 мин.

Если нет времени читать,
то отправь на свою почту

По мнению опытных педагогов-мастеров, для ребенка школьного возраста подойдет любой художник, не важно, на чем он сам специализируется. Важно, чтобы он с любовью относился к детям и своему предмету. На уроках у такого педагога у ребят не возникает трудностей, они занимаются с удовольствием и заметно с каждым годом развиваются в своих навыках.

Позже, если ребенок серьезно увлечется каким-либо видом изобразительного искусства (живопись, графика, скульптура) и пожелает совершенствоваться в нем, появится смысл обращаться к преподавателю с более узкой специализацией. Каждый педагог имеет свой стиль и любимую технику, а также свой метод преподавания. Это можно обнаружить при знакомстве с работами его учеников. У разных преподавателей учащиеся рисуют по-разному. Хочет ребенок научиться рисовать так же? Нравится ему этот стиль? Если нравится, то можно записываться именно к этому педагогу, именно в эту школу или на курсы.

Как соотносятся стили и техники

Коротко говоря, стиль – это манера художника, свойственный ему колорит, а техника – это средства, с помощью которых можно получить картину в авторском исполнении. Иногда художественный стиль и технику сравнивают с исполнением музыкальных пьес на разных инструментах. Если вы видите, что ребенку некомфортно на уроках рисования, в течение года или двух не происходит заметного роста, лучше сменить преподавателя или курсы (школу). Все может исправить другой метод преподавания, возможно, вашему ребенку хочется попробовать себя в другом художественном стиле и технике.

Когда школьник несколько лет успешно учился рисунку у одного преподавателя, то нецелесообразно переходить к другому педагогу, который рисует в другом стиле, даже если о нем говорят много хорошего. Ребенок может оказаться в ситуации, о которой говорилось выше, – «переучивание на фортепиано после скрипки».

В некоторых случаях различия в стиле могут быть почти незаметны. Надо присмотреться к ребенку. При смене стиля в творчестве ученика может произойти регресс, рисунки станут существенно слабее. Чем больше новый стиль отличается от прежнего, тем дольше ребенок будет к нему привыкать. И это будет тормозить развитие художественных навыков ученика.

Больше разговаривайте с детьми о том, как они себя чувствуют на занятиях рисованием. Нравится ли им педагог, его и их собственные работы, растет ли их уровень. Бывает, что ученику нравится педагог как личность, однако после двух лет обучения никакого прогресса в обучении не заметно. Это говорит о том, что преподавателя надо менять. Видно, данная методика не подходит ученику, может быть, нужно сменить технику рисунка и стиль, как бы ни было жаль расставаться с интересным человеком. Мудрый педагог сам сообщит родителям о необходимости сменить школу или технику.

Чтобы понять, надо ли менять преподавателя, стиль, технику рисования, методику, должно пройти не менее двух лет без заметных улучшений в навыках ученика. За менее длительный срок трудно что-либо оценить, ведь многие дети сначала накапливают знания, аккумулируют навыки рисунка, а потом резко выдают улучшенные результаты. После этого наступает период постепенного, но стабильного роста мастерства художника.

Приглашаем в Центр художественной подготовки

Важный принцип успешного развития навыков – стабильность в обучении.

При регулярных занятиях обязательно будет улучшение навыков рисования, не зависимо от того, какой стиль предпочитает преподаватель, какая у него методика и любимая техника. Остановить рост мастерства может только необоснованное переключение с одного стиля на другой или смена техники. Иногда это может полностью остановить развитие художественных навыков.

Некоторые преподаватели разрешают ученикам развивать свой собственный оригинальный стиль, не похожий на художественный стиль педагога и других учащихся. Однако если сам учитель не владеет этим стилем хотя бы чисто теоретически, учебный процесс будет отпущен на самотек, при этом невозможно будет предсказать, каким станет конечный результат обучения.

Можно ли одновременно учиться рисовать в разных техниках?

Преподаватели ИЗО говорят, что вполне возможно параллельно изучать разные техники, если они близки и похожи. Либо изучать их поверхностно, не добиваясь глубоких знаний и совершенных навыков. Многие педагоги так и планируют свою программу, разрешая своим ученикам пробовать себя в разных техниках.

На дизайнерских направлениях обучающиеся, как правило, осваивают многие стили и техники. Однако это не углубленное изучение, здесь нет погружения в предмет, нет сильного давления на учащегося. Задачей обучения становится развитие особенного навыка – умения создавать удобное визуальное пространство, способствующее более полному восприятию определенного художественного стиля.

А попытки углубленно изучать сразу несколько различных стилей и техник обычно не дают хороших результатов.

За разнообразие стилей и техник

Ни один стиль нельзя назвать лучше или хуже другого. Есть педагоги, которым определенный стиль не нравится, но это всего лишь дело вкуса конкретного человека. Если вашему ребенку импонирует определенный стиль, техника, которые педагог запрещает на своих уроках, – это тот самый законный повод сменить преподавателя. Стоит только заглянуть на сайты иллюстраторов – какое разнообразие техник и стилей, изобразительных приемов! И все они находят свое место, своего зрителя, способного оценить мастерство и талант художника. Выбирайте любой, но не забывайте, что каждой манере нужно серьезно учиться, каждая техника требует опытного педагога и наставника.

Понравилось? Поделитесь с друзьями!

исторические факты, описание и интересные факты

Аниме является разновидностью японской анимации, предназначенной для взрослой аудитории, в отличие от большинства европейских мультипликационных фильмов, с характерной прорисовкой персонажей и мира вокруг них.

Издается оно зачастую в формате ТВ-сериалов, реже — полнометражными картинами, и поражает разнообразием жанров, сюжетов, мест и эпох, в которых происходит действие. Это и послужило столь высокой популярности рассматриваемого искусства.

Самый ранний стиль аниме обладает одной характерной особенностью — неестественно огромными и очень детализированными глазами у персонажей, причем позднее их размер и форма стали указывать на возраст и степень наивности своего обладателя.

История создания японской анимации

История аниме уходит в начало 20-го века, когда японские режиссёры затеяли первые эксперименты в мультипликации, взяв за основу западные техники. Первопроходцами в этой области стали Симокава Отэн, Дзюнъити Коти и Сэитаро Китаяма. Позднее стал использоваться метод аппликационной анимации, а затем за дело взялся небезызвестный Осаму Тэдзука. Он по праву считается основоположником современного аниме.

Данный вид искусства прошёл долгий путь развития. Сегодня стили аниме, его жанры и виды стали намного богаче, чем почти столетие назад. Сейчас оно стало неким культурным пластом, почитаемым как детьми, так и взрослыми.

Виды

Как было сказано ранее, стиль «аниме» имеет множество жанров и видов. Они делят аудиторию выходящих в прокат картин по возрастным и иным критериям.

Таких видов всего пять:

• Кодомо — предназначено для детей до 12 лет, в основном относится к сказкам.
• Сёнэн — категория для подростков до 18 лет, рассчитано на мужскую аудиторию.
• Сёдзе — для девушек до 18 лет.
• Сэйнэн — рассчитано на взрослых мужчин.
• Дзё — предназначено для девушек после 18 лет.

Также аниме подразделяется по продолжительности: OVA (создана для показа на видео) — около 23-25 минут, полнометражное — длительностью до 120 минут и короткометражное, рассчитанное на полчаса.

Жанры и их описание

Поскольку аниме является своего рода киноискусством, в нём прослеживается богатство сюжетов и, как следствие, жанров. В большинстве своём они мало отличаются от уже существующих в мировом кинематографе, однако пара исключений всё же есть.

• Антиутопия — показывает общество далекого будущего, находящегося в состоянии упадка, нередко сгнивающего изнутри под натиском законов, подавляющих личность, и правительства в целом. С внешней стороны такой мир, однако, многим может показаться идеальным. Такой жанр часто показывает и трагическое злоупотребление высокими технологиями, предупреждает, к чему может привести человека его нынешний образ жизни.
• Бисёнен повествует о любви между привлекательными юношами, при этом речь идёт именно о платонической стороне отношений, физическая близость не имеет места в этом жанре.
• Махо-сёдзе изображает маленьких девочек, наделённых магическими способностями.
• Меха — в этом жанре главными героями оказывается робот или иная техника.

• Приключения в стиле аниме содержат в своей основе увлекательные истории и необычные места действия. Они увлекают в нарисованный мир яркостью впечатлений и энергичностью сюжета.
• Хорошим примером спортивного жанра будет сериал «Свободный стиль». Аниме в данном случае акцентирует внимание на различных видах физической активности человека, где особое внимание уделяется тренировкам и процессу самосовершенствования.
• Также существуют сёдзе-ай, повествующее о любви между девушками, и сёнен-ай — по сути, то же самое, что и бисёнен.

Стили аниме

За появление японской анимации стоит благодарить основателя Mushi Productions — Осаму Тэдзука. Именно он смог вывести определённую манеру отрисовки, отталкиваясь от которой, художники развили иные стили аниме. Особенности изображения героев его лент стали каноническими: огромные детализированные глаза, округлая голова и упрощенные формы — всё это дело рук Осаму.

Далее следует его современник — Акира Матсумото. Его аниме всегда отличались загадочностью и трагичностью сюжета, а также отрисовкой женских персонажей. Они выделяются даже сегодня, благодаря необычной вытянутой форме глаз, утончённому носу и очень маленькому рту.

Нельзя обойти и легендарного Хаяо Миядзаки. Особенностями его работ стал не только очень глубокий, цепляющий душу сюжет, но и прекрасно нарисованные фоны, создающие ощущение сказки. Миядзаки отлично работает с цветом и светотенью, а его персонажей легко узнать по круглым глазам, гармонично расположенным на лице.

Этим список стилей не ограничивается, однако указанные здесь можно счесть самыми основными. Чтобы узнать больше, можно взглянуть на работы таких людей, как Акира Торияма, Такахаши Румико и Го Нагаи.

Интересные факты

1. Люди в стиле аниме часто обладают нереалистичными пропорциями, например, у взрослого мужчины, изображённого в такой технике, талия может быть столь же тонкой, как и у героини, несмотря на мощное телосложение.
2. Манера рисовать персонажам огромные глаза для передачи сильного удивления была заимствована Осаму Тэдзука у Уолта Диснея, что основатель компании Mushi Productions неоднократно подтверждал.
3. Самый длинный сериал аниме идёт вот уже 47 лет.
4. Несмотря на размытую грань отличий между особенностями рисовки в японской анимации, свободный стиль аниме как таковой не существует. Все его разновидности чётко привязаны к своим создателям.
5. Сериал «Сейлор Мун» демонстрировался по российскому телевидению практически без цензуры; единственной правкой было изменение признания в любви юноши другому мужчине, заменённое на более «целомудренный» вариант: «Я люблю Вас, как отца».

Распространение аниме

Манга и аниме стали частью культуры Японии едва ли не с момента появления телевизоров. Сегодня в Стране восходящего солнца ежегодно создаются более 50 анимационных сериалов и фильмов в год, большая часть которых затем переводится на другие языки и выходит во многих странах мира, включая Россию.

В настоящий момент в среде фанатов данного искусства крайне распространены любительские произведения, такие как додзинси, AMV (клип с использованием видеоряда из сериала или полнометражного фильма) и написание рассказов по мотивам фэндомов.

Такая активность со стороны поклонников приводит к тому, что жанры и стили аниме заметно расширяются, а масштабные мероприятия, связанные с ним, происходят всё чаще и завоёвывают всё большую популярность.

Стиль в рисунке • Учимся рисовать

Наступает момент, когда у новичка появляется стремление обрести свой собственный стиль, что вполне естественно.

Однако важно понять, что настоящий стиль определяется не одним лишь желанием его иметь, но оттачиванием всех навыков, для того чтобы уметь рисовать все, что угодно, не заботясь о соблюдении критериев стиля.

Многие из великих художников начинали рисовать так, как рисовали их учителя, и только через много лет, развиваясь, приобретали свой собственный стиль.

Итак, предмет нашего разговора — не смутное желание иметь определенный стиль, но продолжительная борьба за то, чтобы рисовать мир таким, каким его видит художник.

Все представленные здесь стилистические направления — результат многолетних упражнений, связанный с собственными жизненными принципами художника, тем, что он думает о предмете, который собирается изобразить.

Две первые работы выражают тенденцию к романтическому восприятию мира, другие решены в более наивной или более абстрактной форме. Многие примеры носят весьма декоративный характер, а некоторые из них — сюрреалистичны, но, прежде чем приобрести право на выражение своей особой точки зрения, все авторы прошли долгий путь совершенствования своего мастерства.

То есть, если вы начинающий художник, старайтесь не слишком задумываться о своем собственном стиле, а изучите некоторые из представленных здесь примеров, чтобы понять, действительно ли вам хочется следовать какой-то определенной системе. В любом случае, для практики полезно попробовать себя в разных стилях, поскольку таким образом вы сможете оценить свои умения и уровень мастерства.

Оба эти рисунка в некотором смысле воскрешают в нашей памяти романтические образы зданий: один предлагает нам романтический вид на нью-йоркские небоскребы, суперэлегантные строения, подразумевающие совершенство, выходящее за рамки понимания большинства из нас; второй пробуждает ностальгию по давно ушедшему прошлому и загадочным, теперь уже редко встречающимся очертаниям.

На рисунке, сделанном по картине «Шелтон» (художницы Джорджии О’Кифф), перед нами — изображение небоскреба, от которого отражается солнечный свет. Рисунок в подобном стиле требует ясности и строгой определенности в работе с градацией тонов, похожей J на ту, что проявляется на черно-белой фотографии. Если вы новичок, то можете взять в качестве образца настоящую фотографию и включить в рисунок все мельчайшие случайные дефекты, которые встречаются на фотографиях, например отражения и блики.

На копии картины Джона Пайпера (1903-1992) — ночной вид церкви в замке Фотерингей. Благодаря ясно очерченным контурам здание ярко выделяется на фоне очень темного неба. Мастерски передана текстура растрескавшихся стен старой церкви, а декоративный эффект подчеркивает лепнина, обрамляющая двери и окна. Глубина и контрастные тени усиливают восприятие пронизывающего церковь лунного света.

Японский мастер пейзажей Андо Хиросигэ (1797-1858) заимствовал формы у природы, но больше его увлекал дух или сущность сюжета, как произведения искусства. Он не желал просто с точностью копировать то, что видел. Он искал ключевые точки и равновесие элементов избранной им сцены, а затем тщательно конструировал пейзаж, стараясь повлиять на наше видение. Он передавал только самые основные очертания и то, как они соотносятся друг с другом. Обычно художник несколько подправлял их расположение или позицию, чтобы сделать рисунок наиболее эффектным с эстетической точки зрения. На самом деле пейзаж служил художнику лишь отправной точкой, а его сознание, восприятие и мастерство, вдыхая в рисунок жизнь, одновременно вызывали определенный отклик у зрителя. Опыт не был принесен в жертву случайности.

Рисунок с видом Карлсбада, сделанный по картине чешского художника Антонина Рехака (1902-1970), создан в наивной манере и не вызывает сомнения во владении художником перспективой, но реальные подробности и отчетливость каждого из фрагментов рисунка переданы с одинаковой интенсивностью, будь он расположен близко, далеко или где-то посередине. Такой прием подходит для декоративного, игривого стиля рисования.

Рисунок по картине хорватского мастера Ивана Рабузина (род. в 1921 г.) «Птица мира» — это необычный образ мира, созданного из одних только деревьев, тщательно разделенных на несколько уровней и четко выстроенных, который представляет собой типичную попытку наивного

художника изобразить доисторический или мифологический сюжет. С особой скрупулезностью он выписывает каждое дерево, повторяя его до бесконечности, тогда как в небе повторяется один и тот же образ облаков. Ничто здесь не выглядит случайным, только очень старательный садовник мог бы добиться такого эффекта. Разумеется, этот пейзаж нельзя воспринимать как ошибочное представление о реальности. Доведенный до крайности формализм способствует силе его воздействия, заставляя вас осознать, что сюжет в целом подчинен определенной идее.

Понятно, что «Закат солнца в девственном лесу», выполненный по картине Анри Руссо, прозванного Таможенником (1844-1910), представляет собой воображаемый пейзаж. Буйная растительность наводит на мысли о джунглях, а растения выглядят так, словно сами были скопированы с гравюр, оттиски которых в те времена часто встречались в книгах по географии и иллюстрированных журналах. Возможно, художник обогатил свои знания, посетив парижский ботанический сад. В оригинале среди тщательно продуманного беспорядка пышной растительности располагаются фигуры человека и животного, в этом варианте они отсутствуют. Несмотря на то что этот пейзаж — явный плод фантазии городского жителя и по стилю относится к наивному искусству, в целом он оставляет очень сильное впечатление.

Оба эти мастера подчиняют жанр пейзажа собственному художественному видению мира.

Очень абстрактный рисунок, сделанный на основе картины английского художника немецкого происхождения Франка Ауэрбаха (род. в 1931 г.) «Морнингтон Кресент зимой». Темные полосы выполнены тушью и кистью, так же кистью исполнены отдельные пятна светлых тонов. Эффект материальности достигается с помощью мела, накладываемого слоями одновременно с каждым новым слоем полос, и порой почти уничтожающего слои, лежащие под ним.

На картине «Маяк» итальянского художника-самоучки Карло Карры (1881-1966) пейзаж выглядит почти натурально, исключение составляют только странные, до крайности упрощенные очертания зданий. Это мир мысленных образов, когда ментальное изображение воспринимается как более близкое к реальности, чем физический облик, который обычно мы считаем реальным. Если так, то где же в нашей голове рождается тот образ пейзажа, на который мы смотрим? Как узнать, что он «не отсюда», если не полагаться на собственные чувства? Нелегко понять, что менее реально — видимый нами ментальный образ или истинный объемный материальный мир.

Композиция английского мастера Питера Куфельда (род. в 1952 г.) представляет ателье художника и повернувшуюся к окну обнаженную девушку, которая отражается в стоящем за ее спиной большом зеркале, в нем мы наблюдаем ее с противоположной стороны, а также видим окно, выходящее в сад. На самом деле мы смотрим на две фигуры под разным углом обзора, что создает иллюзию глубины и добавляет изюминку рисунку. Создается ощущение, что нам нужно чуть-чуть сдвинуться в сторону, чтобы увидеть в зеркале еще и отражение художника.

Эта сцена на открытом воздухе также написана Куфельдом, перед нами — девушка, сидящая за столом в саду и читающая книгу. Она окружена цветами и листвой деревьев, а на заднем плане как будто виднеется окно. На столе — неубранная посуда, и, может быть, по оставленным на столе приборам мы снова можем догадаться о присутствии художника. Как и на картине с обнаженной девушкой в студии, мы наблюдаем очень личную сцену, но теперь замкнутое пространство находится вовне, а белая скатерть, железные стулья и окружающая сцену пышная растительность помогают нам проникнуться ощущением происходящего на открытом воздухе.

Некоторые художники придерживаются репрезентативного стиля в рисовании, в этом случае их рисунки отличаются особой глубиной. Заметно, что тщательно продуманная компоновка сцены несколько искусственна, но выглядит довольно натуральной для того, чтобы мы могли в нее поверить.

Двойной портрет, на котором Люциан Фрейд изобразил себя и свою жену в спальне парижской гостиницы, представляет нам героев в необычных позах и двусмысленной ситуации. Почему она лежит на кровати, а он стоит у окна? Очевидно, что художник должен был стоять, рисуя портрет, но ничто не намекает на то, что он — художник. Здесь нет фотокамеры, альбома с эскизами, он не держит в руках палитры и кисти. Итак, в чем может заключаться его замысел? Есть только одно объяснение, заключающееся в том, что жена Фрейда была в это время серьезно больна, поэтому он, возможно, случайно остановился на подобной композиции, поскольку только таким образом мог изобразить их обоих. В руках первоклассного художника неординарное решение превратилось в потрясающую идею. Достаточно случайно брошенного на картину взгляда, чтобы многое понять о том времени, когда она была написана (в 50-е годы XX века).

Американский художник Чак Клоуз (род. в 1940 г.) создает портреты огромных размеров. Часто по стилю они походят на фотографии для паспорта, которые делают в кабинках фотоавтоматов, но их размеры достигают в высоту около 1,5-1,8 м и отличаются мельчайшими, тщательно выполненными деталями, что характерно для фотографического реализма. В результате сочетания гигантских пропорций с кропотливой техникой миниатюры получаются монументальные и мощные образы.

Возможно, идея попробовать себя в таком жанре вас испугает. На самом деле, я думаю, вы почувствуете очень большую свободу и извлечете из этого огромную пользу.

Самый простой путь — это приколоть на стену лист картриджной бумаги и спроектировать на него с самым большим увеличением, которое вы сможете получить, слайд с фотографией вашей модели. Обрисуйте контуры модели, следя за правильностью пропорций. Затем забудьте о слайде и перенесите все свое внимание на живую модель. Глядя на нее, начинайте рисовать портрет, ориентируясь по контуру, чтобы не исказить очертания. Подумайте, насколько подробно вы можете проработать детали, особенно волосы, которые трудно передать в таком формате. Самый приятный момент приходит тогда, когда вы приступаете к глазам и рту, перенося на такой огромный лист бумаги то, что у вас перед глазами.

Удачи, и получите удовольствие! Возможно, вас удивит собственное мастерство.

Совершенный способ изображения человеческой фигуры, которым владел английский художник Юэн Аглоу (1932-2000), крайне точен, но отнимает много времени, известно, что художник мог потратить годы, работая над одной-единственной картиной. Чтобы добиться подобного колоссального воздействия на зрителя, Аглоу создал обнаженную фигуру из сотен скрупулезных, выверенных мазков по холсту или бумаге. Законы геометрии просматриваются также в тщательно положенных тонах и цвете, дополняющих структурированные и мощные человеческие формы. При таком подходе неизбежно приходится жертвовать некоторыми признаками индивидуальности.

Здесь представлены рисунки, сделанные по картинам Томаса Гейнсборо (1727-1788), великого рисовальщика, способного очень лаконично передать форму, выделяя в ней самое главное. Ему удавалось наделить объект телесностью и материальностью, не задерживаясь на слишком подробной проработке контура.

На картине Гейнсборо, написанной в Ричмонде, изображена роскошная дама, вскользь смотрящая из-за плеча на художника во время прогулки, одетая в красивое, струящееся шелковое платье и большую черную шляпу. Осязаемость тела под одеждой угадывается благодаря небольшим пятнам меловых штрихов, расплывчатым тонам и белому цвету женской кожи, все говорит о чарующих формах этой довольно кокетливой дамы. Что больше всего бросается в глаза, так это молодое, проворное, но также материальное человеческое тело.

Как картины, так и рисунки польской художницы русского происхождения Тамары Лемпицкой (1898-1980) отличаются очень большой    стилизованностью. На портрете ее мужа Тадеуша резко очерченные основные формы, должно быть, очень точны, но слишком вылощены, без единой неровности или зазубринки. Тона положены чаще всего большими пятнами, мелкие детали не проработаны. В результате перед нами — тяжеловесный упрощенный рисунок.

Художник Майкл Эндрюс изобразил себя с дочерью в окруженной скалами заводи в момент обучения ее плаванию. Созданные им образы явно фотографичны, что делает картину довольно привлекательной, а передавая формы тела под водой, он также использует эффект преломления света и колебательный эффект волны. Он до минимума сводит брызги воды, резко выделяя их на темном фоне глубокой заводи. Благодаря равновесию между крупной, почти вертикально стоящей фигурой мужчины и маленькой, горизонтально расположенной фигуркой девочки создается необычный элемент композиции.

Оригинальный портрет ученого и писательницы Жермен Грир, авторство которого принадлежит британской художнице португальского происхождения Пауле Рего (род. в 1935), выполнен в технике пастели на бумаге с алюминиевой подложкой, настоящая же копия нарисована мелом, карандашом и тушью. Сложность повторения цветной пастели в обычном черно-белом рисунке состоит в том, что слегка шероховатую и текучую текстуру пастели приходится воспроизводить мелкими и тонкими штрихами, чтобы осталось то же ощущение, что возникает при взгляде на оригинал. При таком копировании нужно аккуратно обращаться с материалом, дабы сохранить характерные черты авторской работы.

Особенность копии написанного Рембрандтом портрета отца, которому в ту пору было за шестьдесят, заключается в том, что вместо линий здесь использованы тональные пятна. Карандаш сильно растушеван, благодаря чему создается почти такой же эффект, как если бы вы работали мелом.

Копия портрета Габриэль д’Эстре, принадлежащая руке одного из последователей Франсуа Клуэ (ок. 1520-1572), выполнена аккуратными, ровными линиями карандашом В и 2В. Местами добавлены легкие штрихи мела. Резко очерчены только глаза, ноздри и рот. Клуэ видит в ней настороженную и умеющую себя сдерживать восемнадцатилетнюю девушку, однако мы не уверены в ее искренности.

Оба художника выбрали для себя простой формальный стиль, а манера, в которой они создают свои произведения, оказывается по-новому интригующей, неожиданной и провоцирующей наше зрительное восприятие. Они заставляют задуматься над тем, что же мы считаем хорошим рисунком.

Линейный рисунок слева по картине «Вдох, выдох» (2002 г.) художника ирландского происхождения Майкла Крейга-Мартина (род. в 1941 г.) представляет нам стандартный набор мебели в жилой комнате, которая скомпонована таким образом, что смущает зрителя, который видит такие крупные предметы, как шкаф для хранения документов и лестницу-стремянку рядом с увеличенными в масштабе видеокассетой, точилкой для карандашей, электрической лампочкой и метрономом. Фокусной точкой картины служит стоящее посередине кресло на одной ноге, и все вместе своими обезличенными, чертежными линиями тяготеет к стилю рассылаемых по почте рекламных проспектов. Майкл Крейг-Мартин — один из тех редких художников, кто использует  в своих произведениях подобный род      формальной отстраненности от изображаемого предмета.

На бесхитростном примере итальянского художника Ренато Гуттузо (1912-1987) мы видим просто два яйца и подставку для яиц. Расположение яиц на плоскости, подчеркнутое дугой полусферы яйца в подставке, выпукло выделяющейся на фоне удаленной стены заднего плана, создает очень абстрактную и совершенно безукоризненную композицию.

Натюрморт, выполненный с картины испанского живописца Франсиско Сурбарана (1598-1664), ярко освещен с одной стороны. Интенсивность освещения и расположение предметов на темном фоне создают эффект подсветки и притягивают наше внимание к картине, позволяя ощутить в ней явный привкус декорации.

Большинство наиболее символичных картин в жанре натюрморта часто отсылают к прошлому и подталкивают к мысли о близкой кончине. Натюрморт, созданный по картине фламандского художника Бруйна Старшего (1493-1555), прост, но выразителен с точки зрения композиции: перед нами — угасшая свеча, череп с отдельно лежащей нижней челюстью и записка на нижней полке. Мрачные тени под полкой приближают предметы к зрителю, подчеркивая их значимость.

Обе работы созданы в очень традиционном стиле, без попыток заступить за границу живописной техники. Между тем подчеркнутая ординарность художественных приемов заставляет нас серьезнее, чем обычно, задуматься об их содержании. Несложно заметить, что оба художника были искусными мастерами, писавшими в такой манере.

Первый из наших рисунков выполнен по классическому натюрморту XVIII века, автором которого является итальянский живописец Карло Маджини (1720-1806). Здесь автор изобразил бутылки с вином, горшки с маслом, пестик в ступке и ряд других ингредиентов, таких как чеснок, помидоры, голубь и колбаски. Перед нами — довольно обычная картинка с изображением продуктов, необходимых для приготовления какого-то блюда. Обратите внимание на равновесие, которого добился художник между рукотворными объектами и овощами, птицей, колбасками. Громоздкая утварь отодвинута в глубину кухонной столешницы, а пища занимает передний план.

Рисунок, на котором мы видим несколько лимонов, высыпавшихся из мятой бумаги, отличается простотой и элегантностью, столь присущей британскому художнику Элиоту Ходжкину (1905-1987). Компоновка предметов выглядит случайной, но, возможно, тщательно продумана для достижения нужного результата. Как бы там ни было, композиция очень проста и убедительна.

Изображение разных предметов, которые можно отыскать на кухне, — освещенное веками занятие многих художников, а приятное разнообразие форм дает возможность вволю поупражняться. Кроме того, мысль о том, что в ближайшее время изображаемый предмет, вероятно, будет съеден, заставит пошевелиться и не затягивать работу над рисунком. Поторопитесь, иначе предметы превратятся в еду.

Очень декоративный натюрморт испанского художника Хуана Миро (1893-1983) смотрится естественно, хотя представлен в довольно стилизованном, смоделированном виде, предлагающем нам крайне любопытные, почти геометрические формы и плоскости. Текстура рисунка древесины не менее осязаема, чем текстура крапчатой папки с этюдами, разукрашенного кувшина, обрывка с газетным заголовком, лежащей по диагонали прогулочной трости и на вид мягкой и мятой снятой перчатки.

Натюрморт Анри Матисса даже еще более произволен в выборе форм фруктов и цветов. Их формы ощутимы, но не потому, что напоминают реальную субстанцию. Матисса интересовало, каким образом они располагаются на плоскости стола, который, если посмотреть внимательно, изображен под углом к нам. Очертания в целом создают очень симметричный узор, эстетически ограничивающий пространство и почти ничем не связанный с нашим представлением о фруктах и цветах.

Британский художник и гравер Крэйги Эйтчисон (род. в 1926 г.) рисует растения в вазах и все на свете сводит к минималистским формам, достигая при этом максимального воздействия на зрителя. Его одинокие, уязвимые цветы, поставленные в изящный, но прочный сосуд, расположены по центру и так просты, словно сошли с детского рисунка, обладая при этом какой-то возвышенной значимостью. Хорошо известный прием — изображение предмета в окружении свободного пространства — наполняет образ глубоким смыслом.

На рисунке, сделанном по работе Джордже Моранди, мы видим целый ряд бутылей и кувшинов, выделяющихся на темном фоне, а также две тарелки на переднем плане. Этот колоссальный натюрморт наводит на мысль о еще более крупных предметах, но составлен все-таки из тех самых компонентов, которыми всегда пользовался Моранди.

В натюрморте по картине Сезанна линии довольно тонко выполнены пером, а текстура передана мелом и акварелью, положенной кистью и отдельными пятнами. В одном месте меловые штрихи легли поверх акварели, а в другом — акварель нанесена поверх мела.

«Верхняя палуба», написанная в 1922 г. американским художником Чарльзом Шиллером (1883-1965), относится к жанру натюрморта на морскую тему, хотя любая комбинация машинных узлов или промышленных деталей могла бы стать в данном случае предметом изображения. На рисунке — загроможденная хаотично расположенными конструкциями палуба парового судна начала XX века, но все они по своей природе функциональны. На самом деле перед нами — огромный фрагмент натюрморта, почти трансформирующийся в поле пейзажа. Однако я полагаю, картину по жанру все же можно отнести к натюрмортам, поскольку подробности таковы, что объектом изображения скорее являются предметы, а не угадывающиеся морские просторы.

Рисунок «Мосты» (по картине американского художника Джеймса Дулина, род. в 1932 г.) очень реалистичен с точки зрения способа выражения и может быть отнесен в категории турдефорс (tour deforce). Особенно сложно передать постепенные переходы тонов. Чем больше вы будете стараться выдержать стиль фотографического реализма, тем лучше будет конечный результат. Кроме того, здесь присутствует элемент фотоискривления пространства, способствующий еще более реалистичному восприятию рисунка.

Рисунок, выполненный по картине французского художника русского происхождения Никола де Сталя (1914-1955), под назанием «Мартин», по сравнению с предыдущими выглядит значительно проще, но создавать такие крупные тональные пятна намного труднее, чем кажется на первый взгляд.

Если вы находите этот образ слишком плоским, не беспокойтесь, рисунок все же производит впечатление, независимо ни от чего. Главная трудность для новичка — недостаточная уверенность в собственных силах. Чтобы очертить основные контуры, лучше отложить в сторону карандаш и сразу взяться за кисть и акварель. Если же вы чувствуете, что совершенно невозможно обойтись без карандаша, пользуйтесь им как можно меньше.

Кажется, что образы, ставшие основой работы Фрэнсиса Бэкона (1909-1992) «Три эскиза фигур у основания Распятия» (встречается «Три этюда…»), олицетворяют необузданную, слепую ярость или, может быть, даже мщение. Сам Бэкон видел в этих фигурах фурий, которые, как говорится в древнегреческих мифах, мучают грешников до и после смерти. Пусть эти эскизы и далеки от классики, они словно вышли из античных мифов.

Рисунки интересны тем, что в них нет абсолютно ничего реального или знакомого, то есть при копировании довольно легко исказить все формы и пропорции. Тем не менее, даже если вы ошибетесь, это не будет большим грехом, поскольку сравнить будет не с чем, разве что с оригиналом.

Здесь есть нечто бесспорно странное: сюрреалистический натюрморт, который отчасти можно считать пейзажем. Хотя мы смотрим на обычные предметы, они предстают совсем в ином виде и кажутся мягкими и податливыми, а не твердыми и упругими. Мягкие часы Сальвадора Дали (1904-1989) очень известны, только мастер способен изобразить подобные вещи так, чтобы они были все-таки узнаваемы, даже если их очертания сильно искажены.

Невозможно найти ничего более далекого от чувства тревоги и почти отвращения, с которым мы сталкиваемся в работах Фрэнсиса Бэкона, чем Марка Шагала (1887-1985).

Большинство его картин написано в волшебной, игривой манере. Композиция, цветовая гамма и техника исполнения многих работ порождают лирические или радостные ассоциации. Он посвящает себя изображению магической стороны жизни, утонченно играя на наших чувствах.

Перед нами — образец современного символизма с очень выразительными и написанными в экспрессионистской манере образами, характерными для многих американских художников данного периода. Измененные физические объемы подчеркивают элегантность и притягательность рисунка.

Рисунок «Семья» работы американской художницы Элис Нил (1900-1984) может считаться настоящей демонстрацией ценностей богемной нью-йоркской жизни 70-х годов XX века. Девушка и женщина наделены многими чертами, по которым можно определить, к какому кругу они принадлежат: длинные волосы, короткие платья с длинными рукавами, худые ноги с узкими ступнями и удлиненные пальцы. Эти признаки указывают на то, что они следуют последней моде. Длинноволосый мужчина в небрежно повязанном шарфе, с длинными руками и тонкими пальцами, пусть и не так модно одетый, — представитель того же слоя. Они позируют, сидя близко друг к другу, и все трое пристально смотрят на нас с решительностью и неприязнью. Их взгляд говорит: «Мы здесь, обратите на нас внимание!» Слегка угловатые формы, а тем более их черты и то, как они одеты в этот момент, преувеличивают их значимость в наших глазах как представителей авангарда. Единственная надежда, что, посмотрев на эту работу, моделям, возможно, захочется стать более привлекательными, чем их изобразила Нил.

В искусстве эмоции можно передать через действия персонажей. Качество композиции зависит от того, как передвигаются фигуры в пространстве картины. В данном случае Пикассо передает драматическое действие путем искажения женских тел.

Фигуры на пляже, изображенные Пикассо, не корректны с точки зрения человеческой природы. Их простертые и соединенные руки выражают удовольствие, которое они испытывают от бега, а вывернутая и странно вытянутая нога опережающей фигуры говорит о быстром движении по горизонтали.

Образы на этом и следующем разворотах стараются передать зрителю чувство или мысль, которые невозможно выразить словами. На самом деле, наверное, сложно с точностью или лаконичностью определить производимое ими впечатление. Одна картина стоит тысячи слов. Нелегко передать свою идею визуальными средствами, но, если поупражняться, все станет возможным. Попробуйте сами создать такой образ. Вы можете использовать или адаптировать какой-либо из подходов или способов, о которых мы уже говорили. Когда вы что-то творите, показывайте работу друзьям и прислушивайтесь к их реакции. Если ваша попытка наводит на мысль о том, что вы хотели сказать, они быстро это поймут.

Картина «Поцелуй венского художника» Густава Климта (1862-1918), выполненная в явно графической манере, демонстрирует нам силу желания. Яркий орнамент одежды, хотя и почти скрывающий тела любовников, делает картину более осязаемой. Крепкое объятие мужских рук, обхвативших лицо и голову девушки, ее руки, цепляющиеся за его шею и запястье, а также выражение экстаза на ее лице говорят нам о силе и глубине их сексуального влечения.

Картина Шагала наполнена почти детским весельем и радостью, что подчеркивает довольно наивная манера, в которой выполнен рисунок. Изображение прилегшего на траву поэта порождает чувство легкой меланхолии. Частично это объясняется довольно странной позой персонажа, лежащего в основании картины, а частично — темным цветом деревьев и едва ли не призрачными, как будто игрушечными очертаниями животных, пасущихся на огороженном забором лугу за спиной поэта.

«Крик» норвежского художника Эдварда Мунка (1862-1944) — экспрессивное и субъективное произведение, которое теперь толкуется как общее высказывание о нашем внутреннем мире, в частности о страхах и отчаянии, переживаемых современным человеком.

На картине изображено место, где совершались самоубийства, неподалеку от скотобойни и психиатрической больницы, в которой содержалась сестра Мунка. Художник говорил об этом месте: «В тучах кружилась красная кровь. Я слышал крик, издаваемый природой».

На картине Мунка мы видим кроваво-красный закат с желтыми и красными прожилками, а также крупные темно-синие и зеленые пятна справа. Скручивающиеся линии и похожая на череп голова с пустыми глазницами и открытым ртом производят очень мощное впечатление.

На рисунке, изображающем плачущую женщину, Пикассо передает крайнее эмоциональное напряжение путем искусной деформации естественных очертаний головы, при этом совершенно не теряется ощущение человеческого горя. Кажется, что лицо почти растворилось в слезах, тогда как руки и сжатые зубы выражают огромное напряжение или муку.

50 Различные типы стилей рисования, методы и средства

Различные типы рисунков

Рисунок – это творческая форма искусства, выражающая мысли, чувства и идеи художника. Это форма визуальной коммуникации, которая оказывает глубокое долгосрочное воздействие на сознание зрителя. Это линейная реализация визуальных объектов, эмоций, понятий и фантазий, включая символы и даже абстрактные формы. Рисунки были основными формами выражения своих мыслей еще с каменного века.Его история началась еще до того, как появились языки. Неудивительно, что со временем появилось множество стилей и техник рисования. Существуют различные типы рисования, основанные на типах стилей рисования, типах техники рисования и средствах массовой информации. Виды искусства рисования разнообразны во всем мире. Различные типы методов рисования доступны для практики и приобретения опыта. Давайте посмотрим на некоторые из популярных типов рисунков сейчас.

Различные виды рисунка в изобразительном искусстве

1. Художественный рисунок
2. Схематический чертеж
3. Геометрический чертеж
4. Архитектурный чертеж
5. Аналитический чертеж
6. 3D-чертеж/анаморфный чертеж

Типы рисунков на основе среды

1. Карандашный рисунок
2. Рисунок цветным карандашом
3. Рисунок углем
4. Графитовый рисунок
5. Рисование мелом
6. Рисование пером
7. Рисунок тушью
8. Рисование мелками
9. Рисунок пастелью
10. Рисование песком
11. Пляжное искусство
12. Рисунок Ранголи
13. Менди рисунок
14. Цветочный рисунок
15. Искусство еды
16. Рисунок татуировки
17. Цифровой рисунок
18. Пиксельный рисунок
19. Рисунок вышивки 

Различные типы стилей рисования

1. Рисование линии
2. Пуантилизм — Одноцветный
3. Пунктир
4. Контурный рисунок
5. Чертеж штриховки
6. Скребущийся рисунок
7. Рисование каракулями
8. Геометрический портрет [или] Триангуляционный чертеж
9. Карикатурный рисунок
10. Фотореализм — Фотореалистичный рисунок
11. Рисование
12. Wordtoons
13. Рисунок татуировки
14. Мультяшный рисунок / Аниме-рисунок манги
15. Рисунок граффити
16. Типографский рисунок
17. Каллиграфический рисунок
18. Мозаичный рисунок

Различные виды рисунка в изобразительном искусстве

1. Фигуративный рисунок
2. Анатомический рисунок
3. Карикатурный рисунок
4. Натюрморт / Натюрморт
5. Портретный рисунок
6. Пейзажный рисунок
7. Перспективный рисунок
8. Мультяшный рисунок
9. Забавный рисунок
10. Сюрреалистический рисунок
11. Рисунок настенной росписи
12. Уличный рисунок
13. 3D-чертеж/анаморфный чертеж
14. Реалистичный рисунок
15. Фотореалистичный
16. Гиперреалистичный рисунок
17. Рисование каракулей
18. Рисование каракулями

 

РАЗЛИЧНЫЕ ТИПЫ ЧЕРТЕЖЕЙ

1.

Художественный рисунок:

Манящие и сногсшибательные рисунки карандашом Флориана Эрба
Карандашные рисунки губ Флориана Эрба

 

2. Схематический чертеж

Схема эксперимента Стэнли Миллерса

 

3. Геометрический чертеж

Геометрический рисунок додекаэдра Фибоначчи

 

4. Архитектурный чертеж

Архитектурный чертеж внешнего вида дома

5. Аналитический чертеж

Аналитический рисунок фигуры Юстины Гил

Аналитический рисунок напрямую связан с техникой перспективного рисования.Типы аналитического рисунка: 1. Дизайн продукта, 2. Рисунок натюрморта, 3. Рисунок фигуры, 4. Портретный рисунок, 5. Концептуальный рисунок

Различные типы аналитических чертежей

 

РАЗЛИЧНЫЕ ТИПЫ РИСУНОК НА ОСНОВЕ СРЕДЫ

1. Карандашный рисунок
2. Рисунок цветным карандашом
3. Рисунок углем
4. Графитовый рисунок
5. Рисование мелом
6. Рисование пером
7. Рисунок тушью
8. Рисование мелками
9. Рисунок пастелью
10. Рисование песком
11. Пляжное искусство
12. Рисунок Ранголи
13. Менди рисунок
14. Цветочный рисунок
15. Искусство еды
16. Рисунок татуировки
17. Цифровой рисунок
18. Пиксельный рисунок
19. Рисунок вышивки 

1.

Карандашный рисунок

60 красивых и реалистичных рисунков глаз карандашом

 

2. Рисунок цветным карандашом

50 прекрасных цветных карандашных рисунков от лучших художников мира

40 лучших и красивых рисунков и иллюстраций птиц. Часть 2

25 красивых и реалистичных цветных карандашных рисунков Мелиссы Скотт

25 потрясающих и реалистичных цветных карандашных рисунков Моргана Дэвидсона

 

3.Угольный рисунок

25 красивых и реалистичных рисунков углем для вашего вдохновения

 

4. Графитовый рисунок

Perfect Shady Pose Графитовые наброски и рисунки углем Джастина Мааса

 

5. Рисование мелом

20 красивых рисунков мелом и надписей Даны Танамачи

 

6. Рисование пером

20 реалистичных рисунков шариковой ручкой от африканского художника Энама Босока

Забавные и красивые рисунки пером Хишама Албайята

 

7.

Рисунок тушью

Рисунок тушью: мужской портрет Тесс Фаулер Рисунок тушью: мужской портрет Тесс Фаулер Рисунок тушью: Будда

 

8. Рисование мелками

Рисунок мелками от manaf mayan Рисунок мелками от art arena Портретная живопись мелками viswanathan ananth от davinchi Suresh

 

9. Рисунок пастелью

Рисунок пастелью небо облако от shiba basan Рисунок пастелью пейзаж от prabudbz Рисунок пастелью портрет от bogra art studio

Рисунок пастелью портрет от bogra art studio

25 прекрасных и реалистичных картин пастелью Рубена Беллозо

 

10.Пиксельный рисунок

Пиксельный рисунок красивой горы Изабель Эриен Арментеро Пиксельный рисунок красивой горы Изабель Эриен Арментеро Пиксельный рисунок красивого неба облака Изабель Эриен Арментеро

 

11. Рисование песком

20 отмеченных наградами работ Sand Art и примеров Sand Animation

 

12.

Искусство на пляже

20 потрясающих пляжных работ Андреса Амадорса

 

13. Рисунок Ранголи

30 красочных и красивых дизайнов Дивали Ранголи от Пунам Боркар

 

15 красивых дизайнов ранголи от художника ранголи из Тамилнаду Махешвари

40 красивых индийских дизайнов ранголи от Аакрути от Дивьеша Вары

 

14.Менди рисунок

20 красивых свадебных дизайнов Менди от известного дизайнера Дарси Васудев

45 красивых свадебных дизайнов Менди от ведущих дизайнеров

25 лучших обучающих видеороликов по дизайну Менди для особых случаев

 

15. Рисунок татуировки

60 красивых дизайнов татуировок и идей татуировки для вашего вдохновения

 

16. Цветочный рисунок

15 креативных и нежных цветочных портретов от Вики и Брук

Насекомое из цветочных композиций от Раку Иноуэ — Креативные идеи

60 самых красивых дизайнов Pookalam для фестиваля Onam

 

17.

Фуд Арт

15 красивых и креативных суши-продуктов. Художественные работы Mikyou

Персонажи Диснея в потрясающих аватарах Food Art от Лалех Мохмеди

30 творческих идей кулинарного искусства и поделок от Саманты Ли

 

18. Цифровой рисунок / цифровая иллюстрация

Индийские божества в виде цифровых иллюстраций и произведений искусства Рама Бхангада

15 прекрасных цифровых произведений искусства и иллюстраций индийской богини от Sumouli Dutta

 

19.Вышивка Рисунок

Нежное потрясающее кружево с вышивкой Агнес Херцег

Тема Ренессанса Вышивка по мотивам произведений Марии Васильевой

10 Креативных стилей рисования для архитекторов

Подпишитесь, чтобы получать уведомления об открытии следующего конкурса One Drawing Challenge. Обязательно ознакомьтесь с остальными выдающимися победителями и получившими высокую оценку работами этого года.  

Каждый рисунок — это история. Среды и инструменты, которые мы используем для дизайна, рассказывают разные истории и, в свою очередь, формируют нашу работу.Независимо от того, практикуете ли вы наброски, реалистичные рендеры или технические рисунки, каждый стиль создает свое собственное повествование.

В архитектуре и дизайне важно реализовать потенциал каждого стиля и его использование для передачи ваших концепций или частей проекта. Следующие стили рисования, содержащие 10 примеров, демонстрируют, как проиллюстрировать новые идеи и оживить здания и города.

Эскиз Уитни Ренцо Пиано

Эскиз

Эскиз — это быстрый рисунок от руки, который обычно не задумывался как законченная работа.Эскиз может служить нескольким целям: он может записывать то, что вы видите, использоваться для развития идеи или может использоваться как быстрый способ графической демонстрации изображения, идеи или принципа. Эскизы можно делать любыми средствами рисования. Этот термин чаще всего применяется к графическим работам, выполненным в сухой среде, такой как серебряная игла, графит, карандаш, уголь или пастель.

Бригида Завадска Дуонг Ву Хонг

Постцифровой рисунок

Вместо того, чтобы стремиться к фотореализму, постцифровые рисунки исследуют и эксплуатируют искусственность и, в свою очередь, создают вымышленную форму представления со своими уникальными достоинствами.Это полностью противоречит желанию цифрового рендеринга сделать вымысел «реальным». Он включает в себя повествовательные реплики, художественные исторические аллюзии и программные методы коллажа.

Школа Местерфьеллет от Cebra

Графический рисунок

В отличие от набросков, дудлинг обычно становится законченным рисунком. Каракули — это простые рисунки, которые могут иметь конкретное репрезентативное значение или могут быть просто составлены из случайных и абстрактных линий, как правило, без отрыва устройства для рисования от бумаги, и в этом случае его обычно называют «каракули». Хороший способ делать каракули — наблюдать за каким-то объектом и рисовать его, где вы можете изучить управление линиями, значения и текстуру. Популярные виды рисунков включают выдуманные пейзажи, геометрические фигуры, узоры или здания.

Alex Hogrefe Цифровой квиллинг

Цифровой квиллинг

Квиллинг — это искусство, в котором используются полоски бумаги, которые скручиваются, формируются и склеиваются вместе для создания декоративных рисунков. Бумагу скручивают, скручивают, скручивают, скручивают и манипулируют ею для создания фигур.Цифровой квиллинг создается с использованием различных методов моделирования или Photoshop, которые обычно включают экструзию векторных краев в модели. Существуют также передовые методы, которые используются для создания более сложных 3D-представлений.

東京都 – Tokyo Metropolis, любезно предоставлено Александром Даксбеком

Манга

На первый взгляд, рисунок Александра Даксбека 東京都 — Токийский мегаполис выглядит совершенно за пределами условностей рисования от руки. Алекс использует общий графический и визуальный язык в качестве альтернативного средства представления архитектурных проектов.Манга или 漫画 (состоящая из двух иероглифов 漫 [man], означающих «причудливый или импровизированный», и 画 [ga], означающих «картинки») — это японское проявление глобализированного медиапространства для массового распространения изображений, в основном через печатные СМИ, такие как комиксы. , журналы и газеты, а теперь и новые средства массовой информации, такие как Интернет, видеоигры и мобильные телефоны. Мангу весело и интересно читать, она уходит своими корнями в повседневную жизнь миллионов японцев. Работа Даксбека изучает город через эту призму, анализируя элементы и состав города, а также среду, через которую он распространяется и распространяется.

Чертеж башни Hanking Center, любезно предоставлен Morphosis

Технический чертеж

Технический рисунок фокусируется на рисовании зданий или объектов для передачи идеи, обычно для строительства. Технические чертежи основаны на фундаментальных принципах проектирования. Проекция — это рисунок или представление объекта на воображаемой плоскости или плоскостях. Это включает в себя перспективные или параллельные проекции. Параллели подразделяются на три категории: ортогональные, наклонные и аксонометрические проекции.Каждый рисунок может помочь проиллюстрировать другой способ мышления об архитектуре и дизайне.

Абстрактный архитектурный чертеж Скотта Тулея

Абстракционизм

Некоторые рисунки не пытаются изобразить буквальное здание, а скорее передают суть архитектуры через работу линий, текстуры, света и тени. Хотя сами по себе они не формируют дизайнерское предложение, они могут предложить ценную информацию об атмосфере и характере пространства, запечатленную с помощью показательных штрихов и форм жестов.Многие известные архитекторы недавнего времени начинали с абстрактного искусства — вспомните Уилла Олсопа и Заху Хадид — и позволили этим изображениям превратиться в более узнаваемые структуры по мере развития стадии концептуального дизайна.

Австрийский павильон EXPO 2020 от Precht (ранее Penda)

Анимированные рисунки и GIF-файлы

GIF-файла могут стать простым техническим решением для передачи динамической архитектурной идеи. Graphics Interchange Format — это формат растровых изображений, получивший широкое распространение благодаря широкой поддержке и переносимости между многими приложениями и операционными системами.Формат позволяет одному изображению ссылаться на собственную палитру, содержащую до 256 различных цветов, выбранных из 24-битного цветового пространства RGB. Он также поддерживает анимацию; Анимированные GIF-файлы могут демонстрировать концептуальные или конструктивные качества сечения, плана или аксона, но они также могут оживить эти рисунки, чтобы лучше понять проект.

Здание Кокуэйкан, Томоюки Танака

Ручная визуализация

Традиционно рисунки делались тушью на бумаге или подобном материале, а любые требуемые копии приходилось делать вручную. В двадцатом веке произошел переход к рисованию на кальке, чтобы можно было эффективно копировать механические копии. Хотя они похожи на цифровые визуализации, они сосредоточены на использовании вашей руки для воплощения в жизнь различных техник. Намерение состоит в том, чтобы поощрять визуальное мышление, варианты дизайна и рисование как процесс.

Alex Hogrefe Быстрый коллаж без рендеринга

Коллаж

Эти типы иллюстраций отлично подходят для скорости, а также для неформальных презентаций, где в центре внимания общие идеи и атмосфера, а не детали.Постобработка обычно намного свободнее, и поддержание правильной перспективы не требуется. Зато композиции более игривые и правил почти нет.

Подпишитесь, чтобы получать уведомления об открытии следующего конкурса One Drawing Challenge. Обязательно ознакомьтесь с остальными выдающимися победителями и получившими высокую оценку работами этого года.  

Все рисунки и фотографии предоставлены архитекторами.

7 различных типов стилей рисования

Автор Джедида Оконкво

Рисование является основой для многих других актов творчества.Это искусство полезно и практикуется аниматорами, архитекторами, модельерами и художниками. Когда вы берете в руки карандаш и бумагу, вы открываете бесконечные возможности для самовыражения. А используя разные стили рисования, невероятно, сколько способов вы можете выбрать для передачи своего сообщения.

В этой статье мы рассмотрим различные стили рисования и то, как каждый из них позволяет создавать уникальные конечные продукты. Вы обнаружите, что уже знакомы с некоторыми из этих стилей и сталкивались с ними, в то время как лучшие профессионалы практикуют только другие.К концу этой статьи вы сможете определиться с предпочитаемым стилем рисования или подобрать что-то новое. Давайте начнем!

Какие существуют типы стилей рисования?

Каждый художник понимает, что разные иллюстрации требуют отдельного набора навыков. Стиль рисования также определяет, каким получится результат рисунка. Существуют различные стили рисования, которые может попробовать любой художник. Некоторые стили рисования требуют особого внимания к деталям и терпения, в то время как другие достигаются свободными и свободными мазками.

Лучшие художники знакомы с несколькими типами рисования, что помогает им выполнять больше проектов или демонстрировать свои навыки. Они могут предпочесть специализироваться на определенном стиле рисования, но возможность рисовать в других стилях гарантирует, что они точно знают, что вы делаете. Хорошим примером является Леонардо да Винчи, нарисовавший Монализу. Тем не менее, он также известен своей обширной коллекцией готовых эскизов и спонтанных рисунков.

Прежде чем выбрать личный стиль, убедитесь, что вы попробовали различные виды рисования.Таким образом, вы можете определить, какой из них подходит вам лучше всего. Различные типы стилей рисования, которые можно попробовать, включают в себя;

Минималистский рисунок

Минималистский рисунок включает в себя воссоздание наиболее узнаваемых черт предмета и существует уже много веков. Этот рисунок имел решающее значение, потому что передача сообщения таким образом зависела от навыков художника и используемых материалов.

Отличным примером минималистичных рисунков являются наскальные рисунки. Эти изображения использовались для описания жизни пещерных людей, в том числе их взаимодействия с предметами и другими живыми существами вокруг них.Эти рисунки были созданы с помощью нескольких линий и нескольких цветов. Стиль рисования не имеет такого же значения в современном мире, но основной принцип остается прежним. Теперь есть еще больше материалов, чтобы сделать рисунок более осмысленным.

Пунктир

Stippling включает в себя концепцию создания линий и штриховок с использованием множества маленьких точек. Эти маленькие точки могут быть или не быть одного цвета. Этот вид искусства существует уже довольно давно, но не так популярен.

Независимо от результата, концепция всего стиля рисования проще, чем вы думали. Когда у вас есть несколько точек, плотно расположенных вместе, затенение будет казаться темнее для человеческого глаза. Однако может потребоваться много работы, чтобы получить правильное количество точек, необходимых для каждого изображения. Художники должны быть осторожны, чтобы не заполнить свои изображения точками вслепую, так как вы все равно хотите, чтобы точки на изображении были видны при осмотре. Если вы неправильно воспользуетесь этим стилем рисования, изображение будет выглядеть как единая фигура, а не как отдельные точки.

Штриховой рисунок

Линии — основа всех стилей рисования и изображений. Штриховые рисунки — это те, которые используют контуры для создания изображений без обязательного затенения какой-либо их части. Этот тип рисования — отличная идея для начинающих и поможет вам развить свои навыки рисования. В этом стиле результатом является непрерывное изображение, потому что ручка или карандаш продолжают рисовать до конца изображения.

Этот тип рисунка любим многими художниками, потому что он дает потрясающие результаты.Общий принцип здесь заключается в том, что вы рисуете свое изображение, будь то портрет, предмет, пейзаж или сочетание разных вещей, сплошной линией. Этот стиль рисования стал популярным, потому что он помогает художникам развивать свою скорость и думать на ходу. Это также помогает новичкам научиться более простым способам рисования объекта и сделать его максимально узнаваемым. Полученные здесь знания можно легко применить к другим формам рисования.

Поперечный контур

Перекрестный контур — это стиль рисования, предполагающий создание иллюзии трехмерного изображения.Он быстро стал популярным видом рисования, и его даже преподают во многих школах. Крестообразные контуры — впечатляющие и привлекательные произведения искусства, но создать их непросто.

Тот, кто заинтересован в изучении этого рисунка, должен уже быть знаком с рисованием объектов, форм и изображений в 2D. Теперь все, что вам нужно сделать, это обвести конкретный объект, скажем, яблоко или животное, и добавить немного глубины изображению. Принцип этого типа рисунка заключается в использовании различных изогнутых линий для создания иллюзии глубины. Перекрестные контуры создают более реалистичную картинку, чем простые трюки с затенением.

Карикатура

Редакционный кредит: Сучат Мантонг / Shutterstock.com

Карикатура — еще одна популярная техника, которая кажется простой, но может стать проблемой для любого художника. Если вы заинтересованы в изучении чего-то другого, это для вас.

Этот стиль рисования направлен на создание объекта, часто человека или животного, просто с преувеличением любых узнаваемых черт.Например, можно нарисовать огромный нос или оттопыренные уши, чтобы преувеличить черты рисуемого объекта. Воссоздать эти невероятные черты — непростая задача, но вы можете черпать вдохновение в персонажах предмета. Просто убедитесь, что вы смотрите глубоко.

Постоянная карикатурная практика научит вас лучше видеть объект и определять его отличительные черты. Для достижения наилучших результатов вы можете сначала нарисовать объект тонкими линиями. Затем начните вносить изменения, увеличивая и уменьшая основные черты изображения.

Эскиз 

Наброски могут показаться важной практикой рисования, которую художники используют для улучшения своих навыков, но это также и другой стиль рисования. Эскиз часто упускают из виду как стиль рисования, потому что многие люди создают его только тогда, когда хотят попрактиковаться. Однако сами эти наброски могут оказаться потрясающими изображениями.

Целью этого стиля рисования является рисование рассматриваемого изображения быстрее, чем обычно. Эскизы часто создаются в течение короткого периода времени — от нескольких секунд до нескольких минут, независимо от рассматриваемого изображения.

Если вы станете хорошо рисовать, вы поймете, что это позволяет вам рисовать больше вещей в альбоме. Чем выше ваша скорость и точность, тем больше вы сможете запечатлеть прекрасный мир вокруг вас. Вы всегда можете быстро нарисовать изображение прохожих, транспортных средств на улице или даже животных, привлекающих ваше внимание. Ваш эскиз быстро воссоздаст ваш объект, прежде чем вы потеряете его из виду. Вы также обнаружите, что по мере того, как вы становитесь лучше и создаете более четкие линии, ваши наброски могут оказаться более важными, чем другие ваши произведения искусства.Это из-за количества воспоминаний и эмоций, которые они содержат.

Каракули Арт

Все любят хорошо рисовать каракулями. Этот стиль рисования используется для создания красивых изображений, которые появляются при движении на бумаге. Самое замечательное в этом типе рисования то, что вы не ограничены только мобильными объектами. С его помощью можно вдохнуть жизнь во что угодно, в том числе и в простой портрет.

Принцип этого типа рисования может показаться простым, но это далеко не так.Художнику потребуются часы практики, чтобы изображение соответствовало желаемому образцу, не создавая беспорядка. Чтобы получить этот стиль, все, что вам нужно сделать, это нарисовать свою работу похожими движениями карандаша. Это будет так же, как вы пишете, но без букв. Небольшие движения воссоздают детализированные области, в то время как более крупные предназначены для формирования общей картины.

Этот стиль рисования зависит от скорости художника и может показаться довольно необычным для тех, кто к нему не привык.Для лучших результатов обязательно попрактикуйтесь в движениях карандаша, прежде чем приступить к окончательному изображению.

В заключение

В этой статье мы затронули 7 различных стилей рисования. Каждая из них имеет свои техники и свои уникальные особенности. Художник не должен зацикливаться на одном стиле рисования, но должен также изучать другие, чтобы повысить свою креативность. Какой из этих стилей рисования вы бы изучили сегодня? Пробуйте и приобретайте захватывающие навыки.

 

Истоки и значения позднего стиля рисования Рембрандта на JSTOR

Абстрактный

Путем изучения «Гомера, читающего стихи» Рембрандта и других завершенных подарочных рисунков, это исследование показывает происхождение его позднего стиля рисования в устоявшихся графических традициях.Рассматриваемые листы демонстрируют фундаментальный принцип, лежащий в основе творчества Рембрандта: даже завершенные рисунки должны раскрывать процесс творчества. Грубая, неукрашенная манера, которую он разработал для выражения этой аксиомы, хотя и отступала от большинства графических условностей, канонизированных в художественной литературе, тем не менее основывалась на современной голландской мысли. Аналогии, обнаруженные в риторике, проповеди и философии, позволяют предположить, что в свое время поздний стиль рисования Рембрандта считался скромным, духовным и правдивым.

Информация о журнале

The Art Bulletin публикует ведущие научные исследования на английском языке по всем аспектам истории искусства, которые практикуются в академиях, музеях и других учреждениях. С момента своего основания в 1913 году журнал публиковал, пройдя тщательную экспертную оценку, научные статьи и критические обзоры самого высокого качества во всех областях и периодах истории искусства. В статьях используются различные методологические подходы, от исторического до теоретического.Выполняя свою миссию как документальный журнал, The Art Bulletin способствует интенсивному участию в интеллектуальных разработках и дискуссиях в современной искусствоведческой практике. Журнал, который приветствует материалы от ученых со всего мира и на всех этапах карьеры, издается четыре раза в год в марте, июне, сентябре и декабре Ассоциацией искусств колледжей.

Информация об издателе

Художественная ассоциация колледжа, основанная в 1911 году… Способствует совершенствованию в науке и преподавании истории и критики. изобразительного искусства и в творчестве и технических навыках в обучении и практики искусства.Способствует обмену идеями и информацией между заинтересованными в искусстве и истории искусств. Выступает за всестороннее и инклюзивное образование в области изобразительного искусства. Выступает от имени членов по вопросам, касающимся изобразительного искусства и гуманитарных наук. Предоставляет возможности для публикации исследований, критики и художников. сочинения. Способствует карьерному росту и профессиональному росту. Определяет и разрабатывает источники финансирования занятий искусством и стипендий в искусства и гуманитарных наук. Отмечает достижения художников, искусствоведов и критиков. Формулирует и подтверждает самые высокие этические стандарты в проведении профессия. Разрешение на фотокопирование текстов для внутреннего или личного использования (помимо этого разрешено разделами 107 и 108 Закона США об авторском праве), или единовременно, ограниченное по времени некоммерческое образовательное использование в пакетах курсов или закрытых академических учебных заведениях веб-сайтов Интранета курса, предоставляется Художественной ассоциацией колледжей без обвинение. Для других целей, пожалуйста, сначала свяжитесь с отдельным автором и/или другим правообладатели, чтобы получить письменное разрешение, то Ассоциация искусств колледжа.

Уникальный стиль рисования русского художника вдохнул новую жизнь в мультфильмы о знаменитостях

Лера Кирьякова, 2D-художник и внештатный иллюстратор, — невероятно талантливая российская художница, чьи очаровательные карикатуры на знаменитостей и других персонажей принесли ей известность. Что отличает ее мультфильмы, так это ее акцент на глазах и других чертах лица, которые она любит преувеличивать.

Этот опытный художник и иллюстратор живет в Туле, Россия, окончил Тульский государственный университет, Тульская область, Россия, и занимается цифровой иллюстрацией с 2010 года.Ее желание поделиться своими навыками побудило ее принять участие в онлайн-обучении своему ремеслу.

Перо Леры в кепке — это ее удивительные шаржи известных людей. У нее есть дар подчеркивать особенности и сложные детали, которые делают ее модели наиболее узнаваемыми. Она не только делает портреты знаменитостей, но и воссоздает фотографии в виде мультфильмов. Однако ее любимыми детьми остаются киногерои.

Все началось, когда эта мать двоих детей опубликовала в Instagram свой первый набросок совы, который был очень хорошо принят.Это побудило ее продолжать в том же духе и делать карикатуры на известных людей. Она начала работать с пером и тушью, но также экспериментировала с другими материалами, такими как карандаши, маркеры, акварель, масло и со всем, до чего она могла дотянуться. И, кажется, она освоила их все!

Вскоре Лера вошла в цифровой мир и начала создавать красивые рисунки в Adobe Photoshop на своем планшете Wacom. В ее активе два года подряд — 2016 и 2017 — она рисовала персонажа Милли Бобби Браун из «Очень странных дел».Она также является автором книги под названием «Портрет маркеров Copic».

В настоящее время Лера занимается обучением своему уникальному стилю цифровых портретов на сайте kalachevaschool.com. Она также делится своим рабочим процессом с помощью учебных пособий на YouTube. Вы можете найти большинство ее творений на ее странице в Instagram, где у нее более 350 000 поклонников.

См. некоторые из ее творений ниже:

---

---

---

---

---

---

---

---

---

---

---

Лера Кирьякова

Веб-сайт | Инстаграм

Пожалуйста, поделитесь, если вам понравилась эта история

Нравится:

Нравится Загрузка. ..

Руки на собственный стиль рисования! от DiAdantist

Как двигать руками и оживлять их! — Введение

Разве мы все когда-то не сталкивались с рисунком, который нам очень нравился, но были ли мы слишком напуганы, чтобы рисовать руками, потому что боялись полностью испортить рисунок?

В конце концов, бояться их рисовать — это нормально — на самом деле они являются одной из самых сложных частей нашего тела, наряду с нашими ногами.

Руки могут выражать многие детали, которые мы обычно не заметили бы, если бы их не было, например, если бы они говорили о намерениях, мотивах персонажей или просто о том, как персонаж держит телефон. Это называется «язык тела»!

Язык тела

Язык тела может рассказать нам, что человек чувствует в данный момент, или подчеркнуть намерения злого, но могущественного злодея. В большинстве случаев люди склонны забывать, что руки — это одна из самых важных вещей, о которых нужно помнить при рисовании!

Это дает нам много информации о том, как люди реагируют на вещи. Обычно мы не обращаем особого внимания, но много жестикулируем, особенно когда злимся, грустим или счастливы.

Но как мы можем нарисовать их по-своему и оживить?

Как и многие художники (а также архитекторы и математики!), чтобы нарисовать что-то действительно сложное, они начинают с чего-то очень простого, например, с геометрических фигур. Так и мы с человеческим телом!

Понимание человеческого тела: основы

Как здесь! Вместо того, чтобы быть 2D, большинству рисунков обычно нужны руки в определенной позе, поэтому рисование их в трех измерениях — действительно полезный способ увидеть, как они ломаются, когда дело доходит до рисования определенной позы.

Одна из самых важных вещей, которую они скажут вам, когда вы начнете рисовать, это сначала изучить основы, затем нарушить правила и начать развивать свой собственный художественный стиль.

Очень важно понимать, как движется и работает тело, поэтому очень полезно иметь надежные примеры из реальной жизни! Хороший пример — посмотреть на свою неведущую руку во время рисования или сфотографировать свои собственные руки, а затем разбить их на простые, но эффективные геометрические фигуры при рисовании.

Будьте изобретательны в своих позах!

Еще одна вещь, о которой следует помнить, это то, что я называю «линия потока» или плавность вашего рисунка! Вы не только сделаете их заметными и узнаваемыми, когда закончите рисунок, но и сделаете его более приятным и привлекательным.

Материалы и кисти (рекомендации)

Вы видите разницу между этими двумя строками?

Хорошо сбалансированная линия (та, что слева) более выразительна, чем кривая и не выверенная (та, что справа).Вот почему одна из вещей, о которых вы должны знать, это стабилизация пера, акварельной кисти или карандаша, которые вы используете. Вы всегда можете увидеть параметры в «свойствах инструмента/стабилизатора» (как показано ниже).

Нормально стабилизация обычно ставится между 10 и 15, но можно ставить как хочешь!

Стабильность от 0 до 10 сделает ваши линии кривыми, но быстрыми (идеально подходит для набросков).От 10 до 30 кисть будет двигаться медленнее, но гораздо точнее, чем раньше. От 30 до максимума (обычно до 100) он будет делать то же самое, но еще медленнее. Но будет проще сделать более стилизованные линии!

Резюме всего!

В завершение, взяв референсы из реальной жизни и уделив внимание каждой детали, это самое главное, когда дело доходит до рисования рук разными жестами, а также практики! Это ключ к развитию собственного художественного стиля или достижению стиля, которому вы хотите подражать. Все стили рисования, какими бы похожими они ни были, уникальны!

Не обязательно рисовать руки реалистично, чтобы сделать их «хорошими» или «заслуживающими доверия»: у всех нас есть разные стили рисования, и даже если некоторые из них могут действительно отличаться друг от друга, что действительно важно, так это придать руке ее характер. форма характерная и узнаваемая.чтобы мы могли понять, что персонаж пытается нам сказать. Также важно хорошо провести время, поэкспериментировав со своим стилем!

Простые формы всегда являются ключом, так как наш мозг очень хорошо их распознает, и когда мы упорядочиваем их определенным образом, мы можем представить, что они пытаются нам сказать. Грусть? Злость? Радость?

Пока зритель знает, что это рука, и ощущение кажется реальным, художественный стиль работает в вашем воображении!

Методы и приемы рисования Питера Пауля Рубенса

В наше время обычным способом рисования является использование прямых линий.Процесс обычно состоит из использования прямых линий для определения формы нарисованного объекта, а затем их пересечения или наложения прямых линий в том же направлении. Это влияет на плотность за счет использования секций наложения для создания другого диапазона значений на чертеже. Использование значений создает тени, которые еще больше улучшают перспективу рисунка (рис. 1).

Рис. 1. Norman Rockwell , Al (Dorne) Norman , н.д.

Глядя на работы художника Питера Пауля Рубенса  (бельгиец, 1577–1640) вживую, всегда возникает вопрос, как он рисовал таким образом, что изображал формы и формы, используя только линии. Его особый метод рисования называется стилем рисования контурных линий. Этот стиль рисования контурных линий сосуществует с прямыми линиями, но в нынешнюю эпоху он менее популярен из-за долгого обучения и необходимости интенсивного обучения. Эта статья будет посвящена изучению метода рисования Питера Пауля Рубенса.

Чтобы полностью понять метод рисования Рубенса, важно понять, как он развивал свой стиль рисования в молодости. Его мышление и процесс обучения одинаково важны для анализа рисунка Рубенса по частям.

Рис. 2. Питер Пауль Рубенс, Портрет художника , 1623.

Питер Пауль Рубенс (рис. 2) родился в 1577 г. и скончался в 1640 г. Его жизнь началась в конце эпохи Северного Возрождения и в середине Реформации католической церкви. Он родился в умеренно богатой семье, что позже предоставило ему доступ к широкому кругу возможностей при выборе карьеры.[1] После смерти отца Рубенса (Яна Рубенса) художник вернулся в Антверпен, где служил подмастерьем у Тобиаса Верхахта (1561–1631). [2] Самая ранняя из существующих работ Рубенса является копией после 90 147 Ганса Гольбейна Младшего 90 148 (1497-1543) изданного эстампа «Пахарь и смерть» (рис. 3).[3]

Рис. 3. Питер Пауль Рубенс, Пахарь и смерть , н.д.

Можно видеть, что стиль гравюры на дереве Северного Возрождения уже оказал влияние на молодого Рубенса. Его копия рисунка также демонстрирует тщательный подход художника к изучению рисунка путем нанесения чернил по оригинальному деревянному отпечатку.Поскольку Рубенс копировал работы Ганса Гольбейна Младшего, на которые повлияло Северное Возрождение, нетрудно представить, что на него могли также повлиять гравюры на дереве немецких художников 16 века, таких как Альбрехт Дюрер (1471-1528). ), Матиас Грюневальд (1470-1528) и Лукас Кранах Старший (1472-1553). Отпечатки на дереве было относительно легко получить. Есть интересный пример такого легкого распространения: в 16 веке даже император Священной Римской империи Максимилиан Первый (1459-1519) распространял свои хорошо напечатанные портреты Альберхта Дюрера и Ганса Вейдица Младшего (1495-1537) ) для его масштабной рекламной цели. [5] Эти гравюры печатались большими тиражами и были популярны по всей Европе.[6]

Область Италии часто считается центром эпохи Возрождения. Художники ездили в Италию изучать искусство. Например, Дюрер за свою жизнь дважды учился в Италии, чтобы улучшить свои художественные работы, сначала с 1494 по 1495 год, затем с 1505 по 1507 год.[7] Ганс Гольбейн Младший отправился в Италию в 1517 году и вернулся в 1519 году, чтобы развить свой художественный стиль. После того, как Питер Пауль Рубенс закончил свое ученичество в 1598 году, он также отправился в Италию, где пробыл восемь лет (1600-1608).[8] В это время он изучал классические статуи и картины. Он также делал рисунки по мотивам картины Микеланджело для Сикстинской капеллы. В своем неопубликованном латинском трактате Рубенс описал свои намерения рисовать статуи. Он избегал узнавать в них каменные статуи с каменной текстурой, а видел в них живые фигуры.[9] В своих набросках он изучил итальянский стиль эскиза, сочетая коричневую заливку с коричневыми чернилами. Этот стиль рисования также использовался учителем Питера Пауля Рубенса Отто Ван Вином (1556-1629), когда Рубенс служил учеником мастерской Ван Вин с 1594 по 1598 год.[10]

После того, как Рубенс открыл свою мастерскую в Антверпене в 1609 году и стал уважаемым мастером, он сосредоточил свою карьеру на живописи. Рубенс использовал свои методы рисования как идеи для рисования и руководил своим учеником и своим назначенцем. (Питер Пауль Рубенс почти никогда не показывал свои рисунки публике, даже своим ученикам. Предполагаемая причина этого в том, что его рисунки в то время были больше связаны с эскизами к его картинам. Такой художник, как он, не захотел бы показывать свой оригинал идеи, опасаясь, что их скопируют другие художники).[11] Питер Пауль Рубенс делал гравюры в дополнение к карьере художника. Как и большинство мастеров эпохи Возрождения, он не делал гравюр сам, а сотрудничал с мастерскими других граверов или пользовался помощью своих учеников. Он также сотрудничал в течение тридцати лет со своим другом и гравером Бальтазаром Моретусом (1574-1641) из Plantin Press. Известно, что Рубенс полностью контролировал свои работы. Он строго заставлял своего художника-гравера или своего помощника следовать его линиям и переводить свою живопись в рисунок, не выдавая ни одного личного художественного стиля гравера.После того, как копия была сделана, он просто исправлял ошибку или ту часть рисунка, которая ему не нравилась. По этой причине интерпретация опубликованных гравюр Рубенса может помочь нам задуматься о прогрессе его мышления в рисовании.

В последние годы жизни Рубенс снова начал интересоваться гравюрами на дереве. В сотрудничестве с Кристоффелем Егером (1596–1652) около 1628 года он создал большое количество гравюр, таких как Геракл, борющийся с яростью, Отдых на пути в Египет, и Сад любви .[13]   На этих гравюрах изображены мода на одежду 17 века и стиль рисования лиц Рубенса, но техника следовала духу стиля Северного Возрождения 16 века. Кажется, будто Питер Пауль Рубенс путешествовал во времени, и то, над чем он работал, переносит зрителей в воспоминания о подростковой жизни Рубенса.

Чтобы понять технику рисования, которую использовал Рубенс, можно посмотреть на его рисунок Анатомические этюды: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье (рис.4), который выбран здесь из-за его четко видимых меток. Это эскизный рисунок, сделанный Рубенсом примерно в 1600–1605 годах во время его пребывания в Италии. Эта работа сейчас находится в коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке.

Рис. 4. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье , ок. 1600-1605.

В начале этого анализа нанесение меток на этом художественном произведении может быть упрощено до трех различных методов рисования, основанных на движении правой руки при рисовании линий: «указание точками, рисование линий по часовой стрелке и рисование линий против часовой стрелки».”(рис. 5а) Метод точечной наводки можно заметить в верхней центральной части кадра, по краям бликов, близких к полутону, создаваемому лучевым разгибателем запястья левой руки (рис. 5б). Методы рисования линий по часовой стрелке и против часовой стрелки являются доминирующими способами рисования Рубенса, используемыми в этом произведении. Наглядные примеры находятся в верхней части рисунка.

Рис. 5а. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок.1600-1605 гг.

Рис. 5б. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок. 1600–1605.

Комбинация этих трех методов привела к появлению трех новых стилей рисования: ромбовидная штриховка в том же направлении по часовой стрелке, ромбовидная штриховка в том же направлении против часовой стрелки и точка в прямоугольниках. Эти примеры можно найти в большинстве разделов этого произведения искусства. Для наглядного примера, в нижнем левом углу Рубенс использовал штриховку в том же направлении по часовой стрелке в верхнем левом углу. На заднем плане над мышцей левой руки он использует штриховку в том же направлении против часовой стрелки (рис. 6а). Наконец, оказывается, что Рубенс использовал и другую технику. Он указал одну-две точки в каждом поле, созданном перекрестной штриховкой. Этот метод можно увидеть в верхнем правом отделе, на концевом отделе локтевого разгибателя запястья левой руки. Большинство этих точек точно расставлены в центре каждой ячейки штриховки. Описанная здесь форма ромба основана на угле вставленных контурных линий друг в друга; в этом произведении также используются разные углы, например, кубическая форма большего угла пересекается, но на этом рисунке использование ромбовидных нижних углов более глубокое.Невозможно иметь точки в центре каждого прямоугольника, что означает, что эти точки заштрихованы после нанесения линий штриховки. Следовательно, Рубенс намеревался создать эффект среднего значения, чтобы плавно переходить от полутона к краю тени (рис. 6b).

Рис. 6а. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок. 1600–1605.

Рис. 6б. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок.1600-1605 гг.

Для создания различных диапазонов значений используется усиленная штриховка. Это делается путем добавления дополнительных линий поверх контурных линий штриховки в форме ромба (максимальное количество сосуществующих линий в одном пересечении — четыре). Чтобы применить эти линии к большим значениям, как только Рубенс закончил свои контуры, он затем применил перекрестную штриховку к базовой штриховке в форме ромба. Эти линии часто толще, чем те, которые он использует в своем базовом слое штриховки в форме ромба. Лучший пример этого метода можно увидеть в центральной правой части обсуждаемой иллюстрации, основной тени и отбрасываемой тени под левым запястьем (рис.7).

Рис. 7. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок. 1600-1605.

Процесс рисования Рубенса, как и большинства современных рисунков, начался с подрисовок. Хотя их трудно различить на этом рисунке, две отмеченные светло-серым цветом линии повторяют окончательную форму мышц-сгибателей (выше локтя). Неясно, что именно Рубенс использовал для создания этих серых линий, возможно, это была серебряная игла или графит.Затем художник использует тонкую коричневую линию, чтобы обвести свой рисунок под эскизом (одной или двумя линиями), это также можно увидеть в верхнем левом кадре, когда он рисует длинный и плечелучевой лучевой разгибатель запястья. У него были небольшие трудности с выделением этих двух мышц. Эти три согласованные линии имеют одинаковую толщину линий, но не имеют таких же толстых контуров, как линии коррекции. Тем не менее, эти три линии значительно тяжелее, чем другие параллельные линии штриховки. (Рубенс, должно быть, понял, что допустил ошибку, но так как это коричневые чернила, он не мог стереть их с бумаги.Вместо этого, чтобы скрыть свою ошибку, он использовал линии, которые шли в одном направлении вместе с линиями штриховки) (рис. 8). После того, как был нанесен тонкий контур, Рубенс покрывал его штрихом или двумя взвешенными линиями, чтобы отличить объект от тяжелой штриховки тени и сплошной формы контура. В центре этого произведения искусства под левой лапой было создано большое негативное пространство. Если Рубенс хотел продемонстрировать свой гордый линейный рисунок, ему нужно было ограничить количество линий в одной области.Без толстого контура для разделения двух теневых областей просто недостаточно места для теней окклюзии, чтобы изобразить форму и форму. Рубенс использует свою смекалку, чтобы создать тяжелый контур, чтобы проиллюстрировать основную тень и описать форму и форму левой лапы.

Рис. 8. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок. 1600–1605.

Наконец, Рубенс использовал упомянутый выше метод рисования для создания формы и формы кисти и руки.Гравюра на дереве «Сад любви » — произведение, созданное Рубенсом и его мастерской вместе с Кристоффелем Йегером. Существуют три копии этой работы; один был нарисован коричневой тушью и хранится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке (рис. 9). Другим вариантом была печатная версия, выполненная Рубенсом в сотрудничестве с Кристоффелем Егером (рис. 10) на основе рисунка коричневой тушью, также находящаяся в коллекции Метрополитен-музея. Последняя картина написана маслом и хранится в музее Прадо в Мадриде.

Рис. 9. Питер Пауль Рубенс, Сад любви , 1633–1635.

Это произведение искусства (рис. 9) представляет собой празднование второго брака Питера Пауля Рубенса с шестнадцатилетней Еленой Фурмен (1614–1673).[14] На заднем плане изображен дом Рубенса в Антверпене. На переднем плане две пары стоят вместе. Стоящий мужчина держит свою молодую жену как драгоценный камень. С такой же козьей бородой и приподнятым кончиком, но распущенными имперскими усами, кудрявыми волосами, но частично лысыми, это вполне может быть сам Питер Пауль Рубенс, как изображено на его автопортрете (рис. 2). Сад на заднем плане можно понимать как символ плодородия. Размещение Рубенса и его жены на переднем плане и части здания на заднем плане имитирует традиционную структуру средневековья и эпохи Возрождения, предполагая, что эти фоновые здания и сады являются собственностью Рубенса и его жены. Слева от жены Рубенса изображен ангел в форме купидона «Херувим», положивший левую руку на правую ногу Рубенса, а правую руку на ногу Елены. Этот жест можно рассматривать как благословение для брака Рубенса и Елены Фурмен.На картине Рубенс изображен с рапирой на левой талии. Ношение меча предполагает его рыцарское благородство, титулованное как Филиппом IV Испанским, так и Карлом I Английским.

Рис. 10. Питер Пауль Рубенс, Сад любви , 1630-е гг.

В наших учебных целях вариант рисунка Сада любви (рис. 9) является отличным индикатором этапов рисования Рубенса. Кроме того, Сад любви (гравюра на дереве, рис.10), использует ту же технику линий, что и рисунок тушью, и, кроме того, на нем четко прорисованы детали на линиях. Совместное изучение этих двух работ поможет лучше понять технику рисования Рубенса. Перед нанесением рисунка тушью Рубенс сделал легкий набросок, используя серебряную иглу или тонкий графит. Несмотря на то, что этот набросок в основном покрыт коричневыми чернилами, его остатки все еще существуют в верхнем левом углу, вокруг ветвей деревьев. Изучая предыдущие работы Рубенса, Битва обнаженных мужчин , Часть толпы на Ecce Homo и Венера, оплакивающая Адониса , можно заметить, что у художника была привычка работать от фигур к фону.Сцену Сада любви можно разделить на три части, сгруппировав фигурки вместе. На переднем плане поставлена ​​очевидная первая группа с тремя фигурами (Рубенс, Елена и Херувим). Затем на среднем плане видна вторая группа юноши с мечом и молодой женщины, смотрящей на зрителя. На заднем плане видна третья группа из шести фигур.

 

Группы фигур на переднем плане

Глядя на рисунок Рубенса и Елены Фоурман, сразу же замечаешь различные методы контурных линий: по часовой стрелке, против часовой стрелки, ромбовидные линии в том же направлении по часовой стрелке и ромбовидные контурные линии против часовой стрелки. Почти каждая контурная линия, которую использовал Рубенс, соответствует направлению и форме объекта. Например, лицо Фурмента упрощено до трех эллипсов, каждая линия описывает свою форму, создавая негативное пространство. Затем Рубенс применил элементы волос в форме буквы «S» вместе с контурными линиями, чтобы создать негативное пространство. Применяя линии, которые повторяют формы и формы, художник создает ощущение трехмерности и реалистичного изображения фигуры или объекта, не жертвуя красотой каждой отдельной линии.

Фигура херувима представляет собой великолепный образец техники Рубенса. Здесь художник использовал сильно утяжеленные линии в определенных областях, таких как нижняя часть правой руки, передняя часть живота и груди херувима или правое бедро и нога. Эти части тела Херувима находятся ближе к зрителю. Следовательно, сильно взвешенный контур создает пространство и размеры, чтобы продемонстрировать положение фигуры в кадре. Используя ранее упомянутые контурные линии по часовой стрелке и против часовой стрелки, Рубенс затем создал пухлую плоть херувима, точно так же, как художники до него, такие как Микеланджело, Дюрер или Ганс Гольбейн, делали в своих рисунках.

 

Группы фигур среднего плана

Предполагается, что

Фигуры среднего плана менее важны для зрителя, чем фигуры переднего плана, и это хорошо видно в языке рисования Рубенса. Рубенс использует иерархию, чтобы привлечь внимание зрителя к Рубенсу и Елене, а затем к двум фигурам на среднем плане.

Молодой мужчина на среднем плане полулежит на земле с мечом на ноге, однако правильный способ ношения меча — на левой талии носителя.Полностью обезоружить меч с пояса — это знак признания более низкого профиля и проявления смирения. Рисунок Рубенса этой молодой мужской фигуры отличался от того, что он сделал в первой группе фигур. По сравнению с тем, что он сделал с головой молодой женщины, с богатым разнообразием контурных линий, он использовал больше контурных линий по часовой стрелке в негативном пространстве, все в одном направлении и не всегда повторяя форму фигуры. Использование контурной линии против часовой стрелки в негативном пространстве дает зрителю ощущение плоскостности.

Справа от этого молодого джентльмена находится хорошо одетая барышня. Хотя большинство техник рисования, применимых к этой фигуре, уже обсуждались выше, женское платье дает прекрасное представление о том, как линии, идущие в одном направлении, могут отображать форму объекта, но изменять его расстояние и кривизну. (Формы с изображением Купидона и/или женских фигур с пухлой плотью существовали задолго до того, как Рубенс создал это произведение искусства; например, есть римские статуи Кентавра и Купидона, датируемые 1-2 веком нашей эры.Одутловатое лицо или пухлое телосложение считалось признаком богатства и достатка). В нижней части платья Рубенс использует сочетание длинных одиночных линий или набор коротких линий, чтобы подчеркнуть плоскость платья и складки. Художник также использовал расстояние между строками, сокращая расстояние между строками, чтобы создать отрицательное пространство, или увеличивая расстояние между строками, чтобы создать положительное по цвету пространство.

 

Фоновые группы рисунков

Фоновые рисунки существуют в основном для экологических целей.В Саде любви они предназначены для того, чтобы доставлять удовольствие зрителю. Поскольку эти фигуры не так важны, как упомянутые выше, они не содержат большого количества деталей, потому что чрезмерное описание их линиями может привести к путанице с фигурами среднего и переднего плана. Почти все шесть фоновых фигур нарисованы с использованием одних и тех же техник. Однако женщина слева — интересный пример. Рубенсовское правило использования линий, следующих за формой, почти отменено, и почти каждая линия, используемая здесь, представляет собой штриховку контура по часовой стрелке.Это помогает выровнять фигуру.

 

Заключение

Метод рисования Рубенса может показаться трудным для понимания при анализе его рисунков в целом, но его легче объяснить, когда у нас есть возможность изучить эти работы по частям. Как писал китайский философ Лао-цзы (600–400 гг. до н. э.), «Дао произвел Единого; Один произвел Два; Два произвели Три; Трое произвели все». [16] От основных контурных линий до «точки в рамке» мастерство основного метода рисования линий, используемого художником, позволяет нам в дальнейшем интерпретировать сложные формы рисунков Рубенса.

 

[1] Чарльз Скрибнер, «Питер Пауль Рубенс», Британская энциклопедия. 24 июня 2020 г. По состоянию на 18 декабря 2020 г. https://www.britannica.com/biography/Peter-Paul-Rubens

[2] Там же.

[3] Кристин Лозе Белкин, «Латинские надписи Рубенса на его копиях после «Пляски смерти» Гольбейна». Журнал институтов Варбурга и Курто 52 (1989): 245-250.

[4] Виктория Чарльз, Искусство эпохи Возрождения (Нью-Йорк: Parkstone International, 2012), 65-79.

[5] Эндрю Робисон и Клаус Альбрехт Шредер, Мастерские рисунки, акварели и гравюры Альбрехта Дюрера из Альбертины (Вашингтон, округ Колумбия: Национальная художественная галерея, 2013).

[6] Ларри Сильвер, Маркетинг Максимилиана: визуальная идеология императора Священной Римской империи (Принстон, Нью-Джерси: Princeton University Press, 2008).

[7] Генрих Теодор Муспер, Альбрехт Дюрер (Кельн, Германия: DuMont-Literatur-und-Kunst-Verl, 2003), 5-7.

[8] Анн-Мари Логан, Питер Пауль Рубенс: рисунки (Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2013), 5.

[9] Ibid., 6.

[10] Scribner, “Peter Paul Rubens.”

[11] Logan, Peter Paul Rubens: The Drawings , 4.

[12] “Rubens and His Printmakers” (Getty Center Exhibitions). September 24, 2006. https://www.getty.edu/art/exhibitions/rubens_printmakers/#

[13] Logan, Peter Paul Rubens: The Drawings , 257-267.

[14] Ibid.

[15] Scribner, “Peter Paul Rubens.”

[16] James Legge Laozi and Zhichao Gao, Dao De Jing: Tao Te Ching  (Zhengzhou Shi: Zhong zhou gu ji chu ban she, 2016).