Товаров: 0 (0р.)

Как сводить трек: Сведение музыки за 12 шагов

Содержание

Сведение музыки за 12 шагов

Сведение – это скрупулезный процесс преобразования определенного количества аудио дорожек в полноценное музыкальное произведение. Это весьма кропотливая работа, требующая внимания, усидчивости и терпения. Качественный микс подчеркнет все достоинства в музыке, обозначив самые важные элементы композиции. Важно, что удачный микс будет очень хорошо звучать на любом оборудовании, начиная с моно радиоприемника и заканчивая аудиофильским комплектом аппаратуры.

Теоретически процесс сведения музыки совсем несложный – следует настраивать регуляторы до тех пор, пока не добьетесь нужного звучания. Тем не менее, случайно это сделать почти невозможно, ведь сведение сродни игре на музыкальном инструменте. Давайте же попробуем разобраться в тонкостях сведения и попытаемся придать ему некую структуру.

Точка отсчета

С чего начать сведение трека? Прослушайте идеально, на ваш взгляд, звучащие музыкальные композиции. Желательно, чтобы они были в одном или похожем музыкальном стиле. Концентрируйтесь не на музыке, а именно на сведении. Почувствуйте, что даже в очень плотном миксе вам удается различить партию каждого инструмента, потому что она находится в своем пространстве. Не пренебрегайте равномерностью частотного баланса: высокие частоты должны быть яркими, но не пронзительными, а бас должен звучать убедительно, при этом не загрязняя и не маскируя остальные звуки. Обязательно запомните относительный уровень основных инструментов — ударных и вокала.

Уровень мониторинга

Сведение музыки на высокой громкости чревато высокой утомляемостью для ушей. А сведение на низкой громкости, напротив, не напрягает слух и сводит усталость к минимуму. При сведении идеальной можно считать периодическую смену уровня громкости, в этом случае можно лучше представить, как микс ведет себя при разном уровне громкости.

Заниматься сведением в наушниках – идея неплохая, они изолируют от внешних шумов и хорошо подчеркивают детали. Однако наушники имеют способность все преувеличивать и в них трудно адекватно настроить стерео-картину. Поэтому наушниками лучше пользоваться при проверке чистоты звука, а сводить, все-таки, на мониторах.

Аранжировка

Прежде чем начать сведение, тщательно изучите аранжировку. Выявите проблемные места, уясните, что в данной композиции главное, а что второстепенное, подчеркните необходимое и т.п. Можете даже составить некий “to do list”.

Сведение музыки: инструкция в «12 шагов»

Для сведения музыки не выработано четких правил, поэтому, пока вы не обзавелись своим собственным стилем сведения, используйте уже имеющиеся определенные ориентиры. При сведении вам будет нужно сделать множество настроек. Имеется двенадцать основных параметров, которые надо реализовать во время создания микса. Конечно же, это разделение весьма условное и данные «12 шагов» постоянно пересекаются. Например, при изменении какой-либо настройки эквалайзера, вы одновременно оказываете воздействие на громкость.

Итак, что же это за двенадцать шагов?

1. Ментальная подготовка

Процесс сведения зачастую длится очень долго, поэтому рабочее место должно быть удобным и комфортным. В первую очередь необходим хороший компьютерный стул с поддержкой спины. Также потребуется бумага для записей. Свет стоит приглушить, чтобы внимание полностью было сосредоточено на звуке.

Давайте ушам отдохнуть, для этого следует делать перерывы каждые 45 – 60 минут. Возможно, это большая роскошь, если вам платят за студийное время, но тем не менее, эти несколько минут отдыха помогут восстановить объективность вашего восприятия. В итоге, весь процесс сведения, как бы парадоксально это не звучало, займет меньше времени.

2. Организация треков

Следует подписать все треки и каналы, не имеет значения, где вы их сводите — в софте или на микшерном пульте. Придайте им логический порядок и организацию. Это поможет сэкономить время и сделать сведение более легким. При большом количестве треков — правильность и удобство группировки является очень важным этапом.

3. Наденьте наушники и избавьтесь от щелчков

Сведение – процесс творческий, в нем задействовано правое полушарие мозга, а удаление щелчков – работа левого полушария. Комбинация этих действий будет тормозить творческую активность, поэтому лучше в первую очередь сделать всю рутинную работу и больше к ней не возвращаться. Между прочим, именно на этом этапе работы следует воспользоваться наушниками.

Кроме этого, неплохо снизить уровень шума на тех дорожках, на которых это реально сделать. На отдельных треках звуковые артефакты могут показаться совсем несущественными, но в целом они могут оказаться очень  заметными, что в итоге повлияет на качество трека.

4. Оптимизация всех источников звука

Если в вашем треке применяются синтезаторы, то настройте их звучание на как можно более ранней стадии. Например, не подключайте внешние эквалайзеры, если можно просто подкрутить filter cutoff.

5. Баланс громкостей

До тех пор, пока не настроите общий приблизительный баланс громкостей — не добавляйте никаких эффектов и обработки. Не позволяйте своему левому полушарию препятствовать творческому процессу! Сначала включите моно режим для всех треков. Если в моно режиме звучание инструментов хорошо сбалансировано, то в стерео оно только выиграет. А если вы сразу начнете работать в стерео, то рискуете упустить частотные и громкостные конфликты среди инструментов.

6. Настройка эквалайзеров

Эквалайзеры помогают обозначить различия между инструментами, а также улучшают звуковой баланс. Поэтому сначала займитесь вокалом, ударными, басом — самыми важными элементами микса. А когда они хорошо зазвучат вместе, можно переходить к менее значимым элементам.

Из-за ограниченности частотного диапазона каждый инструмент должен располагать своей частотной нишей, чтобы, сочетаясь с прочими инструментами, он стал частью целостного звукового спектра.

Сведение лучше начинать с барабанов. Объясняется это тем, что  ударные инструменты составляют значительную часть частотного диапазона, начиная с бочки, заканчивая тарелками и перкуссией. Настроив правильно все ударные инструменты, с остальными разобраться будет гораздо легче и проще.

Изменение настроек эквалайзера на одном треке влияет на звучание другого трека. К примеру, сильно подняв середину у фортепиано, можно получить его конфликт с вокалом. Бывает так, что поднятие какой-либо частотной области одного инструмента потребует понижения громкости или вырезания такой же области у другого инструмента. Для примера – чтобы подчеркнуть вокал, можно слегка прибрать «вокальные» частоты у других инструментов, вместо того, чтобы обрабатывать вокал эквалайзером.

Представляйте композицию как спектр, планируя при этом, какой звук и куда вы хотите поместить. Иногда можно воспользоваться анализатором спектра. Однако не забывайте при этом, что уши, а не глаза ваш главный инструмент при сведении.

Если очень хочется подчеркнуть какой-то звук, то слегка приподнимите его в районе от 1 до 3 КГц. Если есть желание отодвинуть звук подальше, то следует понизить высокие частоты на соответствующей дорожке. Также целесообразно вырезать или понижать низкие частоты инструментов, в которых они не требуются, тем самым освобождая место для баса и бочки.

7. Основная обработка

Под этим определением подразумевается обработка, радикально меняющая звук либо привносящая в него что-то новое. Для примера — добавление эхо или какой-либо дисторшн и т.п.

8. Стерео картина

Самое время расставить инструменты в стерео поле. Можно использовать  традиционный подход, который основан на реальном расположении инструментов во время концерта, а так же что-то кардинально иное. Сигналы следует панорамировать аккуратно, избегая крайних положений регулятора панорамы.

Бочка и бас пусть остаются в центре: низкие частоты содержат максимум энергии, поэтому ее необходимо распределять равномерно. При панорамировании остальных инструментов внимательно отслеживайте баланс. Если что-то одно оказалось с одной стороны, то значит, что-то другое должно оказаться с другой.

9. Финальная коррекция аранжировки

Попробуйте свести количество соревнующихся инструментов к минимуму, это поможет держать внимание слушателя в фокусе. Вам, безусловно, может очень нравиться какой-нибудь звуковой эффект, но если в нем нет необходимости в конкретной композиции, избавьтесь от него. И наоборот, если вы считаете, что чего-то не хватает, попробуйте ликвидировать пробелы. Дождитесь завершения работы, прежде чем ей восхищаться. Помните, что здесь очень важна максимальная объективность!

10. Добавление глубины

После того, как вы разместили все инструменты по своим местам в стерео картине, настало время третьего измерения – добавление глубины. Начните с аккуратного добавления к звукам задержки и реверберации. Не допускайте многопространственности, особенно при сведении живой музыки. Помимо этого, не стремитесь улучшить качество звука, используя реверберацию. Эффективнее вернуться назад и поработать с настройками эквалайзера или синтезатора.

11. Тонкая настройка

Теперь, когда самая главная задача выполнена, следует обязательно перепроверить настройки всех каналов: громкость, настройка эквалайзеров, эффекты, и, если необходимо, внесите требуемые корректировки. Но не усердствуйте, музыке не всегда на пользу некая стерильность звучания. И еще, не нужно вносить изменения, которые кроме вас никто не заметит.

12. Проверьте свой микс на различных аудиосистемах

Прежде, чем поставить окончательную точку в своей работе, послушайте, как она будет звучать на различных аудиосистемах — от аппаратуры в студии до автомобильной системы. Если звучание микса везде убедительно – с задачей справились на отлично!

15 советов от диджеев, которые помогут записать классный микс

Если у тебя скопилась куча классной музыки и ты бы хотел(-а) оформить все в цельное музыкальное высказывание – записывай собственный микс! Мы опросили друзей-диджеев и составили краткий справочник о том, какую выбирать музыку, почему нельзя перебарщивать с эффектами и как работать с драматургией лонгплея. Присылай свой шедевр на редакционную почту – заценим!

 

 1.  Не собирай свой микс из верхушек чартов – подборки хитов уже никому не интересны. Выбери музыку, которая нравится именно тебе, собери нужные треки в одну папку, переслушай их и переходи к следующему этапу.

 

 2.  Продумай порядок, в котором будут звучать твои треки. Ты можешь выстроить треки в порядке нарастания BPM, создать микс из серии пиков и спадов или вовсе выдержать всю дорожку на одной волне – все зависит от твоей фантазии. 

 

 3.  Используй в миксе треки, записанные в хорошем качестве. Эта мелочь нехило влияет на итоговый звук твоего микса, так что никаких MP3-файлов качеством в 128 кб/с – только добротный WAV, FLAC и MP3 в формате 320 кб/c. 

 

 4.  Выбери программу, в которой ты будешь сводить микс. Если ты не хочешь разбираться в тонкостях Ableton Live, попробуй препарировать Virtual DJ, Traktor DJ и MixMeister – они просты в освоении и позволят тебе записать толковый микс без просмотров многочасовых видеоуроков. 

 

 5.  Определись с концептом своего микса. Поработай над стилем подборки, постарайся собрать треки, выдержанные в родственных жанрах, – это создаст эффект целостности. И да, не совмещай друг с другом слишком уж разные по темпу треки – результат их сведения будет чересчур заметным. 

 

 

 6.  Своди по тональности. Если между треками нет гармонии, толкового микса не выйдет – композиции просто не будут сочетаться. Однако проверить свои треки на предмет совместимости легко – нужно воспользоваться функциями того же MixMeister или «заюзать» колесо Камелота.

 

 7.  Не тяни резину и не затягивай с переходами. Дай треку отыграть полторы-две минуты и переходи к следующей композиции (правило не универсальное. – 34mag).

 

 8.  Не загорайся целью запихать в микс как можно больше композиций – получится каша, в которой все треки смешаются в однородную субстанцию. Да и не нужно растягивать хронометраж подборки – никто не станет слушать двухчасовой микс до конца (кто как. – 34mag).

 

 9.  Сделай свой микс контрастным. Чередуй вокальные треки с инструментальными, не обходи стороной ремиксы, реворки и ремодели, размещай композиции с необычными музыкальными рисунками – не давай слушателю повода для зевоты.

 

 10.  Злоупотребление эффектами ни к чему хорошему не приводит. Грамотное распоряжение хорусом, фейзером, дилэем и фланжером допустимо, однако чрезмерное увлечение примочками может сказаться на твоем миксе нехилым перегрузом.

 

 

 11.  Используй разные переходы между треками. Ты можешь обрывать композицию в кульминационном месте и перепрыгивать на следующую композицию, сводить трек в бит или давать ему плавно перетекать в следующую композицию – экспериментируй, ибо банальная комбинация «fade out / fade in» слишком быстро набивает оскомину.

 

 12.  Не своди треки в хаотичном порядке: постарайся выделить завязку, кульминацию и финал. Другими словами, расставь в начале, середине и конце микса самые «взрывные» треки – это создаст эффект завершенной истории. 

 

 13.  Учитывай анатомию треков, с которыми ты работаешь. В первом пункте мы не просто так посоветовали в очередной раз прослушать взятые тобой треки. Знание структуры выбранной композиции позволит тебе избежать нелепых ошибок при сведении. 

 

 14.  Если во время сведения ты все-таки где-то накосячил(-а), не отчаивайся: злосчастную ошибку можно исправить в любом аудиоредакторе. Ableton, Garage Band, Logic Pro и Soundforge – выбирай понравившуюся прогу и выполняй работу над ошибками. 

 

 15.  Подойди к расшариванию своего шедевра с умом: придумай запоминающееся название, подбери крутую иллюстрацию, запили интересное описание и размести свою работу на Soundcloud, Bandcamp, Mixcloud и во всех доступных соцсетях. Готово, ты великолепен(-а) – осталось только собирать лайки, наслаждаться своим миксом и ждать сообщения от какого-нибудь крупного лейбла. 

 

Как сводить треки в FL Studio 12. Музыканты, диджеи, сиджеи, и те, кто… | by NikolayGolovko

Музыканты, диджеи, сиджеи, и те, кто только учатся писать музыку в домашних условиях, часто задают такой вопрос: «какие плагины я должен использовать при сведении» или «подскажи мне идеальный метод и цепочку плагинов для профессионального сведения, КАК СВОДИТЬ ПРОФЕССИОНАЛЬНО?». И я обычно говорю, что можно сделать профессиональное сведение при помощи всего ДВУХ плагинов, причем, они УЖЕ лежат у тебя в папке плагинов-эффектов! Сейчас много видео уроков и видео курсов по сведению — где видно как «учителя» вешают на слоты в микшере дорожки кучу невообразимо продвинутых плагинов и эффектов обработки, — которые может, и делают звук инструментов лучше, но сам микс целиком и процесс сведения — не всегда.

Если спуститься в корень сведения и заглянуть в суть самого сведения, то нам нужны всего три параметра звука, что бы получить в результате отличный микс на мастере, и это громкость, частота и динамика! Громкость мы регулируем при сведении в FL Studio или другом секвенсоре, за счет фейдера самой громкости дорожки на нашем микшере. И теперь частоты и динамика… Что это может быть. Я думаю, если вы свели самостоятельно хотя бы пару ваших треков на компьютере, то вы понимаете, про какие 2 плагина я поговорю в этой статье. Большинству понятно, что это эквалайзер и компрессор.

И действительно, для того, что бы свести трек на профессиональном уровне, вам нужны только эти 2 плагина. Эквалайзер и компрессор. Я не заставляю вас отказаться и выкинуть все плагины пространственной и другой обработки звука, они важны, а иногда так же необходимы для хорошего сведения, но в самом корне, БЕЗ них вы можете обойтись и получиться профессионально сведенный трек в вашем секвенсоре, используя лишь эквалайзер и компрессор.

Но вопрос теперь стоит так — почему же Я, уже тысячу раз использовал эквалайзер и компрессор (причем, иногда не один на дорожке) ни разу не получал идеального сведения в FL Studio? Да, мне знакома эта цепочка EQ+Compressor и я ей много раз уже пользовался — где же мой идеальный микс? Конечно же, стоит уметь применять должным образом вот эту самую цепочку «эквалайзер + компрессор», так как именно вот в этом простом построении последовательности звуковой обработки и кроется понятие ХОРОШЕГО СВЕДЕНИЯ и фраза «такой-то инструмент хорошо сидит в миксе» — так же кроется в этом принципе. Плюс, мы помним про нашу громкость на микшере, так как это понятие должно выскакивать у вас в голове первым делом, когда вы слышите слова «сведение» или «микс»! Лично я, когда слышу слово «микс», то вижу перед собой Дейва Пенсадо, регулирующего фейдеры громкости на своей консоли в Pensado’s Place, и для меня эта картина выскакивает просто потому, что я часто учусь от него и всегда слежу за выпусками Pensado.

Дорожки вашего трека идеально сводятся на мастере, в том случае, когда все частотные составляющие этих дорожек по минимуму конфликтуют друг с другом, и все нужные частотные регионы каждой дорожки доходят до слушателя должным образом (+ без искажений и неприятных перегрузов) через общий микс, который в свою очередь несет в себе по большей части ВЕСЬ частотный диапазон. И как реализовать все это многоэтажное определение в действительности и в моем секвенсоре? Все достаточно просто! С помощью эквалайзера, поставленного ПЕРЕД компрессором на нашей дорожке микса, мы будет ВЫРЕЗАТЬ (а не прибавлять) частотные составляющие нашей дорожки, и с помощью компрессора мы будем поднимать уровень оставшихся частот до нужного уровня — параллельноУМЕНЬШАЯ динамический диапазон нашей составляющий микса.

Узнаете? Да, это стандартный плагин обработки в вашей FL Studio — Parametric EQ2.

Я бы настоятельно рекомендовал использовать при сведении в FL Studio именно Parametric EQ2. Позже объясню почему.

Как вы, наверное, уже слышали — стоит первым делом срезать все не нужные нам частоты из начального спектра нашего инструмента и из его конечно спектра — Все правильно! Так и делаем, единственное, что хочется заметить и подчеркнуть — вырезайте действительно все НЕ НУЖНЫЕ частоты из начала и конца! Если ваш инструмент или составляющая микса начинает терять его основной спектр — частотный регион, на котором он более активен — возвращаемся назад. НАМ НЕ НУЖНО ТЕРЯТЬ рабочей частоты инструмента, так как она естественно нужна нам в миксе как никогда! Следите еще за тем, что вам нужно от инструмента! Например, в танцевальной музыке, от фортепиано, зачастую, требуется яркость и цвет в общий микс, а кинематографические саундтреки, в свою очередь, иногда хотят от фортепиано глубины и полноты звучания.

Следующий важный момент сведения это то, что каждый инструмент имеет свой частотный регион или область и нам следует по минимуму накладывать друг на друга инструменты, со схожими рабочими областями. А если это и требуется, выходы всегда есть: и это панорамирование или же, если требуется, то Sidechain компрессия — но, так как статья не про «методы решения частотных конфликтов у схожих инструментов» , а про главные инструменты профессионального сведения — сейчас у нас нет времени окунаться в это. Итак…

Это был первый момент с эквалайзером… Второй, ВАЖНЫЙ момент — удаляйте все пиковые частоты (те частоты и пики, на которых этот инструмент через чур активен), как правило такие регионы и пики есть, и бывает, что не по одной штуке на инструмент! И вырезайте, конечно же, исключительно узкими полосами, (помним золотое правило любого звукорежиссера: «при работе с эквалайзером мы вырезаем узкими полосами, добавляем (хотя я бы не советовал вообще при работе с эквалайзером «добавлять» амплитуды частотам) более широкими». И почему я не советую добавлять амплитуды частотам, хотя многие это делают и миксы получаются просто отличные… Представьте себе аналогию со скульптором; он берет целый блок камня и уже из целого блока этого камня вырезает скульптуру с фигурой и всеми мелочами, которые он хочет, и ни чего не добавляет сам! Этому принципу МЫ должны следовать и при сведении \ обработке трека. Так как уже после эквалайзера мы ставим в нашу цепь компрессор, который уже из всего вырезанного нами спектра, подчеркивает и увеличивает ВСЕ, что мы хотели оставить и донести до слушателя, от отдельно взятой дорожки микса или инструмента. И как найти эти активные пики и регионы? Изобразите вот что:

Сделайте нужную полосу вашего эквалайзера достаточно узкой и пробегитесь по всему частотному диапазону каждого инструмента или семпла — от слишком активных пик и регионов ваши ужи немного заболят (не переборщите с этим — не нужно, чтобы после сессии сведения у нас шла кровь из ушей)). Там, где вы найдете излишние зашкалы и давление — это нужные вам пики для понижения и выреза!

И вот что получилось у меня (в этом случае обрабатывался рояль засэмплированный на плеере KONTAKT) и здесь я вырезал кроме крайних, не присущих роялю регионов, только ОДИН регион частот (подчеркну в моем случае ОДИН):

Можете сказать «зачем ты вырезал так много низких частот — это же РОЯЛЬ! Там — самая глубина у инструмента!» Помните, я говорил выше — знайте, что вам нужно от инструмента! В моем случае пишется не живая композиция — а более танцевальный трек, где я хотел от рояля передать только его реалистичность, мягкость и яркость в мой микс.

Итак, в данном случае только один вырез — и тот случается на определенной ноте, КОТОРАЯ в прописанной партии звучит чаще остальных. Здесь важный момент! Если ваши инструменты (это не одиночные семплы) имеют широкие нотные, игровые диапазоны, будут ноты, у каждого или почти каждого инструмента, которые проявляют себя активнее остальных, и среди них будут через чур активные — их мы и хотим немного успокоить (у них естественно есть свой пиковый регион, и почему я советую использовать при сведении в FL STUDIO именно Parametric EQ2 — так как он показывает нам наглядно, как на блюдичке, что, где и когда активно и на сколько активно). И не забываем про регионы излишней активности инструментов или семплов, как таковых.

Все что осталось в наших частотных диапазонах отдельных дорожек микса теперь передается компрессору на каждой дорожке на дальнейшую обработку. И здесь ваш выбор!

Вы можете использовать встроенный во Fruity Limiter однополосный компрессор, что может быть самым подходящим орудием в вашей ситуации!

Или же использовать (если ситуация требует этого и нужна разная компрессия для разных частотных областей) встроенный многополосный компрессор Fruity Multiband Compressor.

Но чем бы вы не уменьшали динамический диапазон и не доводили общий уровень, помните, что, скорее всего вам хватит и стандартного однополостного компрессора а FL Studio. Здесь, наша задача на компрессоре, стоит в том, что бы сравнять (сгладить) излишние громкости \ пики дорожки (инструмента) и поднять менее слышимые регионы до требуемого уровня. И помните результат после эквалайзера — мы автоматически поднимаем нужные нам вещи (частоты). А если вы слышите в результате вашей работы над дорожкой, какие то зашкалы и излишнее давление после проделанной работы с эквалайзером — или вы переборщили с компрессией (помним в компрессии тоже есть законы и принципы как ни где в другой области обработки — без фанатизма) или же возвращайтесь именно к эквалайзеру и ищите эти пики, значит, они есть в вашем инструменте! …Если же вы в корне не понимаете принцип работы компрессора и вы — полный новичок в этом деле — это тема для другой статьи и совершенно другой разговор, который стоит назвать ОСНОВЫ РАБОТЫ С КОМПРЕССОРОМ!

Вот как с помощью двух простых и стандартных инструментов, плюс базового метода выреза ненужных и поднятия нужных частот, можно добиться хороших профессиональных результатов. После этого вы — свободны, пользоваться пространственной обработкой — или чем-то еще, что есть в вашем супер-мега арсенале звукорежиссера. Стоит помнить главное — всегда делайте результат лучше прежнего, а не усугубляйте положение и звучание вашего трека, если обрабатываете какими-то дополнительными эффектами — то сравнивайте результат до и после этого эффекта, при помощи простой кнопки (функции Bypass) на вашем слоте микшера.

Сведение: как это делается | Секреты диджеинга от DJ JM

Итак, битмэтчинг – это твое второе «я», с аппаратурой ты работаешь с закрытыми глазами, а слова «квадрат», «брейк» и «такт» прочно вошли в твой лексикон. Замечательно! Самое время двигаться дальше и учиться сводить треки. Сегодня мы попробуем на вкус, что такое сведение, сделав простой переход с одной композиции на другую.

Для начала: выставление уровня звука

Уровень громкости треков на разных пластинках может существенно отличаться. (Как будто того, что они обычно записаны в разном темпе, недостаточно!). От звука одной пластинки у тебя может закладывать уши, а звук другой, поставленной вместо нее на проигрыватель, может быть едва различимым.

Твоя задача как диджея – обеспечить одинаковый уровень громкости для всех треков, которые играют на танцпол. Общее правило здесь таково: звук должен быть выставлен так, чтобы на самых громких частях композиций прыгающие полоски их поканальных индикаторов время от времени касались красной области, но никогда не оставались в ней. Это будет в районе уровня 0 dB. Если на твоем микшере поканальных индикаторов нет, то можно ориентироваться на уровень Cue Mix или уровень основного выхода микшера (при полностью открытом фейдере нужного канала).

Управление уровнем звука канала происходит с помощью регулятора Gain. Этот регулятор должен быть правильно выставлен заранее, до того, как ты начнешь выводить трек на танцпол.

Если твой микшер может похвастаться поканальными индикаторами, то это легче легкого. Прямо в процессе битмэтчинга, пока новый трек играет у тебя в наушниках, выставь его регулятор Gain так, чтобы в громких местах композиции полоска канального индикатора изредка касалась красной зоны, как описано выше.

Если же о поканальных индикаторах приходится только мечтать, то, пока ты учишься, можно немного смошенничать. Полностью открой фейдер нового трека, закрыв остальные, поставь иглу в громкое место композиции и отрегулируй Gain, ориентируясь на уровень основного выхода микшера. Со временем ты научишься выставлять Gain нового трека прямо в процессе перехода, но пока забивать голову этим не стоит.

Итак, темп нового трека подобран, уровень звука выставлен. Пора начинать переход!

Когда запускать новый трек?

Очевидно, что новый трек нужно запускать за некоторое время до окончания старого. У тебя должно быть достаточно времени, чтобы: а). исправить в наушниках ошибки запуска, если они были, б). вывести новый трек на танцпол, в). дать трекам позвучать вместе и г). плавно увести старую композицию. К счастью, расширенные версии танцевальных треков, которые играют диджеи, специально имеют длинные вступление и окончание, которые идеально располагают к плавным переходам.

Для того, чтобы переход получился максимально гармоничным, квадраты (а лучше двойки) старого и нового треков должны быть совмещены. При таком раскладе изменения в течении обеих композиций будут происходить одновременно, что звучит наиболее естественно. Совместить двойки очень просто, достаточно запустить новый трек в аккурат под очередную двойку старого. Более подробно о совмещении двоек написано в отдельной статье.

Представим, что мы делаем переход между Get Down из статьи о структуре трека и другим треком, структура которого пусть будет такой же (назовем их треками A и B соответственно). Самый прямолинейный способ свести эти треки – запустить B одновременно с началом инструментального припева трека A и осуществить переход в течение 16-тактного отрезка, следующего за этим припевом.

В результате, как раз тогда, когда A уйдет в окончание в виде чистой бочки, на сцене появится B со своим вступлением, которое будет вытеснять остатки трека A и полностью сменит его к окончанию этих 4 квадратов (или двух двоек). Вот как это выглядит для слушателя на танцполе:

Трек A  Трек B
10.
11. Инструментальный припев – 16 тактов
  
12. Окончание – 16 тактов (переход) 2. Инструментальный припев – 16 тактов
   3. Куплет – 8 тактов
4.

Рассмотрим весь этот процесс в деталях.

Переход: шаг за шагом

Итак, на танцпол гремит трек A, который близится к своему завершению. Одень наушники на оба уха и поставь регулятор баланса Cue Mix/Master на микшере в среднее положение. Теперь ты слышишь в наушниках как зал (канал A), так и Cue Mix (канал B). Одновременно с началом инструментального припева A запусти трек B. У тебя есть целая вечность – 16 тактов, чтобы исправить ошибки запуска и заставить треки звучать точно бит в бит.

Примечание. Почему старт нового трека нужно делать в наушниках? Потому, что если ты будешь стартовать трек B под танцпол или под мониторы, задержка звука от последних приведет к тому, что ты синхронизируешь B не с треком A, а с его отстающей версией. В итоге трек B будет немного отставать от реального A. Это может стать весьма неприятным сюрпризом, когда придет время делать переход. Вот такая вот физика.

Когда инструментальный припев трека A будет походить к концу, сними наушники: время начинать шоу. Под первый бит новой двойки быстро передвинь фейдер B примерно наполовину вверх, одновременно совсем чуть-чуть убрав фейдер A. Общее правило сведения: резкие изменения при переходе делаются только под начало новых двоек. (Мы ведь пытаемся замаскировать наши манипуляции под естественный ход музыки, а большие изменения в ней происходят именно по двойкам.)

Теперь расширяй завоеванную территорию, медленно передвигая фейдер B вверх, а A – вниз. При этом не забывай поддерживать постоянный уровень звука на танцполе, отслеживая его по индикатору основного выхода микшера. «Встреча на Эльбе» должна произойти где-то на уровне 75% обоих фейдеров, хотя, впрочем, это зависит от пульта.

Ты еще не забыл, что в нашем 16-тактовом окончании две двойки? Это означает, что по прошествии первых 8 тактов перехода ты можешь немного форсировать события под шумок начала второй 8-тактовой двойки. В нужный момент забудь о плавности и быстро подвинь фейдер B, убрав A еще больше. Конец этой двойки посвяти выведению B до 100% так, чтобы с новых 16 тактов на танцпол звучал только этот трек. Переход завершен!

Кроссфейдер или ползунки каналов?

Не знаю, где я это вычитал, но когда я учился сводить, я использовал кроссфейдер вместо канальных фейдеров для перевода звука между каналами. В этом варианте ползунки обоих каналов открыты и ты пользуешься кроссфейдером, чтобы плавно переводить с одного канала на другой.

В первое время кроссфейдер не доставлял мне неудобств. Однако, по мере того, как мое мастерство росло, росла и потребность в более тонком управлении звуком во время перехода, которое кроссфейдер был не в состоянии обеспечить. Цитата: «We must concede that some traditional mixing tasks are best accomplished with the two knob method.»

В итоге я стал работать только с ползунками каналов, что советую и тебе. Более того, я еще не видел профессионального диджея, который использовал бы кроссфейдер для сведения (поправь меня, если я невнимательно смотрел). Резюме: оставь кроссфейдер тем, кто его изобрел – скретчерам.

Как удерживать синхронизацию

Какими бы хорошими ни были твои навыки битмэтчинга, все равно надеяться на то, что два трека будут вечно звучать бит в бит, не приходится. Рано или поздно они начнут расходиться. Как удерживать треки в синхронизации во время перехода?

Для этого стоит регулярно надевать наушники, что позволит тебе более точно контролировать совместное звучание треков. Если треки пошли вразнобой, аккуратно корректируй один из них. Тут есть один секрет: чтобы танцпол не услышал твоих корректировок, делать их лучше на том треке, в котором в данный момент отсутствуют звуки высоких и средних частот (такие как вокал и высокие ноты мелодии).

Почему? Дело в том, что во время корректировки естественным образом меняется высота тона проигрываемого звука, а это наиболее заметно на звуках высокого частотного диапазона. В нашем примере все корректировки стоит делать на треке A, т.к. в момент перехода в нем звучит одна бочка. Проигрыватель с треком B и его инструментальным вступлением лучше не трогать.

Это еще не все…


Надеюсь, что эта статья помогла тебе получить ясное представление о том, что такое сведение и как делаются переходы между треками. В следующих материалах мы рассмотрим использование эквалайзера для более гладкого сведения, а также другие варианты наложения частей композиций друг на друга.

Как сводить музыку, когда нет времени, и достигать больших результатов в сжатые сроки

Звукорежиссёр, продюсер и основатель образовательного проекта Audio Issues Бьёргвин Бенедиктссон написал для своих email-подписчиков заметку о том, как заниматься музыкой, когда нет времени и уделять больше внимания сведению. В своём тексте Бенедиктссон говорит о правильном тайм-менеджменте и планировании своих музыкальных дел. Идеи Бьёргвина во много пересекаются с методикой Джорджа Уильяма Чайлдса, адаптировавшего метод Pomodoro для написания песен и добившегося благодаря этому больших результатов.


Меня часто спрашивают, как заниматься музыкой, когда нет времени. Мы постоянно куда-то торопимся, нас отвлекают бытовые проблемы и рабочие вопросы: нужно починить стиральную машинку, поменять дверь, составить отчёт, встретиться с коллегой на другом конце города. К концу дня времени не остаётся ни на что, какая тут музыка…

На самом деле вопрос не в том, как заниматься музыкой, когда времени нет, а в том, как вы распоряжаетесь своим временем. Проводите ли вы каждую минуту с пользой или тратите по несколько часов на занятия ничем? Задумайтесь на секунду и ответьте себе честно, насколько вы эффективны и продуктивны в течение дня.

В большинстве случаев ответ очевиден. Вы стараетесь быть продуктивным, но внезапно залипаете на случайную гифку в ленте. Спорю, что если у вас появляются свободные полчаса, то вы тратите их впустую. И после этого вы всё ещё задаетесь вопросами о том, как заниматься музыкой, когда нет времени и где найти минутку на сведение своих треков?

Я считаю, что вы неэффективно используете своё время. Вечером у вас всегда найдется полчаса на то, чтобы поработать над проектом. Многие возразят, что музыка и сведение требует больше, чем полчаса — за жалкие 30 минут ничего нельзя успеть, а толку от таких занятий не будет. Верно ли это? Я уверен, что нет.

Человечество придумало такую штуку, как функция сохранения. Если вы не в курсе, то вот в чем её смысл: она позволяет сохранить достигнутые результаты, чтобы продолжить работу с того места, на котором вы остановились. Сделать это можно когда угодно: сегодня, завтра или в те самые свободные 30 минут, появляющиеся у вас по ходу дня. Вы удивитесь, но это не новое изобретение — сохранение было с вами с момента знакомства с DAW.

Если отбросить сарказм и надменность, моя позиция в том, что если у вас появились 30 минут перерыва, то вы должны провести их с пользой. Вы ищете время на музыку, мечтаете о том, как свели бы трек будь у вас свободная минутка, но как только появляется такой шанс вы… ничего не делаете. Вот она ваша возможность заняться делом, вы мечтали именно об этом! Так сводите и музицируйте. Гифки с котиками подождут.

Поверьте, тридцати минут хватит на многое. Можно расставить дорожки и аудио по проекту, свести их по громкости и раскидать по панораме. В следующий раз у вас больше, чем ничего, можно обрабатывать эквалайзером дорожки и шины. Да, за полчаса идеального результата не добиться, но кого это волнует? Дождитесь следующих 30 свободных минут и улучшите микс.

Лучше двигаться небольшими шагами, чем не двигаться вообще. К тому же из-за особенностей нашего слуха от получасовой сессии сведения больше толку, чем от пятичасового марафона — уши не замыливаются и отчётливо слышат все звуки.

В общем, делайте хоть что-то. Да, это будет не так быстро, как вам бы хотелось, но что поделать, если времени мало? Чтобы быть ещё эффективнее, распланируйте себе дела на всю неделю. Составьте расписание типа этого:

  • Понедельник. Подготовить проект к сведению. Расставить все дорожки и партии по своим местам.
  • Вторник. Навести в проекте баланс по громкости и панораме. Сгруппировать дорожки и инструменты по шинам и посылам.
  • Среда. Общая эквализация. Обработка шин и дорожек инструментов.
  • Четверг. Компрессия и другие эффекты.
  • Пятница. Добавление реверберации и дилэя, создание пространства в миксе.

Вуаля! Прошла неделя, вы свели трек. Может быть это сделано не идеально, но довести до ума можно в следующие свободные полчаса. Какого бы результата вы не достигли, это все равно лучше, чем залипать в ленту новостей или бесконечно ждать момента, когда у вас появится два-три свободных часа на сведение.

Чётко планируйте своё время и то, чем вы займетесь при его наличии. Лень, нытье и прокрастинация ещё никому не помогли.

Техники гармонического сведения для диджеев.

Как разнообразить свой сет и сделать его интереснее? Этот вопрос задают многие даже опытные диджеи. Сегодня мы расскажем об одной из самых интересных техник сведения треков.

Умелое использование эффектов, разные техники тёрнтейблизма, такие как скретч или бит-джагглинг, гармоническое сведение, правильный подбор плейлиста, изменение скорости или стиля — это, пожалуй, лишь часть из того, что можно начать использовать, если надоело просто ставить треки друг за другом. Ведь при наличии всех этих кнопок синхронизации и прочих функций упрощения у диджея появляется масса времени, которое можно выделить на использование продвинутых техник.
Как известно, хороший микс — это путешествие, но как грамотно провести слушателя по всей истории без лишних запинок и препятствий?
Одной из продвинутых техник, которые могут в этом помочь, является гармоническое сведение. Этот способ раньше был доступен только диджеям с хорошим слухом или со знанием музыкальной теории, а сейчас, благодаря внедрению софта с функцией определения тональности, его могут использовать все, даже самые начинающие.

Основой данного подхода является знание о законах гармонии. Испокон веков лучшие музыканты изучают взаимодействие между нотами, и уже достаточно давно стало ясно, что существуют определённые правила. Это математика в чистом виде, и это один из лучших ответов на обычный школьный вопрос:»Где мне это вообще пригодится по жизни?» Если вы серьёзно увлечены музыкой, рано или поздно вы задумаетесь о необходимости изучить законы гармонии более подробно, а сейчас мы пробежимся по чисто прикладным способам, которые помогут любому диджею.

Итак, если верить музыкальной теории, в основе каждого трека лежит какая-либо тональность. Есть 7 основных нот, которые в разных модификациях дают 12 ступеней. От каждой из этих ступеней можно построить последовательности, которые зовутся ладами, самыми популярными являются мажор и минор. Обозначение ноты и лада называется тональностью. Например, если трек написан в тональности До мажор, это значит, что большинство его мелодических линий и аккордов сочетаются с ключевой нотой (тоникой) До и состоят из ступеней, гармонирующих с мажорным ладом.
Звучит сложновато? Всё нормально, дальше будет очень просто 🙂

В зависимости от сочетания тональностей, треки вместе могут звучать как отлично, так и не очень. В лучшем случае вы получите красивейший мэшап, когда гармонии и мелодии из одного трека будут сочетаться с подобными из второго, а слушатель, возможно, даже не будет догадываться, что играет несколько композиций одновременно. В худшем же какие-то ноты из двух треков будут при наложении друг на друга создавать так называемые диссонансы — неприятно звучащие сочетания тонов.
Описанные дальше техники позволят вам повысить вероятность удачного гармонического сведения с минимумом диссонансов.

Для работы нам понадобится вот такое колесо Camelot System, которое придумали ребята, создавшие известную программу определения тональности Mixed In Key. По сути, это колесо является упрощённой версией кварто-квинтового круга, широко известного среди музыкантов с академическими знаниями.

Колесо камелота

Базовое гармоническое сведение

1. Сначала мы определяем тональность трека. 


Это можно сделать следующими способами: 


  • Без знаний музыкальной теории это точнее всего сделать с помощью специального софта (Mixed In Key, KeyFinder, Rapid Evolution и т.п.) 
  • Посмотреть тональность на странице трека на Beatport
  • При знании музыкальной теории определить на слух
  • Самый быстрый способ, это автоматическое определение тональности встроенными в вашу диджейскую программу инструментами. Функция определения есть в Traktor Pro, Virtual DJ, Algoriddim Djay, некоторых менее популярных приложениях. Обычно ничего специально не надо делать, тональность определяется при общем анализе трека. Учтите, что встроенные инструменты часто допускают ошибки.
После определения мы увидим рядом с каждым треком обозначение вида номер и буква, где номер означает ступень, их 12, а буква — лад, их всего два. В случае с Mixed In Key, например, это A и B, встроенный же в Traktor Pro инструмент использует буквы m и d.

2. Включаем трек в любой тональности, например, в 7A. 
В первую очередь, мы можем свести его с треком в такой же тональности, то есть, 7A. Если подходящих не нашлось, то смотрим на колесе соседние по кругу тональности — с любой из них мы можем сводить. В нашем примере мы можем выбрать треки 6A или 8A. Если бы у нас был трек в 7B, нашим выбором были бы 7B, 6B и 8B.

Всё, в этом вся базовая техника гармонического сведения. Видите, как всё свелось до взгляда на картинку и простого сопоставления?
Но было бы странно, если трек можно свести только с соседними по кругу — это сильно ограничивает. Давайте двигаться дальше.

В тракторе используйте функцию сортировки по тональности

Переход между ладами

Если вы играете электронную музыку, то, скорее всего, большинство треков в вашей библиотеке имеют минорную тональность, так уж повелось среди электронщиков. Конечно, есть и мажорные треки, которые обязательно нужно использовать, но сведение между треками в разных ладах может показаться небольшим испытанием, если хочется сохранить гармонию.

Простым вариантом является такой — оставить номер, а букву поменять с A на B или наоборот. То есть, если смотреть на колесо, то нужно перейти от внешнего круга ко внутреннему или от внутреннего к внешнему. 
Посмотрите на немного дополненное колесо, чтобы понять, о чём речь. В нашем случае 7A (Ре Минор или D minor) содержит те же ноты, что и 7B (Фа Мажор или F major), так что треки в этих тональностях при сведении будут звучать гармонично.

Дополненное колесо камелота

Итак, базовое сведение и переход между ладами позволяет нам двигаться на соседние ячейки колеса:

Пример для тональности с кодом 2A

Ещё один метод

Он заключается в переходе с мажора на минор при сохранении тоники (ключевой ноты). Например, с Фа Мажор (F Major) на Фа Минор (F minor). На колесе у нас внутренний круг — это минор, а внешний — мажор.


Вот простая формула:


  • Если вы в мажоре, вычтите 3 из номера и поменяйте букву, например из 7B в 4A
  • Если вы в миноре, прибавьте 3 к номеру и поменяйте букву, например из 10A в 1B (13 у нас нет, так что приходим по кругу к единице).

Этот приём можно использовать, совершая сведение во время барабанных сбивок и моментов с минимумом мелодий, чтобы не было слышно особых диссонансов.
Данный метод очень интересен с точки зрения музыкальности и повествования, обязательно попробуйте его.
Сведение с эмоциональным подъёмом

Возможно, вы слышали этот приём, называемый транспозицией, в популярных песнях — чаще всего последняя часть песни поднимается выше на полтона или тон. Обычно, это производит эффект эмоционального подъёма и разгона.


Давайте разберёмся, как свести два трека таким способом, используя уже привычное нам колесо:


  • Для подъёма на один полутон прибавьте 7 к тональности текущего трека
  • Для подъёма на два полутона (один тон) прибавьте 2 к тональности текущего трека. 
Старайтесь свести как можно быстрее и будьте осторожны при длинных сводках — такой переход может создать много диссонансов. Обычно, подъём на два полутона работает лучше. Тем, кто знаком с сольфеджио, известно, что интервал под названием «большая секунда», состоящий из одного тона, является более благозвучным, чем «малая секунда», состоящий из одного полутона. 

Сведение на коротком лупе

Чтобы создать переход между треками, который позволит сделать нам длинное сведение, в одном из треков сделайте короткую петлю на одном аккорде, желательно, который играет в тонике (основан на ключевой ноте), и уже после этого вводите второй трек любым из описанных выше способов.
Перед сведением убедитесь, что петля с аккордом не содержит таких нот, которые при наложении зазвучат плохо. 

Подводя итог, скажем — вся эта теория послужит вам отличным подспорьем, но в первую очередь используйте свой слух и внимательно оценивайте ситуацию. Заранее проверяйте все сочетания треков, лучшие запоминайте или записывайте. Надо понимать, что использование описанных приёмов не даёт гарантии отличного сведения, ведь хоть набор нот и совпадает, гармония в треках может строиться совершенно разным способом и аккорды играют в таком порядке, с которым при наложении создаются ненавистные нам диссонансы. Даже если по номерам и буквам всё должно звучать хорошо, а на практике получается каша, смело ищите другой вариант, ориентируясь только на свои ощущения, развивайте своё внутреннее чувство гармонии.

В статье были использованы материалы с ресурсов mixedinkey.com и djtechtools.com.

ALLFORDJ team.


5 основных техник сведения трека

Существует два способа сводить трек: со стратегией, и без. В то время, как второй вариант будет более веселым, интересным и увлекательным подходом – в 99% случаях всё заканчивается тем, что проект собирается заново. Вот пять способов, которые помогут сосредоточиться и выбрать правильную стратегию сведения трека.

1. «Ритмический» подход

Это верный и классический подход, чтобы сосредоточиться на художественных элементах трека. Сводить проект начните с барабанов и перкуссии. Сделайте максимально плотный и объемный звук (фундамент трека). Правильно сведенные ударные – это 50% работы над миксом. После того, как собрали ритм-секцию, начните вытягивать остальные инструменты. Большим преимуществом данного подхода является то, что вы выстраиваете звуки инструментов вокруг основы трека.

2. Вокальная «пирамида»

Это общий подход, который начинают с “координационного” элемента (очень часто им является вокал). Вы получаете сияющий прозрачный звук вашего вокала, а затем начинаете выстраивать остальные инструменты вокруг его. Таким образом, от главных звуков, которые играют важную роль – вы идете к тем, которые играют роль второстепенную. Таким образом, удобно выстроить логическую цепочку, и выделить нужные звуки. Важное преимущество данного подхода – вы можете выделить самые важные элементы, и поставить их на первый план.

— Смотри также: Steven Slate Drums выпустили бесплатную версию SSD 5.5 —

3. Сведение «снизу – вверх»

Менее распространенный, но очень эффективный подход, чтобы начать сведение с ваших низких басовых элементов и построить микс вертикально. Идея такова: сразу можно свести глубокий бас (808), sub бас, и все, что находится в нижнем диапазоне частот. Потом перейти на бочку (она немного выше частотно, чем бас). Потом рабочий барабан (он выше частотно, чем бочка), и таким образом инструмент за инструментом подниматься до hats и crash. Большим преимуществом этого подхода является то, что он делает ваши решения эквализации прозрачными и грамотно разложенными в проекте. Каждый инструмент будет находиться на своем месте, и не будет конкурировать с другими звуками.

4. Постепенное исправление
Этот подход не является взаимоисключающим вышеописанные подходы. В принципе, идея в том, что вы не торопитесь, что бы создать идеальный звук. То есть: прослушиваете микс, и ставите «костыли» в тех, или иных моментах.

К примеру: вы оставляете живое звучание гитары, но когда вступает бас, они начинают конкурировать и гудеть. Именно в момент вступления баса – ставите фейдер среза частот на живую гитару. Таким образом, вы их склеите частотно, и тем самым оставите живое звучание гитары в солирующих участках. Когда закончите данный этап, можно оставить работу с фейдерами, и заняться полноценным сведением трека.

— Смотри также: Винтажное оборудование действительно лучше? —

5. Создаем пространство

Идея заключается в том, что перед тем, как работать с инструментами частотно, вы первым делом наполняете трек пространством (реверберация, дилей, fx). Сразу выстраиваете всю идею пространственной обработки, потом отслеживаете, как это звучит, и где самые проблемные участки. Затем начинаете исправлять данные участки, делая полноценные срезы частот и техническое вмешательство в звук.

Нужно заметить, что данный подход не подходит для жанров, где искусственное / нереальное / разнообразное пространство (поп, EDM, Рэп, Хип-хоп). Этот подход полезен исключительно для тех стилей, которые желают иметь более естественное звучание и атмосферу (джаз, классический рок, инди-рок). Преимущество этого подхода в том, что вы создаете полноценное стереозвучание с самого начала.

Имея план, с какой точки А дойти до точки Б – предотвратит огромное количество головной боли, и на практике даст более чистый звук, чем сведение «наобум». Какой подход вы предпочитаете? Возможно, есть такой, который мы не включили в список. Не стесняйтесь присылать свои методы сведения нам в личные сообщения. Если у вас возникли трудности, или нужен качественный профессиональный звук, вы всегда можете заказать сведение и мастеринг в нашей студии, оформив заказ на сайте.

8 шагов к радио-готовому звуку

Вы разочарованный музыкант своими руками?

Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо?

Вам нужно научиться искусству микширования. И для этого не нужна дорогая студия.

Вы можете научиться смешивать в собственной спальне!

К концу этой статьи у вас будет все необходимое, чтобы начать микшировать свои собственные песни.

Вы хотите зарабатывать деньги на своей музыке?

Чтобы начать карьеру, вам не нужно дорогое снаряжение, связи или божественные знания.

Этот бесплатный мастер-класс раскрывает ключевые шаги, которые ДЕЙСТВИТЕЛЬНО необходимы для получения надежного дохода, занимаясь любимым делом, в 2021 году.

Пройдите полный мастер-класс здесь:

Но если вы просто хотите сначала узнать об основах микширования, продолжайте читать.

Что такое смешивание?

Итак, прежде чем мы перейдем к , как микшировать песню, нам нужно выяснить, что на самом деле микширование равно .

Когда я только начал сведение, я думал, что речь идет о наложении крутых эффектов на вокал и гитары.Я часами настраивал свои задержки и фазеры, только чтобы разочароваться, что мой микс по-прежнему звучал как мусор.

Мне потребовался почти год, чтобы осознать, что эффекты — это лишь небольшая часть головоломки. То, что вы делаете с микшированием, намного больше.

Так что же такое смешивание? Микширование — это процесс использования таких инструментов, как фейдеры громкости, компрессоры, эквалайзеры и ревербераторы, чтобы отдельные треки песни звучали сбалансированным и эмоциональным .

Другими словами, микширование — это процесс создания ваших записей звучанием как песней, а не как набор необработанных треков.

Чтобы узнать о двух основных целях микширования, посмотрите наше видео ниже:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Чтобы ваша песня была готова для радио, вам нужно научиться микшировать ее.

К счастью, это именно то, что вы будете изучать сегодня, шаг за шагом.Сегодня мы рассмотрим 8 шагов смешивания:

  • Шаг 1: Подготовка
  • Шаг 2: Баланс объема
  • Шаг 3: сжатие
  • Шаг 4: EQ
  • Шаг 5: Пробел (панорамирование, реверберация и задержка)
  • Шаг 6: Автоматизация объема
  • Шаг 7: Эффекты
  • Шаг 8: Окончательные проверки

[Небольшое примечание: в этой статье будет много слов, которые, вероятно, будут для вас новыми! Если вы столкнетесь с чем-то, что вас смущает, ознакомьтесь с нашим Глоссарием аудио терминов здесь для небольшой помощи.]

Шаг 1: Подготовка

Прежде чем вы сможете начать смешивать, вы должны подготовить сеанс. Чем более вы организованы, тем быстрее вы будете смешивать.

Это также поможет вам не перегружать себя беспорядком имеющихся у вас аудиофайлов. Хорошая подготовка даже улучшит качество звука!

Подготовка сеанса состоит из 12 шагов. Посмотрите их ниже:

Большинство этих шагов говорят сами за себя, но есть несколько, на которых я хочу остановиться подробнее.Давай проверим их.

ОБНОВЛЕНИЕ

: Хотите несколько советов по отличному рабочему процессу подготовки микса? Посмотрите наше последнее видео:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Что такое автобусы?

Автобус — это чудо.

Если вы не знакомы, это когда вы переключаете выходы каждой записи определенного инструмента на одну и ту же «шину».Все записи затем направляются на одну вспомогательную дорожку, которую вы можете использовать в качестве «мастер-фейдера» для вашего инструмента.

Подумайте об этом так:

Школьный автобус забирает каждого из учеников у их дома и затем везет их в одно место — школу. Это именно то, что Bussing делает с вашими записями.

По сути, вы направляете все свои записи инструмента на одну дорожку.

Отсюда любые подключаемые модули, которые вы добавляете, применяются к каждой отдельной из этих записей.

Он не только помогает «склеить» ваш трек, но и значительно сокращает количество плагинов, необходимых для завершения микса.

Например, представьте, что у вас есть три разные партии акустической гитары, каждая с двумя микрофонами. Вам придется использовать шесть разных компрессоров, чтобы контролировать их динамику.

Но с шиной, а не с шестью компрессорами, вам просто нужен один. Это означает, что вы собираетесь микшировать быстрее и сэкономите огромное количество ресурсов процессора.

Не только это, но вы сжимаете сразу несколько частей.Таким образом создается ощущение, что все отдельные треки являются частью одного инструмента.

Склеивает, так сказать.

Сделайте это со всеми своими инструментами, и ваши миксы будут закончены быстрее и звучат лучше!

Что такое кроссфейды?

Если вы соединяете две аудиорегионы вместе, вам нужно применить кроссфейд. Перекрестное затухание затухает в аудиоклипе слева одновременно с тем, как он затухает в клипе справа.

Это означает, что любые вырезанные вами треки будут плавно переходить друг в друга.Без кроссфейда вы услышите неприятный хлопок в месте пересечения двух звуковых регионов.

При создании кроссфейдов используйте не менее 10 мс. Этого должно быть достаточно.

В большинстве DAW есть способ применения фейдов и кроссфейдов ко всему сеансу. Проведите небольшое исследование в Google, чтобы выяснить, как работает система затухания DAW, чтобы сэкономить время.

Что такое стадия усиления?

Давайте быстро вернемся в 1960-е годы.

Еще до компьютеров у студий были звуковые консоли и «внешнее оборудование» для микширования своих песен.

Из-за аналоговой природы этой технологии вам приходилось записывать треки на определенном уровне громкости, чтобы убедиться, что они не звучат слишком шумно.

Из-за этого большинство этих старых инструментов микширования создавались так, чтобы звучать лучше всего, когда они обрабатывали звук на этом уровне… Это то, что мы теперь называем «сладким пятном» в микшировании.

Перенесемся в сегодняшний день.

Большинство инструментов микширования, которые вы будете использовать — компрессоры, эквалайзеры, ревербераторы и т. Д. — основаны на старых моделях аналоговой эпохи.Это означает, что их зона наилучшего восприятия все еще существует!

Таким образом, цель настройки усиления состоит в том, чтобы убедиться, что ваш звук имеет нужную громкость, чтобы попасть в желанную зону наилучшего восприятия.

Так что же такое сладкое пятно? 0 дБВУ.

Чтобы узнать, как усилить ваши треки, ознакомьтесь с пошаговой схемой ниже:

Теперь большинство DAW используют измерители dBFS в качестве измерителей громкости. Чтобы сделать этот трюк правильно, возьмите БЕСПЛАТНУЮ копию mvMeter2 TBProAudio.

Сам несколько лет пользовался.Только не забудьте установить его в режим VU!

Что такое контрольные треки?

Контрольный трек прост: это профессионально сведенная песня, с которой вы сравниваете свой микс по мере продвижения.

Представьте себе:

Вы художник, пытающийся запечатлеть красивый пейзаж сельской местности.

Вы путешествуете на многие мили, пока не найдете идеальный вид. Посмотрев на него несколько минут, вы возвращаетесь в студию художника.

Затем вы пытаетесь нарисовать то, что видели по памяти.

Как вы думаете, насколько точна эта картина?

А теперь представьте, что вы взяли с собой фотоаппарат.

Вы фотографируете именно то, что хотите нарисовать. Затем вы возвращаетесь в свою студию и используете свою фотографию в качестве ориентира.

Между двумя вариантами… ТОЧНАЯ будет покраска.

Вот что такое реферирование. Это сравнение вашего микса, когда вы переходите к профессионально сведенному треку.

Без эталонного трека это все равно что «сводить вслепую.”

Вы никогда не захотите микшировать по памяти. Ваши миксы в конечном итоге будут звучать довольно хорошо в ваших собственных колонках, но будут разваливаться где-нибудь еще.

Сравнение каждого аспекта вашего микса с эталонным треком — нижних частот, средних частот, громкости малого барабана, вокальной реверберации и так далее — повысит качество ваших миксов в десять раз.

Чтобы узнать больше о том, как найти правильный эталонный трек для своей песни, ознакомьтесь с нашим полным руководством или видео ниже:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания.И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Теперь, когда ваш микс подготовлен, давайте перейдем к первому этапу микширования или — балансировке громкости!

Шаг 2: Баланс громкости

Самый мощный инструмент в вашем наборе инструментов микширования — это не компрессия или эквалайзер, а громкость.

Баланс громкости вашего микса — самый важный шаг к готовой для радио песне.

Чтобы получить отличный баланс громкости, попробуйте выполнить следующие действия:

[Хотите остальные графические инструкции? Загрузите все 15 руководств из БЕСПЛАТНОЙ шпаргалки по основам ниже.]

Эта система балансировки объема довольно проста, но она очень мощная.

Чтобы узнать больше о балансировке объема, посмотрите это видео:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания.И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Во время работы над балансом громкости я бы рекомендовал слушать на мониторе или наушниках на низком уровне. Это сохранит точность движений вашего микса.

Чем громче вы слушаете микс, тем лучше он звучит. Сейчас это здорово.

Но это означает, что вы можете принимать некоторые решения о микшировании, которые звучат ужасно при игре на тихой громкости!

Вы хотите настроить мониторы на «уровень разговора».«Достаточно громко, чтобы слышать детали микса, но достаточно тихо, чтобы вы могли поговорить с другом во время воспроизведения.

Также помните контрольные треки, которые вы установили на последнем шаге? Пришло время их использовать!

Прослушивание эталонных треков — один из лучших способов получить звездный баланс громкости. Это поможет вам узнать, насколько громкими являются вокал, ударные и бас в большинстве других песен.

Это инструменты, которые наиболее слышны или наиболее «ощущаются».«Поэтому правильный баланс крайне важен для микса, который хорошо воспроизводится на всех динамиках.

Чтобы узнать, как использовать референсные треки в своих песнях, посмотрите видео ниже:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Теперь давайте узнаем о нашем первом инструменте микширования — сжатии.

Шаг 3: Сжатие

Компрессия выравнивает динамику инструмента и формирует его тон.

С точки зрения непрофессионала, он сжимает объем инструмента. Когда инструмент становится слишком громким, компрессор выключает его.

Compression используется во всех миксах, чтобы ваши треки стали более последовательными, захватывающими и связными.

Прежде чем мы узнаем, как использовать компрессор, давайте начнем с различных частей:

Теперь, когда вы знаете различные части компрессора, давайте узнаем, как им пользоваться:

Компрессоры тонкие, но они имеют большое значение в вашем миксе.

Ключ к использованию компрессора — это практика. Чем больше вы это делаете, тем лучше слышите изменения, которые вы вносите в звук.

Хотите узнать, как звучит сжатие? Посмотрите видео ниже:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Я обычно использую компрессию на тех инструментах, которые, по моему мнению, нуждаются в большем контроле в миксе.Если я хочу, чтобы звук был четким и четким, скорее всего, потребуется некоторая компрессия.

Имейте в виду, что степень сжатия зависит от жанра, который вы микшируете!

Некоторые жанры используют более тяжелую компрессию (например, поп, рэп и рок), в то время как другие практически не используют компрессию (например, джаз, классика и некоторые фолк).

Имейте это в виду, когда учитесь сжимать свои миксы.

Прежде чем мы перейдем к следующему шагу, посмотрите это видео о том, как избежать наиболее распространенных ошибок, которые делают музыканты при сжатии своих миксов:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания.И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Далее, мастер фиксации частоты и формирования тона… эквалайзер.

Шаг 4: EQ

Эквалайзер (или EQ для краткости) — это инструмент микширования, который помогает формировать тон инструмента.

Очень важно создать микс, который «подходит» друг к другу.

Сейчас это может показаться немного расплывчатым, но оставайтесь со мной. Прежде чем вы сможете узнать, что такое эквалайзер, вам необходимо понять частотный спектр .

Музыка создается с помощью различных звуковых волн, взаимодействующих друг с другом уникальным образом. Каждая отдельная звуковая волна известна как «частота», которая измеряется в герцах (или Гц).

Чем ниже высота звука, тем ниже его герц. Например, бас может воспроизводить ноту с резонансом около 50 Гц.

И наоборот, чем выше высота звука, тем выше его герц. Например, скрипка может играть ноту с резонансом около 2000 Гц или 2 кГц.

Так какой же частотный спектр? Частотный спектр — это весь диапазон человеческого слуха.

Итак, давайте посмотрим на средний плагин параметрического эквалайзера…

Видите, как спектр начинается с 20 Гц слева и заканчивается на 20 кГц справа?

Это диапазон человеческого слуха.Внутри него находится всех звуков, которые человек может услышать.

Для меня это делится на пять очень разных разделов.

Sub-Bass (20–60 Гц)

Первая область, на которой мы сосредоточимся, — это суб-басы.

Все, что ниже 60 Гц, является суб-басом. Обычно вам нужен сабвуфер или хорошие наушники (например, наушники открытого типа), чтобы это услышать.

Вы должны немного слышать это, если используете мониторы или наушники.Но если вы слушаете на ноутбуке или телефоне, вы не сможете это услышать.

Это часть частотного диапазона, которую вы «чувствуете», а не слышите.

Вы когда-нибудь были в клубе и ощущали грохот басового синтезатора в груди? Это суббасовые частоты.

Бас (60–200 Гц)

После этого мы переходим к тому, что я бы назвал басом. Для меня это все в диапазоне 60–200 Гц.

В этом районе у нас много бас-гитары.Также много низкочастотного вокала, потому что мужской вокал в большинстве случаев будет иметь основную частоту ниже 200 Гц.

Область низких частот — основа микса. Без баса песня кажется… странной. Все в вашем миксе будет построено на басовых частотах.

Low Mids (200–600 Гц)

Далее, если вы перейдете от 200 до 600 Гц, это то, что я бы назвал низкими средними частотами, и это действительно важная область для микширования.

Сейчас эта область очень важна для домашней записи.Именно здесь вы получаете много наработок с гитарами, вокалом, особенно с высокими частотами бас-гитары.

Это область, которая действительно виновата в добавлении грязи в смесь.

Mids (600 Гц – 2 кГц)

Человеческий слух в основном фокусируется на этом диапазоне частот…

Поэтому очень важно правильно определить этот диапазон. Вы хотите, чтобы основной акцент трека (например, вокал) имел много места в этом диапазоне.

Имейте в виду, что именно здесь вы можете начать использовать резкие и агрессивные тона.

Верхняя середина (2–8 кГц)

Затем у нас есть верхняя середина между 3–8 кГц, и именно здесь все становится действительно резким. Это то место, где у нас часто бывает хрупкость.

Это также важный диапазон для ясности и агрессии, особенно в вокале.

высоких (8+ кГц)

После этого мы переходим к высоким частотам. Это все, что выше 8 кГц. Вот где у нас воздух.

Вы можете еще больше разделить это на 8–12 кГц, это то, что я бы назвал высокими частотами, а затем 12+ кГц — это то, что я бы назвал эфиром.

Но пока мы оставим это как максимумы, а это все, что выше 8 кГц.

Вот разбивка всего частотного спектра:

Диапазон частот

Описание

от 20 Гц до 60 Гц Саб-бас
от 60 Гц до 200 Гц Бас
от 200 Гц до 600 Гц Нижняя середина
от 600 Гц до 3 кГц Середина
от 3 кГц до 8 кГц Верхняя середина
от 8 кГц до 20 кГц Максимумы

Итак, все, что было сказано, что делает эквалайзер?

Эквалайзер похож на фейдер громкости для частотного спектра.Он может повышать или понижать различные части спектра, чтобы изменить тон инструмента.

Гитара звучит слишком ярко? Возможно, потребуется вырезать верхнюю середину.

Вокал звучит слишком слабо? Возможно, потребуется усиление низких средних частот.

EQing делает эти сокращения и усиления в различных инструментах, чтобы улучшить звучание песни.

Итак, теперь, когда вы знаете, что такое EQ , , давайте посмотрим на различные части плагина:

Вы будете использовать «фильтры», чтобы срезать и усиливать различные части спектра.

Какие части спектра вы сокращаете или усиливаете , зависит от вас . Задайте себе вопрос: чего вы пытаетесь достичь с помощью эквалайзера?

Есть четыре проблемы, которые можно решить с помощью эквалайзера:

[Хотите остальные графические инструкции? Загрузите все 15 руководств из БЕСПЛАТНОЙ шпаргалки по основам ниже.]

Вам нужно выбрать направление, прежде чем начинать эквализацию. Всегда думайте: «Чего я пытаюсь достичь с помощью этого эквалайзера?» вместо того, чтобы просто нажимать на эквалайзер и менять вещи только потому, что вы думаете, что должны.

И посмотрите на эту удобную диаграмму частотных проблем, с которыми вы можете столкнуться. Он отлично помогает определить, что не так с инструментом

Прежде чем мы продолжим, посмотрите это видео, которое мы сделали, о худших ошибках эквалайзера, которые я совершал за последние годы. Надеюсь, это с самого начала поможет вам встать на правильный путь:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания.И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Чтобы узнать больше о том, как эквалайзировать микс, ознакомьтесь с моим полным руководством по эквалайзеру.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вот отличный совет для получения действительно увлекательных и интересных миксов:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия.Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Шаг 5: Пробел (панорамирование, реверберация и задержка)

К настоящему времени вы создали довольно приличный микс, используя громкость, компрессию и эквалайзер. Но инструменты по-прежнему ощущают, что они соревнуются за одно и то же «пространство» в миксе.

Что ты умеешь?

Представьте себе сцену. На нем играет вся группа, а слушатель внизу в толпе.

Прямо сейчас ваш микс одномерный .

Это означает, что каждый инструмент в вашей группе — вокал, барабаны, гитары, бас и все остальное — сжимается вместе в точно таком же месте на этой сцене. Все они занимают одну и ту же точку в пространстве.

Из-за этого все звучит беспорядочно! Нам нужно дать каждому инструменту свое собственное пространство на сцене, чтобы сбалансировать ситуацию.

Давайте сделаем наш бэнд 3D. Первое, что нужно использовать — панорамирование .

Панорамирование

Панорама — это перемещение инструмента в левый или правый динамик.

Позволяет сделать ваш микс двумерным . Это позволяет вам разложить группу по левой и правой сторонам сцены.

Инструмент панорамируется с помощью ручки панорамирования на полосе канала дорожки.

Чтобы переместить что-либо влево, поверните ручку влево. Чтобы переместить его вправо, поверните ручку вправо.

Все просто!

Панорамирование может быть настолько простым или сложным, насколько вы хотите. Чтобы мои миксы оставались широкими (но не , а не шириной), я использую метод панорамирования 50/50.

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

По сути, я переворачиваю все свои инструменты в одно из пяти мест:

  1. 100% слева
  2. 50% влево
  3. прямо посередине
  4. 50% вправо
  5. 100% вправо

Используя это, шаг панорамирования упрощается, создавая более связное стереоизображение.

Один быстрый совет: держите низкие инструменты и мелодию в центре! Не панорамируйте бас-барабан, бас или вокал. Они должны удерживать внимание аудитории.

Теперь давайте добавим еще одно измерение к нашему миксу с помощью реверберации.

Реверберация

Давайте снова подумаем о нашей группе на сцене.

Прямо сейчас мы сдвинули инструменты влево и вправо. Итак, вся группа теперь рассредоточена в самом начале сцены.

Но они все еще переполнены! У них есть ширина, но нет глубины.

Каждому музыканту по-прежнему тяжело стоять на сцене. Нам нужно оттеснить некоторых из них, чтобы у каждого было свое место.

Это то, что мы собираемся сделать с нашим миксом. Мы собираемся сделать микс трехмерным, добавив последнее измерение: глубину.

Для этого мы будем использовать реверберацию и задержку. Начнем с реверберации.

Реверберация — это звук комнаты. Когда к инструменту добавляется реверберация, он звучит так, как будто находится в новом пространстве.

Это может быть большой концертный зал, крошечная спальня или что-то среднее. Он создает «размытость» звука позади инструмента.

Кроме того, создается иллюзия, что инструмент находится дальше от слушателя.

Это означает, что инструменты в передней части сцены должны иметь лишь небольшую реверберацию. Но инструментов на позади сцены должно быть намного больше.

Для этого мы создадим две комнатные реверберации, чтобы послать каждый инструмент в ваш микс.Один для создания глубины, а другой для создания прохладного тона:

Если вы выполните эти шаги, у вас уже должен получиться более связный микс.

Иногда, тем не менее, вы хотите придать инструменту «трехмерный» звук, не отодвигая его слишком далеко от слушателя. В таком случае попробуйте отложить.

Задержка

Задержка намного точнее реверберации. Это всего лишь одно повторение нот инструмента за другим.

Как эхо, которое вы услышите, если закричите в Гранд-Каньон.

Delay отлично справляется с созданием пространства вокруг инструмента, не отодвигая его слишком далеко в миксе.

Особенно хорошо подходит для вокала, который нужно держать в центре внимания.

Чтобы создать вокальную задержку, попробуйте этот метод:

[Хотите остальные графические инструкции? Загрузите все 15 руководств из БЕСПЛАТНОЙ шпаргалки по основам смешивания, представленной ниже.]

Эта задержка «стереозвучания» отлично работает на любом музыкальном инструменте, который есть в вашем миксе. Мне лично нравится использовать его в гитарных риффах и соло!

Теперь, когда вы сделали свой микс 3D, пора поработать над согласованностью всего микса в целом.

Шаг 6: Автоматизация объема

Прямо сейчас отрывок, который вы зациклили, вероятно, звучит великолепно. Вы, наверное, очень довольны этим.

Но если вы прослушаете всю песню, вы поймете, что все остальные части звучат… странно.

Это потому, что вы настроили баланс громкости так, чтобы он соответствовал самой громкой части песни. Не каждая секунда песни будет иметь одинаковый баланс громкости.

Итак, что нам нужно сделать, это прослушать песню от начала до конца. Используйте автоматизацию, чтобы громкость была единообразной.

Прежде чем вы начнете, я бы еще раз послушал ваши эталонные треки. Вы хотите освежить слух, когда начинаете создавать баланс громкости для всей песни.

На самом деле автоматизация объема довольно проста.

Откройте свой канал автоматизации. Создайте точки вокруг раздела, который вы хотите сделать громче, и увеличьте громкость инструмента.

Убедитесь, что наклон автоматизации немного увеличен, чтобы переход был более музыкальным.

Вы также можете использовать автоматизацию, чтобы привлечь внимание слушателя. Например, в промежутках между вокалом интерес публики ослабевает.

В этом видео показано, как использовать автоматизацию для выделения других инструментов в промежутках между мелодиями.

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Вы также можете использовать автоматизацию громкости, чтобы придать песне азарта. Я часто немного увеличиваю громкость инструментов прямо перед большим припевом, чтобы усилить энергию песни.

Имейте в виду, что этот шаг почти всегда является обязательным. Если это не очень простая песня или живое выступление, она, скорее всего, не будет одинаковой по громкости для всей песни.

Не пропустите!

Шаг 7: Эффекты

Теперь, когда ваша песня хорошо зарекомендовала себя, пора добавить что-нибудь веселое.

Эффекты

отлично подходят для придания вашей песне тональности. Они помогают вызвать интерес к звучанию песни, а не полагаться только на саму песню.

Есть множество различных эффектов, которые вы можете добавить к разным частям песни. Намного больше, чем мы можем охватить в одной статье.

Итак, мы рассмотрим самые распространенные.

Многие люди используют задержки как эффект. Эти задержки должны быть громкими и очевидными, а не тонкими задержками, которые вы использовали для вокала.

Вы установите их так же, как и задержку вокала, описанную выше, но время задержки может быть любым, как вы хотите.

В качестве отправной точки задержка на четверть ноты часто звучит круто как вокальный эффект.А задержка четвертной ноты с точками может очень круто звучать на электрогитаре.

Посмотрите видео ниже, чтобы узнать о некоторых других интересных идеях эффектов задержки, а также о нескольких эффектах реверберации:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Еще один часто используемый эффект — это искажение (также известное как «насыщенность»).

Вы видите, что это часто используется на электрогитарах, вокале, а иногда даже на барабанах.

Его можно использовать либо как посыл (например, задержку или реверберацию), либо поставить напрямую на канал. Это просто зависит от того, насколько агрессивным вы хотите, чтобы кранч был.

Другой популярный эффект — хорус.

Эффект хоруса заставляет инструмент звучать так, как будто он был удвоен. При агрессивном использовании это похоже на плавание под водой:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания.И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

Вы услышите этот эффект на гитарах, вокале и фортепиано.

Шаг 8: Окончательные проверки

И на этом вы почти закончили! Пришло время заняться гребешком с мелкими зубьями и убедиться, что все хорошо подогнано.

Во время ваших последних проверок все может быть честно. Возможно, вам потребуется настроить эквалайзер гитары, изменить компрессию баса или добавить к вокалу больше реверберации.

Во время куплетов вам может потребоваться добавить больше эффектов к барабанам. Или включите синтезаторы в мосту.

Все, о чем мы говорили в этом руководстве, можно изменить.

Этот последний шаг очень важен. Некоторые инструменты в вашем наборе инструментов микширования будут влиять на звук других инструментов .

Например, сжатие часто меняет баланс громкости. Потому что он делает эти тихие звуки громче.

Добавление искажения к звуку может сделать его слишком резким, что заставит вас пойти и приручить верхнюю часть вашего эквалайзера.

Несколько советов по эффективному использованию последнего шага проверки:

  • Сделайте себе как минимум 12-часовой перерыв перед началом работы. Позвольте вашим ушам заново привыкнуть к звукам мира. Вы услышите больше проблем со своим миксом с набором свежих ушей.
  • Слушайте песню от начала до конца и делайте заметки. Что бы вы изменили в этом миксе? Этот список — ваш путеводитель по завершению этого шага.
  • Не забывайте использовать контрольные треки. Слушайте их каждые пятнадцать минут или около того, чтобы акклиматизировать ваши уши к звуку профессионального микса. Таким образом, вы обнаружите больше проблем в своем собственном миксе… а это значит, что вы можете исправить эти проблемы!

Когда вы закончите свои последние проверки, все готово! Микс завершен.

Теперь остается отправить микс мастеринг-инженеру или в службу вроде Landr или Aria для мастеринга. Как только у вас в руках будет обработанный трек, вы готовы выпустить свой шедевр.

ОБНОВЛЕНИЕ

: Если вы чувствуете, что ваши миксы выходят на плато, вам нужно посмотреть это:

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

БОНУС: Смешивание различных инструментов

Основы сведения одинаковы, независимо от того, на каком инструменте вы работаете.

Но иногда разные звуки требуют разных решений.

Вот наша небольшая сокровищница советов по микшированию для разных инструментов. Просто нажмите кнопку инструмента, который вы хотите научиться микшировать. Наслаждаться!

Вокал, Барабаны, Бас, Гитары


Вокал

Как заставить вокал присутствовать в миксе

Как заставить вокал сидеть в миксе Как использовать де-эссер Как сделать полноценное вокальное продюсирование Как микшировать фоновый вокал

Как использовать De-Esser

Как заставить вокал сидеть в миксе Как использовать де-эссер Как сделать полноценное вокальное продюсирование Как микшировать фоновый вокал

Как сделать полноценное вокальное производство

Как заставить вокал сидеть в миксе Как использовать деэссер Как сделать полноценное вокальное продюсирование Как микшировать фоновый вокал

Как смешивать фоновый вокал

Как заставить вокал сидеть в миксе Как использовать деэссер Как сделать полноценное вокальное продюсирование Как микшировать фоновый вокал

Барабаны

Как смешивать барабаны

Как микшировать ударные Как сжимать малый барабан Как эквалайзировать бас-барабан

Как сжать малый барабан

Как микшировать ударные Как сжимать малый барабан Как эквалайзировать бас-барабан

Эквалайзер бас-барабана

Как микшировать ударные Как сжимать малый барабан Как эквалайзировать бас-барабан

Бас

Как сжать бас-гитару

Как сжать бас-гитару

Гитары

Лучшие 7 советов по микшированию гитары

Лучшие 7 советов по микшированию гитары

Последний бонус…

Иногда приятно получить несколько простых советов.

В этой статье было много информации! Я аплодирую тому, что вы зашли так далеко.

В следующем видео есть 16 советов по микшированию, которые просты, последовательны, но мощны.

Использование этих советов в ваших песнях приведет к повышению качества как минимум на 10%. . Я это гарантирую.

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания.И для этого не нужна дорогая студия. Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

. ОБНОВЛЕНИЕ

: Мы выпустили еще одно видео с советами по микшированию, которое демонстрирует 21 совет по микшированию. Я бы хотел, чтобы кто-нибудь научил меня, когда я был новичком.

Вы разочарованный музыкант своими руками? Вас раздражает то, что песни, которые вы готовите в домашней студии, звучат не так хорошо? Вам нужно научиться искусству смешивания. И для этого не нужна дорогая студия.Вы можете научиться смешивать в своей спальне! К концу этой статьи у вас будет ev

.

ВЫВОД: Смешивание

Уф. Это было много, не правда ли?

Поздравляю, вы дочитали до конца эту упакованную до отказа статья!

Хотите зарабатывать деньги на своей музыке?

Чтобы начать карьеру, вам не нужно дорогое снаряжение, связи или божественные знания.

Этот бесплатный мастер-класс раскрывает ключевые шаги, которые ДЕЙСТВИТЕЛЬНО необходимы для получения надежного дохода, занимаясь любимым делом, в 2021 году.

Пройдите полный мастер-класс здесь:

Автор песен и продюсер. Писатель в «Музыканте в командировке». Я здесь, чтобы помогать людям делать музыку, которая долговечна.

Сведение музыки: простое руководство по звучанию как профессионал

Что такое динамика?

Под динамикой понимается пространство между самыми громкими частями звука и самой тихой частью. Пространство между каждой частью обычно называют динамическим диапазоном. Это определение можно применить ко всей песне или к определенному звуку.

Динамические звуки имеют широкий диапазон от самой тихой части звука до самой громкой. Например, представьте себе удар малого барабана. Это очень внезапный пик, который длится недолго. Это означает, что он имеет широкий динамический диапазон. Настоящая вспышка на сковороде. Сравните это с органной нотой. Он остается на том же уровне с момента начала до момента отпускания клавиши. Это означает, что это менее динамичный звук.

Динамика также существует во всем спектакле. Очевидный пример — певец, который тихо поет куплет, а затем исполняет его припевом.Диапазон между самыми тихими и самыми громкими частями часто может достигать 20 дБ, что очень много. особенно когда вы пытаетесь уравновесить это с кучей других элементов. Как эта очень нединамичная органная нота. Эти динамические колебания могут затруднить объединение всего в микс без какого-либо контроля над ними.

Вот здесь-то и появляется сжатие звука.

Что такое сжатие?

Сжатие звука — это процесс ограничения динамического диапазона.Это делается с помощью компрессора, который устанавливает определенные пределы пропускной способности частоты. Они усиливают более тихие части и понижают громкость, обеспечивая более согласованный и сбалансированный общий звук.

Сколько работает компрессор, зависит от его соотношения. Более высокие коэффициенты больше влияют на динамический диапазон.

Но зачем это делать? Разве динамический диапазон — это не хорошо?

Да, динамика хорошая. Но помните, что вы пытаетесь добиться постоянного уровня в миксе.Если что-то будет слишком громким, это будет выделяться и будет неудобно. Если будет слишком тихо, он потеряется на диванных подушках вашего микса. Поиск хорошего баланса сжатия — это искусство, которое требует слушания и обучения.

Похоже ли это на настройку фейдеров в DAW? Должно. Это в основном то, что делает компрессор, но автоматически.

Но будьте осторожны, чтобы не увлечься. Слишком сильное сжатие — опасная зона. Использование только компрессии для попытки сбалансировать уровни в миксе приведет к безжизненному, безвкусному и утомительному миксу.Ой.

Используйте сжатие в сочетании с громкостью (усилением) для получения наилучших результатов.

7 простых советов по созданию более качественного микса: проблемы со звуком

Вы, надеюсь, хорошо записали свои треки (если вы воспользовались советом из этого поста, у вас должно быть все хорошо).

А теперь пришло время свести вашу песню.

Иногда смешивание может показаться сложным. Вы можете часами прыгать с одной дорожки на другую без какой-либо реальной точки и терять время и концентрацию, если не будете осторожны.

У вас должен быть план: дорожная карта, чтобы сделать ваш микс за несколько часов.

Вот 7 шагов, которым вы можете следовать, чтобы очень быстро получать отличные миксы.

1. Подготовка микса: используйте группы и шины

Когда вы впервые открываете свой проект, сортирует треки . Если ваши треки находятся в беспорядке, вам будет трудно понять, над каким треком вы работали, и вы будете тратить время на прокрутку вверх и вниз в поисках трека соло для электрогитары.

Обычно я начинаю с ударных, затем баса, затем акустической и электрической гитар, затем фортепиано и пэдов, затем вокала и гармоний сверху вниз.

Затем создаст подгруппы и правильно прокладывает маршруты. Создайте шину DRUMS, шину GUITARS, шину VOCALS и т. Д.

Это позволит вам упростить микширование, управлять громкостью многих треков с помощью всего одного фейдера и применить эквалайзер и компрессию ко всем трекам одновременно, если вы хотите.

Прослушайте песню и найдите самую загруженную часть песни.Это может быть последний припев, мост и т. Д.

Зациклите эту часть. Это самая сложная часть для микширования, поэтому, если вы начнете здесь и заставите ее звучать великолепно, остальная часть песни будет звучать великолепно.

2. Получите отличный статический микс

Я не могу не подчеркнуть, насколько это важно. Сведение — это установка уровней. Эквалайзер, компрессия, реверберация и эффекты — это просто полировка и тонкая настройка. Правильная установка уровней имеет решающее значение для качества вашего финального микса.

Вы должны уметь слышать все инструменты, но при этом уделять каждому место, потому что не все инструменты важны.

Играйте с только фейдерами громкости и постарайтесь добиться хорошего баланса между инструментами. Не трогайте ручку панорамирования, не используйте плагины. Только фейдеры громкости. Это настоящее смешение ядра.

Лично я предпочитаю ставить ударные, бас и вокал немного вперед, потому что они несут ритм и текст песни. Слушая музыку, вы подпеваете и киваете головой под ударные и бас, поэтому я стараюсь имитировать это при сведении.

О, и не забудьте, что для оставьте немного запаса! Ваш микс не должен обрезаться. Не бойтесь убавить звук и включить громкоговорители.

Также убедитесь, что вы используете моно. Самый простой способ перейти в моно — нажать кнопку моно на вашем интерфейсе или сдвинуть все по центру.

К этому моменту вы должны иметь представление о том, куда вы собираетесь. Вы собираетесь показать пианино? Нужны ли в песне сверхжирные барабаны? Куда вы положите гармонии? И т.д.…

Если вы сейчас решите, как должна звучать песня, вы будете знать, что делать дальше.

Чтобы узнать больше об этом, прочтите эту статью:

3. Применение эквалайзера для получения ясности

Эквалайзер — это инструмент, который вы должны использовать для получения ясности и разделения.

Если инструменты конкурируют за один и тот же частотный диапазон, то эквалайзер может помочь им хорошо сочетаться друг с другом.

Хорошая срезка менее важного инструмента в этом диапазоне частот может иметь большое значение, чтобы освободить место для других.

Если вы не знаете, как эффективно эквалайзировать, самое простое и безопасное, что вы можете сделать, — это использовать фильтр высоких частот.

Низкие частоты вашего микса должны быть заняты басом и ударными. Другие инструменты не содержат много информации о низких частотах, но у них есть информация, которая может накапливаться и сделать ваш микс грязным, если вы не будете осторожны.

Так что используйте фильтр высоких частот на всех остальных треках, , и избавьтесь от бесполезных низких частот. Это действительно самый простой способ использовать эквалайзер.

Поверьте, простой фильтр высоких частот на каждой дорожке отсекает ненужные низкие частоты на ваших инструментах и ​​мгновенно очищает низкие частоты.

4. Применяйте сжатие, чтобы добиться успеха.

Компрессия с эквалайзером — один из ваших самых мощных инструментов.

По сути, компрессор выравнивает громкость ваших треков. Он понижает пики и увеличивает самые тихие части.

Используйте компрессор на своих барабанах, чтобы откормить их и сделать их резкими.

Используйте медленную атаку, если хотите немного щелчков, или используйте более быструю атаку, чтобы они растолстели. Другой вариант — отправить копию ударных на другую шину, сильно сжать ее и смешать сжатые ударные с несжатым (или слегка сжатым) оригиналом, чтобы получить лучшее из обоих миров.

Сжимайте бас-трек, чтобы немного уменьшить атаку и получить больше сустейна и тела.

Используйте его на основных вокальных дорожках, чтобы включить более тихие слова, которые могут потеряться в миксе.

Тем не менее, убедитесь, что избегает чрезмерного сжатия ваших треков. Как правило, достаточно уменьшения усиления от 3 до 6 дБ. Будьте осторожны и начните с низкого соотношения, например 2: 1 или 3: 1.

Смысл в том, чтобы сделать ваши треки более последовательными и резкими, чтобы сжатие не было очевидным.

При необходимости можно применить сжатие и к другому динамическому инструменту (например, к фортепиано). Но для типичной рок / поп-песни обязательно сначала сосредоточьтесь на барабанах, басу и вокале.

5. Применение реверберации для создания ощущения пространства

Нам, владельцам домашних студий, приходится работать в неидеальной звуковой комнате. Поэтому мы стараемся закрыть все инструменты микрофонами, чтобы избежать плохого звучания комнатного звука в наших треках.

Результат — треки с сухим звучанием.

Используйте реверберацию для ударных и вокала, чтобы освободить пространство.Каждый инструмент может выиграть от небольшой реверберации, но вы можете пойти немного дальше в отношении ударных и вокала.

Опять же, будьте осторожны, чтобы не заглушить ваш микс реверберацией. Фильтр высоких частот на треке реверберации также может помочь вам избежать путаницы.

6. Используйте панорамирование для перехода в стерео

На этом этапе ваш микс все еще находится в моно. Пора переходить на стерео!

О, и вы тоже можете выйти из петли!

Я всегда микширую моно и использую панорамирование в конце микса. Таким образом, если я смогу получить отличный микс в моно, он будет шире, больше и круче в стерео.

Используйте автоматизацию панорамирования, чтобы создавать движения, вариации и делать вещи интересными.

Однако держите бочку, малый барабан, бас и вокал в центре. Как я уже сказал, они управляют песней, поэтому они должны занимать центральное место в миксе.

7. Получите фантазию! Используйте автоматизацию и эффекты, чтобы сделать вещи интересными.

Иногда, даже после сжатия, вы можете заметить, что конец вокальной фразы теряется в миксе. Используя автоматизацию громкости, небольшое повышение на 3 дБ может сделать последний слог более слышимым и улучшить вашу вокальную дорожку.

Вы также можете использовать автоматизацию громкости для включения некоторых инструментов в определенные части песни или для их приручения.

Будьте изобретательны и используйте свои блестящие плагины с необычными эффектами, чтобы сделать вещи интересными: может быть, небольшой эффект припева на соло-гитаре во 2-м куплете может помочь и выделить этот куплет.

Может быть, полностью сбросить бас в первом куплете, чтобы припев взорвался, когда вы вернете его обратно.

Дело здесь в том, чтобы микс был интересным от начала до конца и не утомлял слушателя.

Делайте то, что считаете нужным для песни. Это может быть тонкий эффект, автоматизация панорамирования, приглушение одних треков или дублирование других, искажение, что угодно…

Будьте изобретательны и позвольте своей индивидуальности сиять здесь!

Если вы пропустите этот шаг, у вас все равно будет отличный микс, но он не будет вашим. Добавьте свой отпечаток в микс, свою атмосферу и ощущение. Сходите с ума (не слишком сильно) и сделайте убийственный трек.

Простое смешивание выполняет свою работу

Вот как я подхожу к смешиванию.Каждый микс-инженер делает это по-своему, и я хотел бы, чтобы вы рассказали мне, как ВЫ микшируете. Расскажите мне о любых различиях, сходствах, или если вы просто не согласны со мной по этому поводу.

А теперь микшируйте хорошую музыку!

Это гостевой пост Винсента Дуброэка. Если вы хотите отправить гостевой пост, прочтите правила размещения гостевого поста.

Изображение Бенни Линь


Сведение музыки

Как микшировать музыку: Руководство для начинающих

Привет, я очень рад, что вы попали на эту страницу.

Надеюсь, это потому, что вы пытаетесь научиться сводить песню. Если это так, то отлично, потому что в этой статье моя цель — научить вас понимать технику и жаргон при микшировании музыки.

Я знаю, что эта информация довольно громоздка для тех, кто только начинает. Есть буквально тысячи советов по микшированию музыки, но они не помогут вам решить проблему объединения всего этого.

На самом деле нет единственного подхода к микшированию музыки, и очень мало структурированных руководств по процессу.По крайней мере, те, которые я считаю удовлетворительными.

Я здесь, чтобы это изменить!

Таким образом, у вас будет что-то действенное, и, надеюсь, вы сможете начать микшировать свои песни как можно скорее.

Я собираюсь говорить с вами на повседневном языке, потому что именно так мне нравятся люди, которые со мной разговаривают, к тому же технический жаргон не нужен.

Быть отличным звукорежиссером — это не значит быть технически сообразительным — я далеко не самым умным — а в понимании того, как ваши инструменты SOUND помогут вам добавить музыкальной атмосферы в песню.

Ни в коем случае вы не станете Мэнни Маррокином или Филом Таном за ночь, но у вас должно быть, по крайней мере, меньше стресса, когда вы откроете свою DAW (цифровую звуковую рабочую станцию)

Я расположил каждый раздел в этой статье в порядке, который, на мой взгляд, имеет смысл, особенно для тех, кто только учится микшировать песню. Просто имейте в виду, что это не окончательно и что я нарушаю правила ВСЕ ЧЕРТОВЫЕ ВРЕМЯ. Как только вы поймете основы, вы тоже должны нарушать правила.

Итак, микшируете ли вы чью-то песню или пытаетесь микшировать свою собственную музыку, на самом деле это не имеет значения, потому что темы, обсуждаемые в этой статье, могут помочь каждому.

*** Если вы серьезный микшер или уже имеете большой опыт, то эта статья может быть не для вас, кто знает.

Тем не менее, если вы профессиональный инженер по микшированию и думаете, что я что-то упустил, оставьте комментарий ниже. Я хочу, чтобы это был лучший ресурс по микшированию звука для начинающих, поэтому приветствуются любые предложения по улучшению этой страницы.***

Облегчите вашу комнату акустикой

Прежде чем мы начнем, я подумал, что мне следует коснуться акустики вашей комнаты.

Каждый хочет прыгнуть головой вперед, когда учится микшировать музыку, но многое из того, что входит в процесс микширования, совершенно не связано с компрессором или эквалайзером (например).

Акустика — одна из таких вещей.

Видите ли, как только я обработал свою комнату, я заметил резкое улучшение моих миксов за ночь.

Именно здесь вы получите наибольшую отдачу от своих инвестиций по сравнению со всем остальным, на что вы потратите свои деньги. Вы можете легко послать 500 долларов (или меньше), и это значительно улучшит звук в вашей комнате.

Не думаете, что это так важно?

Почти каждый звукоинженер, у которого я брал интервью, намекал на тот факт, что комната, в которой они находились, играла важную роль в принимаемых ими решениях. Эти парни на пике карьеры; Я бы их послушал.

В этом видео показан быстрый и простой способ создания акустической панели. Думаю, этого достаточно, чтобы дать вам представление о том, как вы можете построить его самостоятельно.

Теперь о смешивании!

Слушайте грубо

Это особенно верно, когда вы микшируете чужую песню .

Грубый (или эталонный) микс даст вам МНОГО подсказок о том, как вы должны подходить к миксу.

Часто, когда продюсер или артист работает над записью, они не обязательно пытаются создать звуковой шедевр. Вместо этого они пытаются создать атмосферу или эмоцию в песне.

Для инженера критически важно, чтобы НЕ разрушали эту атмосферу, когда вы микшируете песню. Фактически, вам нужно сделать все возможное, чтобы убраться с дороги и позволить музыке говорить.

Я знаю, что это легче сказать, чем сделать, но с достаточной практикой это становится намного проще.Решения о смешивании станут инстинктивными.

Слушая черновик, вы позволяете себе познакомиться с песней и видением исполнителя / продюсера.

Если вы настоящий инженер, то при прослушивании грубого звука вы всегда будете слышать проблемы.

НО…

Попробуй и послушай, что делает эту песню прекрасной. Как только вы их найдете, сделайте пометку, чтобы вы могли улучшить их в процессе смешивания.

Так что, если вы микшируете свою собственную песню?

См. Ниже…

Не дожидайтесь начала процесса смешивания…

Если вы пытаетесь микшировать свои собственные песни, я бы сказал, что вы должны делать хотя бы часть микширования в процессе производства.

Если я занимаюсь продюсированием, я не дожидаюсь окончания производства, чтобы начать микширование.

Для меня процесс микширования должен начинаться на этапе выбора звука, чтобы выбрать наилучшие возможные сэмплы.

Если вы записываете все, то фаза выбора звука будет фактически вашим выбором микрофона и положением этих микрофонов.

Но поскольку это статья не о продакшене, я буду придерживаться рассматриваемой темы. Просто знайте, что вы не должны оставлять качество ваших записей до «процесса сведения».

Если вы сделаете свои записи хорошо звучащими как можно раньше, тогда вам не придется много заниматься микшированием позже — я люблю экономить время, надеюсь, вы тоже!

Убери свой мозг

Посмотрим правде в глаза, большинство людей в музыкальном мире довольно ленивы. Я не пытаюсь нанести удар по эго, но так оно и есть (по моему опыту). Я действительно думал, что был уникален в своей лени, но обнаружил, что это похоже на болезнь — она ​​есть почти у всех.

Это может быть даже не столько лень, сколько то, что наш мозг настолько творчески настроен, что мы не хотим испортить атмосферу каким-либо техническим дерьмом.

Итак, мы должны устранить эти технические детали…

Микширование — довольно сложная задача, и иметь сверхнеорганизованные вещи — нехорошо. Имея рутину редактирования и систематизации, вы можете сделать вещи более управляемыми для себя.

Как вы думаете, почему профессиональные инженеры нанимают помощников для выполнения таких рутинных задач, как редактирование и систематизация?

Все просто.

Они не хотят этого делать!

Они скорее будут подталкивать фейдеры и эквалайзеры гитар, чем маркировать треки. Но поскольку они понимают, насколько важна организация, они платят за это кому-то другому.

Вы, вероятно, не в состоянии кому-то платить, поэтому вам придется самому пройти стажировку и делать это самостоятельно.

Следующие несколько разделов посвящены некоторым организационным вещам, которые вы можете сделать, чтобы сделать свою жизнь намного проще.

Цветовое кодирование и маркировка дорожек

После того, как я подготовил многодорожечную сессию, мне нравится начинать процесс цветового кодирования и маркировки всех треков в этой сессии.

Цветовое кодирование и маркировка

— это самая простая вещь, которую может сделать каждый, чтобы подготовить песню к микшированию, но мне непонятно, почему люди этого не делают. Часто я вижу треки с пометкой «05Gtbk_03_20».

Что это вообще значит?

Мне нравится визуально видеть вещи в микшере как группы И отдельных лиц. Я думаю, что за этим есть психологическая причина, но мне просто лень (я знаю, это болезнь), чтобы найти источник.

Причина в том, что он делает поиск вещей СУПЕР легким.

Думайте об этом как о папках на вашем компьютере. Если вы ищете Picture # 3 от весны 2014, вам может быть проще иметь папку с именем Spring 2014 с Picture # 3 внутри этой папки.

То же самое можно сказать и о поиске треков в микшере. Цветовая кодировка похожа на ваши папки, а маркировка похожа на файл внутри папки.

_______

Посмотрите на 2 картинки ниже.Как вы думаете, какой трек вам будет легче найти? Будь честным!

Неорганизованная

Организовано

Если вам нужна фору и вы хотите знать, как бы я поступил, то это мой общий подход:

Что касается ударных, я люблю обозначать их СИНИМ цветом, а затем делать треки ОЧЕНЬ легкими для понимания, когда я обозначаю их — Kick, Kick2, Snare, Snare2.

Вы, конечно, можете сократить названия треков от, скажем, «Snare2» до «Sn2».Важно то, что вы понимаете, что читаете.

* БОКОВОЕ ПРИМЕЧАНИЕ * — Я, конечно, специально говорю о Pro Tools, когда говорю о цветовом кодировании, но почти каждая DAW имеет аналогичные возможности в отношении использования цветовой системы ».

Изменить порядок дорожек в микшере

Это одна из тех вещей, которые на первый взгляд не кажутся такими уж важными, но со временем сильно влияют на результат ваших миксов.

Это чистая игра на знакомстве.

Только представьте, что каждый раз, когда вы заходите на кухню, тарелки оказываются в другом шкафу. Это будет чистая игра в угадывание, и ваш мозг перестанет сосредотачиваться на еде (или , смешивая в нашем случае) и начнет сосредотачиваться на том, где найти тарелки (или треков, в нашем случае)

Насколько это раздражает?

Плюс это ОГРОМНАЯ ТРАТА ВРЕМЕНИ.

Готов поспорить, вы инстинктивно знаете, где тарелки на вашей кухне.Вам даже не нужно думать, вы просто подходите к шкафу, открываете дверь и БАМ, вот они.

Вам нужно инстинктивно проделать то же самое с вашими треками в окне микширования.

Вы должны придумать вариант и размещение в микшере, которое подойдет вам. Чем больше вы помещаете вещи в знакомое место, тем более инстинктивным это будет для вас и смешивание в будущем.

Для начала вот как я могу организовать небольшой сеанс:

Бас ▶ Ударные ▶ Инструменты ▶ Вокал ▶ Mix Buss

Это всего лишь отправная точка, но знайте, что я настолько настроен на то, что происходит на моих сессиях, что я даже не думаю об этом.

Я рекомендую вам разработать свой собственный, но БУДЬТЕ ПОСТОЯННЫМ, это ключ . Если вы начинаете с левого вокала, постарайтесь сохранить его слева для будущих сессий.

Со временем вы увидите значительное улучшение ваших миксов.

Как только вы ознакомитесь со своим макетом, через повторение, ваш технический мозг начнет отключаться, когда вы микшируете, и творческая часть теперь станет СУПЕР ЗАРЯЖЕННОЙ.

Редактируйте треки и удаляйте все ненужное

В процессе записи захватывается много вещей, в которых нет необходимости.

Нередко в треках появляются щелчки, треск, утечка звука в наушниках или другие шумы.

На мой взгляд, лучше всего удалять эти вещи, когда это возможно.

Для этого можно использовать гейт (который хорошо работает на барабанах), но я считаю, что простое ручное редактирование этого материала работает лучше всего, особенно на треках с сустейном. Это могут быть вокал, гитара, струнные и т. Д.

СОВЕТ: Для пользователей Pro Tools функция Strip Silence значительно экономит время.Если ты им не пользуешься, чем должен.

Время прокладки труб (трассировка)

Это может быть что угодно, от создания и маркировки любых шин, которые могут вам понадобиться в сеансе, а также создания ваших каналов отправки, возврата и вспомогательных каналов.

Если я знаю, что собираюсь использовать шину (иногда называемую группировкой), то мне нравится делать это вначале, чтобы во время микширования мне не нужно было выключать свой творческий мозг, чтобы включить технический.

Ничто так не убивает сеанс микширования музыки, как включение технической части вашего мозга.

Автобусы: Для работы на автобусе настройте с самого начала все, что, по вашему мнению, вам может понадобиться. Вы можете соединить вместе все барабаны, гитары и, возможно, даже вокал. Вы всегда можете что-то изменить позже, но постарайтесь принять это решение как можно раньше.

Эффекты: К этому моменту вы уже должны были прослушать черновой микс, так что вы должны иметь представление о том, какие типы эффектов могут вам понадобиться. Вы можете начать с пары ревербераций, задержки ноты, задержки ноты 1/8 и, возможно, фленджера или припева.

Это не обязательно должен быть конец, а скорее отправная точка. Таким образом, когда вы хорошо разбираетесь в миксе и вам нужна задержка для экспериментов, у вас есть та, которой вы можете достичь. Вы просто пытаетесь сохранить творческий процесс.

Я обычно начинаю с какого-нибудь шаблона эффектов, который обычно рекомендую, потому что он экономит много времени.

Если вы все еще не уверены в шинах и дополнительных посылках, ознакомьтесь с этой статьей, поскольку она дает действительно хорошее руководство.

Установите правильные уровни входного сигнала (каскад усиления)

Когда люди впервые учатся микшировать музыку и просят меня об одной вещи, которая поможет им быстро стать лучше…

… Я обычно предлагаю им посмотреть на структуру усиления их сессий.

Помимо того, что это просто хорошая практика для микширования музыки, также неплохо оставить немного покачивания, чтобы избежать удара о стену цифрового искажения.

С учетом сказанного, вы не должны бояться цифрового искажения (потому что его почти не существует), вам просто нужно помнить об этом.

Если вы не знаете, что делаете, то очень легко добавить к вашим трекам цифровое отсечение (неприятное искажение), которое разрушит четкость ваших миксов, а также другие вещи, которых вы обычно хотите избегать.

Я не буду слишком углубляться в тему усиления (в этой статье), потому что я уже затронул ее здесь и здесь. Но просто знайте, что ваши сеансы действительно должны быть усилены до перед микшированием.

Как только ваши уровни установлены, вы отправляетесь в гонки.

ВРЕМЯ ПЕРЕРЫВА!

Поздравляю, вы зашли так далеко, это показывает, насколько серьезно вы относитесь к обучению микшированию музыки и продвижению своей карьеры микширования звука.

Ладно, теперь потянемся, возьмем кофе и / или перекусим.

Но прежде чем мы продолжим…

Вот несколько важных моментов, которые помогут вам в вашем стремлении научиться микшировать музыку.


Уровни мониторинга — Всегда контролируйте низкие уровни или, по крайней мере, большинство ваших миксов.Это сэкономит ваши уши, а также позволит вам принимать более правильные решения по микшированию — гарантировано или ваши деньги вернутся !! Я нарушаю это правило, но только для того, чтобы время от времени проверять низкие частоты в своих миксах. Большую часть времени я провожу на низком уровне мониторинга.


Использование справочных материалов — Образцы миксов не являются чем-то новым, но они имеют решающее значение на этапе «обучения микшированию», потому что они позволяют сравнивать и противопоставлять. Одна важная вещь, которую нужно сделать, — это не переусердствовать при использовании эталона в процессе смешивания.Просто используйте их как ориентир, чтобы убедиться, что вы находитесь в парке мячей .

Не зацикливайтесь на совершенстве — Помните, что смешивание — это кумулятивный процесс, требующий ВРЕМЕНИ. Большинству инженеров требуется от 4 часов до целого дня, чтобы закончить запись. Если вы с самого начала зацикливаетесь на совершенстве, вы теряетесь в сорняках. Наслаждайтесь процессом, когда вы продвигаетесь вперед, и все имеет тенденцию соединяться.


Trust Your Feelings — Все успешные инженеры по микшированию доверяют своим чувствам и эмоциям при сведении записи.Конечно, на этапе обучения это легче сказать, чем сделать. Но я хочу сказать, что постарайтесь не подвергать так много сомнений своим решениям — просто сделайте это. Чем больше практики вы научитесь доверять себе, тем лучше вы станете и тем лучше будут звучать ваши миксы.


Знайте, когда что-то не делать — Хотя это легче сказать, чем сделать, но хорошее правило, которому я следую, — если вы не знаете, почему вы что-то делаете, то не делайте этого. Не всему нужен эквалайзер или компрессор.На самом деле у меня бывают сеансы, на которых я вообще ничего не делаю с определенными звуками.

Не бойтесь нарушать правила — Если вы когда-нибудь дойдете до точки в миксе, когда вам покажется, что то, что вы делаете, «неправильно», просто остановитесь и прислушайтесь. Если вам это нравится, не беспокойтесь о том, что другие люди считают правильным или неправильным. Вы никогда не сможете стать великим, оставаясь внутри коробки, вы должны в конце концов выйти из нее.

А теперь давайте продолжим изучение того, как микшировать музыку…

Эмулировать консоль или не эмулировать консоль? Это вопрос

Для некоторых людей этот шаг является абсолютной необходимостью в микшировании музыки, и, по правде говоря, я был одним из таких людей.Однако это не является абсолютной необходимостью, когда вы учитесь микшировать музыку.

Просто для аргументации и поскольку это такая горячая тема, я немного ее затрону.

В наши дни существует так много разных видов плагинов для эмуляции консоли, что этого достаточно, чтобы у вас закружилась голова.

Предполагается, что вы берете один плагин и вставляете его в каждый канал, и предполагается, что он имитирует поток сигнала консольного канала. Затем вы берете другой плагин и вставляете его в свои шины, и он должен имитировать поток сигнала, идущий по этим шинам.

Звук меняется?

Да.

Но реальный вопрос …

Стало лучше?

Я так не думаю, и некоторые будут утверждать иначе, но для меня это просто звучит по-другому — не лучше.

Я предпочитаю ставить что-нибудь на главную шину, будь то цифровой плагин или аналоговое устройство. Отсюда я предпочитаю рассматривать каждый канал или шину в индивидуальном порядке.

Я решаю, когда микширую, нужно мне что-то делать или нет.

Помните, микшируете ли вы на консоли или на ноутбуке, по сути, вы просто меняете холст — ЭТО ЭТО !.

Ваша способность добиться хорошего микса зависит от вашего опыта и вашей способности слышать, а не от ПЛАГИНОВ, КОТОРЫЕ ВЫ ИСПОЛЬЗУЕТЕ. Хотя плагины в какой-то момент имеют значение, как вы прочтете здесь.

Если вы хотите узнать больше обо всем фиаско с эмуляцией консоли, перейдите сюда, в противном случае, если вы хотите начать микширование, продолжайте читать.

Искусство балансировки

Наверное, самое важное, что вы можете сделать со своим миксом, — это получить хороший баланс.

Это то, с чем вам нужно много практиковаться, потому что это действительно примерно 75% от рекорда.

Если баланс оказывается неправильным, чем чаще всего, он просто не кажется правильным.

Итак, как правило, если вы новичок в микшировании песен, рекомендуется сбалансировать запись (в основном с помощью фейдеров) еще до того, как вы коснетесь эквалайзера или компрессора.

Вы будете вынуждены прислушаться к взаимосвязи всех звуков и тому, как они работают вместе. Постарайтесь подавить желание прикоснуться к своим плагинам. Если вы можете получить вибрацию от баланса, то чаще всего готовый микс должен звучать хорошо.

Посмотрите видео ниже:

Это видео показывает, как я обычно подхожу к балансу песни.

Хотя этот баланс был сделан в песне в стиле хип-хоп, его можно применить к любому жанру.

Также, если вам понравилось это видео, обязательно зайдите на мой канал на YouTube и подпишитесь. Все крутые ребята этим занимаются, обещаю!

И напоследок, это видео из одного из 17 разделов моего Руководства по микшированию премиум-хип-хопа. Проверьте это!

Избавьтесь от ненужного вам дешевого мусора

Это часто называют Фильтр высоких частот или low cut.

Вам не нужно ограничиваться только фильтром высоких частот, вы также можете использовать полочные фильтры, чтобы существенно снизить уровень низких частот трека.

Фильтр высоких частот

Полочный фильтр

Фильтрация верхних частот забита до смерти, и, честно говоря, я устал слышать об этом.

Вы можете увидеть тонны статей, посвященных этой теме, если выполните поиск.

Я бы добавил, однако, что я НЕ из тех инженеров, которые высоко оценивают ВСЕ, потому что я чувствую, что это просто излишество. Чтобы узнать больше о том, почему я так себя чувствую, перейдите сюда и прочтите мою статью об этом.

Пора начинать забирать дела

Итак, у вас хороший баланс, вы применили некоторую фильтрацию верхних частот, но все еще звучит перегруженно (или неразборчиво).

На этом этапе вы можете начать экспериментировать с субтрактивной коррекцией.

По большей части я сосредотачиваю внимание на областях от 0 Гц до 900 Гц, примерно. Здесь обычно бывает больше всего скоплений.

Если вы действительно хотите разбить его еще дальше, я бы сказал:

  • от 0 Гц до 100 Гц = низкие частоты (грохот)
  • от 100 Гц до 250 Гц = НЧ (имеет тенденцию к нарастанию резонанса в этой области)
  • от 250 Гц до 500 Гц = Muddy / Boxy area для меня
  • от 500 Гц до 900 Гц = хонки-звучание

Эти числа являются ориентировочными, но не точными, потому что у каждого звука есть свой набор проблем.

Для лучшего понимания того, как я слышу частотные «зоны», вы должны загрузить мою бесплатную шпаргалку по эквалайзеру. Это PDF-файл и видео, где я подробно объясняю, что такое 10 частотных зон и как я их слышу.

Грязь и резонанс

Это одна вещь, которая, я думаю, сбивает с толку большинство людей.

Грязь (для меня) обычно представляет собой постоянный рост частоты, который никогда не исчезает.

Резонанс, с другой стороны, имеет тенденцию быть резким пиком на частоте, который время от времени периодически поднимается.

Важно знать разницу, потому что атаковать эти проблемные области по-разному, как правило, неплохо.

Так что я имею в виду, когда атакую ​​их по-другому?

Для грязи, поскольку она постоянна, субтрактивный эквалайзер обычно является хорошим подходом. С другой стороны, поскольку резонанс случается, обычно лучше использовать такие инструменты, как динамический эквалайзер или многополосный компрессор.

С помощью динамического эквалайзера и многополосной компрессии вы можете установить целевую частоту для зоны, в которой есть проблемы, и инструмент устранит проблему только тогда, когда она возникнет.Таким образом у вас останется более естественный звук (т. Е. Вы не разрушите сигнал).

Давайте сделаем паузу для отказа от ответственности

Хорошо, поскольку искусство микширования музыки настолько субъективно, что я должен заявить об отказе от ответственности.

После того, как я зашел так далеко, я понял, насколько «структурировал» эта статья.

Я знаю, что даю вам версию для начинающих (шаг за шагом) о том, как микшировать песню, но стараюсь по-настоящему понять концепции, а не процесс.

В этой статье вы можете увидеть, что перед сжатием идет высокая скорость, но это может оказаться непрактичным в реальной ситуации. Это скорее ощущение, что вам нужно развиваться, а не список шагов, которым нужно следовать. Вы доберетесь туда, это займет немного времени.

Если применить методы, то в этой статье вы будете в хорошей форме.

Просто помните, что сведение (и мастеринг) — это не только технический процесс, но и искусство. Технические детали просто помогают нам в достижении наших целей.

А теперь давайте перейдем к представлению.

Применение некоторого сжатия

Со сжатием почти глупо, сколькими способами вы можете его использовать.

Есть также множество компрессоров на выбор, и все они звучат по-разному. Лично я большой поклонник плагинов Waves, поэтому вы увидите Rcomp на многих моих сессиях. Но это на другой день.

Сжатие, вероятно, самый сложный инструмент для начинающих.

Я действительно мог бы собрать МНОГО статей о сжатии, потому что тема настолько обширна, что я уже говорил о сжатии раньше.

Я быстро расскажу о нескольких способах использования сжатия и позволю вам начать работу, а отсюда я позволю вам изучить эту тему, более подробно.

Вот 4 способа сжатия, которые я использую:

  1. Так же, как наждачная бумага — я также называю это «теорией наждачной бумаги», где динамика звука немного грубая, и я хочу их сгладить.
  2. Экстремальное сжатие — я называю это сжатием приглушения, хотя это не то же самое, что сжатие боковой цепи. Я называю это дакингом, потому что я бы использовал его больше на фоновом звуке, который я хочу убрать с пути более преобладающего звука. Я сжимаю его очень сильно, так что он становится более устойчивым и легче помещается в микс.
  3. Ограничение — Мне нравится использовать ограничитель как последнюю линию защиты. Как только звук попадает в хорошее место, мне нравится вытаскивать ограничитель, чтобы просто убедиться, что звук остается под контролем.Это может быть дБ здесь или там
  4. Параллельное сжатие — Есть несколько причин для добавления параллельного сжатия. Это может быть усиление переходных процессов или заполнение сустейна, но чаще всего я использую его как форму восходящей компрессии. Я хочу поднять низкие уровни звука, чтобы он звучал ближе, не жертвуя ни одной из этих прекрасных динамических характеристик.

Я буквально пропустил кучу других способов использования сжатия, но я думаю, что эти 4 — хорошее начало.

Как только вы познакомитесь со сжатием больше, вы поймете цвет каждой единицы, а также то, как они реагируют на звук.

Удачи!

Аддитивный эквалайзер для возбуждения

Еще одна важная вещь, которую нужно усвоить, когда вы понимаете, как микшировать музыку, — это как добавить в звук волнения.

Знаете, когда вы слушаете песню, в ней есть что-то, что щекочет вам ухо?

Он управляет чем-то внутри вас, что хочет, чтобы вы продолжали слушать.

Добавление азарта определенно не ограничивается выравниванием, но это определенно начало.

Как атаковать EQ от азарта?

Попробуйте поэкспериментировать с областями в диапазоне 1-3 кГц, чтобы получить немного больше резкости и присутствия вперед. Вы также можете попробовать увеличить на несколько дБ около 5 кГц +, чтобы добавить немного шипения или воздуха (в зависимости от того, где вы повышаете). Это имеет тенденцию извлекать из звука что-то захватывающее.

Другие инструменты, которые вы можете использовать, чтобы добавить азарта:

  • Возбудители гармоник
  • искажения
  • многополосные компрессоры
  • переходные конструкторы
  • и более…

Не ограничивайте себя, просто следуйте своим чувствам.Если вы используете инструмент и обнаруживаете, что он добавляет что-то захватывающее к треку, это, вероятно, хорошо.

Гармонические искажения / насыщенность

Некоторые из моих любимых вещей, которые я использую при сведении песни, — это искажение и насыщенность. Не те искажения, которые можно было бы подключить к гитарному усилителю (хотя это может быть полезно). Я говорю о небольших аномалиях на пути прохождения сигнала, которые добавляют звуку характер и размер.

Во времена аналогового тракта прохождения сигнала добавлял все типы характеристик к звуку, прежде чем он попал в динамики и коснулся наших ушей.

Часто это было просто незначительное количество гармонических искажений, которые превращали трек из скучного в интересный.

Вы когда-нибудь микшировали песню и думали: «Почему она звучит плоско?»

Может потребоваться кое-что дополнительное, особенно если это было записано не на хорошем оборудовании.

Попробуйте добавить немного гармонических искажений к определенным звукам в вашем миксе и посмотрите, оживают ли ваши треки.

Один из моих любимых способов добавления гармонических искажений прямо сейчас — это управлять входом HoRNet SW34EQ — ознакомьтесь с моим обзором.Boy отлично справляется с этим плагином на фортепиано и ударных.

Давайте добавим эффекты к нашей песне

Теперь, когда чудесный мир микширования музыки каждый день превращается во что-то новое, создается огромное количество новых инструментов, которые можно использовать для добавления эффектов и пространства к своим трекам.

Действительно интересно видеть, куда движется мир микширования, но в то же время я понимаю, насколько легко заблудиться, когда ты новичок.

Чтобы помочь вам оставаться на плаву и не утонуть, я расскажу только о нескольких эффектах, с которыми, как мне кажется, должен разбираться каждый новый инженер.

Как только вы это поймете, тогда вы действительно сможете экспериментировать с некоторыми новыми инструментами.

  • Реверберация: Конечно, я собираюсь упомянуть реверберацию, поскольку это почти необходимое условие для каждого звукорежиссера микширования. Это поможет выделить немного места в вашей записи, а также создать атмосферу или чувство. Я уже сделал 2 довольно хороших трека по реверберации, поэтому посмотрите их ниже.

  • Задержка: Еще одним важным элементом микширования является плагин задержки.Вы можете использовать задержку, чтобы создать эффект реверберации, создать движение в треке или сделать что-то действительно радикальное, чтобы заинтересовать слушателя. Задержками очень легко манипулировать, особенно когда вы начинаете добавлять к ним такие вещи, как эквалайзер, компрессия, искажение или автоматизация. Ознакомьтесь с моим руководством о том, как создавать броски задержки — или посмотрите видео ниже.

  • Прибавка / флейджинг: Хотя технически это две разные вещи, я считаю их одним, когда думаю о них.Вы можете использовать эффекты этого типа для создания некоторой деформации и движения между динамиками. Проявите творческий подход!
  • Гармонизаторы: Гармонизатор — это, по сути, плагин, который берет исходный звук, дублирует его, а затем разделяет его на левый и правый источники. Оттуда он будет сдвигать высоту тона вверх с одной стороны и смещать высоту тона вниз по другой. В результате получается действительно крутой и уникальный стереозвук, и когда вы смешиваете его с оригиналом, он создает действительно плотный звук.Это отличный инструмент для микширования вокала, гитар и даже фортепиано, чтобы придать им хорошее стерео-заполнение. Используйте экономно, и вы сможете создать что-то особенное.

Конечно, есть и другие плагины эффектов, которые вы можете использовать в своих миксах, но для новичка, который только учится микшировать музыку, я думаю, этого должно быть достаточно, чтобы уйти.

Пора раздавить его и сделать ГРОМКО !!!!!

Нет, шучу, но, по сути, все хотят этого.Если вы обрадовались, прочитав это название, то позор вам.

Но серьезно, нам нужно попытаться выжать немного громкости на стадии мастеринга, не делая ее слишком подавленной. Это непростая задача, поэтому я всегда рекомендую по возможности обращаться к профессиональному мастеринг-инженеру.

Но бывают случаи, когда клиент специально заявляет, что не планирует обращаться к мастеринг-инженеру, но хочет, чтобы их трек звучал конкурентоспособно. На данный момент у меня нет выбора, кроме микширования и мастеринга.

При этом я не выполняю много обработки на своей шине микширования (мастер-канал), потому что чувствую, что мне это действительно не нужно. На самом деле я предпочитаю более динамичный звук микса.

но я отвлекся…

Вот несколько распространенных типов обработки, которые инженеры будут использовать на главном канале.

Сжатие: Конечно, это одна из тех основных составляющих, которые большинство инженеров считают «клеем» к своим записям. Мне никогда не удавалось сделать это правильно, поэтому я не использую его, а попробую сам и посмотрю, понравится ли он вам.

EQ: Определенно необходимо на микшерной шине. В последнее время я часто его использую, потому что обнаружил, что он позволяет мне добавлять элементы в свои миксы позже (в целом) вместо того, чтобы добавлять тонны в процессе микширования. Для меня не редкость добавлять высокие или низкие частоты во время микширования.

Аналоговая насыщенность: Это может быть в форме МНОЖЕСТВА различных типов инструментов. Он может быть аналоговым, может быть от компрессора, эквалайзера или лимитера. Многие инструменты теперь добавляют звуку характера, что мне нравится.Я не «прозрачный» микшер, мне нравится добавлять цвет, и мне нравится добавлять немного в микс-шину.

Ограничение: Если вы хотите, чтобы ваши треки были как можно ближе к 0 дБ, то вам понадобится ограничитель. Это определенно необходимо. Это также помогает убедиться, что пики не превышают 0 дБ, что убережет вас от цифровых искажений (помните, что это плохо).

Я бы сказал, что это 4 основных инструмента, которые можно использовать на вашей микшерной шине при микшировании музыки, но, конечно, есть и другие.

Мой совет — не усложнять его и использовать то, что у вас есть, и стараться делать это экономно. Как только вы начнете развивать свой слух, вы услышите тонкости, которые добавляет каждый плагин.

Если вы хотите узнать, как освоить композицию с помощью БЕСПЛАТНЫХ плагинов, щелкните эту ссылку или посмотрите видео ниже.

Поздравляем! Ты сделал это

Если вы продержались до самого конца, я вас благодарю. Вы определенно солдат. Технически есть еще один последний и последний шаг, который вам нужно знать, если вы хотите научиться микшировать музыку.

Это, Практика!

Ага, это очень тяжелая работа.

Если вы серьезно новичок, я предупреждаю вас, что вы, как инженер, столкнетесь с серьезными проблемами роста, но именно поэтому было создано Modern Mixing, чтобы облегчить эти проблемы роста.

Для получения дополнительной информации о микшировании музыки вы можете ознакомиться с некоторыми другими моими продуктами премиум-класса, такими как мое руководство по микшированию хип-хопа и мое руководство по микшированию trap beat (Fl Studio).

Возможно вам понравится:

Психология микс-инженера (серия интервью)
Серия, в которой я беру интервью у многих очень успешных инженеров, чтобы выяснить, что происходит у них в головах.

Сведение вокала
См. 13 шагов, которые я предпринимаю при микшировании вокала

Микширование фонового вокала
Ознакомьтесь с этими 5 надежными советами, чтобы ваш бэк-вокал звучал профессиональноa

Самая распространенная ошибка при микшировании
Найдите одну распространенную ошибку при микшировании, которую я слышу все время

5 советов от 5 разных инженеров по микшированию
Вот несколько полезных техник, которые вы можете сразу применить к своим миксам

Как микшировать песню от начала до конца

Вы стоите на первом месте и смотрите на сессию несмешанных треков.Куда вы идете отсюда? В видео ниже вы узнаете, как микшировать свой трек и даже подготовить грубый мастер, все с основными инструментами микширования и мастеринга, такими как Neutron для микширования, Nectar для обработки вокала и Ozone для мастеринга. Не забудьте попробовать все эти удивительные инструменты и многое другое в Music Production Suite.

Настройка сеанса и балансировка уровней с помощью Mix Assistant

Первое, что нужно сделать, это импортировать файлы сессий в пустую DAW, чтобы подготовиться к начальному балансу, но что вы будете делать дальше? Чего вы не делаете, так это эквалайзера, погружения в компрессию или добавления временных эффектов, таких как реверберация или задержка.Первый шаг — это установка уровней.

Многие инженеры микширования начинают с общего баланса уровней всех треков, чтобы установить своего рода звуковую иерархию. Mix Assistant в Neutron — отличный вариант, чтобы быстро сбалансировать ваш микс. Загрузите бесплатные шаблоны сеансов, чтобы ускорить процесс установки Mix Assistant.

Mix Assistant дает вам отправную точку для вашего микса, автоматически предлагая начальные уровни для всех треков в вашей сессии. При анализе сеанса элементы микса разбиваются на логические группы (трек, вокал, бас, ударные и т. Д.).), так что вы можете быстро внести широкие корректировки. Всего за несколько щелчков мышью вы можете достичь примерно сбалансированного микса даже для самых сложных сессий. Дальнейшие настройки могут быть выполнены для каждой дорожки в Visual Mixer (бесплатно при загрузке демо-версии Neutron 3 Advanced!) Или с помощью фейдеров в вашей DAW.

Как перемешать барабаны и снять маску с отдельных элементов

Как только у вас будет баланс начального уровня, а ваши треки хорошо организованы и сгруппированы, следующим хорошим шагом станет игра на ударных.Давайте начнем с гусениц, которые часто выполняют ту же функцию, чтобы продвинуть трек вперед и добавить мощности треку. В приведенном выше видео мы используем Track Enhance в Neutron для ускоренного микширования бочки перед дальнейшим формованием бочки с помощью Sculptor.

Распространенная проблема, с которой вы можете столкнуться при микшировании ударных, — это ощущение нечеткости между перкуссионными элементами. Это называется маскированием и может происходить, когда два источника звука имеют энергию в одинаковых частотных диапазонах. Отличный инструмент, который поможет облегчить это, — измеритель маскировки в нейтронах, который дает вам визуальную обратную связь о частотах, на которых может происходить маскирование между вашими треками.

Посмотрите видео выше, чтобы узнать больше о микшировании ударных, включая добавление реверберации, формирование малого барабана с помощью Sculptor и приручение хай-хэта вместе с колокольчиками.

Как микшировать басы с функцией Track Enhance в Neutron

Если бы существовало темное искусство микширования, то это было бы микширование басов. В приведенном выше видео мы используем Track Enhance в Neutron, чтобы ускорить микширование бас-синтезатора, прежде чем задействовать некоторый динамический сайдчейн, чтобы помочь демаскировать басовый синтезатор от бас-барабана.

Как микшировать гитару и синтезаторы с помощью Sculptor Модуль Sculptor

Neutron может помочь вам микшировать и формировать гитарные треки, а также формировать их в соответствии с идеальной целевой кривой гитары.Есть ли синтезаторные треки для микширования? Скульптор позаботился о вас. Просто выберите подходящий целевой профиль инструмента и приступайте к формированию!

Как микшировать вокал с нектаром

В видео выше мы используем Nectar для микширования ведущего вокала. Чтобы избежать чрезмерного усиления, попробуйте режим Auto Level в Nectar, чтобы автоматически поддерживать целевое усиление около -8 дБ или около того. Следите за тем, как мы балансируем и панорамируем вокальные дубли припева и куплета с помощью Nectar и Visual Mixer.

Как сделать мастеринг микса с Озоном

С Master Assistant Ozone вы можете легко начать процесс мастеринга — годы студийной практики не требуются.Посмотрите видео, как мы используем Tonal Balance Control, чтобы убедиться, что наши треки переводятся в правильный формат распространения, и устраняют любые тональные дисбалансы. Не забудьте попробовать все эти удивительные инструменты и многое другое в Music Production Suite.

10 ошибок для начинающих, которых следует избегать при сведении музыки

Если вы интересуетесь микшированием музыки и хотите знать, каких ошибок следует избегать как новичок, то вы попали в нужное место! Прочтите (и посмотрите видео ниже), чтобы узнать, какие типичные ошибки вы совершаете.Обратите внимание на эти 10 ошибок микширования для начинающих:

Если вы обнаружите себя виновным в любой из этих распространенных ошибок микширования, не бойтесь, я тоже виноват в них! Мы все тоже. Читайте и учитесь на наших ошибках — или переходите к разделу ниже, чтобы узнать, что вы делаете не так в определенной области и как избежать ошибок микширования новичков в следующем треке:

  1. Использование слишком большой обработки на дорожке
  2. Пытаться превратить звук во что-то другое.
  3. Отсутствие четкого представления о том, что вы хотите сделать
  4. Не обращая внимания на усиление
  5. Не обращая внимания на фазовые отношения
  6. Включение реверберации на каждый трек
  7. Продолжительная работа в одиночку
  8. Не обращая внимания на ГРМ и тюнинг
  9. Добавление тонны низких и высоких частот
  10. Стремление к освоению звука

1.Использование слишком большой обработки на дорожке

Накопление кучи плагинов на отдельные треки — это, безусловно, самая большая ошибка, которую я вижу у новичков. Мы все стали жертвами этого, и это сложно, потому что мы видим, как наши кумиры делают это в учебных пособиях, в сообщениях в блогах, а иногда и лично, если нам повезет.

Но у наших кумиров есть метод их безумия. Когда Дэйв Пенсадо показывает цепочку из шести плагинов в видео на YouTube, он показывает вам пошаговый план. Он знает, почему один эквалайзер может быть подходящим для высоких частот на треке, почему следующий подходит для усиления высоких средних частот, почему такой-то компрессор имеет идеальный дополнительный тон и, что наиболее важно, как все плагин ins собираются работать вместе.

Да, важно искать правильные движения, экспериментировать с новыми тонами, но эксперименты могут оказаться вредными — по крайней мере, на этапе микширования — если у вас нет представления о звуке, который вы собираетесь создать в своей голове. , если бы не конкретная ссылка на звук под рукой.

2. Пытаться превратить звук во что-то другое.

Однажды я наблюдал, как талантливый инженер, только что окончивший звуковую школу, сидел с классической записью. Постепенно он превратил звучание вокалиста-баритона во что-то слишком реверберирующее, немного резкое и вообще неестественное.В конце концов, он повернулся ко мне и сказал: «Это не работает, не так ли?»

Так он поступил дерзко: снял всю обработку и ограничился двумя плагинами и одним посыл-эффектом. К его удивлению, все оказалось неплохо. С тех пор я слышал классические записи, созданные этим человеком, и они так же превосходны, как и все, что я когда-либо слышал.

Я не беру на себя ответственность за его эволюцию — я не предлагал никаких советов или критических замечаний; Он решил ограничиться двумя конкретными плагинами. Я только видел, как он узнал, что вам не нужно так много работать, особенно если вы не боретесь с естественными / разными автобусами.

Это сводится к следующему: всякий раз, когда вы тянетесь за новым плагином, знаете ли вы, чего вы пытаетесь достичь с помощью этого следующего шага? Вы обслуживаете или боретесь со звуком?

Конечно, ответ на этот вопрос зависит от сохранения четкой картины того, чего вы хотите достичь, что подводит нас к следующей ловушке:

3. Отсутствие четкого представления о том, чем вы хотите заниматься

Это заболевание затрагивает не только новичков — я и мои сверстники все время попадаем в ловушку этого недуга.Это может быть как энтузиазм, так и все остальное: мы просто хотим продолжать работать, поэтому часто не позволяем себе задаться вопросом, чего мы пытаемся достичь в первую очередь.

Так вот, подрядчик никогда бы не построил дом, имея лишь смутное представление о том, где находится спальня. Так почему же мы думаем, что можем создать микс, не имея большого представления о том, каким должен быть бас?

Это может быть подходящим для художников и продюсеров, но я готов поспорить, что наша работа на этапе микширования музыки больше похожа на искусное выполнение чертежей, чем на рисование пейзажа.Если вы согласны, то лучше всего иметь четкое представление — даже если это всего лишь проблеск — того, что вы хотите сделать, прежде чем начинать это делать.

4. Не обращая внимания на усиление

В этом мире математики с плавающей запятой вы могли бы подумать, что обычное вычисление коэффициента усиления может быть прекращено. Однако многие плагины, особенно аналоговые моды, реагируют на силу сигнала, как вчерашнее оборудование. Если вы используете аналоговое оборудование / эмуляцию на дорожке aux, выжимание уровня инструментов, питающих этот aux, может исказить звук за пределы того, что вам нужно.Это может стать проблематичным, особенно на больших сессиях, когда вам нужно обращать внимание на уровни многих движущихся частей.

Кроме того, вы застряли в своей собственной системе, если не обращаете внимания на хорошую структуру усиления. Что я имею в виду? Живое сведение, отработка сеанса продюсера, использование аналоговой платы с любой записывающей способностью — эти задачи по зарабатыванию денег намного сложнее выполнить, когда ваш способ работы не работает с этими форматами, некоторые из которых требуют надлежащего аналогового стиля усиление постановки.

Вот почему я обычно отношусь к потоку сигналов в DAW как к аналоговой консоли. Это делает меня более мобильным, если мне нужно. Это также помогает держать мои сеансы более организованными, если я решу, что мне нужно назначить каналы или целые группы каналов новым / другим шинам.

5. Не обращая внимания на фазовые соотношения

Когда вы только начинаете, трудно понять, не совпадают ли два сигнала по фазе, особенно если рядом нет никого, кто мог бы научить вас распознавать затруднительное положение.

Я помню одну песню, которую прислал мне старый друг; он жаловался на то, что в грубом миксе барабаны в целом стали размытыми. Оказалось, что оверхэды не совпадали по фазе друг с другом — простое переключение полярности на правом верхнем слое сильно усиливало микс.

Действительно, с ударными часто возникают проблемы, поэтому вот что я делаю, когда мне предлагается установка с несколькими микрофонами: я сравниваю фазы оверхэдов друг с другом, переворачивая один из них, чтобы увидеть, что дает мне более цельную, цельную картину.Обычно это разница между днем ​​и ночью.

Затем я тестирую другие микрофоны против оверхэдов в соло. Я прислушиваюсь к тому, какая комбинация имеет большую насыщенность в низких и средних частотах. Я также смотрю на измерители — есть вероятность, что полярность, дающая более высокий уровень, будет синфазной.

Но не менее тревожным для новичков, я готов поспорить, может быть знание, когда оставить элементы не в фазе, или знание, когда манипулировать фазовыми соотношениями для преднамеренного эффекта.

Барабаны здесь обычно не используются, а вот гитарные кабинеты с несколькими микрофонами подходят.В этом случае вы можете думать о фазовом соотношении между двумя микрофонами как о возможности для тонального изменения — почти эквалайзера. Имейте в виду, что качество звука также будет меняться в зависимости от относительного уровня треков.

Подведем итоги: при микшировании элементарных инструментов, таких как ударные и бас, проверяйте фазу и старайтесь создать целостную картину. Когда микширование элементов не так важно для трека, научитесь использовать фазовые соотношения для создания наилучшего тонального изображения.

Оранжевый кабинет с микрофоном

6.Установка реверберации на каждый трек

Я помню свой ранний страх перед сухим сигналом. Из-за этого страха я использовал реверберацию практически для всего. Но в ранние годы такой подход не давал ничего, кроме горохового супа звука.

Я еще не осознавал, как разные ревербераторы означают определенные тенденции или жанры, или как некоторые звуки могли быть уже записаны с реверберацией — хороший пример — гитары, но также и синтезаторы, предоставленные вам продюсером.

И снова обучение выросло из ограничений.Так что, если установка реверберации на каждый трек звучит как ваша сумка, я предлагаю вам попробовать следующее: ограничьте себя только четырьмя или пятью ревербераторами во всем миксе — и, если возможно, постарайтесь уменьшить их количество. Может быть, примените какой-нибудь глагол к барабанам, вокалу, немного «взрывающегося малого барабана» и пружинный глагол на гитаре, которая в остальном сухая.

То же самое и с другими эффектами. Стараясь сделать все интересным, мы можем приглушить общее воздействие всего микса. Таким образом, изучите намерение модуляции, задержки и обычного изменения высоты тона.Поймите, что именно даст вам фазер, в отличие от фленджера или припева. Узнайте, как задержки могут расширить объем звука (синхронизированная низкоуровневая стереозадержка) или установить жанр (например, рокабилли).

Дополнительную информацию можно найти в нашем блоге «9 распространенных ошибок реверберации, которые делают инженеры по микшированию».

7. Длительная работа в одиночку

Я подробно писал об этом в других статьях, но это классическая ошибка, которую не исправляет множество учебных пособий на YouTube.Конечно, у многих известных людей есть отличные советы, и, чтобы продемонстрировать эти советы, они часто проигрывают свои результаты в одиночку, чтобы вы могли лучше их услышать. Однако эти инженеры не всегда забывают предупреждать вас о работе в одиночку; если вы не знали и наткнулись на видео, оно могло передать неправильную идею.

Итак, давайте преклонимся перед старой пилой и повторим, что, как правило, нецелесообразно микшировать один звук в соло, так как вы довольно быстро теряете перспективу. Тем не менее есть предостережения:

Для кратковременных моментов, когда необходимо сосредоточиться на проблемной части звука — например, на резонирующем малом барабане — уместно соло.Также нет ничего плохого в том, чтобы солировать группу треков. Смешивание ударных, баса и вокала в соло для достижения лучшего микробаланса полезно на коротких интервалах.

8. Не обращая внимания на ГРМ и тюнинг

Так много раз мне представляли микс и спрашивали, почему он не звучит как настоящий? Половину времени возникают проблемы со звуком, но часто это монтаж: если что-то не так или не вовремя, на наши плечи ложится задача исправить это как можно лучше, но всегда в соответствии с намерениями художника.Никто не собирается проводить автонастройку Боба Дилана (по крайней мере, я надеюсь, что нет), но Джастин Бибер — совсем другое дело.

Точно так же такая группа, как White Stripes, получит больше свободы действий, чем такая группа, как Imagine Dragons. Опять же, вам следует проверить намерения, проверить ссылки и внести изменения.

9. Добавление тонны низких и высоких частот

Ах, жуткая кривая улыбка! Это вызвало неодобрение у начинающих инженеров во всем мире. Не сомневайтесь, мы все были там, накапливая на нижних и верхних частотах, как будто это ингредиенты, которые никогда не прокиснут.

Это одна из самых серьезных ошибок, приводящая к утомлению ушей и плохой трансляции в акустических системах (вы уже применяете кривую «Beats» к музыке, которая вполне может быть воспроизведена в наушниках Beats — а Double Beats никогда не годятся!) .

Не знаю, есть ли средство от этого, кроме времени и ссылок. По моему опыту, чем дольше я занимаюсь разработкой, тем меньше я чувствую необходимости преувеличивать низкие и высокие частоты. Как и в случае с ранее упомянутыми ловушками, дисциплина в соответствии со ссылками — это выход: не делайте этого, если вы не знаете — и не проверили с помощью симпатичной ссылки, — что трек требует этого.

10. Стремление к освоению звука

Эту ловушку легко понять, потому что каждый хочет иметь полностью отполированный рекорд прямо с прыжка. Кто из нас не фантазировал о мастеринг-инженере, говорящем «ему ничего не нужно»? Множество обучающих программ, в которых миксеры-победители демонстрируют нам свои полностью ограниченные цепочки микшерных шин, делают это желание еще более заманчивым.

С самого начала вы должны помнить, что это опытные инженеры — и однажды вы ими станете!

Когда вы только начинаете, хорошо подбирать мастер с точки зрения тембра, конечно, но не с точки зрения громкости или уровня, потому что инструменты для обеспечения этих более высоких уровней сложнее отточить.

Вместо этого уменьшите эталон, чтобы дать вам запас, чтобы вам не пришлось бороться с цифровым потолком. Дайте себе шанс узнать, как сигналы сочетаются друг с другом с разумным запасом, прежде чем беспокоиться о срезании пиков.В противном случае вы рискуете создать резкую смесь и, что еще хуже, продлить процесс обучения до ряда плато. Это похоже на старую фразу: прежде чем бегать, нужно научиться ходить.

Заключение

Написав эту статью о десяти типичных ошибках новичков, я хотел бы предложить вам сделать что-нибудь нелогичное: сначала погрузиться в каждую из них.Возьмите проект, который вы уже смешали, и начните с нуля. Проведите час в выходные, работая над всем соло, применяя реверберацию к каждому треку — и делая все это со сложной мастер-цепочкой.

Это не должно быть подлым отрицательным подкреплением. Скорее, я думаю, из этого предприятия могут произойти две вещи: вы можете сами услышать пагубные последствия этих ловушек или, наоборот, вы можете наткнуться на что-то уникальное и удивительное. Оба результата великолепны, и оба служат более широкой цели экспериментов.

Нет ничего плохого в экспериментировании, хотя вы можете обнаружить, что контролируемые эксперименты лучше служат вашему росту, соблюдению установленных сроков и вашим клиентам. Так что вперед, вооружившись этими потенциальными ловушками!

Как микшировать группу — Освоение микса

Сведение записи живой группы может быть намного сложнее, чем микширование трека сольным исполнителем. Обычно есть больше инструментов, с которыми нужно бороться, и больше людей, которым нужно подписаться на финальном миксе.Кроме того, бывает сложно сбалансировать все элементы, при этом оставив всех в группе счастливыми, особенно когда каждый хочет, чтобы его инструмент был самым громким.

В этом блоге мы поделимся некоторыми из наших любимых советов по микшированию группы, в том числе о том, как настроить сессию, что делать с вокалом и как убедиться, что барабаны и бас не конфликтуют друг с другом. Другой.

ОБЪЕДИНЯЙТЕСЬ

Живые выступления группы часто включают в себя множество треков, которые могут получиться беспорядочными.Важно оставаться организованным, чтобы вы могли быстро найти то, что ищете, и запечатлеть момент, прежде чем искра вдохновения угаснет. Начните с группировки всех связанных треков вместе, чтобы вы могли найти то, что ищете, не теряя времени.

Это также может быть полезно для цветовой координации групп треков. Это упрощает визуальное разделение групп и быстрый поиск треков определенного типа. Например, сделав все дорожки ударных одного цвета (включая каналы шины и эффекты), вы можете легко увидеть все дорожки ударных с первого взгляда.

Точный порядок и цветовую схему, которую вы используете, полностью зависит от вас. Вот как я организовываю свои занятия:

После организации ваших треков направьте все инструменты в группе на их собственный выделенный фейдер стереошины. Это значительно упрощает управление несколькими треками и быструю регулировку баланса микса. Кроме того, он позволяет позже добавить обработку шины, что может помочь придать вашему треку более связное звучание.

ИСПОЛЬЗУЙТЕ РЕФЕРЕНТНЫЕ СМЕСИ

После того, как вы настроили и организовали сеанс, вы хотите дать себе звуковую цель, чтобы иметь в виду, как будет звучать конечный результат.Без этого вы можете сделать множество бесцельных микшеров, которые сделают ваш звук еще хуже, чем когда вы начали, а это может оказаться пустой тратой времени.

С таким большим количеством разных треков и инструментов, с которыми нужно бороться, может быть сложно свести живую запись группы. Эталонные миксы могут быть отличным инструментом для принятия важных решений. Например, что должно быть громче, гитары или барабаны? Должны ли бас-гитара или бас занимать низкие частоты? Какие эффекты нужно использовать на вокале.

REFERENCE позволяет легко и быстро сравнить ваш трек с вашими любимыми миксами. Просто перетащите свои эталонные миксы в окно транспорта, включите функцию согласования уровней, чтобы обеспечить честное сравнение, и переключайтесь между эталонными миксами и треком, чтобы услышать различия.

Слушайте внимательно и обратите внимание на то, что вам нужно изменить в своем миксе. Начните с внесения больших и широких изменений во весь микс, чтобы ваш трек был на высоте. Сосредоточьтесь на таких вещах, как баланс уровня, положение панорамирования и общая частотная характеристика.После того, как вы набрали грубый микс, пора внимательнее взглянуть на каждый из отдельных треков вашей сессии.

СМЕСИТЕЛЬНЫЕ БАРАБАНЫ

Нет правильного или неправильного способа начать микширование — лично мне нравится начинать микс с ударных, чтобы создать прочную основу для остальной части трека. Однако многим инженерам нравится начинать с ведущего вокала, поскольку это, пожалуй, самый важный элемент в треке.

При микшировании ударных важно набрать грубый микс для всей ударной установки, прежде чем солировать какой-либо отдельный трек.Сведение барабанов может быть непростым делом, особенно при работе с живой установкой. Кровотечение может быть проблемой, заставляя вас идти на компромисс с балансом уровней или реверберацией — подробнее об этом позже.

Используйте LEVELS для проверки ваших треков на наличие проблем с фазой, что часто случается при работе с наборами с несколькими микрофонами. Подавление фазы происходит, когда пик одного сигнала сочетается с впадиной другого сигнала, и они компенсируют друг друга, что приводит к слабому звуку.

Чтобы решить эту проблему, вы можете попробовать сдвинуть звук на несколько миллисекунд вперед или назад.Даже небольшая корректировка может оказать невероятно положительное влияние на фазу вашего микса. Делайте это во время прослушивания в моно через один динамик и прислушивайтесь к точке наилучшего восприятия, когда звук перестает фазироваться.

Прежде чем мы погрузимся в эквалайзер ударных, вам нужно хорошенько подумать о том, что на самом деле нужно звуку. Ниже приведены несколько советов, которые помогут вам начать работу, но вам понадобится интуиция. Если малый барабан уже звучит ярко в контексте микса и по сравнению с вашими референсными треками, вам следует проявлять осторожность при усилении средних и высоких частот.)

Как только вы приблизите звучание набора к звуку эталонных миксов, начните тонкую настройку отдельных каналов. Используйте фильтр верхних частот, чтобы удалить нежелательные низкие частоты, и колокол с относительно высоким значением Q, чтобы удалить любую мутность в области низких частот в каналах, таких как томы, малый барабан и хай-хэты. (Обрезка этой области на канале бочки может сделать звук бочки слишком слабым, но это зависит от записи.

Послушайте свои эталонные треки и обратите внимание на то, как звучит бочка.Например, нужно ли вам усилить высокие частоты, чтобы бочка прорезалась на маленьких динамиках? Если вы увеличиваете высокие частоты бочки, вы можете решить ослабить высокие частоты баса, чтобы бочка сияла в этом диапазоне. Это помогает двум каналам сливаться вместе, а не бороться за пространство.

Вы также можете использовать умеренную компрессию с медленной атакой и быстрым выпуском, чтобы усилить атаку переходных процессов и помочь бочке пробить микс.

Используйте аналогичный подход для малого барабана, используя фильтр высоких частот для ослабления низких частот, широкий колокол для усиления низких средних частот в диапазоне от 200 до 300 Гц и узкий колокол для уменьшения прямоугольности в средних частотах. от 400 до 600 Гц.Чтобы усилить щелчок или треск малого барабана, попробуйте усилить звук широким колоколом в диапазоне от 2 до 4 кГц. Чтобы добавить «воздуха», попробуйте повысить с полкой высоких частот выше 10 или 12 кГц. Только будьте осторожны, чтобы не мешать тарелкам или вокалу.

Подобно бас-барабану, вы можете использовать умеренную компрессию с медленной атакой и быстрым отпусканием, чтобы усилить атаку переходных процессов. Наконец, добавление нотки реверберации комнаты или холла к малому барабану может стать отличным способом придать вашему миксу больше пространства и глубины.Внимательно слушайте свои эталонные миксы, чтобы определить, какой тип реверберации вам следует использовать и в каком количестве.

Бочка и малый барабан должны быть панорамированы к центру, но когда дело доходит до остальной части установки, есть два варианта: перспектива аудитории и перспектива барабанщика. В «перспективе барабанщика» установка панорамируется с точки зрения барабанщика: хай-хет находится слева, а томы — сверху вниз (слева направо). Кроме того, любые тарелки с близкими микрофонами будут панорамироваться соответствующим образом, в то время как верхние и комнатные микрофоны будут панорамироваться резко влево и строго вправо, в зависимости от того, где сидит барабанщик.

В «перспективе аудитории» панорамирование набора меняется на противоположное, чтобы соответствовать тому, как аудитория видит каждый инструмент. Итак, хай-хет будет справа, а томы будут панорамироваться справа налево. Не существует правильного или неправильного способа работы, но большинство инженеров выбирают один подход и придерживаются его.

Когда дело доходит до сведения остальных треков ударных, относитесь к томам так же, как и к бочке. Используйте фильтр высоких частот, чтобы удалить нежелательные низкие частоты, усилить низкие частоты с полкой около 150-250 Гц, чтобы добавить мощности, обильно срезайте низкие средние частоты (около 200, 500 и 800 Гц) и добавьте немного бит щелчка в диапазоне 4-6 кГц.

Для накладных микрофонов и микрофонов тарелок используйте фильтр высоких частот, чтобы удалить любые нежелательные низкие частоты. Некоторые инженеры устанавливают частоту до 500 Гц, чтобы разделить тарелки и остальную часть набора, но я считаю, что это часто приводит к расслоению звука барабанов. Помните, ваш слушатель никогда не может позволить себе роскошь использовать кнопку соло. Все должно хорошо звучать в контексте!

Слушайте свои эталонные миксы и добавьте необходимое количество реверберации, чтобы склеить набор.Позже мы проведем дополнительную обработку шины, чтобы завершить звук. Дополнительные советы по микшированию ударных можно найти в нашем блоге о том, как микшировать рок-барабаны.

СМЕСИТЕЛЬНЫЙ БАС

Когда дело доходит до баса, важно учитывать взаимосвязь с бас-барабаном. Прослушайте свои эталонные миксы и определите, будут ли бас-гитара или бас заполнять нижние частоты, а затем используйте фильтр верхних частот, чтобы ослабить низкие частоты ниже основной частоты. Это должно помочь очистить низкие частоты и освободить больше места для удара.

Затем используйте нижнюю полку или широкий колокол для усиления низких частот, если вы чувствуете, что вам нужен более мощный звук. Устраните всякую мутность в низких средних частотах с помощью колокольчика и усилите средние или высокие средние частоты, чтобы выявить шум струны или медиатора. Используйте точный эквалайзер, такой как BASSROOM, чтобы создать кривую частотной характеристики, которая дополняет бас-барабан.

Например, если вы увеличиваете 120 Гц для бочки, уменьшаете ее для низких частот, а если вы уменьшаете 80 Гц для бочки, увеличивайте ее для низких частот. Это поможет вам четко слышать каждый инструмент без противоречивой информации на низких частотах.

Что касается сжатия, есть два основных подхода — вы можете использовать один или оба, в зависимости от того, что нужно вашему треку. Во-первых, используйте пиковый ограничитель с быстрой атакой и умеренным временем восстановления (например, 1176), чтобы предотвратить клиппирование. Вы также можете использовать более медленный и мягкий компрессор (например, LA-2A), чтобы сгладить динамику и добиться более стабильного исполнения.

Сжатие боковой цепи может быть полезным для прорезания бочки через микс, особенно с напряженной басовой линией.Если у вас все еще возникают проблемы с прорезанием баса через микс, используйте плагин насыщения, такой как IGNITE, чтобы добавить богатые гармоники к верхним частотам, помогая вашим ушам обнаруживать басы в небольших динамиках.

Чтобы узнать больше о микшировании, посетите наш блог о микшировании бочки и баса.

СМЕСИТЕЛЬНЫЕ ГИТАРЫ

С бочкой, малым барабаном, басом и вокалом в центре микса, ритм-гитара обычно резко панорамируется влево и вправо. Если у вас есть дополнительные гитарные партии, панорамируйте их по высоте звука, при этом партии нижнего регистра располагаются ближе к центру, а партии верхнего регистра — по бокам.Конечно, любые ведущие или сольные треки должны оставаться в центре панорамы.

После панорамирования гитар на протяжении всего микса потратьте некоторое время на эквализацию каждой дорожки, чтобы создать единый гитарный звук. Начав с использования фильтра верхних частот для ослабления нижних частот — я обычно устанавливаю свою на 80 Гц, поскольку это примерно основная частота нижней струны ми, но в зависимости от той части, которую вы можете захотеть спустить до 200 Гц.

При настройке эквалайзера снова подумайте о том, как звучит звук и какие настройки необходимы для достижения нужного звука.

Попробуйте фильтр нижних частот, чтобы ослабить высокие частоты и освободить место для других инструментов, таких как вокал и тарелки. Начните с 20 кГц и продолжайте понижать частоту, пока не начнете терять детализацию и ясность гитары.

Затем удалите всю мутность в НЧ с помощью узкого колокола. Мне нравится использовать BASSROOM и MIXROOM, чтобы помочь мне быстро определить частоту распространенных проблем. Оба плагина «слушают» ваш звук и делают предложения по эквалайзеру в зависимости от того, какой пресет вы выбрали, например, «искаженная соло-гитара» и т. Д.Это намного лучше, чем общий пресет, который не принимает во внимание то, как ваш звук уже звучит.

Остерегайтесь мутности ниже 300 Гц, прямоугольности от 300 Гц до 2 кГц и резкости выше 2 кГц. В зависимости от трека вам может потребоваться также поднять некоторые частоты. Используйте нижнюю полку ниже 200 Гц, чтобы добавить мощности для пыхтения пальмовых заглушек, увеличьте 2-4 кГц, чтобы добавить немного резкости и помочь вашей дорожке прорезать микс, или используйте полку высоких частот, чтобы повысить частоту выше 8 кГц, чтобы добавить немного воздуха в звук. смешивание.

У большинства людей звук компрессии ассоциируется с большими шумными рок-записями. Но правда в том, что компрессия действительно может уменьшить звук ваших гитар. Искажение по своей сути сжимает гитарные сигналы, поэтому для большинства открытых исполнений или исполнений с ударением не требуется дополнительное сжатие. Тем не менее, это может помочь приручить динамические стаккато или резкие пыхтения.

Дополнительные советы по микшированию искаженных гитар можно найти в этом блоге.

СМЕШИВАНИЕ ВОКАЛА

Конкретный подход, который вы используете для микширования вокала, вероятно, будет меняться в зависимости от жанра или певца, но вот краткая разбивка цепочки сигналов, которая хорошо работает для большинства певцов.

Начните с фильтра высоких частот, чтобы удалить любые нежелательные низкие частоты. Это будет варьироваться в зависимости от певца и может варьироваться от 80 Гц до 200 Гц.

Если ваш вокал звучит тонко, увеличьте средние частоты около 500 Гц. Если они кажутся немного грязными, попробуйте снизить частоту до 500 Гц. Точно так же, если ваш вокал звучит резко, попробуйте уменьшить высокие частоты до 8-20 кГц (найдите диапазон резкости). Если вокал звучит скучно, возможно, вам потребуется увеличить этот диапазон. Используйте свои справочные треки, чтобы помочь вам принять эти решения.

Используйте дополнительные колокола с высокой добротностью, чтобы удалить любые нежелательные резонансы, захваченные в процессе записи. Это может быть любая частота, в зависимости от вашей среды записи. Я предпочитаю использовать динамический эквалайзер для нацеливания на резонансы, поскольку провалы происходят только тогда, когда резонансные частоты достаточно громкие, а это означает, что у вас нет срезов эквалайзера в те моменты, когда резонансы не возникают.

Далее, мне нравится использовать деэссер для удаления шипения. Поскольку деэссеры являются динамическими, они удаляют шипение только тогда, когда оно становится чрезмерным.В отличие от эквалайзера, который иногда может сделать ваш вокал ровным или глухим. Для компрессии есть два общих подхода: используйте быстрый компрессор, такой как 1176, для ограничения пиков и усиления атаки согласных (особенно для перкуссионных вокалистов), или используйте медленный компрессор, такой как LA-2A, для сглаживания исполнения.

Наконец, мне нравится использовать аналоговый эквалайзер, чтобы добавить треку теплоты и яркости. Я часто использую верхнюю полку для усиления выше 10 кГц или около того — просто будьте осторожны с диапазоном 4-6 кГц, так как это может сделать ваш микс резким или хрупким.

Посетите наш блог о микшировании вокала, чтобы получить больше советов и уловок!

.

alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *