Графика российских художников конца XIX–XX вв.

Коллекция отечественной графики конца XIX–XX веков в Сергиево-Посадском музее-заповеднике невелика по объёму, менее систематична и целостна, чем его живописное собрание этого периода. Но она обладает своей художественной значимостью в общем музейном комплексе.
Спецификой графической коллекции музея (так же, как и живописной) является преобладание в ней работ местных художников и определённая тематическая направленность, связанная с иконографией Троице-Сергиевой лавры и города. Особую её часть составляют отдельные листы (редко – циклы работ) известных мастеров отечественного изобразительного искусства – И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, К.С. Петрова-Водкина, В.А. Фаворского, Т.А. Мавриной и других (около 80 работ).

Первые шаги к формированию коллекции были сделаны в самом начале деятельности музея – в 1920–1921 годах: с «Выставки архитектурных мотивов ТСЛ» было закуплено более 30-ти графических произведений местных художников.

Наиболее ценная часть собрания – это приобретение в дар и закупка графических работ у частных лиц. Таким путём поступили в музей работы И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, В.А. Фаворского, Л.С. Бакста. «Имена» (И.Репин, В.Маковский, И.Шишкин, К. Коровин и др.) «названы», но представлены единичными работами. «Персоналия» российского графического искусства в музейном собрании по сути одна – Т.А. Маврина (коллекция СПМЗ позволяет на примере лучших произведений показать её творчество в развитии – с 1940 х до 1970 х годов). Тем не менее, для «провинциального» собрания искусства конца XIX- XX веков и отдельные работы художников-классиков необычайно ценны.

Наиболее ранние образцы печатной графики в рассматриваемом нами комплексе произведений относятся к 80 м годам XIX в. Связаны они с одной «персоналией» – знаковой и значимой в истории русской гравюры этого периода – И.И. Шишкиным (1832 1898).

Напомним, что 1870-е годы – период переходный и «проходной» для русской печатной графики, время главенствования тоновой гравюры. Но и в этот не самый творческий период были подлинные виртуозы ксилографии (В.В. Матэ) и офорта (И.И. Шишкин). В нашем собрании имеются четыре офорта художника, созданные им в 1880 е годы (период, особенно плодотворный в творчестве Шишкина). Это блестящие по мастерству исполнения и тонкости передачи состояния природы листы «Гурзуф» (1885), «Чернолесье» (1885), «Апрель» (1885), «Болото на Варшавской железной дороге» (1886). В собрании музея также есть рисунки известных русских живописцев, таких как художник-передвижник Владимир Егорович Маковский (1846- 1920) и Валентин Александрович Серов (1865 — 1911). Портреты В.Е. Маковского, выполненные в рисунке, так же безукоризненны по композиции и завершённости, как и его работы маслом. Будучи мастером портрета, В.Е. Маковский обладал талантом верно передать не только внешнее сходство портретируемого, но и особенности его душевных движений, выделяя те главные черты характера, которые определяют поступки человека, его мысли и чувства. Валентин Серов, как и всякий настоящий художник, замечательно работал не только в масляной живописи, но виртуозно владел техникой рисунка. Многочисленные его работы карандашом и углем обладают такой же живостью и точностью в передаче характера изображаемых людей, таким же совершенством исполнения, как и его картины маслом.
В собрании музея есть несколько работ известных русских художников конца XIX – начала XX вв. Это, прежде всего рисунок Михаила Врубеля (1856–1910), крупнейшего представителя символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Наряду с листами Л.С. Бакста и М.А. Врубеля период расцвета русской графики рубежа XIX–XX веков и 1910-х годов представлен работой К.А. Коровина (1861–1939) – эскизом декорации 1917 г. к опере Н.А. Римского Корсакова «Садко». Этот эскиз является единственным «уцелевшим» образцом театрально-декорационной графики. Стилистически наш лист близок целому ряду театральных работ К. Коровина конца 1900-х–1910-х годов. Эскизы К. Коровина к «Садко» 1906, 1914 годов отличает более сложное композиционное построение, они включают в себя не только изображение «Хором», но и открытой террасы, сквозь пролёты которой виден пейзаж – «морская синь». Наш лист имеет камерное звучание: он представляет интерьер палаты с высоким сводом, небольшими окнами, изразцовой печью и лавками.
Коллекция графики музея обладает и небольшим рисунком Ильи Ефимовича Репина «Портрет писателя Леонтьева-Щеглова». И.Л. Леонтьев-Щеглов (1856—1911) — талантливый русский писатель и драматург
Графические листы Б.М. Кустодиева в собрании Сергиево-Посадского музея-заповедника – это три линогравюры 1926 г. (подписные, датированные автором), поступившие в 1928 г. из частной коллекции. В творчестве художника графика занимала большое место, хотя он и был, по преимуществу, живописцем. В 1920-е годы Кустодиев много занимался книжной иллюстрацией, плакатом и станковой гравюрой (ксилографией, литографией, линогравюрой). В 1926 г. Б.М. Кустодиевым было создано несколько композиций с «Купальщицами» в техниках линогравюры, ксилографии и акварели. В дневниковых записях за 1926 г. первого биографа Кустодиева В.В. Воинова (художника-графика, историка искусства, художественного критика) постоянно звучит тема работы Бориса Михайловича над линогравюрами «Купальщица» и «Купальщицы». Постоянной моделью в последние годы жизни Б.М. Кустодиева «для портретов, персонажей картин, обложек, гравюр, иллюстраций» служила его дочь Ирина. Она позировала отцу и для гравюры «Купальщица».

Над серией «Купальщиц» Б.М. Кустодиев работал, в буквальном смысле слова, до последних дней своей жизни: последняя гравюра этого цикла была сделана им 4 мая 1927 г. (а 26 мая художника не стало).
Творчество одного из выдающихся деятелей отечественного искусства XX в., классика гравюры на дереве В.А. Фаворского (1886–1964) представлено в музейной коллекции шестнадцатью графическими листами разных периодов: это и станковые работы, и книжные иллюстрации, и образцы его «шрифтовой графики».
Подбор листов во многом случаен, не все из них являются первоклассными или знаковыми работами мастера. В 1919 1939 гг. члены этой семьи (в том числе и Владимир Андреевич Фаворский) проживали в Сергиеве Загорске, были укоренены в его духовной и культурной жизни, создавали здесь многие свои произведения, а тесть В.А. Фаворского был одним из организаторов нашего музея.
Среди них – одно из самых известных, значительных произведений этого периода творчества мастера – станковая гравюра «Октябрь 1917» 1928 г. Эта ксилография была создана по первому государственному заказу Совнаркома к 10-летию Октябрьской революции. Тогда Фаворским была задумана серия «Годы Революции», где «расположенные в хронологическом порядке рисунки должны были год за годом воссоздавать всю историю Советского государства за первые 10 лет». Ксилография «Октябрь 1917» представляет собой развёрнутую сюжетно-повествовательную и, одновременно, знаковую, метафорическую композицию со множеством действующих лиц и нескольких эпизодов, достаточно органически слитых воедино.
Поздний период творчества В.А. Фаворского в нашей коллекции представляют гравюры из его лучших, самых известных циклов 1950-х годов, за которые в 1962 г. художник был удостоен Ленинской премии, – иллюстрации 1950 г. к «Слову о полку Игореве» и к «Борису Годунову» 1955 г., подаренные в музей в 1965 г.
Они прекрасно демонстрируют «поздний стиль» ксилографий Фаворского, где больше внимания уделяется внешнему облику героев, обстановке, костюму, где закономерно изменяются изобразительные средства: на смену аскетизму графических решений с выделением контуров и открытой штриховкой приходит определённая «живописность». Былинная торжественность, эпичность «Слова» полновесно звучат в многофигурной композиции («Перед битвой»), в которую Фаворский включает изображения русских воинов под боевым стягом и Гусляра. Из многообразия графических циклов В.А. Фаворского 50-х годов к драматургии А.С. Пушкина («Борис Годунов», «Маленькие трагедии») в коллекции музея представлена только одна иллюстрация к трагедии «Борис Годунов» – «Пимен и Григорий» 1955 г.

Коллекция произведений выдающегося отечественного графика и живописца Татьяны Алексеевны Мавриной в Сергиево-Посадском музее-заповеднике по своему объёму, уровню работ, их жанровому разнообразию может быть сопоставлена только с крупнейшими музейными собраниями страны, имеющими коллекции графики XX в. (ГМИИИ, ГТГ, ГРМ). Это шестьдесят два листа, поступившие к нам в 1977 1978 годах после проведения в музее персональной выставки автора. Сорок пять произведений были переданы Т.А. Мавриной в дар.

Хронологически коллекция мавринских работ охватывает большой период творчества художника (крайние даты – 1944 и 1976 годы; причём примерно равное количество листов относится к периодам 40 х, 50 х, 60 х и 70 х годов). Она представляет достаточное разнообразие графических техник, в которых плодотворно работала Маврина: это акварели, гуаши, листы, выполненные в смешанной технике (темпера, гуашь или темпера, гуашь, акварель), карандашные рисунки, рисунки тушью.

«Загорский цикл» Т.А. Мавриной, ярко выражающий её мироощущение, приоритеты в искусстве, её неповторимый стиль, часто и справедливо называемый «мавринским», начал складываться в 1940-е годы. «Сюжетный ряд» мавринских работ 50-х годов – «сказочно увиденный» ансамбль Лавры, Пятницкий монастырь, старый город и жизнь его обитателей – повседневная и праздничная, воплощённые в её особом, метафорически-поэтическом ключе, связанном с образностью народного искусства, фольклора. Столь же выразительны и свободны, смелы в рисунке, композиции, цвете листы 1960–1970-х годов. В их тематическом составе по-прежнему превалируют жанровые пейзажи, в самих названиях которых подчёркнут действенно-бытовой аспект. Классический образец «мавринского портрета» в нашем собрании – «Демидова» 1973 г. «Демидова» – замечательный пример органичного соединения двух жанров – «портрет в пейзаже»: крупное, фронтальное, поясное изображение «русской старушки» в белом платке на фоне летнего деревенского пейзажа, где по старинной традиции народных росписей и лубка надписи даются на самих изображениях.

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски  – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет.  В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

 Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио  определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов  – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

  

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Смотрите также:

Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова

Основы рисования: Инвентарь начинающего художника

Как начать рисовать чернилами

Знаменитые художники, скульпторы, графики. Картины графика! Современная графика Художники графики пейзажисты

«Картины графика»

Графика — вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки.
Картины графика. Цвет также может применяться в графике, но, в отличие от живописи, здесь он играет вспомогательную роль.

Картины графика. При рисовании графикой обычно используют не больше одного цвета (кроме основного черного), в редких случаях — два). Кроме контурной линии в графическом искусстве широко используется штрих и пятно, также контрастирующие с белой (а в иных случаях также цветной, чёрной, или реже — фактурной) поверхностью бумаги — главной основой для графических работ. Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы. Наиболее общий отличительный признак графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого в значительной мере выполняет фон бумаги (по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского, — «воздух белого листа»).

Картины графика. Наиболее древний и традиционный вид графического искусства — рисунок, истоки которого можно видеть в первобытных наскальных изображениях и в античной вазописи, где основу изображения составляют линия и силуэт. В задачах рисунка немало общего с живописью, а границы между ними подвижны и в значительной мере условны: акварель, гуашь, пастель и темпера могут использоваться как для создания собственно графических, так и живописных по стилю и характеру произведений.

Картины графика. Графическое искусство включает в себя как собственно рисунок, так и печатные художественные произведения (гравюру, литографию и др.), основывающиеся на искусстве рисунка, но обладающие собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями.
Картины графика. В графике наряду с завершёнными композициями самостоятельную художественную ценность имеют и натурные наброски, эскизы к произведениям живописи, скульптуры, архитектуры (рисунки Микеланджело, Л. Бернини в Италии, О. Родена во Франции, Рембрандта в Голландии, В. И. Баженова в России). Не обладая таким объёмом полноты возможностей, как живопись, в создании пространственной иллюзии реального мира, графика с большой свободой и гибкостью варьирует степень пространственности и плоскостности; для графических произведений могут быть свойственны тщательность объёмно-пространственного построения, обстоятельность разработки тончайших элементов фактуры и выявления структуры предмета.

Наследие графического искусства многообразно. Оно отмечено работами таких всемирно известных мастеров, как Альбрехт Дюрер(1471-1528), Франсиско Гойя (1746-1828), Гюстав Доре (1832-1883), японских художников Китагава Утамаро (1753-1806), Хиросиге Андо (1797-1858) и гравёра и рисовальщика Хокусай Кацусика (1760-1849), чьё творчество оказало значительное влияние на европейское искусство конца XIX — начала XX вв.

Из современных мастеров графики наиболее известен нидерландский художник Морис Эшер, начавший одним из первых изображать фракталы и прославившийся после выхода в свет книги «Grafiek en Tekeningen», в которой он сам прокомментировал 76 своих лучших работ.
Итак, мы просмотрели исторические корни графического искусства и современной графики.
Картины графика может быть самостоятельным разделом изобразительного искусства.
Картины графика, дала основу и развитие таким прекрасным видам изобразительного искусства как и .

Картины графика. Графический рисунок. Это полноценное искусство. Графика имеет большую и богатую историю. Картины графика древний вид искусства. Картины графика это наша современность. Картины графика пользуется уважением и любовью .

Многие увлекаются графикой. Собирают графические рисунки. Картины графика интересна и увлекательна.
Современное декоративное искусство — тоже нельзя представить без графики и графических изображений. Эскизы, наброски, рисунки позволяют художнику мыслить интересно и оригинально. Картины графика и рисунок основа творчества любого профессионального мастера.
Графика, рисунок, графическое изображение, графический рисунок могут выполняться на основе различных материалов. Графика на бумаге. Графика на дереве. Графика на металле. Графика на ткани. Графика на стекле. Графика на песке.

Искусное графическое изображение захватывает и увлекает зрителя не хуже разноцветных живописных работ написанных маслом или акварелью.
Картины графика. Графика прекрасна сама по себе. Графика интересна. Графика увлекательна. Графические рисунки таких мастеров как Микеланджело считается бесценными произведениями искусства рисунка, искусства графики.

Картины графика. Современная графика.
Современная графика имеет своих мастеров. Многие специализируются в направлении графического рисунка и занимаются графикой всю жизнь.
Современная графика имеет и своих поклонников и своих ценителей. Графические рисунки охотно приобретают многие любители и коллекционеры. Графические работы тоже могут стоить очень дорого. Картины графика это не дешевка и не изгой в искусстве. Картины графика это свой прекрасный мир в изобразительном искусстве.

Картины графика. Современная графика. В нашей галерее представлено огромное множество графических работ . Здесь есть графические работы на любой вкус. Присмотритесь к нашим графическим работам повнимательнее. Графика это добрая волшебная фея современного искусства, но графика прекрасна и сама по себе. Хороший графический рисунок или графическая композиция способен украсить любой интерьер своей замечательной аурой. Картины графика это прекрасно!
Графика покорила не только художников. Картины графика стала музой и для мастеров современной поэзии.
Графика стиха — особый способ записи стихотворного текста в его отличии от прозаического.

«Она стала целовать его всего перемазанного мармеладом и в хвост и в гриву
и в витрину Елисеевского гастронома и в компьютер «Макинтош»
А он нарочно подставлял ей то одну то другую (ланиту) дискету
не забывая при этом целовать ее в каждый кохиноровский карандаш».

В современной поэзии много терминов от коренного слова — «Картины графика». Например: особая стихотворная графика, особая графика стиха, специфическая стиховая графика.
Графика. Графика проникает и пронизывает всю нашу жизнь. Графику любят. Графикой любуются. Графикой увлекаются. Некоторые графикой болеют.
Самый популярный и известный вид графики рисунок. Любой художник начинает с графики и графических работ.
Графика. Бумага. Карандаш. Что ещё нужно. Конечно творчество. Конечно вдохновение.

«Я беру карандаш, графит с буквой «Т»,
Рисовать начинаю чувства.
И дрожащей рукою на белом листе
Разрушаю законы искусства.»

Картины графика. Графика проникает и пронизывает всю нашу жизнь. Графику любят. Графикой любуются. Графикой увлекаются. Многие графикой болеют.

«Остриём продираю бумагу до дыр
И штрихи не ложатся дождями.
Из души смертью выпитый элексир
Возвращается скрежетом под зубами.»

«Жёсткая графика! В клочья — бумага!
Мои пальцы уже начинают неметь.
В свою брошенность неповерившая дворняга,
От тоски вдруг способная умереть.»

Картины графика. Картины графика украшает нашу жизнь. Графику любят. Графикой любуются. Графикой увлекаются. Многие графикой болеют.

«Боль, вина, сожаленье, обида, безысходность,
Надежда, злость, грешность, тоска…
И любовь, не принявшая данность свободы,
Непрощенье, кружащее у виска…»

Графика. Картины графика украшает нашу жизнь. Графику любят. Графикой любуются. Графикой увлекаются. Многие в графике видят своё счастье.

«Что же вышло? Ещё не закончил творенье.
Из эклектики чувств получилась мазня.
Мне бы сжечь этих линий переплетенье,
Возродивши Феникса из огня…»

Графика. Современная графика.
Современная графика имеет своих мастеров. Многие художники специализируются в направлении графического рисунка и занимаются графикой всю жизнь.
Современная графика имеет своих поклонников и своих ценителей. Графические рисунки охотно приобретают многие любители и коллекционеры. Графические работы тоже могут стоить очень дорого. Картины графика это не дешевка и не изгой в искусстве. Картины графика это свой прекрасный мир в изобразительном искусстве!

Картины графика! Современная графика! В нашей галерее представлено огромное множество графических работ художников. Здесь есть графические работы на любой вкус. Присмотритесь к нашим графическим работам повнимательнее. Картины графика это добрая волшебная фея современного искусства, но графика прекрасна и сама по себе. Хороший графический рисунок или графическая композиция способен украсить любой интерьер своей замечательной аурой!
Картины графика! Картины графика это прекрасно!

) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.

Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.

Теплая простота Валентина Губарева

Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.

Чувственный реализм Сергея Маршенникова

Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника — Наталья.

Близорукий мир Филипа Барлоу

В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.

Солнечные зайчики Лорана Парселье

Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.

Динамика города в работах Джереми Манна

Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен — все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», — говорит художник.

Иллюзорный мир Нила Саймона

На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг — это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», — говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.

Любовная драма Жозефа Лорассо

Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.

Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина

Дмитрий Лёвин — признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства — привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.

Яркий восток Валерия Блохина

• Рисунки художников-классиков Уважаемые пользователи, вы можете скачать графику некоторых художников в архивах rar. Большие изображения. Обновление в разделе «История графики».
• vk.com/сайт. Представительство сайта «График» в контакте. В сообществе много обучающего видео для художников. Постоянно добавляются новые альбомы графиков-классиков.

Работы художников сайта «График».

Графика — с одной стороны — вид искусства, с другой — занятие, которое доступно всем, и им занимаются все люди с малого возраста. Для создания графического рисунка нужно иметь только лист бумаги и материал для рисования — карандаш или краску. То есть с одной стороны графика общедоступна.

Но с другой — это сложный вид искусства, которому нужно обучаться так же, как живописи или скульптуре. В этом трудность и простота графики. Рисовать могут все, а стать мастерами — единицы.
Графика делится на две разновидности: печатная (эстамп) , предназначенная для тиражирования; и уникальная , подразумевающая создание произведений в единственном экземпляре.

Наиболее общий отличительный признак графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого во многом выполняет фон бумаги, «воздух белого листа», по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского. Пространственное ощущение создают не только не занятые изображением участки листа, но часто (например, в рисунках акварелью) и проступающий под красочным слоем фон бумаги.

Предлагаем вашему вниманию раздел: Библиотека для художников.
В «Библиотеке» вы можете скачать книги по искусству, анатомии, искусствоведению, уроки рисования и живописи для домашнего изучения.

А также 100 номеров журнала «Художественная галерея» в формате djvu.

Знаменитые художники, скульпторы, графики

Айвазовский Иван Константинович (1817–1900) — русский живописец, мастер морского пейзажа («Девятый вал», «Черное море»).

Боровиковский Владимир Лукич (1757–1825) — русский и украинский художник-портретист, сентименталист (портреты М. И. Лопухиной, А. Б. Куракина).

Босх (Бос ван Акен) Иероним (Хиеронимус) (ок. 1460–1516) — голландский живописец, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения.

Боттичелли Сандро (Алессандро ди Мариано ди Вани Филипепи) (1445–1510) — величайший итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения.

Брейгель-старший Питер («Мужицкий») (ок. 1525–1569) — фламандский живописец и график, мастер пейзажа и жанровых сцен.

Брюллов Карл Павлович (1799–1852) — русский живописец, рисовальщик, мастер напряженно-драматических полотен («Последний день Помпеи») и парадных портретов («Всадница»).

Ван Гог Винсент (1853–1890) — голландский живописец, представитель постимпрессионизма. Для его картин характерны контрасты цвета, порывистый ритм. Создавал трагические образы в болезненно-напряженной, предельно экспрессивной манере, построенной на контрастах цвета, порывистого ритма, на свободной динамике пастозного мазка («Ночное кафе», «Пейзаж в Овере после дождя»).

Ван Дейк Антонис (1599–1641) — фламандский живописец, виртуоз живописи, ученик Рубенса. Его работы отмечены благородной одухотворенностью («Автопортрет»).

Ван Эйк Ян (ок. 1385 или 1390–1441) — фламандский живописец Раннего Возрождения, мастер портрета, автор более 100 композиций на религиозные сюжеты, один из первых художников, освоивших технику живописи масляными красками.

Васнецов Виктор Михайлович (1848–1926) — русский художник-передвижник. Создал полотна на темы русских былин и сказок («Аленушка», «Три богатыря»).

Ватто Антуан (1684–1721) — французский художник, мастер жанровой живописи.

Веласкес Диего (Веласкес Родригес де Сильва) (1599–1660) — испанский художник. Полотна Веласкеса («Завтрак», «Сдача Бреды») отличаются чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита.

Венецианов Алексей Гаврилович (1780–1847) — русский живописец. Большинство его работ — на темы крестьянского быта, написаны с натуры.

Верещагин Василий Васильевич (1842–1904) — русский художник-баталист. В своих работах показывал ужасы войны («Апофеоз войны»). Погиб при взрыве броненосца «Петропавловск» в Порт-Артуре.

Вермер Делфтский Ян (1632–1675) — голландский живописец, отличавшийся поэтическим восприятием повседневной жизни («Девушка, читающая письмо»).

Веронезе (Кальяри) Паоло (1528–1588) — итальянский живописец эпохи Возрождения. Созданные им картины отличаются праздничностью и изысканностью.

Врубель Михаил Александрович (1856–1910) — русский художник Серебряного века. Тяготел к философской обобщенности, трагизму, символическому осмыслению сюжета («Принцесса Грёза», «Демон»).

Вучетич Евгений Викторович (1908–1974) — русский советский скульптор (фигура Родины-матери на Мамаевом кургане в Волгограде).

Ге Николай Николаевич (1831–1894) — знаменитый русский живописец, мастер портретов, исторических и религиозных полотен («Тайная вечеря», «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе», «Что есть истина?»).

Гейнсборо Томас (1727–1788) — английский живописец, график, портретист и пейзажист.

Гоген Эжен Анри Поль (1848–1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом считается крупнейшим представителем постимпрессионизма.

Гойя Франсиско Хосе де (1746–1828) — испанский живописец и график, смелый новатор формы. Среди его работ — фрески, живописные полотна («Маха обнаженная»), серия гравюр («Капричос»).

Греко (Эль-Греко) (Доменикос Теотокопулос) (1541–1614) — испанский живописец греческого происхождения, чьим работам свойственна мистическая экзальтация («Портрет инквизитора»).

Давид Жак Луи (1748–1825) — французский живописец, сторонник классической школы живописи («Клятва Горациев»).

Дали Сальвадор (1904–1989) — испанский художник, один из самых выдающихся представителей сюрреализма. В своих картинах придавал видимую достоверность противоестественным ситуациям и сочетаниям предметов.

Дега Эдгар ( 1834–1917) — французский художник-импрессионист, мастер пастели («Голубые танцовщицы»).

Делакруа Эжен ( 1798–1863) — французский живописец и график, глава французского романтизма («Свобода, ведущая народ»).

Джорджоне (1477–1510) — итальянский живописец, один из основоположников искусства Высокого Возрождения («Спящая Венера», «Юдифь»).

Джотто ди Бондоне (1266–1337) — итальянский художник, родоначальник живописи нового времени («Оплакивание Христа»).

Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди) ( 1386–1466) — итальянский скульптор, один из «отцов» Возрождения.

Дюрер Альбрехт (1471–1528) — немецкий живописец и график эпохи Возрождения, теоретик искусства (автопортреты, «Мадонна с младенцем», гравюры).

Кандинский Василий Васильевич (1866–1944) — русский живописец и график, авангардист, один из основоположников абстрактного искусства.

Канова Антонио (1757–1822) — итальянский скульптор, наиболее значительный представитель классицизма в европейской скульптуре.

Караваджо Микеланджело да (Микеланджело Меризи Караваджо) (1571–1610) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII в., один из крупнейших мастеров барокко.

Кипренский Орест Адамович (1782–1836) — русский живописец и рисовальщик, представитель романтизма (портреты А. С. Пушкина).

Клодт Петр Карлович (1805–1867) — русский скульптор, представитель классицизма, анималист (кони на Аничковом мосту в Санкт-Петербурге).

Коровин Константин Алексеевич (1861–1939) — русский живописец и театральный художник, тонкий мастер пленэрной живописи, близкий к импрессионизму.

Крамской Иван Николаевич (1837–1887) — русский живописец, передвижник, учитель И. Е. Репина («Майская ночь»). Мастер психологического портрета, раскрывающего сложные душевные движения («Незнакомка»).

Кранах Лукас Старший (1472–1553) — немецкий живописец и график, сочетавший художественные принципы Возрождения с готической традицией, блестящий портретист.

Куинджи Архип Иванович (1841–1910) — русский живописец-пейзажист, передвижник. Работы Куинджи демонстрируют декоративную звучность колорита, до иллюзии близкие к натуре эффекты освещения («Ночь на Днепре»).

Ларионов Михаил Федорович (1881–1964) — русский живописец, авангардист, абстракционист, создатель так называемого лучизма.

Левитан Исаак Ильич (1860–1900) — русский живописец-передвижник, пейзажист, создатель «пейзажа настроения», раскрывающего тонкие нюансы состояний природы («Над вечным покоем»).

Левицкий Дмитрий Григорьевич (1735–1822) — русский портретист XVIII в., мастер парадных портретов.

Леонардо да Винчи (1452–1519) — итальянский художник, скульптор, архитектор и ученый. Воплотил идеал женской красоты во всемирно известном полотне «Джоконда» («Мона Лиза»).

Лисипп (IV в. до н. э.) — древнегреческий скульптор, придворный художник Александра Македонского.

Мазаччо (Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи) (1401–1428) — итальянский живописец, в своих работах стремился воплотить представление о совершенстве человека.

Малевич Казимир Северинович (1878–1935) — русский художник-абстракционист («Черный квадрат»), основоположник супрематизма.

Мане Эдуард (1832–1883) — французский художник, один из ярчайших представителей импрессионизма. Его работы отличают свежесть и острота восприятия действительности («Концерт в Тюильри»).

Матисс Анри (1869–1954) — французский живописец, график, утверждавший орнаментальный стиль в витражах, гравюрах, литографиях, основатель фовизма.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564) — итальянский живописец, скульптор и архитектор («Давид», роспись Сикстинской капеллы в Риме).

Мирон из Элевтер (V в. до н. э.) — греческий скульптор эпохи, предшествовавшей непосредственно высшему расцвету греческого искусства (конец VI — начало V в.). Самое известное произведение Мирона — «Дискобол».

Модильяни Амедео (1884–1920) — итальянский живописец. Для работ Модильяни характерна музыкальная изысканность силуэта и цвета, лаконичность композиции.

Моне Оскар Клод (1840–1926) — французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Мунк Эдвард (1863–1944) — норвежский живописец и график, один из основоположников экспрессионизма («Крик»).

Мухина Вера Игнатьевна (1889–1953) — советский скульптор-монументалист («Рабочий и колхозница»).

Перов Василий Григорьевич (Криденер) (1834–1882) — русский живописец, один из членов-учредителей «Товарищества передвижных художественных выставок» («Тройка», «Портрет Ф. М. Достоевского», «Охотники на привале»).

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) — русский советский живописец («Купание красного коня»), символист, романтик.

Пикассо Пабло Руис (1881–1973) — французский художник, работал в нескольких направлениях — кубизм, реализм и др. Создал произведения, полные боли и протеста («Герника»), автор знаменитого «Голубя мира».

Пиросмани Нико (1862–1918) — грузинский художник-примитивист. Писал групповые портреты, вывески, остро передающие ощущение полноты и радости жизни.

Пракситель (IV в. до н. э.) — древнегреческий скульптор, родился в Афинах ок. 390 до н. э. Автор знаменитых композиций «Гермес с младенцем Дионисом», «Аполлон, убивающий ящерицу». Большинство работ Праксителя известны по римским копиям или по описаниям античных авторов.

Пуссен Никола (1594–1665) — французский живописец, представитель школы классицизма («Пейзаж с Полифемом»).

Рафаэль Санти (1483–1520) — итальянский живописец и архитектор, полотна которого отличает классическая ясность и величественная одухотворенность. Прославлял земное бытие человека, гармонию его душевных и физических сил («Сикстинская мадонна»).

Рейнолдс Джошуа (1723–1792) — английский живописец и теоретик искусства. Виртуозный портретист («Дж. О. Хитфилд»), писал также на исторические и мифологические темы.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) — голландский живописец, рисовальщик, офортист. Писал сложные по психологической структуре сцены, портреты («Ночной дозор», «Даная»).

Ренуар Огюст (1841–1919) — французский живописец, график и скульптор, близкий к импрессионистам. Воспевал чувственную красоту и радость бытия.

Репин Илья Ефимович (1844–1930) — русский и украинский живописец. Раскрывал духовную красоту народа, его вольнолюбие («Запорожцы пишут письмо турецкому султану», «Бурлаки на Волге», «Не ждали»).

Рерих Николай Константинович (1874–1947) — русский художник, с 1920-х годов жил в Индии, философия которой оказала громадное влияние на его творчество.

Роден Огюст (1840–1917) — французский скульптор, новатор формы («Мыслитель», «Граждане Кале»).

Рокотов Федор Степанович (1735–1808) — выдающийся русский живописец. Среди работ художника — тонкие по живописи, поэтические портреты, проникнутые осознанием духовной и физической красоты человека.

Рубенс Петер Пауль (1577–1640) — фламандский живописец. Его пейзажи проникнуты ощущением могучих природных сил. Сцены крестьянской жизни («Возвращение жнецов») проникнуты демократическим духом.

Рублев Андрей (ок. 1360-ок. 1430) — великий русский живописец, иконописец, крупнейший мастер московской школы живописи. Работы Рублева проникнуты глубокой человечностью и возвышенной одухотворенностью («Троица», роспись многих соборов, иконы).

Саврасов Алексей Кондратьевич (1830–1897) — русский живописец-пейзажист, передвижник. Передавал поэтическую красоту и значительность обыденных мотивов («Грачи прилетели»).

Сарьян Мартирос Сергеевич (1880–1972) — армянский художник. Мастер жизнеутверждающего, эмоционального пейзажа, яркого и декоративнообобщенного по манере («Долина Арарата», «Армения»), острого психологического портрета и праздничного по колориту натюрморта.

Сезанн Поль (1839–1906) — французский живописец, постимпрессионист («Берега Марны», «Персики и груши»).

Серов Валентин Александрович (1865–1911) — русский живописец и график, передвижник. Ранние произведения («Девочка с персиками») отличаются свежестью и богатством колорита.

Снейдерс Франс (1579–1657) — фламандский живописец, мастер натюрмортов и анималистических композиций в стиле барокко («Петушиные бои», «Торговка фруктами»).

Суриков Василий Иванович (1848–1916) — русский художник-передвижник, многие полотна посвящены переломным моментам русской истории («Боярыня Морозова» и др.). Мастер портрета.

Тинторетто (Робусти) Якопо (1518–1594) — итальянский живописец, один из величайших живописцев венецианской школы позднего Ренессанса.

Тициан (Тициане Вечеллио) (1476–1576) — итальянский живописец, глава венецианской школы. Его произведения отличаются жизнерадостностью, многогранностью восприятия жизни («Венера и Адонис», «Даная»), а в более поздних произведениях — напряженным драматизмом.

Торвальдсен Бертель (1768–1844) — датский скульптор, представитель классицизма. Скульптурам Торвальдсена свойственна пластическая завершенность, сдержанность и идеализация образов («Ясон»).

Тропинин Василий Андреевич (1776–1857) — русский живописец, мастер романтического портрета.

Тулуз-Лотрек Анри де (1864–1901) — французский график и живописец, постимпрессионист.

Фидий (V в. до н. э.) — древнегреческий скульптор периода высокой классики. Творчество Фидия считается одним из высших достижений античного искусства (статуи Афины, Зевса Олимпийского).

Хокусай Кацусика (1760–1849) — японский живописец и рисовальщик, мастер цветной ксилографии.

Челлини Бенвенуто (1500–1571) — итальянский скульптор, архитектор и писатель. Один из известнейших представителей маньеризма.

Шагал Марк (1887–1985) — французский художник, последователь сюрреализма. Большинство его образов навеяно русскими и еврейскими народными мотивами.

Шишкин Иван Иванович (1832–1898), русский живописец, один из крупнейших мастеров реалистической пейзажной живописи. Академик (1865), профессор (1873), руководитель пейзажной мастерской (1894–1895) Академии художеств. Член-учредитель «Товарищества передвижных художественных выставок».

Эшер Морис Корнелис (1898–1972) — нидерландский художник-график. Известен прежде всего своими концептуальными литографиями, гравюрами на дереве и металле, в которых он мастерски исследовал пластические аспекты понятий бесконечности и симметрии, а также особенности психологического восприятия сложных трехмерных объектов.

Ярошенко Николай Александрович (1846–1898) — русский живописец-передвижник. Портреты, пейзажи, жанровые сцены («Кочегар», «Старое и молодое»), отличаются драматизмом.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

• Рисунки художников-классиков Уважаемые пользователи, вы можете скачать графику некоторых художников в архивах rar. Большие изображения. Обновление в разделе «История графики».
• vk.com/сайт. Представительство сайта «График» в контакте. В сообществе много обучающего видео для художников. Постоянно добавляются новые альбомы графиков-классиков.

Работы художников сайта «График».

Графика — с одной стороны — вид искусства, с другой — занятие, которое доступно всем, и им занимаются все люди с малого возраста. Для создания графического рисунка нужно иметь только лист бумаги и материал для рисования — карандаш или краску. То есть с одной стороны графика общедоступна.

Но с другой — это сложный вид искусства, которому нужно обучаться так же, как живописи или скульптуре. В этом трудность и простота графики. Рисовать могут все, а стать мастерами — единицы.
Графика делится на две разновидности: печатная (эстамп) , предназначенная для тиражирования; и уникальная , подразумевающая создание произведений в единственном экземпляре.

Наиболее общий отличительный признак графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого во многом выполняет фон бумаги, «воздух белого листа», по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского. Пространственное ощущение создают не только не занятые изображением участки листа, но часто (например, в рисунках акварелью) и проступающий под красочным слоем фон бумаги.

Предлагаем вашему вниманию раздел: Библиотека для художников.
В «Библиотеке» вы можете скачать книги по искусству, анатомии, искусствоведению, уроки рисования и живописи для домашнего изучения.

А также 100 номеров журнала «Художественная галерея» в формате djvu.

Архитектура на картинах отечественных художников

Панорамы столичных улиц, памятники архитектуры, здания, которых уже нет, деревянные лодочки, снующие по Неве и Москве-реке, — все это можно увидеть на картинах мастеров городского пейзажа конца XVIII — первой половины ХХ века. О 10 художниках этого жанра — в материале портала «Культура.РФ».

Федор Алексеев

Федор Алексеев. Вид на Воскресенские и Никольские ворота и Неглинный мост от Тверской улицы в Москве (фрагмент). 1811. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Федор Алексеев. Красная площадь в Москве (фрагмент). 1801. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Федор Алексеев. Вид на Стрелку Васильевского острова от Петропавловской крепости (фрагмент). 1810. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Федор Алексеев начинал свой творческий путь с городских пейзажей Венеции, где жил пенсионером от Академии художеств. Вернувшись в Россию, писал виды Крыма, Полтавы, Орла, но прославился он картинами с изображением Москвы и Петербурга. Самые известные полотна его московского цикла — «Красная площадь в Москве» и «Вид на Воскресенские и Никольские ворота и Неглинный мост от Тверской улицы в Москве» — сегодня хранятся в Третьяковской галерее. Главные петербургские картины художника — «Вид на Стрелку Васильевского острова от Петропавловской крепости» и «Вид Английской набережной» можно посмотреть в собрании Русского музея.

Читайте, кто еще ездил в Италию от Академии художеств

Картины Алексеева интересны не только с художественной, но и с исторической точки зрения: например, на картине 1800-х годов «Вид церкви Никола Большой Крест на Ильинке» изображен барочный храм конца XVII века, который снесли в 1933 году. А благодаря картине «Вид Казанского собора» можно узнать, что изначально перед этим петербургским храмом стоял деревянный обелиск. Со временем он обветшал, и в 1820-х годах его убрали с площади.

Максим Воробьев

Максим Воробьев. Вид Московского Кремля (со стороны Устьинского моста) (фрагмент). 1818. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Максим Воробьев. Вид на Казанский собор с западной стороны (фрагмент). Первая половина 1810-х. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Максим Воробьев. Петропавловская крепость (фрагмент). Конец 1820-х. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Максим Воробьев поступил в Академию художеств в десять лет. Один из его первых учителей — архитектор Жан-Франсуа Тома де Томон — привил будущему художнику любовь к архитектурно-пейзажной живописи.

Среди петербургских работ Максима Воробьева — «Нева со стороны Троицкого моста при лунном освещении», «Вид на Казанский собор с западной стороны», «Петропавловская крепость». Сохранились и московские работы художника — в том числе и «Вид Московского Кремля (со стороны Устьинского моста»). Кроме российских городов, Воробьев на своих полотнах изображал Иерусалим и Константинополь, Варну и Рим. Сегодня городские пейзажи Максима Воробьева можно увидеть в Государственном Русском музее и Государственной Третьяковской галерее.

Семен Щедрин

Семен Щедрин. Вид на Каменноостровский дворец (фрагмент). 1804. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Семён Щедрин. Вид на Каменноостровский дворец через Большую Невку со стороны Строгановской набережной (фрагмент). 1803. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Семен Щедрин. Вид острова Большого пруда в Царскосельских садах (фрагмент). 1777. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Семен Щедрин, брат известного скульптора Феодосия Щедрина, был одним из ведущих ландшафтных живописцев своего времени. После окончания Академии художеств, он несколько лет провел во Франции и Италии. Там художник усвоил идеи классицизма. Почти сразу после возвращения на родину Семен Щедрин стал рисовать для Екатерины II виды ее любимого Царского Села.

Изображал он и другие петербургские пригороды — Петергоф, Павловск, Гатчину и, собственно, сам Петербург. Среди работ художника — «Каскад Аполлона и дворец», «Вид на Каменноостровский дворец», «Вид острова Большого пруда в Царскосельских садах», «Сельский двор в Царском Селе». И хотя Семен Щедрин был мастером городского пейзажа, архитектурные объекты он писал довольно условно. Основное внимание художника было уделено природе — искусствоведы считают его предвестником русского лирического пейзажа.

Степан Галактионов

Степан Галактионов. Вид на Неву со стороны Петропавловской крепости (фрагмент). 1821. Всероссийский музей А.С. Пушкина, Санкт-Петербург

Степан Галактионов. Фонтан в парке. (фрагмент). 1820. Севастопольский художественный музей имени П.М. Крошицкого, Севастополь

Степан Галактионов. Дача в парке (фрагмент). 1852. Тюменский музей изобразительных искусств, Тюмень

А здесь читайте о достопримечательностях современного Петербурга

Степан Галактионов был не только живописцем и акварелистом, но и блестящим гравером: он одним из первых в России освоил технику литографии — гравюры на камне. Главным источником вдохновения Галактионова служили архитектурные памятники Петербурга. Он участвовал в создании альбома литографий «Виды пригородов и окрестностей Санкт-Петербурга», который курировал художник Семен Щедрин в 1805 году. В этот сборник вошли его работы: «Вид дворца Каменного острова с дачи графа Строганова» и «Вид дворца Монплезир» в Петергофе, «Вид храма Аполлонова с Каскадом в саду Дворца Павловского» и «Вид части дворца со стороны большого озера в городе Гатчине». Впоследствии он участвовал и в работе над сборником «Виды Санкт-Петербурга и окрестностей», изданного в 1825 году Обществом поощрения художников.

Василий Садовников

Василий Садовников. Вид набережной и Мраморного дворца (фрагмент). 1847. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Василий Садовников. Вид Невы и Петропавловской крепости. 1847. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Василий Садовников. Вид Невы и Петропавловской крепости (фрагмент). 1847. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художник-самоучка Василий Садовников писал архитектуру Петербурга, еще будучи крепостным княгини Натальи Голицыной. Получив вольную, он поступил в Академию художеств, где его учителем стал Максим Воробьев.

Известны многочисленные виды Зимнего дворца, написанные Садовниковым по поручению императоров Николая I и Александра II. Но самая прославленная работа художника — 16-метровая акварельная «Панорама Невского проспекта», над которой он работал 5 лет — с 1830 года. На ней главная улица Петербурга нарисована в обе стороны — от Адмиралтейской площади до Аничкова моста. Художник детально изобразил на картине каждый дом Невского проспекта. Позже издатель Андрей Прево выпустил отдельные части этой панорамы в виде литографий, серия состояла из 30 листов.

Среди других столичных картин художника — «Вид набережной и Мраморного дворца», «Придворный выезд от главного подъезда Большого дворца в Петергофе», «Фельдмаршальский зал». На работе «Отправление дилижанса с Исаакиевской площади» собор изображен еще на этапе строительства.

Помимо Петербурга, Садовников рисовал городские пейзажи Москвы, Вильнюса, Хельсинки. Одной из последних работ художника стала панорама Петербурга с Пулковских высот.

Андрей Мартынов

Андрей Мартынов. Вид дворца Петра I в Летнем саду (фрагмент). 1809-1810. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Андрей Мартынов. Вид на Финский залив с балкона Ораниенбаумского дворца (фрагмент). 1821-1822. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Андрей Мартынов. Вид Невского проспекта от Фонтанки на Адмиралтейство (фрагмент). 1809-1810. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Среди первых самостоятельных работ мастера ландшафтной живописи Андрея Мартынова — итальянские виды. После окончания Академии художеств художник жил пенсионером в Риме. Вернувшись из Италии на родину, Мартынов писал виды Петербурга, используя разные техники, включая акварель и гравюру. Для печати гравюр Мартынов даже открыл собственную литографскую мастерскую.

Среди известных произведений художника — «Берег Большой набережной в Санкт-Петербурге от Литейной до Летнего сада», «Вдоль Летнего сада до строений Мраморного дворца», «От Мошкова переулка вдоль строений Зимнего дворца».

Мартынов много путешествовал, с российским послом он побывал в Пекине. Позже художник выпустил литографический альбом «Живописное путешествие от Москвы до китайской границы». В поездках Мартынов черпал идеи для своих картин, он также запечатлел виды Крыма и Кавказа. Работы художника можно увидеть в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея и Музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.

Карл Беггров

Карл Беггров. В Летнем саду (фрагмент). 1820-е. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Карл Беггров. Арка Главного штаба (фрагмент). 1822. Всероссийский музей А.С. Пушкина, Санкт-Петербург

Карл Беггров. Триумфальные ворота (фрагмент). 1820-е. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Карл Беггров писал пейзажи, правда, в отличие от сына мариниста Александра Беггрова, рисовал не морские, а городские виды. Ученик Максима Воробьева, он написал большое количество акварелей и литографий с пейзажами Петербурга.

А вы знали, что Айвазовский писал не только морские пейзажи?

В 1821–1826 годах Карл Беггров создал цикл литографий, которые вошли в сборник «Виды Санкт-Петербурга и окрестностей». Среди них, например, «Вид арки Главного штаба». После издания этого альбома Беггров больше работал в акварельной технике, но по-прежнему рисовал в основном Петербург — например, «В Летнем саду» и «Триумфальные ворота». Сегодня работы Карла Беггрова хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Государственном Эрмитаже и музеях других городов.

Александр Бенуа

Александр Бенуа. Оранжерея (фрагмент). 1906. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Александр Бенуа. Фронтиспис для «Медного Всадника» Александра Пушкина (фрагмент). 1905. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Москва

Александр Бенуа. Ораниенбаум (фрагмент). 1901. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В 1902 году в журнале «Мир искусства» Александр Бенуа написал статью «Живописный Петербург». В ней он сетовал, что художники обычно обходят стороной пейзажи Петербурга, предпочитая им Москву: «Теперь пора выбиться из славянофильских пеленок, пора перестать стыдиться «европейской» стороны русской жизни и с большим участием отнестись к ненавистному Петербургу».

Бенуа и сам стал активно изображать этот город на своих картинах. В этот период он создал акварели «На улицах Петербурга», «Санкт-Петербург. Дворцовая площадь», «Эрмитаж Петра Великого», иллюстрации к поэмам Александра Пушкина «Медный всадник» и «Пиковая дама». А в эмиграции художник написал цикл петербургских и пригородных видов под общим названием «Воспоминания».

Мстислав Добужинский

Мстислав Добужинский. Петербург (фрагмент). 1914. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Мстислав Добужинский. Домик в Петербурге (фрагмент). 1905. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Мстислав Добужинский. Уголок Петербурга (фрагмент). 1904. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Мстислав Добужинский был разносторонним художником — он оформлял театральные постановки, иллюстрировал книги и журналы. Но центральное место в его творчестве занял городской пейзаж, особенно художник любил изображать Петербург — там Добужинский провел детство.

Среди его работ — «Уголок Петербурга», «Петербург». Петербургские пейзажи можно увидеть и в книге «Петербург в 1921 году», в иллюстрациях к «Белым ночам Достоевского» и «Петербургу Достоевского» Николая Анциферова. В 1943 году Добужинский создал цикл воображаемых пейзажей блокадного Ленинграда.

Как писал искусствовед Эрих Голлербах: «В отличие от Остроумовой-Лебедевой, запечатлевшей в своих гравюрах и литографиях преимущественно архитектурную красоту Петербурга, художник заглянул и в низины городской жизни, обнял своей любовью не только монументальное великолепие петербургского зодчества, но и жалкое убожество грязных окраин». Покинув страну, Добужинский продолжил рисовать пейзажи, но уже Литвы и США.

Анна Остроумова-Лебедева

Анна Остроумова-Лебедева. Петербург, Мойка (фрагмент). 1912. Частное собрание

Анна Остроумова-Лебедева. Павловск (фрагмент). 1953. Частное собрание

Анна Остроумова-Лебедева. Петроград. Красные колонны (фрагмент). 1922. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Анна Остроумова-Лебедева — один из главных графиков и граверов первой половины ХХ века. На ксилографиях — гравюрах на дереве, литографиях и акварелях — она изображала преимущественно виды Петербурга. Среди ее работ — иллюстрации к книгам Владимира Курбатова «Петербург» и Николая Анциферова «Душа Петербурга», акварель «Марсово поле», «Осень в Петрограде», гравюры «Петербург. Летний сад зимой», «Петербург. Ростральные колонны и биржа» и другие.

А здесь рассказываем о художниках, писавших в блокадном Ленинграде

Художница не покинула родной Ленинград даже во время блокады: «Писала часто в ванной комнате. Положу на умывальник чертежную доску, на нее поставлю чернильницу. Впереди на полочке — коптилка. Здесь глуше звучат удары, не так слышен свист летящих снарядов, легче собрать разбегающиеся мысли и направить их по должному пути». Работы этого периода — «Летний сад», «Ростральная колонна» и другие — были изданы и в виде почтовых открыток.

Автор: Лидия Утёмова

Цены на картины

Показать: Топ русских художниковТоп мировых художниковТоп ныне живущих художниковТоп мировых скульпторов

Топ 34

• 1. Альберто Джакометти$141,7 млн
• 2. Дэмиен Херст$100 млн
• 3. Константин Брынкуши$71 млн
• 4. Амедео Модильяни$70,7 млн
• 5. Джефф Кунс$58,4 млн
• 6. Неизвестный автор$57,2 млн
• 7. Анри Матисс$48,8 млн
• 8. Поль Гоген$30,96 млн
• 9. Генри Мур$30,1 млн
• 10. Виллем де Кунинг$29,28 млн
• 11. Пабло Пикассо$29,2 млн
• 12. Неизвестный автор$28,6 млн
• 13. Луиз Буржуа$28,16 млн
• 14. Адриан де врис$27,9 млн
• 15. Александр Колдер$25,9 млн
• 16. Неизвестный автор$23,826 млн
• 17. Дэвид Смит$23,816 млн
• 18. Ив Кляйн$22 млн
• 19. Огюст Роден$20,41 млн
• 20. Неизвестный автор$19,1 млн
• 21. Эдгар Дега$18,82 млн
• 22. Маурицио Каттелан$17,19 млн
• 23. Неизвестный автор$16,88 млн
• 24. Такаси Мураками$15,16 млн
• 25. Дональд Джадд$14,16 млн
• 26. Неизвестный автор$11,64 млн
• 27. Антонио Канова$11,5 млн
• 28. Брюс Науман$9,9 млн
• 29. Аристид Майоль$8,32 млн
• 30. Неизвестный автор$8,146 млн
• 31. Сай Туомбли$7,7 млн
• 32. Хулио Гонсалес$7,45 млн
• 33. Марино Марини$7,15 млн
• 34. Урс Фишер$6,8 млн

Десять самых востребованных казахстанских художников-классиков — Forbes Kazakhstan

ФОТО: pixabay.com

Прежде всего необходимо уточнить методику составления рейтинга. В учёт брались продажи произведений художников за последние три года в их количественном выражении, а не в денежном.

Необходимо понимать, что, к примеру, одна акварельная работа Абылхана Кастеева в стоимостном выражении может быть эквивалентна пятью работам Сахи Романова. Также надо учитывать, что все произведения художников являются уникальными и имеют индивидуальную стоимость, зависящую от множества факторов, таких как: время создания, сюжет, уровень исполнения… ну и размер, конечно, тоже. Именно поэтому все параметры являются приблизительными и могут колебаться в довольно значительных пределах.

Ещё один немаловажный фактор — это плодовитость художника и общее количество его творческого наследия, находящегося в частной собственности. Например работ Тельжанова и Калмыкова очень немного находится в частных руках, а вот Шарденова и Романова — в разы больше. В то же время показатели рейтинга дают представления о востребованности того или иного автора на арт-рынке Казахстана в течение последних трёх лет.

Первое место со значительным отрывом занимает самый, наверное, узнаваемый художник со своим живописным почерком Жанатай Шарденов.

Писавший в своей исключительной пастозной технике c широкими динамичными мазками, он наполнял стремительностью и лёгкостью всё, что наносил на холст. Зарубежные коллеги, увидев работы Шарденова, сравнивали его с Ван Гогом,  а его самого называли казахским Шарденом, сопоставляя с известным французским живописцем XVIII века Жан-Батистом Шарденом.

Первое признание к Жанатаю пришло благодаря приехавшему в Казахстан в 1962 американскому художнику Ронуэллу Кенту.  Далее, уже в Москве, Жанатая высоко оценил известный художник Мартирос Сарьян. Признание стало очевидным и очень долгожданным для Жанатая; наконец-то все не понимающие его манеру живописи вынуждены были вслед за мировым мастером увидеть в работах художника незаурядное и высокоталантливое мастерство.

Шарденов Жанатай, «50 оттенков серого дня». 1978 год. Холст, масло. 45х60 см

Эту картину можно сравнить с самой известной работой автора «Серебристые горы Алатау», которая хранится в музее Кастеева. Эта работа также написана в зрелом периоде творчества художника, овладевшего ярко выраженным чувством цвета, и, действительно, передаёт не менее 50 оттенков серого, от светлого, холодного, до тёмного и глубоко насыщенного. Цветовая палитра в сочетании с динамичностью мазка отражает авторский почерк мастера.

Следующим идёт основоположник казахстанской живописи Абылхан Кастеев, фамилия которого известна самой широкой аудитории.

Первый профессиональный художник-казах, несмотря на то что был учеником Николая Хлудова, по праву считается абсолютным самородком и мастером, упорно трудившимся с самых ранних лет и, вопреки всем трудностям, никогда не перестававший рисовать. Впервые рисунки Абылхана были замечены ещё до революции — в то время он работал дворником. В Кызылорде были готовы принять даровитого юношу на обучение, но у него не было денег на билет туда. Всю свою жизнь Кастеев жил в нужде, но продолжал путь первого художника страны, как будто чувствуя свою важную роль и ответственность.

Долгая несправедливость, несмотря на все регалии и звания народного художника, преследовала запредельно скромного Абылхана, но, несмотря ни на что, он продолжал учиться и совершенствоваться в живописи, вошёл в историю и показал пример сильного и несломленного борца за искусство.

Одна из основных особенностей реалистической живописи Кастеева заключается в его отношении к природе и в целом к миру: он настолько уважал и восхищался созданным творцом миром, что пытался старательно повторить ту красоту, которую видел, не решаясь вносить при этом свои личные коррективы.

Абылхан Кастеев, «Жайляу». 1963 год. Бумага, акварель

Спокойный пейзаж пастбища, кажется, ничем не может быть потревожен. Перед нами солнечный день из жизни казахского народа и его близости к природе.

Художник не расставляет акценты, а всё, что изображает, наделяет равными силами. Силу труда передаёт через доение кобылиц, важность семьи — через прогуливающегося отца с ребёнком, в то время пока мать готовит вкусный обед на огне, аромат которого проносится через весь сюжет. Могущество природы передают горы. Туман наполняет пейзаж тёплой дымкой. Создается атмосфера спокойствия и умиротворения.

На третьем месте с минимальным отставанием расположился художник кино и жизнелюбивый мастер лирико-эпических сюжетов Сахи Романов.

Будучи с самого раннего детства наполненным глубоким чувством любви к своей родной земле, Сахи преодолевает путь от ведущего художника казахской киноиндустрии до мастера, внесшего значительный вклад в национальное изобразительное искусство.

Непросто выделить наиболее важные принципы в творческом выражении художника. Работая над своим стилем, Сахи уделяет особое внимание не только изображаемым типажам, поиску цветовых ощущений, но и общему впечатлению от увиденного. Художник говорил, что для него важно «услышать цветовой звук земли, передать в цвете её запах».

Сахи Романов. «В юрте». 1970-е. Картон, гуашь. 80х100 см.

Задумчивый образ и поза изображаемого героя являются неким эмоциональным основанием, от которого исходит глубокая внутренняя мысль, невысказанная сдержанность. На втором плане показана семья, светлая, спокойная, тёплая. Все убранство юрты заключает в себе тесную связь с персонажами, создаёт единый колоритный орнамент из приглушённых мягких красок.

Четвёртое место принадлежит выдающемуся графику Евгению Сидоркину.

Так уж вышло, что самый «казахский» по своим работам художник был русским по происхождению. Конечно же, это было бы невозможно без любви, любви к красивой казашке Гульфайруз Исмаиловой. Благодаря ей он покинул Ленинград, где был на особом счёту по уровню своего таланта. Приехав на родину своей жены, он глубоко проникся необыкновенным колоритом, культурой, народом и обычаями.

Все работы Евгения отражают сильные чувства и уважение к новой для него культуре. Его графические фигуры с выразительными чёрными силуэтами и белыми линиями, твёрдые и пластичные одновременно, фактурны и композиционно смелы.

За свою серию литографических работ, написанных для книги «Читая Сакена Сейфулина», художник получил золото на выставке в Германии, где обошёл Пабло Пикассо и других известных авторов. Помимо графики он создавал грандиозные монументальные росписи и мозаичные фрески. На всех этапах своего творческого пути не отходил от выбранного им изображения национального эпоса и в целом всего, что заключает в себя культура Казахстана.

Евгений Сидоркин. «Семья», 1960 год. Автолитография, 61х95 см

Все пространство этой работы заполняет  семья, изображённая скульптурно точно. Семья, большая и сплочённая, устремлённо движется вперёд. Суровые и сосредоточенные лица взрослых контрастируют с беззаботностью детей. Использование лошадей символично и отсылает к кочевому образу жизни к постоянному движению, переменам.

Далее идёт новатор Салихитдин Айтбаев.

Лидер нового поколения художников 60-х годов, ученик Молдахмета Кенбаева, он cмело и беспощадно уходил от академической живописи, много экспериментировал в стилях, увлекался кубизмом и в целом постимпрессионизмом, нередко обращался к символам и знакам, создавая метафоричные картины.

Творческий почерк Айтбаева постоянно менялся и становился более выдержанным в цветах и формах. Но что оставалась неизменно, так это первостепенная мощь и сила человека, изображённого крупным планом и превосходящего не менее могущественную природу.  Большинство работ отличает плоскостность в сочетании с чёткостью фигур и смелой, яркой игрой цвета. Его масштабные, строгие и убедительные по силе мазки выдают пылкую и экспрессивную натуру,  без страха движущуюся к новым временам.

Салихитдин Айтбаев. «Отдых чабана». 1975 год. Холст, масло 54х74 см

На представленной колористически яркой и контрастной картине с выраженным буйством красок спокойно и безмятежно прилёг чабан: видно, что он не спит, а лишь сладко дремлет. Его лицо выражает счастливую улыбку, он нежно обнимает спящего малыша, словно боясь сменить позу и тем самым потревожить ребёнка. Вся картина настолько пропитана теплотой и уютом, что даже яркие, маскарадно контрастные цвета интерьера становятся мягкими и спокойными, и в этом снова и снова узнаётся Айтбаев со своей способностью наделять изображаемых людей сверхкачеством менять окружающую действительность под себя.

Чуть ниже разместился высокохудожественный Молдахмед Кенбаев.

Глядя на его картины, о художнике можно смело говорить как о человеке огромной силы духа, свободы и внутренней поэтической красоты — его даже называли «неистовый Молдахмед». Кенбаев сумел красоту своей любимой степи изобразить ещё более прекрасной и величественной, лошадей — ещё более свободными и лихими, а людей — цельными и бесконечно увлечёнными.

Его работы вызывают внутренний подъём духа. Даже писав в стиле соцреализма, Кенбаев умело дополнял изображение романтичностью и импрессионизмом. Именно изображение «силы мгновения» было важным для пылкого художника. В его работах всегда можно увидеть какое-то определённое действие, будь то разговор чабанов или сильный ветер, гнущий степные колосья. Всё у Кенбаева дышит, говорит и излучает радостный свет.

Молдахмед Кенбаев. «Кошмоделие». 1958 год. Картон, масло, 50х50 см

В центре сюжета художник изображает традиционный для казахских женщин труд, валяние шерсти. Изображает в своей манере, в ярком колоритном ключе. В окружении чистой первозданной природы на первый план выступает ручной труд человека. Мягкие плавные линии пропитывают полотно и наполняют энергией весны, цветущей травы, тёплого солнца и, возможно, зарождающегося чувства в образе девушки, которая смотрит вдаль на всадника.

Сразу за ним следует представительница прекрасного пола, первая професиональная художница-казашка Айша Галимбаева.

Сейчас трудно представить живописный фонд страны без Айши и её изящных, нежных натюрмортов, великолепных женских образов и тщательно прорисованных казахских национальных костюмов. Художница длительное время находилась в поиске своего стиля, экспериментировала, и в результате этого возникли колористически яркие, традиционно национальные, одушевлённые и просто прекрасные бытовые сюжеты, такие как цветы в вазе, вызывающе аппетитные бауырсаки, кумыс в традиционной посуде и другие предметы, которые вдруг становились чем-то значительным и живущим своей жизнью.

Также её излюбленной темой были женщины, через которых художница передавала идеалы гармонии и красоты.  А все картины отличает филигранное внимание к деталям, даже самым незначительным, но необходимым для создания законченного произведения.

Айша Галимбаева. «Вечность». 1980-е годы, холст, масло.

Смелая по композиции картина изображает фрагмент из жизни маленького человека в колыбельной, среди цветущих весенних тюльпанов, образующих некий символический круг. Название картины звучит философски и говорит о том, что человек вечен: вот он родился и спокойно спит, а тем временем круг, по которому он пойдёт, уже принял его в свой центр, из которого начинается движение в вечность.

Следующая строчка занята самым экстравагантным и загадочным Сергеем Калмыковым.

Последний художник русского авангарда и, как он себя сам называл, первый гений. В его гениальности сейчас уже ни у кого нет сомнения; собственно, и при жизни коллеги по цеху из Москвы, увидев его работы в 1950-х годах, признавали Сергея гениальным.

Калмыков легко играл со стилями, смешивая экспрессионизм с сюрреализмом, нередко использовал свой собственный фантастический стиль, который называл «Монстр» — в виде ломаных линий, аллегорических сюжетов, таинственных символов и знаков.

Его метафизическую живопись можно разгадывать бесконечно. При жизни художник был для всех великим чудаком, совершенно одиноким и отдавшим всего себя искусству. По разным подсчётам, художник оставил после себя около полутора тысяч работ и около десяти тысяч страниц рукописей.

Сергей Калмыков. «На острове Патмос». 1962 год. 67х57,5 см

На картине изображен овал, напоминающий изображение земли в географических атласах, только внутри овала мягкие расплывчатые линии и тёплые краски создают пейзаж острова Патмос, который находится на другой планете. Весь рисунок выполнен в одной цветовой гамме с пластичными контурами и тремя возвышенностями в центре, словно создающими выпирающие препятствия на пути к солнцу.

Девятую строчку нашего рейтинга занимает народный любимец и самый тенгрианский художник Аубакир Исмаилов.

Его смело можно назвать сыном земли, неба и гор — настолько, безгранично любя, он изображал свой родной край. Рождённый в бурную эпоху перемен, художник, обучаясь в Москве, встречался с такими мэтрами, как Мейерхольд, Станиславский, Эйзенштейн, и, несмотря на все возможности остаться в столице всех искусств, Исмаилов не смог забыть свою родную культуру с её широким раздольем земли, бескрайним небом, величавыми горами и всем тем, что навсегда запечатлелось в его душе. 

В пейзажах художника мы в первую очередь видим необычный ракурс, с которого писал Исмаилов: он словно отрывался от земли, поднимаясь до уровня облаков, чтобы с них уже запечатлеть те чудеса природы, которыми так восхищался.

Все его работы заключают в себе гармонию. Его акварели лёгкие, воздушные и живые. Его панорамные пейзажи величественны по своему облику, сочны по цветовому решению и фактурно глубоки по своей перспективе. Исмаилова можно назвать первым художником Казахстана, который уходил от реализма к романтизму, украшая увиденное цветовыми эффектами и необычным ракурсом.

Аубакир Исмаилов. «Бартогай». 1970-е. Холст, масло. 200х140 см

Грандиозно-панорамный пейзаж ранней осени проявляется в ярко-оранжевом окрасе деревьев и в целом всей красочности природы. Картина поражает своим простором, глубиной и вниманием к деталям: речная пена от порывистого течения, тщательно прорисованные камни, деревья, скалы, уносящие зрителя в окутанные лёгким туманом, величественные и недосягаемые голубовато-лиловые горы.

Завершает рейтинг талантливый и неповторимый мастер аналитического  искусства Павел Зальцман.

Художник, график, писатель. Рисовать начал в юные годы, иллюстрируя советские журналы. Обучаясь у мастера школы аналитического искусства Павла Филонова, навсегда сохранил его влияние на свое творчество.

Не имея профильного образования, Зальцман также учился живописи у своих, как он сам говорил, главных учителей — у Эрмитажа и Русского музея. Оказавшись в военное время в Алма-Ате, куда был эвакуирован с другими сотрудниками Ленфильма из блокадного Ленинграда, долгое время жил в привычной ему нужде и голоде. Далее работал художником Казахфильма и в свободное время писал работы, как говорится, для души: в аналитическо-фигуративной манере, крупным планом изображая лица. Лица как образы передачи смыслов, аллегорий, мыслей. Техника его художественного почерка уникальна: в графике это скрупулёзно выверенные точки и тонкие штрихи, в живописи — наложение друг на друга последовательных слоёв масляных красок.

Павел Зальцман. «Композиция с фигурами». 1950-е годы. Картон, масло, карандаш. 53х31см

На картине изображены манерные фигуры людей, полностью покрывающие полотно, в каком-то едином театральном действе. Разность этих людей очевидна и просматривается в одежде, выражении лиц, в устремлённых в разные стороны взглядах. Возможно, это изображение одного человека с его разными альтер эго. Благодаря тому, что работа не дописана, зрители могут увидеть, как рисунок из резких, графических линий при помощи нанесения мазков становился мягким и объёмным.

Изобразительное искусство в годы Великой Отечественной войны

Тема защиты Отечества – вечная в изобразительном искусстве и одна из наиболее почитаемых в российской художественной культуре. Освободительная борьба против фашизма вызвала в народе всплеск духовных и физических сил, превратилась в смысл и содержание жизни: во что бы то ни стало выстоять и победить! С этим чувством прошли через войну и деятели искусства – художники, музыканты, скульпторы, писатели. Свое служение Родине они видели в создании произведений, мобилизующих духовные силы общества. Как оказалось, художественные произведения стали могучим оружием и эффективным агитационным средством в великой битве протии фашизма.

На фронтах Великой Отечественной сражалось множество художников – профессионалов и начинающих авторов. Среди них было не мало добровольцев отправившихся на фронт в первые дни войны, причем, далеко не каждый из них выполнял свою боевую задачу с карандашом и бумагой в руках. Воевали в артиллерии, в танковых войсках, в партизанских и развед. подразделениях, но чаще всего – рядовыми пехоты. Вместе со всеми мерзли в окопах, ходили в атаку, в полной мере разделяли боль отступления и радость побед. За годы войны окрепло и выросло дарование многих художников. Они поэтому и смогли создать волнующие произведения, потому что сами находились в центре событий. Репортажный рисунок – фронтовые портреты, виды разрушенных городов. Эти работы представляют несомненную историческую ценность как подлинные документы той эпохи. В них органически сочетаются ощущения автора и объективная правда войны. Шестеро художников за боевые подвиги удостоены звания Героев Советского Союза. И все эти годы они не оставляли своей любимой профессии – рисовали, писали, лепили. Их творческим трудом была создана впечатляющая изобразительная летопись войны. В натурных рисунках и этюдах, сделанных в окопах, во время боев, в медсанбатах и госпиталях, в партизанских отрядах, в подразделениях пехоты, штурмовой авиации, разведки, в расположениях танковых войск и осажденных городах ими создана галерея сильных народных характеров. Сохранившиеся картины того периода, фронтовые рисунки и этюды – уникальные исторические свидетельства военного лихолетья.

И сегодня, с уверенностью можно говорить, что задачу — поддерживать в народе боевой дух, веру в победу и вдохновлять людей на подвиги, представители изобразительного искусства выполнили всесторонне.

Василий Васильевич Журавлёв

Василий Васильевич Журавлёв

Живописец, график, искусствовед, художественный критик

Московские зенитчики (1943г.)

Выдающийся художник и педагог В.В. Журавлёв в 1941-1945 гг. отметился циклом работ на военную тематику. Одна из самых примечательных из них – «Московские зенитчики».

Все элементы картины наполнены глубоким смыслом. Счетверённая зенитная пулемётная установка М4 обр. 1931 г. – далеко не самое надёжное средство ПВО в условиях Великой Отечественной войны, но мощи 4-х пулемётов «Максим» вполне достаточно, чтобы воспрепятствовать прицельному бомбометанию по мосту немецких штурмовиков в случае их прорыва к Москве. Наличие девушки в расчете орудия – очевидный признак того, что мужчин для службы в ПВО уже не хватает, всё больше их уходит на фронт и заменять их на боевых постах в тылу и у станков приходится женщинам. На заднем плане картины изображен Московский Кремль – его стены и башни давно стали скорее объектом духовного и культурного наследия – и теперь сами нуждаются в защите от фашистских варваров.

Петр Петрович Кончаловский

Петр Петрович Кончаловский

Советский художник, авангардист.

Лермонтов на Кавказе (1941-1943)

Поездка на Кавказ, предпринятая Кончаловским в 1927 году, вдохновила его на создание нескольких полотен, посвященных творчеству поэта: «Мцыри. Гроза», «С развалин Мцыри», «Казбек», «Пятигорск. Дом Лермонтова».

В 1941 году, перечитывая Лермонтова в бомбоубежище, Кончаловский задумал написать его портрет. По словам художника, темой картины стала первая ссылка Лермонтова: «После смерти Пушкина еще мало известный Лермонтов, потрясенный и разгневанный… пишет гениальные стихи “На смерть поэта”. Стихи на устах у всей России. Лермонтов, уже признанный поэт, едет в изгнание на Кавказ… «Образ Лермонтова я искал в портретах, написанных с натуры, в воспоминаниях современников и, наконец, в его поэзии. Лермонтов гордый и счастливый признанием, тоскующий по родине, почти юноша таков он должен быть на моей картине». В мастерской было холодно, и художник перенес полотно домой. Но и здесь писать приходилось в полушубке и перчатках, а во время бомбежек – спускаться в бомбоубежище. Так рождалась картина «Лермонтов на Кавказе», работа над которой продолжалась в течение нескольких лет. Впоследствии она хранилась в семье художника, а 2007 году через Россвязьохранкультуру потомки П.П. Кончаловского – А.С. Михалков-Кончаловский, Н.С. Михалков, О.Ю. Семенова и М.М. Баратова передали ее в дар Государственному Литературному музею.

Лентулов Аристарх Васильевич

Лентулов Аристарх Васильевич

Советский художник, авангардист.

Оборона Ленинграда

Выдающийся русский живописец и сценограф А.В. Лентулов изобразил на своей картине «Оборона Ленинграда» матросов Краснознамённого Балтийского флота, ведущих огонь из зенитных орудий. Фактически запертыми с началом войны в узкой акватории Финского залива, а потом и оттеснёнными на Кронштадтский рейд, морякам-балтийцам удалось сыграть огромную роль в обороне города на Неве от гитлеровских полчищ.

Нисский Георгий Григорьевич

Нисский Георгий Григорьевич

Советский живописец

«Бой над Баренцевым морем» (1942г.)

В годы Великой Отечественной войны Г.Г. Нисский оставался в Москве. Сотрудничал в «Окнах ТАСС».

Г.Г. Нисский – один из самых известных советских художников-маринистов. Для лучшего погружения в сюжет будущей картины ему не раз приходилось подниматься в небо на аэроплане, участвовать в походах на катерах, боевых кораблях и даже на подводных лодках.

Его картина «Над Баренцевым морем» полна торжествующей мстительности, с которой советский истребитель уничтожает орудие террора — фашистский бомбардировщик. Спасения фашистским лётчикам ждать негде — под ними холодные воды Баренцева моря.

Труды Г.Г. Нисского в 1941-1945 гг. нашли признание в награждении его медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.».

Юрий Иванович Пименов

Юрий Иванович Пименов

Живописец, график, театральный художник

Фронтовая дорога

Во время Великой Отечественной войны Пименов входил в рабочую группу художников «Окон ТАСС». Картина «Фронтовая дорога» (1944) – одна из многочисленных работ, созданных за год до окончания войны. В ней художник использовал тот творческий метод, который найден был им в середине 1930-х и о чем свидетельствует его картина «Новая Москва» (1937). Художник строит композицию таким образом, что зритель как бы внезапно въезжает на дорогу и перед ним открывается широкая панорама разграбленного и разрушенного в результате фашистского нашествия города. Вместе с девушкой-водителем и ее спутником он ощущает сопричастность к происходящему. Юрий Пименов умеет с необыкновенной зоркостью угадать душу времени, уловить его могучий пульс и романтическое начало.

Пластов Аркадий Александрович

Пластов Аркадий Александрович

Русский художник из семьи потомственных иконописцев

Фашист пролетел

«Фашист пролетел» — одна из самых знаковых картин времен Великой Отечественной войны. Зрителю кажется, будто «Мессершмитт» только-только пронесся над его головой и всего-навсего несколько секунд назад раздалась пулеметная очередь. Лишь случайно пули не задели зрителя, а сразили мальчонку уткнувшегося лицом в траву на косогоре…

Картина «Фашист пролетел» была написана А. Пластовым в 1942 г. в период Великой Отечественной войны. Работа выполнена маслом на холсте. Размер картины составляет 138 x 185 см. Картина находится в Государственной Третьяковской галерее.

Яковлев Василий Николаевич

Яковлев Василий Николаевич

Советский художник-живописец. Искусствовед, выдающийся реставратор.

Портрет генерал-майора И.В. Панфилова (1942г.)

Один из художников-классиков социалистического реализма В.Н. Яковлев в годы Великой Отечественной войны создал цикл работ, включавший в себя как портретную, так и жанровую живопись. Хотя даже портреты, выходившие из-под его кисти, поражают динамичностью и насыщенностью историческим контекстом. За виртуозное изображение героев войны В.Н. Яковлев неоднократно был удостоен высших правительственных премий, в т.ч. и Сталинской первой степени.

«Портрет генерал-майора И.В. Панфилова», выполненный уже после смерти военачальника, вселяет надежду в скорый разгром врага не только под Москвой, но и по всему фронту.

50 самых известных дизайнеров Graahic! (Новый рейтинг 2021 года)

В последние годы графический дизайн действительно превратился в отличный выбор для получения степени и профессии в колледже. Многие из нас сегодня распознают графический дизайн как создание новых стильных вывесок для местных магазинов, создание веб-сайтов и любые другие тысячи возможностей. Итак, где же нам искать пионеров в этой области?

Кто самый известный графический дизайнер?

---

Однажды ночью я просматривал картинки и другие разные предметы, оставленные моим покойным дедом.Известный как фотограф, я очень хотел найти его знаменитую камеру и узнать о ней побольше.

Когда я наконец нашел его среди картинок и письменной корреспонденции, я наконец увидел художественное оборудование моего деда, в котором он смотрел на мир.

Это было потрясающе.

Явно устаревшая камера казалась мечтой браузера антикварного магазина. Но что еще более важно, на нем был четкий красивый маленький логотип.

Это был синий круг, прорезанный тремя линиями.Мне было любопытно, поэтому я посмотрел. Это был логотип Minolta 1970-х и 1980-х годов, разработанный Солом Бассом.

Может быть, вы не знаете, кто такой Сол Басс, но я гарантирую, что вы видели бесчисленное количество знаковых изображений, которые он создал. Не верите мне? Смотрите это:

Это лишь часть того, что сделал Сол Басс. Это просто логотипы всемирно признанных брендов.

Он также был известен своими плакатами к фильмам. Он много работал с фильмами Стэнли Кубрика, создавая привлекательные, уникальные постеры и последовательности фильмов для таких фильмов, как «Психо», «Головокружение», «Вестсайдская история», «Это безумие», «Безумный», «Безумный», «Безумный мир» и других.

Саул хотел придать новый вид вступительным эпизодам в фильмах. Хотя его дизайн был уникальным и мог легко стоять самостоятельно, он считал, что добавление движения к произведению искусства имеет решающее значение и позволяет зрителям «подготовиться» к просмотру того фильма, который они смотрят.

В результате возникла большая творческая атмосфера перед этими культовыми фильмами. Посмотрите вступление в серию «Человек с золотой рукой » 1955 года, чтобы понять, что я имею в виду.

Как графические дизайнеры становятся известными?

---

Конечно, не каждый может за одну ночь подняться до уровня Сола Басса. Его работа представляла собой годы упорного труда и отличных сетей и связей. Но настоящий вопрос в том, как стать известным графическим дизайнером.

Так что, может быть, слава не твое дело, понятно. Но я больше говорю о том, чтобы быть достаточно известным художником, чтобы клиенты не теряли интереса к вашей работе.

Говорите с людьми

---

Раскрытие себя — отличный способ показать клиентам и миру дизайна, что вы доступны и являетесь идеальным кандидатом на эту работу.Оттачивание навыков собеседования, работа над портфолио работ и общение с людьми — все это помогает художнику-графику стать более известным нарицательным.

Это включает в себя нетворкинг и общение с некоторыми серьезными клиентами.

Расскажите о себе

---

Почитайте публикации, посвященные графическому дизайну. Вам понадобится отличная история, чтобы рассказать, или отличные произведения, которые нужно показать, так что приготовьтесь.

Хороший веб-сайт

---

Людям нравится отличный дизайн и пользовательский интерфейс, поэтому, чтобы добиться настоящего успеха, вам нужно дать посетителям почувствовать, в чем могут проявляться ваши творческие способности.Обрисовывайте в общих чертах формулировки миссии, демонстрируйте работу и многое другое, чтобы лучше рекламировать свои навыки.

Кто самый богатый графический дизайнер?

---

Это не так однозначно, поскольку дизайнеры и их дизайн сильно различаются. Мы могли бы сравнить чистую стоимость активов, она не основана на зарплате графического дизайнера и произведениях искусства и может относиться к их личной собственности, такой как дома и автомобили.

Однако, если бы мы отказались от этого и все равно проанализировали чистую стоимость активов, такие дизайнеры, как Чипп Кидд и Майкл Берут, имели бы впечатляющую чистую стоимость в 16 миллионов долларов и 1 доллар.4 миллиона соответственно.

50 самых известных графических дизайнеров и художников

Сол Басс

---

Я уже рассмотрел множество различных способов, которыми Сол Басс изменил мир дизайна за свою выдающуюся карьеру, но я считаю, что его влияние всегда следует признавать. Он изменил названия фильмов с неподвижных, скучных аспектов, которые просто отображали имена актеров, на живую часть фильма, привлекающую зрителя.

Чип Кидд

---

Возможно, вы знаете работы Кидда по широко известному проекту Парка Юрского периода.Первоначально Кидд разработал обложку книги, а в 1993 году она была перенесена на афиши фильмов.

Создал обложки для множества книг и известных авторов. Его работа включает в себя дизайны книг для Джеймса Эллроя, Харуки Мураками, Алана Мура, Дэвида Седариса и Брета Истона Эллиса среди других.

Он выступает с докладами и работает в известных журналах, таких как The New Yorker.

Роб Янофф

---

Янофф является создателем культового логотипа Apple, используемого компанией с момента ее основания в конце 1970-х годов.Несмотря ни на что, компания сохранила простой, но эффективный дизайн.

Решение добавить кусочек яблока было тем, что скрепило сделку в сознании Янова: оно придало ее индивидуальности. Он также был вдохновлен психоделическими и хиппи-аспектами при разработке логотипа Apple II.

Майкл Берут

---

Майкл Берут — отмеченный наградами дизайнер, который является партнером Pentagram с начала 1990-х годов. Его работы можно увидеть в Музее современного искусства (MoMA), Библиотеке Конгресса и Смитсоновском музее дизайна.

Он разработал логотип кампании Хиллари Клинтон, который включает букву «H» со стрелкой, направленной вперед.

Пол Рэнд

---

Рэнд — знаменитый разработчик корпоративных логотипов для таких компаний, как ABC, IBM, UPS и других.

Он был сторонником модернистского «швейцарского стиля», который развился в 1950-х годах в Германии, Швейцарии и России. Швейцарский стиль и влияние Rand на мир дизайна ощущается сегодня. Он несколько лет работал профессором графического дизайна в Йельском университете.

Кэролайн Дэвидсон

---

Прогуляйтесь в любом месте в течение 5 минут, и вы увидите работы Кэролайн Дэвидсон повсюду вокруг себя. Она является дизайнером невероятно культового логотипа Nike Swoosh, разработанного в начале 1970-х годов после того, как Blue Ribbon Sports сменила название на Nike.

Сам по себе Swoosh стоит 26 миллиардов долларов.

Линдон Лидер

---

Leader — уважаемый графический дизайнер, который придумал знаменитый логотип FedEx, а именно интегрировал тонкую стрелку между буквами «E» и «X».

Не поймал стрелку, пока не сказал это? В этом гениальность дизайна Lindon Leader.

Вместе с FedEx, Leader участвовал в проектировании отелей DoubleTree Hotels, CIGNA и консультировал Организационный комитет Олимпийских игр Лос-Анджелеса.

Макс Мидингер

---

Miedinger является создателем всеобъемлющего шрифта Helvetica. Созданный в 1957 году как Neue Haas Grotesk, Helvetica стал популярным шрифтом для огромного количества различных крупных брендов.

Helvetica была основным продуктом процесса разработки Apple в течение многих лет, а именно с момента появления iPhone в 2007 году.

Сьюзан Кэре

---

Сьюзен — дизайнер многих иконок, ставших известными в свое время компьютерами Mac. Она много работала со Стивом Джобсом на протяжении 1980-х годов над дизайном и в процессе создавала знаменитые иконки для macOS.

Susan Kaye — пионер шрифта Geneva, существенно переработанной версии Helvetica.

Милтон Глейзер

---

К большому разочарованию многих коренных жителей Нью-Йорка, мощный дизайн «I ❤ NY» Милтона Глейзера привлекателен как для приезжих, так и для любителей дизайна.Он был разработан в конце 1970-х годов для продвижения туризма в Нью-Йорке, который переживал тяжелые времена в финансовом отношении.

Он также работал в DC Comics.

Питер Сэвилл

---

Г-н Сэвилл — великий дизайнер, создавший обложки культовых альбомов, а именно обложек альбомов «Unknown Pleasures» Joy Division и «Power, Corruption & Lies» New Order. Последний — красиво унылый, по-прежнему похожий на разные цветы.

Он также разработал домашнюю футболку для английской футбольной команды в 2010 году.

Массимо Виньелли

---

« Если вы можете спроектировать что-то одно, вы можете спроектировать все». — это послание, которое передал Виньелли.

У него была знаменитая работа — карта метро Нью-Йорка 1972 года. Она основывалась на модернистских традициях дизайна и быстро стала основным продуктом художественного движения.

Наряду с картой, он работал над дизайном (интерьер, экология, корпоративный дизайн, мебель) на протяжении всей своей карьеры, которая длилась почти 60 лет.

Иван Чермайев

---

Иван Чермаев был основателем дизайнерской фирмы Chermayeff & Geismar & Haviv, которая на протяжении многих лет создавала множество знаковых дизайнов.

Логотипы PBS, Smithsonian, Showtime, National Geographic, NBC и Mobil — всего лишь несколько частей их вечной работы.

Джим Тирни

---

Тирни — художник обложек книг, в последнее время известный своей безупречной работой по редизайну серии книг «Дюна», написанной Фрэнком Гербертом.

В его портфолио также много переработанных и обновленных книг Стивена Кинга, Урсулы К. ЛеГуин, T.C. Бойля и некоторых классиков литературы. Его новейшее произведение — сборник первых романов Стивена Кинга: «Кэрри», «Лот Салема» и «Сияние». Это эксклюзив Barnes & Noble.

Паула Шер

---

Паула Шер, первая женщина-руководитель прославленной компании Pentagram из Нью-Йорка, занимается образованием и дизайном с начала 1970-х годов.

Она сыграла важную роль в обновлении многих аспектов Музея современного искусства (MoMa).Вместе с этим известным нью-йоркским учреждением она приложила руку к изменению аспектов Метрополитен-опера и логотипа Windows 8, который она превратила из флага в настоящее окно.

Джессика Уолш

---

Основательница Sagmeister & Walsh, Джессика Уолш сделала свой костяк в графическом дизайне благодаря творческим проектам, таким как «40 дней свиданий», «12 видов доброты» и «Ladies Wine and Design». Она преподает в Школе визуальных искусств (SVA) в Нью-Йорке.

Алан Флетчер

---

Британский дизайнер Алан Флетчер был известным дизайнером, тесно сотрудничавшим с Pentagram.

Он создал логотип V&A для Музея Виктории и Альберта в Англии и логотип IoD для Института директоров.

Газета Daily Telegraph описала его как «самого уважаемого графического дизайнера своего поколения и, вероятно, одного из самых плодовитых».

Дана Танамачи

---

Дана Танамачи — опытный художник, занимающийся в основном дизайном книг и изменением дизайна обложек для знаковых литературных произведений, таких как «Волшебник страны Оз», «Питер Пэн» и «Длинные чулки Пеппи».

Она специализируется на типографике и чрезвычайно внимательна к деталям, о чем свидетельствует ее превосходное книжное искусство в твердом переплете.

Алекс Центр

---

Ведущий дизайнер Coca-Cola, Alex Center провел рекламные кампании Vitamin Water, Smartwater и Powerade.

Он является основателем CENTER, дизайнерской фирмы из Бруклина. «В 2011 году Алекс был назван одним из 200 лучших дизайнеров упаковки по версии Luerzers Archive».

Шепард Фейри

---

Любой, кто участвовал в выборах 2008 года, видел культовую работу Шепарда Фейри.

Он отвечает за создание потрясающего портрета Барака Обамы с надписью «НАДЕЖДА» внизу. Этот образ стал объединением сторонников Обамы в 2008 году и сыграл большую роль в продвижении имиджа будущего президента.

Он также разработал кампанию наклеек «У Андре Великана есть отряд» / OBEY, которая с тех пор превратилась в огромный бренд одежды.

Джонатан Барнбрук

---

Этот мне дорог и близок. Джонатан Барнбрук был дизайнером альбомов Дэвида Боуи, а именно Heathen, The Next Day и Blackstar.

Он также разработал шрифт Exocet в начале 1990-х годов, который получил огромную известность в игре ужасов / приключенческих играх Diablo 1996 года.

Джордж Лоис

---

Лоис — икона дизайна, большую часть своего успеха он нашел в журнале Esquire в США.

В 1968 году он разработал долговечный и противоречивый образ Мухаммеда Али со связанными руками и пронзенными множеством стрел, названный «Страсти Мухаммеда Али». Это изображение сочетает в себе сильные стороны расы и религии, напоминая знаменитую картину христианского мученика Св.Себастьян.

Брэдбери Томпсон

---

Брэдбери Томпсон был великим дизайнером, который был известен прежде всего своей превосходной и новаторской работой в журналах. Его образы одновременно сюрреалистичны, популярны, традиционны и постмодернисты. Он призвал дизайнеров экспериментировать со всем.

Понятно, что он сам экспериментировал почти со всеми выполненными работами. Его попросили отредактировать тогда более новую версию Библии короля Иакова, используя шрифт Sabon.Его форматирование порвало с традиционным печатанием Библии и доказало, что эксперименты могут изменить мир.

Херб Любалин

---

Херб Любалин был известным типографом, который сыграл важную роль в создании семейства шрифтов Avant-Garde, ITC Avant-Garde.

Любалин так сказал о своей работе: «То, что я делаю, на самом деле не типографика, которую я считаю по сути механическим средством размещения символов на странице. Дизайн с буквами. Аарон Бернс назвал это типографикой, и, поскольку вам нужно давать имя вещам, чтобы сделать их запоминающимися, типографика — такое же хорошее название для того, что я делаю, как и любое другое.’”

Эрик Шпикерманн

---

Немецкий дизайнер Эрик Шпикерманн известен прежде всего разработкой знаменитого шрифта FF Meta, который был принят Немецкой почтовой службой Deutsche Bundespost.

Он также участвовал в разработке шрифта, используемого в Nokia, Nokia Sans и Fira Sans для Mozilla Firefox.

Он получил несколько наград, в том числе Зал славы European Design Awards и награду за выслугу от German Design Prize

.

Стефан Загмайстер

---

Работая вместе с Джессикой Уолш, Стефан Сагмайстер возродил уже состоявшуюся карьеру.Его работа с такими артистами, как Лу Рид над его альбомом Set the Twilight Reeling и Rolling Stones над их альбомом 1997 года «Bridges to Babylon», сделала Сагмайстера очень популярным артистом среди музыкантов.

Дэвид Карсон

---

Карсон сделал себя известным благодаря участию в журнале Ray Gun в качестве арт-директора.

Он укрепил свой грубоватый, подрывной художественный стиль, написав целое интервью с Брайаном Ферри из Roxy Music в «Дингбаты», шрифт, полностью состоящий из простых символов.Он подчеркивает, что не научился тому, что делает в школе, что он просто делал то, что хотел, что в конечном итоге очень ему помогло.

Невилл Броуди

---

Броуди был арт-директором английской газеты The Face с начала до середины 1980-х годов.

Наряду с этим он создавал обложки альбомов для таких музыкантов, как Depeche Mode, и имеет постоянную экспозицию в MoMA. Его стильные и вдохновленные панком работы действительно привлекают внимание зрителя.

Кейт Моросс

---

Известная тем, что не черпает идеи от существующих художников, арт-директор Studio Moross Кейт Моросс черпает вдохновение для своей работы через повседневные встречи с нормальными людьми.

Она участвовала в оформлении для One Direction, а именно в их гастрольных работах и ​​живых выступлениях. Подобные вещи сделали ее популярным товаром в британских дизайнерских кругах.

Алан Олдридж

---

Известный такими вещами, как второй альбом рок-группы The Who, A Quick One, Алан Олдридж был автором журнала The Sunday Times и внештатным сотрудником Penguin Publishing.

Те, кто смотрят на A Quick One, замечают культовый мультяшный цветочный стиль Олдриджа, который был глотком свежего воздуха для британской рок-группы.

Алексей Бродович

---

Бродович был ведущим арт-директором журнала Harper’s Bazaar с 1934 по 1958 год.

Он был основателем своей художественной студии L’Atelier A.B., в которой он создавал для клиентов такие произведения искусства, как реклама и книжные иллюстрации. Он пробовал создавать практически все: украшения, текстиль, плакаты, иллюстрации, фарфор и различные художественные изделия.

Ганс Хульсбош

---

Австралиец Ханс Хулсбош отвечает за бесчисленное количество дизайнов для некоторых из крупнейших брендов Австралии на рынке.

Он разработал культовый логотип Qantas Airways в виде кенгуру; метко названный «летающий кенгуру». Он также отвечает за работу с компаниями по разработке упаковки, такими как Kleenex, Huggies и Windex.

Его компания HULSBOSCH получила внушительное количество наград за свою прошлую и настоящую работу с такими компаниями, как Volvo, Woolworth’s и Royal Caribbean.

Ян Чихольд

---

Чихольд отвечает за создание окончательных текстов по шрифтам и художественному дизайну в своих книгах (Die Neue Typographie), которые быстро стали отраслевым стандартом на долгие годы.

В среднем возрасте он продолжил редизайн 500 различных обложек для книг для Penguin Publishing.

Джон Бургерман

---

Художник из Нью-Йорка Джон Бургерман приложил руку к дизайну для Nike, MTV, Pepsi и множества других известных брендов.

Считается «художником-каракули», его мультяшный стиль был показан в документальных фильмах, фресках и даже достиг кульминации в создании им поп-арт-группы Anxieteam.

Йозеф Мюллер-Брокманн

---

Йозеф Мюллер-Брокманн, олицетворяющий минималистский дизайн, был автором и дизайнером множества окончательных текстов по графическому дизайну.

Он был одержим «радикальным минимализмом»; пытается организовать вещи как можно лучше в соответствии с его замыслами.Его акцент на чистых и четких шрифтах и ​​геометрии до сих пор остается гладким и привлекательным, несмотря на то, что ему почти от 50 до 60 лет.

Эрик Карл

---

Всем, кто знаком с детскими книгами, знакомы работы Эрика Карла.

Карл был писателем и автором книги «Очень голодная гусеница», популярность которой принесла ей много первых мест в лучших детских книгах всех времен. Он использовался для пропаганды здорового питания, был одобрен бывшей первой леди Барбарой Буш за ее инициативу по обучению грамоте и переведен на 40 различных языков.

Дик Бруна

---

Дик Бруна — известный голландский дизайнер, который создал симпатичного кролика Миффи. Миффи фигурирует в бесчисленных книжках с картинками, автором которых является Бруна.

Вместе с Миффи Бруна оформила более 2000 каверов. Хотя он специализировался на детской литературе, он не был новичком в таких популярных фильмах, как «Святой» и «Джеймс Бонд».

Лейф Подгайский

---

Благодаря таким известным клиентам, как Virgin Records, Лейф Подхайски стал известным дизайнером обложек альбомов для различных групп.

Он отвечает за работу с известной психоделической группой Tame Impala над их двумя альбомами Innerspeaker и Lonerism, оба демонстрируют триповые фотографии, которые точно передают, что представляет собой группа.

Otl Aicher

---

Отл Айхер, один из соучредителей Ульмской школы дизайна в Германии, сыграл важную роль в создании плаката Летних Олимпийских игр 1972 года в Мюнхене.

Демонстрирует более минималистичный дизайн, плакат использует простой шрифт и привлекательную синюю цветовую схему для олимпийских колец.Возможно, он был спроектирован в 1972 году, но он вполне может сойти за следующие летние Олимпийские игры.

Поклонник брендинга, он разработал логотип Lufthansa в конце 1960-х годов.

Масару Кацуми

---

Кацуми, вдохновленный Отл Айхером, создал олимпийский плакат 1964 года, показанный для Игр в Токио, который, я считаю, все еще может быть лучшим дизайном для Олимпийских игр. Он прост и красиво представляет Японию, поскольку золотые олимпийские кольца располагаются под массивным красным солнцем, перекликаясь с национальным флагом Японии.

Наряду с плакатом он создал простые, но эффективные иконки для представления различных видов спорта на Олимпийских играх. Он также был искусствоведом.

Маргарет Калверт

---

Совершите поездку в любой день недели по Соединенному Королевству, и вы столкнетесь лицом к лицу с работой Магарета Калверта не менее десятка раз.

Она сотрудничала с другим художником Джоком Киннейром при создании многих дорожных знаков. Не ограничиваясь только дорожными знаками, она также сыграла важную роль в разработке знаков для авиаперевозок и железных дорог.

Сторм Торгерсон

---

Любой поклонник музыки наверняка узнает великую работу Шторма Торгерсона.

Он разработал потрясающую обложку для песни Pink Floyd «Темная сторона луны» с черным фоном и призмой, через которую проходит свет. Он постоянно работал над обложками альбомов Pink Floyd с 1960-х по 2011 год.

Вместе с Pink Floyd он много работал с большим количеством музыкальных исполнителей. Led Zeppelin, AC / DC, Genesis и Queen были лишь некоторыми из его знаменитых клиентов.

Тибор Кальман

---

Тибор Кальман начал свое восхождение к славе, будучи ведущим дизайнером того, что впоследствии станет известной сетью книжных магазинов Barnes & Noble.

Затем он стал главным редактором журнала Colours. Журнал использовал яркие изображения и привлекательный шрифт, чтобы донести идею мультикультурализма. В известном примере работы журнала королева Елизавета II и Папа изображены как меньшинства.

Джон Элвин

---

Поклонники кино сразу узнают работы Джона Элвина.

Он создал изображения, которые использовались в фильмах «Бегущий по лезвию», «Король Лев», «Новая канавка императора» и «Звездные войны».

Его прекрасные фотореалистичные навыки рисования добавили эпичности его афишам к фильмам. Современники утверждают, что его потрясающие работы способствовали росту популярности различных фильмов.

Винсент Коннар

---

Винсент Коннар, возможно, наиболее известен благодаря созданию шрифтов Comic Sans и Trebuchet. Он создавал системные шрифты как для HP, так и для Microsoft.

Он создал логотип Ministry of Sound и запустил Magpie OpenType, который сочетает в себе различные шрифты и гарнитуры.

Вим Краувел

---

Гарнитур и дизайнер шрифтов Вим Кроувель первоначально был генеральным секретарем Международного совета ассоциаций графического дизайна.

Его интерес к международному стилю позволил ему работать над такими вещами, как голландские марки, шрифт New Alphabet, и его работы были показаны на международном уровне.

Стэнли Донвуд

---

Поклонники альтернативной рок-группы знают творчество Стэнли Донвуда. Альбомы «Kid A» и «Amnesiac», за которые он получил премию «Грэмми».

Его акцент на трафаретной печати напоминает работы Жана-Мишеля Баския и Энди Уорхола, подчеркивая иногда беспорядочный и упрощенный дизайн.

Вольфганг Вайнгарт

---

Известный своим стилем новой волны, Вайнгарт считался «панком» за подрыв чистого и сурового минимализма. Он оказал влияние на студентов, которых обучал, достигнув высшей точки в «стиле Вайнгарта».

Его работы часто несколько хаотичны, с использованием множества оттенков серого и черного, но при этом напоминают стили ар-деко прошлых лет.

Адриан Фрутигер

---

Компания Frutiger считала ответственным за перевод типографики с основного шрифта на цифровой. Он разработал шрифты Président, Ondine и Méridien в 1950-х годах. Сделав шаг в сторону цифрового шрифта, он приложил руку к переписыванию вывесок для французского метро.

Апрель Грейман

---

Опираясь на такие влияния, как Вольфганг Вайнгарт, Эйприл Грейман была ответственна за представление стиля дизайна новой волны в Америке.

Она подчеркнула ошибки в оцифровке и добавила их в свое искусство, в то время как другие не решались перейти на оцифрованный дизайн. Ее работы выглядят так, будто Вольфганг Вайнгарт создавал острые, сумасшедшие, красочные, попсовые вещи в 1980-х и 1990-х годах.

10 известных графических дизайнеров, чья работа — искусство

Хотя корни деятельности, подобной графическому дизайну, уходят корнями в историю человечества, область, которую мы знаем сегодня, представляет собой довольно новый термин, впервые введенный Уильямом Аддисоном Двиггинсом в 1922 году.Под руководством известных графических дизайнеров отрасль с тех пор растет и меняется. На рубеже 20-го века дизайнеры из различных областей архитектуры, моды, графики и дизайна продукции искали новых форм выражения . Заботясь о технологических и промышленных достижениях, они исследовали потенциал абстрактного и упрощенного рисунка и дизайна, поскольку они искали новую эстетическую философию для решения меняющихся социальных, экономических и культурных условий.

Слева: Густав Климт Плакат Венского Сецессиона, через justcollecting.com / Справа: Плакат 13-й Венской выставки Сецессион, разработанный Коломаном Мозером, 1902, через britannica.com

Краткая история графического дизайна 20 века

Будучи первым продолжением плаката 1890-х годов, европейский плакат второго десятилетия столетия в значительной степени испытал влияние новых современных движений, таких как кубизм и конструктивизм. Стремясь к выразительным и символическим изображениям, но также заинтересовавшись общей визуальной организацией картинной плоскости, художники-графические дизайнеры создали диалог между коммуникативными образами и дизайном из , который генерировал энергию живописной графики.В годы, прошедшие после Первой мировой войны, изобразительное искусство перешло порог живописных образов в сторону изобретения чистой формы. Фрэнк Ллойд Райт , Glasgow group , Vienna Secession , Adolf Loos , Peter Behrens и другие графические дизайнеры, архитекторы и дизайнеры продукции начали оспаривать преобладающие представления о форме и функциях. Возникновение Баухауза привело к появлению эстетики современного дизайна и появлению некоторых из самых известных графических дизайнеров.

В годы после Второй мировой войны эстетика, которая доминировала в ландшафте графического дизайна, была International Typographic Style , также известный как Swiss Style . Его визуальный язык, разработанный в Швейцарии в 1950-х годах, отличался чистотой, удобочитаемостью и объективностью. Воплощены такими дизайнерами, как Эрнст Келлер , Армин Хофманн , Эмиль Рудер , Йозеф Мюллер-Брокманн , Макс Билл и Отл Айчер , отличительными чертами стиля были использование асимметричных макетов сетки, , шрифты без засечек, такие как Akzidenz Grotesk, левый край, неровный правый текст и предпочтение фотографии вместо иллюстраций.В эти послевоенные годы также возникла идея, что хороший дизайн означает хороший бизнес . Многие известные графические дизайнеры, такие как Frank Stanton или William Golden , начали создавать фирменный стиль для брендов, которые остаются сегодня. К концу 1960-х годов большинство крупных корпораций, а также Всемирные ярмарки и Олимпийские игры приняли системы дизайна. Во второй половине 20-го века дизайнеры начали вводить более личные образы и первыми использовали индивидуальные стили и техники.С наступлением цифровой эпохи эксперименты с компьютерной графикой позволили исследовать электронные техники, продвигаясь через современные и постмодернистские дизайнерские идеи, ретро-возрождения и эксцентричные работы, которые принесли период плюрализма и разнообразия дизайна.

Слева: Плакат музыканта Боба Дилана, дизайн Милтона Глейзера, 1967, через eitb.eus / Справа: Афиша Зимних Олимпийских игр в Гренобле, 1968, через cintagewuropeanposters.com

Известные графические дизайнеры

Графический дизайн создавался на протяжении веков отважных пионеров , которые исследовали новые формы выражения и визуальной коммуникации. Благодаря такому разнообразию стилей графического дизайна и различных школ мысли существует бесчисленное множество креативщиков, которые тем или иным образом внесли свой вклад в формирование отрасли.

Мы составили список известных графических дизайнеров, работающих в разных стилях, которые считались пионерами этой профессии, изменив представление о графическом дизайне в современном мире своими знаковыми работами.

Избранные изображения: Армин Хоффманн — Жизель, через jasonweinberger.com; Сеймур Чваст Дизайн, через seymorchwastarchive.com; Плакат из выпуска № 133 Ежеквартальный журнал «Есть ли смысл в дизайне», автор — Эйприл Грейман, сайт cultureofdesign.wordpress.com; Отл Айхер для Олимпийских игр (фрагмент), через pinterest.com; Милтон Глейзер для безумцев, через sethaddison.com

Сол Басс — создатель знаковых постеров к фильмам

Легенда в мире графического дизайна, Сол Басс наиболее известен своим дизайном постеров к фильмам, заголовков и корпоративных логотипов.За свою 40-летнюю карьеру Басс сотрудничал с некоторыми из величайших кинематографистов Голливуда , такими как Альфред Хичкок, Стэнли Кубрик, Отто Премингер, Билли Уайлдер и Мартин Скорсезе, что сделало его одним из самых известных графических дизайнеров эпохи. Среди его знаковых постеров к фильмам 1950-х годов и заголовков к фильмам — Psycho , The Man with the Golden Arm , North by Northwest и Spartacus и другие. Он также был очень успешен в качестве дизайнера логотипов , разработав множество неподвластных времени корпоративных логотипов в Северной Америке, таких как Kleenex, Girl Scout, Continental Airlines, United Airlines или AT&T.

Популярные изображения: Sual Bass, через knolaust.com; Слева: Сол Басс — Сияние, через pinterest.com / Справа: Сол Басс — Головокружение, через pinterest.com

Милтон Глейзер — воплощение американского дизайна

Один из самых известных графических дизайнеров США, Милтон Глейзер разработал множество плакатов, публикаций и даже создал архитектурные проекты на протяжении своей долгой карьеры. Являясь воплощением американского графического дизайна во второй половине этого века, Глейзер является создателем культового бренда I ♥ NY, логотипов Target и JetBlue, вступительной последовательности заголовков для Mad Men и дизайнов плакатов для музыканта Боба Дилана. .Glaser изменил то, что это значит, создав мощный, вневременной дизайн, подчеркнув , что «между видением и пониманием является критически важным». Чрезвычайно креативный и красноречивый, этот известный графический дизайнер привнес в свои уникальные работы глубину понимания и концептуальное мышление в сочетании с разнообразным богатством визуального языка .

Обязательно посмотрите работы Милтона Глейзера на нашей торговой площадке!

Featured image: Milton Glaser, via villageprint.com; Слева: Плакат Безумца, через edpacheco16.wordpres.com / Справа: Плакат Махалии Джексон, 1967, через speckyboy.com; Я люблю Нью-Йорк, через eyeondesign.com

Алан Флетчер — отец британского графического дизайна

Разработав энергичный, остроумный и очень личный визуальный стиль, Алан Флетчер является одной из самых влиятельных фигур в британском графическом дизайне. Слияние церебральной европейской традиции с зарождающейся поп-культурой Северной Америки в формулировке его особого подхода сделало его пионером независимого графического дизайна в Великобритании в конце 1950-х и 1960-х.Благодаря выразительной типографике, ярким цветам и четкому визуальному языку, Флетчер изменил представление о дизайне, позиционировав его как как ключевой элемент бизнеса . Среди его самых известных клиентов — Pirelli, Cunard, Penguin Books и Olivetti.

Избранные изображения: Алан Флетчер, через phaidon.com; Слева: Алан Флетчер — Вечеринки, 1986, через bluefunkrainbows.com / Справа: Адам Флетчер из Pirelli, через pinterest.com

Армин Хофманн — Легенда швейцарского дизайна

Легенда швейцарского графического дизайна Армин Хофманн известен своим неизмеримым влиянием на поколения дизайнеров.Знаменитый учитель Базельской школы искусств и ремесел Allgemeine Gewerbeschule, его методы обучения были неортодоксальными и разнообразными. Его неподвластная времени эстетика характеризовалась мощью и элегантностью, простотой и ясностью . Этот известный графический дизайнер постоянно подчеркивал, что дизайна должно иметь контекст и значение , что делает его работы образцом эффективного, вневременного и продуманного дизайна. Опираясь на фундаментальные элементы графической формы — точки, линии и формы , Хофманн создал огромное количество работ — книги, выставки, декорации, логотипы, символы, типографику, плакаты, системы знаков и экологическую графику.

Избранные изображения: Армин Хоффман, через swissdesignawards com; Слева: Армин Хоффман — Equus, 1963, через pinterest.com / Справа: Армин Хоффман — Жизель, через pinterest.com

Сеймур Чваст — Сочетание дизайна и иллюстрации

Мастер исторических стилей и движений, графический дизайнер Сеймур Чваст известен своим разнообразным творчеством и длительным влиянием на американскую визуальную культуру. Основав Push Pin Studios с Милтоном Глейзером и Эдвардом Сорелом, он инициировал переход от сентиментального реализма к комическому экспрессионизму .Создавая современный дизайн и иллюстрацию, он разработал выразительный и культовый стиль, в котором в игровой форме объединил обе дисциплины . Разрабатывая новый и уникальный подход к дизайну, он создал эклектичное произведение журналов, плакатов, рекламных объявлений, обложек для книг, обложек для пластинок, упаковок продуктов и детских книг. Его методы без извинений уходят корнями в декоративных традиций винтажного стиля , но его работы всегда синтезируют, изобретают заново и часто пародируют прошлое.

Избранные изображения: Сеймур Чваст Ральфа Васкеса, через ralph-vasquez.com; Слева: Сеймур Чваст, журнал Push Pin Graphic 67. Your Body and You, 1977, через design-is-fine.org / Справа: Сеймур Чваст, через manishtama.com

Эйприл Грейман — пионер дизайна цифровых коммуникаций

В 80-е годы идея интеграции компьютера в конструкторскую практику многих пугала. Апрель Грейман был одним из немногих провидцев, осознавших огромный потенциал этой новой среды.Она зарекомендовала себя как пионером дизайна цифровых коммуникаций , вдохновляя и поощряя принятие и использование технологий в графическом дизайне и искусстве. Любопытная и увлеченная всем цифровым, она исследовала и вдохновила на передовую дизайнерскую работу , которая ставит ее у руля интегрированного дизайна в конце двадцатого века. Мыслитель и художник, ее трансмедийные проекты, инновационные идеи и проекты, а также гибридный подход сделали ее работы влиятельными во всем мире за последние 30 лет.

Избранные изображения: Эйприл Грейман, через graphis.com; Слева: Эйприл Грейман Дизайн, через pinterest.com / Справа: Олимпийский плакат Эйприл Грейман, через qbn.com

Питер Сэвилл — Создатель культовых обложек для пластинок

С момента своей первой работы для Factory Records в конце 1970-х годов Питер Сэвилл стал ключевой фигурой в графическом дизайне и стилевой культуре. Знаменитый дизайнер пластинок и дизайнер обложек альбомов , Сэвилл помог установить новый стандарт, по которому должны были оцениваться обложки альбомов.Обладая смелым, выразительным и элегантным стилем, он обладал замечательной способностью распознавать образы, олицетворяющие момент. Его работа включала культовую обложку Unknown Pleasures Joy Division, а также работу с New Order, Roxy Music, Fleetwood Mac, Suede, Pulp и многими другими известными именами в музыке. Созданные им дизайны были настолько убедительными , что вызвали такой же эмоциональный отклик, как и музыка на этих альбомах.

Избранные изображения: Питер Сэвилл, via anwarmontasir.com; Слева: Питер Сэвилл для Joy Divison (Unknown Pleasures), через creativeapplications.net / Справа: Питер Сэвилл из New Order (Power, Corruption & Lies), через whatdesigncando.com

Отл Айхер — Создатель системы публичных вывесок

Немецкий графический дизайнер и типограф, Отл Айхер , наиболее известен своими работами на летних Олимпийских играх 1972 года. Он создал потрясающую визуальную идентичность, смело используя пиктограммы, яркую палитру, разработанную на основе цветов баварской сельской местности и строгой системы координат.Соучредитель легендарной Ulm School of Design в Германии, его работа с пятидесятых годов прошлого века представляет — главное достижение в визуальной коммуникации нашего времени. Он также известен созданием влиятельной системы общественных указателей , в которой использовалась простая графика в виде фигурок, которая оказала большое влияние на графический дизайн.

Избранные изображения: Отл Айхер, через stuartshieldgardendesign.wordpress.com; Слева: Отл Айхер на Олимпийских играх 1972 года, через matthewwilliams.wordpress.com / Справа: Отл Айчер на Олимпийских играх 1972 года, через matthewwilliams.wordpress.com

Йозеф Мюллер-Брокманн — Разработка сетевой системы

Легендарный швейцарский дизайнер Йозеф Мюллер-Брокманн находился под влиянием идей нескольких различных дизайнерских и художественных течений, включая конструктивизм, де-стиль, супрематизм и Баухаус. Уловив суть швейцарского дизайна , его работы характеризуются геометрическими формами, чистыми шрифтами без засечек и яркими цветами.Среди его самых решающих работ была работа, сделанная для ратуши Цюриха в качестве афиши ее театральной постановки. Он сыграл основополагающую роль в разработке и использовании сеточной системы в графическом дизайне, инструмента, который широко используется современными графическими дизайнерами.

Избранные изображения: Йозеф Мюллер-Брокманн, через coroflot.com; Слева: Дизайн Йозефа Мюллера-Брокманна, с сайта knowngraphicdesigners.org / Справа: Дизайн Йозефа Мюллер-Брокманна, с сайта wordsandeggs.wordpress.com

Эрик Ницше — Работа в чисто модернистской эстетике

Эрик Ницше оставил безошибочный след в мире дизайна за свою 60-летнюю карьеру. Побывав практически во всех аспектах индустрии дизайна, он работал арт-директором, дизайнером книг, иллюстратором, типографом, графическим дизайнером, фотографом, рекламодателем и дизайнером упаковки. Его работы характеризуются ярко выраженной модернистской эстетикой , и Ласло Мохоли-Надь назвал его «парнем, который делает Баухауз в Нью-Йорке» .Его работа включала продвижение и рекламные кампании для множества различных клиентов, включая универмаги, художественные фильмы, звукозаписывающие компании и Управление транзита Нью-Йорка. Его уникальный визуальный язык оказал большое влияние на молодое поколение дизайнеров в Америке середины 20 века.

Избранные изображения: Эрик Нитше, через adcglobal.com; Постеры Эрика Нитше, через quadraforce.com

10 известных графических дизайнеров, которыми мы хотим стать, когда вырастем

Хорошие художники занимают деньги; великие художники воруют.

У кого воруют?

Графический дизайн существует только с 1950-х годов, но с момента его рождения люди по-настоящему усложнили искусство того, что, казалось бы, просто объединяет типографику и графику. Некоторые дизайнеры — последователи.

Но последователям нужны лидеры.

Гиганты в мире графического дизайна — это те, кто пошел на риск, проявил новаторский подход и повлиял на то, как мы видим вещи.

Миллионы людей называют себя графическими дизайнерами, но некоторые из них действительно оставили свой след на метафорической луне индустрии.

Пол Рэнд (1914 — 1996)

Мы перечислили Рэнда первым, потому что он не только влиятельный человек в области графического дизайна, но и считается его отцом .

Источник: Справочник предпринимателя

В 1947 году Рэнд опубликовал свою книгу под названием « Мысли о дизайне », в которой содержались теории и убеждения, которые сформировали все будущее графического дизайна. Одним из его главных пунктов была идеология, согласно которой графический дизайн должен быть «функционально-эстетическим совершенством».Он считал, что баланс между красотой и практичностью должен соблюдаться для того, чтобы что-то выглядело хорошо, но эффективно передавало сообщение.

Рэнд преподавал графический дизайн в Йельском университете и разработал логотипы IBM и ABC. Он также был пионером движения графического дизайна в швейцарском стиле, которое фокусируется на чистоте, удобочитаемости и визуальной иерархии.

Источник: Print Magazine

В целом, Рэнд — дизайнер, который отделил графический дизайн от изобразительного искусства, подчеркнув важность доступности наряду с эстетикой.

Рут Ансель (1938 -)

Ансель — американский графический дизайнер, которая стала одним из двух арт-директоров Harper’s Bazaar и первой женщиной-арт-директором The New York Times Magazine , House & Garden , Vanity Fair и Vogue все за одну жизнь. Более 40 лет Ансель работал с художниками, фотографами и иллюстраторами. Возможно, вы слышали о некоторых из них: Энди Уорхол или Энни Лейбовиц звонят в колокольчик?

Источник: Культура дизайна

Она также занималась рекламными кампаниями для Karl Lagerfeld, Versace и Club Monaco.

Другими словами, она легенда.

Обладая таким большим опытом, можно было подумать, что она опубликовала бы несколько общих рекомендаций о том, как другие могут пойти по ее стопам. Ближе всего к этому мы пришли из ее интервью с AIGA, в котором она обсуждает четыре правила, которым она всегда следует при разработке макетов журналов: провоцировать, информировать, развлекать и вдохновлять.

Источник: Базар

Милтон Глейзер (1929 -)

Этот парень не нуждается в представлении.

Источник: fineprintart

Глейзер разработал один из самых узнаваемых логотипов на задней части такси (см. Выше). Он основал New York Magazine. Его искусство было показано в музее Жоржа Помпиду в Париже и Музее современного искусства. Он является первым графическим дизайнером, получившим Национальную медаль искусств от правительства США — высшую награду для художников и меценатов. Глейзер преподает в Школе визуальных искусств более полувека.

Неудивительно, что он — одно из самых громких имен в отрасли.

Кейт Моросс (1986 -)

Моросс — лондонский дизайнер-график, арт-директор. Хотя вышеупомянутые источники вдохновения существовали некоторое время, Моросс сделал себе имя, когда ему было всего 26 лет. Теперь, когда ему 33 года, отмеченный наградами Моросс имеет список клиентов, включая такие имена, как Nike, Vogue и Ray Ban.

Источник: Кейт Моросс

Моросс использовал почти неразборчивую типографику и жирный цвет, чтобы занять свое место в мире графического дизайна.В 2012 году Моросс основал собственную студию — Studio Moross.

Моросс наверняка будет чем-то занят. В то время как студия фокусируется на брендинге и коммерческих проектах, они также работают над музыкальными клипами, сольными шоу и посещают лекции в качестве приглашенных докладчиков по теме, которую они слишком хорошо знают: как заявить о себе на соревнованиях. мир, которым стал дизайн.

Сол Басс (1920 — 1996)

Басс был одним из тех людей, которые имели возможность, воспользовались ею и использовали ее до конца своей карьеры.Когда его попросили разработать плакат для фильма « Кармен Джонс, » 1954 года, дизайн был настолько впечатляющим, что режиссеры попросили его разработать и титры фильма. Это был конец жизни Басса как рекламодателя и начало его жизни как графического дизайнера.

Источник: Википедия

Басс проявил себя как дизайнер в Голливуде, применив кинетическую типографику в названиях фильмов и заключительных титрах. Кинетическая типографика — это процесс анимации текста для выражения идей.Он использовал эту технику во множестве фильмов, включая Головокружение, Психо, и Сияние.

Источник: Сол Басс

Если вам этого мало, то дизайнер, который представил кинетическую типографику Голливуду, — это тот же дизайнер, который создал логотипы для Kleenex, Girl Scout, чашек Dixie и Quaker Oats. Хотя некоторые из этих дизайнов прошли эволюцию логотипа, они остаются привязанными к своим корням Bass.

Источник: NF Logos

Чип Кидд (1964 -)

Кидд — автор, редактор и графический дизайнер, наиболее известный своим дизайном обложек книг.Начиная с издательства Knopf, с 1986 года он оформляет около 75 обложек книг в год.

Источник: UCLA

Кидд по-прежнему работает в Knopf, а также является арт-директором Random House и курирует дизайн обложек комиксов для Pantheon. Он создан для Донны Тартт, Дина Кунца и Дэвида Седариса. Невролог и писатель Оливер Сакс даже имеет пункт в своем контракте, согласно которому Кидд должен быть эксклюзивным дизайнером обложек своих книг.

Хотя он говорит, что в значительной степени против того, что обложка — это то, что продает книгу, он считает, что визуальное представление необходимо.И Кидд определенно справляется.

Источник: Cool Art Blog

Кэролайн Дэвидсон (1943 -)

Дэвидсон — создатель одного из самых знаковых логотипов всех времен: галочки Nike.

Источник: Awkward Media

Ее история классическая: один из основателей Nike, Фил Найт, обратился к Дэвидсону, тогда еще студенту графического дизайна, с просьбой разработать логотип для обуви, который «имел какое-то отношение к движению».

Дэвидсон представил пять драфтов, Найт выбрал один, и Дэвидсон получил 35 долларов.За бесценный логотип.

Источник: 99Designs

К счастью, история на этом не заканчивается (хотя многим нравится ее заканчивать).

Когда Nike стала публичной в 1983 году, Найт передал Дэвидсону до 500 акций вместе с изготовленным на заказ шоколадом Nike Swoosh и золотым кольцом Swoosh. Дэвидсон ушел на пенсию в 2000 году, но этой истории никогда не будет. Это напоминание женщинам, работающим в творческой сфере, о том, что нельзя недооценивать себя, верить в себя и просить того, чего они заслуживают.

Алекс Трошут (1981 -)

Еще одно свежее лицо в мире графического дизайна, уроженец Барселоны Алекс Трушут многообещающий.

Источник: Алекс Трошут

Типографика состоит из двух элементов: изображения , , которое создают символы, и слова , , которое они пишут. Для Трошута изображение стоит на первом месте, и он черпает вдохновение в уличной культуре, моде и поп-культуре.

Источник: Алекс Трошут

Список клиентов

Trochut впечатляет: Coca Cola, Nike, MasterCard, Audi, Adobe, Washington Post, The Rolling Stones, Vampire Weekend, MAC, The Oscars, Apple и этот список можно продолжить.

Вам не нужно следить за его работой — для начала это довольно привлекательно.

Мораг Майерскоу (1963 -)

Более 30 лет Myerscough демонстрирует искусство, которое больше, чем жизнь. Ее работа заключается в графическом дизайне окружающей среды: ориентировании и всплывающих окнах, которые делают пространство захватывающим, красочным и ошеломляющим. Ее главная цель — создавать места, которые вызывают у людей чувство принадлежности.

Источник: Тим Коул

Myerscough владеет Studio Myerscough — одной из превосходных студий Великобритании, специализирующихся на графическом дизайне окружающей среды: школ, выставок, офисов и ориентированных проектов, которые в основном трехмерны.

Источник: Designboom

Studio Myerscough состоит из Майерскоу и двух помощников, но работа, которую она производит, похоже, потребует не менее 50 человек.

Макс Мидинджер (1910-1980)

Помните тот швейцарский стиль, о котором мы говорили при Поле Рэнде? Мидингер принимал в этом участие как швейцарский дизайнер шрифтов.

Источник: Hypocrite Design

Швейцарский шрифт лишает персонажей всех украшений и делает их максимально минималистичными.Он создал Neue Haas Grotesk в 1957 году. Не знаком? В 1960 году он был переименован в Helvetica .

Один из самых известных шрифтов в мире, вклад Miedinger в швейцарский дизайн неоценим для создания механизма.

Источник: История графического дизайна

Следуйте по их стопам

Как выглядят эти шаги? Никто не знает. Каждый из этих креативных графических дизайнеров идет в такт своему собственному барабану, и каждый создает что-то уникальное, впечатляющее, вдохновляющее и красивое.Для некоторых рисковать — опасный шаг. Для других это ключ к успеху.

Мы все время говорим «графический дизайн» — что такое графический дизайн?

12 известных векторных художников и их невероятные портреты

Обновлено в июне 2018 г .: Vector — это мощный метод создания красивых цифровых произведений искусства и графики, и неудивительно, почему многие профессиональные художники предпочитают такие инструменты, как Adobe Illustrator. Есть чрезвычайно талантливые известные векторные художники с умопомрачительными портфолио, и мы собираемся осветить некоторые из них только для вас.Независимо от того, являетесь ли вы начинающим художником или просто цените искусство, этих удивительных портфолио обязательно дадут вам необходимое вдохновение. .

Итак, приступим.

1. Юкио Миямото

Мы даже не можем начать говорить о векторных художниках, не упомянув мастера инструмента градиентной сетки Юкио Миямото. Благодаря такой высокой точности и вниманию к деталям, он создает настолько реалистичные изображения, что вы чувствуете, что можете прикоснуться к ним через монитор.Глядя на произведение искусства Миямото, любой мог принять его за что-то, созданное в 3D-программе, не осознавая, что это 2D-иллюзия . Фактически, художник использует для своих проектов только Adobe Illustrator с момента создания программы.

2. Том Уэлен

Опытный дизайнер и иллюстратор с поразительно впечатляющим портфолио, Том Уэлен с детства увлекался комиксами и плакатом. Его любовь к Marvel и DC Universe вдохновила его объединить слова, дизайн и изображение в единое целое .Художник считает, что изучение множества дисциплин, от изобразительного искусства и дизайна до скульптуры, может способствовать развитию творческих способностей в различных областях. И все же его самая предпочтительная платформа — вектор из-за ее гибкости в рабочем процессе и легкости редактирования. Том Уэлен также делится, что ему нравится простая техника настройки градиентов в режим умножения, поскольку они делают изображение более живым.

3. Себ Нирак1

Себастьян Феро, более известный как NIARK1, — французский художник-фрилансер, иллюстратор и дизайнер.С 2010 года он провел множество выставок и публикаций и работал с множеством международных клиентов в области рекламы, моды и уличной одежды. Независимо от того, создает ли он свои работы на бумаге карандашом и акрилом или в цифровом виде с помощью Adobe Photoshop и Illustrator, его изображения всегда приносят ту типичную навязчивую атмосферу . Стиль Feraut — это уникальная смесь мультфильма и темного фэнтези, построенная из темных теней, простых форм и безграничного воображения.

4.Сэм Веркцлер

Самуэль Веркцлер — известный арт-дизайнер и иллюстратор из Бразилии. Он получил высшее образование в Сан-Паулу, а также в отделе рекламы и маркетинга в Нью-Йорке. Он до совершенства сочетает свои художественные навыки со своими знаниями в области рекламы. Его проекты яркие, часто сюрреалистические , всегда привлекающие внимание и уникальные своим потоком. Художник также работал над многими фильмами и проектами короткометражных фильмов в качестве концепт-дизайнера.

5.Мэтью Скифф

Знаменитый векторный художник Мэтью Скифф называет «рисование глупых вещей» своим главным личным интересом, что может означать только две вещи: он рисует потрясающие вещи и при этом получает удовольствие. На его работы повлияла ностальгия по поп-культуре 80-х , и это легко увидеть по ярким неоновым цветам и чрезмерной задирам его персонажей. Скифф регулярно делает иллюстрации для лент и футболок в векторе, и они выглядят потрясающе.Он считает, что лучшее в работе иллюстратора — это свобода и умение воплощать самые безумные и дурацкие идеи. Чего еще вы ожидали от талантливого ребенка 80-х, которого вырастили лучшие мультфильмы, фильмы ужасов и музыка всех времен?

6. Криштиану Сикейра

Другой известный векторный художник из Бразилии, Криштиану Сикейра, имеет впечатляющее портфолио, в котором представлены важные проекты, над которыми он работал в течение своей успешной карьеры.Хотя его опыт основан на традиционных медиа, художник не может отрицать своей любви к векторной графике во всей ее красе. Он всегда ищет идеальные линии и цветовые схемы , и ему нравится, что вектор дает ему полный контроль над обоими. Сикейра утверждает, что у него нет хобби, но с такими грандиозными артистическими навыками, кому нужно другое хобби?

7. Кристофер Ли

Кристофер Ли — тот ребенок, который вырос в 80-х и начале 90-х годов со всеми обязательными субботними утренними мультфильмами и во второй половине дня Диснея и с тех пор оставался свежим. Многопрофильный дизайнер и иллюстратор в душе огромный компьютерщик и гордится этим , что легко увидеть в его удивительном портфолио. Ему нравится гибкость векторной графики, и он решительно предпочитает использовать эффекты, а не фильтры. Ли работал с множеством замечательных клиентов и агентств, но ему особенно нравится работа над подарочными картами для Target и его проекта с Nike ACG.

8. Крис Ливенс

Еще один замечательный известный вектор-художник, которого просто невозможно пропустить, — это Крис Ливенс.Он создает большую часть своего искусства от начала до конца в Adobe Illustrator, и результаты фантастические. Его завидное знание цветов и восхищение красотой природы через призму сюрреализма привело к созданию причудливых, творческих произведений искусства, которыми он славится. Искривленные пейзажи, уникальные монстры, внимание к деталям и удивительные цветовые схемы — лишь малая часть изображений с богатым сюжетом , которые все так любят. Ливенс использует собственные кисти для создания текстур в Illustrator, и один из его любимых приемов — установка 100% черной кисти в режим тонирования.Таким образом, кисть может легко использовать любой цвет для мазка и привести к отличным результатам. Он сравнивает использование векторных программ с игрой на музыкальном инструменте, и мы все можем согласиться с тем, что в его ярких образах нет недостатка в виртуозной точности.

9. Чарльз Вильямс

Чарльз Уильямс, выросший в Манчестере, Англия, работает над множеством обложек журналов, рекламными кампаниями и дизайном брендов, некоторые из которых мы все когда-то видели. Его геометрический стиль легко узнаваем и выделяется изометрическими сетками и трехмерной эстетикой. Подход Уильямса к дизайну многодисциплинарен, поскольку он придерживается некоторых художественных тенденций, но искажает правила с глаз художника в свободный стиль. На его образ мышления, который проецируется в его произведения искусства, повлияла расширяющая кругозор электронная музыка, которую он так любит.

10. Grzegorz Domaradzki

Еще одно известное имя в отрасли, Гжегож Домарадски (Габз) известен своими великолепными афишами фильмов и работал с клиентами, среди которых мы видим такие имена, как Ubisoft, Marvel, Paramount и Warner Bros.Габс начал свой путь с личного проекта под названием Vector Movie Posters, в котором он делал потрясающие постеры своих самых любимых фильмов. Этот проект принес ему признание крупных компаний, и с тех пор он стал внештатным сотрудником. Его впечатляющие работы демонстрируют его умение создавать как абстрактные, так и реалистичные формы в сочетании с различными элементами и цифровыми объектами в удивительных композициях и цветах.

11. Джонатан Болл

Джонатан Болл известен своими милыми и причудливыми персонажами, вдохновленными поп-культурой и японскими иллюстрациями .У художника впечатляющее резюме с такими именами клиентов, как Sony PlayStation и BBC, а также он фигурировал в многочисленных популярных британских журналах. Интересным фактом о его работах является то, что он создает их больше как коллаж из разных изображений, чем как однородную иллюстрацию.

12. Джонни Ван

Джонни Ван — иллюстратор из Великобритании с уникальным стилем симметрии, композиции форм и текстур . Он черпает вдохновение в искусстве древних культур, а его техника постоянно меняется и развивается.

Векторные программы действительно могут быть мощным инструментом в цифровом искусстве. В конце концов, между художником и пустой артборд нет ничего, кроме их собственного воображения и вдохновения. К счастью, это относится и ко всему, что вы делаете в повседневной жизни — ничто не может помешать вам добиться отличных результатов, если вы приложите к задаче свое сердце и воображение. Вам нужно только выбрать правильные инструменты.

Вас также могут заинтересовать эти статьи:

17 цифровых художников, о которых вам нужно знать

Вдохновляйтесь лучшими цифровыми художниками в июле этого года! Будь то День портфолио в Твиттере или ваш любимый форум, сейчас больше, чем когда-либо, мест, где можно продемонстрировать свои работы.Мы присоединяемся к вечеринке с нашим регулярным обзором самых популярных портфолио любительского и профессионального искусства. Хотите вдохновиться? Затем прокрутите вниз. Ищете нового художника для работы над проектом? Тогда посмотрите.

Следующие художники доказывают, что ничто не является запретным для скромного планшета и приличного программного обеспечения. Не пропустите наши учебные пособия по технике рисования и обзор лучших приложений для рисования для iPad, чтобы улучшить свои навыки цифрового и базового искусства.

Самые вдохновляющие цифровые художники в июле 2021 года

01.Мэнди Юргенс

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение (Изображение предоставлено: Мэнди Юргенс)

Мэнди Юргенс очарована тем, как цвет и текстура могут влиять на наши эмоции: «Я стремлюсь создать немного волшебства с помощью портреты людей, как реальных, так и вымышленных », — говорит она.

В своих рисунках, созданных в Photoshop и Procreate, Юргенс ищет повод использовать некоторые из своих любимых цветов и тонов, включая желтый и фиолетовый. Она играет глазами зрителя. , акцентируя внимание на том, как материалы отражают солнечный свет в ее картинах.

В своей картине, названной просто «Этюд» (вверху), Юргенс демонстрирует свои технические способности при рисовании кружева. Сказал: «Я сосредоточился здесь на изучении текстур — как упростить кружево и тени, которые они будут отбрасывать на лицо, без прорисовки каждой детали».

02. Ирина Френч

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение (Изображение предоставлено Ириной Френч)

Художник-фрилансер Ирина Френч постоянно развивает свои навыки. «Однажды я надеюсь создать иллюстрации к настольной игре.«Она вдохновлена ​​D&D и всем, что связано с фэнтези.

03. Геральдо Ортега

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение (Изображение предоставлено: Геральдо Ортега)

Геральдо Ортега — иллюстратор, графический дизайнер и музыкант. Чилийский художник использует Photoshop, Procreate и Clip Studio Paint для создания своих произведений искусства. С юных лет он рисовал традиционными средствами, но теперь работает и в цифровом формате. «Меня вдохновляют фантазии и я стараюсь создавать небольшие истории», — говорит он.

«Я создал этого воина, способного разжечь огонь одним движением своего меча, для моего личного портфолио», — говорит Ортега о своей картине «Повелитель огня» (вверху). Сочетание дождя и огня — приятное впечатление. способ выделить конфликт, изображенный на картине.

04. Рэйчел Уолпол

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение (Изображение предоставлено Рэйчел Уолпол)

«У меня была страсть к искусству. «с детства», — говорит художник и иллюстратор Рэйчел Уолпол.«Я устремляюсь к огромным парящим необитаемым островам, ангелам с сомнительным количеством крыльев и существам больше, чем страна».

05. Jeszika Le Vye

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Jeszika Le Vye описывает себя как «живописца-реалиста», сочетающего любовь к классическому реализму со страстью к науке. фантастика и фэнтези. Ее цифровые изображения исследуют темы психологии и философии. «В своем искусстве я исследую то, что придает вещи ее сущность, ее душу», — объясняет она.

Вышеупомянутая картина показалась Ле Вье почти полностью реализованной в ее сознании, и она начала работать над ней, прежде чем планировать концепцию или повествование. «Когда я рисовала это, пронзительные глаза мальчика все время напоминали Питера Пэна», — говорит она. «Я представил этого нестареющего ребенка, живущего вдали от реальности в своем собственном мире, в компании чудес природы и собственной тени».

06. Дэн Волберт

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение (Изображение предоставлено Дэном Волбертом)

В качестве ведущего художника Cooperativa Creativa Дэн Волберт стремился достичь гармонии цветов и формы с тех пор, как он вошел в отрасль.«Это захватывающая поездка», — восклицает он.

В произведении «Драконья скала» есть и другие древние монстры. Он говорит: «Это кусок неиспользованного маркетингового арта для настольной игры Viking, который был проиллюстрирован в Photoshop».

07. Баррет Фраймир

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение (Изображение предоставлено Барретом Фраймиром)

Баррет Фраймир — внештатный иллюстратор и концепт-художник, который работает над инди-видеоиграми и комиссиями по фэнтези-арту. . На базе в США он в основном использует Photoshop для создания своих работ.Он не позволял, чтобы то, что он рос на ферме, где был самогонный интернет, мешало ему творить.

Художник находит вдохновение повсюду вокруг себя, часто используя жену в качестве ориентира или включая ее в свое искусство. Но для картины Тайд’р (см. Выше) он черпает вдохновение из более общего источника, который отдает дань уважения одному из великих деятелей фэнтези-искусства: «Этот персонаж — всего лишь я, пытаясь наилучшим образом подражать убийственным формам и теням Фразетты. ”

08. Дэвид Виллегас

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Дэвид Виллегас, более известный под псевдонимом Деив Кальвиз, — художник цифровых концептов из Филиппин.Он специализируется на гиперреалистичных стилизованных иллюстрациях.

Виллегас сначала изучал мультимедийное искусство с акцентом на графический дизайн, но решил заняться иллюстрацией более серьезно после того, как занял второе место в конкурсе Blizzard Entertainment. Конечный план Виллегаса — создать свои собственные миры и истории.

Dragon Watchers (вверху) был вдохновлен Dark Souls и Game of Thrones и сочетает в себе 3D, фотобашу и много рисования. «Я действительно подтолкнул себя к этому — для меня это был редкий шанс сделать что-то личное на таком уровне деталей», — говорит он.

09. Лим Чуан Шин

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Лим Чуан Шин теперь успешный внештатный иллюстратор и концепт-художник. Он регулярно создает обложки и концепции для фантастических и научно-фантастических книг. художественные работы для игровых компаний. Однако, когда он рос в Малайзии в 90-е, искусство изначально не было для него вариантом карьеры. Проработав несколько лет фармацевтическим представителем, он решил сделать решительный шаг и преследовать свои мечты о цифровом искусстве. «Это был тяжелый бой, но оно того стоило», — говорит он.

Mech Bay (вверху) был создан с использованием интересных силуэтов в плоском черном цвете. Шин изменил тон фигур, чтобы создать иллюзию глубины резкости.

10. Малгожата Кмец

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Малгожата Кмец — художник-фрилансер из Берлина, специализирующийся на стилизованных и красочных портретах. Она считает, что любой, кто считает, что магии не существует, никогда не слышал об искусстве, и стремится вложить немного магии во все свои работы.

«Меня часто вдохновляют времена года и природа, и эта картина — дань уважения ранней весне», — говорит она о Spring Spirit (вверху). «Я хотел окружить своего персонажа теплыми цветами, отражающими дух сезона».

11. Алин Спиллер

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Алин Спиллер — концепт-художник и иллюстратор, специализирующийся на искусстве окружающей среды. Он проработал в индустрии цифрового искусства более шести лет, за это время он работал с такими клиентами, как Cryptozoic Entertainment и Fantasy Flight Games.

Он черпал вдохновение в северном сиянии при создании цветовой схемы для своей картины «Северное царство» (вверху). «Небесные фонари были добавлены поздно — я думаю, они создают хороший контраст теплых и холодных цветов», — говорит он.

12. Dang My Linh

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение

Данг Ми Линь — вьетнамский концепт-художник из США. В последнее время она совершенствует свой портретный стиль. «Я сосредотачиваюсь на наблюдении за людьми вокруг меня, за тем, как свет падает на их лица и меняет цвет», — говорит она.

Она нарисовала две фигуры наверху одновременно, чтобы создать серию портретов. «Мне очень хотелось использовать новый стиль, отличный от того, что я делала раньше», — говорит она.

13. Финниан МакМанус

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Исследования Финниана МакМануса, среди прочего, архитектуры, истории, искусства, дизайна и научной фантастики, влияют на его работу и он работал над многими топовыми фильмами, включая римейк «Короля льва».

Его советы по работе концепт-художником в киноиндустрии? «Неважно, насколько вы квалифицированы, будьте скромны в своей работе, всегда хорошо реагируйте на критику, учитесь у окружающих и щедро помогайте другим. Ваше отношение будет иметь большое значение в этой небольшой отрасли, где вы регулярно воссоединяетесь. с прошлыми коллегами «.

14. Алайна Даннер

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Алайна Даннер (ранее Алайна Леммер) — цифровой художник из Сиэтла, штат Вашингтон, которая в основном занимается видеоиграми и настольными играми. и CCG.

«Я больше всего люблю рисовать окружающую среду», — говорит она. «Я тоже люблю рисовать людей и персонажей, но есть что-то в рисовании тонких облаков и гор. Мне повезло, что я живу в районе Сиэтла, который окружен великолепными горами и Пьюджет-Саунд, так что вдохновение вокруг мне.»

15. Саймон Коуэлл

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение

Нет, не то. Родом из Сиднея, Австралия, Саймон Коуэлл впервые исследовал фэнтези-арт в оригинальном редакторе мира Half-Life.С тех пор он возился с 3D и традиционным искусством, а теперь работает концепт-художником-фрилансером.

«С раннего возраста я был очарован творчеством. По мере того, как я рос, я экспериментировал со многими средствами творчества, от скульптуры и рисования до цифровой анимации и графического дизайна», — говорит Коуэлл.

«Я давно хотел создать монстра в лесном стиле», — говорит он о Swamp Thing (выше). «Я вообразил что-то, возможно созданное из леса и листвы и скрепленное магией.»

16. Рикардо Оу

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение.

Начав свою карьеру в качестве 3D-художника, Рикардо Оу позже сосредоточился на иллюстрации.« Это идеальное сочетание программного обеспечения. и артистизм », — рассказывает он. В настоящее время он живет в Ванкувере, Канада, и работал над видеоиграми AAA, мобильными играми, концепт-артом, дизайном футболок и иллюстрациями для публикаций настольных игр.

Картина Оу Дрейка (вверху) — это История дракона «Давид против Голиафа».«Чтобы оживить ситуацию и предложить масштаб, я решил включить в игру всадника-человека. Я представил мир, в котором люди приручили меньший вид драконов, чтобы иметь шанс противостоять более крупным и грозным драконам», — объясняет он.

17. Том Кросс

Щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы увидеть полноразмерное изображение (Изображение предоставлено Томом Кроссом)

Ранее художник крупной команды Формулы-1 Том Кросс решил повесить свой аэрограф в погоня за своей настоящей страстью; феи, гоблины, болотные монстры и гигантские инопланетные роботы!

Картина «Спрайт» (вверху), концепция фантастического лесного существа была вдохновлена ​​его любовью к существам реального мира.«Мне нравится идея о существе, которое может сливаться с окружающим миром. Через несколько мгновений после того, как эта картина была завершена, он стал зеленым, чтобы соответствовать листве ».

Расскажите о своем искусстве!

Эти художники появились в разделе FXPosé журнала ImagineFX; подписывайтесь на ImagineFX.

Хотите узнать, как можно разместить свою работу в таком журнале, как ImagineFX? Прочтите наши идеи о том, как разместить вашу работу в ведущем журнале отрасли.

Подробнее:

15 влиятельных движений в области искусства и дизайна, о которых вы должны знать

Искусство и дизайн: быстрые ссылки

Как дизайнер, вдохновение может прийти откуда угодно.Но иногда влияния, взгляды и подходы сходятся, чтобы сформировать связное движение, которое оказывает влияние на весь мир.

На протяжении веков существовали сотни направлений в искусстве и дизайне разного масштаба и значения — одни были сосредоточены на стиле или подходе определенного коллектива художников в определенном месте, другие охватывали множество творческих дисциплин и были гораздо более органичными в терминах. интерпретации.

Произошли ли они 150 лет назад или 30 лет назад, влияние многих из них ощущается и сегодня — возможно, вы даже почувствовали их влияние, даже не подозревая об этом.Эти вещи часто движутся циклично, особенно с учетом современной тенденции ретро-эстетики. Так что небольшое знание истории искусства имеет большое значение.

Есть определенные направления в искусстве и дизайне, с которыми креативщики должны быть знакомы. Читайте наше исчерпывающее руководство по 15 наиболее влиятельным направлениям в искусстве и дизайне 20-го века.

Мы расположили их в хронологическом порядке: примеры на страницах 2 и 3 наиболее актуальны для графических дизайнеров, а примеры на этой странице и странице 2 могут вдохновить больше художников и иллюстраторов.Используйте меню быстрых ссылок, чтобы перейти прямо к разделу, который вы хотите изучить первым, или прокрутите, чтобы прочитать их по порядку.

Щелкните значок в правом верхнем углу изображения, чтобы увеличить его.

01. Импрессионизм и постимпрессионизм

Закат на реке в Лавакур, зимний эффект (1882 г.) демонстрирует талант Клода Моне в улавливании света и цвета

Импрессионизм, зародившийся в основном во Франции в конце 19 века, был изящным искусством. движение, в котором небольшая группа художников избегала традиционного тогда акцента на историческом или мифологическом предмете в пользу изображения визуальной реальности, особенно преходящей природы света, цвета и текстуры.

Семь художников были ядром этого чрезвычайно влиятельного движения: Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Арман Гийомен и Фредерик Базиль — и работали и выставлялись вместе.

Импрессионисты отказались от установившейся палитры приглушенных зеленых, коричневых и серых тонов для своих пейзажей в пользу более яркой и выразительной цветовой гаммы в попытке изобразить такие условия, как пятнистый солнечный свет и отражения на ряби на воде.

Вместо серого и черного для теней они использовали целый ряд дополнительных цветов — и объекты изображались мазками краски, а не четкими контурами.

Икона постимпрессионистского стиля: Натюрморт, кувшин и фрукты Поля Сезанна (1894)

Постимпрессионизм охватил многие принципы своего предшественника, но при этом отверг некоторые его ограничения. Такие художники, как Поль Сезанн, Жорж Сёра, Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек, использовали столь же чистые, блестящие цветовые палитры и выразительные короткие мазки кисти, но также стремились поднять работу до чего-то менее преходящего и экспериментального.

Вместо постоянно меняющихся условий естественного света и его влияния на цвет, Сезанн и другие постимпрессионисты больше сосредоточились на твердых, постоянных объектах с натюрмортами, такими как Кувшин и фрукты Сезанна и Подсолнухи Ван Гога — символизирует движение.

02. Искусство и ремесла

Знаменитые обои Уильяма Морриса Strawberry Thief — прекрасный пример эстетики декоративно-прикладного искусства

Как реакция на рост массового производства (и соответствующий упадок ремесленного мастерства) во время промышленной революции, Во второй половине XIX века в Европе возродился интерес к декоративному искусству, что также известно как движение искусств и ремесел.

В авангарде этого нового движения стоял реформатор, поэт и дизайнер Уильям Моррис, который в 1860-х годах сформировал коллектив сотрудников, чтобы попытаться возродить ремесленное искусство средневекового периода. Они производили красивые изделия из металла, украшения, обои, текстиль и книги.

К 1875 году этот коллектив стал известен как Morris and Company, а к 1880-м годам отношение и методы, которые они применяли, вдохновили целое новое поколение дизайнеров, и родилось движение искусств и ремесел.

Хотя многие критиковали практичность таких замысловатых изделий ручной работы в современном индустриальном мире, влияние этого движения сохраняется и по сей день.

03. Модерн

Деталь из Дома для любителей искусства в Глазго, спроектированного Чарльзом Ренни Макинтошем в 1901 году, но построенного только в 1990-х.

Следуя за движением искусств и ремесел, модерн был преимущественно орнаментальным движением в как в Европе, так и в США. Одной из отличительных черт этого стиля является использование органических асимметричных линий вместо сплошных однородных форм, применяемых в архитектуре, интерьерах и украшениях, а также в плакатах и ​​иллюстрациях.

Сложные изделия из железа, витражи, керамика и орнаментальная кирпичная кладка были использованы выразительно, при этом линии произвольной формы преобладали над любыми изобразительными элементами в дизайне, которые часто были вдохновлены нежными формами, встречающимися в природе, такими как стебли цветов, виноградные лозы, лианы, усики и крылья насекомых.

Шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош был ведущим представителем движения ар-нуво, а также чешский художник-график Альфонс Муха и культовый испанский архитектор и скульптор Антонио Гауди, чей величественный опус, барселонский собор Святого Семейства, был известен строительство более 130 лет.

Это поразительное произведение искусства в стиле ар-нуво Альфонса Мухи было использовано для рекламы полиграфической фирмы F. Champenois.

Потрясающие произведения искусства Мухи, многие из которых были коммерческими заказами для рекламных клиентов, сочетают плавные органические линии и естественные мотивы стиля ар-нуво с чувственными портреты женщин.

В то время как декоративный стиль вышел из моды после 1910 года, он возродился в 1960-х годах благодаря серии крупных выставок в Лондоне, Париже и Нью-Йорке, которые ретроспективно помогли поднять статус стиля, который когда-то считался преходящей модой. международного движения, оказавшего влияние на моду, музыкальный дизайн и рекламу.

04. Кубизм

Работа Пабло Пикассо 1907 года «Авиньонские девицы», возможно, является самым известным примером кубизма

Два художника сыграли важную роль в основании кубизма: Пабло Пикассо и Жорж Брак. В отличие от выразительных попыток запечатлеть природные условия в импрессионизме и постимпрессионизме, кубизм был о плоских, двухмерных, искаженных объектах — жертвуя точной перспективой в пользу сюрреалистической фрагментации.

Название произошло от пренебрежительного замечания искусствоведа Луи Вокселля, который описал работу Брака 1908 года «Дома в L’Estaque» как «состоящую из кубиков».Но именно «Авиньонские девицы» Пикассо, написанные в прошлом году, привели в движение колеса, изображая пять обнаженных женщин в виде ломаных угловатых форм.

Пока Брак и Пикассо продолжали исследовать, как абстрактные формы могут быть использованы для определения знакомых объектов, период 1910-1912 годов часто называют аналитическим кубизмом. Преобладала отличительная палитра коричневого, коричневого, серого, кремового, зеленого и синего цветов, а общие предметы включали музыкальные инструменты, бутылки, газеты и человеческое тело.

После 1912 года это эволюционировало в синтетический кубизм, где множество форм объединяются во все более красочных произведениях искусства, в которых для исследования текстуры использовались техники коллажа. Визуальный язык, определенный Браком и Пикассо, позже был принят многими другими художниками, а также оказал влияние на скульпторов и архитекторов, таких как Ле Корбюзье.

05. Футуризм

Картина Умберто Боччони «Смех» (1911), изображающая ощущения, возникающие при наблюдении за современной жизнью, широко считается его первой поистине футуристической работой.

Основанный в Италии в начале 20 века, футуризм попытался уловить темп, жизненную силу и беспокойство современной жизни через очень выразительные произведения искусства, прославившие войну, фашизм и машинный век.Позже эстетический стиль распространился по Европе, особенно в России.

Движение было официально объявлено в 1909 году, когда парижская газета Le Figaro опубликовала манифест итальянского поэта Филиппо Томмазо Маринетти, который придумал этот термин для описания того, как его работы отмечают социальный прогресс и культурные инновации.

Передовые технологии, такие как автомобиль, были поставлены на пьедестал, в то время как традиционные ценности — и такие исторические учреждения, как музеи и библиотеки — были агрессивно отвергнуты.

«Bombardamento Aereo» Туллио Крали (1932) — это поздняя футуристическая работа, воспевающая скорость и механику воздушной войны.

Два ведущих сторонника футуризма, Умберто Боччони и Антонио Сант’Элия, были убиты в бою в 1916 году. Тем не менее, эстетика продолжит выражаться в современной архитектуре, поскольку видение механизированных городов, определяемых высокими небоскребами, стало реальностью, в то время как такие художники, как Туллио Крали, сохранили стиль до 1930-х годов.

Следующая страница: Движения в искусстве и дизайне середины 20 века

11 вдохновляющих тенденций графического дизайна на 2021 год

Самое замечательное в тенденциях графического дизайна — это то, что каждый год приходит с возможностью для перезагрузки.А учитывая сложную форму 2020 года, тенденции дизайна 2021 года могут предложить нам самый большой глоток свежего воздуха.

В то время как прошлые тенденции были обусловлены обещанием нового десятилетия, заимствованным из научной фантастики и футуристических технологий, тенденции графического дизайна 2021 года ставят людей на первое место. Мы выбрали мнения нашего глобального сообщества графических дизайнеров, и их прогнозы — от классической символики до элементов природы и аналоговой живописи — сигнализируют о тенденциях, основанных на настоящем моменте.

Графический дизайн — это превращение равнины в нечто особенное. Итак, давайте посмотрим, как дизайнеры 2021 года влияют на траекторию этого десятилетия.

11 тенденций графического дизайна, которые будут иметь огромное значение в 2021 году:

1. Абстрактная психоделия
2. Возрождение символа
3. Ретро футуризм
4. Бесшовные сюрреализм
5. Аутентичное представление
6. Непочтительные персонажи
7. Комиксы и поп-арт
8. Инфузия изобразительного искусства
9. Стихии природы
10. Размытие и зернистость
11. Социально ориентированный дизайн

1.Абстрактная психоделия

—

Психоделия уходит корнями в музыкальную и художественную жизнь 60-х годов. Это связано с галлюциногенами и творческими экспериментами на фоне социальных потрясений: короче говоря, с открытием ума. В отличие от того времени и настоящего, он, кажется, соответствует времени: хаотические образы психоделии, способствующие свободе, ощущение, что дизайнеры больше не связаны традиционными ограничениями.

В 2021 году графические дизайнеры возродят психоделию с помощью чрезмерного количества цветов и сильно замысловатых абстракций, которые сделают М.У самого К. Эшера кружилась голова. Это проекты, которые живут своей собственной жизнью, как по их взрывному расположению, так и по своей сложности — до такой степени, что никакие два взгляда не кажутся совершенно одинаковыми.

Автор: Элиза Осмо,

Я был очень взволнован, когда клиент из Берлина попросил меня сделать гигантскую психоделическую фреску. Я полностью чувствовал себя Элизой в Стране чудес, бродящей по ночным улицам, творящей искусство при неоновых огнях.

Хотя искаженные формы и запутанные образы могут иметь значение, симметрия может сделать даже самые сложные из этих композиций стабильными.Как будто эта новая психоделия подсказывает, что есть способы оставаться на земле даже в самых нелепых обстоятельствах.

2. Возрождение символа

—

В дизайне важны мелочи. Цветные полосы на развевающемся флаге могут объединить нацию, а такая простая форма, как красный восьмиугольник, может спасти жизни на оживленном перекрестке.

Исторически такие символы были универсальными. Независимо от того, идет ли это в форме предупреждения или выявления причины с помощью общей иконографии, сила классических символов заключается в их способности выходить за рамки языка.В 2021 году дизайнеры воспользуются этой возможностью, чтобы создать вдохновляющие символы устойчивости, роста и расширения прав и возможностей.

Автор Yokaona

Они делают это, творчески используя узнаваемые символы власти, такие как богини, звезды и стоические львы. Мы также видим, как дизайнеры модернизируют классические визуальные мотивы, такие как средневековый герб Элизы Осмо или обрамление витражей svart ink. С помощью классических символов дизайнеры создают талисманы, которые нам понадобятся, чтобы отогнать отчаяние в наступающем году.

Автор: svart ink

Мне нравится выражать себя с помощью символов. Идея Celestial Soaps заключалась в том, чтобы отразить существование натуральных ингредиентов с помощью символов, как если бы потребитель ощущал присутствие небесного объекта.

Автор Thio ™

3. Ретро футуризм

—

Ретро-футуризм, фантастическая мечта ушедшей эпохи, привлекает впечатляющими способами, которыми прошлое ошибалось. К настоящему времени у нас должны были появиться летающие машины, лучевые пушки и роботы-горничные.Вместо этого у нас есть Roombas.

Но на протяжении веков ретро-футуризм как визуальный стиль преобладал благодаря его смелому воображению с удивительно оптимистичным взглядом — по крайней мере, в большей степени, чем наши нынешние видения гибели в таких шоу, как Black Mirror . Ретро-футуристы верили в человеческий прогресс до такой степени, что даже страшные зеленые марсиане на летающих тарелках не смогли бы сравниться с нашей научной изобретательностью.

Для этой работы мне нужно было представить классную и сильную женщину в солнечных очках с отражением футуристического города.Потом я вспомнил Тома Круза! Почему? Из-за его солнцезащитных очков в «Top Gun». Когда я нашел его главную леди Келли МакГиллис с ее ретро-взглядом, курткой и вьющимися волосами, я нашел вдохновение для своих работ.

Стилистически этот оптимизм находит свое выражение в акценте на яркие цвета, компьютерную типографику и изгибы — от космических шлемов-аквариумов до арок и куполов. Вместо того, чтобы возвращать нас в идеализированное прошлое, ретро-футуризм 2021 года обещает вернуть нас в старые добрые времена, которые еще не наступили.

Автор: Сергей Поливаный через Dribbble

4. Бесшовный сюрреализм

—

«Сюрреализм» — один из тех художественных терминов, которые люди склонны ассоциировать с непостижимым, бессмысленными по замыслу образами. Но люди часто забывают, что в нем есть слово «реализм». Реальное переплетается с сюрреалистическим, и ни разу это не ощущалось сильнее, чем в 2020 году, когда пандемии плохой фантастики стали нашим образом жизни.

Автор _Ossobüko_

Мне нравится вырывать персонажей или объекты из контекста, чтобы дать им новые атрибуты, которые помогают передать то, чего хочет клиент.

Графические дизайнеры выражают эту тревогу с помощью сюрреалистических коллажей, в которых изображения, которые были бы нормальными по отдельности, при объединении становятся странными. Человек с яблочной головой может быть обычным от шеи вниз, а бассейн на заднем дворе может вместить целый горный хребет.

Иллюзия бесшовная, что затрудняет отделение одного изображения от другого. Эффект состоит в том, чтобы приветствовать странное безразлично, принимать невозможные комбинации как одно целое.Как высоко концептуальный подход, мы ожидаем, что эта тенденция будет чаще встречаться в СМИ, ориентированных на изображения, таких как плакаты, обложки альбомов и обложки книг.

5. Аутентичное представление

—

Движение Black Lives Matter представляет собой беспрецедентный переломный момент глобального протеста. Мы по-прежнему надеемся, что это только начало переоценки системных предрассудков и что их влияние будет по-прежнему ощущаться во всех отраслях в 2021 году, включая графический дизайн.

Как дизайнер, изображая разнообразие, мы можем внести свой вклад в лучшее и более инклюзивное будущее.Изображая разнообразие, мы вдохновляем и поощряем людей любого происхождения в их путешествиях, и это такое необходимое и позитивное изменение. — Фе Мело, дизайнер высшего уровня в 99designs

Автор Dudeowl

Мы уже видели, как дизайнеры стараются отказаться от моделей в пользу аутентичных и разнообразных людей в иллюстрации и стоковой фотографии. Мы предполагаем, что в 2021 году это пойдет еще дальше, и это будет выходить за рамки простого участия в праздновании. Мы видели, как дизайнеры цвета были воодушевлены непосредственностью протестов BLM, и результатом стали портреты чернокожих мужчин и женщин в ярких и вдохновляющих декорациях и позах.

Автор Jdodo

2021 год станет годом, чтобы показать, насколько разные люди и насколько богата наша планета именно этим. В моде используются изображения реальных людей со своими особенностями, недостатками и уникальностью.

Если есть чего-то, чего следует избегать дизайну, так это одинаковости. Выделение различных культур, оттенков кожи, возраста и идентичности представляет собой захватывающую возможность создавать дизайн, который, как и подлинные люди, действительно уникален.

6. Неуважительные символы

—

Хороший дизайн может рассказать историю. Великолепный дизайн делает эту историю незабываемой. В 2021 году многие графические дизайнеры хотят отказаться от абстрактных визуальных эффектов в пользу причудливых персонажей. И чем больше индивидуальности воплощают эти персонажи, тем более запоминающимися они становятся.

Автор jcontreras

Концептуальная иллюстрация лежит в основе этой тенденции, предлагая не только позы персонажей, но и индивидуальность в форме рисованного подхода. Вот почему эти стили могут варьироваться от детальной штриховки до упрощенных форм, линий и цветов современных мультфильмов.Сами концепции — животные в костюмах и антропоморфные суши — сигнализируют о долгожданном возвращении юмора и странностей в ближайшие месяцы.

Автор: Винтригрей,

Вдохновением для этого дизайна послужила байкерская культура старой школы 70-х годов. Что мне больше всего нравится в нем, так это то, что общий вид отражает то, что козел едет на своем велосипеде, как будто завтра не наступит.

7. Комиксы и поп-арт

—

Подобно заклятому врагу, стили дизайна прошлого никогда не умирают.И в этом году графические дизайнеры возрождают зернистые цвета, насыщенные чернила и линии действия винтажных комиксов.

Автор WolfBell

Рожденные в эпоху примитивных технологий печати, комиксы часто использовали полутона или упрощенное точечное затенение для представления цвета. В настоящее время этот подход может вдохнуть новую жизнь в современные минималистские тенденции, такие как плоский дизайн за счет зернистой текстуры и глубины. Точно так же веб-дизайнеры могут разбивать сетку с помощью наклонных панелей и наклонных форм, чтобы создать ощущение драматизма и движения.

Автор: bayuRIP

В условиях глобальной пандемии наши медицинские работники считаются нашими современными супергероями. Я выбрал стиль комиксов, потому что в детстве мне очень нравились комиксы, такие как Супермен и Марвел. Стиль комиксов действительно вдохновил меня в процессе разработки.

Хотя супергерои в спандексе не являются обязательными для этой тенденции, дизайнеры 2021 года обращаются к текстуре и иллюстративным методам своих графических романов, чтобы спасти современный дизайн.За исключением комиксов без содержания. Ничего не спасет.

8. Настойка изобразительного искусства

—

Всегда существовало разделение между изобразительным искусством и дизайном, но 2021 год меньше касается традиционных границ. В результате мы прогнозируем, что живописные техники, такие как акриловые мазки и абстрактный экспрессионизм, появятся на полках и экранах по всему миру.

Автор: LucaToni

Абстракция — одно из моих любимых направлений и техник живописи, которое дает нам полную свободу выражения.Абстракция не ограничена законом: цвета, текстуры, формы и пространства. — LucaToni, дизайнер верхнего уровня в 99designs

Живопись придает рисункам вариативность поверхности и глубину, делая их достаточно реалистичными, чтобы их можно было прикоснуться. По этой причине эта тенденция хорошо сочетается с физическими продуктами. В частности, поскольку изобразительное искусство связано с культурой и классом, оно полезно для продуктов, которые хотят передать элегантность старого мира — например, винных этикеток и косметической упаковки.

Рисование также дает более темные тона, чем те, что созданы на компьютере, и это придает дизайну атмосферу торжественности. Хотя это может показаться неутешительным, подобные дизайны, естественно, приглашают зрителя на мгновение задуматься.

9. Стихии природы

—

Этого не избежать: многие люди провели большую часть этого года взаперти. Это будет вдвойне, если дизайнеры, которые, возможно, испытали свой образ жизни фрилансера на дому, начали напоминать одиночное заключение.Тогда неудивительно, что внешний мир проникнет в графический дизайн 2021 года.

Многие из нас чувствовали себя взаперти в 2020 году из-за COVID и испытывали сильное желание проводить время в зеленых насаждениях. Даже просмотр фотографий этих мест может успокоить вас, если вы застряли в квартире. Я думаю, что в 2021 году мы увидим большее признание таких визуальных эффектов.

— Меган Делл, директор по дизайну 99designs

Проявляется ли эта тенденция в виде лиственных узоров, цветовых схем в земляных тонах или иллюстраций захватывающих пейзажей, графический дизайн становится зеленым.Самое приятное в этой тенденции то, что мы видим, что она выходит за рамки экологически ориентированных продуктов.

Эффект от изображений природы заключается в том, чтобы передать спокойствие, обновление и рост — всего этого мы будем затаить дыхание в 2021 году.

Что особенно повлияло на меня в этом произведении, так это цитата, которую я прочитал: «Природа подобна женщине, которая любит маскироваться, и чьи разные маскировки, открывая то одну часть ее, то другую, позволяют тем, кто ее изучает и усердно надеется, что одна ее часть день, когда они могут узнать ее личность целиком.”

10. Размытие и зернистость

—

Градиенты и переходы цвета стали популярной тенденцией вот уже несколько лет. В 2021 году многие дизайнеры будут стремиться отклониться от нового направления: к еще более размытому и смешанному фону. Добавьте зернистый фильтр, и эти дизайны смогут пройти грань между ощущением мимолетности и реалистичностью.

Автор: iva

Сочетание необычных цветов с интенсивным размытием и зернистой текстурой — это настроение.

— Клэр Тейлор, старший дизайнер продукта 99designs

Преимущество этой тенденции в том, что она позволяет элементам переднего плана, таким как жирная типографика или вызывающие воспоминания образы, выделяться на почти неразличимом фоне. Он также процветает в более мрачных условиях, в отличие от веселых градиентов прошлых лет. Гранж и грязь присущи зернистым текстурам, а размытое изображение может вызывать тени и невидимое. Эта тенденция является настроением, и мы ожидаем, что она будет все больше и больше использоваться в дизайне с темной стороной.

Автор: glimmm

11. Социально ориентированный дизайн

—

На заре нового десятилетия кажется уместным, что 2020 год стал годом, когда мир понял, насколько ему нужно измениться. 2020 год обнажил многие проблемы, от здравоохранения до защиты окружающей среды и жизни чернокожих до готовности к пандемии. Хорошая новость заключается в том, что этот конфликт может стать поворотным моментом, если каждый внесет свой вклад.

Имея это в виду, дизайнеры со всего мира делают все возможное, чтобы внести свой вклад в улучшение своего сообщества.Мы заметили это в росте креативного письма от руки, несущего послания единства, ответственности и советов. Это происходит в форме протестного искусства. Он представлен в виде иллюстраций, которые персонализируют ношение маски. Будь то благотворительная деятельность или личные дизайнерские проекты, 2021 год станет поворотным годом, в котором будет участвовать дизайн.

В 2021 году мы увидим больше дизайнов и изображений, резонирующих с движением, социальными и экологическими проблемами.

No related posts.