Классные картины художников: 20 world’s art masterpieces that every child should know
женский, детский, мужской; зарубежных и русских художников
Портрет — это жанр в изобразительном искусстве, когда художник на полотне пишет реального человека. На Руси такие картины называли «парсунами», современный термин происходит от французского слова portraire. Оно означает точное изображение кого-либо. Но портрет стал самостоятельным жанром раньше, чем у него появилось название.
В процессе написания картины внимание художника полностью сосредоточено на человеке. До появления авангардного стиля живописцы изображали реалистичную внешность модели. Настоящим мастерам удавалось через картину раскрыть внутренний мир человека. А в классическом портретном жанре важно максимально точное изображение внешности.
Виды и стили
Портрет делится на несколько видов. У каждого есть свои особенности и свои выдающееся мастера.
Автопортрет — это изображение живописца, написанное им самим при помощи одного или нескольких зеркал. Художник смотрит на себя со стороны, пытаясь представить, как выглядит в глазах окружающих.
Аллегорический портрет — живописец пытается раскрыть абстрактное понятие с помощью всем известного визуального образа. Для изображения аллегории мастер объединяет в одной картине несколько символов. Поэтому модели часто изображены в костюмированных нарядах.
Примеры таких работ: «Аллегорический портрет Анны Австрийской в образе Минервы», Симон Вуэ, «Саския в образе Флоры», Рембрандт, «Старик-зима», В.Л. Боровиковский.
Портрет В.Т. Молостова», Н.Е. Сверчков.Групповой портрет — художник изображает на полотне не менее 3 человек. Они должны быть в похожих костюмах и объединены одним антуражем. Чаще всего в таком стиле писали семейные портреты.
Примеры работ живописцев в этом жанре: «Групповой портрет Волковых», К.Е. Маковский, «Портрет членов правления гильдии медиков», Николас Мас, «Семья лесника», И.С. Куликов.
Детский портрет — главные герои картины — дети. Художнику стоит немалых усилий передать всю живость и непосредственность ребенка. Часто мастера изображали их в виде ангелов. Лучшие портреты в этом стиле — «Девочка с персиками», В. Серов «Девочка в синей шляпе», Ренуар «Захарка».
Донаторский портрет — поджанр религиозного направления. На полотне художник писал человека, сделавшего пожертвование. Его изображали рядом со святыми на фреске храма или алтарной картине. На полотне «Поклонение волхвов» кисти Филиппино Липпи среди молящихся можно увидеть членов семьи Медичи.
Жанровый — модель изображена в смысловом единстве с окружающей его обстановкой — предметами быта, другими людьми. Это работа В.А. Тропинина «Кружевница», Яна Вермеера «Молодая женщина с кувшином воды», Н. Богданова-Бельского, «Осенние размышления».
Портрет женщины — красота всегда вдохновляла живописцев, поэтому неудивительно, что у многих мастеров главная героиня полотна — прекрасная дама. Леонардо да Винчи «Дама с горностаем», Ян Вермеер «Девушка с жемчужной сережкой», Сандро Боттичелли «Портрет Симонетты Веспуччи» — этим гениям живописи удалось увековечить в своих шедеврах женскую красоту.
Индивидуальный — на полотне изображен один человек. Живописец старается передать не только внешнее сходство, но и раскрыть внутренний мир. Известные работы — Франс Хальс «Смеющийся кавалер», Иван Крамской «Неизвестная», И..jpg)
Е. Репин «Поэт Афанасий Афанасьевич Фет».
Интимный — это камерная разновидность портрета, фон — нейтральный, оттенки приглушенные. Все это создает ощущение, что между живописцем и моделью доверительные отношения. Примеры этого стиля — Ренуар «Портрет Жанны Самари», В.Л. Боровиковский «Портрет Нарышкиной», Д.Г. Левицкий «Портрет Дьяковой».
Исторический портрет — изображение значимого исторического лица. Излюбленная тема многих живописцев — В.М. Васнецов «Царь Иван Васильевич Грозный», Б.М. Кустодиев «Александр I», Жан-Марк Натье «Петр I в рыцарских доспехах».
Камерный — на полотне человека изображают по пояс, по грудь или плечи. Чаще всего выбирают нейтральный фон — Брюллов К.П. «Портрет И.А. Бека», Рокотов Ф.С. «Портрет Александры Петровны Струйской», Маковский К.Е. «Мужской портрет».
Карикатура — сатирический или юмористический портрет. Дж. Гилрей «Наполеон и Питт делят мир», Леонардо да Винчи «Гротескные головы», Оноре Домье «Гаргантюа».
Колоссальный — портрет огромных размеров, встречается чаще всего в скульптуре.
Конный портрет — художник изображает модель верхом на коне: Сверчков Н.Е. «Конный портрет Л.А. Татищева», Серов В.Ал. «Портрет князя Ф.Ф. Юсупова, графа Сумарокова-Эльстон», Дмитриев-Оренбургский Н.Д. «Генерал Н.Д. Скобелев на коне».
Костюмированный — модель предстает в наряде известного персонажа: Зинаида Серебрякова «Автопортрет в костюме Пьеро», Крамской И.Н. «Актер Александр Павлович Ленский в образе Петруччио», Торелли Стефано «Екатерина Вторая в образе Минервы, окруженная музами».
Коронационный — изображение царствующей особы во время коронации: Рокотов Ф.С. «Коронационный портрет Екатерины Второй», Жак-Луи Давид «Потрет Наполеона в императорском одеянии», Дж. Хейтер «Коронационный портрет королевы Виктории».
ru/wp-content/uploads/2020/09/vasnetsov-v.-jeskiz-ktitorskogo-portreta-knyagini-olgi.jpg&description=282 лучших портрета в искусстве: от классики жанра до современных художников» data-width=»600″ data-height=»400″/>Эскиз ктиторского портрета княгини Ольги
Васнецов В.
Ктиторские — разновидность религиозного портрета. На нем изображали человека, сделавшего пожертвование церкви на стенах храма или картинах: В. Васнецов «Эскиз ктиторского портрета княгини Ольги с изображением построенного ею храма в руках».
Миниатюрный — это маленький (до 20 см) потрет, нарисованный акварелью, тушью или в графике.
Мифологический — модель предстает на картине в образе мифологического персонажа: М.Ал. Врубель «Царевна-лебель», Серебрякова З.П. «Портрет Г.М. Баланчивадзе в образе Вакха», Кустодиев Б.М. «Портрет И.В. Ершова в образе Зигфрида».
Мужской портрет — художники изображали на своих полотнах не только женщин, но и мужчин: Неврев Н.
Самые известные картины русских художников
Эти картины впечатались в сознание каждого русского человека. Они известны каждому из нас с детства. Они неотъемлемая часть русской культуры. И хотя бы поэтому заслуживают, чтобы мы о них знали немного больше.
Пройдемся по списку самых выдающихся полотен русских художников. А главное — разберёмся, почему ими так восхищаются.
А чтобы не заскучать, разбавим важные знания интересными фактами. Узнаем, как Александр Иванов хотел переплюнуть Карла Брюллова. А Илья Репин уничтожил своих «Бурлаков» из-за критики Ивана Шишкина.
1. «Последний день Помпеи» Брюллова (1833 г.)
Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г. Государственный Русский музей.Без преувеличения мы знаем о трагедии Помпей в первую очередь благодаря Карлу Брюллову (1799—1852). Когда-то он произвёл фурор и в Италии, и в России своим шедевром.
И все потому, что он нашёл удивительный баланс между правдой и вымыслом.
Брюллов изобразил настоящую улицу. И даже часть героев — это реальные люди. Их останки Брюллов видел при раскопках.
Но художник показал эту катастрофу безумно … красивой. Коей она, конечно, не была в реальности.
Получается, что зритель сочувствует этим людям. Но не ужасается страшным подробностям. Несчастные Брюллова божественно прекрасны даже за мгновение до смерти.
«Последний день Помпеи» никто не смог превзойти по популярности у современников. Художника носили на руках: ведь он разделил историю русской живописи на «до и после». С тех пор, с 1833 года, о русском искусстве заговорил весь мир.
О картине читайте в статье «Последний день Помпеи: почему это шедевр»
2. «Девятый вал» Айвазовского (1850 г.)
Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850 г. Русский музей, Санкт-Петербург.Карл Брюллов сказал, что чувствует соль на губах, когда смотрит на «Девятый вал» Ивана Айвазовского (1817—1900).
Реалистично — это не то слово. Но не все так просто.
В открытом море волновые фартуки НЕ встречаются. Загибы у волн образуются только у берега. Поэтому серферам в открытом море делать нечего.
Иван Айвазовский пошёл на эту хитрость, чтобы буйство природы сделать … эффектнее. Ведь, как и Брюллов, он был романтиком и воспевал величие стихии.
У «Девятого вала» были все шансы стать шедевром. Айвазовский был единственным русским маринистом в то время. При этом работал невероятно мастерски. Да ещё и показал душещипательную трагедию моряков.
О картине читайте в статье «Девятый вал: почему это шедевр».
3. «Явление Христа народу» Иванова (1857 г.)
Александр Иванов. Явление Христа народу. 1837—1857 гг. Третьяковская галерея.Александр Иванов (1806—1858) очень хотел затмить Брюллова с его «Помпеями». Взял полотно в 2 раза больше. И работал в 4 раза дольше (20 лет против брюлловских пяти).
Но что-то пошло не так. Никто Иванова на руках не носил (хотя он надеялся на это).
Триумф не состоялся.
Публика не оценила ряд из 35 персонажей в разноцветных хитонах. К тому же картина сложно «читается»: ведь у каждого из этих персонажей своя реакция на первое появление Христа! Кто-то радуется. Кто-то сомневается, что это «Агнец Божий». А кто-то и злится, так как выискался новый конкурент.
Да, в картине нет эффектного буйства стихии, как у Брюллова и Айвазовского. И нет повода для сочувствия по поводу трагичной судьбы главных героев.
А публика привыкла к спецэффектам: вот и не впечатлилась. Что ж, в наше время голливудские блокбастеры тоже более популярны, чем авторское кино.
Но на самом деле Иванов осуществил в одиночку революцию в русской живописи. Переход от театральных и помпезных историй к переживаниям обычных людей.
И русские реалисты (Репин, Крамской, Саврасов и прочие) стали такими, какими мы их знаем, только благодаря живописным подвигам Иванова.
О картине читайте в статье «Явление Христа народу: в чем успех и провал картины».
4. «Грачи прилетели» Саврасова (1871 г.)
Алексей Саврасов. Грачи прилетели. 1871 г. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.Алексей Саврасов (1830—1897), как и Александр Иванов, совершил революцию. Но более узкоспециализированную. В области пейзажа.
Именно с работы «Грачи прилетели» началась эпоха пейзажа настроения.
Картина имеет один парадокс.
С одной стороны, пейзаж … скучный и монохромный. А что ещё можно ожидать от конца марта, да ещё в малоухоженной русской глубинке? Тут уж слякоть, серый цвет и обветшалость обеспечены.
Но каким-то волшебным образом нам все это кажется милым и душевным. Секрет — в тонком направлении зрителя к приятным эмоциям.
Ведь художник выбрал очень интересный момент: ещё холодно, но уже вот-вот придёт тепло. Это ощущение скорых перемен к лучшему нам и нравится.
Отсюда приятные ощущения, казалось бы, без повода. Просто он еле уловим.
С тех пор, как Саврасов создал своих «Грачей» в 1871 году, почти все русские пейзажи были именно такими — поэтичными и настроенческими.
О картине читайте в статье «Грачи прилетели: почему картина стала культовой»
5. «Бурлаки на Волге» Репина (1870—1873)
Илья Репин. Бурлаки на Волге. 1870—1873 гг. Государственный Русский музей.«Бурлаки на Волге» — главный шедевр Ильи Репина (1844—1930). Хотя создал художник его, когда ему не было и 30 лет.
Картина стала особенно популярной в советское время. Очень уж такой сюжет подходил под идеологию об угнетённых. Так что видели мы ее и в учебниках, и на спичечных коробках.
Помните, я рассказывала выше про революцию Александра Иванова? Он первым в русской живописи поставил в ряд обычных людей и наделил их разными эмоциями.
Так вот Репин все уроки Иванова усвоил. Но довёл реализм до абсолюта.
Позировали художнику реальные бурлаки. Мы знаем их имена и судьбы (то есть этим людям повезло: они вошли в историю).
Их внешний вид невероятно правдоподобен. Именно такой одежда и становится от многолетнего ношения и ходьбы по прибрежному бурелому.
В этом плане Иванов ещё был классицистом: хитоны его героев слишком чистые, как в витрине магазина.
Но не только оборванный вид бедняков заставляет нас им посочувствовать.
Художник ещё и пароход вдали нарисовал. Мол, уже двигатели изобрели, а все над людьми издеваются. Да, русские художники любили добавить вот это «Ах, как нехорошо».
О картине читайте также в статье «Бурлаки на Волге: почему картина стала культовой»
6. «Девочка с персиками» Серова (1887 г.)
Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887 г. Третьяковская галерея, Москва.Валентин Серов (1865—1911) был ещё моложе Репина, когда создал «Девочку с персиками», свой главный шедевр. Ему было 22 года!
Видимо это особенность русских художников такая — главные свои творения выдавать по молодости: что Брюллов, что Репин. И Серов – туда же.
А если серьёзно, то поражает в этой работе совсем другое. Она написана в стиле импрессионизма. И это тогда, когда в России почти ничего не знали об этом направлении живописи!
Но Серов интуитивно написал картину с цветными тенями, разноцветными рефлексами (цветными пятнышками-отражениями одних объектов на других), видимыми мазками.
Да и сюжет тоже в духе Ренуара и Моне: будто разрумяненная на свежем воздухе девочка вбежала в комнату и присела на минутку съесть персик.
Благодаря этой картине в русскую живопись робко «постучался» импрессионизм. И всеохватный реализм немного посторонился.
О картине читайте в статье «Девочка с персиками: жизнь и творчество Серова в одной картине».
7. «Утро в сосновом лесу» Шишкина (1889 г.)
Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889 г. Третьяковская галерея.Иван Шишкин (1832—1898) мог себе позволить критиковать других художников. Вот и Илье Репину от него досталось. Он обругал неправильно нарисованные деревья на картине «Бурлаки на Волге».
Репин своих первых «Бурлаков» уничтожил. А на той картине, которую мы знаем, на всякий случай не стал изображать деревья. Дабы не злить Шишкина.
Да, Шишкин был глыбой реализма. Его натуралистичность поражает. Стоя перед его «Мишками», можно запросто почувствовать утреннюю влажность воздуха и услышать треск сучьев.
Изумрудный мох, серо-голубой туман и охристые стволы старых сосен создают невероятную ауру лесной чащи.
Фотографии такое не подвластно. Поэтому нет смысла говорить о том, что шишкинский реализм не нужен в эпоху моментальных снимков. И неизменная любовь людей к его «Мишкам» — тому подтверждение.
О картине читайте в статье «Мишки в сосновом лесу: иной взгляд на шедевр».
В заключение. Немного об истории русской живописи
Вспоминая эти 7 потрясающих русских шедевров, мы заодно и в истории русской живописи немного разобрались.
В начале XIX века писали катастрофы, но не русские: либо несчастья древних римлян (Брюллов), либо отчаянную борьбу иноземных моряков с буйным морем (Айвазовский). Во всем этом много театральных страстей.
Потом пришёл Иванов и создал тихий шедевр: много людей и все со своими эмоциями. Работа оказалась этаким смешением реализма и классицизма (подвели художника нереалистичные хитоны).
Но именно с Иванова начинается в русской живописи эпоха реализма (Репин, Саврасов, Шишкин).
И лишь Серов сделал робкую попытку этот реализм пошатнуть, внеся в русскую живопись немного импрессионизма.
Читайте также мои статьи о таких русских шедеврах, как:
«Христос в пустыне» Крамского
«Демон сидящий» Врубеля
«Вечерний звон» Левитана
«Над вечным покоем» Левитана
«Боярыня Морозова» Сурикова
«Купание красного коня» Петрова-Водкина
«Чёрный квадрат» Малевича
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
Англоязычная версия статьи
Вконтакте
Одноклассники
Похожее
Картины неизвестных художников — Искусство
Портрет девочки в Павлопосадском платке
На протяжении многих сотен лет существования человечества наряду с известными мастерами, создающими свои шедевры искусства и гремящими своими именами по всему миру, всегда существовали картины неизвестных художников.
Но тем не менее, несмотря на их неизвестность, подобные произведения вызывают не меньшее восхищение, чем пресловутые работы именитых мастеров.
Возможно, кто-то из безымянных творцов намеренно скрывал своё имя, страшась злой критики, или прятал своё социальное положение и потому не мог назваться (положение в обществе могло быть как слишком высоким для подобного занятия, так и слишком незначительным, чтобы посметь творить открыто), а кто-то остался неизвестен по вине неблагосклонного времени, не пожелавшего поведать нам об авторе, но великодушно сохранившем его картины.
Так или иначе, но картины неизвестных художников нисколько не теряют своей значимости, своей культурной ценности, и даже наоборот, приобретают некий шарм тайны, загадки, которую хочется непременно разгадать, найти правильный ответ. Хотя.. может и не стоит этого делать?
Русские живописцы
Бабушка и внучка (1830е годы). Строгая бабушка напоминает знаменитую княгиню — Пиковую даму.
Женщина перед иконой. Предположительно, портрет написан кем-то из семьи великого князя Константина Константиновича. Картины, написанные собственноручно, были традиционным подарком родственников на дни рожденья. Все великокняжеские дети обучались рисованию.
Мужской портрет (1840е-1850е годы).
Портрет крстьянского мальчика (1820е-1840е годы).
Портрет мальчика с обручем (1820e-1840е годы). Предположительно, картина не профессионального художника. Может, родственника. В руках ребенка обруч и палочка. В те времена из любимых детских игр было катать обруч, придерживая его палочкой.
Портрет княгини Анны Виельгорской (1850е годы). Правнучка Бирона (фаворит царицы Анны Иоановны). Ее руки просил Николай Гоголь, но получил отказ от родителей барышни, которая вышла замуж за князя Шаховского.
Портрет молодой женщины (1850е годы).
Портрет Софьи Апраксиной (1830е годы). Супруга графа Владимира Апраксина.
Дочь графа Петра Толстого.
Женский портрет (1840е годы). Предположительно, портрет заказан в честь помолвки. Кольцо на указательном пальце означает, что барышня обручена. Розы в вазе (белая и розовая) символизируют чистую душу и любовь.
Портрет графини Натальи Строгановой (1810е годы). Старшая дочь графа Павла Строганова.
Западные живописцы
Неизвестный художник из Италии (Флоренция, 1530 год). Аллегорический портрет Данте
Неизвестный фламандский художник (Антверпен, 1518 год). Поклонение волхвов (часть фрески)
Неизвестный художник из Франции (1610 год). Семейный портрет
Неизвестный фламандский художник (17 век). Сцена из комедии дель арте
Неизвестный художник из Франции. Аллегория земной суеты
Неизвестный художник. Неизвестная
Источник 1
Источник 2
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов
ПодписатьсяСамые известные русские картины
Русская живопись ценится во всём мире.
Многие картины стали настоящими шедеврами не только русского, но и мирового искусства, и считаются бесценным достоянием человечества. Имена величайших русских живописцев известны не только ценителям и критикам искусства, но и каждому школьнику. Айвазовский, Репин, Саврасов, Шишкин, Брюллов, Маковский, Суриков, Кустодиев и многие-многие другие навеки прославили Россию, как страну, где рождаются и творят таланты невероятной величины. Картины этих и многих других художников хранятся в самых крупных музеях мира, а также имеют поистине заоблачные цены. И это не удивительно, ведь настолько талантливая живопись, которая стала практически символом профессионального искусства, является частью истории и заслуживает к себе особого отношения.
Многие картины великих русских художников все мы знаем с раннего детства. Эти картины изучают в школе, они являются настоящими визитными карточками крупных музеев и самих художников, что их создали. Далее вы можете увидеть 20 знаменитых картин великих русских художников.
Конечно, в подборке из 20 картин просто невозможно собрать все шедевры, которые считаются лучшими примерами русского искусства. Здесь мы попытались собрать самые яркие картины, которые буквально известны всем и каждому. Если же вы считаете, что в этой подборке не хватает той или иной картины, которая обязательно должна здесь присутствовать, то оставляйте свои сообщения, мнения, а также сами картины в комментариях.
Известные картины великих русских художников
Алексей Саврасов — Грачи прилетели
Архип Куинджи — Лунная ночь на Днепре
Борис Кустодиев — Купчиха за чаем
Валентин Серов — Девочка с персиками
Василий Васильевич Верещагин — Апофеоз войны
Василий Перов — Охотники на привале
Василий Суриков — Утро стрелецкой казни
Виктор Васнецов — Богатыри (Три богатыря)
Владимир Боровиковский — Портрет Марии Ивановны Лопухиной
Иван Айвазовский — Девятый вал
Иван Крамской — Неизвестная
Иван Шишкин — Корабельная роща
Иван Шишкин — Утро в сосновом лесу
Илья Репин — Запорожцы пишут письмо турецкому султану
Илья Репин — Иван Грозный убивает своего сына
Казимир Малевич — Чёрный квадрат
Карл Брюллов — Последний день Помпеи
Константин Маковский — За чаем
Павел Федотов — Сватовство майора
Фёдор Решетников — Опять двойка
Хотите украсить стену красивой живописью? Отличным выбором для этих целей станет роспись стен от graffiticrew.
ru. Граффити-художники высокого уровня выполнят работу любой степени сложности.
|
| ||||
Интервью со студентом ВГИКа
Панихида»
Восход Солнца»Самые необычные картины: в мире, красивые, маслом, художники
В 2020 году стены домов украшают картины, на асфальте в парках по всему миру встречаются удивительные шедевры, а в интернете активный интерес вызывает творчество художников, создающих удивительные произведения в жанре оптической иллюзии.
Ярким представителем направления является украинский живописец Олег Шупляк, чьи творения «с двойным дном» далеко не сразу раскрываются в полной красе перед смотрящим.
Но не только современные мастера кисти способны поразить воображение ценителей живописи собственными работами, ведь история изобразительного искусства знает и другие примеры любопытных шедевров — загадочных и откровенно странных, окутанных легендами или заставляющих людей напряженно вглядываться в увиденное.
В этот раз редакция 24СМИ расскажет про самые необычные картины, созданные художниками прошлого.
«Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря»
Раз в начале речь уже зашла о живописи, в которой оптическая иллюзия стала неотъемлемым элементом композиции, где, как в работах художника Шупляка, изображенное дерево способно предстать одновременно абрисом головы, а листья — превратиться в воробья на ветке, нельзя забывать и о Сальвадоре Дали. Этот испанец стал первым представителем близкого к сюрреализму стиля метаморфоз, нашедшего отражение не только в живописи и графике мастера, но и в созданных им скульптурах.
Отдельный интерес представляет написанное маслом полотно Дали со своеобразным названием «Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря», полностью, однако, отражающим суть происходящего на картине безумства преображений. Зритель видит на первый взгляд обычный натюрморт, где в центре композиции расположена белая ваза с фруктами. Ее ножка внезапно предстает в качестве переносицы гротескного, но красивого человеческого лица, сверху очерченного то ли волосами, то ли песчаным пляжем, а то и вовсе горной грядой с расположенным у подножья городом. Приглядевшись, внимательный ценитель живописи найдет на полотне еще и пару собак.
Позднее по «пути метаморфоз» в творчестве пошел и мексиканец Октавио Окампо, прославившийся собственными картинами-загадками в жанре сюрреализм.
«Старый рыбак»
Так и не признанный на родине венгерский художник-самоучка Тивадар Костка Чонтвари, слывший сумасшедшим из-за странностей в общении и поведении, а также склонности к аскетизму, большую часть жизни писал в стилистике экспрессионизма.
Однако обращался в собственных творениях и к символизму вперемешку с мифическим сюрреализмом, и к магическому реализму.
Писавший как приземленные, так и поражавшие воображение необычные полотна, но не нашедший понимания венгерский аптекарь, самостоятельно постигший премудрости изобразительного искусства после внезапного озарения, при жизни известности не добился и не продал ни одной работы.
Вот и загадку, таящуюся в написанной талантливым венгром в 1902 году картине «Старый рыбак», разгадали уже после смерти мастера. В начале прошлого века вряд ли кому пришла бы в голову мысль приложить к полотну с изображением опирающегося на палку старика, отдаленно напоминающего потрепанного филина, зеркало.
А ведь после несложных манипуляций становится очевидной задумка автора: в каждом человеке сокрыты два начала, как божественное, так и демоническое, и только от него самого зависит, какая сторона возьмет верх в непрекращающейся борьбе.
«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
Любопытные и оригинальные произведения найдутся и в творческой копилке Клода Моне, ставшего одним из основоположников импрессионизма и не бросившего писать даже после двух операций на глазах. Среди представителей жанра Моне, как никто другой, стремился к достижению предельной реалистичности собственных творений, потому много времени уделял экспериментам с различными техниками и изобразительными приемами, добиваясь требуемой достоверности визуальных эффектов.
Предельная реалистичность характерна и для его работы «Мост Ватерлоо. Эффект тумана». Словно в действительности опутанный ватно-плотными, непроницаемыми для взора клочьями, зритель, вблизи разглядывающий полотно, сначала не в силах разобрать на нем ничего, кроме нанесенных маслом мазков.
Только сделав пару шагов назад, ценитель сумеет обнаружить проступающие сквозь туманный саван невнятно-воздушные и будто сотворенные из взбитой молочной пены контуры, постепенно складывающиеся в цельную композицию.
Здесь и обводы протянувшегося над Темзой Лондонского моста, и недвижимая гладь воды, и скользящие по ней едва заметные силуэты лодок, символизирующие динамику жизни в застывшей реальности картины.
«Ночная терраса кафе»
Как и в случае со «Старым рыбаком», бывает, что за внешней простотой изображенного художником на холсте позднее обнаруживают нечто сокрытое, недоступное при первом взгляде. Так случилось и с полотном «Ночная терраса кафе», в сентябре 1888 года созданным Винсентом Ван Гогом, необычные картины которого до сих пор переписывают гуашью и маслом желающие постигнуть авторские изобразительные приемы.
Сам нидерландский художник, работавший преимущественно в стилистике постимпрессионизма и прославившийся при жизни не столько картинами, сколько неоднозначными поступками (один из которых, предположительно, и привел к его смерти), не терпел обыденности. И в рассматриваемом творении Ван Гог тоже сумел в нехитрой, как кажется зрителю, композиции избежать банальности.
«Ночную террасу кафе», в которой первоначально искусствоведы усматривали только влияние полотна «Авеню де Клиши вечером» француза Луи Анкетена, конечно, отличает удивительная техника написания. Ведь при создании картины, изображающей ночь, Ван Гог не использовал ни грамма черной краски. Но примечательна она не этим.
Позднее, изучая композицию, исследователи заметили в ней отсылки к знаменитому полотну Леонардо да Винчи «Тайная вечеря». На сокрытый смысл, по мнению экспертов, указывает как странная туника официанта в кафе, стоящего на фоне образующих крест перекрытий оконной рамы, так и число посетителей, в которых уже нетрудно усмотреть 12 последователей религиозного учения Христа.
Портрет Марии Лопухиной
Среди всевозможных шедевров изобразительного искусства найдутся и те, что приобрели статус странных не благодаря необычным формам отображенных на них предметов (которые заставляют подолгу искать в картине истинный смысл и незаурядную задумку), а из-за связанных с полотнами слухов и легенд. Пример такой художественной работы — изображающая скончавшуюся от чахотки в 1803 году Марию Лопухину картина Владимира Бородиновского, русского портретиста, жившего в XVIII–XIX столетиях и писавшего левой рукой.
Созданное в 1797 году членом Императорской академии художеств полотно внешне мало чем способно удивить. Разве что впечатляющей реалистичностью и портретным сходством. Зато примечательна картина дурной славой, ходящей вокруг нее.
Так, рассказывали, что портрет красивой девушки отбирает молодость у юных дев, взглянувших на него, и даже сводит в могилу. Причину зловредности творения, отправившего (по словам салонных сплетниц) на тот свет не меньше десятка наследниц дворянских фамилий, искали в том, что слывший знатоком мистических дел отец Лопухиной, Иван Толстой, сумел заточить дух умершей дочери в холст. Только приобретение Павлом Третьяковым портрета в коллекцию заставило дурные слухи поутихнуть.
«Крик»
Творчество появившегося на свет в 1863 году норвежца Эдварда Мунка наполнено мотивами одиночества и предсмертной тоски, удивительным образом сочетающимися с поразительным стремлением к жизни. Работы художника, вошедшего в число первых приверженцев экспрессионизма, неоднократно становились предметом ожесточенного обсуждения и осуждения критиков и коллег. Вместе с насыщенной личной жизнью, изобилующей стрессами из-за проблем в любовных отношениях, это привело в результате Мунка в психиатрическую клинику.
Возможно, очередной приступ маниакально-депрессивного расстройства, от которого страдал автор, и нашел отражение в самом известном его произведении — картине «Крик». Это полотно, по признаниям ряда ценителей изобразительного искусства, вблизи оставляет тягостное впечатление непреодолимой безысходности.
Согласно ходящим вокруг этой работы легендам, все люди, так или иначе контактировавшие с картиной, плохо кончили. Владельцы якобы разорялись и умирали. Два сотрудника музея погибли (один покончил с собой, а другой попал под машину) после того, как уронили шедевр Мунка. Также какой-то человек, державший в руках это произведение искусства, заживо сгорел всего через день.
«Апофеоз войны»
Встречаются необычные картины, подобно «Крику» Мунка погружающие взирающего на них зрителя в печальные мысли. Они вынуждают видеть и тот смысл, который, вероятно, автор вовсе не вкладывал в собственное творение. Так, непростые чувства обуревают и человека, смотрящего на полотно русского художника-баталиста Василия Верещагина «Апофеоз войны».
Живописец не только вблизи наблюдал ряд военных конфликтов, выпавших на долю Российской империи во второй половине XIX столетия, но также участвовал в боевых столкновениях и имел ранения. Да и погиб Верещагин, чье творчество впитало доблесть русских солдат и офицеров, а также неприглядную трагедию вооруженной бойни, во время Русско-японской войны. Художник подорвался вместе с броненосцем «Петропавловск» на вражеской мине 13 апреля (по новому стилю) 1904 года.
«Апофеоз войны» сам создатель с грустным сарказмом именовал «натюрмортом», на котором отображена «мертвая природа». Тема смерти и отчаяния, неизменная при любой войне, четко видна в горе черепов, возвышающейся на переднем плане картины. В желтых красках, отражающих болезненность композиции. В чахлых, лишенных жизни деревьях. В выискивающих, чем поживиться на этом могильнике, воронах. И в разрушенном городе, что видится немым укором погрязшему в войнах человечеству.
Но удивительнее то, что, как признают искусствоведы и ценители, если продолжительное время вглядываться в холст, глубина и эмоциональность картины начинают проникать внутрь зрителя. И за каждым истерзанным черепом он начинает видеть отдельную искалеченную судьбу, оборванную чужой волей. Оторваться от «мертвого натюрморта» с каждой минутой становится только труднее.
Картины Винсента Ван Гога и полный каталог работ
Щелкните здесь, чтобы увидеть галерею картин Ван Гога
С ноября 1881 года по июль 1890 года Винсент Ван Гог написал почти 900 картин. После своей смерти он стал одним из самых известных художников в мире. Картины Ван Гога захватили умы и сердца миллионов любителей искусства и сделали любителей искусства новичками в мире искусства. Следующие отрывки взяты из писем Ван Гога, в которых описывается его развитие как художника.Есть также ссылки на страницы, на которых подробно описаны некоторые из самых известных картин Винсента Ван Гога: «Звездная ночь», «Подсолнухи, ирисы, маки,« Спальня »,« Цветущее миндальное дерево »,« Тутовое дерево »,« Ночное кафе »и« Едоки картофеля ».
В декабре 1881 года, в возрасте 28 лет, когда он начал свои первые картины, Винсент написал своему брату Тео о том, чтобы стать художником,
«Тео, я очень доволен своим ящиком для красок, и я думаю, что я его Теперь, после того как я рисовал почти исключительно в течение как минимум года, лучше, чем если бы я начал с этого сразу … Ибо, Тео, моя настоящая карьера начинается с рисования.Вы не думаете, что я прав, если считаю это так?
Ван Гог работал в лихорадочном темпе, стоил ему денег, вызывал у него умственное и физическое напряжение и не оставлял времени для любого другого источника дохода. Но он был настойчив. В письме от марта 1882 года Ван Гог снова написал своему брату Тео,
: «Хотя я нахожусь в финансовых трудностях, у меня, тем не менее, есть чувство, что нет ничего более прочного, чем« ремесло »в буквальном смысле слова« работа ». своими руками.Если бы вы стали художником, одна из вещей, которые вас удивили бы, — это то, что живопись и все, что с ней связано, — довольно тяжелая работа в физическом плане. Если не брать в расчет умственное напряжение, тяжелые мысли, это требует значительных физических усилий, причем день за днем ».
В том же письме к Тео от 1882 года Ван Гог пишет:
«Есть два способа думать о живописи: как не делать этого и как это делать: как это делать — с большим количеством рисунков и небольшим количеством цвета; как этого не делать — много цвета и мало рисунков.«
картина | История, художники, элементы, методы, типы и факты
Живопись , выражение идей и эмоций с созданием определенных эстетических качеств на двухмерном визуальном языке. Элементы этого языка — его формы, линии, цвета, тона и текстуры — используются по-разному для создания ощущений объема, пространства, движения и света на плоской поверхности. Эти элементы объединены в выразительные паттерны, чтобы представить реальные или сверхъестественные явления, интерпретировать тему повествования или создать полностью абстрактные визуальные отношения.Решение художника использовать конкретный материал, такой как темпера, фреска, масло, акрил, акварель или другие краски на водной основе, чернила, гуашь, энкаустика или казеин, а также выбор определенной формы, такой как фреска, мольберт, панно, миниатюра, иллюминация рукописи, свиток, экран или веер, панорама или любая из множества современных форм основаны на чувственных качествах и выразительных возможностях и ограничениях этих опций. Выбор средства и формы, а также собственная техника художника объединяются для создания уникального визуального образа.
зрители наблюдают за Хелен Франкенталер Председатель ПравленияЗрители наблюдают за Председателем Правления , синтетическая полимерная краска и фломастер на холсте, Хелен Франкенталер, 1971; в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Томаш Абад / возраст, фотостокБританская викторина
Это или То? Художник vs.Архитектор
Думаете, вы знаете своих художников? Постарайтесь вспомнить, были ли эти известные имена художниками или архитекторами.
Ранние культурные традиции — племен, религий, гильдий, королевских дворов и государств — в значительной степени контролировали ремесло, форму, образы и предметы живописи и определяли ее функции, будь то ритуальные, религиозные, декоративные, развлекательные или образовательные. Художники работали скорее как искусные ремесленники, чем как творческие художники.Позже понятие «прекрасный художник» развилось в Азии и Европе эпохи Возрождения. Выдающимся художникам был предоставлен социальный статус ученых и придворных; они подписали свои работы, определились с их дизайном, а часто и с предметом и изображениями, и установили более личные — если не всегда дружеские — отношения со своими покровителями.
В 19 веке художники в западных обществах начали терять свое социальное положение и получать покровительство. Некоторые художники противодействовали снижению поддержки патронажем, проводя собственные выставки и взимая плату за вход.Другие получали доход от передвижных выставок своих работ. Необходимость обращения к рынку заменила аналогичные (хотя и менее безличные) требования покровительства, и ее влияние на само искусство, вероятно, также было аналогичным. Как правило, художники ХХ века могли достучаться до публики только через коммерческие галереи и государственные музеи, хотя их работы, возможно, время от времени воспроизводились в периодических изданиях по искусству. Им также могли помочь финансовые награды или комиссионные от промышленности и государства.Однако они получили свободу изобретать собственный визуальный язык и экспериментировать с новыми формами, нетрадиционными материалами и методами. Например, некоторые художники объединили другие медиа, такие как скульптура, с живописью, чтобы создать трехмерный абстрактный дизайн. Другие художники прикрепляли к холсту реальные объекты в виде коллажей или использовали электричество для работы с цветными кинетическими панелями и коробками. Художники-концептуалисты часто выражали свои идеи в форме предложения о несбыточном проекте, а исполнители перформанса были неотъемлемой частью их собственных композиций.Неугомонное стремление расширить границы выражения в искусстве привело к постоянным международным стилистическим изменениям. Часто ошеломляющая последовательность новых движений в живописи была дополнительно стимулирована быстрым обменом идеями через международные художественные журналы, передвижные выставки и художественные центры. Такие обмены ускорились в 21 веке с появлением международных художественных ярмарок и социальных сетей, последние из которых предлагали не только новые средства выражения, но и прямое общение между художниками и их последователями.Хотя стилистические движения было трудно идентифицировать, некоторые художники обращались к общим социальным проблемам, включая широкие темы расизма, прав ЛГБТК и изменения климата.
Эта статья посвящена элементам и принципам дизайна в живописи, а также различным средствам, формам, образам, предметам и символам, используемым, принятым или созданным художником. По истории живописи в Древнем Египте см. египетского искусства и архитектуры. Развитие живописи в разных регионах освещается в ряде статей: западная живопись; Африканское искусство; Искусство Центральной Азии; Китайская живопись; Исламское искусство; Японское искусство; Корейское искусство; Искусство коренных американцев; Океаническое искусство и архитектура; Искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии.По вопросам консервации и реставрации картин см. консервация и реставрация произведений искусства. Для обсуждения подделки произведений искусства, см. подделка. Для обсуждения роли живописи и других искусств в религии, а также использования религиозных символов в искусстве, см. религиозный символизм и иконография. Для получения информации о других искусствах, связанных с живописью, см. статей, таких как рисунок; народное искусство; эстамп.
Сэкономьте 50% на подписке Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сегодняЭлементы и принципы дизайна
Дизайн картины — это ее визуальный формат: расположение линий, форм, цветов, тонов и текстур в выразительный узор. Именно чувство неизбежности в этой формальной организации придает великой живописи самодостаточность и присутствие.
Фредерик Р. Спенсер: Семейная группаСемейная группа , холст, масло Фредерика Р. Спенсера, 1840; в Бруклинском музее, Нью-Йорк.74 × 91,4.
Фотография Триш Мэйо. Бруклинский музей, Нью-Йорк, Фонд Дика С. Рамзи, 57.68Цвета и размещение основных изображений в дизайне иногда могут в значительной степени определяться репрезентативными и символическими соображениями. Тем не менее, только формальное взаимодействие цветов и форм способно передать определенное настроение, произвести оптические ощущения пространства, объема, движения и света и создать силы гармонии и напряжения, даже когда повествовательный символизм картины неясен.
Бесплатная доставка Красочные расписанные маслом настенные картины Рисунок мальчика Портретные картины маслом Крутые абстрактные люди на холсте | картина маслом | портретная картина масломнастенные картины
О нас: Добро пожаловать в наш магазин!
Описание продукта
Перед размещением заказа внимательно прочтите УСЛОВИЯ, указанные ниже.
Картина будет отправлена на прочных и надежных подрамниках.
Продавец несет ответственность за любую потерю или повреждение.
Если вам нужна картина другого размера, пожалуйста, сообщите мне.
Размер картины / Цена: (1 дюйм = 2,5 см) | Если вы хотите другой размер, пожалуйста, свяжитесь со мной. |
Материалы / Средний: | Толстый холст, масло высокого качества или акриловые краски Картина маслом на холсте с маслом или акрилом |
Гарантия: | 100% ручная роспись профессиональным художником разные техники рисования |
14 Деталь Рамка | без рамки, только холст Если вам нужна рамка для подвешивания, |
Техника: | 100% ручная роспись, разные техники рисования |
Примечание: |
Глория Паннка | После дождя на равнине Хэмилтон-Даунс
Jap 016819 | бумага, акварель | 36 x 54 см
Добавить в корзину ► Как купить
Нада Роулинз | Liturwarti
Jap 002693 | акрил на холсте | 101 x 84 см
Добавить в корзину ► Как купить
Нада Роулинз | Karru
Jap 002708 | акрил на холсте | 102 x 85 см
Добавить в корзину ► Как купить
Мелисса Мартин | Пурнулулу
Jap 000747 | холст, охра | 100 x 76 см
Добавить в корзину ► Как купить
Мэри Маклин | Женщины пьют у водопоя
Jap 011216 | акрил на бумаге | 85 x 65 см
Добавить в корзину ► Как купить
Куини Маккензи | Joomaling — Бутылочное дерево
Jap 006142 | охра, бумага Arches | 55 x 38 см
Добавить в корзину ► Как купить
Марго Питьяра Доббс | Моя земля
Jap 017823 | акрил на льняной ткани | 198 x 130 см
Добавить в корзину ► Как купить
Минни Нгварри Мортон | Буш лекарственные растения
Jap 016436 | акрил на холсте | 61 x 51 см
Добавить в корзину ► Как купить
Сотрудничество художников Wangkatjungka | Маршрут консервирования
Jap 001921 | акрил на холсте | 174 x 114 см
Добавить в корзину ► Как купить
Марго Питьяра Доббс | После хорошего дождя
Jap 004862 | акрил на льняной ткани | 189 x 159 см
Добавить в корзину ► Как купить
Отто Парерульта | Диапазоны West MacDonnell
Jap 012393 | бумага, акварель | 24.5 x 15 см
Добавить в корзину ► Как купить
Элейн Апверл Доббс | Пейзаж — Моя страна
Jap 011748 | акрил на льняной ткани | 101 x 105 см
Добавить в корзину ► Как купить
Джек Бриттен | Наррангуны Хиллз
Яп 012540 | холст, охра | 90 x 60 см
Добавить в корзину ► Как купить
Эвальд Наматжира | Диапазоны West MacDonnell
Jap 012395 | бумага, акварель | 29 х 18.5 см
Добавить в корзину ► Как купить
Мэдиган Томас | Jileeling — Пружины Pawpaw
Jap 000674 | холст, охра | 90 x 60 см
Добавить в корзину ► Как купить
Джимми Пайк | Rockhole
Jap 016158 | чернильные ручки на бумаге | 64 x 44 см
Добавить в корзину ► Как купить
Джек Бриттен | Purnululu — Bungle Bungles
Jap 011936 | шелкография ограниченным тиражом | 91 x 66 см
Добавить в корзину ► Как купить
Вилли Кью | Место создания Луурна в Ньирле
Яп 004941 | холст, охра | 144 x 126 см
Добавить в корзину ► Как купить
Джун Петерс | Сэнди Крик
Jap 011263 | холст, охра | 61 x 46 см
Добавить в корзину ► Как купить
Куини Маккензи | Далюин Кантри
Яп 013598 | холст, охра | 91 х 60.5 см
Добавить в корзину ► Как купить
Марго Апетярр Доббс | Хороший дождь в стране
Jap 011759 | акрил на льняной ткани | 189 x 158 см
Добавить в корзину ► Как купить
Дейзи Кемарре Мосс | Страна Моих Матери
Японец 016345 | акрил на льняной ткани | 91 x 61 см
Добавить в корзину ► Как купить
Нора Нагарра | Пурнулулу — Top Way
Jap 003955 | охра холст | 100 x 100 см
Добавить в корзину ► Как купить
Ширли Пурди | Бунаганы и Киньяны
Яп 013418 | охра на белье | 120 x 90 см
Добавить в корзину ► Как купить
Джек Бриттен | Мунджалнарины — Страна Ялатджи
Яп 013704 | охра, акрил, бумага в рамке | 75 x 57 см
Добавить в корзину ► Как купить
Мэйбл Джули | Wardang Hill
Jap 011930 | холст, охра | 100 x 100 см
Добавить в корзину ► Как купить
Джимми Пайк | Partiri Jiljikurraji
Jap 010356 | шелкография ограниченным тиражом | 60 x 42 см
Добавить в корзину ► Как купить
Эдгар Пайк | Country
Jap 006097 | акрил на холсте | 152 x 73 см
Добавить в корзину ► Как купить
Дорис Гингингара | Джунувины
Яп 011135 | шелкография ограниченным тиражом | 65 x 50 см
Добавить в корзину ► Как купить
Марго Питьяра Доббс | Пейзаж — Моя страна
Jap 011756 | акрил на льняной ткани | 151 x 104 см
Добавить в корзину ► Как купить
Марсия Пурди | Маунт Лапз — Диапазоны Леопольда
Яп 013597 | охра на белье | 121 x 90 см
Добавить в корзину ► Как купить
Мейбл Джули | Без названия
Jap 009690 | холст, охра | 61 x 76 см
Добавить в корзину ► Как купить
Нэнси Нодеа | Mistake Creek
Jap 012213 | холст, охра | 100 x 80 см
Добавить в корзину ► Как купить
Марсия Пурди | Пиканнинни Крик
Jap 011257 | холст, охра | 76 x 50 см
Добавить в корзину ► Как купить
Simple English Wikipedia, бесплатная энциклопедия
Картина Ренуара — это произведение искусства.Art — это творческая деятельность, которая выражает творческие или технические навыки. Он производит продукт, объект. Art — это разнообразная человеческая деятельность по созданию визуальных, исполнительских артефактов и выражению творческого мышления автора. Произведение искусства называется произведением искусства , чтобы другие могли его испытать. [1] [2] [3]
Некоторое искусство полезно в практическом смысле, например, скульптурная глиняная миска, которую можно использовать.Такое искусство иногда называют ремеслом .
Тех, кто занимается искусством, называют художниками. Они надеются повлиять на эмоции людей, которые это переживают. Некоторые люди находят искусство расслабляющим, захватывающим или информативным. Некоторые говорят, что люди стремятся заниматься искусством благодаря своему внутреннему творчеству.
«Искусство» — гораздо более широкий термин. Он включает рисунок, живопись, скульптуру, фотографию, перформанс, танцы, музыку, поэзию, прозу и театр.
Статуи Ботеро перед Дворцом культуры в Медельине, Коломбия Сцена из спектакля «Музыкальный Чикаго» в театре Брно.Обнаженная лежачая женщина — фотография Жана-Кристофа Дестайлера. Это изображение было размещено на Commons, и оно также является произведением искусства.Искусство делится на изобразительное искусство, когда что-то создается, и исполнительское искусство, где что-то делается людьми в действии. Другое разделение — между чистыми искусствами, созданными для самих себя, и практическими искусствами, созданными для практических целей, но с художественным содержанием.
- Пластик арт.
- Исполнительское искусство
- Практическое искусство
Некоторые люди говорят, что искусство — это продукт или предмет, созданный с целью стимулировать человеческие чувства, а также человеческий разум, дух и душу.Произведение искусства обычно оценивается по тому, насколько оно влияет на людей, по количеству людей, которые могут иметь к нему отношение, и по тому, насколько они его ценят. Некоторые люди тоже вдохновляются.
Первое и самое широкое значение слова «искусство» означает «расположение» или «упорядочивание». В этом смысле искусство создается, когда кто-то собирает предметы, обнаруженные в мире, в новый или иной дизайн или форму; или когда кто-то расставляет цвета рядом друг с другом на картине, чтобы создать изображение или просто создать красивый или интересный дизайн.
Искусство может выражать эмоции. Художники могут почувствовать определенную эмоцию и захотеть выразить ее, создав что-то, что для них что-то значит. Большая часть искусства, созданного в этом случае, создается для художника, а не для публики. Однако, если аудитория также способна соединиться с эмоцией, тогда произведение искусства может стать общественно успешным.
Здесь представлены скульптуры, наскальные рисунки и наскальные рисунки эпохи верхнего палеолита.
Все великие древние цивилизации, такие как Древний Египет, Индия, Китай, Греция, Рим и Персия, имели произведения и стили искусства.В средние века большая часть европейского искусства изображала людей из Библии на картинах, витражах и мозаичных полах и стенах.
Исламское искусство включает геометрические узоры, исламскую каллиграфию и архитектуру. В Индии и Тибете были созданы расписные скульптуры, танцы и религиозная живопись. В Китае искусство включало резьбу по нефриту, бронзу, керамику, поэзию, каллиграфию, музыку, живопись, драму и художественную литературу. Есть много китайских художественных стилей, которые обычно называют в честь правящей династии.
В Европе после Средневековья было «Возрождение», что означает «возрождение». Люди заново открыли для себя науку, а художникам было разрешено рисовать предметы, отличные от религиозных. Такие люди, как Микеланджело и Леонардо да Винчи, все еще рисовали религиозные картины, но теперь они также могли рисовать и мифологические картины. Эти художники также изобрели перспективу, при которой предметы на расстоянии кажутся меньше на картине. Это было в новинку, потому что в средние века люди рисовали все фигуры крупным планом и просто накладывались друг на друга.
В конце 1800-х годов художники в Европе, реагируя на современность, создали множество новых стилей живописи, таких как классицизм, романтизм, реализм и импрессионизм. История искусства двадцатого века включает экспрессионизм, фовизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм и минимализм.
В некоторых обществах люди думают, что искусство принадлежит человеку, который его создал. Они думают, что художник вложил в искусство свой «талант» и труд. С этой точки зрения искусство является собственностью художника и охраняется авторским правом.
В других обществах люди думают, что искусство никому не принадлежит. Они думают, что общество вложило свой социальный капитал в художника и его творчество. С этой точки зрения общество — это коллектив, создавший искусство через художника.
Функции искусства [изменить | изменить источник]
К функциям искусства относятся: [4]
1) Познавательная функция
- Произведения искусства рассказывают нам о том, что знал автор, и о том, каково было его окружение.
2) Эстетическая функция
- Произведения искусства могут делать людей счастливыми, будучи красивыми.
3) Прогностическая функция
- Некоторые художники рисуют то, что они видят в будущем, и некоторые из них правы, но большинство нет …
4) Функция воссоздания
- Искусство заставляет задуматься о нем, а не о реальности; отдыхаем.
5) Функция значения
- Что ценил художник? Какие цели в человеческой деятельности ему нравились / не нравились? Обычно это хорошо видно в работах художников.
6) Дидактическая функция
- Какого послания, критики или политического изменения хотел достичь художник?
- ↑ Различные определения в: Wilson, Simon & Lack, Jennifer 2008. Путеводитель Тейт по терминам современного искусства . Тейт Паблишинг. ISBN 978-1-85437-750-0
- ↑ Э. Гомбрич 1995. История искусства . Лондон: Phaidon. ISBN 978-0714832470
- ↑ Кляйнер, Гарднер, Мамия и Танси. 2004. Искусство сквозь века .12-е изд. 2 тома, Wadsworth. ISBN 0-534-64095-8 (том 1) и ISBN 0-534-64091-5 (том 2)
- ↑ Багдасарян, Надежда (2000). «7. Искусство как феномен культуры». Культурология . п. 511. ISBN 5-06-003475-5 .
| Викискладе есть медиафайлы, связанные с Искусство . |
Крик Эдварда Мунк
| Крик | |
|---|---|
| Художник | Эдвард Мунк |
| Год | 1893 |
| Средний | Картон, масло, темпера, пастель |
| Расположение | Национальная галерея, Осло, Норвегия |
| Размеры | 36 дюймов × 28.9 из |
| 91 см × 73,5 см | |
Картина Эдварда Мунка «Крик » — одно из самых известных произведений искусства в истории, привлекающее широкую публику даже сегодня. На самом деле существует четыре различных оригинальных версии The Scream , которые Эдвард Мач создал с использованием различных художественных средств, включая масляные краски, темпера и пастель. Крик является частью более крупной коллекции произведений искусства, которую Эдвард Мунк назвал Фриз жизни .
In The Scream — вневременной образ человека без пола с бледным лицом, стоящего у перил с обширным обзором хаотической среды. Что настолько захватывающе в этом изображении, так это то, что человек кричит, его рот широко раскрыт, руки по бокам лица, и вы можете видеть, как этот крик отражается и продолжается вдали от интенсивно кроваво-красного, оранжевого, темно-синий и черный цвет фона. Два человека встают спиной к кричащей фигуре, их черные силуэты находятся на самом краю сцены.Вдали виднеется намек на небольшой город, почти полностью теряющийся в клубящемся небе.
Два из The Scream являются картинами, а два других выполнены пастелью. Национальная галерея в Осло, Норвегия, владеет одной из картин «Крик» , в Музее Мунка находится другая картина «Крик» и одна пастель, а еще одна пастель принадлежит Петтеру Олсену. Г-н Олсен выставит на аукцион свою оригинальную пастельную работу Эдварда Мунка «Крик» на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке 2 мая 2012 года.По оценкам, только эта пастельная версия The Scream будет продаваться примерно за 80 миллионов долларов, что сделает ее одним из самых ценных произведений искусства, когда-либо выставленных на аукционе в истории.
Вдохновение для The Scream
Норвежец по происхождению, Эдвард Мунк учился в Академии Осло у известного норвежского художника Кристиана Крога. Он создал первую версию The Scream в 1893 году, когда ему было около 30 лет, и сделал четвертую и последнюю версию The Scream в 1910 году.В книге, написанной в 1900 году, он описал себя как почти схожего с ума, как и его сестра Лаура, которая в то же время была помещена в психиатрическую больницу. Лично он говорил о том, что его доводят до предела и переживает очень мрачный момент в своей жизни.
Сцена из Крик была основана на реальном месте, расположенном на холме Экеберг, Норвегия, на тропинке с перилами безопасности. Слабый город и пейзаж представляют собой вид на Осло и Осло-фьорд.У подножия холма Экеберг находился сумасшедший дом, где содержалась сестра Эдварда Мунка, а поблизости также была бойня. В некоторых отчетах описывается, что в те времена можно было слышать крики убиваемых животных, а также крики душевнобольных пациентов на расстоянии. В этой обстановке Эдвард Мунк, вероятно, был вдохновлен криками, которые он действительно слышал в этом месте, в сочетании с его личным внутренним беспорядком. Эдвард Мунк написал в своем дневнике, что его вдохновение для создания The Scream пришло из воспоминаний о том, как он гулял на закате с двумя друзьями, когда он начал чувствовать глубокую усталость.Он остановился, чтобы отдохнуть, прислонившись к перилам. Он почувствовал беспокойство и испустил крик, который, казалось, прошел сквозь всю природу. Остальное оставлено на усмотрение бесконечного диапазона интерпретаций, все из которых выражены этим провокационным образом.
Уникальный стиль The Scream и его влияние на экспрессионистское движение
Многие источники соглашаются, что способ, которым Эдвард Мунк изобразил чистые, грубые эмоции в этом произведении искусства, был радикальным отходом от художественной традиции своего времени, и поэтому ему приписывают начало экспрессионистского движения, которое распространилось по Германии и в других частях мира.Большая часть работ Эдварда Мунка связана с темами болезней, изоляции, страха и смерти.
Характерные методы, использованные для создания Крик
Одна из ранних версий этой сцены была создана Эдвардом Мунком на картонной поверхности с использованием темперы, масляных красок и пастели вместе. Другая версия сделана только темперой на картоне, и у этих ранних версий есть почти жестокие, взрывные мазки по поверхности, которые оказывают сильное воздействие на зрителя.
