Самые красивые картины в мире ( список + ФОТО )

На чтение 7 мин. Просмотров 3.5k. Обновлено 18.10.2019

Шедевры живописи по праву являются мировым наследием Человечества. Одни из картин украшают величайшие музеи мира, другие — осели в частных коллекциях. Многие из произведений художников, не признанные при жизни, сейчас продаются на аукционах за огромные деньги. Не у всех есть возможность полюбоваться воочию мировыми шедеврами живописи. Постараемся восполнить этот пробел и представим вашему вниманию самые красивые картины в мире.

 

Небольшой список самых красивых картин по версии most-beauty.ru:

 

1

 Последний день Помпеи

Для написания этой картины русский художник Карл Павлович Брюллов в 1828 году специально посетил Помпеи. Сделав небольшие наброски, живописец вернулся в Россию.

Работа над картиной продолжалась три года, с 1830 по 1833 год.

Первая картина русского художника, которая вызвала живой интерес за границей.

К примеру, Вальтер Скотт назвал ее необычной и величественной, а Александр Пушкин под впечатлением от увиденного написал стихотворение.

Действительно, через яркие образы, игру светотени, художнику удалось реально передать трагический момент гибели античного города.

 

2

 Рождение Венеры

Живописец эпохи Возрождения Сандро Боттичелли написал свой шедевр в 1486 году.

В основу великолепной картины лег древнегреческий миф о рождении богини красоты из морской пены Киприды. Но нам она больше известна под именем Афродита, в римской мифологии — Венера.

Благодаря защитному слою из яичного желтка, которым мастер предусмотрительно покрыл свой шедевр, картина в отличном состоянии сохранилась до наших дней и сейчас выставлена в галерее Уффицы во Флоренции. На нашем сайте most-beauty.ru вы можете более подробно узнать о самых выдающихся работах Сандро Боттичелли.

 

3

 Сад земных наслаждений

Самый известный и великолепный триптих нидерландского живописца Иеранима Босха сейчас выставлен в мадридском музее Прадо.

Картина несет большую смысловую нагрузку. В центральной части изображены люди, которые беззаботно придаются сладострастию.

Левая часть триптиха изображает умиротворенный и полный спокойствия райский сад, как напоминание, что человек потерял в результате греха.

Правая же часть картины Босха показывает человеку процесс адских мучений. Эта часть полна всевозможными дьявольскими механизмами и орудиями пыток.

Через множество деталей художнику удалось великолепно передать общий замысел. Триптих «Сад земных наслаждений» по праву считается самой выдающейся работой Иеронима Босха.

 

4

 Ночной дозор

Удивительные метаморфозы иногда случаются с картинами из мировой сокровищницы живописи.

Когда в XIX веке обнаружили эту картину Рембрандта, она вся была покрыта копотью.

Создавалось впечатление, что действие на картине происходит ночью, и ее назвали «Ночной дозор».

После реставрации картины, написанной художником в 1642 году, выяснилось, что действие происходит солнечным днем.

По сути, это групповой портрет, заказанный художнику 18-ю персонажами. Но Рембрандт отступил от канонов портрета и выполнил работу в движении.

 

5

 Троица

Шедевр русской иконописи «Троица» была написана Андреем Рублёвым в 1411 году.

Самая прославленная русская икона стала началом нового направления в русской иконописной традиции. Андрею Рублеву своими работами удалось доказать, что русские иконописцы вышли из-под влияния Византийской школы, и зародили свои, самобытные принципы живописи.

Достоверно доказано, что «Святая Троица», как и фрески в Успенском соборе во Владимире, принадлежат кисти великого русского иконописца Андрея Рублева.

 

6

 Свобода, ведущая народ

Романтик и мечтатель, основатель романтического европейского стиля в живописи, Эжен Делакруа не мог не коснуться в своем творчестве событий борьбы французского народа за свою свободу.

Воодушевленный народным подвигом, Эжен написал монументальную картину всего за три месяца. Центром композиции стала женщина, символизирующая свободу, с флагом республики в руках. Единство французского народа выражено в трех фигурах, рабочего, буржуа и подростка.

«Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для нее писать!» — с такими словами художник представил свой шедевр мировому сообществу.

 

7

 Девятый вал

Одна из самых выдающихся картин русского живописца Ивана Константиновича Айвазовского в ряду его других шедевров.

Написанная в стилистике романтизма, картина имеет глубокий смысл победы человека над природной стихией.

Образ девятого вала, как роковой опасности, зародился еще в глубокой древности. Художнику-маринисту при всем символизме картины, удалось реально передать волны моря и терпящих бедствие людей. Восходящее солнце, освещающее волны, дарит людям на обломках корабля, так и всем нам, надежду.

Пожалуй, на сегодняшний день, это самая красивая картина маслом, написанная в истории живописи.

 

8

 Звездная ночь

Предрассветное звездное небо на картине великого нидерландского постимпрессиониста Винсента ван Гога поражает красотой и великолепием.

Картина создает впечатление течения жизни. Вымышленный городок, уютно вписанный художником меж горных холмов, кажется, вот-вот проснется.

Звездная ночь с восходом солнца уйдет в прошлое, но художник оставил нам в память ее великолепие и неповторимость.

Сейчас одна из самых красивых картин мира находится в музее современного искусства в Нью-Йорке.

 

9

 Девушка с жемчужной сережкой

По своей красоте и великолепию картина Яна Вермеера не уступает известнейшей картине Леонардо да Винчи, потому «Девушку с жемчужной сережкой» часто называют северной Моной Лизой.

Реалистичность картина голландского художника просто впечатляет. Девушка вот-вот кого-то заметила и поворачивает к нему голову. Зрителя притягивает в первую очередь проникновенный взгляд привлекательной девушки, спорящий с красотой жемчужины в сережке девушки.

Оригинальное цветовое решение и манера исполнения картины вывело ее в настоящие шедевры мировой живописи.

 

10

 Голубые танцовщицы

У французского импрессиониста Эдгара Дега множество великолепных картин, но по красоте и эмоциональности «Голубые танцовщицы» по праву держат пальму первенства.

Удивительная картина выполнена пастелью на бумаге и сейчас хранится в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве.

Тема танцовщиц в творчестве Дега не раз повторялась, но композиционное решение и цветовая гармония этой картины впечатлила даже искушенных критиков.

Художник к моменту написания «Голубых танцовщиц» уже плохо видел, и написал ее в технике больших цветовых, ярких пятен.

 

11

 Девочка на шаре

Может кто-то и поспорит, но «Девочка на шаре» Пабло Пикассо, одна из самых великолепных картин в мире.

Вся композиция картины построена на контрасте. Женственность и грация акробатки, и сила и монументальность циркового атлета.

Унылый пейзаж противопоставляется веселости и праздности выступления артистов бродячего цирка.

Великая картина великого художника наполнена внутренним драматизмом того периода. Картина написана в 1905 году, когда Человечество находилось на пороге великих перемен и это витало в воздухе, и нашло отображение в картине.

 

12

 Мона Лиза

Признанный специалистами и мировым сообществом шедевр мировой живописи, «Мона Лиза» Леонардо да Винчи, по праву может считаться не только самой красивой картиной мира, но и самым таинственным произведением.

Загадочность улыбки девушки, изображенной на полотне, вот уже пять столетий не дает покоя критикам и живописцам. Сколько версий уже выдвигалось по вопросу, кто же изображен на великолепной картине.

Выдвигались даже версии, что это автопортрет Леонардо. Последние исследования картины ушли от образа Джоконды, и перешли к изучению пейзажа за спиной девушки.

Великому произведению величайшего мастера и самый знаменитый музей. «Мона Лиза» выставлена в одном из залов парижского Лувра.

 

В заключение

Как видим, великолепные и красивые картины написаны в разных жанрах и с использованием своеобразных технических приемов. Дополняйте в комментариях список, ведь многие шедевры не вошли в нашу импровизированную художественную галерею от most-beauty.ru.

Вполне допускаем, что у кого-то и другие предпочтения, и он выберет свой список красивых картин. Но все может быть, и сегодня за школьной партой сидит ученик, который напишет в будущем самую красивую картину, и она достойно займет свое место в ряду мировых шедевров живописи. Но самое интересное, как это часто бывает в истории, что этот школьник даже не посещает художественную школу.

В комментариях напишите, какие ещё красивые картины достойны быть в этом списке.

Васнецова, Клодта, Саврасова, Рериха, Айвазовского и других.

Приглашаем вас в «художественное» путешествие по 10 природным зонам России, изображенным на пейзажах живописцев.

Арктическая Пустыня

Александр Борисов. Весенняя полярная ночь. 1897. Третьяковская галерея

Картина «Весенняя полярная ночь» была приобретена Павлом Третьяковым для галереи прямо с выставки, а вместе с ней — еще около 60 картин и этюдов Александра Борисова, вдохновленного путешествиями по Новой Земле. Картины были действительно уникальными: зиму художники писали и раньше, но до Борисова никто из художников не отправлялся с этюдниками так далеко на север. В путевых заметках художник-первооткрыватель описывает трудности, с которыми ему пришлось столкнуться в путешествии. Да и книгу воспоминаний он назвал соответствующе — «В стране холода и смерти». И тем не менее север настолько очаровал Борисова, что ничего другого он больше не писал. Пейзажи он увековечивал на холстах, а современников-живописцев — на карте. Ледник Третьякова, мысы Куинджи и Шишкина, Крамского и Васнецова, Верещагина и Репина появились на карте Новой Земли после экспедиций Александра Борисова.

---

Тундра

Александр Борисов. На Мурмане близ гавани. 1896. Третьяковская галерея

На полотнах Александра Борисова — бесконечные снежные равнины и скупые солнечные лучи. Несмотря на замерзающие пальцы, густеющие от мороза краски и ломающиеся кисти, художник проводил за холстом долгие часы, чтобы передать вкрадчивую красоту местных пейзажей и едва уловимые нюансы света. Самая низкая температура, при которой довелось писать живописцу, — минус 39 °С.

«Это все превосходные и верные, как зеркало, картинки, строго нарисованные и необыкновенно правдиво написанные. В них ярко выразилась любовь этого русского Нансена к черной воде океана с белыми льдинами, свежесть и глубина северных тонов, то мрачных, то озаренных резким светом низкого солнца. Горы, наполовину покрытые снегом во время самого жаркого лета, берега, дали, лодки, самоеды в оленьих шкурах — всё это дышит у него особенной красотой Ледовитого океана и производит впечатление живой правды».

---

Лесотундра

Василий Переплетчиков. Михайловское озеро Архангельской губернии после дождя. 1907. Ставропольский краевой музей изобразительных искусств

Василий Переплетчиков — еще один художник, влюбившийся в неласковую северную природу. Свои первые работы он писал на Волге, в них чувствовалось влияние мэтров-пейзажистов Ивана Шишкина и Исаака Левитана. Именно в путешествиях по Архангельской губернии Переплетчиков нашел главные темы своих картин и обрел самобытный почерк. На протяжении 12 лет художник отправлялся в длительные поездки, как он сам говорил, «опять к Ледовитому океану, к большим сильным людям». Современники с большим интересом следили за работой Переплетчикова и называли его «восторженным певцом дальнего Севера».

«Природа суровая и величавая, полная жуткой прелести и неразгаданной тайны. Солнце в этой стране светит целый день, так что теряешь в конце концов представление о времени. Не то день, не то ночь. В безбрежном океане мерещатся миражи, чудятся допотопные животные, и в душу невольно заползает мистический ужас».

---

Тайга

Аполлинарий Васнецов. Тайга на Урале. Синяя гора. 1891. Третьяковская галерея

Аполлинария Васнецова называют мастером эпического пейзажа. В поисках необычной натуры живописец много путешествовал по Украине, Крыму , Кавказу, Италии и Швейцарии. Но по-настоящему его воображение увлекла суровая природа Урала и Сибири. «Художник, который пишет по впечатлению», как называл Васнецова Константин Коровин, создавал по этюдам собирательный былинный образ. Природа в его картинах становилась более таинственной и величественной, чем в реальности. Чем дольше присматриваешься к картине, тем больше укрепляется ощущение, что из таежной чащи вот-вот появится Иван-царевич на Сером волке с картины Виктора Васнецова, старшего брата Аполлинария Васнецова.

«Характер Урала и его природа очень мне напоминали Вятский край: те же хвойные леса, увалы, только грандиозных размеров, а леса — щетина тайги по хребтам гор, вместо одиночек елей — гигантские кедры. Потому-то, вероятно, я несколько лет и делал, что писал уральские пейзажи».

---

Лес

Андрей Шильдер. Березовый лес. 1908. Ставропольский краевой музей изобразительных искусств

В реальности пейзажа, изображенного на картине, не существовало. Андрей Шильдер, как и другие представители питерского лагеря пейзажистов, свои картины придумывал, а не писал с натуры. Художник хранил целые альбомы с зарисовками деревьев, а потом компоновал их под каждую новую картину. Сейчас «Березовый лес» находится в собрании Ставропольского краевого музея изобразительных искусств.

Читайте также:

«Ему ничего не стоило сделать на товарищеском вечере сложный рисунок соснового леса или опушку березовой рощи. И надо отдать справедливость — дерево он знал и легко справлялся со всеми трудностями в передаче листвы».

---

Лесостепь

Михаил Клодт. Волга под Симбирском. 1881. Иркутский областной художественный музей им. В.П. Сукачева

Михаила Клодта часто называют мастером лирического пейзажа. Художник бывал в Швейцарии и Франции, но ни заграничная природа, ни европейская школа живописи его не заинтересовали. Расцвет творчества Михаила Клодта случился после возвращения в Россию, когда он увлекся сельскими пейзажами. Картина «Волга под Симбирском» написана художником в то время, когда он оставил Товарищество передвижников и отправился путешествовать по стране. Сейчас картина находится в собрании Иркутского областного художественного музея им. В.П. Сукачева.

«Клодт ищет только схватить русскую природу во всей ее неказистости, без всякой претензии на парад и золотом шитый мундир, без чего другие пейзажисты не представляют себе природу. Но зато сколько истинного, глубокого наслаждения приносят его правдивые картины».

---

Степь

Алексей Саврасов. Степь днем. 1852. Русский музей

В 1849 году начинающий художник Алексей Саврасов отправился за вдохновением на Юг России. Бескрайние степные просторы и высокое прозрачное небо поразили его воображение. Вернувшись, он написал серию пейзажей, и критики заговорили о нем как о надежде русского искусства. Одной из ключевых работ этого времени стала картина «Степь днем», где степь предстает расстилающимся до горизонта пространством, наполненным мягким золотистым светом. Сейчас она хранится в Русском музее.

«С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле… и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества».

---

Полупустыня

Константин Богаевский. Старая Феодосия. 1924. Феодосийский музей древностей

Константин Богаевский много времени уделял изучению истории и даже создал особый жанр «археологического», или исторического, пейзажа. Чаще всего в его картинах возникал образ древней Киммерии, воплощенный в видах родной Феодосии. Генуэзская крепость на картинах художника — не просто символ города, но и образ, соединяющий старинный город Кафа с Феодосией XX века.

«Точно так же исторический пейзаж стремится стать историческим портретом земли. Лицо земли складывается геологически, так же, как человеческое лицо — анатомически, и точно так же определяется морщинами, шрамами и ранами, оставленными на нем стихиями и людьми: знаками мгновений. В этом — смысл Исторического Пейзажа».

---

Пустыня

Николай Рерих. Корабль пустыни (Одинокий путник). 1935–1936. Международный центр-музей им. Н.К. Рериха

Николай Рерих — не просто художник, он философ и путешественник. Его пейзажи — удивительный пример мистического реализма, когда вполне привычные предметы обретают глубинное символичное значение. Виды пустыни художник пишет во время научной экспедиции, совмещая работу исследователя с написанием картин и созданием философских очерков.

«Н.К. Рерих был подвижником культуры всемирного масштаба. Он поднял над планетой Знамя Мира, Знамя Культуры, тем самым указав человечеству восходящий путь совершенствования».

---

Субтропики

Иван Айвазовский. Вечер в Крыму. Ялта. 1848. Феодосийская картинная галерея им. И.К. Айвазовского

Художник Иван Айвазовский выбрал для себя три ведущие темы: изображение морской стихии, исторических баталий и крымских пейзажей. Крымская природа привлекала художника своей переменчивостью. Уловить ее ускользающие оттенки так же непросто, как и запечатлеть сменяющие друг друга морские волны. На картине «Вечер в Крыму. Ялта» художник сумел передать блики закатного солнца. Звучные лилово-розовые тона на дальнем плане бледнеют в тени скал. Пройдет еще несколько минут, солнце опустится в море — и цветовая гамма преобразится.

«…Айвазовский, кто бы и что ни говорил, есть звезда первой величины во всяком случае и не только у нас, а в истории искусства вообще».

10 картин, которые изменили мир искусства

История мировой живописи насчитывает десятки тысяч лет. Наскальные рисунки в пещере Альтамира или живопись, созданная при помощи искусственного интеллекта, вес это яркие феномены на карте визуального искусства.

В данной подборке мы поговорим о самых значимых картинах когда-либо созданных.

Джотто ди Бондоне «Стигматизация Святого Франциска»

Джотто ди Бондоне художник, значимость которого для истории изобразительного искусства сложно переоценить. Хотя его творчество и приписывают в ряды проторенессанса Джотто более всех повлиял на великих художников Высокого Возрождение. Он первые в истории мировой живопись отходит от средневековых канонов. Джотто обращается к совершенно новым способам изображения.

Его новаторский подход к живописи проявляется в картине  «Стигматизация Святого Франциска» написанной  в 1300 году. Именно в этой работе Джотто кардинально отходит от византийских канонов изображения. Его образы выразительны, он передает характер, эмоции персонажей картины, что было новаторством для того времени. Также Джотто впервые вводит в картину пейзажные элементы, изображая природу как  земной пейзаж.

Джотто нарушает и изображение двумерного пространства, которое было свойственно средневековой живописи. Впервые в изобразительном искусстве появляется трехмерное пространство, то есть перспектива. Джотто обращается к свето-теневой моделировки объемов и пространства. В «Стигматизация Святого Франциска» художник переосмысляет сюжет и образы святого писания, что затем взяли на вооружения последующие поколения живописцев.

Мазаччо «Изгнание из рая»

«Изгнание из Рая» написанная Мазаччо 1425-1427 годах. Впервые в истории изобразительного искусства художник изображает нагое тело.  Тела изображены с соблюдением правильных пропорций, пластики и характерными жестами. Фигура Адама не просто находится в пространстве, а она стоит на земле. Мазаччо убедительно передает эмоциональное напряжение. Ева, скорее, обычная женщина, чем библейский персонаж. Мозаччо не только вводит чувства и эмоции в изображение людей, но и лишает религиозные сюжеты мистики присущей живописи средневековья.

Микела́нджело Меризи да Карава́джо «Призвание апостола Матфея»

 Караваджо один из самых романтизированных художников в истории искусства. Его живопись сложно отнести к определенному течению. В его работах есть Возрождение и барокко, но она много в чем повлияла на развитие романтизма и реализма девятнадцатого столетия.

В картине «Призвание апостола Матфея» впервые в изображение жанровой сцены вводит религиозных персонажей. Таким образом, повседневное, реалистичное сплетается с небесным миром. Все персонажи изображены как обычные люди,- Караваджо наделяет их человеческими чертами и эмоциями и чувствами, придает персонажам глубокий психологизм. А сама картина приобретает за счет игры света и тени глубокий драматизм, при этом библейская сцена разыгрывается в вполне обычном, повседневном интерьере.

Рембрантд «Ночной дозор» 

«Ночной дозор» Рембрандта, пожалуй, одна из самых цитируемых работ в мировой культуре. Получив заказ для Стрелкового общества, Рембрандт отказывается от каноничного изображения групповых портретов. Он строит композицию картины на резком контрасте света и тени. Динамичность и эмоциональную напряженность картине, также придает манера письма Рембрандта.

Он пишет резкими, прерывистыми мазками не уделяя особого внимания прорисовки деталей. Свет, как бы выявляет лица, а не прорисовывает их. Затемненные зоны и цветовые пятна, создаю динамичную игру массы фигур. То, как Рембрандт пишет «Ночной дозор» во много предвосхищает живопись девятнадцатого века в частности импрессионизм и реализм.

Вильям Тернер «Дождь, пар и скорость» 

Вильям Тернер был довольно успешным художником. Его ранние картины хорошо продавались и были написаны в традиционном для того времени ключе. Но, на закате своих лет Тернер меняет свою живописную манеру, что стало причиной его забвения на долгие годы. Художника всегда интересовало свет и его физические свойства, в конце своей жизни Тернер начинает экспериментировать в своей живописи.

В одной из самых знаменитых и значимых для истории живописи картин «Дождь, пар и скорость» Тернер практически становится основоположником импрессионизма. В этой картине художник использует приемы, которые потом взяли за основы импрессионисты. Он пытается изобразить момент, который не статичен, а находится в движении. Как и импрессионисты, Тернер пишет отрывистыми мазками, часто смешивая краску на холсте. В картине «Дождь, пар и скорость» Тернер обращается к свету, как к источнику живописи, который создает цвет.

Клод Моне «Впечатление. Восход солнца»

История современного искусства начинается с того самого момента как Клод Моне впервые выставляет свою картину « Впечатление. Восход солнца». Импрессионизм революционное движение зародившееся во Франции в конце девятнадцатого века. Именно картина «Впечатление. Восход солнца» Моне вызвала широкий резонанс и заставила говорить об импрессионистах.

Впервые в истории живописи картина пишется не в студии, а непосредственно на природе, так же революционным было и то, что импрессионисты не смешивали краски. И главным для них было невозможность реалистичного передачи, а возможность запечатления момента. Импрессионизм дает толчок к развитию многих авангардных течений в изобразительном искусстве, и предопределяет развитие искусства двадцатого века.

Анри Матисс «Красная комната» 

Если Клод Моне и его «Восход солнца» это живопись света, то Матисс и его «Красная комната»  — это живопись цвета. Именно Матисс обращается к цвету как объекту, который формирует композицию картины. Он работает с цветом, как художники до него работали с сюжетом. Цвет это то, что задает тон, эмоциональную насыщенность произведения. Матисс в полотне «Красная комната» упрощает формы, делая их почти примитивными, при этом на первый план выходит игра цвета, его насыщенность. Можно сказать, что Матисс в этой своей работает как абстракционист, живописец цветового поля.

Главное в этой картине  интенсивность цвета, в которой растворяется фигура женщины и интерьер самой комнаты. Матисс упрощает живопись, делая ее почти декоративной. «Красная комната» Матисса дает толчок к развитию, таких направлений в искусстве как абстракционизм и живопись цветового поля.

Пабло Пикассо – «Авиньонские девицы» 

Пабло Пикассо художник, который работал в разных техниках и жанрах искусствах. Но, одним из главных его достижений считается изобретение наравне с Браком – кубизма. Главной картиной, которая разрушает привычные восприятия изображения, является картина «Авиньенские девицы».

Пикассо не только искажает формы человеческого тела, придавая им геометрическое очертание, но и разрушает привычное понимание красоты женского тела. Он эстетизирует совершенно другие визуальные принципы, с этого момента восприятие реальности живописи меняется. Реальность более не служит основой для изображения человека и окружающего его мира.

Казимир Малевич «Черный квадрат» 

«Черный квадрат» одна из самых знаменитых картин в мире. Более значимой картины для искусства сложно найти. Впервые живопись  отказывается от изображения. Малевич создает первое по-настоящему абстрактное полотно, в котором главное действующее лицо это цвет и форма. Ко всему прочему, Малевич говорит о «Черном квадрате» как об иконе, а не как о картине. Художник ставит вопрос об возможности чистого творчества, в котором нет места ни предметам, ни сюжетам. Есть только чистая форма и цвет, как самые основополагающие элементы бытия.

Энди Уорхол «Банка супа»

«Банка супа» Энди Уорхола культовая вещь для искусства двадцатого века. Энди Уорхол противопоставляет свое искусство абстрактному экспрессионизму, который в то время приобретает статус главного направления в искусстве. Картина  «Банка супа» — это не только протест против живописи действия, но перевод изобразительного искусства в совершенно другое пространство. Наравне с Дюшаном Уорхол, говорит об том, что искусство может быть чем угодно, и заниматься им может каждый. ►

Читайте далее

Подписка на нашу рассылку исцеляет от всех известных науке заболеваний,
открывает чакры и создает постоянный канал связи с космосом.

20 картин, заряженных солнечной энергией

Многих из нас это лето не балует солнечной и теплой погодой, но AdMe.ru уверен: это не повод унывать. Мы знаем наверняка, что подлинное искусство способно согревать.

В этом обзоре мы собрали работы современных художников, воспевающих солнце во всех его проявлениях: от запутавшихся в тумане утренних лучей до последних отблесков вечерней зари. Осторожно: на картинах столько летнего воздуха, что может закружиться голова.

Солнечные зайчики Лорана Парселье

Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.

Уютные цвета Педро Ролдана Молина

Испанца Педро Ролдана Молина (Pedro Roldán Molina) отличает любовь к теплым цветам и особая техника исполнения картин: сочетание гладких и объемных текстур, включение в реалистичные работы элементов импрессионизма. В его живописи сказка легко и изящно соединяется с обыденностью.

Закатное море Альфредо Наварро 

Альфредо Наварро (Alfredo Navarro Montllor) влюблен в море, и, кажется, оно отвечает ему взаимностью. Его отец был художником и всегда поддерживал сына в  его художественных начинаниях. Альфредо начал рисовать с 5 лет, постепенно отец учил его технике масляной живописи, и с 13 лет мальчик начал писать маслом. Наварро считает свой метод работы пограничным между реализмом и гиперриализмом.

Прозрачное утро Оксаны Кравченко

Любимая тема екатеринбургской художницы Оксаны Кравченко — красота и свежесть цветов. В ее работах доминируют прозрачный свет, пастельные цвета и общее настроение нежности и неподдельного счастья.

Деревенские дворы Вячеслава Палачева

Пейзажист Вячеслав Палачев — художник в третьем поколении. На своих картинах он не просто изображает деревенские виды: внимание к деталям и неподдельная любовь к природе помогают передать тончайшие переходные состояния — утренний туман, последние лучи заходящего солнца, свежесть после дождя. В эти картины хочется окунуться с головой.

Солнце Греции в акварели Пантелиса Зографоса

Пантелис Зографос (Pantelis Zografos), сын и внук художников, родился в Афинах и жил в Греции вплоть до 1971-го года, а затем переехал в США. Там художник живет и по сей день. Акварели с видами Греции – это дань Родине и людям, которые сформировали его как личность. В каждой картине заметна ностальгия по родным краям. Возможно, именно она помогает художнику создавать настолько яркие и пронзительные полотна.

Распахнутые окна Стивена Дарбишира

Картины Стивена Дарбишира (Stephen Darbishire) можно описать одним словом — «уют». Художник живет на ферме в горах и наслаждается красотой окружающих пейзажей, сменой времен года и простыми радостями деревенской жизни. Его работы дышат покоем и умиротворением.

Небесная симфония Скотта Нейсмита

Картины шотландского художника Скотта Нейсмита (Scott Naismith) вдохновлены природой его родной страны, их можно назвать гимном этого живописного края. Небо, земля, море – вот и все, на чем концентрирует свое внимание художник – яркие полоски цвета, переданные с поразительной реалистичностью, несмотря на явный схематизм изображения.
 

Лучистая акварель Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Летние каникулы Каролин Блиш

Глядя на акварели Каролин Блиш (Carolyn Blish) трудно поверить, что всё её художественное образование уместилось в две недели уроков у известного художника Эдгара Уитни. Сейчас Каролин является членом американского Акварельного Общества и американской Лиги профессиональных художников. А мы можем любоваться ее солнечными работами, от которых веет теплом беззаботного детства.

Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве: конспект книги «Почему в искусстве так много голых людей»

Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.

Bсе ли картины вставляют в рамы?

Пит Мондриан. Композиция с желтым, красным, синим, черным и серым. 1920

1 из 2

Жорж Сёра. Воскресный день на озере Гранд-Жатт. 1884

2 из 2

Цитата из книги

«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.

Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира. Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.

Он разрушил эти стены!

Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.

Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»

Комментарий

Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель. Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.

Почему все плоское?

Небамон охотится на болотах. Гробница Небамона, ок. 1350 г. до н. э.

1 из 2

Жан Метценже. Стол у окна. 1917

2 из 2

Цитата из книги

«Не все предметы искусства выглядят объемными.

Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.

В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.

Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским. Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.

Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.

В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.

Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.

<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?

Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».

Комментарий

Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов. Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.

Почему в искусстве так много голых людей?

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1486

1 из 2

Ив Кляйн. Антропометрия без названия. 1960

2 из 2

Цитата из книги

«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.

Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.

Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.

В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!

Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.

В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».

Комментарий

Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно. Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании. С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.

Нужно ли знать сюжет картин?

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851–1852

1 из 2

Корнелия Паркер. Холодная темная материя: наблюдение за разрушением. 1991

2 из 2

Цитата из книги

«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.

Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.

Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.

<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.

Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.

За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.

Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!

Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».

Комментарий

В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины. Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.

Кто все эти люди?

Эдвард Хоппер. Китайское рагу. 1929

1 из 2

Марк Куинн. Я. 2006

2 из 2

Цитата из книги

«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?

В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.

<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей. В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.

И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!

<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.

По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».

Комментарий

Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины. А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.

Зачем на картинах фрукты?

Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1899

1 из 3

Ян ван Кессель. Натюрморт «Ванитас». 1665–1670

2 из 3

Джон Лорбир. Тарзан/Стоящая нога. 2002

3 из 3

Цитата из книги

«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?

В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.

Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.

Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…

Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!

Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах. Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.

<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!

Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.

<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.

Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.

Комментарий

Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает. В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.

Почему художники так любят пейзажи?

Каспар Давид Фридрих. Странник над морем тумана. 1818

1 из 3

Христо и Жан-­Клод. Окруженные острова, Бискайский залив, Майами, Флорида. 1980–1983

2 из 3

Цитата из книги

«Веками люди изображали поля, города и горы.

Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.

Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.

Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.

<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.

На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.

Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.

Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».

Комментарий

Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти. Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.

Как понимать абстрактное искусство?

Жоан Миро. Карнавал Арлекина. 1924–1925

1 из 2

Барбара Хепуорт. Три формы. 1935

2 из 2

Цитата из книги

«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.

Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.

<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.

Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».

Комментарий

Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.

Почему искусство так дорого стоит?

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888

1 из 3

Бэнкси. Служанка в Лондоне. 2006

2 из 3

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной сережкой. 1665

3 из 3

Цитата из книги

«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.

Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.

Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.

Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.

Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?

Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.

Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.

За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».

Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».

Комментарий

Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.

Как отличить хорошее искусство от плохого?

Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Ноктюрн в черном и золотом (Падающая ракета). 1875

1 из 4

Анри Руссо. Нападение в джунглях. 1891

2 из 4

Поль Гоген. Видение после проповеди. 1888

3 из 4

Марсель Дюшан. Фонтан. 1917

4 из 4

Цитата из книги

«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.

В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.

Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.

Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.

Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».

Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.

Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?

Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации. Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.

Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».

Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.

Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.

Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».

Комментарий

Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.

Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти. Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.

Издательство «Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской

12 известных художников-самоучек, добившихся большого успеха

Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?

Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.

Известные художники самоучки и их картины

Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.

Они почему-то полагают, что художник — это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.

Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.

Смело скажу — это все чепуха!  Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!

Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.

Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.

1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin

Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.

Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.

Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером

В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству, бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.

Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.

Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.

Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.

Картины Поля Гогена

Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.

2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)

История этого мастера — в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.

При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях. А затем начал писать картины на собственные сюжеты.

В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.

Картина Джека Веттриано

Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это — без академического образования — в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.

3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau

Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.

В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.

Картины Анри Руссо

Ещё при жизни художника его картины высоко оценили Пикассо, Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.

4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo

Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.

Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.

Картина Мориса Утрилло

Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции. После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.

5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck

Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе — родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.

Картина Мориса де Вламинка

До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.

6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen 

Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.

Картины Аймо Катаяйнен

 Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.

7. Иван Генералич / Ivan Generalić

Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.

Картина Ивана Генералича

После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.

8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson 

Moses (она же Бабушка Мозес)

Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.

Картина Анны Мозес

Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена. Примечательно, что прожила художница 101 год!

9. Екатерина Медведева

Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.

Картина Екатерины Медведевой

10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson

Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет, а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.

Картины Кирона Уильямса

Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.

11. Пол Ледент / Pol Ledent

Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал  живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.

Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.

Картины Пола Ледента

По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими  художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов . Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.

12. Хорхе Масьел  /

JORGE MACIEL

Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и  красочные натюрморты.

Картины Хорхе Масьел

Этот список  художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).

Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!

Все они — подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.

Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта — об этом мы уже говорили в отдельной статье... Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.

Как видите, рисовать художники самоучки начали в разном возрасте, и часто, когда возраст переваливает за 40… и живут они во всех странах мира без огранечения!

Если вы все еще не рисуете, но проявляете к этому интерес, то загляните в раздел Мастер Классы, где сможете подобрать для себя подходящий видео урок.

Будьте решительнее и окунитесь в чудесный мир творчества и искусства!

Видео для размышления: Что произойдет с вами, если вы начнете рисовать красками: 8 вещей, которые изменят вашу жизнь

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

 

Статьи — Красивые картины маслом. Пейзажи — Галерея Art Icon

Природа считается одной из самых востребованных тематик в современной живописи. Во многом популярность пейзажей обусловлена способностью хорошо вписываться в интерьер. С помощью холстов каждый человек сможет поделиться собственной индивидуальностью и раскрыть характер своим близким или гостям дома.

Несмотря на то, что появился жанр еще в 7 веке, интерес к нему будоражит как простых зрителей, так и художников. Сила природы: бушующее море, городской парк, бытность глубинки, — вдохновляют и завораживают. А картины маслом помогают полнее отобразить не только сюжет полотна, но и эмоции творца. Причем может быть продемонстрировано как сиюминутное настроение, так и более глубокие переживания, выражаемые с помощью стилистических приемов, цветовой гаммы, игры светотени и т.д. Чтобы убедиться в этом, рассмотрим работы Hong Leung и Дмитрия Кустановича.

Содержание:

1. Пейзажи маслом Hong Leung;
2. Кустановича.

Пейзажи маслом Hong Leung

Если вы хотите почувствовать себя по-настоящему свободным, взгляните на холсты этого китайского художника. Простор, невероятная широта души и творчество, не скованное рамками и академическими приемами, чувствуются в каждой детали. Сочетание несочетаемого – вполне конкретных сюжетов и абстрактного отображения – не противоречит друг другу, а уравновешивает эти компоненты. Все как и в жизни.

Hong Leung никогда не страдал депрессией. И его творчество наглядно отображает это. Способность слиться с природой в единое целое, где бы это ни происходило, — одна из отличающих его черт. Чтобы убедиться в этом, достаточно взглянуть на утомленный солнцем пляж в огнях большого города или утреннюю морскую гладь, проглядывающуюся через густой туман.

Hong Leung учился живописи самостоятельно. И отчасти именно это стало одним из причин успеха художника. Свобода в движении кисти, твердая уверенность в собственной правоте, использование нетипичных для пейзажа приемов и «чистых» цветов – все это стало причиной того, что художник заслужил высокую оценку критиков. Теперь летние манящие рассветы, раскидистые ивы и самые затерянные частички Китая украшают картинные галереи и частные коллекции поклонников со всего мира

.

Пейзажи Д. Кустановича

В отличие от акварели, масло позволяет написать объемные изображения и придавать полотнам динамику. Этим активно пользуется петербуржец Д. Кустанович, представитель импрессионизма. Мастерски владея мастихином, мэтр воссоздает оживающие полотна. Они тонко передают философию и мироощущение творца.

Пейзажи Кустановича полны живых, неподдельных эмоций. Им характерны резкие линии, богатые, контрастные краски. Многие полотна будто вырваны из действительности и предстают в наиболее красочном воплощении. Мастер пишет довольно простые композиции и сюжеты: кружащиеся в озорном хороводе бабочки или вечерний город, едва просматривающийся через пелену осеннего ливня. Однако оригинальная авторская подача позволяет переосмыслить реальность. Наверное поэтому, по заверению критиков, работы Кустановича помогают расширить сознание и взглянуть глубже – внутрь самого себя.

Если вы хотите прикоснуться к прекрасному и прочувствовать силу масла, загляните в галерею современного искусства Art Icon. На страницах нашего сайта вы найдете работы как начинающих художников, так и признанных мэтров. Экспериментируя с цветами и формами, они каждый раз по-новому преподносят пейзаж: городской, морской или деревенский. Возможно, работа одного из них станет лучшим украшением вашего дома.

10 знаменитых пейзажей и картин природы

Создание картин природы следует двум различным школам: китайской пейзажной живописи и западному искусству. Знаменитые картины природы подразделяются на различные категории: от очень реалистичных изображений природы, подробных акварельных иллюстраций различных видов животных и новых открытий мира до потрясающих примеров абстрактных пейзажных картин и самых знаменитых нефигуративных картин 20 век.

Чистое очарование художников, природа — прекрасное место, где можно запечатлеть внутренние чувства и прогрессивные идеи нового эстетического языка и тенденций. В прошлом художники часто воссоздали природу в своих студиях, и эти модели помогли им создать одни из величайших образов в истории искусства. С рождением авангардного движения импрессионизм художники переехали в сельскую местность и начали рисовать на пленэре . Изучая изменчивый свет и исследуя восприятие цвета, природа стала отправной точкой для крупных достижений, навсегда изменивших лицо искусства.Для многих картина Клода Моне, особенно его серия исследований света в Руанском соборе, провозглашала абстракцию в искусстве. Пионер-абстракционист Василий Кандинский использовал природу как отправную точку для своих картин, в которых основное внимание уделялось идеям духовного и суггестивного в искусстве. Сегодняшние пейзажи демонстрируют важность живописи на открытом воздухе, которая продолжает восхищать художников-пейзажистов.

Знаменитые картины природы, которые следуют ниже, демонстрируют мастерство художественных достижений и считаются одними из самых популярных картин природы.Прокрутите вниз и изучите некоторые из знаменитых картин известных художников-натуралистов.

Featured image: Винсент Ван Гог — Пшеничное поле с кипарисами. Изображение взято с wikimedia.org; Клод Моне — Стога сена. Изображение через widewalls. ch; Анри Руссо — Мечта. Изображение взято с wikipedia.org

Водяные лилии — Клод Моне

Знаменитый французский художник Клод Моне был одним из самых прославленных импрессионистов, чьи натурные картины хорошо известны в истории искусства.Исследуя изменчивую природу света и восприятие чистого цвета, его картины определили стиль импрессионизма. Его знаменитая серия Кувшинки , а также его картины Стога сена и Le Dejeuner sur l’Herbe (вдохновленные шедевром Мане) демонстрируют новую технику — en plein air . Вынося мольберт на улицу, Клод Моне был одним из многих художников-импрессионистов и постимпрессионистов, которые пропагандировали прямой контакт с природой и использовали его для развития новых тенденций в живописи.

Featured image: Клод Моне — Водяные лилии. Изображение взято с wikimedia.com

Звездная ночь — Винсент Ван Гог

Дикие и выразительные картины голландского художника-постимпрессиониста Винсент Ван Гог стали приобретать широкую популярность только после смерти художника. Его картины с природой — не только одно из самых выразительных произведений, но и образы, которые для многих действуют как следы внутренней работы и смятения души автора.Его холсты сочатся кружащимся, густым и ярким цветом, что видно на одной из его самых известных (и любимых) картин «Звездная ночь ». Другие известные картины природы, созданные художником, — это Wheatfield Under Clouded Sky и Daubigny’s Garden , оба из которых он написал в последние недели своей жизни.

Featured image: Винсент Ван Гог — Звездная ночь. Изображение взято с wikimedia.com

Глостер-Харбор — Уинслоу Гомер

Американский художник-самоучка Уинслоу Гомер сначала работал коммерческим иллюстратором.Очарованный природой, он начал исследовать традиционную масляную среду и вскоре стал известен своими пейзажами и морскими сюжетами, созданными во время его рабочих каникул. Его картина природы Gloucester Harbour демонстрирует красоту цвета, изменчивый свет и безмятежную атмосферу отпуска на море. Другие картины художника, вдохновленные природой, включают Sunlight on the Coast , часть коллекции Художественного музея Огайо Толедо, Song of the Lark и Cloud Shadows .

Featured image: Уинслоу Гомер — Глостер-Харбор. Изображение взято с wikiart.com

Oxbow (Река Коннектикут около Нортгемптона) — Томас Коул

Американский художник Томас Коул считается основателем Школы реки Гудзон . Школа была основой движения XIX века, созданного рядом художников-пейзажистов, эстетическое видение которых находилось под влиянием романтизма. Этот традиционный период способствовал развитию диких и выразительных качеств, которые природа считала основой для более глубоких философских тем.Коул был известен своими красивыми и реалистичными картинами, изображающими суровую дикую природу Америки, как показано в его картинах «Отдаленный вид на Ниагарский водопад» , «Дом в лесу» и «Oxbow ». Для многих его картины являются формой аллегорического искусства, поскольку они часто скрывают темы, которые выходят за рамки простых изображений природы.

Показанное изображение: Коул Томас — Оксбоу (река Коннектикут около Нортгемптона). Изображение с wikimedia.org

Солнечный свет и тень — Болота Ньюбери — Мартин Джонсон Хид

Американский художник-пейзажист Мартин Джонсон Хид большую часть времени путешествовал по тропикам, где его вдохновили нарисовать множество изображений с цветами и птицами.Изучая окружающий мир, он начал специализироваться на изображениях солончаков на побережье Новой Англии. Его картина « Солнечный свет и тень: болота Ньюбери » не только отражает его интерес к этой теме, но также отображает подробный анализ ландшафта. Его другие известные картины природы включают скал в Новой Англии , Пейзаж Род-Айленда и Восход солнца в Никарагуа .

Показанное изображение: Мартин Джонсон Хид — Солнечный свет и тень, Болота Ньюбери. Изображение с wikimedia.org

Взгляд вниз по долине Йосемити — Альберт Бирштадт

Немецко-американский художник Альберт Бирштадт был связан с движением «Школа реки Гудзон», вдохновленным американским Западом. Красота природы и ее дикая природа часто были предметом его знаменитых картин природы. Среди его знаменитых картин природы, которые многие связывают также с Движением школы Роки-Маунтин, является его картина Глядя вниз на долину Йосемити .

Показанное изображение: Альберт Бирштадт — Взгляд вниз по долине Йосемити. Изображение с artsbma.org

Дорога возле Мон-Сент-Виктуар — Поль Сезанн

Поль Сезанн был французским художником и видным деятелем постимпрессионистского движения. Прославленный как один из революционных художников-авангардистов 20-го века, Сезанн отказался от традиционного правила перспективы в искусстве и сосредоточил свои работы на исследовании формы и цвета. Его забота о независимом качестве объектов в своих работах привела к уплощению поверхности и использованию геометрических форм, которые позже вдохновили движение кубизма. Его знаменитая картина с изображением природы « Road Near Mont Sainte-Victoire » демонстрирует его интерес к выражению природы и ее элементов посредством использования основных геометрических форм и плоских участков ярких цветов.

Featured image: Поль Сезанн — Дорога недалеко от Мон-Сент-Виктори. Изображение взято с wikiart.org

Фламинго — Анри Руссо

Французский художник-постимпрессионист Анри Руссо , как известно, утверждал, что у него « нет другого учителя, кроме природы ».Как художник-самоучка, многие определяют его работу как следствие тенденции наивного искусства и прославляют его стиль и изображение природы и человеческой фигуры. Известный своими изображениями джунглей, его картина природы «Фламинго » и знаменитая работа «Сон » демонстрируют сопоставление реального и воображаемого.

Рекомендуемое изображение: Анри Руссо — Фламинго. Изображение взято с allpaintings.org

Пейзаж Черной Мезы, Нью-Мексико — За домом Мари — Джорджия О’Киф

Художник Джорджия О’Киф известна как мать американского модернизма.Тесно связанная с новаторскими европейскими художниками 20-го века, ее цель заключалась в том, чтобы сделать естественный мир абстрактным , чтобы сделать его более эстетически привлекательным. Она специализировалась на производстве крупномасштабных картин с цветами. Проведя много времени в Нью-Мексико, где она купила ранчо, ее картины были отмечены как одни из первых абстрактных и стилизованных изображений природы. Разноцветные скалы пейзажа Нью-Мексико вдохновили ее знаменитую картину Пейзаж Черной Мезы , а также Белый дворец .Некоторые из ее знаменитых цветочных картин — Pineapple Bud и Calla Lilies on Red .

Показанное изображение: Джорджия О’Киф — Пейзаж Черной Мезы, Нью-Мексико — За домом Мари. Изображение с pinterest.com

Птицы Америки — Джон Джеймс Одюбон

Французско-американский художник Джон Джеймс Одюбон также был орнитологом и естествоиспытателем. Его знаменитая книга « Птицы Америки » стала основным источником информации в области орнитологии, и ему приписывают открытие 25 новых видов птиц.Его знаменитые и детализированные картины природы и дикой природы включают работы Golden Eagle , American Crow и White Gyrfalcons . Ряд важных учреждений, прославляющих природу, носят его имя как честь его достижений как художника и исследователя мира.

Показанное изображение: Джон Джеймс Одюбон — Птицы Америки. Изображение взято с edenkeeper.org. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

30 самых красивых фотографий природы

Вы можете спросить любого архитектора о природе, и он вам ответит, что нет большего вдохновения для молодого или даже более опытного архитектора, чем природа. И это, конечно, имеет большой смысл, потому что природа была здесь первой, природа знает, как все устроено, и природа фактически является основой архитектуры.
В сегодняшней коллекции проектов «30 самых красивых фотографий природы» мы решили дать вам часть того вдохновения, которое природа должна дать вам.

Внимательно рассмотрев следующие фотографии, вы увидите множество удивительных и почти невероятных пейзажей, которые вы просто не можете видеть каждый день.Вам нужно уехать куда-нибудь подальше от цивилизации, где не будет никаких загрязнений. Например, если вы хотите пойти в лес и послушать звуки природы, вам нужно уехать куда-нибудь подальше от города, чтобы не было звукового загрязнения. То же самое касается светового загрязнения и худшего вида загрязнения, создаваемого людьми, мусором и газами.
Все, что вам нужно сделать, это хотя бы раз в жизни сходить в далекий лес, чтобы оценить чистоту воздуха, который вы там найдете. Наслаждаться!

лори-скалы:

(Источник: 1000scientists, через h4rmit)

зловещих мест:

Магия в лесу, автор deiiff88.

(через причудливую ностальгию)

зловещих мест:

Тропа в темном лесу, автор: DjLuke9.

(через kennyrnw)

путешествияцветов:

Ботафого, Рио-де-Жанейро | Бразилия (Алан Сибра)

путешествияцветов:

Бассейн с гейзером Йеллоустоун | Вайоминг (по Digital_hh)

(Источник: Spiritwitchdream, через причудливую ностальгию)

эоцен:

Мини-остров, автор Аарон Тулмин

isawatree:

Камень II, автор ~ Buszujacy-w-zbozu

(через красный бубен)

сезонсмена:

Зима — По marres11

(через Morelovexoxo)

0mnis-e:

Зимний рассвет (por arnie2105)

0риент-экспресс:

 Lake Louise | пользователя Marko Stavric. (Источник: cocoaaaaa, crescentmoon06)
 

Ледник Пик Луна

(Источник: viage, via stellaresque42)

disminucion:

( Крейг Браун )

(Источник: manolescent)

(через она любит радугу)

oecologia:

Заболоченные отмели Кука, автор акчарлы на Flickr.

55минта:

”Salto Carpin“

Хуан Павон

5перм:

Восход ранней весны в Snowbasin от parkflavor на Flickr.

сенсорный диск:

  Водопад Атабаска,   Национальный парк Джаспер, Альберта, Канада  Автор Photos4thePeople

(через ofnaturesbeauty)
 

аюстар:

Aguas abajo, автор lmdm43 на Flickr.

лори-скалы:

55минта:

Estribaciones del Gorbea

лори-скалы:

Теги: природа, фотография, топ 30

10 известных произведений искусства, вдохновленных природой — ОКРУЖАЮЩАЯ СРЕДА

Природа — это то, что нами движет. Именно поэтому мы сажаем 10 деревьев по каждый купленный в нашем магазине товар . Поскольку мы сажаем эти деревья по всему миру , наша команда смогла увидеть так много разных природных сред — это нас вдохновляет! И мы не одиноки в этом чувстве.

С самого начала своего существования люди стремились к творчеству и всегда черпали вдохновение в природе тем или иным образом, формой или формой — будь то пещерные люди, рисующие животных на стенах, или современные артисты, выступающие с заявлением о сохранении земли.

Природа — это величайшее вдохновение для того, чтобы увидеть красоту в мире и привлечь внимание к некоторым из самых насущных вопросов, касающихся человека и окружающей среды. Используя искусство как объектив, мы можем научиться изменять мир. Вот 10 известных произведений искусства, вдохновленных природой:

Ван Гог: «Ирисы», холст, масло, 1889

Ван Гог — один из самых известных современных художников мира. При жизни он не был знаменит, но намного опередил свое время. Он делал простые вещи, такие как цветы, которые живут своей собственной жизнью на своих холстах, в частности, Ирисы — это поразительная картина жизни и воздуха.Вы можете почувствовать, как цветы дышат в этой работе. Это одна из лучших картин природы в мире!

Анри Руссо: «Тигр в тропической буре (удивлен!)», 1891 г., холст, масло

Какая классная картина природы! Французский художник Анри Руссо впервые получил признание за эту несколько наивную, но красивую картину тигра, попавшего в шторм. Руссо прославился своими тропическими картинами, заставив людей поверить в то, что он провел значительное количество времени, исследуя далекие страны и экзотические джунгли.

Оказывается, художник на самом деле никогда не покидал Францию ​​и прославился, вдохновляясь окружающими садами, учебниками по ботанике и рассказами других авторов. Это просто показывает, как немного природы может вдохновить ваше воображение и все творчество.

Поль Сезанн: «Mont Sainte-Victoire», холст, масло, 1895

Поль Сезанн провел свои последние годы в живописи в Экс-ан-Провансе, Франция, вдохновленный прекрасным пейзажем наверху. Сезанн стремился изобразить человеческие формы и здания как просто продолжение естественного ландшафта — почти плавно переходящее в сторону холмов — неотъемлемое качество ландшафта, придающее ему свет и цвет.Мы, люди, всего лишь посетители этой священной земли.

Связанный блог:

Клод Моне: «Водяные лилии», 1919

Одна из самых известных серий живописи природы — « Кувшинки » Моне, представляющая собой нежную игру света, воды и тени. Это была серия из почти 250 картин маслом, на которых изображен цветочный сад художника-импрессиониста в Живерни, Франция. Они были основным направлением его работы в течение последних 30 лет его жизни. Больше всего в них вдохновляет то, насколько каждая картина в этой серии отличается от другой: природа так мимолетна, постоянно меняется и трансформируется, цвета и свет движутся способами, которые невозможно полностью передать, но при этом они играют с воображением.

Джорджия О’Кифф: «Водопад, № 1,« Долина Яо Мауи », 1939 г., холст, масло

Джорджия О’Киф была известна своими абстрактными картинами американской пустыни, но немногие знают, что она провела несколько месяцев на Мауи, одном из зеленых островов Гавайев (она была там по заданию в ананасовой компании, но потратила большую часть своих время рисовать шикарный пейзаж). Картина выше служит данью уважения земле, в значительной степени нетронутой человеческим развитием или загрязнением окружающей среды — видеть чистоту ландшафта — это что-то вроде религиозного опыта для любого, кто может получить шанс поехать на Гавайи.Подобные изображения напоминают нам о том, как важно сохранить природу Земли.

Джорджия О’Кифф: Красные холмы и Белый цветок II

Более знакомы картины Джорджии О’Киф, вдохновленные ее пребыванием в Нью-Мексико, в окружении сурового, но красивого ландшафта пустыни. О’Киф так устала от городской жизни, что в 1949 году навсегда переехала в Нью-Мексико, где она могла видеть подобные сцены во дворе своего дома каждый день.

Фрэнк Ллойд Райт: Падающая вода, 1935

Фрэнк Ллойд Райт проявлял большое уважение к природе в своей работе и считал, что человеческие здания и архитектура должны гармонично сочетаться с землей вокруг нее и приносить ей пользу.Его новаторские мысли вдохновили архитекторов и художников пойти по его стопам в сохранении окружающей среды, объединяя ее с искусством.

«Здание должно казаться легко вырастающим из своего места и иметь форму, гармонирующую с окружающей средой, если там проявляется Природа», — сказал он однажды.

Роберт Смитсон: Spiral Jetty, 1970

Роберт Смитсон был известен тем, что был одним из первых, кто занялся «лэнд-артом» или «земляными работами». В Spiral Jetty он построил гигантский водоворот из грязи, камней и кристаллов соли, выступающий в Большое Соленое озеро в Юте.Земляные работы исчезают, а затем появляются снова, в зависимости от осадков и прилива. Во время засухи пристань лучше видна, а нормальные осадки держат ее под водой; и каждый раз, когда он появляется снова, он немного отличается. Он отражает преходящую и изменяющуюся природу Земли.

Вальтер де Мария: поле молний, ​​1977

Lightning Field — это поистине уникальное произведение искусства, состоящее из 400 металлических стержней, установленных посреди пустого поля в Нью-Мексико.Эти металлические стержни довольно часто привлекают молнии, так как они самые высокие на многие мили вокруг; посетителей приглашают переночевать в хижине и ждать удара молнии. Произведение искусства, которое живет и дышит на открытом воздухе, не может быть ограничено стенами галереи — и отражает мощь и непредсказуемость природы.

Ана Мендьета: Земное тело

Ана Мендьета была художницей и фотографом, занимавшейся прежде всего своей духовной и физической связью с землей.В Earth Body она документирует, что сама слилась с природой в различных скульптурных формах, преодолевая разрыв между перформансом, скульптурой и лэнд-артом.

10 увлекательных фотографий, похожих на живопись

Хотя мы все видели нашу долю гиперреалистичного и фотореалистичного искусства или картин и скульптур, которые удивительно похожи на фотографии, не так уж часто мы сталкиваемся с фотографиями, которые выглядят как картины. За те пять с лишним лет, что мы были рядом, мы видели, как эти невероятные фотографии всплывали то тут, то там, и сегодня мы решили отдать их всех в один дом.Итак, вот десять увлекательных фотографий, которые невероятно похожи на масляную, акриловую или акварельную живопись. Наслаждаться!

Фотограф Оскар Руис стоит за снимком жилого дома в Мексике. Еще в мае он был выбран National Geographic в качестве фотографии дня. «Несколько лет назад, когда я работал пилотом вертолета на местной радиостанции, мы были обязаны летать по всему Мехико в поисках новостей и пробок. Я помню, как летел на шоссе, соединяющее Мехико с соседним штатом Пуэбла, и на обратном пути этот жилой комплекс, который, казалось, существовал вечно, привлек мое внимание.Я решил обойти вокруг, чтобы увидеть вблизи, то, что я позже узнал, было недавно построенным комплексом Сан-Буэнавентура, который расположен в Икстапалуке, на восточной окраине Мехико.

«Исключительное послеполуденное солнце, отражающее тысячи недавно раскрашенных маленьких домов, выглядело так красиво, и чем ниже я летел, тем лучше угол, поэтому я просто достал камеру, открыл скользящее окно на своем вертолете Bell и сделал пару снимков. выстрелов ».

Это фотография, похожая на картину? Или картина на холсте, похожая на фотографию? Вот 10 примеров, которые заставят вас почесать голову.

Фотограф Майкл Брандт запечатлел живописные холмы в долине Палуз в Вашингтоне, США. Эта конкретная фотография смотрит на гору Текоа со стороны Степто-Бьют. «Радужный снимок был сделан в месте под названием Steptoe Butte — удивительной географической достопримечательности в самом сердце Palouse. Это большой холм, с которого открывается потрясающий панорамный вид на уникальный холмистый ландшафт, известный как Палаус, который дает любителям фотографий бесконечные композиции и постоянно меняющийся пейзаж в течение сезона.С конца апреля до начала сентября фотографы со всего мира совершают индивидуальные походы или фототуры, чтобы посетить этот уникальный регион ».

Фотограф Андре Ермолаев сделал этот великолепный воздушный снимок вулканических рек Исландии. «Исландия — прекрасная страна; Я бы даже сказал, что это настоящий рай для всех любителей фотосессии. Но настоящим открытием для меня стал вид с высоты птичьего полета на реки, текущие по черному вулканическому песку.Это непередаваемое сочетание цветов, линий и узоров. На фото изображено устье реки, впадающей в океан. Чуть выше по течению в реку впадает ручей желтого цвета, но желтые течения не смешиваются с основным потоком воды. О масштабе можно судить по хорошо заметным на черном песке автомобильным следам. Это просто река, просто вулкан, просто наша планета ».

Джеймс и Келли Стоун сделали этот великолепный снимок дюн, усеянных деревьями, в Национальном вулканическом парке Лассен.«Нарисованные дюны можно увидеть на вершине Пепельного конуса в вулканическом национальном парке Лассен в Калифорнии. Цвета — результат вулканической активности. Красота захватывает дух. Видение, как видите, похоже на картину маслом. Гобелен Бога на Земле ».

Разве этот человек не выглядит так, будто гребет в озере, полном красок? На самом деле это настоящая фотография сильно загрязненного озера в провинции Аньхой, Тайвань. Зеленое вещество на поверхности воды — это водоросли. На фотографии, сделанной Цзянан Юем, изображено озеро Чаоху, одно из восьми рек и озер Китая, которые страна планирует очистить менее чем за 7 долларов.План строительства 4 млрд.

Фотограф Чалунторн Приясомбат называет это фото Clearing Storm. «Гора Хуаншань, Аньхой, Китай. Снято с пика «Начало веры» после утреннего снегопада. Затяжной туман делал сцену похожей на китайскую живопись ».

Калифорнийский фотограф Дэвид Ориас создал серию фотографий с волнами, которые удивительно напоминают картины маслом. Ориас использует длинную выдержку и телеобъектив, чтобы делать эти потрясающие снимки.Он заявляет: «В Южной Калифорнии есть сезон пожаров, и иногда это создает условия жуткого оранжевого света по утрам, поскольку солнечный свет фильтруется и рассеивается частицами дыма. Это создает необычные и для некоторых зрителей нереальные цвета. Я беру базовые цвета и работаю с ними, чтобы создать впечатление изобразительного искусства ».

У графического дизайнера Дени Коллетта есть серия под названием «Моя водяная коробка» — коллекция изображений, на которых показаны отражения в реке и озере возле его загородного дома.Он сказал: «Мне нравится творчество воды, и я люблю удивляться. Я сделал тысячи фотографий отражений, и все они уникальны. Отражения обычно представляют собой деревья, полевые цветы, сорняки, дикая растительность, небо и облака. Но фотография меняется в зависимости от ветра, света, потока, уровня реки, а иногда и глубины реки. Меня это всегда завораживает. Водная рябь делает их похожими на картины Ван Гога, Тернера, Риопеля или Моне, написанные маслом ».

Нарисованные дамы — это красивый снимок трех женщин в тюле цвета радуги, сделанный фотографом Барбарой Коул.Фотограф-самоучка не только бросает вызов нашей реальности, но и делает все это с помощью пленки Polaroid! «Я влюбился в фильм« Полароид »в конце 1987 года, — говорит Коул. «Я экспериментировал с камерой Polaroid Spectra и лампой Tungsten, и мне понравилось настроение, которое вызывали ее теплые цвета и кремовая палитра. В конце концов, однако, оказалось слишком сложно работать в рамках ограничений этой простой камеры «наведи и снимай», и я отказался от нее … После некоторых исследований я нашел человека, который смог адаптировать камеру SX-70 для работы с моей студией освещение и техника.Затем я осторожно обработал изображение на поверхности, чтобы добавить объемности и придать живописное качество, которое мне очень понравилось ».

На этой последней фотографии, сделанной в Намибии, изображена дюна, окрашенная в оранжевый цвет в лучах утреннего солнца на фоне верблюжьих колючек. Фотограф Франс Лантинг объясняет свой снимок: «Снимок был сделан на рассвете, когда теплый свет утреннего солнца освещал огромную красную песчаную дюну, усеянную белой травой, а белый пол глиняной сковороды все еще был в тени. Он выглядит синим, потому что отражает цвет неба над ним.… Идеальный момент наступил, когда солнце достигло дна песчаной дюны незадолго до дна пустыни. Я использовал длинный телеобъектив и остановил его полностью, чтобы сжать перспективу ».

Искусство, красота и мир природы

«Воображение важнее знаний. Ибо знание ограничено, тогда как воображение охватывает весь мир, стимулируя прогресс, рождая эволюцию.” — Альберт Эйнштейн

Мы связаны со всем на нашей планете и за ее пределами, проще всего благодаря тому, из чего мы сделаны. Дети это понимают безоговорочно. Взрослые могут поощрять это понимание у молодых людей. Творческое самовыражение с акцентом на мир природы — отличное средство развития у молодых людей чувства идентичности и принадлежности к великой паутине существования.

Сбор и усвоение знаний о мире природы имеет решающее значение для нашего понимания взаимосвязанных систем, составляющих нашу планету.Наше воображение заставляет нас использовать эти знания: устанавливать связи между фактами и возможностями, выражать трепет, который мы испытываем по поводу наших растущих знаний, и создавать пространство для сочувствия к нашим собратьям на этой Земле.

Мы проводим свою жизнь в среде, ориентированной на человека, поэтому опыт единения с другими обитателями Земли может казаться таким далеким, таким абстрактным. Однако правда, подтвержденная исследователями, заключается в том, что мы, , — это одна планетная семья, несмотря на все способы, которыми мы разделяем, классифицируем и подчеркиваем различия.Итак, как вы можете подключиться к нашей природе? Конечно, вы можете проводить время на свежем воздухе, посещать наши национальные парки, ходить в походы, ходить в походы, кататься на каноэ, просто — на природе без каких-либо технических устройств, наушников и т. Д. Но что делать после того, как вы вернетесь домой? Как насчет случаев, когда вы не можете выйти на улицу по какой-либо причине?

Природные программы, такие как Дикая Аляска , прекрасно подходят для обучения и знакомства нас с животными и ландшафтами, к которым в противном случае у нас не было бы доступа, но что насчет того, когда программа закончится? Как мы можем усвоить то, что мы видели или пережили, таким образом, чтобы это было в высшей степени личным и осязаемым?

Красота искусства

Искусство, будь то музыка, танцы, письмо, актерское мастерство, рисование или скульптура — или любое количество других форм — это один из самых действенных и личных способов развить понимание существования и свою связь с миром в целом. Это также очень весело.

Ниже приведены несколько занятий («проекты на черный день», как их называла моя мама), которые могут эффективно вдохновить:

• сосредоточенное внимание
• свободная и творческая мысль
• Любопытство и сочувствие к миру природы
• самовыражение и уверенность
• повествование: словесное и визуальное

«Художник сказал мне, что никто не может нарисовать дерево, не превратившись в дерево .»- Эссеист, Ральф Уолдо Эмерсон

Для этого не требуются специальные расходные материалы. Все, что у вас есть под рукой и что вы любите использовать, будет работать!

«КИТОВАЯ ПЕСНЯ»

Один из многих видов китов, которых мы видим в Кадьяке, — это горбатый кит. Киты удивительно умны, поют на своем языке и имеют богатую социальную и эмоциональную жизнь. У нас, людей, есть способность различать значения звуков и языков, которые мы не понимаем, благодаря , обращая внимание на то, что мы слышим, и на нашу собственную реакцию на это. В основном мы читаем между строк. Поищите на YouTube «Аудио песни горбатого кита», и вы найдете десятки качественных записей. Послушайте несколько, выберите ту, которая вам больше всего «говорит», и проиграйте ее снова и снова. В этом упражнении есть варианты: как внимательно слушать звуки, так и оценивать свои эмоциональные реакции на них или образы, которые приходят вам в голову. Интересный способ сделать это — поговорить с другом и посмотреть, насколько похожи или отличаются ваши интерпретации. Великая вещь? Нет единственного правильного способа сделать это.

Некоторые варианты для изучения:

1. Напишите стихотворение / песню к песне кита. В основном пишу тексты песен. Что мог делать этот кит? Она счастлива? Празднуете что-нибудь? Или она поет об одиночестве и тоске? Кому она поет? Это еще один кит рядом, или, может быть, очень далеко … может быть, она указывает направление или объявляет место кормления. Или, может быть, история намного острее. Слушайте без предвзятых идей и просто расскажите историю, которая приходит в ваше воображение, на красивом, странном и перекликающемся языке самого кита.Постарайтесь продлить свое стихотворение на время записи. Когда он будет готов, прочтите его вслух под сопровождающую запись. Или, если писать не вариант (или мы недостаточно взрослые, чтобы писать так много), поделитесь историей вслух во время воспроизведения записи. Будьте переводчиком кита.
2. Представьте себе звуки в виде цветов, форм, линий. Согласуйте ладонь с ритмом пения кита. Не пытайтесь нарисовать «картинку», а лучше создайте поле зрительного звука на бумаге (или на чем-то еще, что вы рисуете).Есть ли в звуках эмоциональное содержание? Если песня кажется счастливой, какие цвета вы видите? Есть ли драма в песне? Как это влияет на то, какие марки вы оставляете? Кажется ли, что определенные звуки имеют форму в вашем воображении? Как вы себя чувствуете при звуках? Вы чувствуете пространство в песне? Света, тьмы? Ваше искусство может показаться вам очень странным, и это было бы нормально: не была ли песня кита тоже странной для вас? Если вы так внимательно слушаете и интерпретируете это с помощью другого смысла (от слухового до визуального), вы познаете это более широко, чем если бы вы слушали пассивно.

«ХИМЕРА»

(произносится «кай-МЕЕР-а») Химера — это мифическое / вымышленное существо, состоящее из характеристик / частей различных животных — воображаемых, часто неправдоподобных. Какие три (или более?) Животных вы видели на Wild Alaska и которые вам нравятся больше всего? Что, если вы выберете свои любимые характеристики каждого из них и сделаете их все одним животным? [Я делаю это все время в своей работе, хотя я несколько абстрагирую формы, плюс я включаю растения в свою химеру.] Для этого проекта вы можете рисовать или лепить из глины или пластилина. Вы тоже можете назвать свое суперсущество на Аляске. Воображение берет верх. Может быть, некоторые характеристики даже не видны, но вы знаете, что они есть … например, может быть, ваша химера наполовину морская выдра, отчасти овца Далла И имеет способность протиснуться через очень крошечное отверстие, чтобы избежать захвата, точно так же, как художник-побег. осьминог! Все животные обладают особыми талантами, сильными сторонами и уникальным интеллектом. Как бы вы смешали их, чтобы создать собственное супер животное? Может быть, у вашей химеры есть какие-то характеристики растения? Этот проект может потребовать дополнительных исследований ваших любимых животных.

Аляска является домом для одних из самых удивительных диких животных, поэтому есть бесконечные возможности интерпретации этого вида деятельности. Какая среда предпочитает вашу химеру? Что оно ест? Это травоядное, плотоядное или всеядное? Это социальное животное или одиночка? Какой у него темперамент: мягкий, веселый, настороженный или агрессивный? Он впадает в спячку, как медведь? Он неподвижен, как моллюск, строит гнездо или мигрирует? Сколько у него потомства; только один или целые пометы? Или откладывает яйца? Как он переживает долгую темную аляскинскую зиму? Подумайте обо всех этих вещах, когда будете выбирать различные части / характеристики.

Мы связаны со всем на нашей планете и за ее пределами, проще всего благодаря тому, из чего мы сделаны. Дети это понимают безоговорочно. Взрослые могут поощрять это понимание у молодых людей. Творческое самовыражение с акцентом на мир природы — отличное средство развития у молодых людей чувства идентичности и принадлежности к великой паутине существования.

Неужели фотография природы слишком прекрасна?

Эта статья из номера

январь-февраль 2014 г.

Том 102, номер 1

Стр. 64

DOI: 10.1511 / 2014.106.64

Я в восторге от потрясающих фотографий природы. Вы, наверное, тоже. Великолепные изображения пейзажей, животных, растений и экзотических, нетронутых мест украшают наши стены, а также нашу рекламу, календари, хранители экрана и музейные галереи. Мы все кажемся на крючке.

Драматические изображения природы помогают сформировать наше представление о физическом мире, а классические пейзажные фотографии К. Э. Уоткинса, Анселя Адамса, Элиота Портера и Роберта Гленна Кетчума играют ключевую роль в современной культурной грамотности об окружающей среде и наших развивающихся отношениях с ней. .Именно по этой причине созерцание природы в рамках фотографии также побуждает нас задуматься о том, какое понимание окружающей среды нашего меняющегося мира дает фотография природы.

Фотографы, заботящиеся о природе, такие как знаменитый Элиот Портер, часто ставят фотографию в политическую задачу — помочь спасти объекты, которые они снимают. Даже если вы не узнаете его имя, вы наверняка знаете его работу. Его серия «Глен-Каньон», «Место, которую никто не знал», (1963), написанная для Sierra Club, содержала запоминающиеся, квазиабстрактные изображения скальных образований и водотоков, которые напоминали о неоцениваемом, почти потустороннем величии каньона.Освоив новый процесс цветопередачи Kodak, Портер смог создавать тонкие тональные изображения с четкостью и детализацией черного и белого — единственное уважаемое средство фотографии природы на тот момент, прославившееся своим наставником Анселем Адамсом. К сожалению, даже эти новые виды изображений не смогли остановить строительство в 1966 году плотины Глен-Каньон на реке Колорадо, в результате чего эти захватывающие места навсегда оказались под водой.

Сегодня цифровая революция в фотографии привела к созданию природных пейзажей, которые никогда не выглядели такими живыми, такими яркими и яркими, даже трансцендентными, хотя многие известные нам известные объекты подверглись экологической опасности, деградации окружающей среды или просто уничтожены.Сегодняшняя фотография природы с дополнительными преимуществами Adobe Photoshop, кажется, упивается сверхъестественным величием. Суть большинства фотографий природы как жанра — побудить нас любить и уважать ее; далее предполагается, что только благодаря такому ответу мы почувствуем побуждение сохранить или восстановить его.

И наоборот, изображения деградации окружающей среды могут вдохновлять нас, но с такой же вероятностью они могут отпугнуть доноров и отогнать активистов. Красота продает, уродство может оттолкнуть. Итак, мы покупаем великолепный календарь и присоединяемся к организации.

У известной писательницы Лидии Миллет совершенно иная реакция. Она взрывает пышные фотографии в рекламных календарях большинства природных организаций, как «эко-порно»:

Это книжная природа. . . . В рабо ты до идеально очерченного моделирования дикой природы, эти подпорки из основного энвайронментализма служат суррогаты для реального взаимодействия с диким, моделями пути порно служить в качестве суррогата для настоящих женщин. Это плацебо, заменяющее сортировку…. Они предлагают зрителю комфорт: они всегда будут рядом, идеальные, безупречные, доступные.Они предлагают удовлетворение без социальных затрат; они насыщают, предоставляя объекты для фантазии, не предъявляя к субъекту неудобных требований.

раздражающих замечания Милля заставляют нас переосмыслить то, что мы смотрим на в этих светящихся выстрелах природы, но даже самая «соблазнительная» декорация не возбуждает похотливые эмоций, ни потенциальное сексуальное освобождение порнографии. Я бы сказал, что мы, вероятно, станем еще более статичными в наших созерцательных, эстетических реакциях на них. Просо предполагает то же самое.

Есть и другие творческие подходы к привлечению нас. В календаре Всемирного фонда дикой природы на 2014 год представлены индивидуальные фотопортреты знаковых животных — тигра, носорога, обезьяны и белого медведя. Однако в виде хедшотов на пустом фоне, удаленных от естественной обстановки, они кажутся менее привлекательными и могут даже намекать на стресс. Как будто их физическое окружение изображает их слишком красочными, безопасными, устойчивыми. Эти одинокие, резко изображенные животные, кажется, смотрят на нас — из тюрьмы? или неопределенность? — для некоторых ответов на вопросы, которые мы должны им задать; как мы можем перестать угрожать их выживанию?

Фотографии из прошлогоднего календаря Всемирного фонда дикой природы, возможно, казались менее тревожными, потому что мы могли взглянуть на их окрестности, хотя «декабрьское» фото матери белого медведя с медвежонком на спине, смотрящего прямо на нас, действительно заставило меня беспокоиться о будущем детеныша. Эта фотография также содержала добросовестную правдивую подпись: короткий, ненавязчивый, мягкий комментарий в нижней части календарного раздела, в котором говорится: «Белые медведи являются индикатором условий во всей Арктике, а группы риска могут сигнализировать об угрозах в морская экосистема ». Здесь нам предлагается поразмышлять о судьбе окружающей среды, которой угрожает глобальное потепление, и мы увидим одно из самых любимых животных не только как знакомо знаковое животное, но и как вид-индикатор общего состояния окружающей среды, которое быстро ухудшается.Настоящая наука усиливает — можно сказать, «цвета» — нашу реакцию на фотографию.

Фотографы могут пойти дальше. Они могут попытаться предъявить зрителям неудобные требования с помощью портретов разорения окружающей среды. Там даже новое движение под названием «Развалина фотография» объявить себя распространителем «разорение порно» (этот термин снова), в основном сосредоточено на упадке городов и постиндустриальные гнил. Однако он имеет тенденцию эстетизировать поврежденные городские пейзажи, такие как города Детройта и Ржавого пояса, провоцируя критиков нападать на него как на нечувствительность к бедным местам и обездоленным людям, которые их населяют.Упадок, даже приукрашенный, трудно продать.

Некоторые фотографы природы специализируются на причудливых инопланетных пейзажах, которые мы запятнали и уничтожили. Ричард Мисрах, чьи сюжеты варьировались от морских пейзажей до ядерных полигонов, создает жуткие сцены запустения, фотографируя наши вторжения в пустыню. Его сцены одновременно гротескны и гипнотизируют, сюрреалистичны, но не лишены апокалиптической красоты. В радикальном разделе своей серии Desert Cantos он направляет камеру на воронку от бомбы и уничтожает конвой на полигоне для испытаний оружия в Неваде.Что может быть менее привлекательно и неестественно, чем это?

Сам Мисрах отрицает, что причастен к безобразию, и не считает себя активным защитником окружающей среды. Тем не менее, он критикует некоторых фундаментальных фотографов-натуралистов, таких как Ансель Адамс, за то, что они отвлекают нас от реальности своей приверженностью красоте:

Моя главная проблема с идеальными незапятнанными жемчужинами дикой природы Адамса, а также с Sierra Club и клонами Анселя Адамса заключается в том, что они увековечивают миф, который не дает людям взглянуть на правду о том, что мы сделали с пустыней.

Мисрах слишком много протестует? Возможно, он считает, что только он один служит объективной реальности, холодной правде, в то время как другие известные люди распространяют горячий, манящий миф о красоте. Тем не менее, его фотографии обладают формальным артистизмом, намеренно ограниченной тональностью и продуманной гротескностью, из-за чего они кажутся чем угодно, только не неотфильтрованным репортажем. Возможно, он тоже застрял в коробке красоты.

В своем знаменитом сборнике эссе « О фотографии » (1977) Сьюзан Зонтаг теоретизирует, что сама среда фотографии удерживает нас вне кадра: зрители становятся вуайеристами и сторонними потребителями миллионов изображений, удаленными от объектов. Так неужели фотография природы никогда не сможет задействовать наши активистские эмоции для улучшения тяжелого положения Земли? Возможно, нам нужно проинформировать все экологические организации, которые на это делают ставку.

У нас есть по крайней мере один известный пример фотографий деградации окружающей среды, которые привели к реформе: фотографии Доротеи Ланж и других фотографов Управления безопасности фермы из Пыльной чаши 1930-х годов. Они натренировали взгляды Америки на истощение почвы по вине человека в период длительной засухи, которая буквально сдула землю.Портрет Ланге «Мать-мигрантка» получил заслуженную известность, а фотографии пыльных бурь показали двойную опасность засухи и неправильной вспашки.

Эффект от этих фотографий, спонсируемых правительством, в сочетании с общенациональными усилиями по сокращению бедности и изменению методов ведения сельского хозяйства во время Великой депрессии изменили сознание Америки о связи между экономикой и экологией. У этих слов один и тот же корень — «экос», или домохозяйство; мы живем и зависим от них обоих, и мы все еще пытаемся разработать политику, основанную на их взаимосвязи. Эти фотографии 1930-х годов обладают мощным черно-белым наивным реализмом, который кажется далеким от эстетики цветового круга современной фотографии природы.

Подумайте о потенциальном воздействии новой школы «открытой фотографии», которая обнажает наши загрязнения. Мы могли бы создать календарь, украшенный фотографиями ядовитых повреждений, 12 месяцев неэстетичных экологических ужасов! На сайте Shutterstock можно найти более 1850 различных фотографий свалок. Под заголовком «Ущерб окружающей среде» веб-сайт стоковых фотографий Inmagine отображает около 6000 изображений, которые могут заполнить сотни календарей: календарь следа McMansion, календарь урбанистических болезней, календарь свалки (вероятно, любимый), календарь Clear Cut, Календарь Дымовой трубы и Грязного Неба и так далее.Следуя этой идее, Фонд дикой природы BBC уже создал отмеченный наградами календарь «Почти вымершие», в котором каждый день в году изображено животное, находящееся в стрессе от наших вторжений.

Опять же, это может оказаться бессмысленным занятием, если фотография по самой своей природе эстетизирует и отдаляет объекты от зрителей. Но критическая теория указывает на нечто гораздо более очевидное в фотографии и потенциально более полезное. Мы делаем снимок, снимаем изображение и, таким образом, образно «убиваем» его, замораживая во времени.Мы тренируем свой контролирующий и авторитетный взгляд на сцене и управляем ею, щелкая по ней. Мы держим его неподвижно, навсегда — фактически, это натюрморт. Фотография — это мимолетный момент, запечатленный светом, снятый вне времени и сохраненный на пленке или чипе.

Мы можем возразить, что вся фотография — это элегия — медитация на время и мимолетные объекты, пойманные, а затем потерянные для текущего настоящего. Это легче всего увидеть на семейных фотографиях. Элегии могут быть медитативными, но без грусти, формального признания прохождения момента, сцены или перспективы, даже если этот предмет продолжается в реальной жизни.

Однако при съемке природы объект слишком часто деградирует и получает большие и маленькие повреждения, помещая эти элегии в другой контекст. Если мы скорректируем нашу концепцию природы в соответствии с более истинными экологическими реалиями, мы сможем увидеть, как сама фотография природы отражает их. Великолепный образ входа в Йосемити может содержать в себе чувство утраты, элегическую тоску по времени, когда оно было полностью жизнеспособным и могущественным. Сами по себе великолепие и величие могут означать потерю.

Это вызывает еще более фундаментальный эпистемологический конфликт: напряжение между явлением и реальностью. Наши глаза — ненадежный источник фактов, поскольку наши концепции определяют наше видение. Иммануил Кант формулирует это так: «Концепции без восприятий пусты; восприятия без концепций слепы ». Наша доминирующая культурная концепция мира природы по-прежнему унаследована от романтического девятнадцатого века, где Природа считалась чистой, дикой, здоровой и бесконечно восстанавливающейся.Это может ослепить нас в отношении его нынешнего уменьшенного состояния. Изображения с камеры, красивые или нет, изображают реальность, которую мы в настоящее время не можем или не осмеливаемся увидеть.

Одна из стратегий, позволяющих приблизить изображения с камеры к реальности, — это практика, которую я называю «фотографическое успокоение». Это техника смягчения, так что мерцающий свет и цвета на типичных фотографиях природы становятся приглушенными, настроенными на медитативные размышления о нашем угрожаемом мире. Диапазон уровней экспозиции, контрастов, насыщенности цвета и того, что Photoshop называет «яркостью», можно сузить, чтобы не убрать румянец с розы, а чтобы не передать ее с улучшенным ультра-сияющим совершенством.

Практика такого рода тонального контроля по контрасту покажет, что большая часть сегодняшней фотографии природы чрезмерно насыщена светом и цветом. (Этот эффект может быть частично артефактом наших современных цифровых камер, мониторов и проекторов, многобитные пиксели которых улучшают свет и цвет и, кажется, «тонизируют» или делают большую часть фотографий ярче.)

Возможно, такое успокаивающее действие само по себе является искажением, экологически правильным покровом, накрытым величием природы. Но эта слава тускнеет, и ее искажение в сторону приглушенного и тоналистского регистра может быть одобрено как проясняющее искажение.Нам не нужна Natura Noir, мрачное и неприступное фотографическое видение мрачной судьбы Земли; ни наоборот, рев Natura Gloriosa с его разрекламированным великолепием, который также затемняет. И улучшения, и уменьшения отражают ценности того, что мы видим и понимаем в мире природы.

Я скорректировал свою фотографию долины Йосемити в обоих направлениях — раскрутил и успокоил. Мы бы не узнали из преувеличенного мнения, что вызванное деятельностью человека глобальное потепление поражает Йосемити множеством болезней.Огромный лесной пожар на Ободе поблизости пылал с такой яростью в августе 2013 года из-за продолжительной засухи, хрупко-сухой растительности, заражения насекомыми и множества других эффектов, усугубленных изменением климата. К счастью, огонь не проник в саму долину, хотя дым скрывал ее виды. Озон из городов также попадает в долину. Повышенные температуры затрудняют выживание альпийских существ, таких как пики, на более низких высотах, как когда-то. При меньшем количестве снегопадов деревья разрастаются и затмевают горные луга, задерживая рост полевых цветов, а более высокие температуры сокращают ледники Йосемити.Ничто из этого не находит прямого выражения ни на одной из фотографий.

Фотография с менее насыщенными цветами, с ее более коричневыми и серыми тонами, менее ярким небом и более бледной зеленой растительностью, по-прежнему выражает масштаб и величие этого знаменитого проспекта, но намекает на то, что все не в порядке, а это не так. Это намекает на пожар, загрязнение воздуха и засуху. Это ложь? Возможно, как и тот, что слева, но его изображение ближе к научной и экологической правде, чем к славе, снятой слева. Глаза зрителя, не знающего окружающей среды о растущих угрозах, могут «увидеть» раздутый взгляд, в то время как экологически осведомленный может смотреть на знаменитую сцену с уважением и страхом.Наши представления управляют нашим восприятием, и более точные представления указывают на то, что спокойная фотография более «честна».

Фотографии близлежащего пожара на Крае Огня могли бы послужить более важной экологической цели, если бы сами не стали захватывающими, зажигательными иконами с их собственным поп-энтузиазмом. Чуть более эффективными могут быть кадры разрушенных последствий пожара с мертвыми деревьями, усеивающими очищенную безжизненную Землю. Однако они вызывают целый ряд новых экологических проблем, от обширных зимних наводнений до требований лесозаготовительных компаний очистить территорию площадью 400 квадратных миль за счет вырубки деревьев, без учета экологического процесса сукцессионного лесовозрастания, в котором они нуждаются.

Наконец, черты Йосемити, которым угрожает глобальное потепление, нельзя полностью увидеть ни на спокойной фотографии, ни на снимках пылающих секвойи или выжженной лесной подстилки. Чтобы передать это, потребуется повествование. Поэтому мы можем отстаивать принцип «правды в маркировке» для фотографии природы. Это потребует современного научного глянца по любому предмету с использованием последней экологической информации о его состоянии окружающей среды, видимом или скрытом.

Такой научно обоснованный ярлык — это не просто краткий комментарий о сцене, животном или растении, но и приведет фотографическое искусство в соответствие с экологической наукой.Несомненно, профессиональные фотографы природы, которые обычно осведомлены об окружающей среде, должны прикреплять такие комментарии к своим работам, как это делают фотографы или редакторы новостей, разъясняя, на что мы смотрим; они также могут проконсультироваться с учеными. Фотография природы найдет цель, объединяющую визуальную эстетику с экологическим объяснением. Это помогло бы пересмотреть как наши упрямые представления о природе, так и концепции о природе в более реалистичных направлениях и повысило бы нашу общую научную грамотность. Тогда изображения природы с комментариями могли бы служить сохранению, возвращая фотографическое искусство к классической программе, которая одновременно эстетически «приятна» и полезна.

Природа в искусстве — Искусство Манхэттена

Французский художник-символист, гравер и пастелист Одилон Редон писал: «Художник изо дня в день подчиняется роковому ритму импульсов вселенского мира, который окружает его, постоянный центр ощущений. всегда податливый, загипнотизированный чудесами природы, которые он любит, он внимательно изучает. Его глаза, как и его душа, находятся в постоянном общении с самыми случайными явлениями ». Чувства Редона разделяли миллионы художников на протяжении веков.Природа в искусстве и впредь будет вдохновлять художников и зрителей на долгие века.

Одилон Редон, «Отражение», бумага, пастель

Американский художник и теоретик Джеймс Эббот Макнил Уистлер заметил: «Природа содержит элементы, в цвете и форме, всех изображений, так как клавиатура содержит ноты всей музыки. Но художник рожден, чтобы выбирать… пока музыкант собирает свои ноты и формирует свои аккорды, пока он не извлечет из хаоса великолепную гармонию ».

Художница-абстрактно-экспрессионистка Джоан Митчелл объяснила: «Я рисую по воспоминаниям пейзажей, которые ношу с собой, — и вспоминаю чувства к ним, которые, конечно, меняются.Я определенно никогда не смогу отражать природу. Я бы больше хотел нарисовать то, что у меня осталось ». Еще она сказала: «Подсолнухи для меня как люди».

Джорджия О’Киф, художник Джимсона Вида (вверху), прокомментировала: «Когда вы берете цветок в руку и действительно смотрите на него, на мгновение это ваш мир. Я хочу отдать этот мир кому-нибудь другому. Большинство людей в городе так суетятся, что им некогда смотреть на цветок. Я хочу, чтобы они это видели, хотят они того или нет ».

Фрэнк Ллойд Райт, американский архитектор, известный своим проектированием структур, гармонирующих с человечеством и окружающей средой, однажды сказал: «Изучай природу, люби природу, оставайся ближе к природе.Это никогда не подведет ».

L’Estque, картина Поля Сезанна. Художник заявил: «Живопись с натуры — это не копирование объекта; это осознание своих ощущений. Он также заявил: «Рассматривайте природу с точки зрения цилиндра, сферы, конуса, всего в правильной перспективе».

Винсент Ван Гог посоветовал нам: «Сохраняйте любовь к природе, потому что это верный способ научиться все больше и больше понимать искусство».

«Великое искусство начинается там, где заканчивается природа» ~ Марк Шагал.

А теперь давайте посмотрим на некоторые из лучших произведений искусства и цитаты о природе, созданные некоторыми членами Manhattan Arts International. Когда вы смотрите на их искусство, позвольте их изображениям говорить с вами за пределами их поверхности. Понаблюдайте, как они интерпретируют природу. Обратите внимание на различия между художниками и на то, почему они выбирают свои предпочтительные стили и средства. Прочтите об их мотивации и убеждениях. Взгляните на это полностью с открытым сердцем, разумом и душой. Не торопитесь, наслаждайтесь каждым изображением и посетите страницы и веб-сайты художника.

Художник и автор Нэнси Рейнер провозглашает: «Природа — мой руководящий принцип в изображении светящихся представлений о воздухе, воде, земле и свете. Создавая воображаемые новые миры, объединяя буквальное и метафорическое, мои картины находятся где-то между чистой абстракцией и реалистичным пейзажем ».

Художник-реалист Мейсон Мансунг Канг утверждает: «Визуальные изменения мира природы с бесконечными цветами и ценностями, которые существуют в свете и тени в течение каждого сезона и во времени, создают вариации настроения и эмоций, которые всегда влияют на мой разум.Мне трудно наблюдать эти тонкие цвета, но я также усиливаю цвета, которые обычно не замечаются неподготовленными глазами. Цель моих усилий — поделиться этой красотой ».

Защитник окружающей среды Мэри Лу Дори говорит нам: «Я использую свой артистический голос, чтобы повысить осведомленность о том, как мы разрушаем нашу планету — наш дом. Я надеюсь, что в непростом процессе создания своего искусства я открою для себя хоть немного, как сделать мир более безопасным. В настоящее время я создаю серию, вдохновленную великолепной землей в национальных парках Америки и вокруг них.Этим нетронутым ландшафтам угрожает попытка администрации Трампа открыть права на добычу полезных ископаемых и выпас скота в этих районах. Я надеюсь, что все в нашей прекрасной стране выступят против этого захвата земли ».

Андреа Робинсон — художник-эколог, изображающий природу в красочных картинах. Она предлагает зрителям изучить отношения между природой и человеческим миром. Она объясняет: «Я надеюсь, что мои картины вдохновят и воодушевят зрителей, давая им чувство благополучия, надежды и радости.Андреа описывает свою цель как двоякую: восхищаться природой; и повысить осведомленность об экологических проблемах. Чтобы передать свои сообщения, она применяет свои многочисленные навыки в самых разных средах, техниках и стилях. Андреа объясняет: «Я считаю, что в этом обществе одноразового использования важно, чтобы наш выбор был устойчивым как в отношении того, как мы работаем, так и того, что мы покупаем».

Энн Стайн хорошо умеет запечатлеть люминесценцию природы в реалистичных сценах с сушей и водой в энкаустике.С детства, когда она росла в Вирджинии, она имела глубокую духовную связь с природой и объясняет: «Мои работы выражают радость и трепет перед природой, а также мою эмоциональную связь с миром. Сцены, которые я выбираю, волнуют меня эмоционально, а затем я переношу это чувство в послание картины ». В настоящее время художник живет в Перселлвилле, штат Вирджиния.

Мэри Чаплин чувствовала себя обязанной выразить свою любовь к цветам и другим формам природы. Она описывает, как она изменила свое искусство и то, что она стремится запечатлеть: «Мимолетные моменты, запечатленные в мгновение ока, свободные и энергичные мазки, яркие цвета, ветер, дующий сквозь цветы, надвигающийся вдали шторм, сияющее утреннее солнце. сквозь туман над ее садом, давая моим работам движение, жизнь, радость и постоянно меняющуюся живую красоту.Она делится своей любимой цитатой Мишеля де Монтеня: «Если жизнь — не более чем отрывок, давай по крайней мере посеем на нем цветы».

---

Фотограф Тери Ли Тид заявляет: «Я глубоко убежден в том, что на нашей чудесной планете есть много мистических мест, которые обладают силой исцелять, воссоединять с нами наш правильный баланс физически, духовно и эмоционально. Иногда кажущееся обычным, рассматриваемое в деталях или в ином свете, может открыть нам возможности, которые нас окружают.Нам нужно только открыть наши сердца и умы, и наши глаза их найдут ».

---

Питер Н. Ван Гизен — канадский художник, который вырос в Онтарио и занимается искусством с детства. Он получил университетскую степень по психологии и религии, поэтому неудивительно, что он прочитал его заявление: «Создание искусства для меня — это мистический процесс, духовная работа и проявление творчества. Меня тянет к тайне, скрытой в мире природы ».

---

Гейл Бах пишет современные акварельные картины, воспевающие изобилие тропических цветов и фауны.Она заявляет: «Используя интуитивный процесс, я впитываю волнующую первозданную красоту, которая составляет тропическую среду, и передаю эти волшебные чувства в яркие металлические акварели».

---

Энн Свон Мур создает реалистичные картины маслом, отражающие впечатляющее положительное изобилие в мире природы. Она написала: «В этой новой серии« В моем саду »я ищу энергию и движение своих оригинальных работ, сохраняя методы, усвоенные в процессе».

---

Ресурсы для художников, создающих искусство, вдохновленное природой

Эта электронная книга Рене Филлипс предоставляет художникам и экологически сознательным людям ресурсы и возможности для расширения их связей в мировом сообществе эко-арта, продвижения своей карьеры в области искусства и изменения мира к лучшему.Художники найдут ссылки в организации, где они смогут поделиться своим искусством, вдохновленным природой, и желанием повысить осведомленность. Его можно скачать в магазине электронных книг Renée Phillips The Artrepreneur Coach. Узнайте больше об этом.

Изображение баннера: Картина Мейсона Мансунга Канга

ПОЖАЛУЙСТА, ПОДЕЛИТЬСЯ

.