Гармоническое сведение / Хабр

Есть в диджеинге такая вещь, до которой новички своим умом не всегда доходят. Это гармоническое сведение.

Это нужно, чтобы сделать микс лучше. Я считаю, что лучше один раз услышать, чем сто раз прочитать. Для начала пример:

Пример 1

Нравится? Сомневаюсь 🙂 Еще один пример:

Пример 2

Теперь понятно? 🙂

Чтобы добиться эффекта и создать по-настоящему красивый и благозвучный переход между треками, нужно знать key этого трека (то есть его тональность), и каким образом стоит эти тональности чередовать.

Вообще говоря, все уже придумано и сделано за нас, нужно только пойти и взять.

На сайте

Mixed In Key

можно купить (а где-нибудь в гугле найти бесплатно — вопрос религии) одноименную программу, которая сканирует музыкальную коллекцию и выдает на-гора список песен, которые можно свести красиво.

К слову, такую же функцию предоставляет MixMeister Studio и MixMeister Fusion (mixmeister.com), сохраняя полученное значение прямо в библиотеке (что гораздо удобнее, я считаю).

Traktor DJ Studio начиная со второй ветки тоже умеет запоминать (но не определять!) key в своей Track Collection. Может ли такое Ableton Live! — точно не помню, надеюсь на вашу подсказку 🙂

Некий Марк Дэвис (которому всем нам стоит сказать большое спасибо) придумал и записал нотацию Camelot, сгруппировав наиболее часто встречающиеся в европейской культуре тональности в своеобразные «часы»:

Для начала было бы неплохо попробовать просто свести треки, тональности у которых полностью совпадают.

Затем можно попробовать делать переходы на «час» вперед или назад. То есть, если исходный трек у нас D-flat Minor (12A), то следующим можно поставить A-Flat Minor (1A) или F-Sharp Minor (11A).

Еще один эксперимент — переходы из внутреннего круга во внешний в пределах одного и того же «часа», то есть из минор в мажор и наоборот. Тут нужно быть внимательным с настроением трека: посреди развеселого клаб-хауса не всегда можно влепить какой-нибудь дарк-электро 🙂

Объяснять на словах можно долго, но самый короткий путь — это непосредственно практика. Если медведь на ухо не наступил — то сразу станет понятно, что хорошо, а что плохо.

На одном зарубежном форуме я наткнулся на пост, где говорилось о том, что продукты MixMeister распознают тональность с точностью до 70%, в частности, очень редко делают различие между мажорными и минорными. Тут уж пеняй на себя — уши никто не отменял, если «не звучит», надо брать дело в свои руки. На сайте той же Mixed In Key многие диджеи и продюсеры признались, что до этого пользовались фортепианной клавиатурой или синтезатором (что, кстати, способ гораздо более точный, хоть требует слуха и времени).

Еще одна тонкость — это зависимость «tempo-key». Надо знать, что если мы разгоняем или тормозим трек, то через каждые 6% скорости тональность будет меняться соответственно направлению. Если трек был исходно 140BPM и в тональности 12A, то затормозив его на 6% получим уже 11A.

Есть простое правило: если разность в скоростях меньше трех процентов, то тональность второго трека можно брать ту же самую. Если больше трех — на одну больше/меньше.

И помните, гармоническое сведение — не панацея для создания качественного микса, это всего лишь одна из составляющих. Творческую составляющую, а так же хороший вкус при выборе музыки для сета нельзя забывать ни в коем случае.

Как записать полноценный трек через GarageBand | Технологии | Блог

GarageBand можно найти во многих продуктах Apple. Это бесплатная, простая и функциональная программа для создания музыки с множеством готовых пресетов. Ее легко освоить, чтобы попробовать себя в музыке и научиться сочинять полноценные треки. Многие музыканты пишут к ней музыку для себя и друзей, есть примеры и коммерческих записей (Grimes, Rihanna, Usher). Эта статья научит создавать в GarageBand собственные треки за 10 простых шагов.

Прежде чем начать

Прежде, чем приступить к работе, повар точит нож, гитарист настраивает гитару, а хоум продюсер обновляет софт. Чтобы получить наилучший результат, стоит обновить:

• Саму программу — открыть AppStore, кликнуть по вкладке апдейтов и выбрать GarageBand.
• Звуковые библиотеки. Это поможет сделать программу стабильнее, добавит новые звуки и откроет больше возможностей для музыканта. Обновить библиотеки можно по одной за раз, кликая по стрелке «вниз» напротив инструмента. Либо можно обновить все сразу с помощью меню (GarageBand — «Звуковые библиотеки» — «Скачать все доступные звуки»).

Шаг 1. Создание проекта

При первом запуске появляется окно с выбором действий. Кроме работы с проектами, программа предлагает школу уроков игры на гитаре и фортепиано, а в магазине можно скачать курсы для других инструментов. 

Для начала работы понадобится создать новый пустой проект. Нажав параметр «Подробнее», можно выбрать:

• Темп песни. Это основа всего. Исторически сложилось так, что множество хитов записано в 120 ударов в минуту. Это один из самых популярных темпов, поэтому он установлен по умолчанию. Но всегда можно настучать свой, кликая по кнопке «Tap Tempo».
• Тональность. В филармонии перед началом концерта на сцену выходит женщина и объявляет: «Шостакович, симфония 11, соль минор». Последняя фраза и обозначает тональность произведения: тоника (т.е. основной тон, в котором построена песня) и лад (мажор или минор).
• Размер. 2\4 будет похож на марш, 3\4 — на вальс, 4\4 — самый привычный уху, он установлен по умолчанию.
• Устройства ввода и вывода звука. Как правило, внешняя или встроенная звуковая карта.

Если количество вводных настроек смущает, можно просто создать новый проект и понять все на практике. Вместе с освоением программы и основ теории музыки станет понятно, что работа над треком начинается с выбора его темпа, тональности и размера.

Шаг 2. Интерфейс

При запуске нового проекта программа предлагает создать один из четырех треков:

• Виртуальный инструмент — плагин, эмулирующий звучание пианино, скрипки, флейты, гитары и всего, что есть в библиотеке звуков.
• Аудио с микрофона или линейного входа — чтобы записать голос или живой акустический инструмент.
• Аудио с гитары или баса — чтобы записать электронные инструменты и обработать эмулятором усилителя (ампсимом).
• Виртуальный барабанщик — простая в настройке драм-машина с пресетами из разных жанров музыки 

Интерфейс программы интуитивно понятен: пробелом запускается и останавливается воспроизведение, за запись отвечает большая красная кнопка. Рядом с названием дорожки и иконкой инструмента при записи появляется визуальное отображение партии.

Шаг 3. Виртуальные инструменты

GarageBand предлагает огромное количество инструментов, которые можно использовать в своих проектах: синтезаторы, электро- и бас-гитары, оркестровые инструменты, барабаны и даже вокал. 

Более того, программа умеет превращать обычную кнопочную клавиатуру в midi-клавиатуру, так что для управления всем многообразием инструментов не нужно даже специальных устройств. Виртуальная клавиатура вызывается нажатием «Command key + K». В случае с мобильными девайсами это будут черно-белые клавиши пианино или гриф гитары.

Разумеется, все ноты будут одинаковой громкости (выставляется параметром «Чувствительность»), с динамикой придется работать после записи. Поэтому, если процесс затянет, можно посмотреть в сторону двух-трехоктавных midi-клавиатур — они занимают мало места на столе и серьезно ускоряют процесс создания музыки, особенно если за спиной есть музыкальная школа.

Шаг 4. Трек микрофона

Это не только трек вокала, поскольку с помощью микрофона можно записать акустическую гитару, скрипку, контрабас, барабаны и любой другой акустический инструмент. 

Чтобы слышать себя во время записи, на выбранной дорожке нужно зажать кнопку мониторинга сигнала. Чтобы вместе с вокалом или скрипкой не записался клик метронома, понадобятся наушники. Даже рядовые «затычки» помогут в этом деле, а если их будет не хватать, тогда стоит обратить внимание на закрытые охватывающие наушники для записи. Получить хороший результат поможет студийный микрофон или рекордер и подготовленное помещение.

Шаг 5. Гитарный трек

Этот шаг может и не пригодится тем, кто не играет на гитаре. А вот гитаристам и басистам будет интересно узнать, что в GarageBand встроен неплохой гитарный процессор с множеством готовых пресетов — от чистых и перегруженных до экспериментальных. В сети можно найти сравнения с реальными усилителями, чтобы оценить качество звучания, а здесь статья о том, что нужно для профессиональной записи гитары.

Кроме того, программа позволяет сделать тонкие настройки усилителя, сменить кабинет, микрофон и его положение.

Также в GarageBand есть неплохие эмуляции культовых гитарных и басовых педалей, которые можно добавлять в свой педалборд одним кликом. 

Наконец, в программе есть встроенный тюнер — важно настраивать гитару перед каждой сессией записи и периодически подстраиваться во время нее.

Шаг 6.

Драм-машина

Разработчики GarageBand придумали самую простую в управлении, но при этом отлично звучащую драм-машину. Пользователю доступен список музыкальных жанров, в каждом из которых играет несколько виртуальных барабанщиков. Каждый обладает собственным стилем, подачей и манерой игры. Между ними легко переключаться, чтобы выявить, какой лучше всего подходит к треку.

В окне редактирования можно выбрать грувы из пресетов, отрегулировать динамику и экспрессию (как сильно виртуальный барабанщик будет бить по виртуальным барабанам). Также можно настроить громкость каждого элемента барабанной установки, увеличить количество сбивок (fills — перебивок по томам между квадратами) или добавить свинг. Таким образом можно за пару секунд подобрать подходящий грув под только что сочиненную музыкальную фразу.

Шаг 7. Редактирование midi

Партии виртуальных инструментов записываются в формате midi. Причем записывается не сам звук, а информация о нем — высота ноты, длительность, громкость и т. п. После чего полученную партию можно скормить любому виртуальному инструменту, что очень удобно при выборе звуков для песни.

Работать с midi-партией можно в редакторе, который обычно называют piano roll. Его можно вызвать двойным кликом на область партии, которую нужно отредактировать, либо нажать горячую клавишу E.

В редакторе партий можно вручную поправить длительность любых нот, удалить лишние, добавить недостающие или даже полностью нарисовать нужную партию. Также есть функция квантизации (quantize), которая позволяет поправить длительность нот автоматически. Ее можно найти во вкладке «Область» (Region), для корректной работы нужно указать желаемую длительность нот (параметр Time Quantize). Эта функция дает возможность за секунды приводить свои кривые наброски к достойному результату.

Шаг 8. Редактирование аудио

Аудиотреки отображаются в виде звуковой волны, из которой интуитивно понятно, где звук громкий, где тихий, а где ничего нет. Первое правило — даже самые громкие звуки не должны превращаться в пики, вылезающие за пределы аудиодорожки. Это называется клиппинг, он вызывает искажения (треск, скрежет). Чтобы от него избавиться, нужно прибрать уровень входного сигнала на аудиокарте. Именно поэтому для домашних продюсеров лучше всего подходят внешние настольные аудиокарты с удобной регулировкой входного гейна.

Чистый сигнал не должен выходить за границы поля

Второе правило — тишину до и после партии лучше удалять, поскольку даже в самом тихом сигнале содержится шум цепи усиления. 

Если дорожка одна, то ничего страшного, а вот при нескольких десятках нужно избавляться от малейших шумов, чтобы сохранить ясность звучания. Благо, подрезать аудиотрек очень просто: достаточно кликнуть мышкой по краю и сократить дорожку с нужной стороны.

Шаг 9. Работа с лупами

Лупы — это зацикленные на несколько тактов фрагменты партий различных инструментов: от барабанов и баса до гитар и даже вокала. Множество музыкантов пользуются готовыми лупами, чтобы ускорить сочинение музыки. Кнопкой O вызывается библиотека лупов с удобным браузером для быстрого поиска по инструменту, жанру или описанию. 

Если обновления библиотек не выполнялось, тогда многие из них придется загружать поштучно. Рядом с каждым лупом указана длительность в долях, прослушать их можно кликом мыши, а понравившийся фрагмент легко перетащить курсором на нужную аудиодорожку. Оперировать лупами удобнее всего с помощью midi-клавиатур и контроллеров, оснащенных пэдами: фрагменты можно привязать к пэдам и играть ими как нотами.

Шаг 10. Сведение и мастеринг

GarageBand предлагает огромное количество пресетов для быстрого сведения своих треков. Достаточно кликнуть на трек, чтобы вызвать список пресетов. Горячая клавиша B открывает тонкие настройки. Там можно вручную отрегулировать значения компрессора, эквалайзера, модуляции, дилея и других плагинов обработки. Также есть возможность подключать внешние плагины.

Прежде, чем экспортировать финальный трек, нужно поставить на мастер-шину («Дорожка» — «Показать мастер-дорожку») лимитер, который ограничивает пики аудиосигнала и предотвращает клиппинг. 

Он выравнивает звуковую волну и компрессирует сигнал, в итоге тот становится тише. Поэтому нужно вручную приподнять его громкость в поле Gain, а также убавить сигнал на выходе (Output Level) на полдецибела, чтобы у лимитера был некоторый запас. Большую помощь в сведении и мастеринге окажут студийные мониторы или наушники. С ними намного проще услышать изменения в динамике сигнала и любые искажения.

Лимитер — необходимый минимум для мастеринга, но продвинутые пользователи могут воспользоваться компрессором, эквалайзером, анализатором сигнала и другими плагинами.

В меню «Поделиться» (Share) нужно выбрать «Экспорт песни на диск» (Export Song To Disk), чтобы отрендерить финальный результат. В появившемся окне выставляется имя композиции, формат и качество аудио. Для черновиков сгодится и mp3, но для стриминг-сервисов или записи на CD и распространения будущего хита по друзьям понадобится аудио в формате *. wav.

Заключение

Любой длинный путь начинается с маленького шага. Чтобы понять основы, не обязательно сразу пытаться делать хиты — достаточно набросать хоть что-нибудь, но довести дело до рендеринга, после чего попробовать сделать что-то более сложное. GarageBand предоставляет еще множество возможностей — автотюнинг вокала, выравнивание аудиопартий, нотный редактор, автоматизация и многое другое, что встречается в DAW профессионального уровня. Любопытно, что он даже позволяет обновить себя до Logic Pro. 

Пространства для роста достаточно, чтобы освоить создание композиций от записи до мастеринга и получить результат, который и не снился домашним продюсерам еще каких-то 15 лет назад. В конце концов, можно попробовать себя в создании каверов на хиты в Айфоне, некоторые из них собирают десятки миллионов просмотров.

Парни нам сказали «делайте женскую вечеринку». Истории пермских девушек-диджеев о музыке, профессионализме и тусовках

Василиса Никифорова

Фото: vk. com/ggcomggcom

— Я начала заниматься диджеингом прошлой весной, мне тогда только исполнилось 17 лет. Всё началось с того, что моя подруга позвала меня на пермскую тусовку Mowa. Я говорю — там, наверное, детей полно, одни школьники ходят. А она — пойдём, там классно. Мы сходили, и мне так это понравилось. Я посмотрела, как играют парни, почувствовала эту энергию, которой диджей обменивается с толпой. После вечеринки я была окрылённой, и это так круто. И мне подруга рассказала про a’punkt и позвала поиграть. Я тогда вообще была полный ноль в этом. Посмотрела уроки на Youtube, как сводить и что это такое. Мы пришли на эту площадку, я встала за пульты и спрашиваю: «Макс, а как трек-то включить?» Мы посмеялись немного, и Макс Соло (основатель a’punkt) мне всё показал. Я начала играть, у меня сразу же получилось. Меня захватило это. Я начала больше читать, смотреть, узнавать, разговаривать с парнями. В апреле я начала играть. Парни, которые работали в parallel (площадка, на которой располагается a’punkt) подходили, давали какие-то советы. И буквально через пару недель у меня уже был прямой эфир. Я играла жёсткую музыку — grime и bassline, мне нравились эти стили.

Vassa на вечеринке GG Фото: Екатерина Сычёва

Когда начала играть, я сразу же стала спрашивать у парней, кто из девочек в Перми ещё играет, но они толком никого не назвали. Потом как-то я пришла играть на a’punkt и познакомилась с Алисой Ощепковой. Парни нам сказали в шутку «делайте женскую вечеринку». Я задумалась, почему бы и нет! И начала искать девочек. Ко мне все подходили со словами «я тоже хочу играть». Я подумала: раз хотят, значит надо делать, это же круто! Потому что женский диджеинг не развит. Мы объединились, создали первый женский мьюзик промо в Перми — GG.com (go girls), чтобы вместе что-то делать, придумывать что-нибудь крутое и развиваться. Сейчас нас трое — я, Света Чекменёва и Алиса Ощепкова. В сентябре я съездила на музыкальный фестиваль Outlook в Хорватию. Я была там практически месяц, тусовалась, общалась с людьми. Вернулась, полная восторга и вдохновения. В ноябре прошла наша первая вечеринка в «Студии», мы её сделали в честь дней рождений Светы и Алисы. Народ был в восторге, всем очень понравилось, сказали «вау, офигеть, девочки-диджеи, это как так вообще!» Следующая вечеринка была посвящена 8 марта. У нас было достаточно времени, чтобы подготовиться. К нам присоединились Оля Верещагина, Катя Деткина, и другие девочки начали подключаться к этому движению. Конечно, не всё удалось сделать так, как хотелось. Это стартовая точка, мы попробовали, посмотрели на результат, на реакцию людей, поняли примерное направление, и будем двигаться дальше. Сейчас мы отрабатываем технику, развиваемся в техническом плане.

Фото: Екатерина Сычёва

Я ещё формируюсь, ищу себя и свой стиль, пробую, узнаю. Играю абсолютно разную музыку. Я могу сегодня играть техно, а на следующий день фанк или диско, а потом вообще grime или bassline. Как больше нравится, по настроению. Музыка мне всегда очень нравилась, я немного занималась в музыкальной школе. Вообще я обожаю классику и джаз. Иногда я закрываюсь в своей комнате поздно вечером, включаю джаз, делаю приглушенный свет и просто лежу на полу и кайфую. Я вообще советую и молодёжи, и всем слушать как можно больше классики. Это основа, она учит правильно воспринимать другую музыку. Если человек умеет слушать классическую музыку и правильно воспринимать и интерпретировать её, то он и в другой музыке будет ориентироваться. Если у меня есть возможность, есть деньги — я иду в оперный театр.

Я определяю профессионализм диджея по тому, как он ведёт себя за пультами. Когда он стоит и сводит треки, он должен не просто уткнуться в пульт, а смотреть на публику. Когда диджей смотрит на людей, которые перед ним, он понимает, что им надо. Диджеинг — это не просто ставить то, что тебе нравится, а следить за поведением толпы. С помощью музыки ей можно управлять. Хороший диджей — пританцовывает! Когда человек двигается, он чувствует музыку, пропускает её через себя. Если диджей закрыт, не делится с публикой чем-то своим, людей тоже не качает. А когда он направляет свою энергию, ты это чувствуешь, и это заражает. Вообще я считаю, что у каждого человека, если он начал заниматься каким-то делом, должны быть изначально выстроены ценности. Почему он этим занимается? Если он это делает просто так, из этого ничего не получится, будет какой-нибудь отстой. Если я что-то делаю, я хочу, чтобы до людей что-то дошло. Например, понимание красоты музыки, синхронности. Я играю то, как я себя ощущаю сейчас. Последний мой микс очень расслабленный, спокойный, там много инструментальной музыки. Это же состояние я хочу передать людям, чтобы они тоже почувствовали то, что чувствую я.

Катя Деткина

Фото: vk.com/ggcomggcom

— Я начала обучаться диджеингу, потому что мой молодой человек — Макс Соло — очень давно этим занимается. Мы познакомились в клубе Custom House как раз после сета, который он отыграл вместе со своими друзьями из проекта aux’gang. С тех пор я постоянно находилась в среде диджеев. Последнее время меня начали спрашивать «Катя, ну когда ты-то начнешь?» А я всё не начинала. И однажды Макс сам предложил обучить меня диджеингу. Мы начали занятия в середине прошлого года, так что я играю относительно недавно. В первый раз я играла на вечеринке, посвящённой 8 марта в клубе «Студия». Я сильно переживала, потому что на мне был двойной груз ответственности: я не могла подвести не только себя, но и Макса. От этого волновалась ещё больше, поэтому, когда встала за пульт, первые минут 15 у меня дрожали руки, а потом, когда уже поняла, что вроде бы все хорошо, и видела, что Макс на меня смотрит по-доброму и улыбается, успокоилась и наслаждалась моментом. Все прошло хорошо: я полностью отыграла плей-лист, который готовила, и по времени вышло даже больше, чем мне было отведено. После того, как я закончила, ко мне подошли несколько человек и сказали, что им понравилось. Я была счастлива! Через день была тусовка у девочек из GG.com, и они позвали меня, так что я отыграла и там. Конечно, я только начинаю свой путь диджея, но мне это безумно нравится.

Фото: Екатерина Сычёва

У каждого человека есть какая-то предрасположенность к стилю в музыке, к тому, что ему нравится слушать и играть, и что он хочет донести до публики. Сейчас я играю хаус, тек-хаус, минимал-хаус. Также нравится техно, но этот стиль музыки сложно слушать часто и в свободное время, а хаус я могу слушать постоянно, начиная от каких-то ненавязчивых мелодий до более интенсивных басовых треков. Я постоянно слушаю музыку, отбираю её, нахожу новые лейблы, новых диджеев, которые мне нравятся. Большинство диджеев, которые давно играют и пишут музыку, можно узнать по первым нотам их треков, у них есть свои приёмы и стиль, а я сейчас нахожусь как раз в поиске своего.
Конечно, парней-диджеев гораздо больше. Девушка-диджей — это более уникально, не так распространено. Я думаю, никакой существенной разницы между девушками и парнями-диджеями нет. Профессионализм зависит от опыта и амбиций человека, а не от пола. Если девушка хорошо играет серьёзный материал, логично выстраивает свой сет, в котором стилистически грамотно подобраны треки, я думаю, знающие люди это оценивают.

Света Чекменёва

Фото: vk.com/ggcomggcom

— Я мечтала о том, чтобы стать диджеем, лет с 14, когда видела девушек-диджеев на MTV. Мне было так интересно, что это такое, как сводится музыка. Когда мне было около 13, я играла на гитаре в музыкальной школе. И в какой-то момент я поняла, что мне не интересно сольфеджио, играть по нотам, мне всегда хотелось импровизировать. В 2016 году я познакомилась с ребятами из пермского движения электронной музыки «Мова». И как-то все пошло, мне стала интересна электронная музыка. Дальше я начала наблюдать за диджеями из Британии, и мне тоже захотелось играть. Я очень долго стеснялась встать за пульты и начать учиться. Благодаря «Мова» я познакомилась с белорусским объединением «Бассота», они занимаются электронной музыкой и продвигают это направление. Я поехала в Минск на вечеринку этого объединения, она длилась 33 часа. И ребята сказали мне готовить сет. На тот момент я уже познакомилась с Василисой на одном из мероприятий, и она мне показала, как и что нужно делать. В Минске я потерпела первую неудачу, потому что многого не знала. Не знала о приложениях для новичков, которые помогают попадать в ритм и грамотно сводить треки. Но я не расстроилась, приехала обратно в Пермь, и мне захотелось уже серьезно этим заниматься.

Каково это — быть девушкой-диджеем? Поначалу было страшно. Думаешь, вдруг тебя за это осудят. Стесняешься. Но парни поддерживают, нет такого «ты девочка, ты не должна этим заниматься», как бывает, когда девушка, например, катается на скейте. Наоборот поддерживают, помогают в чём-то. Я училась у Макса Соло. Когда приходила на занятия, ребята, которые там работают, и тоже умеют играть и сводить, подходили ко мне и говорили, как лучше свести тот или иной трек, помогали подобрать правильную частоту. Многое мне показали. Узнавая разные точки зрения и разные способы сведения, ты уже приходишь к какому-то своему. Я считаю, что мне ещё нужно много практиковаться, я занимаюсь диджеингом чуть меньше года, а основательно с ноября. Мне кажется, одна из моих наибольших проблем — я не могу слушать какое-то одно направление. Сейчас мне больше техно и bassline нравится. Мне хочется играть и тот трек, и этот, но они никак не совпадают.

Фото: Екатерина Сычёва

Когда я встаю за диджейский пульт, всегда очень нервничаю, краснею. Начинаю переживать, первые два сведения не очень заходят, а потом в какой-то момент, когда я понимаю, что публике нравится, я чувствую полное удовлетворение. А когда доигрываю сет, и все ко мне подходят и говорят «Света, ты молодец», то даже начинаю собой немножко гордиться. Такое было, когда мы с Василисой играли в Smoky Dog. Там не было подсказок, непонятный контроллер, и мы как-то в этом разбирались, и треки гармонично сочетались. Тогда я реально почувствовала, что на самом деле у меня начало получаться. Думаю, что мы вернемся и придумаем что-нибудь еще. Пока мы немного отодвинули вечеринки, чтобы практиковаться и оттачивать навыки. Я очень хочу научиться играть на виниле. Мы с Василисой один раз пришли в parallel, она взяла с собой пластинки. Было очень тяжело попадать в бит, найти его, прощупать, но именно в такие моменты у тебя мозг начинает работать, и ты начинаешь что-то слышать, потому что сейчас любой может стать диджеем, есть специальные программы, которые помогают. Например Record box, который анализирует трек и даёт подсказки, ты видишь «бочку». Но, когда у тебя ничего не проанализировано, и ты с винила играешь, это гораздо сложнее, ты начинаешь думать. К этому и нужно стремиться.

Мне кажется, людям девушки-диджеи нравятся. Все равно есть какой-то стереотип у каждого в голове, что девушка не может этим заниматься. Или это считается необычным. Почему девушек диджеев так мало? Может быть, просто не всем это интересно, и некоторым девушкам больше нравится тусоваться. Может быть, кто-то стесняется, как я поначалу, не знает, к кому обратиться, и где научиться.

Оля Верещагина

Фото: vk.com/ggcomggcom

— С музыкой я с детства, училась в музыкальной школе с пяти лет. Где-то с семи начала покупать кассеты, потом это были диски. Музыка была разная, электронная и хип-хоп: The Prodigy, Rammstein, Fatboy Slim, Snoop Dogg, The Game. Вообще, хоть я и играю электронную музыку и люблю её, моя самая главная любовь и отдушина это хип-хоп. Эта музыка приводит меня в душевное равновесие. Слабо себе представляю жизнь без музыки, если у меня её забрать, я потеряюсь. Я всегда была диггером и копалась в музыке, в какой-то момент поняла: у меня уже столько материала, что я могу и хочу делиться с людьми хорошей музыкой. Весной 2015 сходила в школу диджеинга, где меня научили азам, в это же время познакомилась с Николаем N Flame. Он познакомил меня с ребятами, которые летом этого же года запустили проект «Эстетика». С этим проектом я и начала свой путь диджея. Потом решила уйти в свободное плавание и создала свой проект — IIIYM909. «Музыка — это самый дорогой шум, который известен человечеству», а 909 — это название одной из классических драм-машин (Roland TR-909). Всё, что я делаю, мой проект — это способ распространять интересную музыку, вне зависимости от жанра, IIIYM не имеет ограничений по стилям. Вообще, диджей — это своего рода проповедник. Когда я играю, я мало контактирую с публикой, нахожусь в своих мыслях — это неправильно. Диджей должен всегда видеть реакцию, чувствовать людей, и давать то, что им нужно, создавать настроение. Но в то же время надо гнуть свою линию и не идти на поводу у дурного вкуса. Цели у тех, кто однажды решает стать диджеем, разные… Кто-то занимается диджеингом, чтобы заработать денег, кто-то просто хочет засветиться, у кого-то есть идея. Я идейный человек, моя цель — распространять некоммерческое звучание.
Отличается ли женский диджеинг от мужского? Возможно, у девушек музыка более эмоциональная, хотя это не от пола зависит. Есть мальчики с женской душой, есть девочки с мужским характером. Как и в любой другой работе, профессионализм в диджеинге не зависит от пола.

https://soundcloud.com/vereshchagina-olga

***

В Перми действуют две школы диджеев:

1. a’punkt. Курс «How to be a DJ»

Продолжительность курса — 1 месяц (8 занятий по 2 часа). Занятия проходят индивидуально 2 раза в неделю.
Курс рассчитан на слушателей, желающих получить базовые навыки работы с виниловыми, CD-проигрывателями и контроллерами с нуля. На курсе научат сводить пластинки, CD-диски и медиа-файлы с флэш-накопителей, использовать функции микшера, подбирать музыкальный материал для сетов.

Адрес: ул. Пермская 68.

2. Impulse. Базовый курс обучения

Продолжительность курса — 1 месяц (8 занятий по 2 часа). Занятия проходят в группе 3-4 человека 2 раза в неделю.

После обучения слушатели курса получают сертификат и проходят практику в заведениях Перми.

Адрес: ул. Горького, 18.

Телефон: 288-13-99.

Сайт.

Профессиональное сведение в Ableton Live 10/11

Эквализация.

• Улучшение звука на примере (Bass, Lead, Guitar)
• Избавление от лишних частот и призвуков
• Решение частотных конфликтов в
  процессе сведения
• Удаление резонансов
• M/S эквализация

ч а с о в
в и д е о

Мы опубликовали для Вас 5 из 56 уроков
из данного видеокурса. Включайте и обучайтесь! 

Урок №4. Ваш микс в 3D.

Сатурация.

• Что это такое и зачем она нужна?
• Работа с басом и лидами
• Сатурация ударных и особенности их обработки
• Художественная и техническая сатурации

• Хорус, как плагин для обогащения звука
• Spectral Resonator / Redux

Вам что-то не понятно или у Вас есть
вопросы? У нас уже есть ответы!
Или Вы желаете задать еще?

Профессиональное 
сведение в Ableton Live 10/11

Урок №40.

Дилей. Повторение звука.

Урок №30. Компрессия. Выравнивание звука.

Урок №45. Сатурация. Работа с басом и лидами.

Урок №38. Реверберация. Планы в миксе.

Основные
особенности

видеокурса:

Ваши треки звучат плоско и скучно? У Вас сумбур в голове
и нет четкой структуры, как сводить музыку? Вы не слышите
свои ошибки или не до конца понимаете, как работают некоторые
плагины? Если Вам это знакомо, то мы рады представить Вам
универсальное и комплексное решение этих проблем.  Не важно
пишите Вы музыку сами, или занимаетесь сведением чужой
музыки, или только хотите начать зарабатывать творчеством.

в и д е о

у р о к о в

Профессиональное
сведение в Ableton Live 10/11.

Наши курсы и уроки имеют сотни положительных
отзывов от музыкантов и продюсеров, работающих 
в разных музыкальных направлениях. Здесь Вы 
найдете ответы на все свои вопросы.

Все курсы по Ableton Live 10/11 здесь.

Закрытый клуб по Ableton Live 10/11.

После просмотра урока, Вам необходимо
выполнить домашнее задание для
закрепления материала. 

Баланс и панорамирование.

• Как грамотно выставить громкости в миксе
• Как избежать клиппинга в миксе
• 2 главных принципа панорамирования

Биографии наших преподавателей
расскажут и покажут Вам
нечто больше.

Хотите получить доступ ко всем нашим 
видеокурсам и другим материалам всего
за 19.990 руб вместо 200.000 руб?

В подарок Вас ждет удобный шаблон (Template)
который Вы сможете использовать при сведении
своей музыки.

Не экономьте на обучении. Ваше потеряное время —
бесценно! Не тратьте его на ненужные действия. 
Воспользуйтесь нашими курсами по Ableton Live

 и начните применять новые знания уже сегодня.

Сведение — это один из самых важных этапов в создании трека.  Именно сведение позволяет сделать микс чистым,
плотным, насыщенным и качественным. Грамотное сведение позволяет создать современное и актуальное звучание,
которое Вы слышите в своих любимых треках. Сейчас требования к качеству очень высоки и даже если у Вас есть
отличная, цепляющая идея, то без качественного сведения Ваш трек так и останется незамеченным. Именно поэтому

Вам нужно понимать процесс сведения, а не просто знать, как его делают другие звукорежиссеры. Понимание намного
важнее простого знания, ведь именно оно позволит Вам быстро выработать свой собственный подход к сведению
музыки, который будет удобен именно Вам. Еще одна хорошая новость — для качественного сведения Вам не нужно
покупать кучу разных плагинов. Вы можете сделать прекрасный микс используя родные в Ableton Live 10/11 плагины.

Компрессия.

• Обработка отдельных звуков
• Работа с транзиентами
• Групповая компрессия 
• Выравнивание звука 

129226, Москва, Проспект Мира, д. 131, офис 3
ООО «SALE», ИНН: 7717707117, ОГРН: 1117746702138 

Содержание курса — 56 уроков.

Введение.

• С чего начинать сведение и как не
  ошибиться в самом начале
• Визуальное представление Вашего микса
• Эффект плацебо при сведении музыку
• Создание домашней студии

Реверберация.

• Что такое реверберация
• Insert или Return
• Типы реверберации и их применение
• Выстраивание планов для большей глубины микса
• Обработка реверберации
• Hybryd Reverb

 

Дилей.

• Типы дилея и их применение
• Повторение звука
• Ужирнение любого инструмента
• Эффект Хааса
• Продвинутые виды плагина Delay
• Vector Delay / Spectral Time / 
  Chorus-Ensemble / Phaser-Flanger

Заключение.

• Подведение итогов
• Выстраивание четкого алгоритма сведения

Вместе с уроками Вы получите массу полезных
шпаргалок, конспектов и других доп материалов,
которые упростят Ваш процесс сведения музыки. 

© Ableton Pro Help, 2022 г. Все права защищены.
Если у Вас есть какие-то вопросы или предложения, пишите нам:  [email protected]

• Является диджеем, музыкантом, продюсером или mixing  
  инженером, не важно, начинающим или продвинутым;
• Хочет улучшить звучание и качество своих работ;
• Устал от каши в голове и от избытка информации;
• Хочет зарабатывать, занимаясь любимым делом;
• Хочет разобраться, как работают плагины, и как
  обрабатывать звук.

Курс будет полезен
для тех, кто:

• Быстро и качественно сводить свои треки и песни;
• Сделать из плохого трека конфетку за счет сведения;
• Легко работать со всеми плагинами обработки точно
  понимая принцип их работы и задачи;
• Заработать первые деньги выполнив качественное
  сведение чужой музыки;
• Избавиться от каши в голове и от переизбытка информации.

После прохождения
курса Вы узнаете, как:

Music Help — это лидер по онлайн обучению Logic Pro X и Ableton Live 10/11 в России,
а также по созданию курсов и уроков для звукорежиссеров и саундпродюсеров,
работающих в любом секвенсоре. Мы обучаем как начинающих, так и
профессионалов музыкальной индустрии. Наши курсы и уроки имеют
сотни положительных отзывов от музыкантов и продюсеров,
работающих как в разных музыкальных
направлениях, так и в любой DAW.

         ›  Видеокурсы   ›   Профессиональное сведение в Ableton Live 10/11.

Автор видеокурса
Алекс Владимиров

Настройка трэков по скорости для сведения

20.09.2018

Мы уже говорили о том, что у каждого трэка есть такая характеристика как скорость (темп) воспроизведения, которая измеряется в количестве ударов бита в минуту (BPM). Для того, чтобы запустить два трэка вместе и выполнить сведение, диджею необходимо настроить трэки по скорости и совместить биты.

На рисунке показаны два трэка, темп которых отличается. Если запустить эти трэки одновременно, их биты будут идти вразнобой и звучание микса будет ужасным.

Теперь возьмем два трэка с одинаковым темпом. Если запустить эти трэки не совсем одновременно, то их биты тоже будут идти вразнобой и звучание микса снова будет ужасным.

А вот когда наши трэки играют на одной скорости и их биты совмещены, микс будет звучать хорошо. Именно так и должен сводить трэки диджей.

Для сведения желательно подбирать трэки, которые изначально не очень сильно отличаются по темпу. К примеру, если мы возьмем один трэк с темпом 120 ударов в минуту, а второй 130 ударов в минуту, нам придется сильно изменить темп одного из треков (или обоих) для сведения. Таким образом, звучание трэка станет неестественным, и в целом наш микс будет звучать не очень хорошо.

---

Предположим, мы выбрали два house трэка, которые мы хотим свести. Первый трэк имеет темп 125 ударов в минуту. Второй трэк имеет темп 123 удара в минуту. Таким образом нам надо ускорить звучание второго трэка для синхронизации с первым.

Последовательность действий для синхронизации трэков такая:

В первый удар бита новой музыкальной фразы играющего трэка запускаем второй трэк. Теперь мы слышим два трэка.

Мы условились, что новый трэк имеет темп 123 удара в минуту. Значит после запуска он обязательно начнет отставать от первого трэка. Тогда мы ускоряем звучание трэка, вращая джог cd-проигрывателя вперед (то есть по часовой стрелке). Тем самым трэк временно ускоряется и догоняет первый трэк.

Но как только мы перестанем подталкивать джог, трэк снова начнет отставать. Чтобы этого не случилось, нам необходимо изменить скорость воспроизведения при помощи регулировки tempo на cd-проигрывателе.

Мы очень постепенно изменяем скорость воспроизведения при помощи регулировки tempo, продолжая ускорять звучание трэка джогом, и делаем это до тех пор, пока трэки не перестанут расходиться. Теперь у нас нет необходимости подталкивать джог — биты двух трэков идеально совпадают.

---

Первое время у большинства новичков синхронизация трэков вызывает большие трудности. Но со временем вы научитесь, это вопрос опыта.

Стоит сказать, что настройку скорости нового трэка диджей выполняет в наушниках. Таким образом из колонок звучит только первый трэк, а диджей слышит оба трэка и настраивает их по темпу. После того, как настройка будет выполнена, новый трэк опять запускается сначала (в первый бит новой музыкальной фразы заканчивающегося трэка). После чего диджей выполняет сведение.

Hey, DJ! | Anikeev’s blog

Октоберфест — известное и популярное мероприятие. Это горы пива в больших кружках, ароматные колбасы и жареные сосиски, массовые гуляния парней в штанах на подтяжках и девушек с большими косами, крендельками и сиськами. А ещё Октоберфест часто становится основой разных вечеринок: от тематических до корпоративных. И в ходе подготовки одной из таких вечеринок мне потребовалось найти музыку. Было сложно.

Во-первых, музыка на вечеринку в стиле «Октоберфест» должна быть со словами, а текст — на немецком. Даже если вы будете искать по исполнителям, то можете наткнуться на песни и даже альбомы полностью на английском.

Во-вторых, музыка должна быть стильная. То есть еврохаус и прочую бум-бум отметаем сразу, унылые взвывания тоже, околовоенные патриотические опусы с маршами тоже идут лесом. Остаётся что-то задорное и бодрое. Как Верка Сердючка, но из Германии.

В-третьих, немецкий никогда мной не изучался, поэтому диакритические знаки (всякие закорючки над буквами) и строгое игноринование немцами пробелов очень мешали мне терзать поисковики.

Но я упорно искал, а в результате появилась эта статья, как некое пособие для поиска весёлых немецких песен с готовыми примерами таковых.

Слово, о котором вы наверняка забыли…

Всевозможные запросы типа germany, songs, fest, folk дают непредсказуемые результаты. Но если вспомнить, что шлягер — немецкое слово и означает «хит», то поиск пойдёт веселее. Просто добавьте в запрос schlager и будет радость.

Кто-то уже поработал до нас

Вы не поверите, но кто-то давно реально заморочился и выпустил в 1990 году сборник «Двадцатка немецких песен для распития пива» — «20 German Beer Drinking Songs». Изучение песен поможет в поиске.

Например, некий коллектив Hofbräuhaus Festkapelle присутствует на сборнике дважды: с композициями In München steht ein Hofbräuhaus и Stimmunslieder. Забавные ребята, на YouTube есть множество видео как с ними, так и с перепевками другими исполнителями. Видеоряд, кстати, вполне фестивальный и подойдёт для видеосопровождения корпоративного Октоберфеста.

Суперхит в стиле Верки Сердючки — Margot Hellwig с композицией Jodeln, tanzen, frölich sein. Необычайно задорная, атмосферная, весёлая немецкая песенка под пиво с классическими завываниями (я с них смеюсь до одури). Для конкурсов музыка идеальная.

В том же стиле композиция Barbara — Bayerstolz. Или мне так повезло, или композиция действительно старая, но складывается ощущение, что записывали её на проволочный телеграф. Качество ужасное и голос где-то сдавлен в глубине. Но если вы ведёте мероприятие с аудиокассет, то никто разницы не заметит.

А вот образец в духе кантри-музыки, но с немецкими словами: www.bloed man .de — Fürstendfeld. Может пригодиться для конкурсов.

Вполне себе живой немецкий звук с гармонью и трубами: Wildschütz Jennerwein Muikanten — Der Paul und sei Gaul.

Композиция Karl Moik — Einer hat immer das Bummerl по настроению предназначена для завершения вечера, когда все пьяные в хлам и хотят не драться и бузить, а спать. Этакий немецкий медляк.

А вот Rudi Radi — Resi i hol di mit mei’n Traktor ab по стилю напоминает что-то неспешное и лиричное, типа Джо Дассена. Видите, какой разброс жанров? Это потому, что из 20 композиций я сходу забраковал четверть, а к моим требованиям весёлости подходила едва ли половина оставшегося материала.

Весёлая гармошко-трубная песенка, которая по стилю похожа на «Всё хорошо, прекрасная маркиза» — Andreas Autengruber & Sein Original Enzian Sextett — Frau Maier. Да и в названии фигурирует некая фрау. Но, надеюсь, у неё конюшня не сгорела и ничего плохого вовсе не произошло.

Ну вот, девять песен для корпоративного мероприятия в стиле «Октоберфест» вы уже знаете. Остальное, уверен, с такими наводками вы найдёте сами.

Лучше маленький лайк и репост, чем большое спасибо в комментах. По этой причине комментарии выключены, а кнопки репостов — вас ждут. Пользуйтесь, прошу 🙂

Зачем? | Алексей Данилов

Чаще всего в условиях небольших студий музыканту приходится быть многостаночником, выполняя работы, которые в «большом продакшне» отдаются профильным специалистам. Клавишники, гитаристы и певцы углубляются в создание партий барабанов и баса, запись партий бэк-вокала, звукорежиссуру, мастеринг и так далее.

При взвешенном подходе в этом нет ничего плохого. Однако на практике не все так просто, ведь соблюсти баланс и адекватный взгляд на свою работу не всегда получается в силу объективных причин – на каждом последующем этапе нужно критически оценивать проделанное ранее, а критиковать самого себя бывает сложно.

«Зачем?» – такой вопрос нужно задавать себе как можно чаще при работе над музыкальным материалом, поскольку непредвзятый и искренний ответ на него позволит избежать проблем и сэкономить время. Рассмотрим, в каких случаях этот вопрос бывает наиболее актуальным.

Аранжировка

Одна из самых главных проблем любого аранжировщика – непонимание границ восприятия слушателем своих наработок. Из этого вытекают проявления максимализма – желание показать все, что умеешь, в рамках одной песни.

Ненужные партии

Бывает, что выполняющий заказы за деньги аранжировщик переживает, что его аранжировка покажется клиенту недостаточно хорошей, и его посчитают некомпетентным, не обладающим нужными навыками. И аранжировка наполняется партиями, без которых можно было бы обойтись. Они дублируются, наслаиваются друг на друга, что, в свою очередь, приводит к сложностям на сведении. Но сам аранжировщик сведением часто не занимается, так что его мало волнуют проблемы трека на следующей стадии.

На сведении такой материал не ждет ничего хорошего: либо часть партий будет выкинута, либо, в случае их сохранения, на выходе будет посредственный звук. В первом случае аранжировщик не в состоянии предвидеть, что именно будет отправлено в утиль, а ведь если бы он сам позаботился о прозрачной и понятной фактуре, он мог бы обеспечить сохранение самых удачных партий. Во втором случае все старания окажутся тщетными, слушатель не сможет оценить его красочных задумок, похороненных друг под другом.

Почему аранжировщик не может услышать звучание своих партий так, как будут их воспринимать слушатели? Потому что к каждой партии он привыкает, она ему кажется хорошо читаемой и понятной. А это дает основания добавить в ткань что-то еще. У слушателя же концентрация внимания ограничена, он может одновременно усвоить всего несколько звуков, остальное для него превращается в статичный фон.

Дабл-треки и многослойные звуки

Одна из самых частых проблем в этом случае – излишнее количество дабл-треков и похожих «многослойных» звуков.

Далеко не каждый звук нужно дублировать, даже если речь о гитарах. Обычно в этом есть смысл для перегруженных гитарных риффов или размашистых «чистых» переборов, чтобы их сделать объемнее и массивнее. Но аранжировщики-гитаристы записывают дабл-треки даже для быстрых аккордовых ритмических партий или рисунков «немыми» нотами пиццикато. И здесь самое время задать вопрос – а зачем?

Суть ритмических и пиццикатных партий – в создании общей ритмической пульсации. Такие звуки не должны звучать широкой панорамой, они должны локализоваться в музыкальной ткани и взаимодействовать с другими ритмическими партиями по принципу контраста и дополнения.

Оттенить гитарный «чес» можно синтезаторными секвенциями или арпеджиаторами, перкуссионными лупами, шейкерами и так далее (но не всем этим вместе!). А если одинаковыми звуками забить всю панораму, для других партий воздуха не останется.

Если же говорить о многослойных звуках, то чаще всего это касается гармонических инструментов. Пэды, «собранные» из нескольких других пэдов, электропиано, воспроизведенные несколькими разными генераторами, дублированные партии органов и так далее. Иногда этот же прием применяется и к сольным звукам. Но зачем?

Каждый пэд, орган или другой гармонический инструмент имеет свои фактуру и характер, который формируется настройками фильтра, огибающих, модуляции. Чем более красочным оказывается звук, тем больше пространства он требует в миксе для читаемости. Красивому перетекающему синтезаторному подкладу важно обеспечить спектральный диапазон, в котором не будет похожих звуков. Иначе он будет первым кандидатом на хирургические вмешательства эквалайзерами, после которых от его красоты останутся рожки да ножки. Поэтому вместо наслоения нескольких звуков лучше сделать один красивый пэд, который будет правильно сидеть в миксе, выполнять сою гармоническую и атмосферную работу, но при этом не будет мешать другим звукам.

Звуки типа органов часто имеют пульсацию, имитирующую роторы «лесли». Индивидуально эти вибрации слышны хорошо, но при наложении двух органов они начнут «мылить» друг друга, и в результате не будет слышно ничего.

Кроме того, большинство гармонических звуков чаще всего записываются в стерео, то есть их наложения займут в разы больше места в миксе, чем стоило бы.

Сольные звуки тоже не стоит дублировать. Если вам не нравится звук соло, просто измените настройки или используйте другой звук (а то и вообще синтезатор). Не забывайте, что такие партии тоже требуют панорамной локализации, да еще обычно они обрабатываются дилеями. Многослойный лид будет сложнее заставить звучать насыщенно и индивидуально, но не грязно.

Чрезмерное разнообразие звуков

Другая распространенная ошибка в аранжировках – использование слишком разношерстных, разножанровых, часто несочетающихся друг с другом звуков.

Причины все те же – желание аранжировщика показать все свои умения. В одну аранжировку запихиваются десятки звуков – имитация живых дудок и аналоговые синтезаторы, живые фортепиано и электропиано, струнные оркестры и синтетические подклады, секвенции и арпеджиаторы, спецэффекты и шумы, акустическая перкуссия и электронные лупы, а еще нужно как-то вместить туда гитары, бас, барабаны… Ну и где-то там остается небольшая щелка для голоса. На который еще и записывается куча партий бэк-вокала. Ну и все тот же вопрос – а зачем?

Звукорежиссеру с таким материалом будет работать сложно. Но главная проблема даже не в этом. Большим количеством разных звуков, да еще и сыгранных со своей ритмикой и фактурой, аранжировщик часто расписывается в неспособности ясно выразить идею. Впрочем, этой идеи иногда вообще и нет.

Задача аранжировщика – уловить характер композиции, подчеркнуть ее сильные стороны, акцентировать внимание на голосе там, где это необходимо, не забивая его «заполнялками». Аранжировка не должна мешать слушателю понимать текст, если ему отводится важная роль в песне. Если основная стилистическая особенность композиции сосредоточена на ритмике, то ее нельзя разваливать и «замазывать» бесполезными партиями.

Чем меньше звуков в аранжировке, тем больше вы можете уделить внимания развитию каждого из них, драматургии саунд-дизайна. Это не значит, что нужно, прикрываясь принципом минимализма, делать аранжировки исключительно из трех звуков. Главная задача – заставить звуки взаимодействовать, если для этого достаточно трех партий – прекрасно. Но под взаимодействием здесь нужно понимать не вертикальное наслоение, а внутреннюю пульсацию, динамику, драматургию в масштабах всего произведения, его частей и даже внутри одного такта.

Иногда, кстати, звуки добавляются в аранжировку совершенно непредсказуемым образом – например, внезапно радикально меняется тембр баса. Бас – это спектральный фундамент композиции, особенно в популярной и электронной музыке. Звукорежиссер тонко выверяет уровни и тембр звуков низкого регистра, чтобы обеспечить плотное звучание трека в целом. И если звук баса резко меняется, то обеспечить преемственность между частями порой бывает сложно или невозможно. То же касается бочки. Не нужно показывать все свои наработки в рамках одного произведения, их можно применить в других работах.

• Если вы хотите записать еще один дабл-трек гитары, синтезатора или бэк-вокала – спросите себя, зачем.
• Если вы хотите наложить несколько пэдов или сольных звуков друг на друга – спросите себя, зачем.
• Если вы хотите добавить еще один звук для демонстрации собственных умений – спросите себя, зачем.
• Если вы хотите поменять звук баса или бочки в процессе развития композиции – спросите себя, зачем.

Создание барабанных партий

Проблемы всех «компьютерных» барабанных партий схожи – чаще всего в них не учитывается физика процессов и принцип достаточности. Самый распространенный «грешок» – это желание что-то максимально близко сымитировать.

Имитация живых барабанов

Чаще других инструментов этому издевательству подвергаются живые барабаны. Кого аранжировщик пытается обмануть, себя или слушателя? На что он рассчитывает, вырисовывая микроскопические штрихи, расставляя в семплерах кучу слоев динамики и передвигая миди-сообщения влево-вправо, при этом называя это красивым словом «хьюманайз»? Кто-то должен заподозрить, что для записи этой партии был приглашен Стив Смит или Деннис Чемберс?

Для профессионального барабанщика это будет звучать смешно. Опытный продюсер легко раскусит задумку при прослушивании. А искушенная аудитория моментально почувствует фальшь. Но тогда зачем все это нужно?

И это еще полбеды. Порой аранжировщики пихают как можно больше одновременно звучащих звуков живых барабанов в каждый такт, забывая, что у барабанщика всего две ноги и две руки, и он просто физически не смог бы подобное исполнить. Не говоря уже об особенностях моторики, координации и прочих факторах, ограничивающих музыканта за установкой в «размахе».

Как минимум, если уж от имитации не уйти, полезно будет поинтересоваться основными исполнительскими приемами, а лучше всего – сесть за установку и попробовать воспроизвести несколько рисунков. Ведь в самых суровых случаях авторам впоследствии приходит в голову идея переписать эти же барабанные партии с привлечением реального барабанщика, от которого требуют исполнения, близкого к «авторской задумке». Очевидно, что это вызывает со стороны музыканта бурное недовольство, и качество игры ставится под удар, ведь музыкант вместо создания грува вынужден думать о том, как бы изощриться и сыграть все требуемые ноты.

Чрезмерное разнообразие ритмических рисунков

Те, кто работает в электронных жанрах, при прочтении предыдущего параграфа ловили себя на мысли, что их это не касается, уж они-то никогда подобным не занимаются, ведь электронные барабаны тоже прекрасно звучат. Но следующие несколько предложений, возможно, заставят и их задуматься.

Часто продюсеры и аранжировщики, даже не стараясь подражать звуку живых барабанов, допускают схожие ошибки в стилистике ритм-секции. К примеру, сейчас есть мода на музыку в духе 80-х годов. Характерной особенностью жанров того периода было использование драм-машин – Roland TR-808, Roland TR-909, Linndrum, Oberheim DMX и так далее.

В попытках сделать похожее звучание современные музыканты берут семплы соответствующего инструмента и пихают их в аранжировку, искренне считая, что стиль определяется качеством семплов. Но проблема в том, что в те времена драм-машины использовались не просто как генераторы, а прежде всего как секвенсоры. Без учета этого фактора передать аутентичную атмосферу просто невозможно.

Сегодня совсем не обязательно иметь какой-то инструмент под рукой, чтобы выяснить основные принципы его работы. Информацию, инструкции и видеопособия по работе с ними без труда можно найти в сети. И если архитектура инструмента предполагает возможность использования ограниченного количества паттернов в рамках проекта, то навороченные художественные эксперименты мышкой в DAW будут слушаться коряво, даже при условии использования самых что ни на есть оригинальных семплов.

Знатоки музыки того периода знают, что сами по себе партии ударных тогда звучали довольно аскетично, а атмфосфера создавалась за счет правильно выстроенных рисунков и соответствующего аранжировочного обрамления вокруг ритм-секции. Во многих случаях один и тот же рисунок сохраняется на протяжении всей песни, при этом, благодаря продуманной драматургии, не возникает ощущения скудности звучания. Сейчас на компьютере можно хоть через каждые два такта вставлять сбивки и делать смены рисунков, но музыкальность от этого только страдает.

Бездумный «лееринг» семплов

Но даже если аранжировщик проявляет чудеса сознательности и работает с партиями грамотно, он нередко совершает другую ошибку – многослойные звуки барабанов. Встречаются продюсеры, «собирающие» звук каждого барабана из нескольких. Иногда количество звучащих вместе семплов одного и того же инструмента доходит до парадоксальных 6-8 штук, при этом абсолютно отсутствует понимание, зачем это все делается.

Вот вы нашли отлично подходящий семпл бочки, а потом нашли еще один, тоже замечательный. Недолго думая, вы их наложили друг на друга с расчетом на то, что аранжировка автоматически стала «жирнее», а звучание «массивнее».

Но это самообман. Рабочая среда вас ограничивает в динамическом диапазоне. Чтобы две бочки звучали вместе, каждую из них придется сделать тише раза в два. А если вы не уменьшите громкость бочки, придется понизить уровень мастер-фейдера, чтобы избежать клипов. Почему? Я подробно об этом рассказывал в статье про громкость звука.

С добавлением каждого нового семпла вы будете корректировать уровни. В итоге вы получите не пять семплов, а один гибрид, который вряд ли будет звучать лучше каждой своей составной части при условии согласования громкостей.

Причины ухудшения звучания в этих случаях банальны – противофаза и гребенчатый фильтр. Штука в том, что сложением семплов усилить звук на всем спектре можно только при полном или очень близком совпадении фаз в их осциллограммах. А это возможно только при условии, что это либо один и тот же семпл, либо очень похожие семплы.

Но вы ведь накладываете разные звуки, в этом задумка, правда? Вы прочитали где-то, что в этом случае нужно совместить пики атак на графиках, чтобы они были однонаправленными и совпадали по времени с точностью до одного семпла дискретизации. Но ведь все остальные колебания в волнах семплов вы никак не сможете согласовать. В итоге два звука в каждый момент времени воспроизведения будут то синфазными (однонаправленными), то противофазными. Появятся спектральные и динамические вычитания – «гребенчатый фильтр».

Да, в музыкальном продакшне используется наложение звуков, в том числе и при записи живых барабанов. К примеру, малый барабан или бочка нередко пишутся на 2-3 микрофона сразу. Но не забывайте о двух нюансах.

Во-первых, у каждого из этих микрофонов свое назначение: один улавливает больше низа, другой четче снимает атаку, третий лучше захватывает верхние частоты и так далее. А во-вторых, все эти микрофоны фиксируют звук одного и того же удара! То есть их осциллограммы будут схожими, а значит и совместить их будет несложно.

В электронном продакшне тоже допустимы наложения, но музыкант в этом «режиме конструктора» должен четко отдавать себе отчет, зачем делается это комбинирование.

• Если вы хотите добавить еще один барабанный рисунок в песню – спросите себя, зачем.
• Если вы хотите добавить побольше звуков в партию – спросите себя, зачем.
• Если вы хотите наложить несколько разных семплов друг на друга – спросите себя, зачем.
• Если вы хотите потратить кучу времени на бессмысленную имитацию живых барабанов – спросите себя, зачем.

Большинству слушателей будет, простите за каламбур, абсолютно по барабану, насколько близко вам удалась имитация живой установки. Их всегда будет в первую очередь интересовать интересность песни и качество микса, причем в большей степени на подсознательном уровне. Но разбирающимся в стилистических особенностях меломанам будет далеко не наплевать, что в вашей композиции партия не соответствует возможностям драм-машин, на которых обычно делается музыка выбранного жанра.

И не забывайте, что главная задача ритм-секции – это создание и удержание грува. Чем больше вы его будете расшатывать навороченными сбивками, сменой рисунков, необоснованными остановками, микроредакцией тайминга и прочей ерундой, тем сложнее будет заставить слушателя полюбить песню или хотя бы сосредоточить его внимание на основной музыкальной идее.

Работа над сведением

Почему-то первое, что каждый аранжировщик делает, начиная сводить собственную музыку, – это назначать на каждый канал эквалайзеры и компрессоры. Даже не задаваясь вопросом, зачем он это делает. Ну, просто посмотрел видеоролики, где какой-то паренек убедительно «доказывает», что так нужно.

Самое смешное, что эти ролики чаще всего смотрят на ноутбуках или планшетах, где в принципе невозможно адекватно расслышать влияние тонких настроек эквалайзера и компрессора на микс. Доводы принимаются за чистую монету и берутся на вооружение в работе, да еще и ретранслируется знакомым уже в статусе «экспертов».

Непонимание назначения динамической и спектральной обработки

Нужно раз и навсегда запомнить, что эквалайзеры и компрессоры – это не панацея от плохого звука и не секретное оружие для получения классного микса. Это – инструменты устранения ошибок, и пользоваться ими надо соответственно. Да, иногда эти приборы могут выполнять художественные задачи, но на практике такое бывает максимум в одном проценте всех случаев.

Если у машины пробило колесо, то можно, как Джеймс Бонд, попытаться наклонить машину в бок и ехать на двух колесах. Но разумнее остановиться и поменять колесо. Аналогично со звуками в аранжировке: если какой-то звук требует костылей, то лучше вернуться на стадию аранжировки и заменить (или докрутить) этот звук. И тогда компрессоры и эквалайзеры будут не нужны.

Зацикленность на эквалайзерах

Очень распространенная проблема эквалайзеров заключается в том, что многие, наслушавшись «экспертов», считают, что звук можно уложить в микс только с помощью «вырезания всех конфликтующих частот». В итоге DAW пестрят плагинами, а звука как не было, так и нет.

При этом за основу берется некое правило, что «из звука нужно непременно вырезать все резонансы». Но ведь эквалайзер – это не то, что вы видите на экране монитора в виде графика эквализации. В реальности – это алгоритм, который, уменьшая амплитуду на какой-то частоте, вносит в звук дополнительные искажения, причем чаще всего на всех частотах, кратных целевой. Вы вырезали резонанс на 100 Гц, получили новый на 200 и 400. Вырезали на 200 – усилили на 400 и добавили на 800. И так – на всем спектре, пока у вас не закончатся ячейки для назначения новых полос эквализации. Возможно, вы уже догадались, что полученный результат будет иметь ярко выраженные признаки гребенчатого фильтра.

Если у вас в проекте более половины звуков имеют значительные вмешательства по эквализации – значит вы очень плохо поработали на стадиях записи и аранжировки. Если звук записан плохо, перепишите его хорошо. Если проблема в тонгенераторе – меняйте его настройки или возьмите другой. Эквалайзер – это пудра, которой можно устранить блеск кожи, но с ее помощью не сделать из Мика Джаггера Мэрилин Монро.

И еще, «укладывание звука в микс» эквалайзерами – это миф. Два хорошо подобранных звука будут прекрасно звучать вместе. Но если вы на стадии аранжировки понадеялись на то, что на сведении повезет – вас ждет разочарование. Да, в определенных случаях эквалайзер поможет решить локальный частотный конфликт, но на него нельзя возлагать все надежды. Главное в звуке – качественные источники, а не последующая обработка.

Неумение пользоваться шинами Aux и Insert

Другая проблема, свойственная «домашним» специалистам, заключается в непонимании принципов работы применения обработки. И даже в незнании правил подключения приборов обработки через AUX или INSERT. А между тем, это основа основ для грамотного построения картины микса.

В первую очередь, надо запомнить, что компрессоры, лимитеры, гейты, эквалайзеры и прочая динамическая и спектральная обработка – подключаются исключительно через Insert. А ревербераторы, дилеи, большая часть модуляционных и других эффектов – через Aux. Иногда модуляционная обработка (например, фейзеры или флэнджеры) может включаться в инсерт, но обычно – через аукс.

Пожалуйста, прочитайте специальную статью об этом и возьмите информацию на вооружение. Без ясности в этих вопросах вы так и будете загружать DAW хламом, который не только увеличивает нагрузку на систему, но и вносит в звук искажения и «мыльность».

Слишком много разных ревербераторов и дилеев

Разобравшись с ауксами и разрывами, вы перестанете навешивать по ревербератору на канал. Для самых сложных миксов достаточно иметь 2-3 ревербератора, а для многих случаев – хватит и одного.

Наверное, у многих эти слова сейчас вызвали надменную улыбку недоверия на лице, а в голове промелькнула мысль – «ну да, конечно, только олдскульный микс можно сделать с одним ревербератором, а в моих аранжировках с навороченным атмосферным звучанием без десяти ревербераторов с разными планами уж точно не обойтись». В ответ я могу лишь посоветовать взять любой собственный микс, сделанный хотя бы год назад, и попытаться расслышать там все эти «десять планов». Вы будете удивлены.

То, что в процессе работы вам казалось очевидным, для стороннего слушателя остается незамеченным. Так зачем были нужны эти десять разных ревербераторов, если в итоге вы сами не можете расслышать и трех?

То же самое с линиями задержки. Они часто используются в привязке к темпу трека, повторяя звук определенными длительностями – восьмушкой, шестнадцатой, триолью, штрихом с точкой и так далее. Вариантов немного.

Но если для разных одновременно звучащих звуков включить сразу несколько линий задержки, то повторения создают кашу. Задача дилеев – подчеркнуть красоту, а не заполнить собой весь объем. Поэтому один качественный и красивый дилей на хорошо записанном звуке будет слушаться гораздо выгодней с художественной точки зрения. В любом случае, более двух разных дилей-машин (или плагинов), подключенных через ауксы, в одном проекте использовать нет смысла.

• Если вы задумали вырезать эквалайзером из звука какой-то резонанс – спросите себя, зачем.
• Если на большей части дорожек в аранжировке у вас задействованы компрессоры – спросите себя, зачем.
• Если рука тянется включить очередной плагин ревербератора или дилея – спросите себя, зачем.
• Если вы довели обработкой звук до потери узнаваемости и индивидуальности – спросите себя, зачем.

Заключение

Короче говоря, главная задача любого аранжировщика, звукорежиссера, музыкального продюсера – это не навалить побольше звуков, ритмов, слоев семплов, дабл-треков и обработки, а следовать принципу достаточности, трезвого аскетизма. Это не значит, что в музыке нет места сложным фактурам. Но все, что не делает музыку очевидно лучше, совершенно точно ее портит и должно быть без сожаления устранено из аранжировки.

Каждое ваше действие должно увеличивать ценность материала, а не девальвировать его. Разделите все многообразие своих идей на несколько отдельных произведений и воплотите каждую индивидуально, развейте ее и продемонстрируйте во всей красе. Потому что даже большому любителю стейков и тортов не приходит в голову употреблять их в пищу одновременно, смешивая в одном корыте.

Работая в каком-то определенном жанре, придерживайтесь характерного для этого жанра набора звуков и исполнительских принципов. Занимаясь экспериментальным творчеством, следите за тем, чтобы эксперименты были ради творчества, а не ради самих экспериментов.

Задавайте себе вопрос «зачем?» на каждой стадии работы. Если какой-то прием действительно необходим – у вас должны быть весомые аргументы в его пользу. Избавляйтесь от всего ненужного и лишнего, и ваши миксы будут звучать… здесь я задумался, чтобы выбрать слово – «хорошо», «качественно», «достойно»… но на самом деле достаточно просто сказать – миксы будут звучать.

Если вы интересуетесь музыкальным производством и звукозаписью, подписывайесь на этот блог, чтобы получать познавательные статьи прямо на почту. Кроме того, любителям комплексного подхода могу порекомендовать к прочтению мою книгу «Академия Мюзикмейкера», ее можно купить в магазинах по всей России или на этом сайте. Любые, даже самые каверзные вопросы, вопросы по этой и другим темам вы можете задать в группе Вконтакте или в Инстаграме. Ну или прямо под этой статьей в комментариях.

© Алексей ДаниловПри перепечатывании ссылка на источник обязательна

Хотите получать новые статьи

прямо на почту?

Подпишитесь на обновления блога А. Данилова

Интересное:

Что такое сведение музыки и почему это важно

11 июня В «Советах по смешиванию» Винни Де Леона

Музыка — это микширование аудио, трекинг и мастеринг. Тем не менее, музыканты и не музыканты довольно часто недооценивают силу микширования и его важность. В мире музыки сведение является жизненно важным аспектом записи.

Хотя большинство людей этого не заметят, при правильном подходе песня становится лучше.Микширование — это больше, чем регулировка уровней громкости вокальных дорожек и отдельных инструментов. Несмотря на то, что есть и другие части микширования, что такое микширование звука в музыке и почему это важно?

Что такое микширование звука?

Аудиомикширование — это процесс смешивания отдельных вещей в записи, чтобы получить как можно более качественную версию песни. В процесс смешивания входит:

• Тонкая настройка звучания каждого инструмента с помощью эквалайзера (выравнивания)
• Балансировка предварительно записанных уровней дорожек
• Панорамирование дорожек между динамиками для создания стереоизображения
• Сжатие, Добавление реверберации и других эффектов, улучшение уже записанной песни.
• Превратите вашу песню из хорошего в ВЕЛИКОЛЕПНОЕ!

Часто микширование также включает в себя редактирование. Монтаж — это выбор лучших фрагментов песни, а иногда даже создание музыкального элемента с нуля. В других случаях микширование включает в себя больше, чем редактирование, или редактирование включает в себя отдельные этапы между микшированием и отслеживанием.

Каковы некоторые этапы микширования звука?

Выравнивание (EQ)

Хороший звукоинженер будет использовать несколько инструментов, наложенных друг на друга, чтобы убедиться, что они дают превосходный конечный продукт. Когда инструменты накладываются друг на друга, они производят «грязный» звук, как только начинают брать одни и те же частоты. Только инженер по микшированию знает, на каком инструменте можно достичь высоких, низких, средних частот и всего, что между ними, для чистого эквалайзера. Каждый инструмент играет независимую роль в песне. Требуется обученный инженер по микшированию, чтобы определить частоты и знать, какие из них следует обрезать или повышать для этой конкретной песни.

Панорамирование

Панорамирование — это еще один процесс микширования, который включает в себя решение о том, где разместить каждый инструмент в стереоспектре.Песни предварительно записываются, а затем воспроизводятся в стереофоническом поле, а это означает, что есть правый и левый динамики и звуки, которые помогают соответствующим образом установить уровни громкости. Очень важно, чтобы инструменты были панорамированы в нужное место.

Эффекты

Подавляющее большинство эффектов достигается в процессе микширования, хотя большинство гитаристов могут записывать с эффектами, окончательный процесс происходит во время микширования. Инженер по микшированию настроит такие вещи, как реверберация, задержка, компрессия и другие эффекты микса.Работа инженера состоит в том, чтобы помочь превратить унылый и безжизненный посыл в нечто сочное и полноценное. Инженеры должны использовать плагины и процессоры эффектов профессионального качества, чтобы обеспечить отличное качество конечного продукта.

Автоматика

Последним процессом смешивания является процесс автоматизации. Этот процесс включает автоматизацию панорамирования, уровней громкости и других эффектов. Автоматизация — это то, что инженеры-технологи используют для программирования определенных панорам и фейдов в различных частях трека.Это означает, что панорамы и фейды будут воспроизводиться каждый раз при воспроизведении песни. Процесс автоматизации — особый, но сложный процесс. Только хорошо обученные инженеры по микшированию знают, где и когда делать автоматизацию.

Было бы замечательно, если бы микширование осталось простым процессом, который может сделать каждый. Однако для настройки громкости, эквалайзера, панорамирования и автоматизации требуется нечто большее, чем просто знание того, как работают инструменты. Требовалась подготовка и опыт. Как вы поняли, сведение — сложная, но и самая важная часть песни.Лучше доверить работу профессионалам. Если вы заботитесь о своей песне и ее будущем, позвоните нам сегодня, чтобы улучшить качество звука и сделать так, чтобы она звучала на радио уже сегодня!

В чем разница между микшированием и мастерингом

Сведение и мастеринг музыки — это две отдельные, но одинаково важные части в процессе производства звука, которые часто могут быть размытыми и их трудно различить. По сути, микширование — это шаг перед мастерингом, который включает в себя настройку и объединение отдельных дорожек вместе для формирования стереофонического аудиофайла после микширования.Затем стереофайл подвергается мастерингу, что гарантирует, что различные песни четко отшлифованы и образуют единое целое в альбоме. Это определяет сведение и мастеринг в их простейших формах. Давайте подробнее рассмотрим множество других различий между микшированием мастеринга.

Этапы микширования

После того, как все отдельные треки песни были записаны, инженер по микшированию вмешивается, чтобы творить чудеса. Они начинают с маркировки и организации дорожек в аналогичные группы.Песня часто нормализуется, чтобы гарантировать, что все треки имеют одинаковый уровень громкости и не имеют пиков. Затем инженер эквализирует каждую отдельную дорожку, чтобы получить наилучшие тона от инструментов, и использует фильтры высоких и низких частот для устранения любых ненужных частот. Общая цель эквалайзера состоит в том, чтобы сделать настройки, которые позволят всем дорожкам занять свои собственные частотные области. Это позволяет песне быть ясной, а каждый инструмент различимым. Та же идея применяется и к панорамированию дорожек для получения полного, широкого звучания.Компрессия, реверберация, задержка и другие процессоры могут быть добавлены к каждой дорожке, чтобы получить желаемые тона для инструментов. Управление затуханиями и эффектами в песнях с помощью автоматизации может помочь инженеру управлять эмоциями песни в звуковом плане. Многие звукоинженеры переключаются между наушниками и эталонными студийными мониторами, чтобы получить единообразный звук микса на различных источниках. После нескольких часов настройки ручек и фейдеров, и песня звучит настолько хорошо, насколько это возможно: пришло время вмешаться мастеринг-инженеру.

Этапы мастеринга

Мастеринг-инженер получает стереодорожку вместе с некоторыми нотами и справочными песнями от инженера и/или исполнителей. Это поможет звукоинженеру понять звук, к которому он стремится, и не допустить изменения микса в тех областях, которые должны звучать определенным образом. Затем к песне добавляются последние штрихи, внося небольшие коррективы, в первую очередь в эквалайзер, компрессию, ограничение и усиление стерео. Все песни, записанные в альбоме, доведены до одинакового уровня, поэтому альбом плавный и цельный.Интервалы и затухания добавляются в начало и конец песен. Обычно между песнями добавляется двухсекундный стандарт Красной книги, если не указано иное. Инженеры по мастерингу аудио часто предлагают услуги секвенирования для альбомов, чтобы расположить песни в нужном порядке, пометить названия дорожек, а также закодировать дорожки с помощью ISRC. Основная цель мастеринг-инженера — обеспечить высокую точность, высокую четкость, профессиональный звук, которым слушатели могут наслаждаться на любом источнике.

У вас может быть отличный микс без отличного мастера или наоборот, но вы все равно не сможете добиться профессионального звука, который может конкурировать с современным музыкальным миром.Грань между сведением и мастерингом никогда не должна быть размыта. Попытка объединить эти два шага в один только помешает вашей музыке и не позволит ей полностью раскрыть свой потенциал.

В чем разница между сведением и мастерингом?

Если вы не занимаетесь сведением или мастерингом, у вас, вероятно, есть вопросы о том, чем отличаются эти два процесса. Технические разговоры и знание оборудования оставляют в замешательстве даже самых опытных музыкантов, так что, кроме самих инженеров, мало кто действительно знает, что происходит на этих заключительных этапах.

И эта загадка приводит к большому количеству дезинформации — некоторые люди считают два процесса одним и тем же или отбрасывают их за ненадобностью, если музыкальная композиция хороша для начала.

Чтобы приоткрыть завесу, мы рассмотрим пять ключевых различий между двумя фазами и объясним, почему они важны для музыки, которую вы создаете и слушаете.

Во-первых, мы начнем с широкого и простого обзора обеих дисциплин. Затем мы перейдем к детальным различиям, когда речь идет о рабочем процессе, перспективах и инструментах.

Из этой статьи вы узнаете: 

В чем разница между сведением и мастерингом?

Сведение знаменует собой начало постпродакшна, когда звукоинженер вырезает и балансирует отдельные треки в сессии, чтобы они хорошо звучали при совместном воспроизведении. Мастеринг — это заключительный этап аудиопроизводства — процесс добавления последних штрихов к песне путем улучшения общего звучания, создания единообразия во всем альбоме и подготовки его к распространению.

Другими словами, вот аналогия с книгами: художник — это автор. Инженер по микшированию — это редактор, помогающий автору представить свой проект в лучшем свете. Мастеринг-инженер — это копи-редактор, который следит за Ps и Qs. Так что же они на самом деле делают в музыкальном контексте? Разберем каждую часть отдельно.

Что такое смешивание?

Начнем с самого начала. Вы записали несколько ритмических партий, сочинили музыку и спели несколько избранных слов: вы (или ваша группа) подготовили аранжировку, и теперь пришло время сделать эту аранжировку похожей на песню, а не на свободную ассоциацию частей. и треки.

Здесь в дело вступает инженер по микшированию. Его работа заключается в том, чтобы сбалансировать все треки и сделать все возможное, чтобы они выглядели как цельная, сплоченная песня. Имея в своем распоряжении такие инструменты, как эквалайзер, сжатие, панорамирование и реверберация, звукоинженеры уменьшают коллизии между инструментами, затягивают грувы и подчеркивают важные элементы песни. В некоторых случаях они могут даже накладывать барабанные удары на сэмплы, не относящиеся к сеансу, или приглушать лишние инструментальные партии.

Микшируйте инструменты эквалайзера, чтобы они сияли по сравнению с другими инструментами или вписывались в правильный контекст.Они сжимают отдельные треки, чтобы подчинить их или усилить. При необходимости они добавляют всевозможные сумасшедшие эффекты — реверберацию, задержку, модуляцию, эффекты высоты тона, все, что служит материалу.

Это переводит нас ко второй функции микс-инженера: обеспечивать эмоциональное воздействие песни — воплощать ее в жизнь. Вы даете им от трех до 200 треков материала, и они дают вам связную песню.

Что такое мастеринг?

Мастеринг-инженер — ваша последняя линия обороны перед тем, как ваша песня, сингл, EP, альбом или микстейп станут хитами мира.Они являются QC — контролем качества — и их работа сводится к задачам, которые лучше всего очерчены, в отличие от инженеров по смешиванию.

Инженер по микшированию объединяет десять, двадцать или более ста треков в одну песню, которая отлично звучит в их студии. Мастеринг-инженеры в основном работают с одной стереодорожкой (до секвенирования и тегирования метаданных), и они делают все, что в их силах, чтобы эта дорожка сияла на каждой мыслимой системе воспроизведения .

Это не означает, что нужно просто наложить эквалайзер, компрессор и лимитер на стереотрек и сделать его максимально громким, хотя мастеринг-инженеры используют эти три инструмента.

Их цель часто носит переводческий и реляционный характер: они хотят, чтобы каждая песня соответствовала любой другой песне в проекте. Они также нацелены на то, чтобы весь ваш проект конкурировал (и, надеюсь, превзошел) аналогичный материал известных художников в этом жанре.

Они хотят убедиться, что это конкурентное преимущество сохраняется на каждом отдельном воспроизводимом носителе под солнцем, насколько это возможно, и часто они делают все возможное, чтобы результат был вечным, как с точки зрения звука (песня, которая выдержит испытание времени в тоне) и доставку файлов (предоставляя вам все необходимое для повторного выпуска вашего проекта по мере изменения медиа-ландшафта).

Инструменты для этого выходят за рамки эквалайзера, компрессии и ограничения. В контексте мастеринга комната , которую они мастерят, возможно, является одним из самых важных инструментов, помогая мастеринг-инженеру выявлять любые потенциальные проблемы и устранять их на месте.

Динамики в сочетании с комнатой также имеют жизненно важное значение: инженер по микшированию часто прекрасно справляется с парой NS10. Мастеринг-инженер, скорее всего, будет использовать полнодиапазонную, идеально настроенную конфигурацию монитора в идеально настроенной комнате.Это помогает им слышать и чувствовать каждый аспект музыки.

Для окончательного прохождения QC (проход контроля качества) они могут использовать лучшие наушники, которые они могут себе позволить, чтобы уловить любые артефакты до того, как песня выйдет на рынок.

Большая часть мастеринга в наши дни связана с устранением проблем на уровне артефактов с помощью таких инструментов, как RX Pro for Music. Инженеры по микшированию, захваченные потоком вещей, могут не уловить случайные тики, хлопки, взрывные звуки, искажения или спектральные аномалии. Ожидается, что это сделает мастеринг-инженер.

Если у вас есть ряд мелодий, предназначенных для прослушивания в последовательности, мастеринг-инженер также «верх» и «хвост» мелодий. Это означает тщательное позиционирование начальной и конечной точек, чтобы у альбома был правильный поток. Независимо от того, плавно ли ваш материал переходит от одной мелодии к другой или требует определенного темпа, чтобы вывести вас из одного настроения в другое настроение, выполнение этих движений ложится на мастеринг-инженера.

Мы называем это «обнажение и отслеживание», и оно прекрасно переходит в другой аспект работы: создание метаданных. Номера ISRC, коды UPN, названия песен, информация об исполнителе — все это должно быть сопоставлено и помещено в файл, которым обычно занимается мастеринг-инженер.

Имейте в виду, что существует партий различных систем доставки. Потоковые платформы иногда могут предпочесть высокую частоту дискретизации и 24-битное разрешение, но для компакт-дисков требуются файлы 44,1 кГц/16-бит, а для вещательных СМИ по-прежнему нужны файлы 48 кГц/24-бит.Некоторые агрегаторы требуют готовых mp3-файлов, и то, как они закодированы, имеет большое значение (RX, опять же, имеет отличный кодировщик MP3, который естественным образом борется с искажениями).

Ваш мастеринг-инженер следит за всеми этими форматами, а также за современными условностями. В зависимости от того, как вы выпускаете свой проект, мастеринг-инженеры рассылают специальные файлы для определенных форматов. Каждый набор файлов проходит контроль качества, чтобы гарантировать отсутствие сбоев.

Распространенное заблуждение: обработка стереошины — это не мастеринг!

Нетрудно увидеть путаницу в точках пересечения: инженеры по сведению и мастерингу часто используют обработку стереофонической шины для песни в целом, чтобы получить желаемые эффекты. Но это не значит, что мастеринг и сведение — это одно и то же.

Теперь, отбросив обобщенные определения, мы можем рассмотреть то, что отличает микширование от мастеринга более детально.

Как звучит сведенная песня по сравнению с мастеринговой?

Вот пример песни до и после мастеринга, чтобы проиллюстрировать изменения, происходящие на этом финальном этапе. Певец и автор песен Пит Манчини попросил меня сделать для него мастеринг концертного альбома, и эта мелодия была одной из моих любимых в этом проекте.

А вот и мастер. Обратите внимание, что мало что изменилось, но вы почувствуете дополнительное волнение в барабанах, дополнительную ясность вокала, новое разделение гармонических инструментов и усиление сплоченного грува этого живого выступления.

Различия в рабочем процессе сведения и мастеринга

Хотя я не могу говорить за всех инженеров по микшированию и мастерингу, существуют некоторые ключевые различия в рабочем процессе между этими дисциплинами, независимо от жанра. Поскольку микшеры получают несколько дорожек, часть их работы, по крайней мере на самом раннем этапе, носит организационный характер — маркировка и цветовая кодировка дорожек, их иерархическое упорядочение в DAW и создание групп инструментов и субмиксов.

Как только это будет сделано, микшер приступит к более творческим задачам микширования — эквалайзеру, сжатию, формированию транзиентов, обработке эффектов и т. д.

Мастеринг-инженеры тоже должны быть организованы, но их цель более узкая. Типичный рабочий процесс мастеринга выглядит примерно так:

1. Критическое прослушивание: что нужно этой песне, чтобы достичь своих целей на рынке и в жанре? Мне действительно нужно что-то изменить? Как мне упорядочить путь прохождения сигнала?
2. Криминалистические исправления: есть ли щелчки, хлопки и искажения, которые я должен устранить с помощью RX? Любые грубые правки, которые мне нужно массировать?
3. Уровни: установка окончательных уровней для песни на основе жанра, характера, формата выпуска и, конечно же, самой песни (никогда не забывайте: песня говорит вам, что она хочет сделать).
4. Sonics: применяйте широкие эквалайзеры и компрессию для улучшения тонального баланса, а также выполняйте A/Bing оригинальную версию с согласованным усилением для контроля качества.
5. Поток и отсылка: подумайте, как отдельные песни на EP или альбоме работают вместе или звучат в сравнении с отсылками. Является ли характер и громкость каждой песни однородным и последовательным?
6. Криминалистические исправления, часть вторая: создавала ли какая-либо из моих работ артефакты? Лучше всего их решать с помощью RX (простые, случайные мгновенные искажения) или всего ремастеринга?
7. Метаданные и экспорт: применение метаданных и подготовка настроек экспорта на основе формата прослушивания.
8. Окончательный контроль качества: слушайте вещи и убедитесь, что они а) не содержат ошибок и б) звучат хорошо.

Творческие изменения, происходящие на этапе мастеринга, более тонкие, чем на этапе микширования. Большинство изменений эквалайзера примерно на 1 дБ вверх или вниз. Сжатие происходит как для «коробочного тона», так и для эффекта — или, для прозрачности, если действительно требуется приручение динамики.

Поскольку в стереофайл вносятся изменения, возможны неожиданные последствия, которые необходимо учитывать.Срезание низких частот как-то добавило преимущество в диапазоне присутствия?

Попробуйте Music Production Suite Pro бесплатно и изучите все это и многое другое в Ozone Pro и Neutron Pro. Кроме того, вы получите доступ к еще шести стандартным отраслевым плагинам, производственным курсам, пользовательским пресетам и бесплатным образцам пакетов.

Сколько времени уходит на сведение или мастеринг музыки?

В зависимости от того, как произведение звучит на микшере, полное сведение песни может занять от дня до недели.Это время требует, чтобы инженеры по микшированию разработали процедуру, которая позволяет сосредоточиться и избежать усталости ушей. Это также требует дисциплины перед лицом внешних проблем, от сбоев в работе компьютера до инфекций носовых пазух.

Однако мастеринг

традиционно занимает гораздо меньше времени. Альбом можно оформить за полдня. Быстрота во времени связана с перспективой.

Перспектива

Важно отметить, что точка зрения, стоящая за каждой практикой, различна. Инженер по микшированию глубоко погружается в вашу музыку, формируя ее в течение нескольких дней или недель.Это по замыслу и необходимости: вы хотите, чтобы звукоинженер обращал пристальное внимание на каждую мелочь в каждом треке, который способствует созданию атмосферы.

Однако инженеры мастеринга

стремятся обеспечить сбалансированную и объективную перспективу, поэтому они стараются не заблудиться в сорняках. Они работают быстро, ловко, тонко и при этом умудряются ловить любые/все ошибки.

Инженеры по микшированию

думают о таких вещах, как «как этот сэмпл бочки влияет на этот сэмпл бочки ». Мастеринг-инженеры думают о таких вещах, как «какой частотный диапазон выходит из строя по всем направлениям, если таковой имеется?»

Инструменты для сведения и мастеринга

Хотя эквалайзер, компрессия и ограничение применяются как при микшировании, так и при мастеринге, степень их использования варьируется в зависимости от обоих процессов.Давайте возьмем в качестве примера инструменты iZotope и рассмотрим, как они используются на разных этапах постобработки.

И Neutron Pro, и Ozone Pro предлагают модули эквалайзера. Присмотритесь, и вы увидите, что один плагин предназначен для микширования, а другой — для мастеринга. По умолчанию Neutron Pro предлагает широкий диапазон усиления для своего эквалайзера: с помощью мыши вы можете усилить до 15 дБ в Neutron Pro и урезать до -30 дБ. Это больше подходит для смешивания.

Не так в Ozone Pro.В Ozone диапазон усиления рассчитан с учетом мастеринга: диапазон перемещения мыши уменьшен, сделан более тонким для практики мастеринга — вы можете перетаскивать только до 6 дБ и вниз до -10 дБ. Ozone Pro также предлагает линейно-фазовую фильтрацию, которая, возможно, больше подходит для мастеринга, чем для микса. Вы можете включить это по умолчанию в настройках эквалайзера, нажав «Показать дополнительные кривые».

Линейно-фазовая фильтрация в Ozone Pro

Когда вы делаете кривые, это будет выглядеть так:

Регулировка линейной фазы в Ozone Pro

На приведенном выше снимке экрана обратите внимание на то, что фазовая характеристика не является линейной для низких частот, но является линейной для средних и высоких частот.Это полезная функция в Ozone Pro: вы можете использовать линейную фазу для каждого диапазона; иногда это звучит лучше, если вы, например, не используете линейную фазу на низких частотах.

EQ — это всего лишь один инструмент, который используют оба инженера, который может различаться по применению и функциям. Компрессоры также различаются: Nectar Pro предлагает оптический режим, который эмулирует тонкую гармоническую окраску и нелинейные характеристики атаки и восстановления классических аппаратных оптических компрессоров, в то время как Ozone этого не делает. Ozone предлагает расширение, чтобы вдохнуть жизнь в чрезмерно сжатые треки, как правило, во время мастеринга.Нейтрон Про нет.

Другим доступным инструментом, более подходящим для мастеринга, чем для микширования, является ограничитель, который используется для приведения уровней громкости к рыночным стандартам. Песня не обязательно должна быть самой громкой, но она должна быть на уровне похожей музыки. Мастеринг-инженеры часто используют ограничители кирпичной стены, чтобы достичь этих целей, не вызывая слишком больших искажений.

Применение полученных знаний на практике

Для тех, кто плохо знаком с миром аудио, сведение и мастеринг могут показаться намного менее доступными, чем продюсирование или игра на инструментах. Я надеюсь, что пункты, перечисленные в этой статье, позволили вам лучше понять, что происходит во время этих важных этапов постобработки, так что, возможно, вы тоже откроете секрет. Начинаете ли вы микшировать или мастерить, начните бесплатную пробную подписку Music Production Suite Pro, чтобы получить доступ ко всем основным плагинам, которые вам понадобятся для выполнения работы.

Что значит свести песню? (Что такое микширование и как это делается?) – Orpheus Audio Academy

Вы делаете музыку и слышали, как люди разбрасываются термином «микширование», но что это на самом деле означает?

Сведение — это процесс смешивания нескольких звуков в единое целое таким образом, чтобы каждый звук можно было услышать, а песня в целом звучала сбалансированно и приятно.Во время микширования учитываются, настраиваются или улучшаются частотное содержание каждой дорожки, динамика и положение панорамы.

Я знаю, что это слишком много, поэтому в оставшейся части этой статьи я раскрою, что это на самом деле означает, а также расскажу, чем сведение отличается от его аналога в постпродакшене, «мастеринга».

Что означает «Свести песню»?

Когда вы слышите, как продюсеры или другие люди говорят о микшировании песни, на самом деле они говорят о настройке каждого из треков в вашей песне, чтобы они хорошо звучали вместе и были единым целым…

Вместо кучи разрозненных представлений.

Есть несколько элементов, которые можно настроить для достижения этой цели, например:

• Балансировка уровней громкости
• Частота (вырезание или добавление громкости к определенным частотам в отдельных дорожках)
• Панорамирование дорожек влево и вправо для создания стереоизображение
• Балансировка динамики дорожек
• Добавление эффектов, таких как реверберация, задержка и другие

В целом, цель сведения состоит в том, чтобы взять кучу записанных звуков и превратить их в великолепно звучащую профессиональную песню.

Если вы хотите микшировать свои собственные песни и вам нужна проверенная пошаговая формула микширования, которая поможет вам превратить ваши песни из хороших в ВЕЛИКИЕ…

Не тратя часы и часы на настройку и регулировку усугубить ситуацию…

Тогда возьмите мой бесплатный контрольный список быстрого завершения песни здесь.

Создавайте лучшие песни быстрее

Нажмите ниже, чтобы загрузить мой бесплатный контрольный список завершения песен, который поможет вам создавать песни для радио, не тратя месяцы на их создание.

Насколько важно сведение песни? Необходимо ли смешивание?

Сведение жизненно важно и крайне необходимо для создания песен профессионального качества.

Без микширования песни будут звучать цельно, и в них будут слишком громкие или слишком тихие участки или даже целые инструменты, которые невозможно услышать.

Следовательно, сведение необходимо для создания сбалансированной, приятно звучащей песни.

В чем разница между сведением и мастерингом песни?

Сведение происходит в начале постпродакшна и включает в себя скульптурирование и балансировку всех отдельных треков в сеансе, чтобы они звучали связно при совместном воспроизведении, а мастеринг включает в себя настройку стереомикширования песни таким образом, чтобы он соответствует профессиональным стандартам записи.

При микшировании вы часто вносите большие изменения, балансируя все свои треки, такие как ударные, бас, вокал и т.д.

При мастеринге вы вносите незначительные улучшения или исправления в один трек, который представляет собой микс из всех треков вместе.

Мастеринг — это этап, который следует непосредственно за микшированием.

Как микшировать песню

Хотя существует множество способов микширования песни, я расскажу здесь об одной проверенной стратегии создания профессиональных готовых миксов.

Через секунду я расскажу о конкретных шагах микширования, но сначала я хочу рассказать о конкретной стратегии микширования, которая может сэкономить вам массу времени.

Микширование сверху вниз

Эта стратегия известна как «микширование сверху вниз», потому что вы начинаете с верхней части вашего проекта (шины микширования), а затем продвигаетесь вниз, чтобы микшировать групповые шины, а затем, наконец, отдельные треки.

Эта стратегия хороша тем, что экономит массу времени и позволяет вносить меньше правок, потому что вы начинаете с устранения проблем, которые вы слышите, со всем миксом, прежде чем набирать конкретные детали.

Говоря об обработке микс-шины, ознакомьтесь с моей статьей здесь, где я разбиваю лучшую цепочку плагинов микс-шины для профессионального микса.

После того, как вы применили свои плагины к вашей шине микширования и сформировали свой микс наилучшим образом, вы можете перейти к своим групповым шинам.

Таким образом, вы можете смешать, скажем, всю вашу ударную установку целиком, прежде чем погрузиться глубже и настроить бочку, малый барабан и так далее.

Шинная обработка хороша тем, что позволяет склеить инструменты вместе, чтобы они звучали напористо и связно.

Прочтите мою статью о том, как склеить гусеницы.

Шаг 1: Организуйте свой проект

Первым шагом в микшировании является организация вашего проекта, так как это сделает процесс более плавным и сэкономит время.

Экономия времени имеет решающее значение при микшировании, потому что чем дольше вы микшируете, тем больше устают ваши уши и тем менее объективным вы становитесь.

Маркировка

Первое, что вам нужно сделать, это пометить все свои треки, если вы еще этого не сделали.Это поможет вам узнать, что все это такое.

Группировка

Следующим шагом будет группировка похожих треков в автобусы.

Например, вам может понадобиться барабанная шина, ритмическая шина, вокальная шина и так далее.

Какие бы у вас ни были разделы, которые вы хотите рассматривать как единое целое, сгруппируйте их в автобусы.

Раскрашивание

Далее, рекомендуется также раскрасить различные секции, чтобы вы могли легко определить, где находятся ваши барабаны, бас, соло и так далее.

Настройка посылов

Последним организационным шагом, который вы, возможно, захотите сделать, является предварительная настройка посылов эффектов.

Это включает в себя настройку нескольких ревербераторов, задержек или любых других эффектов, которые, по вашему мнению, могут понадобиться при микшировании.

Шаг 2: Редактируйте свои треки

После организации следующим шагом будет редактирование всех треков, которые необходимо отредактировать.

Редактирование включает настройку времени, удаление шума и изменение фальшивых звуков.

Выравнивание и синхронизация

С выравниванием и синхронизацией все, что вам нужно сделать, это убедиться, что все ваши треки синхронизированы и соответствуют «сетке» или темпу вашего проекта.

Здесь есть место для маневра, особенно если вы стремитесь к более органичному звучанию, но вы, по крайней мере, хотите, чтобы ваши инструменты звучали в самых низких долях вашего трека.

Также очень важно, чтобы все треки, предназначенные для воспроизведения вместе, были правильно выровнены. Это может включать вокальные гармонии.Убедитесь, что они звучат и заканчиваются одновременно с вашим лид-вокалом.

Шумоподавление и удаление нежелательных звуков

В зависимости от вашей среды в вашем проекте могут быть записаны нежелательные шумы или звуки.

Рекомендуется использовать инструмент шумоподавления, такой как Waves Z-Noise, или что-то более надежное и хирургическое, например RX от iZotope.

Если вы решите приобрести Waves Z-Noise, вы можете получить его со скидкой 10%, если воспользуетесь моей ссылкой здесь.

Настройка

Наконец, настройте любые звуки (скорее всего вокал), которые не настроены, и вы готовы начать микширование.

Шаг 3: Управляйте своими треками

Следующим шагом в процессе микширования является использование «контроллеров сигналов». Это инструменты, которые формируют звук, который у вас есть в настоящее время, но не добавляют никаких дополнительных эффектов.

Балансировка громкости

При микшировании первое, что вы должны сделать, это отрегулировать громкость каждого инструмента или звука так, чтобы каждая отдельная дорожка звучала сбалансированно с другими.

Тихие части тихие, но их все равно слышно, а громкие части громкие, но не слишком громкие, чтобы заглушать другие звуки.

Панорамирование

Далее у вас есть панорамирование. Распределите треки по стереоспектру, чтобы ваша песня приобрела хорошую ширину.

Вы можете панорамировать почти все, кроме бочки, баса, малого барабана и ведущего вокала, но здесь нет никаких правил, и вы можете делать то, что подходит для песни.

Панорамирование также является отличным способом помочь «разоблачить» определенные звуки, чтобы их можно было услышать.

Выравнивание (EQ)

Далее у нас идет выравнивание (или EQ).

Что вам нужно сделать здесь, так это вырезать любые нежелательные частотные диапазоны из ваших треков и убедиться, что у каждого трека есть свой маленький карман в частотном спектре.

Больше склоняйтесь к сокращению, чем к усилению. Убедитесь, что все имеет место и не борется с чем-то еще. Hi-pass все, что не нуждается в басах, и low-pass все, что не нуждается в high-end.

Компрессия

Компрессия — важный следующий шаг в процессе микширования, который включает балансировку динамики ваших треков.

Почти для каждого трека потребуется компрессор, чтобы он хорошо вписался в микс, хотя вам не обязательно сжимать все подряд.

Если вы хотите узнать, когда сжимать, а когда нет, прочтите мою статью здесь.

Для некоторых звуков, например вокала, вы можете использовать последовательное или каскадное сжатие.

Вы можете прочитать мою статью здесь о том, как использовать последовательное сжатие для получения вокала профессионального качества, который находится впереди в миксе.

Существует множество типов компрессоров, каждый из которых имеет свои сильные и слабые стороны, которые делают их хорошими и не очень хорошими в определенных ситуациях.

Если вы хотите узнать о каждом типе компрессора и о том, когда их использовать, ознакомьтесь с моей статьей здесь.

Шаг 4: Эффекты для ваших треков

Это касается всех наших сигнальных контроллеров, теперь пришло время добавить эффекты!

Насыщенность

Насыщенность — это процесс добавления дополнительных гармоник к звуку для придания ему теплоты или иного улучшения звука. В более экстремальных случаях это то, что называют «искажением».

Насыщенность — это то, как вы получаете богатый, теплый и более профессиональный звук, поэтому поэкспериментируйте с насыщенностью или искажением ваших треков и посмотрите, как они звучат.

Попробуйте добавить насыщенности своим трекам и посмотрите, поможет ли это оживить их.

Реверберация

Реверберация — еще один важный эффект, который может добавить глубины и эмоциональности определенным звукам.

Чем больше реверберации вы накладываете на что-либо, тем дальше это будет звучать.

Таким образом, вы можете стратегически использовать реверберацию, чтобы добавить глубины вашему миксу.

Задержка

Задержка — еще один забавный эффект, который можно использовать просто для того, чтобы придать звуку ощущение пространства или сделать что-то более интересным.

Поэкспериментируйте здесь с тем, что звучит лучше для вас и вашего микса.

Шаг 5: Автоматизация

Наконец, завершите микс с помощью автоматизации.

Здесь вы можете добавить в свою песню больше движения и азарта.

Эксперименты с автоматизацией громкости, панорамированием и такими эффектами, как реверберация и задержка. И, конечно же, всегда популярная автоматизация фильтров, когда дело доходит до электронной музыки.

Завершите больше песен, быстрее!

Если вы хотите микшировать свои собственные песни и вам нужна проверенная пошаговая формула микширования, которая поможет вам превратить ваши песни из хороших в ВЕЛИКОЛЕПНЫЕ. ..

Тогда возьмите мой контрольный список быстрого завершения песни здесь.

Создавайте лучшие песни, быстрее

Нажмите ниже, чтобы загрузить мой бесплатный контрольный список завершения песен, который поможет вам создавать песни для радио, не тратя месяцы на их создание.

Этот контрольный список проведет вас через проверенный пошаговый процесс микширования и мастеринга, так что вам никогда не придется гадать или гадать, что делать дальше.

Вы будете точно знать, что и когда делать, чтобы быстро микшировать, мастерить и заканчивать больше треков.

Я надеюсь, что вы нашли этот пост полезным о том, что такое микширование.

Если да, не стесняйтесь поделиться, и дайте мне знать в комментариях ниже…

Какие еще вопросы у вас есть о микшировании?

НАСТОЯЩАЯ разница между сведением и мастерингом

Пытаетесь понять разницу между сведением и мастерингом?

Я знаю это чувство. Мне потребовалось несколько лет, прежде чем я действительно понял это сам.

С тех пор я узнал, насколько они разные.И насколько ВАЖЕН каждый из них для профессионально звучащей песни.

Хотите стать профессионально подготовленным мастеринг-инженером?

На Mastering.com есть невероятные ресурсы для обучения мастерингу.

В частности, я хочу поделиться с вами этим видео, в котором Блейк Ла Гранж (P.O.D., Канье Уэст, Nine Inch Nails) раскрывает навыки, необходимые для того, чтобы стать мастеринг-инженером и, наконец, создавать музыку промышленного качества.

Если вы хотите создавать потрясающие мастер-классы для себя или платных клиентов, вот ссылка для просмотра:

Но если вы просто хотите узнать все конкретно о мастеринге, продолжайте читать.

 

Что такое смешивание?

Для начала: что такое микширование?

Пытаетесь понять разницу между сведением и мастерингом? Я знаю это чувство. Мне потребовалось несколько лет, прежде чем я действительно понял это сам. С тех пор я узнал, насколько они разные. И насколько ВАЖЕН каждый из них для профессионально звучащей песни. Но если вы просто хотите узнать все о Ma

Микширование, если коротко, это балансировка отдельных инструментов.

Работа инженера по микшированию состоит в том, чтобы взять несколько инструментов и сбалансировать их

.

1. Объем
2. Частоты
3. Динамика
4. Пространственное размещение

Звучит сложно, не так ли? Однако, если убрать жаргон, все это означает следующее:

.

Вы не хотите, чтобы ваши инструменты были слишком громкими или слишком тихими. Вы же не хотите, чтобы они перекрывали друг друга в частотном спектре.Вы не хотите, чтобы их переходные процессы слишком сильно выделялись, и вы хотите, чтобы некоторые из них звучали ближе к слушателю, чем другие.

Итак… громкость, эквалайзер, компрессия и реверберация/задержка. Все просто.

Еще до появления аналоговых эффектов (до 1950-х годов) инженеров по микшированию называли инженерами по балансу. Вся их работа сводилась к тому, чтобы сбалансировать громкость записанных инструментов.

Конечно, времена изменились. Ваша работа в качестве миксера намного сложнее, чем в старые времена.Но ключевой принцип тот же: вы пытаетесь создать баланс.

Однако смешивание — это двухэтапный процесс. Во-первых, вы создаете баланс. Затем вы создаете эмоции.

Баланс заключается в создании объективно хорошего сочетания. Речь идет о том, чтобы песня звучала презентабельно.

Но как только это сделано, вы пытаетесь сделать микс субъективно великолепным. Вы создаете микс, который удерживает внимание слушателей и трогает их до глубины души. Вы используете имеющиеся в вашем распоряжении инструменты, чтобы песня звучала лучше, чем она могла бы звучать в реальной жизни.

Одним словом, вы пытаетесь сделать микс максимально реалистичным.

Это достигается путем выполнения сотен маленьких тонких движений, которые улучшают звучание песни. Вы будете использовать новые инструменты (хорус, сатурация, фейзеры, расширители стереобазы, автоматизация и десятки других), чтобы создать неземной звук.

До 80% звучания песни исходит из микса.

У вас есть доступ ко всем инструментам. Таким образом, у вас есть возможность создать основу звука, которую мастеринг-инженер не сможет затронуть.

Тем не менее, последние 20%, которые приходятся на мастеринг, НЕ МЕНЕЕ важны. Без мастера ваша песня никогда не будет звучать профессионально.

Вот почему.

 

Что такое мастеринг?

Мастеринг — это заключительный этап производственного процесса. Никто не приступает к мастерингу, пока микс не будет завершен.

Пытаетесь понять разницу между сведением и мастерингом? Я знаю это чувство. Мне потребовалось несколько лет, прежде чем я действительно понял это сам. С тех пор я узнал, насколько они разные. И насколько ВАЖЕН каждый из них для профессионально звучащей песни. Но если вы просто хотите узнать все о Ma

Обычно мастеринг-инженеры получают экспортированный микс от инженера по микшированию. Затем они приступают к работе.

Есть 3 цели процесса мастеринга:

1. Чтобы сделать трек громче
2. Чтобы трек звучал лучше
3. Чтобы сделать трек более понятным для всех видов динамиков

Смысл мастеринга в том, чтобы песня звучала так же, как и другие профессиональные песни, представленные на рынке .Когда их слышат по радио, в плейлисте или в титрах фильма, они не должны звучать неуместно.

Это означает, что они должны иметь одинаковый уровень громкости, иметь одинаковую частотную характеристику и прекрасно звучать на любом динамике.

Для этого мастеринг-инженеры используют те же ключевые инструменты, что и микшеры — громкость, эквалайзер и компрессию — но всю обработку возлагают на весь микс.

Они также единственные, кто использует святой Грааль мастеринга, ограничитель.

Ограничитель — это инструмент, который увеличивает как фактическую громкость дорожки, так и воспринимаемую громкость дорожки.

По сути, они используют ограничитель, чтобы песня казалась громче, чем она есть на самом деле. Это делает песню более мощной и захватывающей.

Есть еще одна важная причина сделать мастеринг песни: получить второе мнение.

Мастеринг-инженеры — пара свежих ушей. Они могут ловить ошибки, которые пропустил микшер.

Микшеры остаются со своими песнями часами напролет. Со временем вы перестаете точно слышать песню.

Становится трудно понять, приближает ли каждое движение микширования вас к отполированному профессиональному треку.Возможно, вы отдаляетесь от него.

Но мастеринг-инженеры никогда раньше не слышали вашу песню!

Они могут мгновенно поймать ваши ошибки и исправить их. При условии, что это можно исправить в самом стереофайле.

Мастеринг не может исправить плохой микс, но он МОЖЕТ улучшить хороший.

В отличие от сведения, мастеринг заключается в нанесении тонких широких штрихов. Несколько десятков движений, которые вы сделаете на этапе мастеринга, повлияют на ВСЮ песню.

Мастеринг — пугающий процесс, но чем больше вы узнаете об этом, тем больше вы понимаете… это просто.

Хотите узнать больше о мастеринге? Ознакомьтесь с нашей статьей о мастеринге собственной песни дома , а также с нашим руководством по цепочке мастеринга

. ОБНОВЛЕНИЕ

: мы выпустили еще одно видео, которое дает вам 6 шагов для мастеринга:

Пытаетесь понять разницу между сведением и мастерингом? Я знаю это чувство. Мне потребовалось несколько лет, прежде чем я действительно понял это сам.С тех пор я узнал, насколько они разные. И насколько ВАЖЕН каждый из них для профессионально звучащей песни. Но если вы просто хотите узнать все о Ma

 

Так в чем же разница между сведением и мастерингом?

Для просмотра…

• Микширование имеет доступ ко всем инструментам. Мастеринг содержит только финальный микс.
• Микширование уравновешивает отдельные инструменты вместе. Мастеринг уравновешивает всю песню.
• Сведение — это создание баланса и эмоций в песне. Мастеринг заключается в том, чтобы заставить этот микс звучать наравне с остальным материалом на радио.
• Микширование — это 80% звучания песни. Мастеринг — это оставшиеся 20%.

 

ОБНОВЛЕНИЕ

: Недавно мы выпустили новое видео, в котором показаны 5 основных ошибок при микшировании, которые допускают большинство людей:

Пытаетесь понять разницу между сведением и мастерингом? Я знаю это чувство.Мне потребовалось несколько лет, прежде чем я действительно понял это сам. С тех пор я узнал, насколько они разные. И насколько ВАЖЕН каждый из них для профессионально звучащей песни. Но если вы просто хотите узнать все о Ma

Мастеринг не должен быть ошеломляющим.

Вам не нужны внушительные кредиты или бесчисленное количество дорогостоящего снаряжения, чтобы создавать потрясающих мастеров.

Опытный наставник поможет вам развить навыки, которые вам действительно нужны. Вместо того, чтобы тратить время и деньги на неправильные вещи, вы сможете сосредоточиться на том, что действительно важно: на создании потрясающей музыки.

Если вы хотите наконец добиться звука в голове, это для вас:

Автор песен и продюсер. Писатель в Musician on the Mission. Я здесь, чтобы помогать людям делать музыку, которая длится долго.

Трекинг, Сведение, Мастеринг — В чем разница?

Вы любите создавать музыку, но термины трекинг, сведение и мастеринг оставляют вас в замешательстве? Прочтите эту статью, и мы поможем вам разобраться.

Отслеживание

Отслеживание просто означает процесс записи дорожек.Это называется «отслеживание», потому что каждому записанному элементу назначается собственная дорожка, так что балансом и эффектами можно управлять индивидуально позже. Отслеживание может выполняться одновременно с несколькими музыкантами или по одному инструменту за раз (или миксом) в зависимости от того, как вы хотите, чтобы трек звучал.

Смешивание

Микширование — это процесс смешивания всех отдельных дорожек в записи, чтобы она звучала как можно лучше. Смешанные треки известны как «микс».Микширование дорожки включает в себя балансировку уровней громкости дорожек (вручную или с помощью автоматизации), усиление и срезание частот (также известное как эквалайзер), панорамирование дорожек влево и вправо для создания стереополя и добавление эффектов.

Микширование часто включает в себя много редактирования и выбор лучших вариаций каждого трека. В идеале, работа по редактированию должна быть сделана заранее, чтобы они могли сосредоточиться на самом миксе.

 

Мастеринг

В то время как при микшировании треки смешиваются друг с другом, при мастеринге треки балансируются так, чтобы в записи ничего не выделялось.Это может варьироваться от добавления незначительных изменений в микс до полной переработки и восстановления, хотя на любой дорожке можно сделать очень мало.

Мастеринг также включает в себя редактирование начала и конца песен, а также пробелов в альбомах, чтобы они воспроизводились плавно. Их готовый продукт называется «мастером» и включает все необходимые метаданные и коды.

Мы надеемся, что эта статья прояснила для вас все. Если у вас есть другие вопросы, пожалуйста, оставьте их в комментариях ниже.

Сведение и мастеринг: Раз и навсегда, какая разница? : Блог

Даже у опытных музыкантов могут быть размыты границы того, что именно представляет собой, скажем, процесс мастеринга. Но люди, не связанные с производством музыки, обычно не знают ни доли того, что входит в процесс ее создания. Конечно, большинство людей могут отличить хорошую песню от песни плохого качества. Но как производители попадают туда? От сырой записи в студии до полностью готового трека, выпущенного на все основные музыкальные платформы.Как нам туда добраться? И насколько важны в этом процессе сведение и мастеринг? Кстати, вы знаете, чем отличаются последние упомянутые процессы? У обоих совершенно разные роли в музыкальном производстве. Так раз и навсегда, какая разница? Давайте выясним это.

Компьютер с DAW, который используется для аранжировки нескольких треков в миксе.

Сведение и мастеринг, простой обзор

Во-первых, вы должны понимать, что это разные процессы.Сведение (как мы увидим в производственной цепочке ниже) предшествует мастерингу и фокусируется на обработке отдельных треков по отдельности. В процессе микширования вы будете работать над тем, чтобы эта отдельная дорожка/запись звучала хорошо, выполняя такие задачи, как эквализация, сайдчейн, добавление эффектов (например, реверберации). После этого, еще во время сведения, они возвращаются на одну стереодорожку. Этот двухдорожечный трек будет отправлен инженеру по мастерингу, чтобы он правильно завершил трек и придал окончательному продукту хорошее качество.

Подводя итог, можно сказать, что процесс производства музыки состоит из сочинения, аранжировки, препродукции и записи демо. Просто обратите внимание, что в наши дни из-за домашних студий запись демо уже не так распространена, люди, как правило, пропускают этот шаг и сразу переходят к записи финального трека. В любом случае, приведенные ниже пункты углубятся в каждый упомянутый шаг и покажут вам, где именно происходит сведение и мастеринг.

Где в цепочке производства музыки находятся сведение и мастеринг?

Все имеет свое место в цепочке производства музыки, а сведение и мастеринг являются частью промежуточного процесса.Обычно процесс состоит из 5 шагов. Я сказал обычно, потому что некоторые музыкальные стили могут пропустить несколько частей. Например, некоторая электронная танцевальная музыка пропускает этап записи, потому что большинство используемых сэмплов уже оцифрованы и (почти) готовы к окончательному сведению и мастерингу. Но в основном цепочка производства музыки состоит из следующих 5 шагов.

1. Запись направляющих дорожек

На этом этапе процесса музыканты используют так называемый «щелчок», также известный как «постукивание», для записи ритма и голоса.Он состоит из клика/тапа, настроенного на определенный темп, и помогает (в основном) просто барабанщику не потеряться, так как ударные записываются первыми. В электронных или готовых произведениях этого шага нет, так как барабаны уже запрограммированы по клику, а кто программирует, тот и композитор. Если композитор забывает такт или такт, он может просто перетащить ударные и создать недостающий такт или такт.

2. Запись

И секвенсирование в случае коробочных/миди-инструментов.

3. Редактирование

Редактирование ударных/битов/записей в сетку, настройка вокала, квантизация миди.

4. Смешивание

Этот шаг состоит из взятия всех записанных треков (количество может варьироваться от нескольких до нескольких сотен), сжатия/выравнивания/наложения эффектов и смешивания их в bounce/2-track (конечный стереотрек).

5. Мастеринг

Окончательная стереодорожка обрабатывается с точки зрения окончательных деталей. Эквалайзер, чтобы он работал на любой системе/наушниках/динамике.Сжатие, чтобы инструменты лучше смешивались друг с другом, а общий уровень песни поднимался до адекватных стандартов. Это процесс мастеринга, который повышает громкость трека до уровня, с которым мы привыкли сталкиваться в готовых записях.

Смешивание, дальнейшее понимание

В общем, в процессе микширования вам придется распределять каждую запись по отдельным каналам вашего микшера. Это потому, что каждый инструмент требует разной обработки. Например, для вокала вам может понадобиться больше реверберации и некоторых эффектов эха, а для ударных — нет (или просто меньше).Кроме того, каждый инструмент/запись присутствует на разном наборе частот, поэтому вам потребуется разная конфигурация эквалайзера для каждого из них. Приведенная ниже диаграмма, взятая из нашей предыдущей статьи, посвященной частотной характеристике, может дать вам некоторое представление об этом.

На графике показано визуальное представление частотного диапазона некоторых инструментов. Это понимание может помочь вам в процессе сведения и мастеринга.

Понимание частотного диапазона каждого элемента вашего микса может помочь вам убрать некоторые ненужные частоты, тем самым очистив микс. Такое же понимание может помочь вам обнаружить возможные проблемы с конфликтующими инструментами/частотами. Если у вас возникли проблемы с конфликтующими частотами, угадайте, где вы будете решать проблему? Если вы ответили «в миксе», вы правы!

Но не волнуйтесь, вам потребуются годы, чтобы освоить процесс микширования. Ниже я дам вам краткий список тем, которые вы можете исследовать, чтобы улучшить свои навыки микширования.

• Процесс записи. Как убедиться, что финальные версии исходного кода оптимальны.Это сэкономит вам значительное время в процессе микширования и мастеринга.
• Организация вашего микса. Каждая дорожка на отдельный канал микширования. Это видео на YouTube может дать вам представление о том, как это сделать.
• Частоты, панорамирование дорожек и эквализация.
• Компрессия, реверберация, задержка, и другие подобные процессы.
• Сайдчейн, автоматизация и эффекты затухания.

Эти темы должны помочь вам начать работу.Но это то, что есть, просто стартовый список, вы можете узнать гораздо больше, что не упомянуто выше.

Мастеринг, дальнейшее понимание

Процесс мастеринга зависит от процесса микширования, так же как процесс микширования зависит от шага записи. У вас просто не может быть хорошего мастеринга, если у вас плохая запись или плохое сведение. Просто нечего делать.

В общем, процесс мастеринга берет окончательный микс и придает ему окончательное «сияние». Подобные процессы, которые мы встречали при микшировании, мы найдем и здесь, например, небольшое сжатие, выравнивание… Но в основном цель процесса мастеринга — сделать окончательный звук финального звука соответствующим его назначению.Например, предположим, что у вас есть несколько песен, выходящих на одном альбоме, процесс мастеринга должен привести все песни к одинаковому уровню.

Дело в том, что в настоящее время существуют определенные мастера для каждого источника, который будет воспроизводиться, так как каждый допускает только определенный максимальный уровень сжатия. Рекомендация Magroove по этой теме — мастерить только один трек, который работает на всех источниках.

Сведение и мастеринг, одно зависит от другого

Вы должны понимать, что мастеринг-инженер обычно не имеет доступа к этапу микширования.Он работает с готовым/стерео треком, не имеет доступа к отдельным инструментам. Таким образом, он не может увеличить громкость определенного инструмента или исправить какие-либо проблемы со микшированием, например, проблемы с эквалайзером. Чтобы он решил проблему с отсутствием, например, частоты определенного инструмента, ему придется повысить эту частоту в мастер-канале. В результате у вас также будет усилена вся запись. А вот и дружеское напоминание: всегда исправляйте отдельные проблемы с громкостью в миксе (процессе микширования)!

Процесс мастеринга — тонкий процесс, который часто рассматривается как последний штрих.Чтобы у нас была задача звукоинженера, звукоинженер должен экспортировать треки на сверхнизких уровнях (пикинг далеко от предела), чтобы у него было достаточно места для работы, выравнивания, компрессии и финиширования трека без каких-либо обрезков или искажений. . Вы должны иметь в виду, что завершение микса около уровня 0 дБ или сверхвысокого значения LUFS в вашей DAW часто считается плохой практикой. Так что избегайте этого, так как это может подорвать работу мастеринг-инженера.

В заключение

«Обычным людям» должно быть сложно представить себе процесс мастеринга.В основном потому, что у них никогда не было доступа к смикшированному, но не сведенному треку. В Интернете вы можете легко найти «демозаписи» известных групп и, конечно же, готовый мастеринговый трек, доступный на стриминге и в магазинах. Но не микст. Вы знаете, как должен звучать несжатый трек? Я имею в виду, чтобы можно было отправить мастерингу? Это моя точка зрения, большинство независимых продюсеров и владельцев домашних студий этого не делают. По крайней мере, не 100%. Но поверьте мне, это совершенно нормально, просто иногда это приводит к нескольким ошибкам, что тоже нормально, если вы продолжаете работать над улучшением своей работы.

С появлением «мира цифровой записи» нам стало проще просто микшировать близко к 0 дБ и вставлять лимитеры. Для этого вы можете использовать эквалайзер или любой другой плагин, необходимый непосредственно для вашей мастер-шины (сеанса микширования). Таким образом, вы получите микс и мастеринг «все в одном». Некоторые люди скажут вам, что это плохая практика или что-то в этом роде, но не слушайте их, это абсолютно нормально.

На самом деле это средство, на которое идет большинство продюсеров. Инженеры по микшированию, например, обычно хотят, чтобы конечный трек (постмастер) звучал как их микс.Они будут микшировать около 0 дБ, так что это сужает возможности мастеринг-инженера, в основном для того, чтобы они не добавляли в песню какой-то нежелательный тон или эффект. В результате у вас будет только слегка затронутая дорожка.

Самое главное в сведении и мастеринге это…

Как упоминалось выше в статье, где-то уходят годы, чтобы понять, как работает сведение и мастеринг, но описание различий каждого процесса — хорошая отправная точка. Исходя из этого, вы должны быть в состоянии работать и постоянно улучшать свою музыку! Записывайте, микшируйте, мастерируйте, экспортируйте, слушайте, повторяйте… делайте столько, сколько вам нужно, столько раз, сколько необходимо.

No related posts.