Самые известные художники мира и их картины. Шедевры мировой живописи

Многие люди, увлекающиеся живописью, вынуждены отказываться от такого занятия, так как выбиться в люди и стать известным и востребованным художником непросто. И всё же некоторым это удалось. Узнайте, какие художники являются самыми известными.

Самые известные художники

Итак, топ 10 самых известных художников в мире:

Начал рисовать случайно и далеко не в детские годы. В 20 лет Анри перенёс операцию по удалению , и мать купила ему краски и бумагу. Матисс сначала копировал цветные открытки, а затем так увлёкся рисованием, что даже решил стать профессиональным художником.

Несмотря на протесты отца, Анри стал обучаться живописи. Манера рисования Матисса была весьма необычной и похожей на импрессионизм. Сначала Анри копировал произведения иностранных мастеров, а затем начал творить и собственные шедевры. Самые известные работы Анри Матисса – это «Парижский танец», «Радость жизни», «Разговор», «Семейный портрет», «Красная комната».

Кстати, Матисс даже открыл собственную школу живописи. Сегодня его картины хранятся в лучших музеях и имеются в коллекциях богатейших людей.

Был трудным подростком и на школьных уроках вместо выполнения заданий разрисовывал обложки тетрадей смешными портретами одноклассников и учителей. Вскоре о таком таланте Клода узнали многие, и он стал весьма известным карикатуристом в своём городе, а позднее стал за свои работы брать деньги. Но потом Монэ встретил опытного художника-пейзажиста, который взялся за его обучение.

И только тогда Клод полюбил природу и научился чувствовать её. Свои эмоции парень выражал в рисунках, которые впоследствии стали настолько популярными, что сегодня входят в лучшие собрания живописи. Самые известные работы: «Закат над морем», «Подсолнухи», «Тюльпаны Голландии», «У моря», «Дорога в лесу», «Натюрморт с мясом».

Сегодня его имя знают все, как и самые лучшие работы, в число которых входят такие как «Девочка на шаре», «Жизнь», «Купальщицы», «Авиньонские девицы» и многие другие. А его картина «Обнажённая, зелёные листья и бюст» стала самой дорогой картиной, проданной когда-либо.

Пикассо был талантливым художником, графиком, дизайнером, керамистом, а также декоратором и скульптором. Именно он является основоположником кубизма. Кроме того, Пикассо внёс огромный вклад в развитие искусства прошлого века, вероятно, оно бы не было таким без этого человека.

Всего за свою жизнь Пабло закончил около 20 тысяч работ, каждая из которых являлась неповторимой и уникальной. Рисовать Пикассо начал с самого раннего возраста, а первые уроки живописи брал у своего отца, который был учителем рисования (позднее такую должность занимал и сам Пабло). А вдохновение юный Пикассо черпал из сказок, которые его мама придумывала сама и рассказывала сыну на ночь.

4. Винсент Ван Гог – нидерландский художник-постимпрессионист, создавший немало удивительных и необычных работ. Винсент был трудным подростком, но посторонним казался задумчивым и серьёзным.

Рисовать Ван Гог начал позже, когда стал работать в художественно-торговой компании.

Каждый день Винсент контактировал с произведениями искусства, поэтому научился их ценить. После неудачной любви дела молодого дилера Ван Гога стали ухудшаться, и в какой-то момент он решил попробовать свои силы в живописи. Но всё же Винсенту приходилось зарабатывать на жизнь, хотя работа ему не нравилась. После нескольких неудач Ван Гог решил полностью посвятить себя живописи и подарил миру множество шедевров.

– художник армянского происхождения (настоящее его имя – Ованес). С самого детства у Ивана проявлялись творческие способности, он даже самостоятельно обучился игре на скрипке. Также Айвазовский прекрасно рисовал и постоянно развивал свои способности.

Особенно ценил и боготворил Иван море, и именно поэтому среди его работ преобладают шикарные морские пейзажи, на которых изображены штормы, кораблекрушения, волны и глубины. Самые известные картины художника – это «Девятый вал», «Венеция», «Хаос», «Тонущий корабль», «Ледяные горы», «Волна», «Чёрное море».

— художник, который был практически первооткрывателем красот русской природы. Он любил всё: деревья, каждую травинку, небо, капли росы, цветы. И эта его любовь прекрасно видна на картинах, каждая из которых является настоящим шедевром.

Его пейзажи доказали всем, что Россия – это не серая скучная страна, как считали раньше, а невероятно красивое место. Вот несколько самых известных работ художника: «Вечерний звон», «Март», «Золотая осень». Кстати, многие его пейзажи по сей день используются в качестве иллюстраций и печатаются в учебниках.

– это поистине уникальный и легендарный художник, который изменил взгляды общества на живопись. Отличительной особенностью работ Поллока было то, что они мало походили на картины. Может показаться, что кто-то разлил краску на бумагу, но при ближайшем и внимательном рассмотрении можно увидеть нечто таинственное и глубокое.

А сам Джексон полностью погружался в процесс и через холст выражал свои эмоции. Он стелил бумагу на пол, а для рисования использовал битое стекло, жидкие краски, совки, ножи и палочки. Самые известные работы Поллока – это «Номер 5» (это самая дорогая картина художника), «Женщина-луна, режущая круг» и «Волчица».

Известен тем, что написал портреты большинства известных людей. Но звёзды обращаются к Никасу не зря, он очень талантлив. Сафронов родился в простой семье и всего добился сам. Кроме того, это один из немногих художников, которому удалось стать известным при жизни. В списке работ Никаса портреты таких знаменитостей как Майк Тайсон, Софи Лорен, Мик Джаггер, Хулио Иглесиас, Элтон Джон, Стинг, Стивен Спилберг, Джек Николсон и многие другие.

– пожалуй, самая культовая и значимая персона в истории поп-арта. Рисовать Энди начал в детстве. Сначала он иллюстрировал журналы, но потом решил создавать самостоятельные работы, черпая вдохновение из продуктов питания, напитков и прочих товаров потребления.

Он рисовал консервы, фрукты, алкогольные напитки. Но отличала все картины особая манера исполнения. Рисунки были настолько эксцентричными и яркими, что их просто не могли не заметить.

– мастер фигуративной живописи и художник-экспрессионист. Основная тема его работ – это человеческое тело. Но рисовал тела Фрэнсис обычно вытянутыми, искажёнными, заключёнными в какие-то фигуры или предметы. Самые известные работы Бэкона – «Спящий человек», «Женщина», триптих «Распятие», а также «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда».

Это были самые известные художники всех времён.

Британская газета The Times составила рейтинг 200 лучших художников , которые жили в период с начала XX века до наших дней.

В результате, по мнению британских читателей, первое место занял великий испанский художник Пабло Пикассо.

Второе место отдано постимпрессионисту

Полю Сезанну , третий — основоположник австрийского модерна Густав Климт . Последняя строка занята современным японским художником Хироши Суджимото .

В первой десятке фигурируют французские художники Клод Моне, Анри Матисс, Марсель Дюшан и американский художник Джексон Поллок.
Десятку замыкают легенда поп-арта Энди Уорхол , представитель абстракционизма Виллем де Кунинг и известный модернист Пит Мондриан .
Нельзя не заметить завышения рейтинга одних художников и игнорирования других, не менее талантливых. Редакция The Times, подводя итоги опроса, недоумевает: «Что делает в топ-20 Мартин Киппенбергер? Почему он оценен выше, чем Ротко, Шиле и Клее? Разве Мунк (46-е место) хуже Фриды Кало? Скорее всего, это объясняется желанием женщин поместить представительницу прекрасного пола как можно выше в рейтинге.

Из российских художников в рейтинге фигурируют Василий Кандинский (15-й), создатель «Черного квадрата» Казимир Малевич (17-й). 95-м отмечен украинско-американский художник Александр Архипенко . 135-й — один из основоположников конструктивизма Александр Родченко. Также в список попали Марк Шагал -71-й, и Владимир Татлин — 145-й.

Вот 20 лучших художников XX века , по мнению британских любителей искусства

Двадцатка лучших художников XX и начала XXI века

1. Пабло Пикассо

2. Поль Сезанн

3. Густав Климт

4. Клод Моне

5. Марсель Дюшан

6. Анри Матисс

7. Джексон Поллок

8. Энди Уорхол

9. Виллем де Кунинг

10. Пит Мондриан

11. Поль Гоген

12. Фрэнсис Бэкон

13. Роберт Раушенберг

14. Жорж Брак

15. Василий Кандинский

16. Константин Бранкузи

17. Казимир Малевич

18. Джаспер Джонс

19. Фрида Кало

20. Мартин Киппенбергер
………………
Да, если бы такой опрос проводили у нас, список оказался бы совсем другим. Как впрочем, и списки лучших литературных произведений — в каждой стране они значительно отличаются.

Но пока мы имеем только этот список, в котором многих художников не знаем.
Поэтому — вот краткий рассказ о первой двадцатке художников.
А полный список 200 лучших художников XX и начала XXI века — в конце поста.
……………….
1.Пикассо Пабло — испанский художник, график

8. Энди Уорхол (настоящее имя — Эндрю Вархола , русин. Андрій Варгола ; 1928-1987) — американский художник и продюсер, заметная персона в истории поп-арт а и современного искусства в целом. Основатель идеологии «homo universale».
Уорхол создал несколько картин, которые стали сенсацией в мире искусства. В 1960 году он создал дизайн для банок Кока-кола, который принёс ему известность художника с неординарным видением искусства. А в 1960—1962 появился цикл произведений с изображением консервных банок супа Кэмпбелл .

Уорхол одним из первых применил трафаретную печать и шелкографию как метод для создания картин.
Уорхол создал ряд картин, на которых изобразил кумиров современного общества. Среди звёзд, которых рисовал Энди: многократно повторяющиеся Мэрилин Монро , Элизабет Тэйлор , Битлз, Майкл Джексон, Ленин и другие. Эти рисунки в ярких тонах стали «визитной карточкой» Уорхола. воссоздавая атмосферу Америки 60-х годов.

По мнению критиков, эти картины отражали пошлость культуры массового потребления, менталитет западной цивилизации. Уорхола причисляют к представителям поп-арта и концептуального искусства , таким как Роберт Раушенберг , Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн .В настоящее время цены на его картины доходят до десятков миллионов долларов. Вокруг фигуры Уорхола собралась целая субкультура.

В 2015 году картина была продана музейному ведомству Катара за 300 млн долларов. 287\237\225

12.Фрэнсис Бэкон —(1909—1992) — английский художник-экспрессионист . Живопись Бэкона всегда экспрессивна, это — своего рода крик, который передаёт трагедию существования. Основной темой его работ является человеческое тело — искажённое, вытянутое, заключённое в геометрические фигуры. Несколько произведений входит в список самых дорогих картин.

14 мая 2008 триптих «Ориентир канонического 20-го века» Френсиса Бэкона 1976 года продан на аукционе Сотби за 86,3 миллиона долларов. Продан семьёй Мюи, владельцами производства вин Château Pétrus, русскому миллиардеру Роману Абрамовичу. А живописец получил звание самого дорогого послевоенного художника и попал на третье место в десятке самых дорогих художников мира вообще, уступив только Пикассо и Климту. 180\122\96

13.Роберт Раушенберг (1925, Порт-Артур —2008, остров Каптива, Флорида) — американский художник. Представитель абстрактного экспрессионизма , а затем концептуального искусства и поп-арта , в своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда , использовал мусор .
Как и другие представители поп-арта, он пытался выразить своё видение мира в необычных, шокирующих формах. Для этого использовались холсты, коллажи, инсталляции.
В начале 50-х Раушенберг прошёл через три стадии создания живописных работ:
«Белая живопись» — на белом фоне изображены черные цифры и некоторые символы.
«Черная живопись» — на полотно наклеивались обрывки газет, и все это покрывалось черной эмалью.
«Красная живопись» — абстрактные полотна в красных тонах частично с наклейками из газет, гвоздей, фотографий и т. п.
В 1953 году Раушенберг стёр рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Стёртый рисунок Де Кунинга», затронув вопрос о природе искусства.

С середины 50-х Раушенберг создает пространственные объекты, которые называет «комбинированными картинами», например:
«Одалиска» (атласная подушка, чучело курицы, фотографии и репродукции)
«Кровать» —кровать, забрызганная краской и поставленная вертикально…

В конце 50-х освоил технику фроттажа (натирания, введенную в искусство Максом Эрнстом) для перевода журнальных фотографий на бумагу. Раушенберг использовал её для создания графического цикла из 34 иллюстраций к «Аду» Данте в стиле поп-арта . В 1962 году он освоил технику шелкографии и создал в ней ряд крупных произведений. Одна из картин этого ряда «Путь в небо » (Skyway , 1964). На ней поп-культурные символы (например, американские астронавты) соседствуют с образами Рубенса .

Раушенберг — обладатель многих наград, среди которых: главный приз на Венецианском биеннале, Грэмми, Национальная медаль США, Императорская премия Японии и другие.
В 60-е и 70-е годы Раушенберг был вовлечен в сферу перформанса , хэппенингов и других театрализованных акций.

1 Пабло Пикассо 21587
2 Поль Сезанн 21098
3 Густав Климт 20823
4 Клод Моне 20684
5 Марсель Дюшамп 20647
6 Генри Матисс 17096
7 Джексон Поллок 17051
8 Энди Уорхол 17047
9 Виллем де Кунинг 17042
10 Пит Мондриан 17028
11 Поль Гоген 17027
12 Френсис Бэкон 17018
13 Роберт Раушенберг 16956
14 Жорж Брак 16788
15 Василий Кандинский 16055
16 Константин Бранкузі 14224
17 Казимир Малевич 13609
18 Джаспер Джонс 12988
19 Фрида Кало 12940
20 Мартин Киппенбергер 12784
21 Поль Клее
22 Эгон Шиле
23 Дональд Джадд
24 Брюс Науман
25 Альберто Джакометти
26 Сальвадор Дали
27 Огюст Роден
28 Марк Ротко
29 Эдвард Хоппер
30 Лучиан Фрейд
31 Ричард Серра
32 Рене Магритт
33 Девид Хокни
34 Филип Гастон
35 Гери Картье-Брессон 8779
36 Пьер Боннар
37 Жан-Мишель Баскиа
38 Макс Эрнст
39 Диана Арбюс
40 Джорджиа О’Киф
41 Сай Туомбли
42 Макс Бекманн
43 Барнет Ньюман
44 Джорджо де Кирико
45 Рой Лихтенштейн 7441
46 Эдвард Мунк
47 Пьер Август Ренуар
48 Мен Рей
49 Генри Мур
50 Синди Шерман
51 Джеф Кунс
52 Трейси Эмин
53 Демиен Херст
54 Ив Кляйн
55 Генри Руссо
56 Хаим Сутин
57 Арчил Горки
58 Амадео Модильяни
59 Умберто Боччиони
60 Жан Дюбюффе
61 Ева Хессе
62 Эдвард Виллард
63 Карл Андре
64 Хуан Грис
65 Лучио Фонтана
66 Франц Клайн
67 Дэвид Смит
68 Йозеф Бойс
69 Александр Колдер
70 Луиза Буржуа
71 Марк Шагал
72 Герхард Рихтер
73 Бальтюс
74 Жоан Миро
75 Эрнст Людвиг Кирхнер
76 Френк Стелла
77 Георг Базелиц
78 Франсис Пикабия
79 Дженни Савиль
80 Дэн Флавин
81 Альфред Стиглиц
82 Ансельм Кифер
83 Метью Берни
84 Жорж Грос
85 Бернд и Хилла Бехер
86 Зигмар Польке
87 Брайс Марден
88 Маурицио Кателлан
89 Сол Левитт
90 Чак Клоуз 2915
91 Эдвард Вестон
92 Джозеф Корнелл
93 Карел Аппель
94 Бриджит Райли
95 Александр Архипенко
96 Энтони Каро
97 Ричард Гамильтон
98 Клиффорд Стилл
99 Люк Тюйманс
100 Класс Олденбург
101 Эдуардо Луиджи Паолоцци
102 Франк Ауэрбах
103 Динос и Джейк Чепмэн
104 Марлен Дюма
105 Антоны Тапиес
106 Джорджо Моранди
107 Уолкер Эванс
108 Нан Голдин
109 Роберт Франк
110 Жорж Руо
111 Арп Ганс
112 Август Сендер
113 Джеймс Розенквист
114 Андреас Гурский
115 Эжен Атже
116 Джеф Уолл
117 Эллсуорт Келли
118 Билл Брандт
119 Кристо и Жан-Клод
120 Говард Ходжкин
121 Джозеф Альберс
122 Пьеро Мандзони
123 Агнес Мартин
124 Аниш Капур
125 Л. С. Лоури
126 Роберт Мазервелл
127 Робер Делоне
128 Стюарт Девис
129 Эд Руша
130 Гилберт и Джордж 2729
131 Стенли Спенсер
132 Джеймс Энсор
133 Фернард Леджер
134 Брассай (Дюла Халас)
135 Александр Родченко
136 Роберт Риман
137 Эд Рейндхард
138 Ханс Бельмер
139 Иза Генцкен
140 Кеес ван Донген
141 Уиджи
142 Паула Рего
143 Томас Харт Бентон
144 Ханс Хоффман
145 Владимир Татлин
146 Одилон Редон
147 Джордж Сегал
148 Йорг Имендорф
149 Роберт Смитсон
150 Питер Дойг 2324
151 Эд и Нэнси Кинхольц
152 Ричард Принс
153 Ансель Адамс
154 Наум Габо 2256
155 Диего Ривера 2239
156 Барбара Хепворт 2237
157 Никола де Сталь 2237
158 Уолтер де Мариа 2229
159 Феликс Гонсалес-Торрес 2228
160 Джакомо Балла 2225
161 Бен Никольсон 2221
162 Энтони Гормли 2218
163 Лайонел Фейнингер 2216
164 Эмиль Нольде 2213
165 Марк Уоллингер 2211
166 Герман Ницш 2209
167 Поль Синьяк 2209
168 Жан Тигли 2209
169 Курт Швиттерс 2209
170 Грейсон Перри 2208
171 Джулиан Шнабель 2208
172 Раймон Дюшан-Вийон 2208
173 Роберт Гобер 2208
174 Дуэйн Хансон 2208
175 Ричард Дибенкорн 2207
176 Апекс Катц 2207
177 Алигьеро Боетти 2206
178 Годье-Бжеска Анри 2206
179 Ласло Мохой-Надь 2205
180 Жак-Анри Лартиг 2205
181 Роберт Моррис 2205художники

В XVII веке было введено разделение жанров живописи на «высокий» и «низкий». К первому относили исторический, батальный и мифологический жанры. Ко второму причисляли приземленные жанры живописи из повседневной жизни, например, бытовой жанр, натюрморт, анималистика, портрет, ню, пейзаж.

Исторический жанр

Исторический жанр в живописи изображает не конкретный предмет или человека, а определенный момент или событие, которое имело место в истории прошлых эпох. Он входит в основные жанры живописи в искусстве. Портрет, батальный, бытовой и мифологический жанры часто бывают тесно переплетены с историческим.

«Покорение Сибири Ермаком» (1891-1895)
Василий Суриков

В историческом жанре писали свои картины художники Никола Пуссен, Тинторетто, Эжен Делакруа, Питер Рубенс, Василий Иванович Суриков, Борис Михайлович Кустодиев и многие другие.

Мифологический жанр

Сказания, древние легенды и мифы, народный фольклор — изображение этих сюжетов, героев и событий нашло свое место в мифологическом жанре живописи. Пожалуй, его можно выделить в живописи любого народа, потому что история каждого этноса полнится легендами и преданиями. Например, такой сюжет греческой мифологии , как тайный роман бога войны Ареса и богини красоты Афродиты изображает картина «Парнас» итальянского художника по имени Андреа Мантенья.

«Парнас» (1497)
Андреа Мантенья

Окончательно мифология в живописи сформировалась в эпоху Ренессанса. Представителями этого жанра помимо Андреа Мантеньи являются Рафаэль Санти, Джорджоне, Лукас Кранах, Сандро Боттичелли, Виктор Михайлович Васнецов и другие.

Батальный жанр

Батальная живопись описывает сцены из военной жизни. Чаще всего при этом иллюстрируются различные военные походы, а также морские и сухопутные бои. А поскольку эти бои часто берутся из реальной истории, то батальный и исторический жанры находят здесь свою точку пересечения.

Фрагмент панорамы «Бородинская битва» (1912)
Франц Рубо

Оформилась батальная живопись во времена Итальянского Возрождения в творчестве художников Микеланджело Буонарроти, Леонардо да Винчи, а затем Теодора Жерико, Франсиско Гойя, Франца Алексеевича Рубо, Митрофана Борисовича Грекова и многих других живописцев.

Бытовой жанр

Сцены из повседневной, общественной или частной жизни обыкновенных людей, будь-то городской или крестьянский быт, изображает бытовой жанр в живописи. Как и многие другие жанры живописи , бытовые картины редко встречаются в самостоятельном виде, становясь частью портретного или пейзажного жанра.

«Продавец музыкальных инструментов» (1652)
Карел Фабрициус

Зарождение бытовой живописи произошло в X веке на Востоке, а в Европу и Россию она перешла только в XVII-XVIII веках. Ян Вермеер, Карел Фабрициус и Габриэль Метсю, Михаил Шибанов и Иван Алексеевич Ерменев являются самыми известными художниками бытовых картин в тот период.

Анималистический жанр

Главными объектами анималистического жанра являются животные и птицы, как дикие, так и домашние, и вообще все представители мира животных. Первоначально анималистика входила в жанры китайской живописи, поскольку впервые появилась именно в Китае в VIII веке. В Европе анималистика сформировалась только в эпоху Ренессанса — животные в то время изображались как воплощение пороков и добродетелей человека.

«Кони на лугу» (1649)
Паулюс Поттер

Антонио Пизанелло, Паулюс Поттер, Альбрехт Дюрер, Франс Снейдерс, Альберт Кейп — основные представители анималистики в изобразительном искусстве.

Натюрморт

В жанре натюрморт изображают предметы, которые окружают человека в жизни. Это неодушевленные объекты, объединенные в одну группу. Такие предметы могут принадлежать к одному роду (например, на картине изображены только фрукты), а могут быть разнородными (фрукты, предметы посуды, музыкальные инструменты, цветы и т.д.).

«Цветы в корзине, бабочка и стрекоза» (1614)
Амброзиус Босхарт Старший

Натюрморт как самостоятельный жанр оформился в XVII веке. Особенно выделяют фламандскую и голландскую школы натюрморта. В этом жанре писали свои картины представители самых разных стилей, от реализма до кубизма . Одни из самых известных натюрмортов написали живописцы Амброзиус Босхарт Старший, Альбертус Иона Брандт, Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Пьер Огюст Ренуар, Виллем Клас Хеда.

Портрет

Портрет — жанр живописи, который является одним из самых распространенных в изобразительном искусстве. Цель портрета в живописи — изобразить человека, но не просто его внешний облик, а еще и передать внутренние чувства и настроение портретируемого.

Портреты бывают одиночные, парные, групповые, а также автопортрет, который иногда выделяют отдельным жанром. А самым известным портретом всех времен, пожалуй, является картина Леонардо да Винчи под названием «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо», всем известная как «Мона Лиза».

«Мона Лиза» (1503-1506)
Леонардо да Винчи

Первые портреты появились еще тысячелетия назад в Древнем Египте — это были изображения фараонов. С тех пор большинство художников всех времен так или иначе пробовали себя в этом жанре. Портретный и исторический жанры живописи тоже могут пересекаться: изображение великой исторической личности будет считаться произведением исторического жанра, хоть при этом и будет передавать облик и характер этого человека как портрет.

Ню

Целью жанра ню является изображение обнаженного тела человека. Период Ренессанса считается моментом возникновения и развития этого вида живописи, а главным объектом живописи тогда чаще всего становилось женское тело, которое воплощало в себе красоту эпохи.

«Сельский концерт» (1510)
Тициан

Тициан, Амедео Модильяни, Антонио да Корреджо, Джорджоне, Пабло Пикассо являются самыми знаменитыми художниками, которые писали картины в жанре ню.

Пейзаж

Главная тема пейзажного жанра — природа, окружающая среда — город, сельская либо дикая местность. Первые пейзажи появились еще в античные времена при росписи дворцов и храмов, создании миниатюр и икон. В качестве самостоятельного жанра пейзаж оформляется аж в XVI веке и с тех пор входит в самые популярные жанры живописи .

Он присутствует в творчестве многих живописцев, начиная с Питера Рубенса, Алексея Кондратьевича Саврасова, Эдуарда Мане, продолжая Исааком Ильичом Левитаном, Питом Мондрианом, Пабло Пикассо, Жоржем Браком и заканчивая множеством современных художников XXI века .

«Золотая осень» (1895)
Исаак Левитан

Среди пейзажной живописи можно выделить такие жанры, как морской и городской пейзажи.

Ведута

Ведута — пейзаж, целью которого является изобразить вид городской местности и передать ее красоту и колорит. Позже, с развитием промышленности, городской пейзаж переходит в пейзаж индустриальный.

«Площадь святого Марка» (1730)
Каналетто

Оценить городские пейзажи можно, познакомившись с работами Каналетто, Питера Брейгеля, Федора Яковлевича Алексеева, Сильвестра Феодосиевича Щедрина.

Марина

Морской пейзаж, или марина изображает природу морской стихии, ее величие. Самым известным художником-маринистом в мире, пожалуй, является Иван Константинович Айвазовский, чью картину «Девятый вал» можно назвать шедевром русской живописи . Расцвет марины происходил одновременно с развитием пейзажа как такового.

«Парусник во время шторма» (1886)
Джеймс Баттерсворт

Своими морскими пейзажами также известны Кацусика Хокусай, Джеймс Эдвард Баттерсворт, Алексей Петрович Боголюбов, Лев Феликсович Лагорио и Рафаэль Монлеон Торрес.

Если вы еще больше хотите узнать о том, как возникли и развивались жанры живописи в искусстве, посмотрите следующее видео:

Забирай себе, расскажи друзьям!

Читайте также на нашем сайте:

Показать еще

Хоть я и думаю, что профессия дизайнера не связанна с искусством, но мне кажется для каждого дизайнера важно культурное воспитание и развитие вкуса. Поэтому сегодняшний пост будет чуточку общеобразовательным.

Я бы хотел, чтобы каждый человек восхищался бессмертными картинами великих художников. В этой статье я собрал самые лучшие и знаковые картины различных мастеров изобразительного искусства.

Вдохновляйтесь наздоровье (кликабельно)!

Леонардо да Винчи «Джоконда»

Начать обзор, мне кажется, стоит с самой наверное известной картины мира — Джоконда (или «Мона Лиза») Леонардо да Винчи. Это портрет Лизы Герардини написанный ориентировочно в 1503—1505 годах. На данный момент хранится в Лувре.

Значимой чертой картины является знаменитая загадочная улыбка Моны Лизы. В самой знаменитой улыбке мира есть несколько тайн, которые будоражат умы и по сей день. Первая тайна: трудно понять улыбается ли Мона Лиза на самом деле или это только кажется. Вторую и третью загадки можно увидеть только в живую, побывав в Лувре: с любого места зала кажется, что портрет смотрит на тебя и улыбается только тебе; постепенно проходя мимо портрета слева направо можно заметить как девушка на нем становится старше. Последние два явления мне довелось наблюдать лично и могу подтвердить, что они на самом деле имеют место быть.

Рафаэль «Сикстинская мадонна»

Эта картина частенько используется для различных рождественских открыток. А точнее ангелов снизу. Картина была заказана Рафаэлю в 1512 году. На данный момент храниться в Галерее старых мастеров в Дрездене.

Леонардо да Винчи «Тайная вечеря»

Фреска изображает последний ужин Христа со своими учениками. Была написанна в 1495-1498 в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане. Примерный размер 4,5 м. х 8,7 м.

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры»

Картина известного итальянца храниться во Флоренции в галерее Уффици. Картина написана в 1486 году. И изображает богиню красоты рождаемую морской пеной и выходящей на сушу.

Сальвадор Дали «Постоянство памяти»

Наверное самая известная картина Сальвадора Дали. Лично мне картина бьет прямо в мозг и заставляет усомниться в реальности окружающего мира. Написана в 1931 году и на данный момент хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Казимир Малевич «

Чёрный квадрат»

Это полотно размером 79,5×79,5 сантиметров было знаковым и породило новое направление живописи. Одновременно «Черный квадрат» является и самым спорным полотном. Существует не так мало людей, которые не видят здесь искусства и говорят, что нарисуют не хуже. С 1915 Малевич написал 7 одинаковых полотен.

Интересный факт: многие критики предполагают, что Малевич изначально рисовал другую картину, а впоследствии замазал ее черной краской. Исследования на предмет нахождения проводились неоднократно, но искусствоведы возмутились аргументирую это тем, что картине может быть нанесен непоправимый вред.

Винсент ван Гог

«Звёздная ночь»

Одна из моих самых любимых картин в принципе. Написана нидерландским художником в 1889 году. На данный момент хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Карл Брюлов «

Последний день Помпеи»

Русский живописец написал эту картинку в 1830 году после посещения Помпеи. Картина повествует о известном извержении вулкана Везувий, похоронившем целый город. На данный момент хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

Пабло Пикассо

«Девочка на шаре»

Картина была написана известным испанским художником в 1905 году и изображает групу бродячих акробатов. На данный момент хранится в Пушкинском музее, Москва.

Иван Айвазовский «Девятый вал»

Картина поражает буйством красок и показывает беспомощность человека перед стихией. Написанна всемирно известным русским художником в 1850 году. Выставлена в Санкт-Петербурге в Государственном Русском музее.

На самом деле этот список можно продолжать до бесконечности. В мире существует огромное количество произведений искусства. Все из них я рекомендую смотреть вживую.

Нет вдохновения? Советую вам выбрать время и посетить хороший музей.

10 самых известных современных художников в мире

Современный китайский художник Лю Сяодун пишет картины в стиле реализм, где изображает людей и места, подвергнувшиеся влиянию стремительной модернизации Китая. Лю тяготеет к маленьким городам , где он и пытается найти истории людей ,которые художник изображает в своих картинах . Его некоторые произведения выглядят довольно смело, натуралистично и откровенно, но зато правдиво. На них изображены обыкновенные люди такими, какие они есть. Лю Сяодун считается представителем «нового реализма».

Такаси Мураками — один из наиболее успешных современных японских художников. Его разноплановая деятельность охватывает искусство,дизайн, анимацию, моду и популярную культуру. Однако популярность аниме и манга направили его интерес к искусству анимации, потому что, как сказал сам художник, «это более представляло современную жизнь Японии». В его работах много философских смыслов: с одной стороны, абсолютизм, блеск, живопись и позолота эпохи «короля-солнца», которыми восторгались веками, а с другой — умильные символы и предметы восторгов наших современников, созданные человеком с другой стороны планеты. Этим и славится его творчество .Он показывает в своих творениях проблемы и важные события в милой , на первый взгляд, форме .

Сесили Браун

Сесили Браун является британским художником. Она является представителем абстрактного экспрессионизма.Когда она начинает рисовать, она вообще не имеет точного представления о том , что она пытается достичь, но она позволяет лакирование раскрыть себя , как она работает. В то время как живопись, она любит , чтобы картины развиваются и меняются резко , потому что она считает , что сюрприз делает ее работу более интересной. Сексуальность и привлекательность являются важными темами в ее работе, которую она исследует через пол-фигуративные и абстрактные средства.

JR

JR– это французский стрит-арт художник, имя которого никто не знает .У него самая большая галерея на планете, потому все его творческое простанство — это все города мира . От трущоб Кении и до улочек Парижа – он переворачивает жизни городов наизнанку, показывая простые лица их жителей. Его деятельность — этофлайпостинг (англ.) больших чёрно-белых изображений в публичных местах, в манере освоения антропогенной среды граффити-художниками. Его работы высокомотивированы социально и политически

Аниш Капур

Аниш Капур — современный британско-индийский художник, скульптор. Работы Аниша Капура вызывают отвращение и восторг, причем иногда одновременно. Анализируя творчество Капура, замечаешь, как сильно оно меняется, начиная от материалов, с которыми он работает, до места действия и авторского замысла. На выставках демонстрируются то геометрические скульптуры ярких цветов, то изваяния из камня, то гигантские конструкции причудливых форм. Но неизменными остаются их грандиозность, замысловатость и насыщенная палитра красок. В то же время нельзя не отметить, что ранние произведения в большинстве случаев носили перформативный характер: они не имели сюжета и глубины, а их символичность была поверхностной. Каждая работа была основана на взаимодействии двух людей и объекта между ними.

Мигель Барселó

Мигель Барсело – испанский (каталонский) художник. Выступает также как художник-оформитель (панно во Дворце Наций в Женеве и в Кафедральном соборе Ла Сеу в Пальма-де-Майорка), книжный иллюстратор (Божественная комедия Данте, книжки Пола Боулза, Родриго Рея Росы и др.). Его работы достаточно смелые. Он бросает вызов себе, обществу, искусству. И ты поистине удивляешься, как в его голову приходят столь невероятные идеи. Мигель не только рисует картины. Он прославился благодаря своим скульптурам, которые имеют необычный вид и форму. Сейчас его творчество пользуется огромной популярностью из-за своей столь необычной подачи.

Нджидека Акунили Кросби

Нжидека Акуниили Кросби живет в Лос-Анджелесе. Используя в своих рисунках исторические, политические и личные отсылки, Нжидека Акуиинли Кросби создает фигуративные композиции с плотными наслоениями, которые, сохраняя точность стиля, рассказывают в то же время о многогранности современного художественного опыта. В своих крупномасштабных рисунках и коллажах Нжидека Акуниили Кросби заново представляет и трансформирует свой нигерийский опыт через опыт своей новой родины — США. Она интересуется моментами, в которых совпадают две культуры, и объединяет мотивы из семейных альбомов, популярные журналы, ткани с портретами, архитектурные и природные ансамбли. Цель этого объединения — передать чувства двойного дома людей, живущих в диаспоре. Формально черпая идеи в различных личностных по духу традициях, ее работы апеллируют к колониальной истории и ее влиянию на самоопределение.

Ло Чжунли

Ло Чжунли — один из наиболее значимых и дорогих художников-реалистов современного Китая. Ло Чжунли пишет свои картины маслом. Он уделяет большое внимание деталям, которые легко считываются людьми, понимающими контекст китайской культуры. Его картины, как правило, вызывают большие эмоции у зрителей, которым близок изображаемый художником сельский быт. Ло Чжунли скрупулёзно работает над правдивостью изображений. Художник пишет в основном человеческие фигуры. На многих его картинах люди визуально сливаются с пейзажами, в которых они работают и живут.

Лю Вэй

Лю Вэй – современный китайский художник. Говоря о творчестве данного художника, трудно выделить единую стилистическую составляющую. Галерея Саатчи, анонсируя работы художника, пишет, что в них ощущается «чувство избытка, затрагивается тема коррупции и агрессивного отражения культурной тревоги». Ключевыми инструментами в арсенале Лю Вэя британцы называют концептуализм, сатиру и юмор.

Шон Скалли

Шон Скалли— один из самых дорогих современных художников-абстракционистов. Живопись Скалли часто состоит из нескольких панелей и абстрактна. Скалли пишет маслом, иногда накладывая краску толстыми слоями, создавая текстурные поверхности. Его живопись обычно включает жесткие архитектурные построения примыкающих стен и панелей, густо окрашенные полосами. В последние годы он дополнил фирменные полосы мотивом, композиционно напоминающим шахматную доску. Художник передает с помощью красок свои чувства и переживания . Так после смерти сына его работы имели тусклые и серые оттенки.

Джордж Кондо

Джордж Кондо  — современный американский художник. Жордж Кондо занимается исследованием жанра портрета, черпая своё вдохновение в американской карикатуре, европейской истории портрета, а также греческой мифологии, создавая работы с чёрным юмором в своем собственном узнаваемом стиле. Живопись Кондо соединяют экспрессионизм икубизм с качествами сатирической карикатуры. Творчество Джорджа Кондо включает произведения от больших бронзовых скульптур и мнимых портретов до «религиозных» картин. Джордж Кондо придумал для своего творчества термин искусственный реализм.

Источник: https://zen.yandex.ru/media/id/5db796ae86c4a900b126139a/10-samyh-izvestnyh-sovremennyh-hudojnikov-v-mire-5db8d1103d873600b0a4d9f9?utm_source=serp

6 самых молодых и перспективных художников в мире и их работы

Они молоды, перспективны, безумно талантливы и просто в восторге от своей деятельности. Их родителям и в снах не снилось, что их дети станут настоящими знаменитостями в столь юном возрасте. Кто же они, самые молодые и интересные художники мира?

Кирон Уильямсон. Англия

Этого мальчика называют «маленьким Моне», его картины вмиг распродаются после выставок и с каждым годом стают все дороже; половину своей жизни он посвятил рисованию, а его родители жили в съемной квартире, пока не купили дом за вырученные деньги от картин Кирона.

Кирон Уильямсон родился в Англии в небольшом городе Норфолк. Его отец строитель, мать — врач-терапевт. О том, что их сын будет рисовать, родители даже представить не могли. Кирон, как и все мальчики, любил футбол, активный отдых, игры с друзьями. Все что он мог нарисовать, это раскрасить зарисовки, и то не очень аккуратно. Но, как всегда, всему виной стал случай.

Однажды семья поехала отдыхать в город Корнуолл. Кирон был просто в восторге от лодок и парусников, пришвартованных к берегу. Он нарисовал эту красоту. С этого дня и началась его карьера художника.

Он не перестал писать после возвращения домой. Наоборот, прошел курсы рисования акварелью, посещал студию. В этом же году он открыл свою первую выставку. Его картины раскупили за 14 минут.

Владелец художественной галереи в Норфолке говорит, что Кирону нет равных в мастерстве, ведь он одинаково хорошо рисует разными красками, удивительно сочетает цвета. В его картинах соблюдаются пропорции и тени. Манера письма Кирона напоминает импрессионистскую.

Кирону пророчат большое будущее, ведь его картины собирают коллекционеры во многих странах мира, считая, что в скором будущем они будут стоить намного дороже.

Душан Кртолица. Сербия

В два года он взял карандаш в руки, а к восьми годам уже имел две выставки, его называют «мальчиком-вырви-глаз» из-за удивительной точности всех деталей его работ.

Душан Кртолица стал настоящей гордостью Сербии, хотя и считает себя обычным мальчиком. Первой работой Душана стал точно нарисованный кит, хотя родители и не придали значения рисунку мальчика. Но с каждым днем ребенок просил все больше бумаги для работ.

Сегодня за неделю Душан рисует примерно 500 работ. Изображать животный и растительный мир — его страсть. Но удивительно не только то, что мальчик делает бесподобные рисунки простой ручкой или маркером, все его животные изображены с поразительной анатомической точностью. А ведь Душан изображает не только современных животных, но и представителей фауны, которые населяли Землю миллионы лет назад.

Родители были обеспокоены таким увлечением сына и показали его психиатру. Но специалист отметил высокий уровень интеллекта мальчика, и успокоил: «гениальность» ребенка никак не влияет на его развитие, а рисование выступает своеобразной эмоциональной разрядкой. Душан отлично ладит с одноклассниками, любит все мальчишеские игры, и, удивительно, но мечтает стать не художником, а зоологом.

Аэлита Андре. Австралия

Этой девочке сегодня восемь лет. В четыре года у нее уже были свои выставки, ныне она является членом Национальной ассоциации художников Австралии, а продажи от ее картин составляют 800 тысяч долларов.

Аэлита Андре стала рисовать, когда ей еще не выполнилось и года. Как всегда, все получилось случайно. Отец девочки также художник. Однажды он оставил на полу холст с красками, и обнаружил, что маленькая дочь с удовольствием рисует. Конечно, он был только рад — для ребенка все что угодно, лишь бы не плакал.

Но с этого дня и началась любовь Аэлиты к рисованию. В два года у нее была уже собственная выставка.

В работах девочки наблюдают сюрреалистический стиль живописи, а манеру рисования сравнивают с техникой Сальвадора Дали.

Конечно, многие видят в работах девочки лишь «детскую мазню». Но критики как раз и говорят о том, что ее картины не похожи на детские рисунки. Они восхищаются сочетанием цветов, собственным стилем, особенностями текстуры и композиции.

Син Яо Цень. Тайвань, США

Он начал рисовать в 10 лет. С родной страны переехал в США, чтобы учится в Академии Искусств в Сан-Франциско. Его пейзажи просто завораживают, а педагоги пророчат ему большое будущее.

Син Яо просто влюбился в Сан-Франциско. Он много раз рисует одни и те же места, только с разных ракурсов. Особенно он любит рисовать ранним утром или вечером — когда мало прохожих.

Его городские пейзажи просто удивительны.

У Син Яо удивительная «плывущая» техника рисования маслом. Складывается впечатление, что он рисует акварелью.

Сейчас ему 29 лет, и с каждой работой его техника стает все совершеннее. Кто знает, какого мастерства Син Яо достигнет, скажем, лет так через десять?

Шорио Махано. Индия

Эму еще нет и десяти лет, а его работы представлены на выставке в родной Индии и в Нью-Йорке. Картины Шорио Махано очаровали критиков.

Шорио Махано работает в стиле абстрактный экспрессионизм. Страсть к рисованию у него началась в четырехлетнем возрасте, когда он подражал увлечению старших сестер. Но родители сразу поняли, что это не просто детские рисунки, а что-то больше.

Это и подтвердили на художественной выставке, куда отвезли работы.

Шорио использует особенную технику наложения краски в несколько слоев. Чтобы выполнить одну работу, ему надо несколько дней.

Шорио в восторге от своего занятия и без раздумий отвечает, когда его спрашивают, кем он хочет быть, — конечно, художником!

Алисия Захарко. Украина

Этой девочке нет еще и трех лет, а она уже зарегистрирована в Книге Рекордов Украины как самая юная художница, у которой есть собственная выставка.

Алисия Захарко родилась и живет в Тернополе. Она начала рисовать, когда еще и ходить не умела. Ее родители профессиональные художники. Они дали девочке холст и краски, когда ей было 9 месяцев. Вспоминая, как девочка рисовала в первые разы, мама улыбается, ведь дочка помещалась на холсте целиком.

Родители предложили ребенку рисовать только для общего развития. Они и не предполагали, что увлечение их дочери очень скоро сделает их местными знаменитостями.

Однажды картину Алисии увидел местный профессиональный художник. Он посчитал ее интересной и достойной внимания. Когда же он услышал, что это рисовала двухлетняя девочка, подумал, что над ним шутят, ведь картина была выполнена композиционно правильно, а цвета соединялись просто фантастически.

Что же такого интересного в картинах Алисии? Стиль ее работ охарактеризовали как абстрактный экспрессионизм, а технику выполнения сравнивают с работами Джексона Полока. 

Она сочетает яркие краски, и это сочетание не характерно для детского рисования. 

Алисия рассказывает, что очень любит рисовать море, деревья, людей. Только море на ее картинах взрывается разными цветами. Ну и что, значит, художник так его увидел.

Родители дают полную свободу для творчества девочки. Они не учат ее рисовать, чтобы не «спугнуть» талант. Мама Алисии говорит, что дочь сама решит, будет ли получать художественное образование. Для родителей главное, чтобы их ребенок был счастлив. А, судя по настроению работ, она очень счастлива.

Все эти дети начали рисовать по собственному желанию, их родители не помогали им и не развивали мастерство насильно. Кто знает, может, и у вашего ребенка дремлет талант, просто надо уловить миг, чтобы его раскрыть.

Самые известные художники мира. Самые известные художники мира Топ известных художников мира

Многие люди, увлекающиеся живописью, вынуждены отказываться от такого занятия, так как выбиться в люди и стать известным и востребованным художником непросто. И всё же некоторым это удалось. Узнайте, какие художники являются самыми известными.

Самые известные художники

Итак, топ 10 самых известных художников в мире:

Начал рисовать случайно и далеко не в детские годы. В 20 лет Анри перенёс операцию по удалению , и мать купила ему краски и бумагу. Матисс сначала копировал цветные открытки, а затем так увлёкся рисованием, что даже решил стать профессиональным художником.

Несмотря на протесты отца, Анри стал обучаться живописи. Манера рисования Матисса была весьма необычной и похожей на импрессионизм. Сначала Анри копировал произведения иностранных мастеров, а затем начал творить и собственные шедевры. Самые известные работы Анри Матисса – это «Парижский танец», «Радость жизни», «Разговор», «Семейный портрет», «Красная комната».

Кстати, Матисс даже открыл собственную школу живописи. Сегодня его картины хранятся в лучших музеях и имеются в коллекциях богатейших людей.

Был трудным подростком и на школьных уроках вместо выполнения заданий разрисовывал обложки тетрадей смешными портретами одноклассников и учителей. Вскоре о таком таланте Клода узнали многие, и он стал весьма известным карикатуристом в своём городе, а позднее стал за свои работы брать деньги. Но потом Монэ встретил опытного художника-пейзажиста, который взялся за его обучение.

И только тогда Клод полюбил природу и научился чувствовать её. Свои эмоции парень выражал в рисунках, которые впоследствии стали настолько популярными, что сегодня входят в лучшие собрания живописи. Самые известные работы: «Закат над морем», «Подсолнухи», «Тюльпаны Голландии», «У моря», «Дорога в лесу», «Натюрморт с мясом».

Сегодня его имя знают все, как и самые лучшие работы, в число которых входят такие как «Девочка на шаре», «Жизнь», «Купальщицы», «Авиньонские девицы» и многие другие. А его картина «Обнажённая, зелёные листья и бюст» стала самой дорогой картиной, проданной когда-либо.

Пикассо был талантливым художником, графиком, дизайнером, керамистом, а также декоратором и скульптором. Именно он является основоположником кубизма. Кроме того, Пикассо внёс огромный вклад в развитие искусства прошлого века, вероятно, оно бы не было таким без этого человека.

Всего за свою жизнь Пабло закончил около 20 тысяч работ, каждая из которых являлась неповторимой и уникальной. Рисовать Пикассо начал с самого раннего возраста, а первые уроки живописи брал у своего отца, который был учителем рисования (позднее такую должность занимал и сам Пабло). А вдохновение юный Пикассо черпал из сказок, которые его мама придумывала сама и рассказывала сыну на ночь.

4. Винсент Ван Гог – нидерландский художник-постимпрессионист, создавший немало удивительных и необычных работ. Винсент был трудным подростком, но посторонним казался задумчивым и серьёзным. Рисовать Ван Гог начал позже, когда стал работать в художественно-торговой компании.

Каждый день Винсент контактировал с произведениями искусства, поэтому научился их ценить. После неудачной любви дела молодого дилера Ван Гога стали ухудшаться, и в какой-то момент он решил попробовать свои силы в живописи. Но всё же Винсенту приходилось зарабатывать на жизнь, хотя работа ему не нравилась. После нескольких неудач Ван Гог решил полностью посвятить себя живописи и подарил миру множество шедевров.

– художник армянского происхождения (настоящее его имя – Ованес). С самого детства у Ивана проявлялись творческие способности, он даже самостоятельно обучился игре на скрипке. Также Айвазовский прекрасно рисовал и постоянно развивал свои способности.

Особенно ценил и боготворил Иван море, и именно поэтому среди его работ преобладают шикарные морские пейзажи, на которых изображены штормы, кораблекрушения, волны и глубины. Самые известные картины художника – это «Девятый вал», «Венеция», «Хаос», «Тонущий корабль», «Ледяные горы», «Волна», «Чёрное море».

— художник, который был практически первооткрывателем красот русской природы. Он любил всё: деревья, каждую травинку, небо, капли росы, цветы. И эта его любовь прекрасно видна на картинах, каждая из которых является настоящим шедевром.

Его пейзажи доказали всем, что Россия – это не серая скучная страна, как считали раньше, а невероятно красивое место. Вот несколько самых известных работ художника: «Вечерний звон», «Март», «Золотая осень». Кстати, многие его пейзажи по сей день используются в качестве иллюстраций и печатаются в учебниках.

– это поистине уникальный и легендарный художник, который изменил взгляды общества на живопись. Отличительной особенностью работ Поллока было то, что они мало походили на картины. Может показаться, что кто-то разлил краску на бумагу, но при ближайшем и внимательном рассмотрении можно увидеть нечто таинственное и глубокое.

А сам Джексон полностью погружался в процесс и через холст выражал свои эмоции. Он стелил бумагу на пол, а для рисования использовал битое стекло, жидкие краски, совки, ножи и палочки. Самые известные работы Поллока – это «Номер 5» (это самая дорогая картина художника), «Женщина-луна, режущая круг» и «Волчица».

Известен тем, что написал портреты большинства известных людей. Но звёзды обращаются к Никасу не зря, он очень талантлив. Сафронов родился в простой семье и всего добился сам. Кроме того, это один из немногих художников, которому удалось стать известным при жизни. В списке работ Никаса портреты таких знаменитостей как Майк Тайсон, Софи Лорен, Мик Джаггер, Хулио Иглесиас, Элтон Джон, Стинг, Стивен Спилберг, Джек Николсон и многие другие.

– пожалуй, самая культовая и значимая персона в истории поп-арта. Рисовать Энди начал в детстве. Сначала он иллюстрировал журналы, но потом решил создавать самостоятельные работы, черпая вдохновение из продуктов питания, напитков и прочих товаров потребления.

Он рисовал консервы, фрукты, алкогольные напитки. Но отличала все картины особая манера исполнения. Рисунки были настолько эксцентричными и яркими, что их просто не могли не заметить.

– мастер фигуративной живописи и художник-экспрессионист. Основная тема его работ – это человеческое тело. Но рисовал тела Фрэнсис обычно вытянутыми, искажёнными, заключёнными в какие-то фигуры или предметы. Самые известные работы Бэкона – «Спящий человек», «Женщина», триптих «Распятие», а также «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда».

Это были самые известные художники всех времён.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Художники всегда сильно ценились, ведь они могли передать потомкам тех, кого они не смогли бы увидеть. Они помогали обрести вечную жизнь. В современности, с изобретением фотоаппарата, художники не потеряли своей ценности. Среди любой профессии есть некоторые выдающиеся представители, которых можно назвать самыми лучшими. В данном топе представлен список самых лучших и популярных художников в мире.

• 10 Исаак Левитан

  Исаак Левитан — это превосходный художник, родом из Российской Империи. Его жизнь была довольно трудной, как и тот путь, который ему пришлось преодолеть, дабы стать первоклассным художником. Но, именно благодаря своему труду, Левитан подарил миру большое количество пейзажей.

• 9 Огюст Ренуар

  
  

  Этот французский живописец, скульптор и график родился в 1919 году в городе Лимонже. Этот гениальный художник является одним из первых импрессионистов, который получил успех среди богатых граждан, населяющих город Париж, а его многочисленные работы выставлены во многих галереях мира.

• 8 Клод Моне

  
  

  Клод Моне родился во Франции, в городе Париже в 1926 году. Он является одним из самых известных в мире живописцев, а также одним из основателей импрессионизма. Его работы и по сей день приводят в восторг огромное количество людей.

• 7 Сальвадор Дали

  
  

  Этот эксцентричный художник 20 века вот уже многие годы не дает покоя нашим современникам. Его картины поражают своей техникой, но ещё больше поражает то, что он изображал на своих картинах. Многих они пугают и приводят в смятение, а многих восхищают. Несмотря на его неоднозначные произведения, можно сказать, что Сальвадор Дали — это один, из самых известных художников в мире.

• 6 Микеланджело Буонарроти

  
  

  Микеланджело Буонарроти — это один из величайших художников эпохи возрождения, известный на весь мир. Его жизнь была долгой и насыщенной, а его произведения пережили века и подарили ему вечную жизнь. Его имя и по сей день ассоциируется с именем величайшего художника на планете.

• 5 Рафаэль Санти

  
  

  Рафаэль Санти — это знаменитый художник эпохи возрождения. Его произведения поражают умы многих, а его техника просто неподражаема. У него было огромное число учеников, однако никто из них не смог добиться тех же успехов, каких добился их учитель.

• 4 Ян Вермер

  
  

  Ян Вермер — это гениальный нидерландский художник, чьи портреты поражают свой точностью и неповторимостью. Ещё при жизни он зарабатывал неплохие деньги, создавая портреты богатых заказчиков. А сейчас, его полотна стоят целое состояние. К сожалению, он никому не передал свое мастерство, потому что у него не было ни одного ученика.

• 3 Пабло Пикассо

  
  

  Этот выдающийся художник известен очень многим. И хотя ценность его картин понимают далеко не все, нельзя отрицать тот факт, что он внес колоссальный вклад в развитие изобразительного искусства, а его картины принесли ему огромное состояние.

• 2 Винсент Ван Гог

  
  

  Этот нидерландский художник известен не только своими необыкновенными работами, но и психическими расстройствами, которые в дальнейшем привели к его самоубийству. К сожалению, за свою жизнь ему удалось продать лишь одну картину, однако сейчас его работы стоят огромных денег.

• 1 Леонардо да Винчи

  
  

  Этот выдающийся человек не только превосходный художник, но и ученый и изобретатель. Он был одним из самых выдающихся представителей своего времени. Его картины известны даже людям, далеким от искусства. Его работы внесли огромный вклад в развитие человеческого общества.

Великолепные произведения искусства рук великих мастеров способны удивить даже людей, для которых искусство мало значит. Именно поэтому музеи с мировыми именами являются одними из самых популярных достопримечательностей, привлекающих миллионы посетителей в год.

Чтобы выделиться из огромного количества картин, написанных за всю историю искусства, художнику необходим не просто талант, но и умение выразить уникальный сюжет необычным и очень актуальным для своего времени способом.

Представленные ниже картины громко заявляют не только о таланте своих авторов, но и о многочисленных культурных тенденциях, которые появлялись и исчезали, и о важнейших исторических событиях, которые всегда находили отражение в искусстве.

«Рождение Венеры»

Эта картина, написанная великим мастером возрождения Сандро Боттичелли, изображает момент появления прекрасной Венеры из морской пены. Одним их самых притягательных аспектов картины является скромная поза богини и ее простое, но прекрасное лицо.

«Собаки играют в покер»

Написанная Кассиусом Кулиджем в 1903 году серия из 16 картин изображает собак, собранных за игрой в покер вокруг журнального или игрального стола. Многие критики признают эти картины каноническим изображением американцев той эпохи.

Портрет мадам Рекамье

Этот портрет, написанный Жаком-Луи Давидом, изображает блестящую светскую диву в контрастно минималистической и простой обстановке, одетой в простое белое платье без рукавов. Это — яркий пример неоклассицизма в портретном искусстве.

№5

Эта знаменитая картина, написанная Джексоном Поллоком, является самым знаковым его произведением, которое ярко изображает весь тот хаос, который бушевал в душе и уме Поллока. Это — одна из самых дорогих работ, когда-либо проданных американским художником.

«Сын человеческий»

«Сын человеческий», написанный Рене Магриттом, является своеобразным автопортретом, изображающим самого художника в черном костюме, но с яблоком вместо лица.

«Номер 1» («Королевский красный и синий»)

Это довольно свежее произведение, написанное Марком Ротко, — не более чем мазки трех разных оттенков на холсте ручной работы. В настоящее время картина выставлена в Институте искусств в Чикаго.

«Избиение невинных»

На основе библейской истории об убийстве невинных младенцев в Вифлееме Питер Поль Рубенс создал эту жуткую и жестокую картину, которая затрагивает эмоции всех, кто на нее смотрит.

«Воскресный день на острове Гранд-Жатт»

Созданная Жоржем Сера, эта уникальная и очень популярная картина изображает расслабленную атмосферу выходного дня в большом городе. Такая живопись является превосходным примером пуантилизма, который объединяет в одно целое множество точек.

«Танец»

«Танец» Анри Матисса является примером стиля под названием фовизм, который отличается яркими, практически неестественными цветами и формами и высокой динамикой.

«Американская готика»

«Американская готика» является произведением искусства, идеально символизирующим образ американцев во время Великой депрессии. На этой картине Грант Вуд изобразил строгую, наверняка религиозную пару, стоящую на фоне простого дома с окнами в готическом стиле.

«Грузчик цветов»

Эта картина самого популярного мексиканского живописца ХХ века — Диего Риверы, изображает человека, который с трудом несет на спине корзину, перегруженную яркими тропическими цветами.

«Мать Уистлера»

Также известная как «Аранжировка в сером и черном. Мать художника», это одна из наиболее знаменитых картин американского художника Джеймса Уистлера. На этой картине Уистлер изобразил свою мать, сидящей на стуле, на фоне серой стены. В картине использованы только черные и серые оттенки.

«Постоянство памяти»

Это — культовое произведение не менее культового Сальвадора Дали, знаменитого на весь мир испанского сюрреалиста, выведшего это движение на передовую искусства.

Портрет Доры Маар

Пабло Пикассо является одним из самых популярных и влиятельных испанских живописцев. Он — основатель нашумевшего в свое время стиля, названного кубизмом, который стремится раздробить любой объект и передать его четкими геометрическими формами. Эта картина — первый портрет в стиле кубизма.

«Портрет художника без бороды»

Эта картина Ван Гога является автопортретом, причем уникальным, поскольку он изображает живописца без привычной всем бороды. Кроме того, это одна из немногих картин Ван Гога, которые были проданы в частные коллекции.

«Ночная терраса кафе»

Написанная Винсентом ван Гогом, эта картина изображает привычное зрелище совсем по новому, с использованием удивительно ярких цветов и необычных форм.

«Композиция VIII»

Василий Кандинский признан основателем абстрактного искусства — стиля, который использует формы и символы вместо привычных предметов и людей. «Композиция VIII» является одной из первых картин художника, выполненных исключительно в этом стиле.

«Поцелуй»

Одно из первых художественных произведений в стиле ар-нуво, эта картина почти полностью выполнена в золотых тонах. Картина Густава Климта — одно из самых ярких произведений стиля.

«Бал в Мулен де ла Галетт»

Картина Пьера Огюста Ренуара является ярким и динамичным изображением городской жизни. Кроме того, это одна из самых дорогих в мире картин.

«Олимпия»

В картине «Олимпия» Эдуард Мане создал настоящее противоречие, практически скандал, поскольку голая женщина с пристальным взглядом явно является любовницей, не завуалированной мифами классического периода. Эта одна из ранних работ в стиле реализма.

«Третье мая 1808 года в Мадриде»

В этом произведении Франсиско Гойя изобразил нападение Наполеона на испанцев. Это — одна из первых испанских картин, которые рисуют войну в негативном свете.

«Менины»

Самая знаменитая картина Диего Веласкеса изображает пятилетнюю Инфанту Маргариту на фоне портрета ее родителей, написанного Веласкесом.

«Портрет четы Арнольфини»

Эта картина является одним из старейших произведений живописи. Она была написана Яном ван Эйком и изображает итальянского бизнесмена Джованни Арнольфини и его беременную жену в их доме в Брюгге.

«Крик»

Картина норвежского художника Эдварда Мунка изображает искаженное страхом лицо человека на фоне кроваво-красного неба. Пейзаж на заднем плане добавляет мрачного очарования этой картине. Кроме того, «Крик» — одна из первых картин, выполненных в стиле экспрессионизма, где реализм сведен к минимуму, чтобы обеспечить больше свободы для эмоций.

«Кувшинки»

«Кувшинки», написанные Клодом Моне, являются частью серии из 250 картин, изображающих элементы собственного сада художника. Эти картины выставлены в различных художественных музеях мира.

«Звездная ночь»

«Звездная Ночь» Ван Гога — одно из самых известных изображений в современной культуре. В настоящее время она выставлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

«Падение Икара»

Эта картина, написанная голландским художником Питером Брейгелем, показывает безразличие человека к страданию своих ближних. Сильная социальная тема показана здесь довольно простым способом, с использованием образа Икара, тонущего под водой, и людей, игнорирующих его страдания.

«Сотворение Адама»

«Сотворение Адама» — одна из нескольких великолепных фресок Микеланджело, украшающих потолок Сикстинской капеллы во дворце Ватикана. На ней изображено создание Адама. Кроме изображения идеальных человеческих форм, фреска является одной из первых в истории искусства попыток изобразить Бога.

«Тайная вечеря»

Эта фреска великого Леонардо изображает последний ужин Иисуса до его предательства, ареста и смерти. Кроме композиции, форм и красок, обсуждение этой фрески пестрит теориями о скрытых символах и наличии Марии Магдалены рядом с Иисусом.

«Герника»

«Герника» Пикассо изображает взрыв одноименного испанского города во время испанской гражданской войны. Это — черно-белая картина, негативно изображающая фашизм, нацизм и их идеи.

«Девушка с жемчужной сережкой»

Эту картину Йоханнеса Вермеера часто называют голландской Моной Лизой, не только из-за ее необычайной популярности, но и потому что выражение на лице девушки трудно уловить и объяснить.

«Обезглавливание Иоанна Крестителя»

Картина Караваджо очень реалистично изображает момент убийства Иоанна Крестителя в тюрьме. Полутьма картины и выражения лиц ее персонажей делают ее истинным классическим шедевром.

«Ночной дозор»

«Ночной дозор» является одной из самых знаменитых картин Рембрандта. На ней изображен групповой портрет стрелковой роты во главе с ее офицерами. Уникальным аспектом картины является полутьма, которая производит впечатление ночной сцены.

«Афинская школа»

Написанная Рафаэлем в его ранний римский период, эта фреска изображает известных греческих философов, таких как Платон, Аристотель, Евклид, Сократ, Пифагор и другие. Многие философы изображены в виде современников Рафаэля, например, Платон — Леонардо да Винчи, Гераклит — Микеланджело, Евклид — Браманте.

«Мона Лиза»

Вероятно, самой знаменитой картиной в мире является «Джоконда» Леонардо да Винчи, более известная как «Мона Лиза». Это полотно — портрет госпожи Герардини, привлекающей внимание таинственным выражением лица.

Загадочный мир искусства может показаться запутанным неискушенному человеку, однако существуют шедевры, которые должен знать каждый. Талант, вдохновение и кропотливая работа над каждым мазком рождают произведения, которыми восхищаются столетия спустя.

Собрать все выдающиеся творения в одной подборке невозможно, но мы постарались выбрать самые известные картины, собирающие гигантские очереди перед музеями по всему миру.

Самые известные картины русских художников

«Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин и Константин Савицкий

Год создания : 1889
Музей

Шишкин был отличным пейзажистом, но рисовать животных ему приходилось нечасто, поэтому фигуры медвежат нарисовал Савицкий, превосходный художник-анималист. По окончании работы Третьяков приказал стереть подпись Савицкого, посчитав, что Шишкин проделал куда более обширную работу.

«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», Илья Репин

Годы создания : 1883–1885
Музей : Третьяковская галерея, Москва

На сотворение шедевра, более известного как «Иван Грозный убивает своего сына», Репина вдохновила симфония «Антар» Римского-Корсакова, а именно, ее вторая часть под названием «Сладость мести». Под влиянием звуков музыки художник изобразил кровавую сцену убийства и последующего раскаяния, наблюдающегося в глазах государя.

«Демон сидящий», Михаил Врубель

Год создания : 1890
Музей : Третьяковская галерея, Москва

Картина входила в число тридцати иллюстраций, нарисованных Врубелем к юбилейному изданию сочинений М.Ю. Лермонтова. «Демон сидящий» олицетворяет сомнения, присущие человеческому духу, тонкое, неуловимое «настроение души». По мнению экспертов, художник был в какой-то мере одержим образом демона: за этой картиной последовали «Демон летящий» и «Демон поверженный».

«Боярыня Морозова», Василий Суриков

Годы создания : 1884–1887
Музей : Третьяковская галерея, Москва

В основу картины лег сюжет старообрядческого жития «Повесть о боярыне Морозовой». Понимание ключевого образа пришло к художнику, когда тот увидел ворону, пятном раскинувшую черные крылья на снежном полотне. Позже Суриков долго искал прототип для лица боярыни, но не мог обнаружить ничего подходящего, пока однажды не встретил на кладбище женщину-старообрядку с бледным исступленным лицом. Портретный набросок был завершен за два часа.

«Богатыри», Виктор Васнецов

Годы создания : 1881–1898
Музей : Третьяковская галерея, Москва

Будущий былинный шедевр родился небольшим карандашным наброском в 1881 году; для дальнейшей работы над полотном Васнецов много лет кропотливо собирал информацию о богатырях из мифов, легенд и преданий, а также изучал подлинную древнерусскую амуницию в музеях.

Анализ картины Васнецова «Три богатыря»

«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин

Год создания : 1912
Музей : Третьяковская галерея, Москва

Изначально картина задумывалась как бытовая зарисовка из жизни русской деревушки, однако во время работы полотно художника обросло огромным количеством символов. Под красным конем Петров-Водкин подразумевал «Судьбу России»; после вступления страны в Первую мировую войну он воскликнул: «Так вот почему я нарисовал эту картину!». Впрочем, после революции просоветские искусствоведы трактовали ключевую фигуру полотна как «предвестника революционных пожаров».

«Троица», Андрей Рублев

Год создания : 1411
Музей : Третьяковская галерея, Москва

Икона, положившая начало традиции русского иконописания XV–XVI вв. Полотно, изображающее ветхозаветную троицу ангелов, явившихся Аврааму, является символом единения Святой Троицы.

«Девятый вал», Иван Айвазовский

Год создания : 1850
Музей

Жемчужина в «картинографии» легендарного отечественного мариниста, которого без колебаний можно отнести к числу самых известных художников мира. Мы можем видеть, как чудом выжившие после шторма мореплаватели цепляются за мачту в ожидании встречи с «девятым валом», мифическим апогеем всех штормов. Но теплые оттенки, господствующие на полотне, дают надежду на спасение потерпевших.

«Последний день Помпеи», Карл Брюллов

Годы создания : 1830–1833
Музей : Русский музей, Санкт-Петербург

Завершенная в 1833 году картина Брюллова первоначально выставлялась в крупнейших городах Италии, где вызвала настоящий фурор – живописца сравнивали с Микеланджело, Тицианом, Рафаэлем… На родине шедевр встретили с не меньшим воодушевлением, закрепив за Брюлловым прозвище «Карл великий». Полотно воистину великое: его размеры составляют 4,6 на 6,5 метра, что делает его одной из самых больших картин среди творений русских художников.

Самые известные картины Леонардо да Винчи

«Мона Лиза»

Годы создания : 1503–1505
Музей : Лувр, Париж

Шедевр флорентийского гения, не нуждающийся в представлении. Примечательно, что культовый статус картина получила после инцидента с похищением из Лувра в 1911 году. Два года спустя похититель, оказавшийся сотрудником музея, пытался продать полотно в галерею Уффици. События громкого дела подробно освещались в мировой прессе, после чего в продажу поступили сотни тысяч репродукций, а таинственная Джоконда стала объектом поклонения.

Годы создания : 1495–1498
Музей : Санта-Мария-делле-Грацие, Милан

По прошествии пяти столетий фреска с классическим сюжетом на стене трапезной доминиканского монастыря в Милане признана одной из самых загадочных картин в истории. По задумке Да Винчи, картина изображает момент пасхальной трапезы, когда Христос оповещает учеников о скором предательстве. Огромное количество скрытых символов породило столь же огромное множество исследований, аллюзий, заимствований и пародий.

«Мадонна Литта»

Год создания : 1491
Музей : Эрмитаж, Санкт-Петербург

Так же известная как «Мадонна с младенцем» картина долгое время хранилась в коллекции герцогов Литта, а в 1864 году была куплена петербургским Эрмитажем. Многие эксперты сходятся во мнении, что фигура младенца была написана не лично да Винчи, а одним из его учеников – слишком нехарактерная для живописца поза.

Самые известные картины Сальвадора Дали

Год создания : 1931
Музей : Музей современного искусства, Нью-Йорк

Парадоксально, но самая известная работа гения сюрреализма, была рождена мыслями о сыре Камамбер. В один из вечеров, после дружеского ужина, завершившегося закусками с сыром, художник погрузился в размышления о «растекающейся мякоти», и его воображение нарисовало картину словно плавящихся часов с веткой оливы на переднем плане.

Год создания : 1955
Музей : Национальная галерея искусства, Вашингтон

Традиционный сюжет, получивший сюрреалистическую канву с использованием арифметических принципов, изучавшихся еще Леонардо да Винчи. Во главу угла художник поставил своеобразную магию числа «12», отойдя от герменевтического метода толкования библейского сюжета.

Самые известные картины Пабло Пикассо

Год создания : 1905
Музей : Пушкинский музей, Москва

Картина стала первой ласточкой так называемого «розового» периода в творчестве Пикассо. Грубая фактура и упрощенный стиль сочетается с чуткой игрой линий и цветов, контрастом между массивной фигурой атлета и хрупкой гимнастки. Полотно было продано вместе с 29 другими работами за 2 тысячи франков (суммарно) парижскому коллекционеру Воллару, сменило несколько коллекций, а в 1913 году его приобрел русский меценат Иван Морозов, уже за 13 тысяч франков.

Год создания : 1937
Музей : Музей королевы Софии, Мадрид

Герника – название города страны Басков, подвергнувшегося немецкой бомбардировке в апреле 1937 года. Пикассо никогда не был в Гернике, но был ошеломлен масштабами катастрофы словно «ударом бычьего рога». Художник в абстрактной форме передал ужасы войны и показал настоящее лицо фашизма, завуалировав его причудливыми геометрическими формами.

Самые известные картины эпохи Возрождения

«Сикстинская Мадонна», Рафаэль Санти

Годы создания : 1512–1513
Музей : Галерея старых мастеров, Дрезден

Если пристально всмотреться в задний фон, на первый взгляд состоящий из облаков, можно заметить, что на самом деле Рафаэль изобразил там головы ангелов. Два ангелочка, расположенные в нижней части картины, известны чуть ли не больше, чем сам шедевр, из-за широкой растиражированности в массовом искусстве.

«Рождение Венеры», Сандро Боттичелли

Год создания : 1486
Музей : Галерея Уффици, Флоренция

В основе картины – древнегреческий миф о рождении Афродиты из морской пены. В отличие от многих шедевров эпохи возрождения, полотно дошло до наших дней в отличном состоянии благодаря защитному слою из яичного желтка, которым Боттичелли предусмотрительно покрыл работу.

«Сотворение Адама», Микеланджело Буонаротти

Год создания : 1511
Музей : Сикстинская капелла, Ватикан

Одна из девяти фресок на потолке Сикстинской капеллы, иллюстрирующая главу из Бытия: «И сотворил Бог человека по образу Своему». Именно Микеланджело первым изобразил бога в как умудренного сединами старца, после чего этот образ стал архетипичным. Современные ученые полагают, что контуры фигуры бога и ангелов олицетворяют человеческий мозг.

«Ночной дозор», Рембрандт

Год создания : 1642
Музей : Государственный музей, Амстердам

Полное название картины – «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга». Современное название картина получила в XIX веке, когда была найдена искусствоведами, из-за покрывавшего работу слоя грязи решившими, что действие на картине происходит под покровом ночного мрака.

«Сад земных наслаждений», Иероним Босх

Годы создания : 1500–1510
Музей : Музей Прадо, Мадрид

Пожалуй, самый известный триптих Босха, названный в честь центральной части композиции: изображенные на ней фигуры самозабвенно предаются греху сладострастия. В отличие от полной маленьких, «суматошных» деталей средней части, изображающая подлинный рай левая створка картины передает атмосферу умиротворения и спокойствия, а правая створка, полная дьявольских механизмов, напротив, напоминает об адских муках.

Самые известные картины XX века

«Черный квадрат», Казимир Малевич

Год создания : 1915
Музей : Третьяковская галерея, Москва

Малевич писал «Черный квадрат» несколько месяцев; легенда гласит, что под слоем черной краски скрывается живописное полотно – художник не успевал закончить работу в срок и в приступе гнева замазал изображение. Существует как минимум семь копий «Черного квадрата», выполненных рукой Малевича, а также своеобразное «продолжение» супрематических квадратов – «Красный квадрат» (1915) и «Белый квадрат» (1918).

«Крик», Эдвард Мунк

Год создания : 1893
Музей : Национальная галерея, Осло

Из-за необъяснимого мистического воздействия на зрителя картину похищали в 1994 и 2004 годах. Бытует мнение, что созданная на рубеже XX века картина предвосхитила многочисленные катастрофы грядущего столетия. Глубокий символизм «Крика» вдохновил многих художников, в том числе и Энди Уорхола , режиссеров, музыкантов и даже аниматоров.

«Прогулка», Марк Шагал

Год создания : 1918
Музей : Русский музей, Санкт-Петербург

Если вас тоже мучил вопрос: «Почему люди на картине Марка Шагала парят в воздухе?», вот ответ от самого художника – силой, способной дать человеку возможность летать, является не что иное, как любовь. Считается, что мужчина и женщина на полотне – это Марк Шагал и его супруга.

«№5, 1948», Джексон Поллок

Год создания : 1948
Музей : Частная коллекция, Нью-Йорк

Данное полотно до сих пор вызывает множество споров. Часть искусствоведов полагает, что ажиотаж вокруг картины, нарисованной в фирменной технике разбрызгивания, был создан искусственным образом. Полотно не продавали, пока не были куплены все остальные работы художника, соответственно, цена за беспредметный шедевр взлетела до небес. «Пятый номер» был продан за $140 миллионов, став самой дорогой картиной в истории.

«Диптих Мэрилин», Энди Уорхол

Год создания : 1962
Музей : Галерея Тейт, Лондон

Спустя неделю после гибели Мэрилин Монро скандальный художник начал работу над полотном. На холст были нанесены 50 трафаретных портретов актрисы, стилизованных в жанре «поп-арт» по фотографии 1953 года.
Подпишитесь на наш канал в Яндекс.Дзен

Женщины в картинах знаменитых зарубежных художников (более 100 картин)

Приближается Международный Женский День, и поэтому свою публикацию я хочу посвятить милым и очаровательным женщинам — ведь без них человечество просто не существовало бы. В этой публикации вы сможете увидеть женщин разных эпох, народов, национальности, возрастов, социального и семейного положения, взглядов на мир, реальных и вымышленных, таких, какими их видели запечатлевшие их художники, и какими они притягивали восхищенные взгляды зрителей в свое время и продолжают притягивать много веков спустя.

Рафаэль Санти “Дама под покрывалом (Донна Велата)”

Джон Уильям Уотерхаус “Прекрасная Розамунда”

Джеймс Эббот Макнил Уистлер “Каприз в пурпурном и золотом”

Франческо Айец “Певица Матильда Джува-Бранка”

Клод Моне “Дама в саду”

Гюстав Моро “Единороги”

Фредерик Лейтон “Девушка кормящая павлинов”

Эдгар Дега “Балет”

Альфонс Муха “Зодиак”

Клод Моне “Женщина с зонтиком”

Огюст Ренуар “Большие купальщицы”

Поль Гоген “Таитянские пасторали”

Джованни Больдини “Прогулка в парке”

Франц Винтерхальтер “Княгиня Татьяна Александровна Юсупова”

Огюст Ренуар “Зонтики”

Жан Огюст Доминик Энгр “Портрет графини Луизы д’Оссонвиль”

Гюстав Моро “Галатея”

Александр Кабанель “Рождение Венеры”

Альфонс Муха “Зима”

Альфонс Муха “Осень”

Альфонс Муха “Лето”

Франц Крюгер “Портрет императрицы Александры Федоровны”

Джеймс Тиссо “Девушки, разглядывающие японские безделушки”

Данте Габриэль Россетти “Возлюбленная (Невеста)”

Гюстав Курбе “Женщина с попугаем”

Джеймс Эббот Макнил Уистлер “Симфония в белом”

Гюстав Курбе “Девушки на берегу Сены”

Эдуард Мане “Бар в Фоли-Бержер”

Жан Огюст Доминик Энгр “Портрет мадам Инес Муатесье”

Поль Гоген “Ее звали Вайраумати”

Фредерик Лейтон “Пылающий июнь”

Иоганн Фредерик Овербек “Италия и Германия”

Жан Огюст Доминик Энгр “Жанна д’Арк на коронации карла 7 в реймсском соборе 17 июля 1429 года”

Джон Уильям Уотерхаус “Магический круг”

Жан Огюст Доминик Энгр “Большая одалиска”

Клод Моне “Камилла Моне в японском костюме”

Эдуард Мане “Олимпия”

Джеймс Тиссо “В ожидании парома”

Гюстав Моро “Саломея танцующая перед Иродом”

Энтони Сэндис “Фея Моргана”

Адольф Бугро “Рождение Венеры”

Джон Уильям Уотерхаус “Леди Шалот”

Никола Ланкре “Портрет танцовщицы Камарго”

Питер Рубенс “Вирсавия возле фонтана”

Джорджоне “Спящая Венера”

Антонис ван Дейк “Портрет маркизы Елены Гримальди Каттанео”

Лукас Кранах старший “Венера и Амур”

Себастьяно Риччи “Диана и Каллисто”

Томас Гейнсборо “Портрет достопочтенной миссис Грэм”

Франсиско Гойя “Зонтик”

Никола де Ларжильер “Элизабет Трокмортон”

Ангелика Кауфман “Портрет дамы в образе Венеры”

Ян Вермер “Молочница”

Жан Оноре Фрагонар “Молодая девушка за чтением”

Караваджо “Святая Екатерина Александрийская”

Аньоло Бронзино “Портрет Элеоноры Толедской с сыном Джованни”

Тициан “Венера Урбинская”

Якопо Амигони “Юпитер и Каллисто”

Леонардо да Винчи “Дама с горностаем”

Жан Оноре Фрагонар “Качели”

Франсуа Буше “Туалет Венеры”

Жан-Батист Шарден “Молитва перед обедом”

Франсуа Буше “Юпитер и Каллисто”

Франсуа Буше “Туалет Венеры”

Диего Веласкес “Венера перед зеркалом”

Франсуа Буше “Диана после купания”

Иоганн Баптист Лампи старший “Портрет императрицы Екатерины II с аллегорическими фигурами Крепости и Истины

Тициан “Даная”

Уильям Хогарт “Портрет Мэри Эдвардс”

Корреджо “Юпитер и Ио”

Ян Вермер “Молодая женщина с кувшином”

Ян Госсарт “Даная”

Ян ван Эйк “Портрет Маргариты ван Эйк”

Ян Вермер “Девушка с жемчужной сережкой”

Франсиско Гойя “Маха обнаженная”

Питер Рубенс “Соломенная шляпка (Сусанна Фоурмен)”

Мартен ван Хемскерк “Портрет Анны Кодде”

С. Кендрик «Зимняя роза»

Леонардо да Винчи “Мона Лиза”

Пьеро ди Козимо “Портрет Симонетты Веспуччи”

Аньоло Бронзино “Портрет Лукреции Панчатики”

Рембрандт “Даная”

Франсуа Буше “Отдыхающая девушка”

Сандро Боттичелли “Рождение Венеры”

Ян Сиберехтс “Пастушка”

Симон Вуэ “Аллегория богатства”

Тициан “Венера перед зеркалом”

Петрус Кристус “Портрет девушки”

Рафаэль Санти “Поэзия”

Леонардо да Винчи “Леда с лебедем”

Леонардо да Винчи “Портрет Беатриче д’Эсте”

Клод Моне “Девушки в лодке”

Леонардо да Винчи “Женщина с распущенными волосами”

Рубенс “Портрет Елены Фоурмен”

Рафаэль Санти “Портрет Иоанны Арагонской”

Рафаэль Санти “Портрет молодой женщины с единорогом”

Рафаэль Санти “Портрет Элизабет Гонзаго”

Сандро Боттичелли “Весна”

Сандро Боттичелли “Женский портрет”

Сандро Боттичелли “Портрет Симонетты Веспуччи”

Рубенс “Портрет Марии Серра Паллависи”

Рафаэль Санти “Портрет Маддалены Дони”

Клод Моне “Дамы в саду”

Сандро Боттичелли “Возвращение Юдифи”

Леонардо да Винчи “Портрет Джиневры де Бенчи”

Рафаэль Санти “Донна Гравида”

Рубенс “Туалет Венеры”

Леонардо да Винчи “Портрет Лукреции Кривели”

Леонардо да Винчи “Леда”

Клод Моне “Читатель”

Рубенс “Шубка”

Рафаэль Санти “Портрет дамы”

Леонардо да Винчи “Голова девушки”

Франц Винтерхальтер “Императрица Евгения в окружении фрейлин”

Лучшие портретисты художники.

Картины известных и начинающих современных художников

Быть художником 21 века довольно непросто. С одной стороны, можно опереться на фундамент, сложенный из знаний и опыта мэтров прошлого, совместить противоречивые, на первый взгляд, стили и получить в результате нечто новое и совершенно необычное — то, что может привлечь внимание публики. С другой стороны — современная публика, избалованная обилием выбора, пресыщенная и капризная. А еще есть третья сторона: цифровой мир — нейросети, распознающие образы и рисующие новые картины 21 века; графические редакторы, при помощи которых можно до неузнаваемости изменить любое изображение или создать свое, не будучи при этом дипломированным художником; 3D-принтеры и многое другое, что создает сегодня как саму реальность, так и ее художественное отражение.

Заявить о себе в таком бурном море современной живописи в общем-то довольно просто, сложнее — остаться на плаву и не затеряться среди сотен других имен. Для этого современному художнику нужно не только быть талантливым живописцем, который умеет красиво отобразить красками на холсте окружающую действительность, но и быть тем, кто способен сотворить собственную реальность — интересную другим. В этом разделе художественного портала «Артхив», объединяющего людей искусства, собраны картины как известных, так и начинающих современных художников. Кому-то из них уже удалось найти те краски и формы, из которых на полотнах появляется живущая внутри них реальность, другие пока что только ищут свой путь, и небезуспешно.

Известные художники 21 века

Теория перспективы, появившаяся в XIV веке, внесла кардинальные изменения в искусство живописи. Только представьте: прихожане обычной сельской церквушки, годами лицезревшие плоские фрески, вдруг увидели на обычной стене другой мир — объемный и очень реальный. Примерно такое же чувство восторга, а местами даже суеверного благоговения вызвали в свое время произведения Ганса Рудольфа Гигера , которого сегодня именуют основоположником биомеханической живописи. Среди картин современных художников мрачные и инопланетные полотна Гигера занимают особую нишу произведений искусства: не знать о них считается признаком плохого вкуса и ограниченности. Гигер — это не только монстры из киносаги «Чужой», это еще и причудливые пейзажи странных планет, странные и при этом не лишенные изящества скульптуры, костюмы, макеты и многое другое.

Говарда Беренса от Гигера отличает не только палитра красок, но и тематика его произведений. Его мир — это яркие оттенки, много солнечного света, воздуха, зелени и цветов. Картины современного художника из США обладают умиротворяющим эффектом и улучшают настроение. Примечательно, что свои полотна Говард создает при помощи ножа — именно этот столовый прибор заменяет художнику кисть. За некоторое сходство стиля с манерой одного известного французского импрессиониста Беренса называют «Моне XXI века».

Живопись является сегодня одним из самых развивающих искусств. Окружающий нас мир находится в постоянном развитии, он постоянно меняется, а, следовательно, художники разных времен видят его по-разному. Это способствует тому, что постоянно появляются новые направления в живописи и зарождаются новые школы.

Основные популярные направления в живописи 21 века

Пожалуй, самыми популярными направлениями живописи 21 столетия можно считать:

• Стрит-арт;
• Фэнтези;
• Фотореализм.

Стрит–арт можно условно отнести одному из направлений граффити. Данный вид современной живописи позволяет художнику полностью реализовать себя. Картины создаются на различных уличных объектах и разбавляют серость окружающего нас мира. Основная задача художника, работающего в стиле стрит-арт создать картину, которая будет привлекать взгляды людей, и поднимать им настроение. В последнее время растет популярность уличных инсталляций, с помощью которых художники создают на улицах городов оригинальные иллюзии.

Фэнтези – это новое направление в изобразительном искусстве. Оно развивалось параллельно с созданием литературных произведений в стиле фэнтези и основано на изображении мифических и сказочных существ. Данное направление окончательно сформировалось только в начале 21 века. Фэнтези отличается от фантастического реализма тем, что на картинах сказочные существа выглядят вполне реально, а воображаемый мир максимально приближен к окружающему. Самыми известными художниками, работающими в данном направлении, считаются:

• Борис Вальехо;
• Фрэнк Фразетта;
• Джулия Белл;

Фотореализм – это направление живописи, возникшее во второй половине прошлого века. Сегодня оно чрезвычайно популярно и в этой области предпочитают работать многие современные мастера. Это художественное течение базируется на фотографическом отображении окружающего нас мира. Цель художников, работающих в данном направлении, является показать действительность и отобразить современные реалии. Очень часто для создания картин основой являются фотографии. Как правило, работы создаются на больших полотнах, поэтому данное направление живописи называют еще гипперреализмом или суперреализмом.

Искусство постоянно развивается, как и весь мир вокруг нас. Современные художники 21 века и их картины совсем не похожи на те, что существовали в Средние века, Эпоху Возрождения. Появляются новые имена, материалы, жанры, способы выражения талантов. В этом рейтинге познакомимся с десятью художниками-новаторами нашего времени.

Педро Кампос

10. Педро Кампос. На десятом месте испанец, чья кисть легко может посоперничать с фотоаппаратом, настолько реалистичные полотна он пишет. По большей части, он создает натюрморты, но в удивительное восхищение приводят не столько темы его картин, сколько мастерское воплощение. Текстуры, блики, глубина, перспектива, объем, — все это Педро Кампос подчинил своей кисти, чтобы с холста на зрителя смотрела реальность, а не выдумка. Без прикрас, без романтизма, только реальность, именно в этом заключается смысл жанра фотореализм. Свои внимание к деталям и скрупулезность художник, кстати, приобрел на работе реставратора.

Ричард Эстес

9. Ричард Эстес. Еще один поклонник жанра фотореализма – Ричард Эстес – начинал с обычной живописи, но впоследствии ушел в рисование городских пейзажей. Сегодняшним художникам и их творениям не нужно ни под кого подстраиваться, и это прекрасно, каждый может самовыражаться так, как хочет в том, в чем хочет. Как в случае с Педро Кампосом, работы этого мастера легко можно спутать с фотографиями, настолько похож город с них на реальный. На картинах Эстеса редко встретишь людей, зато почти всегда найдутся отражения, блики, параллельные линии и совершенная, идеальная композиция. Таким образом, он не просто срисовывает городской пейзаж, но находит в нем совершенство и старается его показать.

Кевин Слоан

8. Кевин Слоан. Современных художников 21 века и их картин невероятно много, но далеко не каждый из них стоит внимания. Американец Кевин Слоан – стоит, ведь его работы словно перемещают зрителя в другое измерение, мир, полный иносказаний, скрытых смыслов, метафорических загадок. Художник любит писать животных, так как, по его мнению, получает таким образом больше свободы, чем с людьми, для донесения истории. Свою «реальность с подвохом» Слоан вот уже почти 40 лет создает маслом. Очень часто на полотнах возникают часы: на них смотрят то слон, то осьминог, этот образ можно трактовать как уходящее время или как ограниченность жизни. Каждая картина Слоана поражает воображение, хочется разгадать, что хотел донести ей автор.

Лоран Парселье

7. Лоран Парселье. Этот живописец относится к тем современным художникам 21 века, картины которых получили признание рано, еще во время обучения. Талант Лорана проявился в изданных альбомах под общим названием «Странный мир». Пишет он маслом, его манера легка, тяготеет к реализму. Характерной особенностью работ художника является обилие света, который будто льется с полотен. Как правило, изображает он пейзажи, какие-то узнаваемые места. Все работы необычайно легки и воздушны, наполнены солнцем, свежестью, дыханием.

Джереми Манн

6. Джереми Манн. Уроженец Сан-Франциско любил свой город, чаще всего изображал на картинах именно его. Современным художникам 21 века можно черпать вдохновение для их картин где угодно: в дожде, влажном тротуаре, неоновых вывесках, городских фонарях. Джереми Манн наполняет простые пейзажи настроением, историей, экспериментирует с техниками и выбором цветов. Основной материал Манна – масло.

Ганс Рудольф Гигер

5. Ганс Рудольф Гигер. На пятом месте неповторимый, уникальный Ганс Гигер, создатель Чужого из одноименного фильма. Нынешние художники и их произведения разнообразны, но каждый по-своему гениален. Этот мрачный швейцарец не пишет природу и зверюшек, ему больше по душе «биомеханическая» живопись, в которой он преуспел. Некоторые сравнивают художника с Босхом по мрачности, фантастичности его полотен. Хоть от картин Гигера и веет чем-то потусторонним, опасным, в технике, мастерстве ему не откажешь: он внимателен к деталям, грамотно подбирает оттенки, продумывает все до мелочей.

Уилл Барнет

4. Уилл Барнет. Этот художник имеет свой неповторимый авторский стиль, потому его работы охотно принимаются великими музеями мира: Метрополитен-музеем, Национальной галереей искусств, Британским музеем, Эшмоловским музеем, музеем Ватикана. Современные художники 21 века и их произведения, чтобы быть признанными, должны чем-то выделяться на фоне остальной массы. И Уилл Барнетт это умеет. Его произведения графичны и контрастны, он часто изображает кошек, птиц, женщин. На первый взгляд, картины Барнета просты, но при дальнейшем рассмотрении понимаешь, что в этой простоте как раз заключается их гениальность.

Нил Саймон

3. Нил Саймон. Это один из современных художников 21 века, произведения которого не так просты, как кажутся на первый взгляд. Между сюжетами и произведениями Нила Саймона будто смыты границы, они перетекают из одного в другое, влекут за собой зрителя, затягивают в иллюзорный мир художника. Для творений Саймона характерны яркие, насыщенные цвета, что придает им энергию и силу, вызывает эмоциональный отклик. Мастер любит играть с перспективой, размерами предметов, с необычными сочетаниями и неожиданными формами. В работах художника много геометрии, которая сочетается с природными пейзажами, как бы врывается внутрь, но не разрушая, а гармонично дополняя.

2. Игорь Морски. Сегодняшнего художника 21 века и его картины часто сравнивают с великим гением Сальвадором Дали. Работы польского мастера непредсказуемы, загадочны, волнующи, вызывают яркий эмоциональный отклик, местами безумны. Как и любой другой сюрреалист, он не стремится показать реальность такой, какая она есть, а показывает грани, которые в жизни мы никогда не увидим. Чаще всего, главный герой работ Морски – человек со всеми его страхами, страстями, недостатками. Также метафоры работ этого сюрреалиста часто касаются власти. Безусловно, это не тот художник, чье произведение повесишь над кроватью, но тот, на чью выставку обязательно стоит сходить.

Яёи Кусама

1. Яёи Кусама . Итак, на первом месте нашего рейтинга японская художница, добившаяся невероятного успеха во всем мире, несмотря на то, что у нее есть некоторые психические заболевания. Главная «фишка» художницы – горошек. Она покрывает кружками различных форм и размеров все, что видит, называя все это сетями бесконечности. Интерактивные выставки и инсталляции Кусамы пользуются успехом, ведь каждому порой хочется (даже если он в этом не признается) оказаться внутри психоделического мира галлюцинаций, детской непосредственности, фантазий и разноцветных кружочков. Среди современных художников 21 века и их картин Яёи Кусама – самая продаваемая.

Фактрум публикует для вас подборку лучших акварелей, созданные современными художниками.

1. Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Любимые темы художника — женщины, которые отражают насыщенность и невинность. Дети, играющиеся на пруду с водой.

2. Дождливая акварель Лин Чинг Че

Удивительная красота дождливой летней ночи. Уличная сцена городской жизни в дождливую погоду.

3. Акварели Аруша Воцмуша

Сюжет картины наполнен тонкой иронией и игрой. Картина соткана из детских снов.

4. Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Город утопающий в лучах восходящего солнца. Осеннее блаженство.

5. Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Подготовка к парусному фестивалю. Утреннее катание на гондолах в Венеции.

6. Современные тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Одинокий путник, прогуливающийся солнечным днём по осенней Бирме. Свободное времяпрепровождение юных буддистских монахов.

7. Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Удивительное спокойствие и красота лесной дороги после дождя. Прогулка на лошадях осенним днём.

8. Магия балета от Лю Йи

Картина с разным колористическим решением.

Утончённые образы балерин.

9. Солнечная живопись Абе Тошиюки

Солнечная, светлая и позитивная картина, дарящая окружающим тепло и радость. Ослепительная живопись, залитая теплом и ярким светом.

10. Деревенское утро Кристиана Гранью

Картина, где много солнца, воздуха и позитивного настроения. Деревенское домашнее тепло и ют.

11. Акварельные города Майи Вронской

Красота зданий Санкт-Петербурга Строгий Краков от молодой польской художницы.

100 лучших художников — детям

Политика публикации отзывов

Приветствуем вас в сообществе читающих людей! Мы всегда рады вашим отзывам на наши книги, и предлагаем поделиться своими впечатлениями прямо на сайте издательства АСТ. На нашем сайте действует система премодерации отзывов: вы пишете отзыв, наша команда его читает, после чего он появляется на сайте. Чтобы отзыв был опубликован, он должен соответствовать нескольким простым правилам:

1. Мы хотим увидеть ваш уникальный опыт

На странице книги мы опубликуем уникальные отзывы, которые написали лично вы о конкретной прочитанной вами книге. Общие впечатления о работе издательства, авторах, книгах, сериях, а также замечания по технической стороне работы сайта вы можете оставить в наших социальных сетях или обратиться к нам по почте [email protected].

2. Мы за вежливость

Если книга вам не понравилась, аргументируйте, почему. Мы не публикуем отзывы, содержащие нецензурные, грубые, чисто эмоциональные выражения в адрес книги, автора, издательства или других пользователей сайта.

3. Ваш отзыв должно быть удобно читать

Пишите тексты кириллицей, без лишних пробелов или непонятных символов, необоснованного чередования строчных и прописных букв, старайтесь избегать орфографических и прочих ошибок.

4. Отзыв не должен содержать сторонние ссылки

Мы не принимаем к публикации отзывы, содержащие ссылки на любые сторонние ресурсы.

5. Для замечаний по качеству изданий есть кнопка «Жалобная книга»

Если вы купили книгу, в которой перепутаны местами страницы, страниц не хватает, встречаются ошибки и/или опечатки, пожалуйста, сообщите нам об этом на странице этой книги через форму «Дайте жалобную книгу».

Недовольны качеством издания?
Дайте жалобную книгу

Если вы столкнулись с отсутствием или нарушением порядка страниц, дефектом обложки или внутренней части книги, а также другими примерами типографского брака, вы можете вернуть книгу в магазин, где она была приобретена. У интернет-магазинов также есть опция возврата бракованного товара, подробную информацию уточняйте в соответствующих магазинах.

6. Отзыв – место для ваших впечатлений

Если у вас есть вопросы о том, когда выйдет продолжение интересующей вас книги, почему автор решил не заканчивать цикл, будут ли еще книги в этом оформлении, и другие похожие – задавайте их нам в социальных сетях или по почте [email protected].

7. Мы не отвечаем за работу розничных и интернет-магазинов.

В карточке книги вы можете узнать, в каком интернет-магазине книга в наличии, сколько она стоит и перейти к покупке. Информацию о том, где еще можно купить наши книги, вы найдете в разделе «Где купить». Если у вас есть вопросы, замечания и пожелания по работе и ценовой политике магазинов, где вы приобрели или хотите приобрести книгу, пожалуйста, направляйте их в соответствующий магазин.

8. Мы уважаем законы РФ

Запрещается публиковать любые материалы, которые нарушают или призывают к нарушению законодательства Российской Федерации.

12 лидеров, формирующих новое поколение художников

Когда мы потребляем искусство — окунаемся в фильм, блуждаем по музею, разбираем строки стихотворения — мы склонны направлять нашу похвалу или критику художнику, создавшему произведение. Но за каждым художником почти всегда стоит человек, а иногда и не один, который поверил в их видение и дал им возможность поделиться своим творчеством с миром.

Это может быть галерист, который рискнул заполучить художника, чьи работы, как они знали, перевернут нормы мира искусства и окажутся трудными для покупателей.Это может быть издатель, который выпускает в мир книги, способные переосмыслить наше представление о нашей общей истории, или редактор, который вдохнет новую жизнь в произведение немецкого драматурга, впервые переведя его на английский язык. читатели. Это может быть руководитель, который считает телесериал бесспорно захватывающим.

Искусство, которое достигает наших глаз и ушей, не попадает туда случайно. Здесь TIME освещает работу 12 поборников культуры, которые создают платформы — будь то музейные стены, страницы журналов или буквальные сцены — для художников, которые открывают наш разум и меняют наш мир сегодня.

 

Джек Шейнман

Основатель и владелец галереи Джека Шейнмана

Еще будучи ребенком в Уильямстауне, штат Массачусетс, Джек Шейнман оттачивал свой взгляд на великое искусство.Сын профессора музыки, он был завсегдатаем близлежащих музеев, таких как Художественный институт Кларка, и набил руку на коллекционировании, покупая работы у местных студентов-искусствоведов. Теперь, спустя 30 лет своей карьеры галериста, Шейнман отвечает за помощь в развитии некоторых из самых значительных имен в современном искусстве, от художника Керри Джеймса Маршалла до фотографа и мультимедийного художника Кэрри Мэй Уимс и ганского скульптора Эль Анацуи. На протяжении десятилетий одно оставалось неизменным: его страсть находить аудиторию для невидимых провидцев.

Чтобы быть хорошим галеристом, говорит Шейнман, вы должны быть полностью преданы художникам, которых представляете. «Когда ты что-то выставляешь в галерее, ты должен быть готов защищать это — не все приходят и все время все любят». Это, безусловно, имело место, когда он открыл свою первую нью-йоркскую галерею со своим покойным партнером Клодом Симаром в 1986 году. Шейнман стремился представлять создателей, чьи работы он действительно считал достойными, а не удовлетворять вкусы индустрии.Но это не был рецепт быстрого успеха. Некоторые из художников, которых представлял Шейнман, были цветными, и из-за глубинных течений расизма в мире искусства — проблема, которая сегодня далека от решения — он изо всех сил пытался включить свой список художников в крупные художественные ярмарки и часто встречался с сопротивляющимися. клиенты. После первой выставки Маршалла с Шейнманом в 1993 году, завершившейся несколькими непроданными картинами, Шейнман вспоминает, как художник сказал ему: «Я просто не думаю, что люди готовы иметь изображения чернокожих в своих гостиных.

Картина Керри Джеймса Маршалла 2015 года «Без названия» (полицейский)

Галерея Джека Шейнмана

С тех пор многое изменилось — в прошлом году картина Маршалла была продана за 21 доллар.1 миллион магнату Шону Комбсу, но для Шейнмана, у которого теперь есть две галереи в Нью-Йорке и 30 000 квадратных футов. выставочное пространство на севере штата, его мотивация остается прежней. Хотя он горд тем, что его галерея известна своим разнообразным списком художников, он говорит, что это просто побочный продукт его подхода. «Это произошло органично, — говорит он, — просто потому, что я был открыт для нового и из любви к работе».

Крис Джексон

Издатель и главный редактор One World, издательство Penguin Random House

Крис Джексон издает книги.Но то, что волнует его больше всего, нельзя найти на их страницах. Больше всего на свете издатель и главный редактор издательства One World тронут, увидев, как его книги объединяют людей.

Возьмем книгу адвоката по гражданским правам Брайана Стивенсона 2014 года « Just Mercy, », которую редактировал Джексон. В прошлом году, во время открытия национального мемориала жертвам линчевания, построенного инициативой Стивенсона «Инициатива равного правосудия», Джексон увидел посетителей, которые несли Just Mercy в качестве своего рода руководящего текста.«Книга была платформой, которую Брайан использовал для расширения своей работы таким образом, чтобы трансформировать нашу общую память в этой стране», — говорит Джексон.

Джексон занимался подобными историями в течение многих лет, в течение своего десятилетия в качестве исполнительного редактора Spiegel & Grau, а теперь в качестве главы One World, который он возглавил в 2017 году. One World был основан для освещения афроамериканских историй в 1990-х годах. когда издательский мир пытался разнообразить свои ряды. Но импринт был разрозненным и изо всех сил пытался поддерживать интерес более широкой индустрии, говорит Джексон.С момента своего прихода к власти он стремился институционализировать поток новых голосов, которые переворачивают с ног на голову традиционные нарративы.

Но его цель не в том, чтобы приобрести какую-либо книгу писателя из маргинальной среды только ради разнообразия. «Идея о том, что импринт стремится к разнообразию, довольно абсурдна», — говорит Джексон. «Мы хотим отражать мир, в котором живем». Отпечаток позволяет писателям рассказывать подрывные истории аутентично, без того, что он называет «белой фильтрацией» или излагать истории так, чтобы белые читатели чувствовали себя комфортно или были знакомы.

Джексон вырос, видя нищету и насилие в Гарлеме, но также и свидетель привилегий в средней школе Хантер-колледжа, а затем в Колумбийском университете — события, которые заставляли его искать свое место и часто находили ответы в книгах. «История выживания, а также история попыток найти лучший путь — это бремя каждого, кто вырос черным в Америке», — говорит Джексон. «Вы много думаете о том, как нам выжить? Как научиться лучше заботиться друг о друге? Как мы представляем себе лучшее будущее? И я думаю, что это то, что я могу привнести в любой проект.

Хотя работа редактора состоит в том, чтобы зацикливаться на красоте и точности языка — и, по словам Джексона, он тоже этим занимается, — он хочет от своих книг большего, чем их эстетическая ценность. И это окупается: книга Та-Нехизи Коутс «Между миром и мной » получила Национальную книжную премию; « Fresh Off the Boat » Эдди Хуанга теперь является комедийным сериалом ABC; «Просто помилуй » станет художественным фильмом в 2020 году. «В этот момент, когда многие люди испытывают отчаяние, — говорит он, — я могу участвовать в воображении того, что может быть.

Лиза Нисимура

Вице-президент по программированию оригинальных документальных фильмов и комедий в Netflix

В те времена, когда Netflix был службой рассылки DVD-дисков — до того, как потоковое вещание изменило все, — Лиза Нисимура отвечала за покупку фильмов со всего мира для компании .Она знала, что найденные ею истории, от болливудских романов до малоизвестных названий аниме, возможно, никогда не дошли бы до американской аудитории, если бы она не принесла их. Спустя более десяти лет роль Нисимуры расширилась. Сегодня она выводит на экран различные формы документального повествования и специальные комедийные передачи, и она проявляет то же рвение, с которым когда-то охотилась за редчайшими драгоценными камнями, — только теперь, адаптированное к эпохе запоев.

Если вы просмотрели весь шумный сериал Netflix, есть большая вероятность, что за этим стоит Нисимура: криминальная сенсация «Создание убийцы » и причудливая культовая сага «Дикая дикая страна ». малоизвестные кинематографисты.Она утверждала, что люди будут поглощать научно-популярную литературу так же, как и такие драмы, как « Оранжевый — хит сезона», и «Карточный домик». И она была права. Создание убийцы , который стал частью волны реальных преступлений, охватившей Америку в 2015 году, привлек так много зрителей, что возродил общественный интерес к опровержению убеждений его субъектов.

Сцена из фильма «Дикая дикая страна»

Нетфликс

Нисимура также помогла Дэйву Чаппелю вернуться на экраны в 2017 году после 13-летнего перерыва и подарила комикам Ханне Гэдсби и Али Вонг самые большие успехи.«Меня привлекают режиссеры и комики, у которых невероятно четкая и личная точка зрения — она просто переливается через край», — говорит она. Документальные фильмы и комедии, при всех их различиях, позволяют зрителям «погрузиться в опыт другого человека, почти из первых рук». По ее словам, когда к их работе относятся бережно, зрители всех мастей чувствуют себя лучше понятыми.

И теперь, когда Netflix растет с головокружительной скоростью, Нисимура размышляет о том, как все, что она привнесет на платформу, попадет на ее растущую глобальную аудиторию.«Я программирую для всего мира, — говорит она.

Рея Комбс

Куратор кино- и фотосъемки в Национальном музее истории и культуры афроамериканцев

Среди множества экспонатов, собранных в Смитсоновском национальном музее афроамериканской истории и культуры, есть недавно обнаруженная фотография Гарриет Табман.На фотографии, на которой Табман сидит на абсолютно белом фоне, изображена знаменитая аболиционистка в возрасте около 40 лет после гражданской войны. Необычный взгляд на Табман в молодости, фотография предлагает новый взгляд на редко фотографируемого борца за свободу. Это также именно тот тип объекта, который ищет Рея Комбс, когда собирает выставки.

«На большинстве изображений Харриет Табман ей 80-90 лет. Она хилая на вид, — говорит Комбс. Обнаружение фотографии молодой Табмен сделало ее полную человечность более ясной.Глядя на этот новый артефакт, она говорит: «Я понимаю, как эта женщина может заставить людей двигаться и бороться за свою свободу».

Как куратор музея, билеты в который постоянно распродаются, Комбс ищет повседневные предметы, которые могут расширить общее представление посетителей музея об истории. После многих лет в академических кругах, изучая кино, визуальную культуру, расу и пол, она была вынуждена донести свои исследования из башни из слоновой кости до публики. Изображения и фильмы, из которых состоит исследование Комбс, помогают ей идентифицировать визуальные линии в истории, как, например, выставка фотографии в хип-хопе, на которой она объединила изображения современных художников, таких как Куин Латифа, которые отражали художников прошлого. как артистка Гарлемского Возрождения Глэдис Бентли.

Комбс стремится показать историю в континууме. В 2018 году она организовала первый музейный кинофестиваль, на котором показала ряд культовых афроамериканских фильмов, посвященных, среди прочего, темам власти и места. В частности, она ищет работу у режиссеров, чьи работы долгое время игнорировались, или у современных независимых художников, чьи фильмы не распространялись в кинотеатрах.

Активистка Фанни Лу Хамер и ее муж Перри «Пап» Хамер

Коллекция Смитсоновского национального музея афроамериканской истории и культуры/Поместье Луи Х.Дрейпер

Еще одна фотография Комбса, отмеченная наградами, изображает правозащитницу Фанни Лу Хамер, которая помогала организовать Лето свободы в Миссисипи, улыбаясь вместе со своим мужем. Большинство людей, знающих Хамер, представляют ее за работой. Но между ними есть ценность, говорит Комбс. «Именно в эти повседневные моменты мы лучше понимаем, кем были эти люди, и как мы можем стать агентами в создании истории.

Никеш Шукла

Писатель, редактор журнала «Хороший иммигрант»

Когда Никеш Шукла присматривался к своему первому роману, белый агент сказал британско-индийскому писателю, что его персонажи «недостаточно подлинно азиатские.Другой отказался, потому что у них были планы поработать с другим индийским писателем. «Я подумал: «Мы можем писать о разных вещах», — вспоминает он. Его роман « Coconut Unlimited » был в конце концов опубликован, но он знал, что не одинок в этой борьбе. Он часто думал о своем дяде, первом человеке в Великобритании, который передал в суд дело о расовой дискриминации после того, как ему отказали при попытке купить дом. «Он отстаивал то, что было правильным, — говорит Шукла. «Я хотел заступиться за людей, которые, как мне казалось, не имели права голоса.

Теперь он хочет, чтобы цветные люди написали истории, которые они всегда хотели рассказать. В сборнике «Хороший иммигрант», он собрал 15 эссе писателей из числа меньшинств, в которых исследуются последствия пребывания в стране, которую вы называете домом. Но, по его словам, «не все цветные писатели хотят писать о расах. Они хотят писать научно-фантастические или творческие нон-фикшн о пчеловодстве». Поэтому Шукла запустил The Good Journal, журнал, который приглашает писателей из числа меньшинств делиться историями, не касающимися расы или иммиграции.Журнал включает личные очерки авторов детективов и произведения начинающих поэтов.

Двигаясь вперед, Шукла стремится привлечь больше участников, чей опыт отражает другие идентичности, пересекающиеся с расой, такие как класс, инвалидность и сексуальная ориентация. Американская версия книги «Хороший иммигрант », включающая эссе 26 иммигрантов из США в первом и втором поколении, выйдет 19 февраля.

Шукла тоже хочет сосредоточиться на темах, которые его интересуют.Его последняя книга «Бег , бунт » посвящена важным темам, сосредоточенным на джентрификации и жестокости полиции. Его следующие темы — любовь и радость — могут показаться не радикальными. Но для него они есть. «Революционный и радостный поступок — писать о влюбленных смуглых людях», — говорит он. — Мы никогда этого не увидим.

Джейсон Моран и Q-Tip

Художественный руководитель джаза и художественный руководитель хип-хопа в Центре Кеннеди

Через четыре года после того, как Джейсон Моран стал художественным руководителем джаза в Центре Джона Ф.Кеннеди, он построил на его ступенях скейт-парк, объединил стендап-комедии с абстрактными джазовыми выступлениями и способствовал живому рисованию на концертах. Короче говоря, он показал одному из самых известных культурных учреждений страны, как может выглядеть живая, дышащая форма американского искусства в режиме реального времени.

«Часть моей роли как куратора заключается в том, чтобы убедиться, что чувства достаточно разнообразны, что мы не просто представляем что-то одно», — говорит пианист и композитор, получивший в 2010 году стипендию MacArthur Fellowship для «гениев».«Речь идет об информировании учреждения о серьезных пробелах, о вещах, которые, честно говоря, они игнорировали в прошлом».

Стремление Морана к распознаванию различных голосов в джазе идет параллельно с усилиями Q-Tip, философского ведущего и продюсера A Tribe Called Quest, который в 2016 году был назначен первым художественным руководителем хип-хоп-культуры центра.

Джейсон Моран и Bandwagon играют вместе со скейтбордистом Чаком Трисом

Джати Линдси

Рэпер, поборник социально сознательного хип-хопа, считает себя не только куратором, но и историком.«Мы рассматриваем ландшафт не только хип-хоп культуры, но и того, что происходит в обществе и на национальном уровне», — говорит он. Его новшества на данный момент включают создание Совета по культуре хип-хопа, который помогает создавать проекты, посвященные прошлому, настоящему и будущему этого вида искусства. Совет опирается на мнение известных представителей индустрии, таких как Questlove, барабанщика и лидера группы The Roots, а также отца-основателя хип-хопа Fab 5 Freddy.

Но больше всего он взволнован предстоящей наградой, которая будет вручена исполнителям хип-хопа, подобно престижной ежегодной премии Марка Твена за американский юмор.Эта честь кажется особенно острой, учитывая, что долгое время этот жанр не считался возвышенной формой искусства — восприятие, которое сейчас меняется, отчасти благодаря усилиям Q-Tip. «Все дело в последовательности и преданности культуре», — говорит он. «Благодаря этим вещам есть правда в том, что вы делаете».

Damian Woetzel

Президент Джульярдской школы

Damian Woetzel переполнен идеями о том, как ученики Джульярдской школы могут взаимодействовать с окружающим миром.Бывший солист New York City Ballet, проработавший в труппе 23 года до выхода на пенсию в 2008 г., с тех пор, как в июле 2018 г. возглавил престижную школу, стал отличительной чертой своего лидерства – информационно-пропагандистская деятельность и сотрудничество.

«Есть более высокий уровень мастерства, приходит, когда вы инвестируете в творческий и динамичный дух сотрудничества», — говорит Вотцель TIME. «Вот как мы получаем наши идеи. Они не могут жить в вакууме».

На протяжении более 100 лет Джульярд обучает артистов-исполнителей, ведущих свою деятельность по всему миру.Среди выпускников такие, как Джессика Честейн и Виола Дэвис, Ицхак Перлман и Рене Флеминг, и это лишь некоторые из них. Это не та обязанность, к которой Ветцель относится легкомысленно. Высокие амбиции его студентов — одна из причин, почему он так глубоко верит в сотрудничество: чтобы быть лучшими, художникам нужен широкий спектр знаний, говорит он.

Один из способов достижения цели сотрудничества — это программа Creative Associates, в рамках которой в Джульярд приглашаются признанные художники, работающие в самых разных областях, для преподавания и работы со студентами в течение всего года.В этом году в состав группы вошли Late Show со Стивеном Колбертом, руководитель оркестра Джон Батист, танцор хип-хопа Лил Бак, чечеточник и хореограф Мишель Дорранс, клоун Билл Ирвин и композитор Кэролайн Шоу, самый молодой лауреат Пулитцеровской премии в истории. Музыка.

Джульярд имеет давнюю традицию рассматривать художника как гражданина. Идея, по словам Ветцеля, состоит в том, чтобы создавать художников, которые используют свое искусство, чтобы влиять на свои сообщества. Инструментом для достижения этой цели является уверенность в том, что художники, которых Джульярд отправляет обратно в свои сообщества, сами происходят из самых разных сообществ.Этим летом Джульярд проведет программу для недостаточно представленных струнных исполнителей совместно с Sphinx Organization, некоммерческой организацией из Детройта. Пытаясь улучшить мир с помощью искусства, Ветцель хочет, чтобы его ученики помнили: «Художественные способности намного важнее возможностей, и это то, над чем нам всем нужно работать».

Erin Christovale

Помощник куратора в Музее Хаммера

Менее десяти лет своей карьеры Эрин Christovale регулярно входит в списки «молодых кураторов, за которыми стоит следить».Она получила признание в мире искусства за свою ежегодную кинопрограмму и выставку 2016 года в Муниципальной художественной галерее Лос-Анджелеса, посвященную гражданству и демократии, среди прочего. Но, несмотря на всю шумиху, Christovale сосредоточен на главной миссии: привлечь людей, которые никогда раньше не были в музее. И пока они появляются.

Кристовал ведет свою кураторскую деятельность со времени, когда она была студенткой факультета кино в Университете Южной Калифорнии. Она помнит один конкретный разговор о том, как фильм 1915 года «Рождение нации » способствовал возрождению Ку-клукс-клана.«Кино — это наиболее распространенная форма визуальных медиа, и оно способно изменить мышление общества и стать политическим инструментом», — говорит она. Поэтому после выпуска она начала организовывать кинопрограммы и выставки, освещая работы начинающих квир-художников и цветных художников, прежде чем ее назначили помощником куратора в Музее Хаммера Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе.

Она стала соучредителем Black Radical Imagination в 2013 году вместе со своим соавтором Амиром Джорджем.В программе традиционное кино наряду с авангардным видеоартом чернокожих художников. С самого начала для Кристовале и Джорджа было важно, чтобы более экспериментальная работа не пугала их аудиторию. «У нас всегда есть ответ, и мы пытаемся вовлечь в разговор создателей фильма, потому что понимаем, что аудитория, которую мы привлекаем, может быть не привыкла к просмотру экспериментальной работы».

Э. Дж. Хилл в своей инсталляции Excellentia, Mollitia, Victoria

Брайан Форрест

В Музее Хаммера приоритет Кристовале в отношении доступности искусства остался неизменным.«Цель моих выставок — стать площадками для разговоров, где люди думают об этих арт-объектах как о проводниках перемен», — говорит она. «Общественный музей должен быть общественным пространством».

Прошлым летом Кристовейл был одним из кураторов выставки Hammer «Сделано в Лос-Анджелесе». выставка, в которой приняли участие более 30 разноплановых художников города. Одна работа Э. Дж. Хилла оказала особое влияние. В рамках своей инсталляции Хилл каждый день без перерыва стоял на подиуме. Как квир-черный мужчина, его присутствие было физической демонстрацией стойкости.В то время как перформанс часто может оттолкнуть, произведение Хилла нашло отклик. «Люди бы расплакались. Люди приносили ему фрукты и цветы и пели ему», — вспоминает Кристовале. «Это так просто. Когда вы предлагаете пространство, в котором люди могут увидеть свое отражение в работе, тогда они придут».

Bird Runningwater

Директор Программы туземцев в Sundance

Дорога от резервации апачей Мескалеро в сельской местности Нью-Мексико до ближайшего кинотеатра занимает около 30 минут.В 1970-х Бёрд Рангуотер и его отец наслаждались поездками туда, чтобы посмотреть популярные фильмы, такие как « Рокки».

Но вскоре он понял, что его наследие не представлено на экране, и перестал ходить в кино. «Я займусь другими делами, потому что знаю, что не увижу таких людей, как я, на экране», — вспоминает Рангуотер мысли в детстве. Спустя десятилетия этот разочарованный ребенок вырос и стал частью решения. В качестве директора программы Native в Институте Сандэнс он поддерживает и предлагает кинематографистам из числа коренных народов представить свои работы на кинофестивале Sundance Film Festival и за его пределами.

Под руководством Runningwater Native Program работает с местными кинематографистами по всему миру через лаборатории и форумы. Среди предыдущих участников — номинированный на «Оскар» режиссер Тайка Вайтити, коренной житель Новой Зеландии, который в 2017 году стал режиссером фильма Marvel « Тор: Рагнарёк ». был самым кассовым фильмом в истории Новой Зеландии, пока другой фильм Вайтити, Охота на диких людей , не обогнал его шесть лет спустя.Другой выпускник программы, Стерлин Харджо, поставил в 2007 году фильм «Четыре листа» для Wind , который был номинирован на приз большого жюри на фестивале «Сандэнс».

Детские жалобы Бегущей воды все еще актуальны. «Коренные американцы невидимы в американской культуре, — говорит он. Согласно отчету Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе о разнообразии в Голливуде, коренные американцы сыграли лишь 0,5% ролей в 200 лучших театральных постановках 2016 года. «Поскольку у нас есть проблема видимости, мы должны установить повествование.Для него это означает владеть процессом повествования, а не видеть истории, рассказанные со стороны. Дело не в том, что истории коренных американцев никогда не снимались в кино. Но многие из этих фильмов либо содержат стереотипы о коренных народах, либо рассказываются с точки зрения белых режиссеров или персонажей, если не того и другого.

Изменения в Голливуде идут медленно. Но Рангуотер надеется, что когда следующее поколение из его резервации отправится в театр, они увидят на экране кого-то, с кем себя отождествляют.

Руджеко Хокли

Помощник куратора в Музее Уитни

Весной 2017 года биеннале в Музее американского искусства Уитни стала местом споров, когда картина белой художницы Даны Шутц, изображающая изуродованного Тело Эммета Тилла вызвало протесты против институционального расизма в мире искусства.Всего через два месяца после окончания биеннале Руджеко Хокли, только что получившая работу в легендарном музее американского искусства, стала со-куратором своей первой выставки «Неполная история протеста». Вместо того чтобы уклоняться от все еще тлеющих противоречий, Хокли и ее коллеги сделали смелый выбор: включили собственную историю Уитни в качестве места протеста в экспозицию вместе с документами и письмами из музейных архивов.

По словам Хокли, мы не можем полностью погрузиться в искусство, не понимая обстоятельств, при которых оно было создано.«Я не хочу говорить о росте минимализма в 1960-х, не говоря также о подготовке к войне во Вьетнаме и движении за гражданские права», — говорит она. На протяжении всей своей карьеры Хокли собирала политически значимые экспонаты. Ее выставка 2017 года в Бруклинском музее «Мы хотели революции: черные радикальные женщины 1965–85» продемонстрировала искусство, созданное чернокожими женщинами во время подъема феминистского движения второй волны. Ее цель — показать людям, что искусство, история и история, история — это одно и то же.Она призывает посетителей музеев учитывать не только произведения искусства, но и опыт художников. «Художники не живут в вакууме и не творят в вакууме», — говорит она. «Поэтому не имеет смысла иметь историю искусства, которая не учитывает события, изменившие мир».

Сцена с выставки Уитни 2017 года «Неполная история протеста»

Рон Амстутц

Затем Хокли станет одним из кураторов биеннале Уитни 2019 года.Протесты 2017 года могут заставить кого-то на ее месте понервничать. Но она видит в них подтверждение ценности музеев. «Люди действительно заботятся о музеях и обращаются к искусству за советом», — говорит она. И хотя кураторы должны нести ответственность за то, что они представляют миру, Хокли говорит: «Это не значит, что мы должны бояться оружия. Только более вдумчивый».

Кевин Янг

Директор Шомбургского центра и поэтический редактор журнала New Yorker

В 1925 году были основаны два нью-йоркских учреждения: New Yorker и Шомбургский центр исследований черной культуры.Почти столетие спустя поэт Кевин Янг занимает руководящие посты в обоих. Его цель: заставить людей заботиться о словах и истории, стоящей за ними.

Это может показаться пугающим в Америке 2019 года, поскольку срочные новости выходят ежечасно, а ужасные заголовки сообщают об упадке библиотек и концентрации внимания. Но для Янга эти реалии делают это идеальным временем, чтобы оценить поэзию и искусство. Обе его работы позволяют ему копаться в прошлом, чтобы понять настоящее. «Я не архивариус по образованию, — говорит он.«Но по темпераменту я люблю думать об истории и о том, как она говорит с сегодняшним днем».

В журнале New Yorker Янг каждую неделю видит сотни материалов от современных поэтов, но он также имеет доступ к долгой институциональной памяти журнала. В рамках этой игровой площадки он создал такие проекты, как серия мультимедийных стихотворных писем, написанных в течение 2017 года между финалисткой Национальной книжной премии Адой Лимон и обладательницей гранта Макартура «Гений» Натали Диас.Он также недавно опубликовал ранее не переведенное стихотворение Бертольда Брехта, немецкого драматурга, умершего в 1956 году. Янг также нашел новое значение в исторических текстах в Шомбурге. Там он приобрел невиданную ранее рукопись биографии Малкольма Икс и «потерянную» неопубликованную главу и выставил их в вестибюле музея.

Любовь Янга к прошлому частично вдохновлена ​​историей его семьи, которая насчитывает сотни лет в Луизиане. Когда он приезжал сюда в детстве, он чувствовал связь с поколениями семьи, укоренившейся там.«Это заставляет вас хотеть узнать о прошлом, но иногда и сбежать от него. Это сочетание меня действительно вдохновляет», — говорит он. «Думать о том, как мы можем узнать больше о прошлом, а также бороться с импульсом сказать, что мы в прошлом, действительно важно».

Янг рассматривает эти вопросы в своей работе: 10 сборников стихов, восемь сборников стихов, которые он отредактировал, и две научно-популярные книги. Но он видит, как другие современные чернокожие художники тоже борются с ними. «Я вижу нас в этом новом возрождении», — говорит он.Янг цитирует таких коллег-создателей, как Барри Дженкинс, чей фильм « Лунный свет » получил «Оскар» за лучший фильм в 2017 году; Колсон Уайтхед, чей роман « Подземная железная дорога » стал бестселлером New York Times и получил Пулитцеровскую премию; и Трейси К. Смит, поэт-лауреат из США. Эти художники «думают о нашей общей человечности, но также говорят об американской истории, ее вопросах и проблемах», — объясняет он.

«Для меня поэзия жива давно.Он продолжает жить и процветает прямо сейчас», — говорит Янг. «Мне интересно запечатлеть эту живость».

Портретная иллюстрация Александры Компен-Тиссье для TIME

См. выпуск Optimists за 2019 год, приглашенный редактор Ava DuVernay.

Исправление, 7 февраля

Первоначальная версия этой истории искажала участие Q-Tip в концерте, во время которого рэпер Нас выступал вместе с Национальным симфоническим оркестром в Кеннеди-центре.Q-Tip не участвовал в мероприятии.

Больше обязательных к прочтению историй от TIME

---

Напишите Эбигейл Абрамс по адресу [email protected], Кэди Лэнг по адресу [email protected], Махите Гаджанан по адресу [email protected], Рэйчел Э. Гринспен по адресу [email protected] и Уайлдер Дэвис по адресу [email protected].

13 Современные художники, которых вы должны знать

Современные художники и их необычные творения уже давно озадачивают, вызывают споры и расширяют наши представления о том, каким должно быть искусство.Кому захочется смотреть на писсуар, стоящий на постаменте в галерее? А что за чашка с меховой подкладкой, выдающая себя за произведение искусства?

По общему признанию, современное искусство было основным отклонением от многовековых ремесленных техник прошлого. С появлением фотографии художникам пришлось выйти за рамки простого изображения реальности и начать экспериментировать с цветом, формой, формой, абстракцией, различными средствами и различными техниками, прокладывая путь для современного современного искусства.

Если вам интересно узнать, кто из самых известных современных художников , вот 13 известных имён, которые вы не можете позволить себе игнорировать.

Современное искусство — это то же самое, что и современное искусство?

Но прежде чем мы перейдем к нашему списку 13 лучших современных художников, давайте кратко объясним, что такое современное искусство и чем оно отличается от современного искусства. Несмотря на путаницу в популярной прессе и онлайн-СМИ, эти два термина не являются взаимозаменяемыми. (Да, в мире искусства есть свои отдельные определения для современных и современных времен.)

Современное искусство определяется как произведения искусства, созданные где-то между 1860-ми годами (некоторые говорят, что 1880-ми годами) и концом 1960-х годов.Его называют современным, потому что он бросил вызов традициям и методам, существовавшим до него. Он прошел через целый ряд «измов», включая импрессионизм, кубизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм. «Подсолнухи » Ван Гога, «Авиньонские девицы» Пикассо и «Банки супа Кэмпбелл» Уорхола — все это примеры хорошо известных произведений современного искусства.

Современное искусство часто классифицируется как зародившееся после современного искусства, где-то между 1960 и 1970 годами.Оно определяется как искусство нашей жизни или «искусство настоящего» и создается художниками, которые еще живы. Современное искусство смещает акцент с эстетической красоты на основную концепцию произведения. Такие движения, как минимализм, концептуальное искусство, постмодернизм, феминизм и перформанс, часто представляют собой эксперимент по расширению границ и постановке вопросов о том, что такое искусство и чем оно может быть.

Хорошо, хватит урока истории искусств, и вернемся к теме!

13 известных современных художников, которых должен знать каждый

#1 Клод Моне (1840-1926) – Икона импрессионизма Водяные лилии и японский мост (1899) через Википедию

Клод Моне был французским художником, которого прозвали отцом импрессионизма; художественное движение считается первым авангардным движением модернистского периода.Наиболее известный своими картинами природы и пейзажей, в последние годы своей жизни он большую часть времени проводил за рисованием своего цветочного сада в своем доме в Живерни с его японским пешеходным мостом и прудом, полным лилий.

Интересные факты о художниках : Когда сад Моне расширился, он нанял шесть постоянных садовников, чтобы ухаживать за ним. Каждое утро один из них выплывал на лодке к пруду, мыл и вытирал пыль с каждой кувшинки. Как только лилии были чистыми, Моне приступил к их росписи, пытаясь уловить свет, отражающийся от воды.

#2 Поль Сезанн (1839-1906) – «Отец всех нас»

Признанный отцом постимпрессионизма, Сезанн также известен как родоначальник фовизма и предшественник кубизма. Его вклад в развитие этих новаторских художественных стилей сделал Сезанна одной из ключевых фигур в истории современного искусства. Достаточно сказать, что и Матисс, и Пикассо называли его «отцом всех нас».

Интересные факты о художниках : В школе Поль Сезанн подружился с Эмилем Золя, над которым издевались и дразнили его одноклассники.Однажды, защищая своего друга, Сезанн подрался во дворе школы. На следующий день в знак благодарности Эмиль принес ему корзину, полную яблок, которая впоследствии стала повторяющейся темой в творчестве Сезанна.

#3 Винсент Ван Гог (1853-1890) – Непонятый гений

Ван Гог — творческая икона и один из самых известных современных художников 19 века. Недооцененный в свое время, он продал только одну картину за всю свою жизнь: Красный виноградник , которая была продана в Бельгии за 400 франков за семь месяцев до его смерти.Напротив, его самой дорогой картиной, проданной посмертно, была картина «Портрет доктора Гаше », за которую в 1990 году было продано 148,6 миллиона долларов.

Интересные факты о художнике : Звездная ночь , пожалуй, самая известная работа Ван Гога, была написана в приюте в Сен-Реми-де-Прованс, Франция, где он добровольно признался, что оправился от нервного срыва 1888 года, который привел к инцидент с прорезыванием ушей. Картина изображает вид из окна его спальни и с 1941 года является частью постоянной коллекции Метрополитен-музея.

#4 Анри Матисс (1869-1954) – Великий колорист

Широко известный как первый чистый колорист в мире, Матисс был ключевой фигурой фовистского движения начала 20-го века. Его стилистические новации коренным образом изменили ход современного искусства и вдохновили несколько поколений молодых живописцев. Он завязал непростую дружбу с Пикассо и был единственным художником, которого испанец считал соперником и мастером линии.

Мелочи о художниках :

Матисс любил животных.У него было три кошки по имени Кузи, Минуш и Ла Пюс, которых он каждое утро кормил булочками. Помимо кошек, Матисс держал домашних голубей, купленных у торговцев вдоль Сены. В свои последние дни Матисс подарил своих драгоценных птиц Пабло Пикассо. Фактически, это был один из его голубей, по образцу которого Пикассо смоделировал своего Голубя мира, выбранного в качестве эмблемы Первой Международной мирной конференции в Париже в 1949 году.

#5 Эдвард Мунк (1863-1944) – Человек, стоящий за криком

Мунк был норвежским художником, который соединил основные направления символизма 19-го века и экспрессионизма 20-го века.Родившийся среди бедности и болезней, он был болезненным ребенком, который позже в жизни страдал от алкоголизма и приступов психических заболеваний. Его 1893 Scream стал одним из самых знаковых изображений искусства, с агонизирующей фигурой в центре, символизирующей беспокойство о состоянии человека.

Общая информация о художнике : 22 января 1892 года Мунк записал в своем дневнике: «Я шел по дороге с двумя друзьями — солнце зашло — я почувствовал порыв меланхолии — вдруг небо стало кроваво-красным (… ) и я почувствовал огромный бесконечный крик [слезу] сквозь природу.Сцена, описанная в этой записи, часто упоминается как вероятное вдохновение для его самой известной картины.

#6 Василий Кандинский (1866-1944) – первый абстракционист

Влиятельный русский художник и теоретик искусства, Кандинский считается первым художником, создавшим чисто абстрактное произведение. Это была безымянная акварель 1910 года, которая сейчас находится в Центре Помпиду в Париже. Он классно написал: «Цвет — это клавиатура, глаза — это гармонии, душа — это многострунный рояль.Художник — это рука, которая играет, касаясь той или иной клавиши, чтобы вызвать в душе вибрации».

Интересные факты о художнике : Когда он был профессором Баухауза, три из его первых «Композиций» были захвачены нацистами и выставлены на ныне печально известной выставке «Дегенеративное искусство» в 1937 году. последние годы в Париже, зная, что значительная часть работы его жизни была уничтожена в Германии.

#7 Пабло Пикассо (1881-1973) – отец кубизма Герника (1937) via Britannica

Пабло Пикассо, несомненно, является одной из самых влиятельных фигур в современном искусстве.Его карьера насчитывает 79 лет, и его большой и разнообразный объем работ часто делится на периоды: ранние работы, Голубой период, Розовый период, Африканский период, кубизм, неоклассицизм, сюрреализм и более поздние работы. Марсель Дюшан сказал в интервью в 1933 году, что «современный художник должен ненавидеть Пикассо, чтобы создать что-то новое».

Интересные факты о художниках : Герника , одна из самых известных современных картин, изображает последствия немецкого воздушного налета на город в Испании во время гражданской войны в Испании.Легенда гласит, что, когда нацистский офицер увидел картину, он спросил Пикассо: «Это был ты?» и художник ответил: «Нет, ты сделал!»

#8 Марсель Дюшан (1887-1968) – Мастер дадаизма

Наиболее известный своими реди-мейдами, предметами массового производства, от крышек пишущих машинок до вешалок, которые он подписал и объявил искусством, Дюшан был связан с кубизмом, дадаизмом и концептуальным искусством. Его прототип и самая известная работа, фарфоровый писсуар под названием «Фонтан», был признан самым влиятельным произведением искусства 20-го века группой из 500 экспертов в 2004 году.

Интересные факты о художнике : Будучи бесстрашным экспериментатором и провокатором, Дюшан никогда не принимал никаких наркотиков, избегая парижских опиумных притонов на рубеже 20-го века. Позже в своей жизни ему однажды подсунули ЛСД без его ведома. По словам его жены, это был единственный раз, когда ей пришлось снять с него обувь перед сном.

#9 Сальвадор Дали (1904-1989) – Креативный шутник

Пионер сюрреалистического движения Сальвадор Дали был эксцентричным гением, известным своим диким искусством и острыми усами.Его картины изображали мир грез, в котором обычные предметы искажаются, преувеличиваются или сопоставляются неожиданным образом. Возможно, самым известным из этих загадочных изображений является «Постоянство памяти» , в котором вялые тающие часы покоятся в устрашающе спокойном пейзаже.

Интересные факты о художнике : Йоко Оно якобы предложила Дали 10 000 долларов за прядь его знаменитых усов. Заподозрив, что она может быть ведьмой, художник опасался, что она его околдует.Однако он был не из тех, кто отказывается от чека, поэтому проявил изобретательность и вместо этого отправил ей кусок сушеной травы.

#10 Фрида Кало (1907-1954) – Мать селфи

Фрида Кало, несомненно, одна из самых известных современных художниц и, возможно, самая известная художница-женщина, наиболее известная своими автопортретами. У нее был непростой брак с художником Диего Риверой, и она исследовала эти бурные отношения в своем искусстве. Хотя Кало добилась умеренного успеха при жизни, после смерти она стала суперзвездой как в мире искусства, так и в популярной культуре.

Интересные факты о художниках : Печальный автопортрет Фриды Кало «Диего и я », проданный по ошеломляющей цене в 34,9 млн долларов США, стал самым ценным латиноамериканским произведением искусства, когда-либо публично проданным. Картина была создана на фоне слухов о том, что Ривера вскоре бросит ее ради голливудской звездочки, и иллюстрирует способность Кало направлять боль своего бурного брака в свою работу.

#11 Фрэнсис Бэкон (1909–1992) – Художник ужасов

Будучи художником-самоучкой, Фрэнсис Бэкон известен как один из самых важных художников 20 века.Он отверг движение абстрактного искусства в пользу характерного и тревожного реализма. Он наиболее известен своими душераздирающими, необработанными изображениями, которые часто интерпретируются как травмирующие выражения послевоенной британской психики.

Интересные факты о художниках: В детстве у Бэкона были напряженные отношения с родителями, особенно с отцом, который боролся с зарождающейся гомосексуальностью сына. Когда ему было 17 лет, отец Бэкона выгнал его из семейного дома за то, что он носил одежду матери. Хотя Бэкон не пытался изменить свой образ жизни или стать более сговорчивым по отношению к отцу, он навсегда был травмирован своим отказом.

#12 Джексон Поллок (1912-1956) – Джек Капельница

Знаменитый американский художник 20-го века Джексон Поллок был ведущей силой движения абстрактного экспрессионизма в мире искусства и одним из ключевых художников в переходе от современного искусства к современному. Имя Поллока стало синонимом масштабных абстрактных картин, которые он, как известно, создавал на полу своей мастерской, заливая и капая краской на холст.

Интересные факты о художниках : Джексон Поллок был известен своей нестабильностью, всю свою жизнь борясь с депрессией и алкоголизмом.Он преодолел свою зависимость в течение двух лет, что привело к удивительному всплеску продуктивности, прежде чем у него случился рецидив. Жизнь Поллока оборвалась в возрасте 44 лет, когда он врезался на своей машине в дерево всего в одной миле от своего дома, находясь за рулем в нетрезвом виде.

#13 Энди Уорхол (1928-1987) – Папа поп-музыки

Предтеча поп-арта 1960-х, Энди Уорхол заслужил прочную репутацию культурной иконы. Согласно художественному движению, которое он изобрел, элементы и символы массовой культуры и массового потребления могли быть наравне с изобразительным искусством, о чем свидетельствует «Мэрилин» Уорхола, которая стала эмблемой поп-арта.Он известен своими яркими, красочными картинами и репродукциями предметов, начиная от знаменитостей и заканчивая предметами повседневного обихода, такими как банки для супа.

Интересные факты о художниках : Энди Уорхол родился Эндрю Уорхола, младший сын Эндрю и Юлии, урожденной Завацка, иммигрантов в США из Миковой, деревни недалеко от современной словацко-польской границы. Эндрю Уорхола-младший стал известен как Энди Уорхол после того, как одна из его ранних иллюстраций в журнале Glamour была ошибочно приписана некоему Энди Уорхолу, имя, которое он решил использовать с тех пор.

Вам слово!

В нашем обзоре собраны некоторые из самых известных современных художников, оказавших огромное влияние на ход современного искусства. От Клода Моне и его мечтательных пейзажей до Фриды Кало и ее необработанных автопортретов, современные мастера и их произведения по-прежнему привлекают толпы в музеи, разжигают жаркие споры и устанавливают громкие рекорды на аукционах.

Пустые, скучные стены? Мы вас прикрыли! Проверьте наш удивительный выбор высококачественных художественных постеров! Повесьте свой любимый шедевр на эту пустую стену и привнесите больше искусства в свою жизнь!

Есть ли какие-нибудь другие известные современные художники, которые, по вашему мнению, мы должны включить в наш список? Дайте нам знать об этом в комментариях!

Если вы дочитали до этого места, возможно, вам понравятся и другие статьи из нашей серии:

20 лучших артисток всех времен

1 Элизабет Луиза Виже Лебрен (французская, 1755–1842)

Полностью самоучка, Элизабет Луиза Виже-Лебрен стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая женщина в Париже конца 18-го века) и активно работала в одни из самых неспокойных периодов в европейской истории.С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Лебрен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократок, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, впечатляюще получая заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию ​​после урегулирования конфликта.

На фото: Элизабет Луиза Виже-Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).

2 Мэри Кассат (американка, 1844–1926)

Одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, Мэри Кассат также была бесценным консультантом, помогая представить европейское искусство крупным коллекционерам в Соединенных Штатах. Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь.Ее современная женщина мастерски изображена на картине 1878 года In the Loge , первой импрессионистской работе художника, выставленной в Соединенных Штатах. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты для демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамичную роль, наблюдая за происходящим. Тем не менее преобладает мужской взгляд, так как вдалеке седовласый театрал смотрит прямо на нее в собственный бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.

На фото: Мэри Кассат, В ложе (1878 г.), МИД Бостона.

3 Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)

Только когда в Музее Гуггенхайма был проведен масштабный обзор ее работ, Хильма аф Клинт, наконец, получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были завершены за несколько лет до работ Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. С октября 2018 года по апрель 2019 года выставка « Hilma af Klint: Paintings for the Future », представленная множеством больших, ярких, несколько волшебно выглядящих абстрактных работ, остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.

Родившаяся в Стокгольме, аф Клинт посещала городскую Королевскую академию изящных искусств, которую окончила в 1887 году и впоследствии стала широко известна своими фигуративными работами и работала секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритуализм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе аф Клинт, искали способ примирить религию со многими последними научными достижениями. Эти системы верований вдохновили ее на первую большую группу непредметных, необъективных работ.Названные Картины для храма, , 193 картины были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и вселенной. Аф Клинт, предназначенный для установки в спиральном храме, распорядился, чтобы работы не демонстрировались до 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних произведений, составляли основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.

На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, No.7, Взрослость (1907).

4 Джорджия О’Киф (американка, 1887–1986)

Основополагающая фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Киф была одной из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В Music, Pink and Blue из 1918 года О’Киф абстрагирует цветочный сюжет с помощью экстремальной обрезки, создавая арку из разноцветных лепестков, которые гудят с музыкальной энергией, подсказанной названием.Теории русского художника Василия Кандинского отчасти вдохновили О’Киф исследовать «идею о том, что музыку можно превратить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних отсылок.

На фото: О’Киф позирует с Pelvis Series Red with Yellow (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, 1960 год.

5 Августа Сэвидж (американка, 1892–1962)

Скульптор-новатор, связанный с Гарлемским ренессансом, Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве.Родившаяся недалеко от Джексонвилля, штат Флорида, Сэвидж переехала в Нью-Йорк в 1921 году, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в списке ожидания на место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст У. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего.

В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Gamin, , принесла ей широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии де ла Гранд Шомьер, расположенной в Париже, где она выставляла свои работы и получила множество наград. Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и основала Студию искусств и ремесел Savage, которая в 1932 году стала Центром искусств сообщества Гарлема. Два года спустя она стала первой афроамериканской художницей, избранной в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы.Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ на Всемирной выставке 1939 года, — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.

На снимке: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, 1938 год.

6 Фрида Кало (Мексика, 1907-1954)

Яркие автопортреты Фриды Кало с ее культовыми смелыми монобровями и усами однажды были описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленты вокруг бомбы».Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В «Двух Фридах (Las dos Fridas)» 1939 года, завершенной вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две свои личности — одну в традиционном костюме техуаны со сломанной шеей. сердце, а другой в современной одежде, независимый, с полным сердцем.Постоянное переделывание и наслоение Кало собственной личности было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.

На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Las dos Fridas) (1939), экспозиция 2007 г.

7 Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)

Луиза Буржуа родилась в Париже в семье, занимавшейся реставрацией гобеленов, и выросла, помогая им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась к искусству, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры.Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала в своих работах такие темы, как одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное.

В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа, наконец, получила возможность проявить себя, когда в Музее современного искусства была представлена ​​ретроспектива ее работ, на которой были представлены искаженные человекоподобные фигуры, подвешенные к проводам; тканевые творения из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которыми ее больше всего помнят сегодня.

На снимке: Луиза Буржуа, Maman (1999), сфотографировано в Гамбурге, Германия, в 2012 году.

8 Агнес Мартин (канадка, 1912-2004)

Агнес Мартин, часто ассоциируемая с минималистским движением, существовала в своей собственной лиге и не поддается простой категоризации. Сильно личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины приходят к ней полностью сформированными, размером с почтовые марки, которые она переводит на крупномасштабные холсты.Блестящая золотая икона Friendship 1963 года является великолепным примером оригинальной сетки художника. Тонко прочерченные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при ближайшем рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение трансцендентного спокойствия. Ретроспектива работ Мартина открывается в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в октябре 2016 г.

9 Леонора Кэррингтон (британка-мексиканка, 1917-2011)

Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Кэррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфанта в Лондоне. В том же году она посетила Международную Выставка сюрреалистов и была обращена к творчеству немецкого художника Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и закрутили короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден бежать от преследований.Он бежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.

Вскоре после того, как они расстались, Кэррингтон была госпитализирована с психическим расстройством и лечилась сильнодействующими препаратами. После освобождения она бежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. Ее очень автобиографические картины содержат отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображая фантастических существ и преследующие сцены. В 1970-х годах она стала участником Движения за освобождение женщин и в 1973 году разработала плакат под названием « Mujeres Conciencia, ».В 1986 году она получила награду Lifetime Achievement Award на съезде Women’s Coucus for Art в Нью-Йорке за приверженность политической деятельности.

На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуайна (1959).

10 Элейн Стертевант (американка, 1924–2014 гг.)

Произведения Элейн Стертевант (известной по фамилии) вызывают двоякое впечатление; то, что на первый взгляд кажется картиной Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и приемы оригинала воспроизведены с пугающей точностью.С 1964 года Стертевант использовала работы своих современников-мужчин, чтобы поставить под сомнение иерархию пола, оригинальности и авторства, а также структуры искусства и культуры. На самом деле Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего производителя экранов для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он говорил людям «спросить Элейн».

На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный на Christie’s в 2015 году.

11 Бетье Саар (американка, 1926 г.р.)

Одна из самых известных художниц в области ассамбляжа, Бетье Саар — настоящая икона в сфере современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончила в 1947 году со степенью в области дизайна, но со страстью к гравюре. В 1967 году она посетила выставку скульптора по найденным предметам Джозефа Корнелла, которая радикально повлияла на ее творческую траекторию.Она начала выстилать коробки для сборки своими собственными отпечатками и рисунками и заполнять их найденными предметами, создавая предметы, посвященные расе и текущим событиям.

После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремальной. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и озвучить опыт черных.В ее самой известной работе, «Освобождение тети Джемаймы » (1972), изображена кукла-мама, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а духовно символ надежды и обещания».

На фото: Бетье Саар, Brides of Bondage , на выставке в Saddleback College в Mission Viejo, Калифорния, 1998 год.

12 Хелен Франкенталер (американка, 1928–2011)

Прорывная картина Хелен Франкенталер «пятно», Горы и море, 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. В первую очередь колорист, Франкенталер выливал банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитываться в основу, образуя аморфные формы.Будучи женщиной абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась сквозь движение, в котором доминировали мужчины, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос. Ее работы в настоящее время являются частью давно назревшей выставки под названием «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Художественном музее Денвера в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.

На фото: Хелен Франкенталер c. 1956.

13 Яёи Кусама (яп., Б.1929)

Королева горошка Яёи Кусама была значительной силой на авангардной арт-сцене 1960-х годов и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря своему недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хэппенинги» 1960-х годов были новаторскими, в частности «Сад нарциссов» 1966 года, которые художница представила на мировой сцене на Венецианской биеннале. На средства своего коллеги-художника Лучио Фонтана Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их для продажи посетителям по 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализации мира искусства.

На фото: Яёи Кусама, Narcissus Garden (1966), на выставке в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, 2009 г.

14 Джуди Чикаго (американка, 1939 г.р.)

Отдавая дань уважения выдающимся женщинам в истории, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго ушла значительно дальше во времени, чем Париж конца 18-го века. В The Dinner Party с 1974 по 1979 год в Чикаго была создана культовая инсталляция, посвященная 1038 женщинам в истории, с вышитыми входными знаменами, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с гостями, начиная от Изначальной Богини. в Джорджию О’Киф.В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданным в ключевой период 1970-х годов, когда женщины-художницы решали проблемы гендера.

На фото: Джуди Чикаго, Званый ужин (1974-1979), Бруклинский музей.

15 Марина Абрамович (серб, 1946 г.р.)

Марина Абрамович, самопровозглашенная бабушка перформанса, развивает свою практику уже более пяти десятилетий.Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих родителей, тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.

Она начала изучать искусство перформанса в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратившись в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, состоящая из длинных рутин, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.

В 1976 году Абрамович начала сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались творческими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменил ей. В 2010 году Абрамович поставил перформанс на выносливость в Музее современного искусства под названием «Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела на одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго поучаствовать в молчаливых встречах. Удивив Абрамович и тронув ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили трогательный момент после более чем 20-летнего молчания.

На фото: Марина Абрамович исполняет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.

16 Адриан Пайпер (американец, 1948 г.р.)

«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что вы не осознавали этого, когда делали / смеялись / соглашались с этим расистским замечанием», — говорится в My Calling (Card) № 1 Адриана Пайпера с 1986 по 1990 год. Художник-концептуалист и перформансист, Пайпер является первопроходцем в решении острых вопросов, связанных с полом и расой.В своей серии Мифическое существо Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, разоблачая абсурдность стереотипов общества.

Будучи светлокожей чернокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются чрезвычайно пророческими и значимыми сегодня, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале ^{в 2015 году за свою работу The Probable Trust Registry , состоящую из киосков корпоративного вида, в которых посетители могли подписать контракты, соглашаясь жить по установленным правилам. правил, поощряющих личную ответственность.}

На снимке: Эдриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.

17 Мэрилин Минтер (американка, 1948 г.р.)

Стирая границы между чувственностью и гротеском, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленку, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее окончательная картина.

Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать безвкусные сцены, связанные с женским домашним хозяйством, такие как кухонный пол и различные продукты питания. В 80-х она сосредоточила свой объектив на более чувственных темах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутаны публичным дискомфортом.Сочетая в себе элементы изящной фэшн- и бьюти-фотографии и яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепительные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желательными реалиями (потом, слюной, волосами и грязью).

На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 году.

18 Синди Шерман (американка, 1954 г.р.)

Важная художница «Поколения картинок», группы американских художников начала 70-х, известных своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие пол и идентичность.Работая режиссером, визажистом, парикмахером, стилистом, моделью, сценографом и фотографом, художница превращается в сложных персонажей и снимает себя в не менее сложных сценах.

После окончания Университета штата Нью-Йорк в Буффало Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над безымянными кадрами из фильма (1977-80), своим ныне культовым сериалом, в котором она появляется в самых разных обличьях и декорациях, изображая женские стереотипы, встречающиеся в кино и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф .С тех пор она продолжала перевоплощаться во множество персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.

На протяжении своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля для сатирической статьи в мартовском номере Bazaar .

На фото: Синди Шерман, Untitled #414 , (2003), на выставке в Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.

19 Ширин Нешат (иранка, 1957 г.р.)

Родившаяся в Казвине, Иран, Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где 10 лет проработал в Магазине искусства и архитектуры.Только вернувшись в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.

Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными и, в моем личном случае, родом из Ирана, страны, которая подорвала основные права человека, особенно после исламского революции, я неудержимо стремился к созданию искусства, связанного с проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости.Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечности».

Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограничения исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм « Махдохт » (2004 г.), основанный на романе Шахрнуш Парсипура « женщины без мужчин, », аналогичной теме.Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свою работу, в том числе Международной премии Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру Венецианского кинофестиваля 2009 года.

На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.

20 Микалин Томас (американка, 1971 г.р.)

Наиболее известная своими коллажными картинами, Микалин Томас создает яркие портреты и детализированные интерьеры, затрагивающие такие темы, как сексуальность, раса, красота и гендер, и исследует, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности.Используя стразы, которые служат аналогией женственности, Томас привлекает внимание к определенным компонентам своих изделий (волосы, обувь и т. д.) и просит зрителей задуматься о том, что обычно характеризует женственность.

Вдохновленная множеством движений, включая импрессионизм, кубизм и дадаизм, художница часто ссылается на фигуративные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих героинь в позах, популяризированных ею. предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть их представление о женщинах как о объектах.

Член движения Post-Black Art Movement, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.

На фото: Микалин Томас позирует в Художественной студии в Нью-Йорке, 2008 год.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти дополнительную информацию об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

9 вещей, от которых нужно отказаться, чтобы стать успешным художником

Нам, художникам, часто говорят использовать любую возможность, которая появляется на нашем пути.

Вы никогда не знаете, кто может присутствовать на следующем открытии галереи, какие связи вы найдете на этом мероприятии или что может привести к будущим возможностям.

Но иногда дело не столько в том, чтобы сказать «да», сколько в том, чтобы знать, что можно сдаться.

Привычки, как вы, вероятно, знаете, если вы когда-нибудь грызли ногти, бывает невероятно трудно сломать. Наши невидимые ментальные привычки преодолеть может быть еще труднее, но из-за этого еще важнее.

Итак, разрешите себе бросить все это. И дайте себе время и терпение, чтобы избавиться от привычек.

Откажитесь от «недостаточно» Настрой

Успешные художники не обрамляют вещи словами «недостаточно.«Всегда не хватает времени, денег, уверенности, чего бы то ни было в данный момент, чтобы сделать или сделать то, что нужно, чтобы стать успешным художником.

«Все они указывают на лежащий в основе страх быть недостаточной», — говорит художественный наставник и создатель «Работающего художника» Криста Клотье. «И как только вы сможете справиться с этим скрытым страхом, другие проблемы встанут на свои места».

Откажитесь от сравнений

Вот что касается сравнений: в чем-то ты всегда будешь лучше других, а в чем-то хуже.Зацикливание на них ни к чему не приведет.

Сравнение себя с кем-то, кто уже двадцать лет занимается своей карьерой, может задушить ваш творческий потенциал, если вы сравниваете свою работу с тем, кто только начинает свою карьеру.

Вместо того, чтобы сосредотачиваться на том, как вы выглядите рядом с кем-то еще, направьте эту энергию на сравнение вашей недавней работы с работой, которую вы сделали шесть месяцев назад, год назад и пять лет назад. Вы выросли? И где вы хотите видеть себя через шесть месяцев, год и пять лет в будущем?

Сравнивайте себя только с собой.

Откажитесь от оправданий

Если вы хотите стать успешным художником, вы должны проявить себя. Вы должны сделать работу.

Если вы похожи на любого другого артиста в мире, вы, вероятно, когда-то говорили себе что-то вроде: «Я не могу сегодня пойти в студию, потому что я слишком занят / слишком разбит горем / моя семья нуждается в меня слишком много/ [вставьте здесь любое оправдание.]”

И знаете что? Приятно это делать. Это кажется оправданным и разумным, и вы делаете то, что нужно для себя.

Но художница Сьюзи Бейкер говорит, что это «о нашем СТРАХЕ, маскирующемся под Сопротивление; та вещь, или идея, или занятость, или нетфликс, или неуверенность в себе, или прокрастинация, или неприятие, которые мешают нам появляться и создавать наше искусство»

Когда вы перестанете искать оправдания, вы сможете начать владеть направлением, в котором вы идете, и, если потребуется, проявить силу воли, чтобы изменить это направление.

Откажитесь от постоянной работы

Конечно, вы должны появляться в студии, даже если вы не хотите делать работу.Но вы также должны знать, когда уйти и когда уделить время заботе о своем теле, здоровье, эмоциональном и социальном благополучии.

Вы не сможете добиться наилучших результатов, если не будете вкладывать средства в свое тело и разум.

Мы видели, как художники жертвовали и тем, и другим во имя своего ремесла. Но вам нужно ваше тело на самом базовом уровне, чтобы создавать свою работу. Успешные артисты знают, что их успех — это марафон, а не спринт, поэтому вам нужно поддерживать свое здоровье, чтобы оставаться в игре.

Выделите время в своем расписании, чтобы размяться, заняться спортом, прогуляться, приготовить здоровую пищу и пообщаться со сверстниками, семьей и друзьями.

Не принимайте близко к сердцу несведущие советы

• «Когда ты устроишься на настоящую работу?»
• «Когда ты вырастешь?»
• «В какой момент художник понимает, что он недостаточно талантлив, чтобы «сделать это»»
• «Должно быть, приятно не работать.
• «Должно быть приятно работать только тогда, когда вам этого хочется».

Художник и создатель The Savvy Painter Антрез Вуд указывает на то, что эти ядовитые отношения мешают художникам реализовать свой потенциал.

Но знаете что? Мы можем выбирать, кого слушать и к какому совету прислушаться. Возможно, вы слышали поговорку о том, что мы — это сумма пяти человек, с которыми мы проводим больше всего времени.

Проведите его с теми, кто подталкивает вас к успеху, теми, кто добился успеха как художник, и теми, кто вдохновляет вас на это.

Не все советы одинаковы.

Откажитесь от перфекционизма

Это идет рука об руку со страхом неудачи. Художники, зацикленные на необходимости сделать все идеально, часто боятся неудачи. Но ирония в том, что они ничего не публикуют.

Единственный путь к росту — это донести свою работу до всеобщего сведения. Жестокая реальность такова, что вы, вероятно, потерпите неудачу в ходе своей художественной карьеры (как бы вы это ни определяли).Вы не получите грантов, у вас будет шоу, которое провалится, у вас будет отличная идея, которая просто не воплотится в жизнь. Утешительной частью этого является то, что так будет со всеми остальными.

«Вера в то, что «это» должно быть совершенным, будь то навыки, талант, образование, веб-сайт или заявление, заставит вас бесконечно крутить колеса», — говорит Бонни Глендиннинг из The Thriving Artist.

«Неудача просто означает, что вы учитесь», — добавляет Бонни. «Продолжай терпеть неудачи, потому что ты будешь учиться всю свою карьеру.

Откажитесь от чувства эгоизма

Каждый вносит свой вклад в мир.

Нам нужны врачи, юристы и учителя, но нам также нужны художники, ремесленники и творческие люди, которые делают наш мир интересным, ярким и приятным.

Ваша задача состоит в том, чтобы выяснить, что у вас за сердце, а затем сделать это.

«Творчество — это не эгоистичный поступок или погоня за вниманием со стороны актера.Это подарок миру и каждому существу в нем. Не обманывайте нас своим вкладом. Дайте нам то, что у вас есть», — пишет Стивен Прессфилд в своей новой книге «Война искусства: прорвитесь сквозь блоки и выиграйте свои внутренние творческие битвы».

Художники часто чувствуют себя виноватыми из-за того, что у них нет «настоящей» работы и что они должны вносить больший вклад в семейный доход. Затем они либо чувствуют себя виноватыми, когда находятся в студии вдали от своей семьи, либо вне студии и не работают.

Но чувство вины — контрпродуктивная эмоция. Если вы обнаружите, что чувствуете себя так, напомните себе, что ваша работа важна и нужна — это то, что делает вас целостным и способным вносить более полноценный вклад в вашу семью, когда вы там.

Откажитесь от потребности в похвале

Возможно, вы хотите, чтобы ваша работа всем нравилась, но этого не произойдет. И, на самом деле, лучше, чтобы не всем делала ваша работа нравилась.

«Очень страшно выставлять себя напоказ, особенно когда ваша работа настолько личная, а затем позволять миру смотреть на нее, судить и критиковать», — говорит художница Серен Моран.

Неуверенность в себе определенно играет роль, но знать, что не всем понравится ваша техника или предмет, может придать сил, и это нормально. Это означает, что вы получаете что-то интересное и что-то другое.

Как художник, вы не должны продавать самые массовые полотна в Target. Ваша задача — что-то сказать и достучаться до кого-то.

Спросите себя, сделали бы вы работу, которую делаете сегодня, если бы никто ее никогда не увидел.Вы бы стали рисовать, лепить или рисовать это, если бы не могли никому это показать?

Легко увлечься похвалой в соцсетях и потоком лайков на материале, который вы разместили в сети. Но успешные художники знают, что их рост идет изнутри, а не из внешней похвалы.

Откажитесь от мифа о рассеянном гениальном художнике

Успешные художники знают, что им нужна организованность, чтобы двигаться вперед.

Часто художники пытаются увернуться от этого, говоря что-то вроде «Я художник, а не бизнесмен» или «Я плохо разбираюсь в технологиях.Кори Хафф, создатель «Изобильного художника», говорит: «Это оправдание того, что вы слишком ленивы, чтобы освоить базовые навыки, необходимые для ведения арт-бизнеса».

Организованность не только снижает стресс, связанный с художественной карьерой, но и помогает представить себя с профессионализмом.

Знание того, где находится ваше произведение искусства, кому вы продали каждое произведение и как быстро получить любую важную информацию, является жизненно важной частью достижения успеха в качестве художника.Практически невозможно сконцентрироваться на создании текущей работы, если вы постоянно ищете информацию.

Очень часто художники случайно продают в Интернете произведение, которое также находится в галерее, просто потому, что у них не было системы.

Вот почему в Artwork Archive мы создаем инструменты, которые нужны художникам, чтобы избавиться от хаоса в своей художественной карьере. Инвентаризация, бизнес-отчеты, консигнация и счета-фактуры, планирование, контакты, отслеживание и многое другое.

Попробуйте сегодня и узнайте, как Artwork Archive может улучшить ваш художественный бизнес и помочь вам на пути к успеху в карьере.

Самые известные художники 19 и 20 веков

art-Dali.com Сальвадор Доминго Фелипе Хасинто Дали-и-Доменек, 1-й маркиз де Дали де Пуболь (11 мая 1904 — 23 января 1989), известный как Сальвадор Дали , был выдающимся испанским каталонским художником-сюрреалистом, родившимся в Фигерасе, Испания. Дали был искусным рисовальщиком, наиболее известным своими яркими и причудливыми образами в своих сюрреалистических работах.Его живописные способности часто приписывают влиянию мастеров эпохи Возрождения. Его самая известная работа «Постоянство памяти» была завершена в августе 1931 года. Обширный художественный репертуар Дали включал фильмы, скульптуру и фотографию в сотрудничестве с рядом художников в различных средствах массовой информации. Дали был очень изобретательным, а также любил предаваться необычному и грандиозному поведению. Его эксцентричная манера и привлекающие внимание публичные действия иногда привлекали больше внимания, чем его работы, к ужасу тех, кто высоко ценил его работы, и к раздражению его критиков. art-Dali.com	Открытие Америки Христофором Колумбом 1959
art-Picasso.com Художественный гений Пабло Пикассо (1881–1973) оказал беспрецедентное влияние на развитие современного искусства. Его плодотворная работа включает более 20 000 картин, гравюр, рисунков, скульптур, керамики, театральных декораций и костюмов, которые передают множество интеллектуальных, политических, социальных и любовных посланий.Его творческие стили выходят за рамки реализма и абстракции, кубизма, неоклассицизма, сюрреализма и экспрессионизма. Пикассо родился в Малаге, Испания, в 1881 году. Некоторое время изучал искусство в Мадриде в 1897 году, а затем в Барселоне в 1899 году, где он стал тесно связан с группой модернистских поэтов, писателей и художников, которые собирались в кафе Els Quatre Gats. Четыре кота), в том числе каталонца Карлоса Касагемаса (1880–1901). art-Picasso.com	Любитель абсента 1901-1902
арт-ВанГог.ком Ван Гог (Ван Гог) Винсент (Vincent Willem) (30.03.1853, Грот-Зундерт, Нидерланды — 29.07.1890, Овер-сюр-Уаз, Франция), нидерландский живописец. Сын пастора. В 1869-76 служил комиссионным торгово-художественным обществом в Гааге, Брюсселе, Лондоне и Париже, в 1876 — учителем в Англии. Изучая богословие, в 1878-79 годах был проповедником в Боринаже (Бельгия), где познал трудную жизнь горняков; защита своих интересов привела Ван Гога к конфликту с церковными властями.В 1880-х гг. Ван Гог относится к искусству: визиты художников в Брюссель (1880-81) и в Антверпен (1885-86), по совету А. Мауве в Гааге. Ван Гог с пристрастием рисует обездоленных людей — горняков Боринаге, а позже — крестьян, ремесленников, рыбаков, за жизнью которых он наблюдал в Нидерландах в 1881—85 годах. В 30 лет Ван Гог начинает рисовать и создает обширную серию картин и зарисовок, выполненных в темных, мрачных тонах и пропитанных теплым сочувствием к простому народу. арт-ВанГог.ком	Ваза «Натюрморт с пятнадцатью подсолнухами» 1889
art-Monet.com Оскар-Клод Моне 14 ноября 1840 — 5 декабря 1926 был основателем французской импрессионистской живописи и наиболее последовательным и плодовитым практиком философии движения выражения своего восприятия перед природой, особенно применительно к пленэрной пейзажной живописи. Термин «импрессионизм» происходит от названия его картины Impression, soleil levant («Впечатление, восход солнца»), которая была выставлена ​​в 1874 году на первой из независимых выставок, организованных Моне и его соратниками в качестве альтернативы Парижскому салону.Стремление Моне запечатлеть французскую сельскую местность привело его к тому, что он много раз рисовал одну и ту же сцену, чтобы запечатлеть смену света и смену времен года. С 1883 года Моне жил в Живерни, где он купил дом и недвижимость и начал масштабный проект по благоустройству, в том числе пруды с лилиями, которые впоследствии станут сюжетами его самых известных работ. В 1899 году он начал рисовать водяные лилии, сначала в вертикальных видах с японским мостом в качестве центрального элемента, а затем в серии крупномасштабных картин, которые должны были постоянно занимать его в течение следующих 20 лет его жизни. арт-Моне .ком	Женщины в саду 1866
art-klimt.com Густав Климт родился 150 лет назад, 14 июля 1862 года, в мещанской семье в пригороде Вены Баумгартен и был вторым из семи детей. Его детство и юность совпали с зенитом Gründerzeit, периодом в Германии и Австрии девятнадцатого века, отмеченным экономическим процветанием и крупномасштабным строительством.Великий проект монументального здания на Рингштрассе только вступал в завершающую фазу. Несмотря на тяжелое финансовое положение, у Климтов была гармоничная семейная жизнь, и братья и сестры оставались близкими на протяжении всей своей жизни. С большими жертвами со стороны семьи талантливый молодой Густав был отправлен в Венскую школу искусств и ремесел (Kunstgewerbeschule), которая позже стала Университетом прикладных искусств. Вскоре он оказался среди группы художников, работавших над украшением новых зданий на Рингштрассе. art-Klimt.com	Портрет Адели Блох-Бауэр 1912
art-Matisse.com Анри-Эмиль-Бенуа Матисс (1869–1954) был французским художником, известным своим использованием цвета, плавным и оригинальным рисунком. Он был рисовальщиком, гравером и скульптором, но известен прежде всего как живописец. Матисса обычно считают, наряду с Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном, одним из трех художников, которые помогли определить революционные изменения в пластическом искусстве в первые десятилетия двадцатого века, ответственные за значительное развитие живописи и скульптуры.Хотя изначально его называли фовистом (диким зверем), к 1920-м годам его все чаще провозглашали сторонником классической традиции французской живописи. Его мастерство выразительного языка цвета и рисунка, представленное в работах, охватывающих более полувека, принесло ему признание как ведущей фигуре в современном искусстве. art-Matisse.com	Портрет жены художника 1913
арт-Гоген.ком Гоген (Gauguin) Эжен Анри Поль (06.07.1848, Париж — 05.08.1903, пос. Атуона, Маркизские острова), французский живописец. В молодости служил матросом, с 1871 — биржевым маклером в Париже. В 1870-х гг. в одиночку занялся живописью. В 1883 году бросил Биржу и полностью посвятил себя искусству, что привело Гогена к бедности, разрыву с семьей, скитаниям. В 1886 жил в Пон-Авене (Бретань), в 1887 — в Панаме и на острове Мартиника, в 1888 работал два месяца (у В.Ван Гог) в Арле, в 1889—91 — преимущественно в Ле Пульдю (Бретань). Ранние годы были связаны с импрессионизмом. В дальнейшем неприятие буржуазной цивилизации пробуждает интерес к народному творчеству с его наивным мировосприятием, искусству архаической Греции, Средневековья, Древнего Востока. art-Gauguin.com	Автопортрет с палитрой 1894
art-Degas.com Дега (Дега) Илер Жермен Эдгар (19.07.1834, Париж — 27.09.1917, там же), французский живописец, график и скульптор. В 1855-56 учился в Школе изящных искусств в Париже. В 1854-59 жил в Италии; изучал искусство итальянского кватроченто. Находился под влиянием Ж.А.Д. Энгра, усилившего пристрастие Дега к линейной основе живописной формы. Начал со строгих композиций исторических картин и портретов («Семья Белелли», ок. 1858-60, Музей импрессионизма, Париж). Изложена у Дега в конце 1860-х гг. принцип острого и динамичного восприятия окружающей среды и быта человека сблизил художника 1870-х гг.с импрессионизмом. Увлеченный разнообразием и подвижностью городской жизни, он писал современный Париж (уличные театры, кафе, скачки) в постоянно меняющихся измерениях, воссоздавая атмосферу капиталистического города («Конкорд», около 1875 г., «Абсент», 1876 г.). , Музей импрессионизма). art-Degas.com	Любитель абсента 1876
art-Renoir.com Огюст Ренуар (25 февраля 1841 — 3 декабря 1919) был французским художником, который был ведущим художником в развитии стиля импрессионизма.Как прославляющий красоту и особенно женскую чувственность, было сказано, что «Ренуар — последний представитель традиции, которая восходит непосредственно от Рубенса к Ватто». Ренуар был одним из ведущих художников группы импрессионистов. Он разработал технику ломаных мазков и использовал смелые комбинации чистых дополнительных цветов, чтобы запечатлеть свет и движение своих пейзажей и фигур. После визита в Италию в 1881 году его стиль изменился, став более линейным и классическим. Ренуар родился в Лиможе на юго-западе Франции, где начал работать художником по фарфору. Он переехал в Париж, присоединившись к мастерской модного художника Шарля Глейра примерно в 1861 году. Курбе оказал влияние на молодого Ренуара. В Париже он познакомился с другими художниками, в частности с Моне и Сислеем, которые впоследствии стали импрессионистами. В 1869 году он и Моне вместе работали над эскизами Сены, и Ренуар начал использовать более светлые цвета. art-Renoir.com	Холмы вокруг залива Мулен Юэ, Гернси 1883
импрессионист-АРТ.ком Импрессионизм и постимпрессионизм. В 1880-х годах Жорж Сёра был в авангарде борьбы с импрессионизмом благодаря своему уникальному анализу, основанному на тогдашних представлениях об оптической теории и теории цвета. Сера считал, что, помещая крошечные мазки чистых цветов рядом друг с другом, глаз зрителя компенсирует визуальное несоответствие между ними, «смешивая» основные цвета для моделирования составного оттенка. В этюде «Воскресенье на Гранд-Жатт» воплощен экспериментальный стиль Сёра, получивший название неоимпрессионизма.Эта картина, последний набросок окончательной картины, дебютировавшей в 1886 году на восьмой и последней выставке импрессионистов (сегодня в Художественном институте Чикаго), изображает пейзажную сцену, населенную неторопливыми фигурами, знакомую импрессионистам тему. Но обновленный стиль Сера оживляет обычный в остальном сюжет виртуозным применением цвета и пигмента. В Circus Sideshow он использует эту технику, чтобы нарисовать редкую ночную сцену, освещенную искусственным светом. импрессионист-АРТ.ком	Воскресенье, полдень на острове Гранд-Жатт 1886 Жорж Сёра
art-Cezanne.com Поль Сезанн (19.01.1839 – 22.10.1906) – французский художник и художник-постимпрессионист, чьи работы заложили основы перехода от концепции художественного творчества XIX века к новому и радикально иному миру искусства ХХ века. век. Часто повторяющиеся исследовательские мазки Сезанна очень характерны и легко узнаваемы.Он использовал цветовые плоскости и маленькие мазки, которые образовывали сложные поля. Картины передают интенсивное изучение Сезанна своих предметов. Говорят, что Сезанн сформировал мост между импрессионизмом конца 19-го века и новым направлением художественных изысканий начала 20-го века, кубизмом. Говорят, что и Матисс, и Пикассо отмечали, что Сезанн «является отцом всех нас». art-Cezanne.com	Игроки в карты 1892
арт-Токарь.ком Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851) — английский художник-пейзажист-романтик. В конце 1780-х годов Тернер разработал свой пейзажный стиль на основе стиля Ричарда Уилсона. В первые годы девятнадцатого века он подражал двум великим мастерам пейзажа семнадцатого века, Пуссену и Клоду, а к 1830-м годам, когда он выставил свои первые картины маслом Венеции, он расширил круг прославленных мастеров, чтобы бросить им вызов в своих работах. Наша работа. В 1831 году он претендовал на наследство Ватто в своем «Этюде Ватто по правилам Фреснуа» (галерея Тейт Британия, Лондон), а в 1833 году вместе с Ван Гойеном встал в русло великой голландской морской традиции в поисках предмета (Коллекция Фрика, Нью-Йорк).В том же 1833 году он выставил свои первые два венецианских предмета. С Мостом Вздохов, Герцогским дворцом (теперь утраченным) и Таможней в Венеции: картиной Каналетти (Тейт Британия, Лондон) он сразу же и сознательно утвердил свое положение потомка своего великого венецианского предшественника. art-Turner.com	«Боевой темер» отбуксировал к своему последнему причалу, чтобы был разбит 1839

Что посмотреть за час

Обратите внимание: произведения искусства иногда пропадают из поля зрения для визуализации, лечения или передачи в другие учреждения.Нажмите на изображения, чтобы убедиться, что работа в данный момент просматривается.

Грант Вуд

Одна из самых известных американских картин всех времен, этот двойной портрет Гранта Вуда дебютировал в Художественном институте в 1930 году, принеся художнику приз в размере 300 долларов и мгновенную известность. Многие думают, что пара — муж и жена, но Вуд имел в виду, что пара — это отец и его дочь. (Его сестра и дантист служили ему моделями.) Он задумал этот холст эпохи Великой депрессии как положительное заявление о сельских американских ценностях во времена разочарования.

Пока мы работаем над улучшением галерей 262–265, Американская готика можно найти в Скульптурном дворе.

Американская готика (тур Essentials)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК:
Художник Грант Вуд случайно обнаружил дом на этой картине. Об этом рассказывает Джудит Бартер, председатель совета директоров Филд-Маккормик и куратор отдела американского искусства.

ДЖУДИТ БАРТЕР:
Ну, однажды он катался по стране и нашел этот замечательный дом в стиле неоготики. И это замечательный дом — я бы купил его в мгновение ока. И он сказал, что хочет нарисовать идеальную пару, которая будет жить в таком доме. Поэтому он нанял своего дантиста и сестру позировать для этой картины.

РАССКАЗЧИК:
Как сказал художник:

АКТЕР (ГРАНТ ВУД):
Я представил американских готических людей с вытянутыми лицами, чтобы идти с этим американским готическим домом.

ДЖУДИТ БАРТЕР:
Грант Вуд никогда не говорил, были ли это муж и жена или отец и дочь. На ней фартук, а с левой стороны картины ее цветочные горшки и домашние дела. Он справа, со своими вилами, вероятно, направился к сараю, который также находится в правой части картины. Поверх полукомбинезона, который указывает на то, что он фермер, он носит классическую рубашку и, вероятно, свой единственный пиджак, наряжаясь для этой фотографии. И она носит свой лучший фартук и семейную камею.

По иронии судьбы, в 1930 году эта аккуратная маленькая фермерская пара уже была вымирающим видом. В 1920 году эта страна была преимущественно городской, а не сельской. И особенно в начале 1930-х годов, в разгар Великой депрессии, молодежь покидала фермы. Эта пара была бы как бы оставлена ​​в пыли.

РАССКАЗЧИК:
Это произведение читается как сатира на американскую мечту… и прославление образа жизни, который быстро исчезал.

ДЖУДИТ БАРТЕР:
Людям в Чикаго нравилась эта фотография, потому что она была для них чем-то чуждым.Это, конечно, была американская сцена, но люди, живущие в больших городах, не очень хорошо к ней относились. И они находили это довольно экзотичным и забавным, поэтому оно было довольно популярным.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Жорж Сёра

На своей самой большой и самой известной картине Жорж Сёра изобразил парижан, наслаждающихся всевозможными видами досуга — прогулками, отдыхом, парусным спортом и рыбалкой — в парке под названием Гранд-Жатт на реке Сена.Он использовал новаторскую технику под названием пуантилизм, вдохновленную оптикой и теорией цвета, нанося крошечные мазки краски разного цвета, которые зрители видят как единый, и, как полагал Сера, более яркий оттенок.

Посмотреть эту работу можно в Галерее 240.

Воскресенье на Гранд-Жатт — 1884 г. (тур Essentials)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК:
Возможно, это самое знаковое произведение искусства в Художественном институте.Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин, куратор и заведующий кафедрой европейской живописи и скульптуры.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
То, что вы видите, это множество разных фигурок. И эти цифры представляют разные сферы жизни. Они собрались здесь, на берегу Сены, воскресным днем, и большинство из них в лучшем воскресном наряде.

Из-за цвета кажется очень живым. Но на самом деле никто не двигается. Там действительно тишина. Сёра хотел извлечь из современной жизни, очистить ее.И сделать, по его словам, наподобие фриза Парфенона, но с использованием современных людей во всех их чертах.

РАССКАЗЧИК:
Здесь есть загадки: слева канотье в кепке кажется непропорционально большим по сравнению с парой, сидящей рядом с ним. Почему маленькая девочка в оранжевом единственная запечатлена в движении? Что это за две оранжевые фигуры справа?

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Для нас это загадочная картина. Это то, к чему мы возвращаемся снова и снова.Вы никогда не устанете от этого. Поскольку вы всегда находите что-то еще необычное, это заставляет вас иначе думать о том, что, как вы думали, вы знали. И это, я думаю, признак великой картины.

РАССКАЗЧИК:
Сёра использовал технику под названием «пуантилизм», и это то, чем он известен. Он рисовал крошечными точками, часто в дополнительных цветах.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Если бы вы были художником-авангардистом конца 19-го века, вы бы подумали о комплементариях на цветовом круге.Такие фиолетовые и желтые, синие и оранжевые, красные и зеленые. И когда вы кладете их рядом друг с другом и не смешиваете, они мерцают.

И вот он разбивает поверхность этими маленькими точками пигмента. И в этом его совершенно иной подход к живописи. И каждому художнику после «Гранд-Жатте» приходилось считаться с тем, какой должна быть картина, и как нам теперь принять эту новую технику.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Hero Construction , созданная в 1958 году, всего через год после того, как чикагский скульптор Ричард Хант окончил Школу Института искусств, состоит из найденных предметов — старых труб, кусков металла и автомобильных деталей — которые художник обнаружил в свалки и на улице.Вдохновленная мифологией и героическими скульптурами прошлого и настоящего, сварная фигура предлагает героя нашего времени, скромного, но стойкого перед лицом прошлой, настоящей и будущей несправедливости и неуверенности.

См. Hero Construction на парадной лестнице Женского совета.

Эдвард Хоппер

Эта культовая картина с изображением ночной закусочной, на которой три посетителя сидят вместе и при этом кажутся полностью изолированными друг от друга, стала одним из самых известных изображений искусства 20-го века.Хоппер сказал о загадочной работе: «Вероятно, бессознательно я рисовал одиночество большого города».

Пока мы работаем над улучшением галерей 262–265, «Ночные ястребы» можно увидеть во Дворе скульптур.

Nighthawks (тур по основам)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК:
Джудит Бартер, Филд Маккормик Председатель и куратор, Американское искусство.

ДЖУДИТ БАРТЕР:
«Полуночники» — действительно захватывающая картина. Такая американская картина. Американскость проявляется во многих деталях: реклама сигар Phillies над закусочной. Солонки, массивные фарфоровые кружки. Держатели для салфеток. Большие кофейники сзади. Придурок с газировкой в ​​кепке. Это то, какой была Америка и что ей нравилось в 30-х и 40-х годах.

РАССКАЗЧИК:
Но присмотритесь. Есть что-то нереальное и отталкивающее в сцене с Эдвардом Хоппером.

ДЖУДИТ БАРТЕР:
Выглядит настоящим, но это не так. Нет ощущения настоящей глубины. Когда вы пытаетесь углубиться в эту картину, она выталкивает вас обратно на поверхность. Он использует кислотно-зеленый против ярко-желтого и оранжевого — красное платье женщины с оранжевыми волосами. Они наводят на вас оскомину, но они работают вместе; он был блестящим колористом.] И если вы посмотрите на закусочную, там нет ни входа, ни выхода, кроме как через оранжевую дверь, которая якобы ведет на кухню. Так что это своего рода герметичная среда с этими четырьмя людьми в этой закусочной ночью.

РАССКАЗЧИК:
И… никто не говорит. У многих «Ночные ястребы» вызывают чувство одиночества. Но сам Хоппер не согласился с этой интерпретацией. В интервью он сказал.

[ЭДВАРД ХОППЕР АРХИВНОЕ АУДИО]:
Думаю, это слова критиков. Это может быть правдой, это может быть неправдой. Так зритель смотрит на фотографии. Что он в них видит.

ДЖУДИТ БАРТЕР:
То, что я вижу в Хоппере, — это чувство обычного человека. Что любой из нас может сидеть в этой закусочной.на самом деле это идея о том, что мы индивидуальности, но у нас также есть и коллективное сознание. Я думаю, что люди просто относятся к повседневности этого. Они могут представить себя на этих фотографиях.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Джордан Кастил из Нью-Йорка известна своими выразительными и чувственными изображениями людей, с которыми она сталкивается в своей повседневной жизни. Ее портрет бывшего президента, Барака , был нарисован, чтобы сопровождать интервью 2020 года в Atlantic с Обамой.Картина Barack , изображающая культовую личность, несколько выделяется в ее творчестве. Кроме того, в отличие от других ее портретов, он основан на фотографии, сделанной не самой художницей. И все же процесс рисования оставался интимным и сопереживающим: как заметил Кастил, «есть еще один уровень «знания», который возникает, когда вы тратите время на то, чтобы нарисовать чье-то подобие».

См. Barack в галерее 295.

Барак, 2020 г.

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

Рассказчик: Это Художественный институт Чикаго представляет. И сегодня мы представляем Джордана Кастил.

Джордан Кастил: Сделать портрет — значит детально продумать слои человеческого существования.

[Музыкальный фрагмент]

Рассказчик: Это Джордан Кастил, художница из Нью-Йорка, известная своими интимными портретами повседневной жизни людей в своем районе и вокруг него. Кастил часто рисует картины почти в натуральную величину, изображая своих героев в их домах, в общественном парке или в метро — места, которые характеризуют нашу повседневную жизнь.В результате предметы Кастил кажутся привлекательными, как будто они приветствуют вас в своем доме или позволяют вам стать свидетелем личного момента. И это имеет смысл, потому что решение Кастил сосредоточиться на портретной съемке проистекает из его пожизненного вклада в людей.

Джордан Кастил: Меня всегда интересовали люди, меня всегда интересовали отношения между людьми, что движет ими, что делает их счастливыми, что делает человека человеком и делает нас нашими. самые глубокие версии нас самих.

Рассказчик: Хотя Кастил не указывает ни на один конкретный момент, который заставил бы ее хотеть рисовать портреты, произведения искусства, с которыми она выросла в своем доме, определенно повлияли на нее.

Джордан Кастил: Так, например, у моих родителей есть гравюра Чарльза Уайта «Мать и дитя», которую я очень отчетливо помню, глядя на нее и чувствуя себя знакомой. Мое родство с собственной матерью я понял еще в юном возрасте. Так что это был тип портретной живописи, и то, что зажигало во мне чувство принадлежности к определенным пространствам, заключалось в том, что я просто видел простое изображение чего-то, что казалось мне знакомым из моего собственного опыта или моего собственного образа жизни.

Рассказчик: Знакомство в репрезентации — важный момент для Кастила. Совершите экскурсию по Художественному институту или большинству художественных музеев, и вы увидите множество портретов, но, как правило, богатых, довольно состоятельных белых людей. Это история, с которой Кастил сталкивается в своей работе.

Джордан Кастил: Есть истории, которые никогда не рассказываются и часто игнорируются. И мне всегда интересны истории, которые не были рассказаны, поэтому, глядя на обширность истории, которую я узнал, с точки зрения истории искусства, я очень редко сталкивался с историями, которые были похожи на мою собственную.И теперь я могу переписать это, просто будучи тем, кто я есть, и рисуя то, что я хочу рисовать.

Рассказчик: Сейчас в Художественном институте мы действительно думаем о силе портретной живописи и ее истории. На момент создания этого эпизода в музее экспонируются портреты президента Барака Обамы и Мишель Обамы из коллекции Национальной портретной галереи, сделанные Кехинде Уайли и Эми Шеральд. И в то же время у нас есть один из портретов президента Обамы, сделанный Кастилом.Поэтому мы хотели узнать у Кастил, как она смотрит на портреты и думает о них, когда посещает музей. Первое, на что она указала, это то, что портрет никогда не бывает просто портретом.

Джордан Кастил: Я думаю о каждой картине как о совместной работе художника и человека, которого он представляет. Так что, поскольку мы видим человека в кадре, если мы говорим о портрете, есть создатель изображения, и создатель изображения работал над многими решениями в процессе создания этой картины.

Рассказчик: Но там, где я мог бы начать, скажем, с выражения лица или его глаз, Кастил начинает с чего-то гораздо более конкретного, чем это.

Джордан Кастил: Когда я впервые подхожу к картине, я думаю, что обычно меня привлекает сама краска. Материал, цвета, формы, отношения между формами. Сначала это композиционная ничья, в которую я втянулся. Это сплошной фон, это текстурированный фон, какие различия между этими жестами заставляют меня чувствовать? И что это чувство говорит о том, кто этот человек, которого они представляют? И где я хочу дольше всего отдыхать глазами в пределах холстовой рамы? Вот почему я люблю рисовать, это просто вопросительный знак.

Рассказчик: Акцент на композиции и цвете действительно может помочь нам, когда мы смотрим на портрет Барака Обамы, сделанный Кастил в прошлом году. Хотя Кастил обычно работает с фотографиями, с этой картиной перед ней стояла непростая задача выбрать одно изображение из тысяч из Белого дома.

Джордан Кастил: Здесь полно изображений Барака Обамы. И у меня появилась возможность посидеть и просмотреть их, я сократил их до четырех или пяти, а затем из этих четырех или пяти остался один.

Рассказчик: Фотография, на которую она приземлилась, была сделана фотографом Питером Соуза, и в отличие от портрета Уайли, где взгляд направлен прямо и вы видите фигуру президента в полный рост, портрет Кастил обрезан очень близко, а президент Обама задумчив, его глаза опущены. или, возможно, закрыто. Это преднамеренный выбор, который перекликается с другими ее портретами, особенно с пассажирами метро Нью-Йорка.

Джордан Кастил: Есть слой дистанции и признания дистанции, но есть и близость.Это привлекает вас только тем, что вы можете увидеть очень конкретную точку зрения. И эта точка зрения принадлежит мне, зрителю, почему я хочу, чтобы вы так ясно видели его лицо, его ухо и взгляд очень далекий, и все же есть ощущение знания. Этот фокус кадра, сжатость и сжатие кадра позволяют вам действительно избавиться от отвлекающих факторов, которые в противном случае могли бы присутствовать.

Джордан Кастил: Эта картина была возможностью разоблачить и испытать близость, которая у меня не обязательно есть и к которой у меня не было доступа в буквальном смысле.Если я не могу буквально стоять перед Бараком Обамой, как бы это выглядело и чувствовалось, если бы я мог?

Рассказчик: Для Кастил портрет — это возможность исследовать уникальную перспективу художника, а также быть приглашенным в мир изображенного человека. И, наслаждаясь этим миром, мы можем открыть что-то новое и глубокое в этом человеке и в себе.

Джордан Кастил: Я думаю, что сниматься на портрете в качестве зрителя — значит находиться в среде, которую вы раньше не видели.Хотя вы, возможно, видите что-то впервые, в этом может быть что-то знакомое. Определите это, найдите и попытайтесь назвать это, а затем распознайте это в связи с тем, что вы не поняли. Я думаю, что каждый портрет — это возможность для исследования и чувство познания и проникновения в дом, разум или окружающую среду кого-то другого.

КРЕДИТЫ

Этот эпизод был спродюсирован и отредактирован мной, Эндрю Мериуэзером, при координирующей помощи Бронуин Кеулер.Мы хотим выразить особую благодарность Джордану Кастилу и галерее Кейси Каплан, а также Джо Айверсону. Это производство Art Institute Presents, вы можете найти все наши выпуски подкастов на Spotify или там, где вы слушаете подкасты.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Пабло Пикассо

Картина Пабло Пикассо «Старый гитарист » — произведение его «Голубого периода» (1901–04).В это время художник ограничился холодной монохромной синей палитрой и плоскими формами, взяв за основу темы страдания и отчуждения, вдохновленные такими художниками, как Эдвард Мунк и Поль Гоген. Удлиненная угловатая фигура также связана с интересом Пикассо к испанскому искусству и, в частности, к великому художнику XVI века Эль Греко. Изображение отражает личное сочувствие 22-летнего Пикассо бедственному положению обездоленных; он знал, каково это быть бедным, будучи почти без гроша в течение всего 1902 года.

См. Старый гитарист в галерее 391.

Старый гитарист (тур Essentials)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК:
Стефани Д’Алессандро, Гэри С. и Фрэнсис Комер Куратор, Международное современное искусство.

STEPHANIE D’ALESSANDRO:
Вы смотрите на «Старого гитариста» Пабло Пикассо, конец 1903-04 гг.Это картина человека, который своими запавшими глазами и закрытыми веками кажется слепым, играющим на гитаре. Может быть, его рот немного приоткрыт и поет, а может быть, он дышит. Может быть, из-за голубого цвета, может быть, из-за исхудалости его тела и его угловатого положения, как бы втиснутого в эту композицию, — но в картине есть и эмоциональный уровень.

Синий цвет был важным цветом для многих художников, художников, заинтересованных в вызывающих воспоминания чувствах, личной субъективности или психологии.Пикассо был такой же частью этого, как и все остальное.

РАССКАЗЧИК:
Посмотрите, как Пикассо использует белые блики, чтобы подчеркнуть изможденность тела фигуры. Как в композиции, так и в тонком изображении фигуры Пикассо отсылает к великому испанскому художнику 16-го века Эль Греко.

СТЕФАНИ Д’АЛЕССАНДРО:
Пикассо был человеком, очень чувствительным к бедственному положению обездоленных. Сам он в то время был борющимся артистом и, конечно же, сочувствовал бы таким людям, как этот старый гитарист, который был бы изгоем в обществе.

Это не только удивительная картина Пикассо, но и самая первая картина, приобретенная американским музеем. И это было началом того, что Чикаго стал известен как место современного искусства.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Винсент Ван Гог

Эта залитая солнцем композиция с яркой палитрой, драматической перспективой и динамичной манерой письма изображает спальню Ван Гога в его доме в Арле, Франция, его первом собственном доме.Ван Гог назвал его «Студией Юга» в надежде, что к нему присоединятся друзья и художники. Он сразу же приступил к работе над домом и нарисовал эту сцену в спальне как часть своего плана декорирования. Ван Гогу так понравилось это изображение, что он написал три разные версии — две другие хранятся в коллекциях Музея Ван Гога в Амстердаме и Музея Орсе в Париже.

См. Спальня для просмотра в галерее 241.

Спальня (тур по основам)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК:
Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин Куратор и заведующий кафедрой европейской живописи и скульптуры.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Я думаю, что одной из причин, по которой люди так притягиваются к этому, является предмет. Я имею в виду, что Ван Гог рисует свою спальню своими картинами и мебелью, которую он купил.

РАССКАЗЧИК:
Это была спальня Винсента Ван Гога в его доме в Арле, где он жил в конце 1880-х годов.Там он мечтал создать коллектив художников — «Студию Юга». Поначалу он был полон большого оптимизма по поводу начинания и идеи наконец-то найти место, которое можно было бы назвать домом.

Сама комната проста, почти аскетична. В письме своему брату Тео он написал:

АКТЕР (ВИНСЕНТ ВАН ГОГ):
Вы, наверное, сочтете интерьер самым уродливым, пустая спальня с деревянной кроватью и двумя стульями — и все же я дважды рисовал ее в большом масштабе.

РАССКАЗЧИК:
На самом деле Ван Гог считал эту картину одной из своих лучших.Куратор Глория Грум.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Он делает это таким интересным и привлекательным, и в то же время [довольно неприятным. То, как ложится краска, ее ломкость. Крайняя радикальность растопыренных половиц. Есть какая-то… я бы не сказал жуткая, но определенно неловкость, неустроенность по этому поводу.

РАССКАЗЧИК:
Это беспокойство, вероятно, связано с душевным состоянием Ван Гога в то время. Он написал эту работу после того, как у него случился психический срыв, он вышел из дома и был госпитализирован с психическим заболеванием.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Он в приюте. [Его] мечты были разрушены. Он знает, что у него никогда, никогда не будет такого собственного дома… это спальня с мебелью, которую вы можете себе представить в любой спальне, но то, как она окрашена, делает ее живой. Это придает еще одно ощущение волнения, о котором мы просто не думаем в искусстве того периода. Это очень необычно.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Южногерманский, Нюрнберг, около 1520

Оказавшись в пылу битвы с поднятым мечом и вздыбленной лошадью, эта фигура верхом может соответствовать многим представлениям о рыцаре в сияющих доспехах, но на самом деле представляет собой обычного наемного солдата.Доспехи для человека и лошади были произведены в Нюрнберге, Германия, в 16 веке, но одежда была тщательно воссоздана в 2017 году по старинным эскизам. Ищите специальные поножи: между двумя кусками полотна вшиты небольшие стальные пластины для защиты ног солдата. Вы также заметите брызги грязи и копоти с поля боя.

См. Полевой доспех для человека и лошади в галерее 239.

Куба

Плотно окрашенная маска Кубы с геометрическим рисунком представляет собой нгади мвааш , идеализированное изображение женщины, которая прославляет роль женщины в жизни Кубы. Ngady mwaah чаще всего появляется как часть трио королевских масок в реконструкциях происхождения Королевства Куба, которые устраиваются на публичных церемониях, инициациях и похоронах. В этих маскарадах нгади мвааш танцует вместе с маской mooshamb-wooy , которая представляет короля (который одновременно является ее братом и ее мужем), и маской bwoom . Мужские персонажи в масках, такие как bwoom , демонстрируют агрессию и тяжесть, в то время как женские персонажи, такие как ngady mwaash , танцуют чувственно и грациозно, хотя маску всегда носит мужчина.

См. этот ngady mwaash в галерее 137.

Нагапаттинам, период Чола

Эта статуя Будды XII века происходит из прибрежного города Нагапаттинам на юге Индии, где процветали буддийские монастыри, привлекавшие монахов из дальних стран. Он сидит в позе лотоса в медитации, положив руки и ноги друг на друга. Знак на его лбу называется урной, что отличает Будду как великого существа.

Посмотреть эту работу можно в Галерее 140.

Будда Шакьямуни, сидящий в медитации (Дхьянамудра) (Тур по основам)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

МАДХУВАНТИ ГХОШ: Когда вы входите в галереи Альсдорфа, скульптура, которая бросается в глаза, — это очень большой Будда, сидящий в медитации.

РАССКАЗЧИК: Мадхуванти Гош, помощник куратора индийского, юго-восточноазиатского, гималайского и исламского искусства Alsdorf.

МАДХУВАНТИ ГХОШ: Это первая скульптура, которую я решил установить в этих галереях, потому что ее расположение определяло, как все остальное поместилось вокруг. {музыкальная пауза} Итак, Будда стоит перед скульптурами из Юго-Восточной Азии, которые вы видите по обе стороны от него. В честь него я поставил перед ним пару тайских монахов. {пауза} Что действительно прекрасно в нем, так это то, что на его теле есть эти отметины — эти 32 отметины, которые должны быть у особых существ.

РАССКАЗЧИК: Если вы посмотрите между глазами Будды, вы увидите одну из этих отметин. Маленькая точка, называемая урной, является знаком божественного видения. На ладонях его рук можно увидеть символ чакры или колеса закона.

РАССКАЗЧИК: Теперь начните обходить скульптуру. Со стороны вы заметите его необычно большие уши, похожие на ракушки кудри волос и пылающий узел на макушке, символизирующий духовное знание. Когда вы будете двигаться к задней части Будды, вы увидите надпись на его спине.Надпись, вероятно, является посвящением от человека или о человеке, который подарил эту скульптуру ее первоначальному месту, монастырю в портовом городе Нагапаттинам, недалеко от юго-западной оконечности Индии.

МАДХУВАНТИ ГХОШ: К сожалению, он совершенно неразборчив, поэтому мы пока не можем его расшифровать. Но это также помогает нам понять, что эта скульптура должна была стоять где-то в круглом месте. Паломники могли бы совершить обход вокруг Будды, и именно так вы чтите священное существо.

МАДХУВАНТИ ГХОШ: Я надеюсь, что, увидев этого прекрасного большого Будду, вы на мгновение просто замолчите и оцените то, что отстаивал Будда… его идеалы.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Джорджия О’Киф (американка, 1887–1986)

Написанная летом 1965 года, когда Джорджии О’Киф было 77 лет, эта монументальная работа завершает серию работ художницы, основанную на ее опыте пассажира самолета в 1950-х годах.Охватывая всю 24-футовую ширину гаража О’Киф, работа не покидала Художественный институт с тех пор, как попала в здание — из-за своего размера и из-за своего статуса важной иконы.

См. Небо над облаками IV для просмотра в галерее 249.

Студии Тиффани

Более 100 лет назад Агнес Ф. Нортроп спроектировала монументальное Мемориальное окно Хартвелла для Tiffany Studios по заказу Мэри Хартвелл в честь ее мужа Фредерика Хартвелла для Центральной баптистской церкви Провидения, Род-Айленд (ныне Сообщество церковь Провидения).Окно, состоящее из 48 панелей и множества различных типов стекла, вдохновлено видом из семейного дома Фредерика Хартвелла недалеко от горы Чокоруа в Нью-Гэмпшире. Величественная сцена запечатлела преходящую красоту природы — солнце, садящееся за гору, текущую воду и пятнистый свет, танцующий сквозь деревья — в замысловатой композиции из ярко окрашенного стекла.

См. Мемориальное окно Хартвелла на верхней части Большой лестницы Женского совета.

Мемориальное окно Хартвелла на обозрении в Художественном институте Чикаго

Топ-20 всемирно известных визуальных художников всех времен

Хотите знать, кто величайшие художники всех времен? Сказать да? Не беспокойся.Прочитайте это руководство до конца!

Видение и талант играют большую роль в становлении великого художника, но как насчет по-настоящему великого художника всех времен? Тяжелый труд, новаторство или настойчивость помогают художнику заслужить такое звание?

По-настоящему великий художник всех времен известен своими работами не только в определенный период времени. Он создает прочное наследие, которое становится вечным.

Если вы спросите историков искусства о лучших художниках, они назовут множество имен, поскольку существуют разные стандарты измерения величайшего скульптора или художника всех времен.Все художники, начиная с эпохи Возрождения, обладают исключительными способностями к созданию шедевров.

Все они внесли важный вклад, изменивший западную культуру.

Что означает визуальный художник?

Визуальный художник — это человек, который создает удивительные произведения искусства. Рисунок, живопись, скульптура, кинопроизводство, архитектурный дизайн, видео, фотография и эстамп — все эти формы искусства связаны с визуальными художниками.

Они используют различные инструменты для создания изобразительного искусства на основе своих творческих идей.Они представляют свои взгляды на социальные и политические проблемы в своих произведениях искусства, а другие произведения искусства изображают моменты повседневной жизни или исследуют текстуры, цвета и размеры.

На самом деле, есть разные факторы, определяющие лучших визуальных художников всех времен. Это может быть само творчество художника или период времени, на который продлилась популярность художника. Все эти факторы играют большую роль в том, чтобы дать художнику славу, которая может пережить века!

К сожалению, в области искусства есть много мужчин и женщин-художников, но мужчины-художники признаны больше, чем женщины-художники, игнорируя тот факт, что женщины-художники должны быть признаны за их большой вклад в мир искусства.

Большинство работ женщин-художников не только превосходны, но и достигли успеха в свое время, несмотря на социальные препятствия. Здесь, в этом путеводителе, мы покажем вам 20 величайших и популярных визуальных художников всех времен по версии музеев или на основе общественного мнения.

Все эти художники оказали неизгладимое влияние на искусство и культуру. Мы будем упоминать не только художников-мужчин, но и художников-женщин в порядке репутации и популярности. Мы также подробно обсудим, кто они, каковы их известные работы и чем они занимались на протяжении всей своей художественной карьеры.

Итак, вы готовы исследовать всемирно известных художников? Без лишних слов, давайте дочитаем руководство до конца.

Кто входит в топ-20 всемирно известных художников-визуалистов

01. Пабло Пикассо

Известный как основатель колледжа и кубизма, Пабло Пикассо является одним из величайших всемирно известных художников всех времен. Он художник, чьи работы до сих пор очаровывают людей этого века. Он был известен своими радикальными новаторскими картинами в 20 веке.

Фактически его имя стало синонимом изобразительного искусства 20 века.Он был не только живописцем, но и скульптором, керамистом, гравером и гравером. За свою художественную карьеру Хо создал почти 50 000 художественных шедевров.

К ним относятся скульптуры, рисунки и картины. Своими произведениями искусства он задал тон другим художникам 20 века.

Пабло Пикассо получил большую поддержку от своего отца в построении его карьеры художника. Его отец тоже был художником, так что это дало ему возможность учиться в лучшей художественной школе Испании. Лучшие произведения Пикассо включают «Мою красотку», «Жизнь», «Семейство Салтимбанков» и др.

Короче говоря, он самый влиятельный художник в истории искусства.

Читайте также:

02. Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи известен как первый человек эпохи Возрождения. На самом деле список влиятельных художников был бы неполным без упоминания Леонардо да Винчи. Он вдохновил многих любителей искусства своими прекрасными картинами и даже чертежами технологий, которые были в будущем почти на 500 лет.

К ним относятся чертежи автомобилей, самолетов и танков.Будучи художником эпохи Возрождения, его самые знаковые картины включают «Тайную вечерю» и «Даму с горностаем», но большую известность он получил благодаря созданию самой известной картины «

».

Мона Лиза. Известно, что Леонардо да Винчи был мастером живописи. Своими картинами он оказал влияние на нескольких художников и живописцев на протяжении всей истории.

03. Микеланджело

Микеланджело — известный итальянский художник, скульптор и архитектор, оказавший влияние на многих скульпторов и живописцев того времени своим невероятным мастерством.

Несколько его работ, в том числе «Давид» и «Потолок Сикстинской капеллы», считаются лучшими в мире. Этот художественный гений всех времен создал такие шедевры, которые гарантируют ему почетное место в истории живописи.

04. Рембрандт ван Рейн

Еще один художник, украсивший мир искусства, — Рембрандт ван Рейн. Он известен своей страстью к натюрмортам и картинам.

Наряду с этим, он также был известен своими произведениями жанровых сцен, пейзажей, анималистики, а также исторических сцен.

Этот гений голландской живописи создал несколько картин, известных своими сокровенными мыслями и эмоциональным содержанием. В своих произведениях он обычно применял технику живописи Караваджо. Короче говоря, он величайший визуальный художник в истории голландского искусства.

05. Артемизия Джентилески

Артемизия Джентилески, итальянская художница, является одной из первых женщин-художников, добившихся огромного успеха в области искусства. Ее роль в искусстве и ее невероятные навыки помогли ей оставить след в истории искусства.Она была первой женщиной, ставшей членом Accademia di Arte del Disegno

.

Она была известна своими взрывными и динамичными картинами. Креативное мышление и решительность в сочетании с техническими навыками — все это можно найти в работах Артемизии Джентилески.

06. Клод Моне

Клод Моне — один из самых влиятельных художников в истории искусства, известный тем, что рисовал сельскую местность на большинстве своих картин.

Пока он был в Париже, вместо того, чтобы копировать других художников в своих работах, он обычно сидел у окна и документировал все, что видел, включая изменчивые эффекты света на пейзаже.

Говорят, что он самый известный художник среди импрессионистов!

07. Йоханнес Вермеер

Одной из самых важных фигур в истории искусства является Иоганн Вермеер, известный своими прекрасными рисунками, в которых он изображал свет как осязаемый объект.

Он славился жанровой живописью и даже имел на этом успех. Дело в том, что он один из величайших артистов всех времен, которые влияют на жизнь сегодня.

08. Ян Ван Эйк

Если мы говорим о Северном Возрождении, имя, которое всегда приходит нам на ум как художнику, — это Ян Ван Эйк.Ян был уважаемым художником своего времени, и до сих пор большинство его работ копируют современные художники.

Он прославился созданием невероятных произведений искусства, включая Дрезденский триптих, «Распятие», диптих «Страшный суд», «Источник жизни», «Благовещение» и многое другое.

Широкую известность получил его «Портрет мужчины в тюрбане». Он был единственным художником эпохи Северного Возрождения, который подписывал свои картины.

09. Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог был выдающимся художником, который был известен своими уникальными яркими цветовыми отношениями и манерой письма в своих картинах.Он родился в Нидерландах.

Большинство его картин имели успех, но особенно натюрморты принесли ему огромный успех. Он рисовал портреты своих друзей. На самом деле, его картины считаются самыми любимыми и известными за все время.

10. Рафаэль

Следующим важным художником в нашем списке всемирно известных визуальных художников является Рафаэль. Он большой влиятельный художник, который стал очень популярным в свое время, когда был молодым художником.

Кроме того, он создал множество прекрасных произведений искусства, которые до сих пор помнят и копируют люди этого века.Среди его самых известных работ:

• Афинская школа
• Сикстинская Мадонна
• Прекрасная жардиньерка
• Преображение
• Триумф Галатеи
• Портрет Бальдассаре Кастильоне
17W Тернер

1.00

Дж. М. У. Тернер — известный британский художник-романтик, чьи выдающиеся работы продолжают волновать людей после их первоначального создания. Играя красками, легкими кистями, он смог создать ряд замечательных произведений искусства, выполненных масляными красками и акварелью.

Его картины полны ярких красок и мазков. Техники живописи, которые он использовал в своих работах, сделали его работы дорожной картой современного искусства!

12. Огюст Роден

Еще один художник всех времен — Огюст Роден, известный как лучший скульптор современности. Этот преданный своему делу и трудолюбивый скульптор использовал глину и модельный камень в своих работах, чтобы сделать их уникальными и знаменитыми на все времена.

На самом деле он опытный художник, который никогда не перестает работать с пейзажами, обнаженной натурой, натюрмортами и портретами.

13. Эдгар Дега

Одним из самых влиятельных французских художников всех времен является Эдгар Дега. Сначала он изучал юриспруденцию, как хотел его отец, но в итоге занялся живописью. Люди знают его по его рисункам пастелью, а также по масляной живописи.

Видный представитель группы импрессионистов, Эдгар Дега заполняет пробел между традиционным искусством и радикальными движениями 20-го века.

Его картины известны тем, что он может включать в свои работы тему танца и движения.Большинство его работ изображают танцоров.

14. Донателло

Родившийся во Флоренции, Донателло был великим итальянским скульптором эпохи Возрождения. Известный как величайший художник 15-го века Донателло, он довольно умело работал с бронзой и мрамором в своих работах. Его самые важные работы включают скульптуры Святого Георгия и Святого Марка.

15. Тициан

Еще один всемирно известный художник – Тициан. Он был одним из известных итальянских художников, живущих в сердцах людей на сегодняшний день.Его прекрасные произведения искусства, написанные с особым вниманием к деталям, изображают религиозные сцены.

16. Марсель Дюшан

Следующим самым влиятельным художником является Марсель Дюшан, сыгравший большую роль в художественном истэблишменте того времени. Он входит в список тех художников, которые оставили свой след в мире искусства.

17. Поль Сезанн

Поль Сезанн, известный как «отец современного искусства», был известным художником и живописцем. Он был известен своими прекрасными произведениями искусства, включая основные формы и формы.

Своей работой он всегда пытался заполнить пробел между импрессионизмом 19 века и новым направлением искусства начала 20 века. Люди знают его из-за его поиска решений проблем репрезентации.

18. Рене Магритт

Одним из лучших и известных художников-визуалов является Рене Магритт. Своими работами он оказал влияние на нескольких музыкантов и художников, создавая различные остроумные и наводящие на размышления образы.

19.Тамара де Лемпицка

Еще одна художница начала 20 века Тамара де Лемпицка, которая использовала в своих картинах насыщенные и яркие цвета, чтобы сделать их привлекательными и уникальными.

20. Мэри Кассат

Следующей влиятельной художницей стала Мэри Кассат. Она создавала привлекательные картины и рисунки, используя яркие цвета и свободные мазки. Раньше люди хвалили ее работу из-за того, что в своих рисунках она уделяла особое внимание матери и детям.

На самом деле, она хотела изобразить чувство материнства через свои работы.Все картины Мэри Кассат на тему материнства продолжают гипнотизировать нас и по сей день.

Заключение

Итак, это известные художники, которые не только известны своим стилем, но и их работы по-прежнему очаровывают мир искусства.

Мы понимаем, что большинство читателей не полностью согласятся со списком, но этот список предназначен только как дань уважения искусству с учетом влияния этих художников на развитие художественных направлений.

Эти художники применили несколько невероятных техник, чтобы добиться максимального эффекта в своих работах.Оказав глубокое влияние на искусство, все эти художники создали удивительные шедевры. Они не только раздвинули границы, но и сделали несколько замечательных инноваций.

Помните, что искусство — это не то, что может понять каждый человек. Художнику очень трудно раскрыть свои работы людям и передать сообщение, которое он хочет показать через работу. Вклад всех этих художников (упомянутых выше) в области искусства сделал их популярными.

Вопрос дня : Кого вы считаете величайшим художником всех времен? Расскажите нам в разделе комментариев!

.

No related posts.