Раздел 5. Развитие дизайна в хх веке

Характеристикики дизайна.

Удобства и комфорт в дизайне. Дизайн как никакой другой вид проекно-художественной деятельности очень тесно связан с такими понятиями, как «удобство» и «комфорт», возникший в условиях индустриального производства серийных, и поэтому недорогих изделий, дизайн с момента с момента своего возникновения был ориентирован главным образом на эстетические и утилитарные запросы массового покупателя со средним достатком. Ошибка в дизайне, продублированная тысячными тиражами, может стать непростительно дорогой. Поэтому выпуск той или иной модели в современном промышленном производстве требует особой ответственности. функциональность и рациональность-одна из основных позиций философии дизайна-достижение максимального эффекта при минимальных затратах.

Мобильность и вариабильность форм.

Вариабильность – один из принципов формообразования в современном дизайне.

Она позволяет при ограниченном наборе типовых элементов значительно увеличивать разнообразие проектируемых элементов. Более точно отвечать тем или иным функциональным требованиям и запросам определенным групп потребителей.

Многофункциональность элементов, их мобильность – возможность трансформации в зависимости от ситуации, — отражают суть дизайна, заключающуюся в рациональной организации предметов и пространства.

Рациональность и функциональность. Ориентированный на широкие слои потребителей, и прежде всего людей со средним достатком, дизайн формирует комфортную среду обитания, максимально эффективно используя пространство, рационально организуя здесь функциональные процессы и расположение оборудования.

Современность и стайлинг. В отличие от художника или архитектора, дизайнер, как правило не имеет конкретного заказчика. Главным критерием, оценивающим его работу, является рынок. Поэтому создаваемые формы должны быть современными модными, отвечающими эстетическим запросам пользователей. Дизайнер в своем творчестве должен быть на пол шага впереди моды, предугадывая ее развитие. Стайлинг – формально-эстетическая модернизация, при которой изменению подвергается исключительно внешний вид изделия, не связанный со сменой функции и не касающийся улучшения его технических или эксплуатационных качеств. Главная цель стилизации – придание изделию нового коммерчески выгодного вида.

Высокая технологичность. Это непрерывный поиск и внедрение в производство новых более совершенных материалов и технологий. Влияние новейших технологий и материалов на художественное формообразование особо ощутимо со второй половины 20 века.

Новаторство. Ориентация на инновации. Постоянный поиск и быстрое внедрение в производство самых последних научно-технических достижений, новейших материалов и технологий, направленных на оптимизацию выпускаемой продукции. Достижение максимального экономического эффекта.

Отсутствие традиций. Использующий новейшие технологии и материалы, ориентированный на современность и изменчивую моду, индустриальный дизайн не имеет ярко выраженной национальной принадлежности, законы рынка делают его интернациональным.

Индустриальность. Вариабильность серий, выпускаемых элементов, позволяющая по принципу конструктора, компоновать эти элементы, составляя различные композиции, адаптируясь к различным ситуациям.

Виды современной дизайнерской деятельности.

Цель дизайна – создание мира прекрасных форм, вещей, которые раскрывали бы истинный характер нашей цивилизации.

С первых шагов становления дизайна, как профессии он претендовал на самый широкий спектр объектов проектирования. « От софы до среды города», — очерчивали круг своей профессиональной деятельности дизайнеры в начале столетия. Сегодня вообще трудно себе представить какую-либо сферу человеческой деятельности, в которой не трудился бы дизайнер. Индустриальный дизайн. Представляет основную группу в сфере приложения труда дизайнера, отсюда берет начало дизайн как «промышленное искусство». Первостепенное место в деятельности индустриального дизайнера занимают орудия труда и механизмы, предметы быта.

Дизайн одежды и аксессуаров.

Еще недавно, в 60-70-е годы мода подразделялась на уникальные работы художника-модельера, дизайнера и серийно-выпускаемую продукцию модельера швейной индустрии. Сегодня и эксклюзивные произведения «от кутюр» и серийную продукцию швейной индустрии «прет-а-порте» относятся к дизайну среды. Графический дизайн. Искусство оформления книги, промышленная графика и упаковка, разработка этикетки и торговых марок, фирменных знаков шрифтовых гарнитур, рекламной продукции на щитах, фасадах в городе.

Компьютерный дизайн. Специальные пакеты художественно-графических инженерно-конструкторских программ, включая трехмерную графику и мультипликацию, сегодня заменяют целую группу смежных специалистов. Компьютерный дизайн стремительно развивается из прикладного в самостоятельный вид дизайнерской деятельности. 

Арт – дизайн. Ряд творческих течений, направленных на синтез с художественным и архитектурным формообразованием. Центральное место среди профессиональных средств дизайнера по праву занимает графическое изображение.

Дизайн архитектурной среды. Дизайн интерьеров и организация предметно-пространственной среды города. Дизайн интерьеров включает интерьеры и оборудование общественных помещений, жилых пространств и интерьеры производственных зданий. В последнее время включает в себя «садово-парковое искусство» и «ландшафтный дизайн».

Компьютерное моделирование. Компьютерная графика, дающая возможность моделировать объект с мельчайшими подробностями, делать за короткий срок большое количество вариантов.Позволяет моделировать восприятие объекта в движении создавая мультфильм или видеофильм, максимально приближая его к действительности.Объемные макеты. Макетирование. Макет – объемное изображение – дает представление о пространственной структуре, размерах и пропорциях объекта, выполняет поисковую (рабочий макет) и представительскую функцию (демонстрационный макет).

Дизайн как феномен культуры 20 века.  Дитя промышленной революции, дизайн молниеносно ворвался в нашу жизнь вместе с паровыми машинами Джеймса Уатта и локомотивами Раймонда Лоуи, электроприборами Петера Беренса и Дитера Рамса, пишущими машинками Марчелло Ниццоли и Эттора Соттсаса, воздухоплавательными аппаратами братьев Райт и вертолетами Сикорского, космическими фантазиями Стенли Кубрика и Вернера Пантона.

20 век по праву можно считать веком дизайна. За столетнюю историю развития у дизайна появились свои «идолы» — выдающиеся произведения, которые на западе называют «иконами дизайна». Они определяют вехи в развитии дизайна, для них сегодня строятся специальные музеи и выставочные залы.

Получившие всемирную известность такие произведения дизайна,  как мебель Ле Корбюзье, Марселя Бройера, Чарлза Макентоша и Геррита Ритвельда, посуда Джозефа Хофмана, Карла Пота и Арне Якобсона, воспроизводятся по сей день, становясь престижным украшением интерьеров, офисов и дорогих салонов. Сегодня об истории дизайна мы можем по полному праву говорить, как говорим об истории искусств и архитектуры.     100 с небольшим лет для истории – это ничтожно малый срок. Однако прошедший век не просто.

Исследователи считают, что путь, который прошла наша цивилизация за последние 100 лет, в своих открытиях и научно-технических достижениях соизмерим со всей предшествующей историей человечества. А значит, и летопись дизайна, отражающая весь ход научно-технического прогресса, не смотря на свои скромные временные рамки, становится сопоставимой с традиционными и знаковыми нам всем историей архитектуры и градостроительства, живописи и декоративно-прикладного искусства.

В начале 20-го века набирающие силу молодые немецкие монополии стремились на мировой рынок. Однако уровень их продукции на столько низок, что правительство Великобритании в целях протекционизма требует простановки на товарах знака «сделано в Германии», обоснованно считая, что уже это оттолкнет английских покупателей. Тогда промышленники намечают ряд экстренных мер и создают совместно с видными деятелями искусств в 1907 году. Обращая особое внимание на внешнюю привлекательность продукции (форму, материалы, отделку) и комфортность. (Удобство и безопасность в эксплуатации). 1920-е годы и их канун. С начала мировая война, затем революционные потрясения и всплеск активности художников, архитекторов, критиков. «Искусство и техника – новое единство» — лозунг художественно-промышленной школы нового типа Баухауз. В этот период в России время бескомпромиссных споров, зарождений теорий, становлений профессионального образования. 

В послереволюционной Советской России в силу объективных причин не могла иметь место ситуация, характерная для Западной Европы, где становление дизайна стимулировалось пониманием необходимости повышения конкурентоспособности продукции и совместными усилиями промышленников, архитекторов, художников прикладников.

Зато у нас была государственная поддержка авангардных течений в искусстве.Главным импульсом формирования современного дизайна стало движение «Производственное искусство». Оно опиралось на левые течения художников, которые в процессе своих формально-эстетических экспериментов «выходили» в предметный мир. Производственное искусство носило ярко-выраженный социально-художественный характер

В этот период Каземиром Малевичем был создан термин «Супрематизм» (от латинского «supremus» — высший, крайний). Геометрические фигуры написанные чистыми, локальными цветами, располагаются в трансцендентном (в нереальной, конкретной ситуации), пространстве, «белой бездне», образуя динамично-статичные гармоничные композиции. К.Малевич одним из первых нащупал те предельно простые стилеобразующие элементы, которые стали основой стиля 20 века. Со временем супрематизм на уровне проектно-композиционной стилистики «выплеснулся» в виде суперграфики, декора, орнамента на архитектурные объекты, транспортные средства, ткани, предметы быта, широко стал использоваться в прикладной графике, графическом дизайне. Конструктивизм представлял иную концепцию формообразования, основанную на акцентировании внутренних структурных связей между теми же, что и в супрематизме, абстрактными геометрическими элементами, подчеркивании особенностей материалов, выразительности их сочетаний

30-е годы. В США после первой мировой войны наблюдался бурный технический прогресс и технический подъем. Однако на рубеже 20-30-х годов их сменил глубокий экономический кризис. Продление его последствий становится стимулом для развития дизайна. Бэл Геддедес (1893-1958), положил начало «оптекаемости» изделий своими многочисленными рисунками. Это дало развитие принципам формообразования и стайлинга.    В 30-е годы одновременно с началом активной дизайнерской практики  в Америке и Европе складывается теоретическая база дизайна.. Дизайн США стал неотъемлемой частью американского образа жизни, прежде всего с воссоздания предметного окружения, создания новых видов товаров и услуг. Дизайн, порождение новых социально-экономических отношений государственно-монополистического капитализма и рыночных отношений, выполняя  коммерческую задачу, стал одним из ведущих и эффективных факторов конкурентоспособности. Позиция ведущих американских дизайнеров  «самая важная цель дизайна – заставить звонить кассу, выбивающую чеки» и «дизайн является хорошим в той степени, в какой он способствует сбыту.

В Англии в 1944 году была создана полуправительственная организация  Британский Совет по технической эстетике

Правительство СССР в феврале 1945 года, для восстановления разрушенного хозяйства воссоздает художественно-промышленные училища в Москве.

Образование

Впервые проблемы преподавания основ дизайна были заявлены как имеющие самостоятельные значения при обсуждении итогов Первой Всемирной промышленной выставки, проходившей в Лондоне в 1851 году. Это сделала занимавшаяся реформой художественного образования и развитием художественной промышленности специальная комиссия, возглавляемая сэром Генри Колом. В вышедшей тогда же книге «Наука, промышленность и искусство» немецкого теоретика искусства Готфрида Земпера, посвященной урокам Всемирной промышленной выставки, были даны конкретные предложения по реформе системы образования в художественных школах с идеей специализации обучения по основным видам дизайнерской деятельности после общих вводных курсов. Этот принцип обучения был заложен в программу созданного в 1850 годы Саут-Кенсингстонского колледжа, в котором преподавание основывалось не на отвлеченном штудировании классики, а на конкретном изучении коллекций музея и материалов проводившихся здесь выставок современной художественной промышленности.

К новым условиям стала приспосабливаться и основанная в 1837 году Нормальная школа дизайна, ставшая после реорганизации ведущим государственным учебным заведением в области искусства и известная больше под названием Королевский колледж искусств.

В 1854 году в Цюрихе открылась Высшая техническая школа. Архитектурное отделение в ней было предложено возглавить Г. Земперу. Здесь он написал свой знаменитый труд «Стиль в технических и тектонических искусствах, или Практическая эстетика», повлиявший на сложение теории художественной формы конца 19 века. Французские художественные школы в 19 веке , так или иначе связанные с промышленным прогрессом и готовившие мастеров для мануфактур, эволюционировали от общеобразовательных ремесленных училищ, в сторону специализированных школ искусств и ремесел. Национальная школа искусств и мануфактур, открытая в Париже еще в 1829 году, к середине века включила в свой курс дополнение к традиционным основам художественных ремесел основы механики, физики, химии и выпускали специалистов , соединявших в одном лице художника, инженера и архитектора.

Новый этап развития европейского дизайнерского образования был связан с преодолением разрыва между замыслом и исполнением. Под влиянием Уильяма Морриса в Англии начали создавать различные общества и школы ремесел. Среди них были Общества выставок искусств и ремесел, Ассоциация искусств и кустарных промыслов, Королевская школа художественного шитья. Из наиболее известных личностей в художественной культуре Англии 19 века, воздействовавших на формирование методики дизайнерского образования следует назвать Оуэна Джонса, Чарльза Ренни Макинтоша и Уолтера Крейна.

В 1899 году в Королевском колледже искусств было открыто специализированное отделение для художников промышленности с целью «непосредственного приложения искусства к промышленности». Большое внимание в обучении на отделении уделялось развитию способности выполнять все своими руками. Это считалось полезным для художников, создающих проекты изделий для машинного изготовления.

В 1913 году в Англии были введены специальные дипломы для окончивших дизайнерские отделения, в которых удостоверялось способность к самостоятельному творчеству в области живописи, моделирования, прикладной графики и индустриального дизайна. Одним из крупных учебных заведений тех лет была Школа промышленного искусства в Хельсинки, связанная с деятельностью финского Общества прикладного искусства.

К середине 1870-х годов ее программа, характер студенческих групп и состав преподавателей стабилизировались. Определились методы обучения рисунку, геометрическим построениям на плоскости, в пространстве, работе с деревом, металлом ,текстилем. Школа стала ориентироваться в основном на промышленное производство, сохраняя связь с прикладной традицией, закладывала базу будущего профессионального дизайнерского образования.

К концу 19 века относится возникновение художественно- промышленных училищ в Японии. После поездки по Европе один из реформаторов японского традиционного художественного промысла Кайдзиро Нотоми основал в 1887 году в городе Канадзава училище с тремя отделениями: искусства и предметного проектирования, художественных ремесел традиционного типа, чертежно-графических работ. Годом позже открывается Высшее художественно- промышленное училище в Токио.

Подводя итоги этапу становления дизайнерского образования, можно отметить, что тогда уже были заложены все его основные направления и тенденции. Позднее появились крупные центры подготовки дизайнеров, которые сыграли заметную роль не только в профессиональном оформлении дизайна, но и в культуре в целом: Баухауз в Германии, ВХУТЕМАС в России, первые американские школы 30-х годов, английские школы 30-40-х годов. Затем началась эпоха Ульмской школы, формирования систем дизайнерского образования в отдельных странах Европы, Азии, Америки, которые превращались в общественную силу именно как системы школ . ..»(Харитонов Алексей Валерьевич, подробнее:

Принято выделять два основных направления в становлении дизайна:Российское (ВХУТЕМАС) и Германское (БАУХАУЗ).

В основе всех мировых школ дизайна лежат образовательные концепции, так или иначе восходящие к опыту ВХУТЕМАСа-Баухауза. Базовыми знаниями мирового дизайнерского образования весь ХХ век являлась пропедевтика: элементарные вводные курсы, учившие видеть простое в сложном, расщеплять любую форму — на геометрические первоэлементы, жизнь — на функциональные процессы. Сама по себе модернистская парадигма есть по сути как бы система художественного образования. Школа приёмов, с помощью которых можно анализировать всю предшествующую культуру, переконструировать существующую и строить новый мир — целесообразный, технологичный, функциональный и социально справедливый.

62.Советский дизайн 20 годов.

Искусство русского авангарда — как живописные эксперименты, так и более поздние опыты в области формирования предметной среды -оценивались неоднозначно с момента своего возникновения. Б.В. Виппер называл новейшие направления живописи — футуризм, импрессионизм, супрематизм, — «.искусством, потерявшим качество». А.В. Луначарский, приветствовавший в первые послереволюционные годы завоевания художников русского авангарда в живописи, все же отмечал, что народным массам ближе повествовательное искусство, реализм, но формальные эксперименты могут быть оправданы в предметной среде, в образцах вещей, производимых массовым способом. Процесс обращения в 1920-е годы художников авангарда к предметному творчеству представлен как закономерный итог экспериментов в области изобразительного искусства. Именно создание собственных живописных систем художниками беспредметного искусства нашло свое дальнейшее отражение и развитие в предметной среде. Политическая ситуация в нашей стране всегда оказывала очень сильное влияние на развитие искусства. Основные открытия, совершенные в области станковой живописи это — открытие языка простейших геометрических форм (абстракции), который стал основой пластических поисков в формообразовании; возрастающий интерес к различным материалам и фактурам, большее внимание к композиции — конструкции геометрических элементов на полотнах; а также и позднейшие опыты по взаимодействию объемных абстрактных форм с окружающим пространством («контр-рельефы»). Создание собственных живописных систем являлось важным результатом для последующих стилевых поисков в области формирования предметной среды: только освобождение от конкретных, привычных форм в области живописи и появление абстракции привели к созданию предметов совершенно иных конструкций, не имевших аналогов в реальности. В. Татлин и JI. Попова стояли у истоков конструктивизма. Творческая эволюция художников русского авангарда определяется как единый процесс, в котором важен элемент изобретения, новаторства, творческого поиска, позволивший художникам позднее обратиться к сфере дизайна.Эволюция в области живописи рассматривается как переход «от изображения к конструкции», позволивший совершить новый этап обращения «от конструкции к производству», «от холста к ситцу». В творчестве художников русского авангарда важное место всегда занимали теоретические разработки, им был свойствен процесс постоянного осмысления и оценки собственных открытий в области живописи и постепенного перехода к работе в сфере предметной среды. Теоретические разработки доказывают закономерность обращения художников авангарда в 1920-е годы к проектированию новых вещей.Художники выдвигают новые цели и задачи, стоящие перед современным искусством. Решением этих задач являлись непосредственно эксперименты в области дизайна, благодаря которым должен быть изменен окружающий мир и человек. Вещи, выполненные в 20-е годы XX века, созданы конструктивистами и супрематистами. Предметы выполнены из фарфора, образцов ткани, костюма и мебели, акцентируются аспекты различных подходов к формообразованию вещей представителей данных направлений. Если для конструктивистов утилитарные задачи и функция вещи всегда определяли поиск новой формы предмета, то супрематисты уделяли мало внимания конкретным функциональным проблемам создаваемой ими вещи — предмет являлся, скорее, идеей, проектом форм будущего, символом-знаком новой реальности. Преобразования, проводимые художниками русского авангарда, затронули практически все области художественного творчества. Ими были созданы не только новые живописные системы, но и осуществлены опыты в сфере дизайна и архитектуры. Эксперименты в области предметной среды, хотя и были осуществлены в то время в большой мере лишь на уровне опытных образцов, оказали значительное влияние на развитие дизайна и языка пластических форм XX века в целом. Повлияли идеи конструктивизма на сложение типовых форм промышленных изделий, которые обусловливались функциональными параметрами вещей; а также возникли уникальные авторские произведения, в которых часто воплощались и идеи супрематизма. Для рассматриваемого периода также характерно и взаимовлияние идей супрематизма и конструктивизма, часто соединявшихся в одном произведении. Работа с предметной формой была не формалистическим исканием, а поиском новой функции и эстетики бытовой среды человека нового общества. Особое значение в 1920-е годы получила идея формо-миростроения К. Малевича. Возникают теоретические концепции-модели «городов будущего» и описывается мир «нового человека», а художники пытаются воплощать в реальности самые смелые идеи (Л. Татлин). Теперь художник призван работать в самых разных сферах, проектировать костюм, мебель, посуду, технику, архитектуру. У художников русского авангарда в 1920-е годы исчезает деление на «высшие» и «низшие» сферы искусства. Подобная идея возникает примерно в то же время в Германии и формируется в теоретическом манифесте В. Гропиуса (1919 г.): «Между художником и ремесленником нет коренных различий. Давайте образуем новый цех ремесленников без расслаивающей на классы надменности, стремящейся возвести высокомерную стену между ремесленниками и художниками. Вместе пожелаем, придумаем и создадим общее строение будущего, в котором все будет заключаться в одной форме: архитектура, пластика и живопись». Каждый автор в 1920-е гг. должен был один проектировать предметы, которые бы не повторяли ранее существующих форм, поэтому за основу для формообразования были взяты простейшие геометрические формы, локальные цвета, выявлялись особенности материала и конструкции. Вещи, выполненные К. Малевичем, были, скорее, идеями, которые следовало разрабатывать другим художникам, а предметы, которые изготовлялись под руководством В. Татлина, могли непосредственно использоваться человеком.В отличие от Западной Европы, где формирование дизайна стимулиро­валось стремлением промышленных фирм повысить конкурентоспособность своих изделий, в России, где ни до, ни после революции подобный заказ со стороны промышленности еще не был сформирован, истоки дизайна следует искать в левых художественных течениях. В первое десятилетие XX в. авангардные течения в живописи неуклонно двигались в сторону беспредметности, то есть к абстракционизму. В России, как известно, абстракционизм нашел выражение в двух основных вариантах — конструк­тивном (К. Малевич) и экспрессионистическом (В. Кандинский). Новое направление полностью отказывалось от изобразительности и сводило живопись к нескольким формальным фигурам, имевшим символическое содержание. Свой выход из живописи в предметный мир супрематизм начал, не превращаясь из плоского в объем­ный, а разрывая рамки картины и выходя в некое иллюзорное пространство, которым могла стать любая поверхность любых предметов. Малевич в свою концепцию супрематического преобразования мира включал и архитектуру, и предметный мир. Но исторически получилось так, что супрематизм на уровне проектно-композиционной стилистики сначала выплеснулся в виде орнамента и декора на стены домов и на плакаты, на ткань и на посуду, на предметы туалета и на трамваи и т. д. Заслуга «перевода» супрематизма из плоскости в объем принадлежит Л. Лисицкому. В 1919-1921 гг. он создал свои «проуны» (проекты утверж­дения нового) — аксонометрические изображения находящихся в равновесии различных по форме геометрических тел, которые то покоились на твердом основании, то, как бы парили в космическом пространстве. Прямым предшественником или, возможно, родоначальником конст­руктивизма — еще одного мощного течения авангардного искусства — был В. Татлин. С самого начала он наметил путь к конструктивизму, утверждая новый род искусства – скульптоживопись. Он отвергал изобразительность ради вещи как таковой, с ее самоценностью и предметной определенностью. Художественное произведение, по Татлину, не должно ничего изображать. Оно само по себе есть объект, предмет. После 1913 г. Татлин перестает заниматься живописью. В 1914 г. после возвращения из Парижа он занялся созданием контррельефов — конструкторских композиций. Отправной точкой для новых исканий художника явились композиции Пикассо.Живописный рельеф Татлина «Бутылка» не изображал бутылку на плоскости, а являл собой комбинацию из различных материалов (металл, дерево, обои). В одной части композиции контррельефом (вырезом) введен силуэт бутылки. Но этого силуэта могло бы и не быть. Важнейшей задачей стала здесь комбинация материалов: выявление особенностей каждого из них, возможности участвовать в целесообразной и экономной конструкции, которую создает художник. Фактура и цвет тоже приобретают самоценность. По мере дальнейшего развития Татлин все более отчетливо формулирует для себя эту задачу. В его произведениях все более проявлялась отчетливаяизобретательность и чувство целесообразности, характерные для инженерной мысли. Не случайно в 1920-х гг. художник начал заниматься своим знаменитым «летатлиным» — летательным аппаратом, способным без мотора передвигаться с человеком по воздуху. Идеи Татлина подхватили Родченко, Степанова, братья Стенберги и многие другие художники, ставшие вместе с Татлиным родоначальниками советского дизайна.Наряду с различными авангардными художественными течениями в послереволюционной России нарождается движение, получившее название «Производственное искусство». Своими корнями оно уходит в футуризм начала XX в., который провозглашал интеграцию искусства и техники. В процессе его становления взаимодействовали два мощных потока: теория производственного искусства и художественные формообразующие процессы. В группу теоретиков производственного искусства входили О. Брик, Н. Пунин, Б. Арватов, Б. Кушнер, А. Ган, С. Третьяков, Н. Тарабукин, Н. Чужак и др., сыгравшие большую роль в становлении производственного искусства. Они отрицали старое станковое искусство и провозглашали новое искусство как «новую форму практической деятельности». В своих работах они рассматривали в основном общетеоретические социокультурные проблемы новаторских течений в искусстве, откликаясь на социальный заказ эпохи и отстаивая «эстетику целесообразности». Концепции теоретиков и творческие поиски левых художников были объединены в едином творческом процессе и явились уникальным явлением в масштабе дизайна XX в. в целом. Прежде всего, радикально переосмысливались место и роль художника в художественной промышленности.Теория производственного искусства формировалась в первые годы советской власти в процессе осознания социальной роли искусства. Теоре­тики призывали художников приступить к реальной практической работе в производстве. Они считали, что новое искусство должно стать производ­ственным искусством, создающим материальную среду. Они мечтали о новом гармоничном человеке, пользующемся удобными вещами и живущем в благоустроенном городе. Вместе с тем они нередко противопоставляли полезные вещи произведениям искусства. Наиболее радикальным из них казалось, что пролетариат отвергнет все «бесполезные» предметы, в том числе и произведения искусства, что ему будут необходимы лишь полезные вещи. Целый отряд архитекторов, искусствоведов и художников поставил перед собой цель — слияние своего искусства с новой жизнью, видел целью развития искусства вхождение его в промышленное производство, в «де­лание вещей». Их называли производственниками.На практике же каких-либо принципиальных изменений во взаимоот­ношениях художников и производства в 1920-е гг. не произошло, несмотря на все призывы и декларации теоретиков. Если некоторым «художникам-производственникам» и удалось более или менее тесно наладить со­трудничество с промышленностью, то это произошло в тех областях, где художники всегда играли заметную роль, — на текстильных и швейных фабриках, на фарфоро-фаянсовых заводах, в полиграфическом производстве. Ранний этап формирования советского дизайна характеризовался, таким образом, интенсивными поисками и экспериментальными разработками в области формообразования. Конструирование оказалось той специфической областью работы первых советских дизайнеров, которая коренным образом отличала ее от работы художника-прикладника и от художника, ранее работавшего в художественной промышленности. Уже первые художественные эксперименты А. Родченко свидетельствуют о его стремлении сблизить живопись с предметно-художественной сферой творчества. В 1915 г. он создает серию графических композиций, все линии которых нанесены с использованием чертежных инструментов. Главная особенность этих графических построений — строгая геометричность всех контуров и линий. Продолжая эксперименты, А. Родченко в работах 1916-1917 гг., в отличие от подчеркнуто плоскостных композиций первой графической («чертежной») серии, выявляет форму элементов и пространственную глубину.В 1917 г. Родченко предпринимает первую попытку создания реальных вещей, проектируя настенные светильники для кафе «Питтореск» в Москве. По проектам видно, что их создавал художник, привыкший к работе на плоскости. Сложные композиции светильников он конструирует, идя не от объема, а от плоскости. Он берет простые по конфигурации плоскости и «сворачивает» их в цилиндры, конусы, спиралевидные ленты. Тогда же Родченко интенсивно экспериментирует с фактурой, пробуя различные способы нанесения краски и механической обработки поверхностей — валик, заливка, пресс, шкурка, трафарет. Много внимания он уделяет экспериментам с цветом, анализируя и выявляя его различные свойства. В 1918 г. он создает композиции, где выражена динамичность цвета, зрительно раз­рушающего форму, выгибающего ее.В серии пространственных конструкций 1920-1922 гг. Родченко как бы непосредственно «развернул» плоскостную композицию в пространствен­ную. В этих композициях он выступает как конструктор, который ищет новые рациональные приемы создания и возможности использования про­странственных построений. В этой серии пространственных конструкций Родченко как бы в зародыше заключены те идеи пространственной транс­формации мебели, оборудования, выставочных стендов и т. д., которые раз­рабатывались позднее и им самим, и под его руководством студентами на металлообрабатывающем факультете ВХУТЕМАСа. Советский дизайн, как уже отмечалось выше, формировался в условиях почти полного отсутствия фактического заказа со стороны промышленности на проектировщика-художника. Разумеется, речь идет не о художественной, а о той промышленности, где художник раньше не работал. Почти вся новая техника создавалась без участия художника. Однако в плакате, книге, одежде, ткани, фарфоре, праздничном оформлении, где активно работали пионеры советского дизайна и где отрабатывался ряд общих профессиональных приемов, художники видели реальные плоды своего труда. В 1920-е гг. бурно развивалась та сфера городского дизайна, которая была связана с оформлением праздников и различного рода массовых дей­ствий, с продажей агитационно-массовой периодической печати. Это прежде всего, объемные агитационно-праздничные установки, трибуны, эстрады и газетно-журнальные киоски. На эти объекты был такой большой спрос, что возникла потребность в образцовых проектах. Эта область предметно-художественного творчества стала одной из сфер реализации экспериментов пионеров советского дизайна. Так, например, в 1922 г., к пятой годовщине Октябрьской революции Г. Клуцис создал серию агитустановок и трибун. Все проекты серии были выполнены в одной манере — двухцветные аксонометрии (черное и красное). Ажурные конструкции установок были дополнены лозунгами, антеннами, экранами, репродукторами и ди­намическими элементами, вращающимися и раздвигающимися.Художники искали новые средства воздействия на массового покупателя. Бесспорно лучшие образцы советского торгового рекламного плаката 1920-х гг. создал А. Родченко с текстами В. Маяковского.Художники-производственники внесли много принципиально нового в конструирование одежды. Введение вначале 1920-х гг. новой экономической политики (нэп) привело к появлению новой имущественной социальной прослойки — нэпманов, ставших основными потребителями моды. Это вызвало волну отрицания модной одежды представителями рабочего класса, провозглашавшими простоту и даже аскетизм в одежде. С повседневной одеждой экспериментировал В. Татлин. Его работы в области костюма немногочисленны, но они заложили основы дизайнерского подхода к конструированию целесообразной одежды. К 1923-1924 гг. относятся эскизные проекты женского платья и мужского пальто. В них четко про­слеживается стремление создать удобную в повседневной носке одежду, свободно сидящую на фигуре, не стесняющую движений и в то же время не связанную с модой. Советский дизайн в целом формировался в 20-е гг. XX в. в чрезвычай­но своеобразных условиях, отличающихся от условий, характерных тогда для других стран. Коренные социально-экономические преобразования, бурное развитие агитационного массового искусства, интенсивные формально-эстетические поиски, наличие развитой теории производственного искусства, стремление художников к преобразованию предметно-пространственной среды — с одной стороны, а с другой — отсутствие реального массового заказа со стороны промышленности на дизайнерские разработки.Мужество и социальный оптимизм пионеров советского дизайна тем более достойны удивления, что их деятельность проходила в условиях почти полного хозяйственного разорения страны. То, что они могли дать обществу реально полезного — проекты совершенной мебели или одежды, в то время было не нужно: все это почти не производилось. Более же сложные производства этим художникам были недоступны — они не были технически подготовлены. Резкий разрыв между мечтами, теоретическими Устремлениями «производственников» и насущными конкретными задачами, стоявшими перед новым обществом, в конце концов привел к упадку этого течения.

Развитие графического дизайна и модернизм ХХ века.

1. Модернизм. 10-30гг  ХХ века.

2. “Хороший дизайн”. Графический дизайн 40-50гг ХХ века.

3. Поп-арт. Графический дизайн 60-х годов ХХ века.

4. Графический дизайн 70-80хх годов ХХ века.

5. Графический дизайн 90хх годов ХХ века.

6. Современный графический дизайн.

Модернизм начала ХХ века.

В начале прошлого века особо выделяются несколько направлений.

• Модерн.
• Авангард-модернизм.
• Китч.
• Арт-деко.

Модерн доминирует в дизайне и рекламе до 1914 года. Ар-нуво, при помощи модерна, постепенно усложняется и пересекается с китчем. Появляются художники которые представляют новый модерн. Остаётся эстетичность и чёткость пятен, но это уже совсем другой модерн. Он относится более к ХХ столетию, чем к ХIХ.

Модернизм и авангард ещё не приняли какой-то конкретной формы. Появляется целый ряд художников и творческих объединений: “Синий всадник”, “Мост”, кубизм, фовизм, орфизм, конструктивизм, футуризм, дадаизм, супрематизм. Стремительное развитие графического дизайна толкает художников на экспериментаторство. Идёт поиск нового художественного языка, поиск средств выражения и диалога со зрителем.  В 1919 году открывается первая школа дизайна – Баухаус. Основной принцип в школе того времени это функционализм.

Китч не является целенаправленной, стилистически обдуманной концепцией. Это нагромождение факторов повлиявших на дизайн того времени.  а) Отсутствие дизайнерского образования как такового и как следствие отсутствие квалифицированных кадров. б) Невысокий технологический уровень развития типографского оборудования того времени.  в) Дизайн начала ХХ века носит более информативный характер, где эстетика уходит на второй план.

Арт-деко это целый набор стилей сочетающих в себе: модерн, кубизм, функционализм, отголоски древнего изобразительного искусства Африки, Египта, Америки, Востока. Основные черты стиля это этнические геометрические узоры, строгая закономерность, шик, мотивы прошлого, роскошные материалы и декор. На первое место становиться эксклюзивность и орнамент, а функциональность носит второстепенный характер.

Вторым этапом в развитии графического дизайна можно выделить 20-30гг ХХ века. Это время когда арт-деко сформировлся окончательно и вобрал в себя новейший функционализм раскрашенный различными элементами из других культур и дополняющий к тому времени наскучивший модерн. Среди основных стилистических тенденций того времени можно выделить:

1. Функционализм, модернизм. Модернизм сливается с арт-деко. Не без участия школ дизайна (БАУХАУС, ВХУТЕМАС) арт-деко перетекает  функционализм. Хороший пример арт-деко и модернизма – работы иллюстратора Эдуардо Гарсиа Бенито (1891-1981) и Мигеля Коваррубиаса (1902-1957).

2. Модерн постепенно уходит, опять-же, трансформируясь в арт-деко.

3. Китч. Это особый китч полученный под влиянием голливудского образа жизни и своеобразным прочтением арт-деко в Америке. Параллельно зарождается Пин-ап. Образец китча и пин-апа можно увидеть в работах Еноха Боллза.

Енох Боллз

Енох Боллз

Енох Боллз

Енох Боллз

4. Реализм. Реалистические изображения никогда не уходили до конца из графического дизайна. 20-30гг на них накладывается стилистика арт-деко.

Графический дизайн 20-30х годов ХХ века в меру декоративен (изыски модерна сглажены арт-деко), более массовый, простой и смелый. Дизайн и реклама теряют яркие черты одного стиля и становятся более повсеместными, менее элитарными.

 

 

 

 

 

Поделиться в социальных сетях

10 главных имен XX века

Мис ван дер Роэ проектировал кресло для короля Испании, Алвар Аалто открыл собственную фирму по производству мебели, а Марсель Брёйер придумал первый в истории дизайна стул из гнутой металлической трубы. Архитекторы нередко создавали мебель, а многие знаковые дизайнеры XX века были архитекторами по образованию.

Losko вместе с Софт Культурой — образовательной площадкой для архитекторов и дизайнеров интерьера — рассказывает о 10 архитекторах, которые создавали предметы, ставшие иконами дизайна XX века.

Жан Пруве

Французский архитектор и дизайнер Жан Пруве остался в истории как новатор, который для всего находил простые и функциональные решения. Придуманный им лёгкий навесной фасад из металла для «Народного дома» в Клиши стал прообразом декоративных фасадов — впоследствии эта идея помогла сохранить и обновить визуальный облик самых разнообразных построек по всему миру (в том числе здания Министерства Культуры в Париже). А созданный архитектором в 1944 году Maison Démontable («Cборный дом») стал прообразом всех современных быстровозводимых мобильных домов.

Jean Prouvé, School Desk, 1946 Jean Prouvé, Cite Chair Vitra, 1930 Jean Prouvé, Standart SP

В 1924 году Пруве открыл у себя дома небольшую мастерскую по производству мебели. Уже через 20 лет она превратилась в крупную студию, выпускающую мебель в промышленных масштабах — таков был запрос непростого послевоенного времени. Придумав предмет на бумаге, дизайнер тут же старался соорудить его, а готовый вариант сначала испытывал на домочадцах. Если всем нравились стул, стол или кресло, он выпускал его серией для более широкой аудитории. Так произошло с креслом Cité, навесной полкой Rayonnage Mural и другими работами дизайнера. 

Легендарный стул Standart SP дизайнер спроектировал для конкурса на меблировку студенческого общежития в Нанси. Задние ножки кресла имеют форму конуса и сужаются книзу в противовес классическим трубчатым передним ножкам. Сиденье и спинка стула сделаны из дубовой фанеры, а его прямая форма поддерживает правильную осанку во время учёбы. Школьная парта School Desk, объединенная со стульями, — инновационный вариант рабочего стола, до сих пор популярный в некоторых школах как во Франции, так и во всём мире.

Вернер Пантон

Гений футуризма, ярких цветов и пластичных материалов, датский архитектор и дизайнер Вернер Пантон не боялся экспериментировать ни с цветом, ни с формой. Одни из первых разработанных Пантоном архитектурных проектов — холл отеля Astoria в Трондхайме и столовая для редакции журнала Der Spiegel в Гамбурге — пестрят яркими красками и геометрическими паттернами.  

Verner Panton, Flowerpot Verner Panton, Fun Verpan Verner Panton, Chair Classic Vitra

Традиционному для скандинавской культуры дереву Пантон предпочитал новые для XX-го века материалы: плексиглас, пластик, пенопропилен, фибергласс. На эту страсть к инновациям во многом повлиял Пол Хеннингсен, наставник и учитель Пантона, а также архитектор и дизайнер Арне Якобсен, в мастерской которого Вернер работал в 50-х годах. 

Одно из революционных произведений дизайнера — созданная в 1969 году жилая инсталляция Living Tower. Она стала одним из первых предметов мебели, меняющих конфигурацию в зависимости от нужд владельцев. Но главным дизайнерским увлечением Вернера Пантона были кресла и лампы: «Сидеть на стуле должно быть не только удобно, но и интересно, как в игре», — считал Пантон.

В созвучии с этим принципом появились знаменитый изогнутый стул Pantone, выпускающийся сегодня компанией Vitra, кресло в форме сердца Cone Heart, стул С1 и ещё несколько культовых моделей. Дизайнер спроектировал также более 20-ти разнообразных светильников, в том числе нарядную люстру Fun, и яркие полукруглые абажуры Flowerpot. 

Шарлотта Перриан

Французский дизайнер и архитектор Шарлотта Перриан — первая феминистка от архитектуры. Именно она ввела моду на объединённую кухню и гостиную, чтобы дать женщинам возможность одновременно общаться с гостями и следить за готовкой. В своей миниатюрной парижской квартирке она построила барную стойку, визуально разделив пространство. Для Франции XX-го века, привыкшей к отдельной маленькой кухне, куда не заходят гости, всё это было сродни настоящей революции. 

Perriand LC7 Perriand LC4 Perriand Tabouret Berger

Когда Перриан было 24 года, она пришла в студию к уже известному тогда Ле Корбюзье, чтобы устроиться на работу, но получила обидный отказ: «Мы здесь не подушки вышиваем». Совсем скоро, после Парижского Осеннего салона, где Перриан выставила свою трубчатую мебель, маэстро извинился и пригласил её на работу.  

В 20-х годах вместе с Ле Корбюзье и Пьером Жаннере Шарлотта Перриан выпускала легендарные кресла LC1, LC7 и шезлонг LС4, ставшие символами века дизайна. Там же, в студии Ле Корбюзье, где создавалась дорогая металлическая мебель, архитектор работала над тем, чтобы сделать модернистский дизайн доступным для всех. Так появились лаконичные деревянные стулья и табуреты Berger, чтобы и небогатые люди могли сделать своё жилище более аккуратным и современным. 

До конца февраля на масштабной выставке, посвящённой Шарлотте Перриан, в Парижском Фонде Louis Vuitton можно посмотреть на мебель и интерьеры, созданные дизайнером. 

Марсель Брёйер

Один из важнейших архитекторов-инноваторов середины XX века, Марсель Брёйер учился у основателей Баухауза, а затем работал скульптором и художником в одной из мастерских школы. Как архитектор Брёйер одним из первых раскрыл потенциал популярного сегодня железобетона. Он стремился создавать одновременно компактные, функциональные и приятные глазу сооружения и жилые дома. Известные во всем мире модернистские постройки, такие как музей Уитни в Нью-Йорке, жилой комплекс Дольтерталь в Цюрихе, исследовательский центр IBM во французском городке Ла-Год — всё это произведения Брёйера.

Marcel Breuer, Laccio Table Marcel Breuer, Wassily Chair

Когда архитектор работал в школе Баухауз в немецком городке Дессау, он чаще всего перемещался по городу на велосипеде. Считается, что именно стальной руль велосипеда Adler послужил вдохновением для создания мебели из стальных трубчатых конструкций. Так появилось знаменитое кресло B3, позже названное Wassily в честь друга и коллеги Брёйера — Василия Кандинского. Художнику очень понравилась модель, которую придумал Брёйер, и он попросил архитектора соорудить ему такое же кресло.

Итальянский производитель мебели Gavina, позже выпускавший кресло B3, нашёл историю симпатичной и переназвал модель в честь её первого поклонника. В серию мебели из стальных трубок также вошли стол Laccio и стул Cesca, названный Cesca в честь приёмной дочери архитектора — Франчески. Оригинальные кресло Wassily и стул Cesca с натянутой на них тканью в начале XX века напоминали настоящие конструктивистские скульптуры. 

С 1925 по 1928 год Брёйер возглавлял мебельную мастерскую Баухауза, а объекты, собранные из трубок, получили неведомую прежде популярность: дизайн не был запатентован, и подобную мебель мог произвести практически кто угодно. Так трубчатые предметы интерьера стали эталонной офисной мебелью, а стулья Cesca и Wassily вместе со столом Laccio до сих пор выпускает американская компания Knoll.

Людвиг Мис ван дер Роэ

Less is more — главный девиз и принцип легендарного американского архитектора немецкого происхождения Людвига Миса ван дер Роэ. Он первым начал строить длинные геометрические здания из стали и стекла без обилия внутренних стен, но с большим количеством естественного света и воздуха в пространстве.

MR Chair Tugendhat Villa Renovation Barcelona Chair Knoll

Именно такими, просторными и открытыми, выглядят вилла Тугендхат в Брно, Национальная библиотека в Берлине, Фарнсуорт-хаус и здание Иллинойского Технологического Института, а также многие другие постройки архитектора. Простота, минимализм, геометрия и открытая планировка зданий во многом благодаря Людвигу Мис ван дер Роэ прочно вошли в моду и до сих пор остаются актуальными. 

Когда Мис разрабатывал проект павильона Германии для Всемирной выставки в Барселоне, он знал, что павильон собирается посетить король Испании Альфонсо XII. Никакая мебель для павильона запланирована не была, однако специально для короля Испании архитектор создал знаменитое кресло Barcelona, которое позже стала выпускать компания Knoll. Другой мебельный шедевр архитектора — кресло Brno — тоже появилось, когда Мис ван дер Роэ разрабатывал проект виллы для Фрица Тугендхата и его жены Греты в Чехии.

Чарльз и Рэй Имз

Знаменитая американская пара, архитектор Чарльз Имз и его будущая жена художница Рэй Кайзер познакомились во время учёбы в Академии Художеств в Крэнбруке — в то время центре концентрации всех самых ярких представителей творческих профессий. Ректором Академии был известный финский архитектор Элиэль Сааринен, а одним из приглашённых преподавателей — основатель Баухауза Вальтер Гропиус. После окончания Академии Чарльз Имз стал главой факультета промышленного дизайна, а Рей начала рисовать обложки для популярного калифорнийского журнала об архитектуре и искусстве. 

Eames Hang It All Eames Storage Unit Eames Plastic Chair

Когда Чарльз и Рей поженились и открыли собственную мастерскую, они начали создавать удобную и функциональную мебель. Специально для международного конкурса недорогой мебели для массового производства, организованном нью-йоркским музеем современного искусства MoMA, Имзы придумали стул Eames Plastic Chair, позже ставший настоящей легендой. Его сидение повторяло форму человеческого тела и благодаря этому было максимально комфортным.

Стул поступил в продажу, однако вскоре его выпуск прекратили, так как основание было сделано из пластика, армированного стекловолокном, а этот материал быстро признали крайне неэкологичным. Только в 2000-м году, когда материал заменили переработанным полипропиленом, выпуск Eames Plastic Chair возобновился. 

Знаменитые модули для хранения Eames Storage Units, созданные парой в 1949 году, тоже стали настоящим прорывом: теперь обладатели мебели сами могли решать, какая конфигурация полок и ящиков подходит им больше. Сегодня Eames Plastic Chair, модули ESU, смешную и функциональную вешалку Hang It All и другие творения Имзов можно приобрести у компании Vitra. 

В 2011 году про Чарльза и Рэй Имзов вышел отличный документальный фильм «Имз: архитектор и художник» (Eames: The Architect & The Painter, 2011).

Алвар Аалто

«Работа гения»: так отозвался в 1939 году Фрэнк Ллойд Райт о спроектированном Алваром Аалто Финском павильоне на Всемирной выставке в Нью-Йорке. Аалто и правда был настоящим гением архитектуры и дизайна XX века: он строил здания и придумывал для них функциональную мебель, которая впоследствии активно продавалась по всему миру. 

Aalto Paimio Chair Aalto Stool 60 Aalto Tea Trolley

Алвара Аалто принято считать родоначальником модернизма в Северной Европе. Архитектор построил один из кампусов MIT в США и знаменитый санаторий в Паймио, для которого вместе с женой Айно спроектировал всю мебель: металлические кровати без острых углов, кресла для зала медитации и шезлонги для приёма солнечных ванн — чтобы туберкулёзные больные могли отдыхать на воздухе в полулежачем положении, Аалто придумали знаменитое кресло Paimio Chair. Также появился и Side table 606, изначально задуманный Айно как табурет для переобувания больных. 

Благодаря архитектурным проектам Аалто появилось множество предметов мебели. Так, трёхногие табуреты из гнутой березы Stool 60 изготовили специально для лекционного зала библиотеки в Выборге, который тогда был финским городом Виипури. Ножки в форме буквы «Г» – инновационная технология архитектора: благодаря устойчивой форме расшатать их практически невозможно, и они намного прочнее обычных ножек-колышков. А столик на колесиках Tea Trolley был сделан специально для финского павильона на Всемирной выставке в Париже в 1937 году. 

Сегодня практически всю культовую мебель, придуманную Алваром и Айно Аалто, выпускает фабрика Artek, основанная парой в 1935 году.

Геррит Томас Ритвельд

Участник лейденского кружка «Стиль» (De Stijl), нидерландский архитектор, художник и дизайнер Геррит Томас Ритвельд искал новые выразительные средства в искусстве и дизайне. Он создавал мебель, напоминающую произведения искусства, и интерьеры, вошедшие позже в список наследия ЮНЕСКО. Первая архитектурная работа Ритвельда — дом для своей возлюбленной Трюс Шрёдер в Утрехте. Он фактически перенёс в это 3D-пространство манифест сообщества De Stijl и принципы неопластицизма: мебель здесь двигается и легко трансформируется, повсюду прямые углы, а весь интерьер выполнен в классических цветах движения: красном, синем, жёлтом, белом и чёрном. 

Rietveld Table Lamp Rietveld Red Blue Chair Rietveld ZigZag Chair

Про знаменитый стул ZigZag архитектор говорил, что «это не стул, а шутка дизайнера». Впервые у такого обычного предмета мебели отсутствовали классические ножки, спинка и подлокотники. Дизайнер хотел создать полностью монолитное кресло и долго экспериментировал с металлом и древесиной, в итоге остановившись на максимально простой конструкции из 4-х фанерных листов. Позже дизайнер выпустил это кресло в других вариациях: с подлокотниками, с заниженным сидением и с перфорированной спинкой. 

Другой шедевр Ритвельда — Red Blue Chair, или Красно-синее кресло. Изначально кресло было монохромным, и лишь в 1923 году обрело узнаваемую окраску, напоминающую полотна Пита Мондриана. Светильники Hanging Lamp и Table Lamp тоже были созданы как дань течению De Stijl с соблюдением важнейших принципов неопластицизма: функциональные, практичные, геометричные. Сегодня большинство предметов, созданных Ритвельдом, выставлены в нью-йоркском музее современного искусства MoMA и амстердамском Stedelijk.

Александр Жирар

Американский дизайнер и архитектор, заядлый путешественник Александр Жирар стал одним из тех, кто отошёл от классического модернизма и модного в 60-е года монохрома. Он ввёл в моду цвет и обилие декора. Его расписные ткани, созданные для компании Herman Miller, яркие статуэтки, вдохновлённые народным искусством Мексики, Индии и Египта, разноцветная посуда — важный этап для минималистичного дизайна. 

Girard Wooden Dolls Girard Textile

Знаменитый дом актёра Ирвина Миллера, построенный Ээро Саариненом и оформленный Александром Жираром, стал прототипом нью-йоркской квартиры Дона Дрейпера в популярном сериале «Безумцы» (Mad Men). Яркая мебель, в том числе кресло №66310 для бренда Herman Miller, где дизайнер возглавлял отдел текстиля, как и многие другие дизайн-объекты Жирара, попало в коллекцию музея дизайна Vitra. 

Кроме разработки интерьеров, тканей и предметов мебели и декора, Александр Жирар также выпустил детскую книгу «Цвет» (Color), где на 26 страницах с забавными иллюстрациями дизайнер попытался рассказать детям всё о цвете.

Арне Якобсен

Настоящий перфекционист и любитель всё делать «от начала до конца», датский архитектор и дизайнер Арне Якобсен создавал полноценные архитектурные проекты с мебелью и предметами декора — например, первый в мире дизайнерский бутик-отель. Для отеля SAS Royal Hotel в Копенгагене Якобсен не только создал архитектурный проект, но и разработал всю мебель, начиная от кресел и кроватей и заканчивая пепельницами и прикроватными лампами. Специально для лобби Якобсен создал знаменитые кресла Egg («Яйцо»), Swan («Лебедь») и Drop («Капля»), а также придумал минималистский светильник A, который затем стал выпускаться для широкой продажи. 

Arne Jacobsen Table Lamp Arne Jacobsen Table Lamp Jacobsen Egg Chair

При разработке предметов мебели архитектор часто сначала лепил прототип модели из глины, чтобы точно понять, какая форма будет идеальной, и рассчитать масштабы и пропорции. 

Стулья-иконы Ant («Муравей») и Series 7 («Серии 7») Арне Якобсен соорудил с помощью инновационного метода Имзов, изогнув листы фанеры и получив таким образом предмет цельной формы. Популярные сегодня Ant и Series 7 не сразу стали модными. Лишь когда дизайнер решил заменить классический чёрный цвет на красный, белый и коричневый, их стали закупать для ресторанов, баров и других общественных пространств. Сегодня мебель, созданную по дизайну Арне Якобсена, можно заказать у датского производителя Fritz Hansen. 

Больше о вдохновляющих примерах, профессиональном развитии, современных навыках и культуре работы архитекторов и дизайнеров интерьера — на образовательных курсах и в блоге Софт Культуры. 

---

Посмотреть на красивые дизайнерские предметы вы можете в наших материалах, таких как:
Less is more: Культовые предметы школы Баухауз или Русские дизайнеры: 7 талантов в области предметного дизайна.

Также следите за нами в социальных сетях, чтобы не пропускать новые материалы: Вконтакте, Facebook, Telegram, Instagram. Если вы цените свой и чужой труд, то всегда можете поддержать нас финансово на Patreon.

Крутые дизайнеры 20 века, о которых должен знать каждый, кто считает себя крутым дизайнером в 21-м веке

Зачем тебе это знать?

В цифровом маркетинге главный компонент — это контент. А контент должен быть правильно упакован. Иллюстрации для постов в ФБ, обложки страниц, инфографика, дизайн сайта, оформление презентаций — всё это инструменты борьбы за внимание клиента.

Когда у тебя заказывают дизайн, то платят за объем выполненной работы либо за затраченное время. Но покупают твоё видение, стиль и понимание, как вообще работает дизайн.

Современный маркетинг — это преимущественно визуальный контент. Грамотный графический дизайн становится инструментом эффективного маркетинга и влияет на успех бизнеса в целом. Поэтому для дизайнера, который рассчитывает на серьезные проекты, важно опираться не только на свои неглубокие представления о визуальной стороне маркетинга.

Умения искать хорошие референсы также недостаточно. Тот, кто ориентируется на работы других дизайнеров без понимания основ дизайна — это как ребенок, который перерисовывает силуэты героев любимых мультфильмов. Дизайнер, который копирует референсы, пусть даже талантливо, просто отрабатывает свою зарплату и довольствуется второстепенными позициями.

В сфере визуализации атрибутов бренда и создания визуального контента дизайнер должен вести бренд вперёд и задавать тренды, а не плестись в хвосте креативных процессов и питаться только идеями других дизайнеров.

В основе современных дизайн-систем подходы, которые заложили основоположники дизайна. Посмотри на список фамилий, который мы публикуем ниже, и оцени свой уровень понимания основ современного графического дизайна.

Пол Рэнд. Человек, который сделал все крутые логотипы 20 века

Почему он важен. Пол, помимо создания логотипов для IBM, UPS, ABC, Esquire и других брендов, одним из первых классифицировал полезность логотипа и описал её.

^{Логотип IBM.}

 

Почему о нем следует знать. Рэнд создал так много легендарных лого, потому что он строил свое творчество на системном подходе. Многие молодые дизайнеры считают, что дизайн — это чистый креатив. Пол Рэнд считал, что творчество должно строиться на системе ценностей, взглядов и определенной методологии.  Его взгляды нашли отражение в легендарном тесте Рэнда — универсальном алгоритме проверки логотипа по 7 параметрам: уникальность, читаемость, адаптивность, запоминаемость, универсальность, вневременность и главный пункт — простота.

Почему он важен. Именно он придумал Swiss Design — стиль, на котором построен весь графический дизайн второй половины 20-го столетия; более того, активно нёс его в массы.

^{Плакат «Бетховен» для концертного зала.}

 

Почему о нем следует знать. Принцип «Дизайн должен быть настолько очевидным, насколько это возможно» — основа современного минималистичного дизайна.

Армин Хофманн. Человек, который определил место шрифтов в дизайне

Почему он важен. Армин продвигал принципы, схожие со Swiss Design, однако в основу своих плакатов ставил работу со шрифтами, их положение и контраст с остальной картинкой.

^{Плакат к балету «Жизель».}

 

Почему о нем следует знать. Принципы экономически выверенного использования цвета и типографики актуальны и по сей день. Более того, последние несколько лет они даже прибавили в популярности.

Йозеф Биндер. Человек, который создавал убедительные плакаты

Почему он важен. Йозеф взял всё лучшее от геометрии кубизма и реалистичных образов, а после перенёс это в свои плакаты — получились запоминающиеся изображения, поражающие своей динамикой и монументальностью.

^{Постер для всемирной выставки в Нью-Йорке.}

 

Почему о нем следует знать. Если ты хочешь научиться создавать убедительный визуальный контент — изучи работы Биндера. Этот человек — признанный мастер красноречивых плакатов.

Александр Родченко. Человек, который сделал графику динамичной

Почему он важен. Родоначальник дизайна в СССР превратил плакаты из статичных картинок в динамичные истории. Жаль, что его творчество эксплуатировалось деспотичным СССР. Родченко знаменит во всем мире, однако в более свободной стране он смог бы раскрыться намного сильнее.

^{Плакат «Дешевый хлеб» в сотрудничестве с Маяковским.}

 

Почему о нем следует знать. Работы Родченко — доказательство того, что дизайн становится более убедительным, когда в нём работает вся композиция: интересная идея и динамичное исполнение.

Мари Нейрат. Человек, который заменил слова иконками

Почему она важна. Мари в сотрудничестве с коллегами разработала систему визуализации данных Isotype — первый прообраз информационного дизайна. Вообще-то идеологом изотайпа считается Отто Нейрат, однако рисовала все эти символы именно Мари.

^{Страница из книги Нейрат.}

 

Почему о ней следует знать. Если тебе нравится создавать иконки, тебе обязательно стоит познакомиться с работами Мари: именно она показала миру, как можно самый заурядный график превратить в захватывающую визуальную историю — при помощи понятных иконок.

Иоханнес Иттен. Человек, который описал искусство цвета

Почему он важен. Йохан — крупнейший исследователь не только физических свойств цвета, но и его связи с формой, содержанием и даже настроением картин.

_{Обложка книги.}

 

Почему о нем следует знать. «Искусство цвета» — если ты ещё не читал эту книгу, то быстро исправляй это упущение.

Эвклид. Человек, который дал нам Золотое сечение

Почему он важен. Мы знаем, что Эвклид жил не в 20 веке. Но он был первым, кто предложил понятие Золотого сечения, которое глаз воспринимает как самую «правильную» пропорцию. На этом основан весь дизайн — от графического до веб-дизайна.

_{Обложка книги «Элементы».}

 

Почему о нем следует знать. «Элементы» Эвклида — это пособие по современному дизайну, написанное более 2 тысяч лет назад. Оливер Бёрн поработал над ним и сделал его ближе к нам — обязательно изучи эту версию. Эта книга была написана не в 20-м веке — в 1847 году.

Кстати, ниже ты найдешь еще двух человек, которые создавали графику задолго до 20-го века. Не удивляйся — мы не захотели перегружать заголовок словами «19 век».

Карл Герстнер. Человек, который заставлял типографику развиваться

Почему он важен. Карл ещё в 50-х годах 20-го века создавал работы, которые не теряют своей актуальности до сих пор, а также популяризовал искусство.

_{Обложка альбома Boite a Musique.}

 

Почему о нем следует знать. Даже если ты не считаешь работы Карла стоящими внимания, обрати внимание на его подход: не останавливайся в творческом развитии — это означает смерть искусства.

Дизайн всегда помогал доносить информацию. Когда информации стало слишком много, понадобилась визуализация данных.

Шарль Жозеф Минар. Человек, который заложил основы инфографики 200 лет назад

Почему он важен. Шарль не был первым, кто нанёс линии на карту. Но он был первым, кто в основу этого ставил донесение информации понятным для людей визуальным языком. Сегодня такие графики, которые объединяют показатели количества в динамике, называют Sankey Diagram. Посмотри, насколько драматично выглядит инфографика военных походов, когда демонстрирует потери войск на каждом этапе кампании.

^{Поход Ганнибала в инфографике Минара.}

 

Почему о нем следует знать. Именно Шарль стал революционером графических методов анализа и представления информации, и дал основу последующим работам. Интересно, что именно Минар первым использовал такой тип диаграмм, как sankey chart, однако свое название они получили от фамилии ирландского инженера Sankey, который использовал такой подход для изображения потока энергии в паровом двигателе.  

Уильям Плейфэр. Изобретатель графического отображения статистической информации

Почему он важен. Уильям изобрёл главные инструменты современной инфографики: линейные, столбчатые и круговые диаграммы.

^{Сравнение цен на зерно и зарплат рабочих.}

 

Почему о нем следует знать. Уильям является прародителем информационной статистики, который совершил настоящую революцию в области представления данных.

Эдвард Тафти. Пионер визуализации данных

Почему он важен. Эдвард — автор книги «Представление информации», в которой рассказывает о важнейших принципах информационного дизайна: многомерном представлении информации, размещении информации по слоям и другом.

^{Книга «Представление информации».}

 

Почему о нем следует знать. Обязательно прочитай книги Эдварда, если ты работаешь с визуализацией данных. Принципы Тафти — как 10 заповедей.

Ханс Рослинг. Человек, который сделал из статистики шоу  

Почему он важен. Вместо гистограмм профессор Рослинг использует блоки LEGO, картонные коробки и другие предметы, чтобы «оживить» статистику.

^{Кадр с выступления на TED.}

 

Почему о нем следует знать. Ханс не был дизайнером, но наглядно показал, что даже самые скучные данные могут быть интересными и увлекательными, если их правильно подать. Если ты хочешь научиться рисовать инфографику, надо думать не только о графическом стиле, который ты используешь. Попробуй представить, как подать инфографику так, чтобы она смогла удивить читателя, рассказать ему интересную историю из данных.

В Украине так сложилось: любой, кто научился держать стилус, через неделю считает себя гуру дизайна. Но если бы стать дизайнером было так просто, мы бы не писали этих статей.

В плане дизайна Украина — страна, у которой есть богатая история. Казимир Малевич и его супрематисты, Георгий Нарбут, Нил Хасевич, Клавдия и Евгений Кудряшовы — далеко не полный список графиков, художников, работы которых удивляют людей во всём мире. В силу различных исторических причин, прежде всего, из-за вынужденной иммиграции и подчинения украинской дизайнерской школы советской идеологии, украинская школа не смогла нормально развиваться.

Сейчас у тебя есть все возможности сказать свое слово и поучаствовать в становлении новой школы украинского дизайна. Для этого важно не только отслеживать новые тренды (это делают все), но и понимать, откуда они идут и с чего всё начиналось. Не знать людей, о которых мы написали выше, для дизайнера — все равно, что пытаться проповедовать в христианской церкви, ни разу перед этим не открыв Библии.

Культовые предметы интерьерного дизайна 20 века: evgensemenihin — LiveJournal

? LiveJournal

• Main
• Ratings
• Interesting
• iOS & Android
• Disable ads

Login

• Login
• CREATE BLOG Join
• English (en)
  • English (en)
  • Русский (ru)
  • Українська (uk)
  • Français (fr)
  • Português (pt)
  • español (es)
  • Deutsch (de)
  • Italiano (it)
  • Беларуская (be)

10 икон дизайна продукта из 20-го века

Следуя графику дизайна продукта в течение 20 ^-го -го века, мы можем заметить, что дизайн эволюционировал, чтобы сосредоточиться на функции, а не на форме, которая доминировала в 19 ^-м -м веках. . Школы дизайна, такие как постмодернизм и Баухаус, внесли свой вклад в то, чтобы сосредоточить внимание на функции дизайна и на том, как он отвечает потребностям людей.

График разработки продукта указывает на ряд знаковых дизайнов, которые были отмечены как изменившие правила игры и способствовавшие развитию отрасли путем внедрения новых технологий или удовлетворения потребностей людей, достигая так называемого дизайна, ориентированного на человека.

Приведенные ниже примеры выделяют некоторые из наиболее успешных значков продуктового дизайна в 20 ^-м веках и дают понимание того, как дизайн может стать значком, если сосредоточить внимание на потребностях людей и создать с их помощью ценность.

Пишущая машинка Underwood № 5 (1900)

Фрэнка X. Вагнера

Пишущая машинка Underwood № 5 — одна из самых успешных моделей пишущих машинок в истории и доминировала на рынке в начале 20 ^{-х годов} века, и эта тенденция сохранялась до тех пор, пока IBM не представила свою пишущую машинку Selectric в 1961 году.84-символьная модель была разработана немецко-американским изобретателем Фрэнком X. Вагнером и названа в честь первого владельца компании Джона Т. Андервуда. Модель была наиболее успешной по сравнению с родственными ей версиями № 1, 2, 3 и 4. Пишущая машинка

Underwood № 5. (Источник: Westbank Museum)

Underwood No. 5 получил высокую оценку за свою особенность и использование простых в использовании технологий, в том числе:

• Панель ввода, которая позволяла машинистке печатать с одинарного элемента
• Передний штрих механизм, который позволяет машинисту видеть, что набирается без необходимости поднимать каретку.
• Универсальная клавиатура QWERTY, четырехъядерная клавиатура с одинарным сдвигом и ленточное рисование.

Пишущая машинка использовалась журналистами, писателями и офисными работниками, и до 1932 года ее продали миллионы.

Бутылка Coca-Cola (1915)

Эрла Р. Дина

Дизайн знаменитой Coca — Бутылка колы с контурными рифлеными линиями приписывается Эрлу Р. Дину, который был частью компании Terra Haute, которой Coca-Cola поручила обновить дизайн бутылки. Дизайн был вдохновлен листом коки и орехом кола. Отец дизайна продукта Раймонд Лоуи назвал его «идеальной жидкой оберткой».В 1955 году Лоуи было поручено разработать семейную упаковку, сохранив ту же пропорцию, что и предыдущий старый дизайн.

Дизайн бутылки Coca-Cola в 1915 году.

Красно-синее кресло (1918-1923)

Геррита Ритвельда

Красно-синее кресло отражало архитектурный стиль Геррита Ритвельда в своих горизонтальных и вертикальных линиях. Кресло было разработано в 1918 году, но позже Барт ван дер Лек предложил добавить к нему цвета в начале 1920-х годов.Музей современного искусства заявил, что желтый, красный и синий были добавлены в 1923 году.

Красно-синее кресло было разработано для отражения душевного комфорта в дополнение к физическому комфорту. Райтвельд и его коллеги из художественного движения De Stijl стремились использовать дизайн кресел, чтобы отразить обновленную Европу после Первой мировой войны.

Красно-синее кресло

Bialetti Moka Express (1933)

Альфонсо Биалетти

самая известная кофеварка, спроектированная и разработанная в Италии Альфонсо Биалетти в 1933 году, и единственный промышленный объект, признанный Музеем современного искусства, не претерпела изменений с момента выпуска первой модели

21 Здание, которое помогло сформировать современную архитектуру, с 1945 по сегодняшний день

Модернизм или современная архитектура — это архитектурный стиль, возникший в первые годы 20 века.Модернизм стал доминирующей архитектурной формой после разрушений Второй мировой войны.

Характеризуется интенсивным использованием новых технологий. с особым упором на использование стекла, стали и, конечно же, железобетона. Многие также определяют это как отказ от старого традиционного неоклассического стиля и изящных искусств, которые были популяризированы во второй половине прошлого века.

Современная архитектура оставалась доминирующей архитектурной формой на протяжении большей части 20-го века, пока не была свергнута в 1980-х годах в соответствии с соответствующим названием постмодернистского стиля.

Известные модернистские архитекторы

На протяжении многих лет было много выдающихся модернистских архитекторов, но наиболее заметными из них являются:

— Фрэнк Ллойд Райт

— Ле Корбюзье

— Иео Минг Пей

— Эрих Мендельсон

— Людвиг van der Rohe

Пример дома в стиле модерн. Источник: AMDUMA / Pixabay

В целом в модернизме вплоть до 1960-х годов доминировали прямоугольные формы зданий с акцентом на смелые прямые линии.После 1960-х годов более свободный и органичный дизайн начал заменять более упорядоченный послевоенный стиль.

Модернизм можно подразделить на:

— Международный стиль

— Экспрессионистский стиль

— Конструктивистский стиль (в основном Советский Союз до Второй мировой войны)

Тем не менее, некоторые также включают в эту категорию структурный экспрессионизм, поскольку он служит переход к постмодернизму. Расцвет этой категории пришелся примерно с 1970-х до начала середины 1980-х годов.

Ниже представлена ​​эклектическая смесь зданий, подпадающих под действие архитектурного стиля «модернизм».

1. Всемирный торговый центр 1 и 2 поднял модернизм на новую высоту

Источник: Grandmaster E / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернист

Башни бывшего Всемирного торгового центра до их трагического разрушения в 2001 , были одной из самых известных достопримечательностей в мире. Две главные башни (World Trade 1 и 2) были спроектированы архитектором Минору Ямасаки и построены между 1966 и 1971 годами .

Первоначальный план Ямасаки заключался в том, чтобы ограничить основные башни высотой 80 этажей, , но это было увеличено до 110 , когда администрация местного порта потребовала не менее 10 010 436 кв. Футов (930 000 кв. М) офисных помещений. .

Обе башни использовали стальной каркас с навесными стенами, бетонную плиту на стальной балочной конструкции.

После завершения они мгновенно стали одним из самых ярких зданий Америки и прекрасным образцом архитектурной этики Ле Корбюзье.Его окончательный дизайн намекает на слияние традиционной готики с модерном, которым Ямасаки прославился.

2. Башня BT по-прежнему доминирует над горизонтом Лондона и сегодня.

Источник: Ули Хардер / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модерн

Башня BT (ранее известная как Башня GPO, Башня почтового отделения и Телеком Tower) в Лондоне, был спроектирован Эриком Бедфордом и завершен в 1964 .

Эта модернистская башня имеет высоту 580 футов (177 м) с дополнительным подвесным оборудованием, увеличивающим ее «полную» высоту до 626 футов (191 метр).

После завершения башня обгонит Башню Миллбанк и станет самым высоким зданием в Лондоне и Великобритании. Он удерживал этот титул до 1980 , когда была завершена Башня Natwest.

3. Музей Соломона Р. Гуггенхайма — это «Храм Духа»

Источник: Жан-Кристоф БЕНУА / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернист

Музей Соломона Р. Гуггенхайма на Манхэттене, Нью-Йорк Музей модернистского искусства, спроектированный Фрэнком Ллойдом Райтом.Хотя музей существует с конца 1930-х годов, только в конце 1950-х он переехал в свое нынешнее культовое здание.

Фрэнк Ллойд Райт спроектировал здание как «храм духа», и это примерно цилиндрическое здание, сужающееся к основанию. Сегодня это одно из самых узнаваемых зданий в мире.

Сегодня здесь хранится огромная коллекция произведений импрессионистов, постимпрессионистов, модерна и современных художников.

4. Строительство штаб-квартиры Организации Объединенных Наций обошлось в 65 миллионов долларов.

Источник: oriol04 / Flickr

Архитектурная форма: Модерн / международный стиль

Здание штаб-квартиры Организации Объединенных Наций было детищем архитектора Оскара Нимейера и других.В нем размещалась Организация Объединенных Наций с момента его завершения в 1952 .

Здание высотой 500 футов и (155 метров) стоит около 65 миллионов долларов (599 миллионов долларов сегодня) на строительство. Затраты на строительство были предоставлены в виде беспроцентной ссуды при администрации Трумэна в 1948 .

По сей день участок и здание имеют экстерриториальный статус в городе Нью-Йорк.

5. Очень смелый Институт биологических исследований Солка

Источник: Джим Харпер / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернист

Институт биологических исследований Солка, или просто Институт Солка, является некоммерческой организацией. научно-исследовательский институт в Ла-Хойя, Сан-Диего, Калифорния.Первоначально он был основан в –1960– Йонасом Солком, который разработал знаменитую вакцину от полиомиелита.

Институт Солка с 1965 года размещается в очень смелом модернистском здании, спроектированном знаменитым архитектором Луисом Каном вместе с Джеком Макаллистером. В его конструкции большое внимание уделяется симметрии и открытому бетону.

Часть требований к зданию заключалась в том, чтобы его можно было легко модернизировать по мере совершенствования научных технологий. По этой причине опорные балки ограничены краями каждой лаборатории для максимальной гибкости реконфигурации внутреннего пространства.

6. Когда-то критиковали, теперь почитают: Пирамида Лувра, Париж

Источник: Hteink.min / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модерн

Знаменитая пирамида Лувра представляет собой большую пирамиду из металлического каркаса и стекла. по проекту китайско-американского архитектора И. М. Пея. Эта пирамида также окружена тремя меньшими пирамидами, все они расположены во внутреннем дворе Cour Napoleon Лувра.

Пирамида Лувра служит главным входом в музей и была построена в 1989 .Несмотря на то, что при первой установке он получил серьезную критику, с тех пор он стал иконой Парижа.

Вся конструкция имеет высоту 70 футов (21,6 метра), высоту и квадратное основание 110 футов (34 метра), и площадь основания более 10,750 квадратных футов (1000 квадратных футов) .

7. Королевский национальный театр: шедевр лондонского брутализма

Источник: Аурелиен Гишар / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модерн / бруталист

Королевский национальный театр, или просто Национальный театр, является одним из самых известных в Великобритании публичных -финансируемые площадки для исполнительского искусства.Он расположен в культовом здании в стиле модерн / брутализм, спроектированном сэром Денисом Луи Ласданом.

Театр — его самая известная работа, а нынешнее здание на самом деле является памятником Grade II . Двери открылись в 1976 , и с тех пор он стал одной из самых знаковых достопримечательностей Лондона.

8. Сиднейский оперный театр опустошил свой бюджет

Источник: Michael McDonough / Flickr

Архитектурная форма: Модерн / экспрессионизм

Знаменитый Сиднейский оперный театр был спроектирован датским архитектором Йорном Утцоном и был официально открыт в 1973 .Работы по строительству здания были санкционированы правительством Нового Южного Уэльса в 1958 , а земля была заложена в 1959.

Затраты на строительство, как известно, вышли из-под контроля, и Утцон в конечном итоге ушел в отставку до того, как строительство было завершено. Первоначально она оценивалась в долларов 7 миллионов долларов , но это была часть окончательной стоимости, которая оценивалась в долларов США 102 миллиона австралийских долларов (912 миллионов австралийских долларов сегодня) .

9. Атомиум представляет собой элементарную ячейку железа

Источник: Майк Кеттелл / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модерн / Людический модернизм

Атомиум в Брюсселе — знаковое здание в Бельгии и одно из наиболее уникальных. образцы послевоенной модернистской архитектуры. Он был спроектирован Андре Ватеркейном, Андре и Жаном Полаком и первоначально был построен для 1958 Брюссельской всемирной выставки .

Он состоит из девяти сфер из нержавеющей стали диаметром 60 футов (18 м), соединенных вместе с трубками диаметром 10 футов (3 м), для имитации базовой элементарной ячейки (наименьшего повторяющегося элемента, имеющего полная симметрия кристаллической структуры) кристалла железа.Вся конструкция имеет высоту 334 фута (102 метра) и высоту метров.

В самой верхней камере строения находится ресторан с фантастическим панорамным видом на Брюссель. Здесь также находятся выставочные залы и другие общественные места.

10. Центр Джона Хэнкока был спроектирован Фазлуром Ханом.

Источник: Knutaril / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернизм / структурный экспрессионизм

Центр Джона Хэнкока (ныне известный как 875 North Michigan Avenue) в Чикаго, штат Иллинойс является прекрасным примером раннего структурного экспрессионизма и был завершен по цене, которую сегодня можно было бы рассматривать по выгодной цене $ 100000000 .Строительство началось в 1965 и было завершено в 1969 .

Это здание является прекрасным примером гения Фазлура Рахмана Хана и было построено Tishman Construction Corporation. Вся конструкция имеет высоту 1130 футов (344 м) с архитектурной точки зрения и футов, а конструкции на крышах помогают ей достигать высоты 1500 футов (457 м).

Какое-то время это было второе по высоте здание в мире.

11. Арка ворот — самая высокая арка в мире.

Источник: Бев Сайкс / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модерн / структурный экспрессионизм

Знаменитая арка Ворот в Санкт-Петербурге.Луис, штат Миссури, представляет собой монумент высотой 630 футов (192 м) — , облицованный нержавеющей сталью и имеющий форму утяжеленной цепной арки. Это до сих пор самая высокая отдельно стоящая арка в мире и самый высокий построенный памятник в Соединенных Штатах.

Он был спроектирован финско-американским архитектором Ээро Саариненом в 1947 , а строительство было завершено в середине 1960-х годов. Это стоило около 13 миллионов долларов (сегодня 78 миллионов долларов) .

12. Berliner Fernsehturm — самое высокое здание в Германии.

Источник: Диего Делсо / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модерн

Берлинская фернзехтурм, или Берлинская телебашня, представляет собой телекоммуникационную башню, построенную между 1965 и 1969 годами в центре Берлина, Германия.Он был заказан и построен Германской Демократической Республикой в ​​первую очередь как показной образец коммунистической пропаганды.

Он был спроектирован немецким архитектором Германом Хензельманном и до сих пор доминирует над горизонтом Берлина. Его высота 1200 футов (368 м), высота — это самое высокое сооружение в Германии.

Сегодня он по-прежнему служит радио- и телевещательной станцией и смотровой башней для города.

13. Современный курорт Диснея — это огромное здание в форме буквы «А».

Источник: Брайан Кендиг / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модерн / современный

Современный курорт Диснея, первоначально называвшийся Tempo Bay Hotel, является трехуровневым , Four-Diamond, отмеченный наградами курорт в Диснейленде, Флорида.Первоначально он открылся в 1971 и расположен рядом с Волшебным Королевством.

Он был разработан Велтоном Бекетом и являлся совместным проектом Disney и United States Steel Corporation. Самой выдающейся особенностью здания является его А-образная конструкция с внешними стенами, отходящими от внутреннего атриума.

14. Cité Radieuse был шедевром Ле Корбюзье.

Источник: Toutaitanous 2 / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Modernist / Unité d’habitation

Cité Radieuse (Radiant City) — прекрасный пример Unité d ‘жилье , (жилая единица), который представляет собой типично модернистский жилой комплекс, спроектированный великим Ле Корбюзье.Он был разработан совместно с художником-архитектором Надиром Афонсу.

Cité R adieuse , неофициально известный как La Maison du Fada (Дом сумасшедшего), был построен между 1947 и 1952 годами и находится в Марселе, Франция. Оказалось, что это будет одна из самых известных работ Ле Корбюзье, которая в то время имела огромное влияние, хорошо это или плохо.

Некоторые утверждают, что это было источником вдохновения для возникновения архитектурного движения бруталистов.

15. Фарнсворт-хаус — шедевр интернационализма

Источник: Виктор Григас / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернист / интернационалист

Фарнсворт-хаус был спроектирован как однокомнатный уик-энд для доктора Эдит Фарнсворт из Чикаго нефролог. Он был построен между 1945 и 1951 годами по проекту Людвига Миса ван дер Роэ.

Изначально д-р Фарнворт должна была иметь место для спокойного созерцания и заниматься своими хобби.Здание широко считается вершиной международного стиля архитектуры и стало национальным историческим памятником США в 2006 .

16. Здание Сиграмм изменилось в американском архитектурном стиле

Источник: jphilipg / Flickr

Архитектурная форма: Модерн / интернационализм

Здание Сиграмм — это небоскреб, спроектированный Людвигом Майлсом ван дер Роэ и Филипом Джонсоном в Нью-Йорке. Йорк в 1958 .Он широко считается классическим образцом международного стиля архитектуры модернизма.

Все здание имеет высоту 515 футов (157 м), высота , более 38 этажей . Он был задуман как штаб-квартира канадской винокурни Joseph E. Seagram and Sons.

Наследница Seagram Филлис Ламберт выдала Людвигу бланк на проектирование и строительство башни, что позволило ему отказаться от тяжелого камня и кирпича, которые использовались в декоративных фасадах предыдущих десятилетий, и вместо этого полагаться на сталь и стекло.Здание Сиграмм помогло открыть новую эру простых и понятных небоскребов.

Здание сочетает в себе стальную раму с моментом сопротивления со стальным и железобетонным сердечником. Это ядро ​​простирается до 17-го этажа, а диагональные связи сердечника — до 29-го этажа .

17. Здание компании-производителя Trust Company: модель модернизма

Источник: Beyond My Ken / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернист / интернационалист

Здание компании Manufacturer’s Trust в Нью-Йорке широко считается «Сама модель модернизма».Это здание из стекла и алюминия, построенное в 1954 гг.

Первоначально он был построен в качестве банка для компании Manufacturer’s Trust, которая позже объединилась с Hanover Bank and Trust, чтобы сформировать Manufacturers Hanover Corporation.

Он был разработан Чарльзом Эвансом Хьюзом III и Гордоном Баншафтом из Скидмора, Оуингса и Меррила. После завершения он стал первым зданием банка в Соединенных Штатах, построенным в международном архитектурном стиле.

Сегодня это историческое здание, признанное достопримечательностью Нью-Йорка.

18. Джатия Сангсад Бхабан — одно из самых значительных зданий 20-го века

Архитектурная форма: Модерн / монументальный

Весь комплекс является одним из крупнейших законодательных зданий в мире и занимает площадь около 8 611 128 квадратных футов (800 000 кв м). Считается, что это одна из лучших работ Хана и одно из самых значительных зданий 20 века.

Строительство началось в 1961 и было завершено в 1982 . Здание представляет собой смешанную конструкцию из железобетона и кирпичной кладки. Здание появилось в 2003 году в фильме « Мой архитектор », в котором подробно рассказывается о карьере Луи Кана.

19. Сент-Мари де ла Туретт: последнее здание Ле Корбюзье

Источник: Александр Норман / Викимедиа Коммон

Архитектурная форма: Модернист / интернационалист

Сент-Мари де ла Туретт, расположенный на склоне холма за пределами Лиона, был разработан великим Ле Корбюзье и служит монастырем Доминиканского ордена.Это было последнее здание Ле Корбюзье.

Ле Корбюзье был одним из ключевых сторонников модернистского движения, и его проекты монастыря не разочаровали. В его конструкции широко использовались поднятые пилоты, что очень характерно для его работы.

Строительство началось в 1956 , а строительные работы были завершены в 1960 . В начале 1980-х годов здание претерпело значительную реконструкцию.

Здание было внесено в список Всемирного наследия ЮНЕСКО в июля 2016 года ( вместе со многими другими его работами).

20. Notre Dame du Haut: Экспрессионистская капелла Ле Корбюзье

Источник: Valueyou / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернист / экспрессионист

Notre Dame du Haut (Богоматерь высот) Римско-католическая часовня в стиле модерн в Ронкампе, Франция. Он был спроектирован Ле Корбюзье и был построен в 1955 .

Считается, что это один из лучших образцов работ Ле Корбюзье и очень важное религиозное здание 20 века.Это действующая церковь, ежегодно привлекающая сотни тысяч посетителей.

Он был введен в эксплуатацию, чтобы заменить предыдущую часовню г., 4 век н. Э., г. н.э. на месте, которое было разрушено во время Второй мировой войны. Новая часовня в основном построена из бетона, а перевёрнутая крыша поддерживается колоннами, встроенными в стены. В его конструкции также используются остатки первоначальной часовни.

Часовня, как и другие работы Корбюзье, официально была признана объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО в 2016 (вместе со многими другими его работами).

21. Башня Миллбэнк — жемчужина модернистской архитектуры

Источник: Iridescenti / Wikimedia Commons

Архитектурная форма: Модернист

Башня Миллбанк в Лондоне — это небоскреб высотой 390 футов (118 м), построенный в 1963 год . Он был домом для ряда важных политических организаций, отчасти из-за расположения зданий очень близко к Вестминстерскому дворцу. Он был домом для ряда политических организаций, включая Лейбористскую партию, Всемирный банк и Организацию Объединенных Наций.

Он был спроектирован Ronald Ward and Partners и стал визитной карточкой Лондона.

Это было также самое высокое здание Великобритании в период с по 1963 год и до строительства башни BT Tower. С момента завершения строительства он стал памятником архитектуры II степени в Соединенном Королевстве и считается «жемчужиной модернистской архитектуры».

Башня была показана в некоторых фильмах и сериалах, включая Доктор Кто , 1973 фильм The Vault of Horror и другие.Несмотря на охраняемый статус, в этом здании планируется превратить его в роскошный отель и роскошные апартаменты.

А это, как говорится, все народы.

Эти 21 здание — лишь некоторые из самых важных, которые помогли сформировать современную архитектуру. Имея так много замечательных зданий, мы наверняка пропустили некоторые другие важные.

Тони Седдон, исследование графического стиля десятилетие за десятилетием

• Домой
• Мои книги
• Обзор ▾
  • Рекомендации
  • Награды Choice
  • Жанры
  • Подарки
  • Новые выпуски
  • Списки
  • Изучить
  • Новости и интервью1
• Новости и интервью
• Бизнес
• Детская
• Христиан
• Классика
• Комиксы
• Поваренные книги
• Электронные книги
• Фэнтези

• Художественная литература
• Графические романы
• Историческая фантастика
• История
• Ужасы
• Тайна
• Документальная литература
• Поэзия

• Психология
• Романтика
• Наука
• Научная фантастика
• Самопомощь
• Спорт
• Триллер
• Путешествия
• Молодое поколение
• Больше 035
• Сообщество ▾
  • Группы
  • Обсуждения
  • Цитаты
  • Спросить автора

• Войти
• Присоединиться

Зарегистрироваться

6

Просмотреть профиль

6 Посмотреть профиль

Друзья

Группы

Обсуждения

Комментарии

Задание по чтению

Kindle Заметки и основные моменты

Цитаты

Любимые жанры

Рекомендации друзей

Настройки учетной записи

Помощь

Выйти

5 Домой

• Мои книги
• Обзор ▾
  • Рекомендации
  • Choice Awards
  • Жанры
  • Подарки
  • Новые выпуски
  • Списки
  • Изучите
  • Новости и интервью

  Жанры

• 35 Бизнес Биография
• 35 30
• Детская
• Христиан
• Классика
• Комиксы
• Поваренные книги
• Электронные книги
• Фэнтези
• Художественная литература
• Графические романы
• Историческая фантастика 19-го века
• История
• Ужас

• Ужас
: Характеристики, История

1830-е годы

Национальная галерея, Лондон (1832-38)
Дизайн Уильям Уилкинс.
Неоклассическая греческая архитектура с куполом и колоннами.

Здание парламента, Лондон (1839-52)
Дизайн сэра Чарльза Барри.
готическая архитектура с итальянским земельный план.

1840-е годы

Bibliotheque Sainte ‘Genevieve, Париж (1845-50)
Дизайн Анри Лабруста.
Первое неутилитарное здание с открытыми металлическими конструкциями.

Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия (1847-55)
Разработан Джеймсом Ренвиком.
Известен как «Замок». Готическое возрождение с элементами романского стиля, башенки и арки.

1850-е годы

Crystal Palace, Лондон (1851)
Дизайн Джозефа Пакстона.
Промышленная архитектура: 300 000 оконных стекол на каркасе из кованого железа.
Первоначально был построен в Гайд-парке, а затем переехал в Пендж-Коммон.

Реконструкция города Парижа (1852-70)
Дизайн барона Жоржа-Эжена Османа при Наполеоне III.
Более широкие, прямые и длинные бульвары / проспекты; расчистка трущоб.

Bibliotheque Nationale de France, Париж (1854-75)
Дизайн Анри Лабруста.
Промышленное чугунное строительство.

Собор Святого Патрика, Нью-Йорк (1858-79)
Разработан Джеймсом Ренвиком.
Оформлен в готическом стиле, Вдохновленный соборами Кельна, Реймса и Вестминстерского аббатства.

Chateau de Pierrefonds, Уаза, Франция (1858-85)
Дизайн Эжена Виолле-ле-Дюк (1814-79).
Средневековая архитектура с интерьером в стиле неоготики.

1860-е годы

Парижская опера, Экстерьер и интерьер (1860-75)
Дизайн Чарльза Гарнье.
Архитектура барокко соответствует Ecole des Beaux-Arts с элементами неоготики.

Мемориал принца Альберта, Гайд-парк, Лондон (1864-76)
Разработан сэром Джорджем Гилбертом Скоттом. Скульптура Генри Армстеда, Джона Белл.
Форма Ciborium готического храма с колоннами из розового / серого гранита.

Станция Сент-Панкрас, Лондон (1868-74)
Дизайн сэра Джорджа Гилберта Скотта.
Готический стиль Возрождения с фасадом из красного кирпича.
Типичное викторианское искусство.

Опера Земпера, Дрезден (1869-78)
Дизайн Готфрида Земпера.
Возрождение барокко в архитектуре, скайлайн скульптуры.

1870-е годы

Мэрия Филадельфии (1871-1880)
Разработан Джоном МакАутером-младшим.
Второй ампир. Самое высокое занимаемое каменное здание в США.

Executive Office Building, Вашингтон DC (1871-1888)
Разработан Альфредом Б. Мюлетом.
Построен из чугуна, гранита и сланца.

Церковь Святой Троицы, Бостон (1872-77)
Дизайн Генри Хобсона Ричардсона.
Образец романского стиля Ричардсона; макет на основе греческого креста.

1880-е годы

Казино Монте-Карло (1880-85)
Разработано Шарлем Гарнье.
Архитектура в стиле необарокко.

Sagrada Familia, Барселона (1883)
Дизайн Антонио Гауди.
Стиль модерн готической архитектуры!

Эйфелева Башня, Париж (1885-89)
Дизайн Гюстава Эйфеля (1832-1923) и Стивен Совестр.
Промышленная архитектура: гигантский пилон виадука, сборные железные балки.

Статуя Свободы, гавань Нью-Йорка (посвящен 1886 г.)
Дизайн Фредерика Огюста Бартольди.
Состоит из женской фигуры Либертас , римской богини свободы, который держит факел и табличку, напоминающую о законе, с датой (4 июля, 1776 г.) Американской декларации независимости.

Palais Wagner, Вена (1889-91)
Дизайн Отто Вагнер.
Венский сецессион в архитектуре, сочетание нежной металлоконструкции с орнаментом.

Palacio Episcopal, Леон, Испания (1889-93)
Дизайн Антонио Гауди.
Архитектура в стиле модерн.

The Galerie des Machines, Париж (1889)
Разработано Фердинандом Дутертом и Виктором Контамином.
Промышленная архитектура: Металлический / стеклянный зал с трехшарнирной арочной конструкцией.

Универмаг Carson Pirie Scott, Чикаго (1899–1904)
Разработан Луи Салливаном.
Предвосхищение единой сетки модернистской архитектуры.

1890-е годы

Wainwright Building, St Louis (1890-91)
Дизайн Луи Салливана.
На основе сетки ярко выраженных структурных вертикалей.

Second Leiter Building, Чикаго (1890-91)
Разработан Уильямом ле Бароном Женнеем.
Конструкция стального каркаса: металлический каркас, задрапированный легкой каменной занавеской. стена.

Reliance Building, Чикаго (1890-95)
Разработано Дэниелом Бернхэмом и Чарльзом Этвудом.
Металлокаркасная конструкция: стена из стекла и белой терракоты.

Метрополитен-музей, Нью-Йорк (1890-1902)
Дизайн Ричарда Морриса Ханта.
Возрождение в стиле викторианской эпохи Возрождения известняковый фасад.

Guaranty Building, Буффало, Нью-Йорк (1894-5)
Разработан Луи Салливаном и Данкмаром Адлером.
Облицовка со стальной конструкцией.

Hotel van Eetvelde, Брюссель (1895-98)
Дизайн Виктора Орта.
Архитектура в стиле модерн; творческое использование морилки стекло и утюг.

Дом Венской Сезессии, Вена (1897-98)
Дизайн Иосифа Мария Ольбрих.
Функциональное здание геометрической формы, украшенное орнаментальными фризами. См. Также: Югендстиль (1890-1914)

Дом Майолики, Вена (1898)
Дизайн Отто Вагнер.
Венский сецессион в архитектуре с керамикой арт-фасад.

Станция метро Porte Dauphine, Париж (1899)
Разработан Гектором Гимаром (1867-1942).
Архитектура в стиле модерн.

Флэтайрон-билдинг (Фуллер-билдинг) Нью-Йорк (1901-03)
Дизайн Дэниела Бернхэма.
Конструкция из стального каркаса.

См. Также: Девятнадцатый Скульпторы века.

Проектирование зданий ХХ века

Подробнее см .: 20-й век Архитектура (1900-2000). Для влиятельной группы архитекторов-модернистов, см .: Второй Чикаго Школа архитектуры (ок. 1940-75), возглавляемая бывшим директором Баухауза Мисом ван дер Роэ (1886-1969).

Дизайн 20-го века

Размер вставки (пикс.) 344 x 292429 x 357514 x 422599 x 487

ОПИСАНИЕ

Цикл лекций по истории искусства, лекция 3

Текст дизайна 20-го века

• 1.ЭЛЕКТРОЧАЙНИК МОБИЛЬНЫЙ ТЕЛЕФОН Дизайн 20 века

2. Электрический чайник, 1983.

• 1894. Crompton & Co., Великобритания.
• Традиционный внешний вид и материалы.
• Медь / латунь с деревянными ручками

Чайник Premier, 1912 год, Пожар под водой 3. AEG- Peter Behrens, 1909. 4. Германия.

• Выбор отделочных материалов и формы.
• Первая компания, которая экспериментировала с всплывающим элементом.

5. Bulpitt & Sons Swan, 1922

• Первый чайник с полностью погруженным элементом.

6.

• Рассел Хоббс 1960, Великобритания.
• Хромированный, черный пластик.
• Первый полностью автоматический чайник

7. Модель K2s 1971 г.

• Две безопасные точки отсечки,
• Первая компания, предоставляющая запчасти и ремонтные услуги.

8.Philips Alessi

• Возрождение чайника-кувшина в 70-х годах.
• Полипропилен — первый пластик, используемый для корпуса чайника.
• Уровень воды, фильтр для накипи, простая очистка.

9. Алесси — Майкл Грейвс Термопласт

• Безопасность: отключение питания при поднятии
• с базы, полимер

10. Мобильный телефон 11.

• Первые беспроводные телефонные звонки были сделаны из легковых и грузовых автомобилей. .

1946 Беспроводные телефоны 12.

• Первые портативные устройства были действительно большими и тяжелыми.
• Большой в основном из-за размера батареи, которую они поместили в свой собственный портфель.

Переносной 13.

• В 1983 году Motorola выпустила первый настоящий мобильный телефон.
• Он весил примерно столько же, как мешок с сахаром, а время автономной работы составляло всего 8 часов.
• Он стоил 3 995 долларов, и только за первый год было продано более 300 000 единиц.

Motorola 1983 — DynaTAC 8000X 14.

• Подавляющее большинство телефонов были черными или темно-серыми с антеннами и маленькими экранами.
• Первый сотовый телефон-раскладушка. Также один из первых экранов дисплея в ячейке.

Motorola-Startac, 1996 15. Конвергентные устройства

• Мобильные телефоны также можно использовать в качестве КПК, MP3-плееров, игровых консолей и устройств для работы в Интернете.

Nokia 350i, Первый интернет-телефон 16.Смартфоны — iPhone или Blackberry?

• Blackberry более популярна на Ближнем Востоке и в Америке.
• Blackberry сохранила формат Qwerty и адаптировала свои телефоны к требованиям клиентов.

17. Concept Phones

Откройте для себя прелести русской жизни XIX века в Пермском крае

Пермь. Дом Токарева. 23 августа 1999 г.

Уильям Брумфилд

Город Пермь, крупный промышленный и административный центр, расположенный на европейской стороне Северного Урала, простирается на многие мили вдоль высокого восточного берега реки Камы.Летом 1909 года русский фотограф и химик Сергей Прокудин-Горский посетил город в первой из трех экспедиций на Урал. Он видел самые разные виды — от суровой красивой природы до крупных фабрик.

Дом Токарева. Главный фасад, оконная деталь. 23 августа 1999 г.

Уильям Брамфилд

Он также взял свою камеру на штативе к холмам к востоку от города, откуда он сделал панорамные виды на центральный район, которые дают представление о его городских кварталах.Одна из ярких особенностей панорам Прокудина-Горского — преобладание деревянных домов. На самом деле, большинство жилых домов в провинциальных городах лесного центра России строилось из дерева даже в 20 ^-м -м веках. Дома в городах, построенные из бревен на кирпичном фундаменте, обычно облицовывались дощатой обшивкой с декоративными элементами.

Пермь. Панорамный вид на запад от городских холмов. Справа налево: Торговая (ныне Советская) улица с церковью Святого Николая; Св. Петропавловская улица с деревянными домами слева.В овраге: сараи и сараи у реки Егошика. Лето 1909 г.

Сергей Прокудин-Горский

Моя первая поездка в Пермский край произошла через девять десятилетий после Прокудина-Горского, летом 1999 года. Последующие поездки, в 2014 и 2017 годах, открыли город, отмеченный новостройками.

От медеплавильного завода до промышленной электростанции

Деревянный дом на кирпичном первом этаже, ул. Монастырская, 73. Бревенчатая конструкция с дощатой обшивкой и декоративными оконными рамами.22 августа 1999 г.

Уиллам Брумфилд

Поселок Пермь возник в начале 18 ^-го века как часть поисков Петра Великого по разработке рудных месторождений Уральских гор. Это сырье обеспечивало надежные источники основных промышленных металлов, необходимых, прежде всего, для армии. Благодаря близлежащим источникам медной руды, густым лесам и обильным запасам воды, участок возле села Егошиха считался идеальным для строительства большого медеплавильного завода. Строительство главного Егошихинского завода началось 4 мая 1723 года, что считается датой основания Перми.Название «Пермь», которое в средние века относилось к большой территории в Уральских горах, было официально принято в 1781 году по приказу Екатерины Великой, превратившей поселение в административный центр Урала.

Деревянный дом XIX века (сруб с дощатой обшивкой) на углу улиц Пушкина и Горького. 15 июня 2014 г.

Willam Brumfield

Благодаря своему выгодному расположению в бассейне реки Волги, Пермь в течение 19 ^-го -го века превратилась в центр транспортировки соли и других полезных ископаемых, а также металлической руды и продукции металлургических заводов на западе страны. Уральские горы.Расцвет Перми на рубеже 20–^– годов отразился в взглядах Прокудина-Горского на центральный город с его изрыгающими дымовыми трубами. Несмотря на кардинальные изменения, произошедшие за столетие после его визита, несколько зданий, запечатленных на его фотографиях, остались.

Сохраняя прошлое

Деревянный дом XIX века (бревенчатый сруб с обшивкой на лепном кирпичном первом этаже) на углу улиц Островского и Ленина. Украшен стрит-артом. 15 июня 2014 г.

Willam Brumfield

Тем не менее, большинство деревянных домов, видимых на панорамах Прокудина-Горского, исчезли под давлением городской застройки, роста цен на землю и трудностей с уходом за древесиной.К счастью, мне удалось задокументировать отдельные примеры деревянных домов в центре города, некоторые из которых украшены праздничными декоративными элементами, такими как резные оконные рамы ( наличники, ), типичные для конца 19 ^-х и начала 20 ^{-х гг.} вв.

Пермь. Вид на запад с городских холмов. Деревянные дома различных размеров и конструкций. Крайний слева: Покровская (ныне Ленина) улица с церковью Рождества Богородицы. Лето 1909 г.

Сергей Прокудин-Горский

Один из наиболее хорошо сохранившихся образцов — дом на Пермской улице, 67, состоящий из несущего сруба на кирпичном цокольном этаже.В 1883 году владелица Александра Токарева обратилась с ходатайством о расширении строения и перестройке передней части в богато украшенной манере, которая соответствовала интересу русских к традиционным народным стилям во второй половине XIX века.

Деревянный дом XIX века, ул. Монастырская, 26. Сруб с дощатой обшивкой. Частый ремонт улицы затемняет кирпичный цокольный этаж. 23 августа 1999 г.

Willam Brumfield

Дом Токаревой с его сложной резьбой и фрезеровкой по дереву получил название «теремок» («каморка в башне») — термин, применяемый к подобным образом оформленным строениям в Подмосковье.В 1911 году записи показывают, что дом принадлежал Клавдии Токаревой.

В 1985 году Токаревский «Теремок» был реконструирован под небольшой магазин. Сейчас он охраняется как зарегистрированная достопримечательность. Другие деревянные дома, которые я сфотографировал, скорее всего, исчезнут, если они еще не исчезли.

Ощущение деревенской жизни

Деревянный дом, ул. Монастырская, 26. Окно с декоративной окантовкой. 23 августа 1999 г.

Уиллам Брамфилд

Среди потрясающих видов Прокудина-Горского на Пермь есть отдаленная деревня, известная как Разгуляй, название, которое можно вольно перевести как «расслабиться» или «дать волю ударам», и часто ассоциировалось с тавернами.(В Москве в честь популярного трактира был назван Разгуляйский район.)

Деревянный дом, св. Петропавловская улица. Бревенчатая конструкция с декоративной окантовкой окон. 23 августа 1999 г.

Уильям Брумфилд

Когда Пермь в начале 19-го ^-го годов обрела надлежащий план города, Разгуляйский район был исключен и, таким образом, сохранил вид комфортного беспорядка, захваченного Прокудиным-Горским. Здесь везде деревянные дома, окруженные сараями и сараями.

Следует подчеркнуть, что деревянные дома в российских городах были связаны с деревенской жизнью.Хотя большая часть этой среды также исчезла, Перми повезло, что рядом есть музей под открытым небом, известный как Хохловка (произносится как ХО-хловка), названный в честь живописной деревни неподалеку на небольшой реке Хохловка. Парк «Хохловка» расположен менее чем в часе езды к северу от Перми. Это одно из тех особенных путешествий в прошлое региона.

Пермь. Вид на северо-восток с городских холмов. Разгуляйский район с деревянными домами. На втором плане — кладбище Егошика. Лето 1909 г.

Сергей Прокудин-Горский

Специалисты по сохранению архитектуры и ученые приступили к планированию парка в 1969 году, и с одобрения Министерства культуры в 1971 году региональные власти выделили красивый холмистый участок площадью около 40 гектаров, ведущий к западному берегу реки. Камское водохранилище.Парк «Хохловка» открыт для посещения в 1980 году.

Хохловка. Бревенчатая церковь Рождества Богородицы (1694 г.), первоначально в селе Тохтарево. 22 августа 1999 г.

Willam Brumfield

Просторный природный ландшафт состоит из скоплений срубов, привезенных из разных уголков Пермской области. В их числе две церкви и колокольня, бревенчатые дома (в двух из которых восстановлен интерьер), амбары, деревенская пожарная часть и ветряная мельница с сохранившимся внутренним убранством.Есть также две бревенчатые церкви, построенные на рубеже 18-^{-х гг. И} -х веков.
Бревенчатые дома на Хохловке отражают типичные для этого региона скромные размеры. Пример — усадьба В. И. Игошева из села Грибаны. Расположенный на реке Телес (южный приток Камы), Грибаны были слишком маленькими, чтобы иметь собственную церковь, но плодородные речные земли обеспечивали достаточно безопасное существование крестьянам в середине 19 века, когда этот дом ( изб ).

Хохловка. Бревенчатый дом, построенный в конце 19 века крестьянином Иваном Игошевым в деревне Грибани. 22 августа 1999 г.

Willam Brumfield

В удлиненном плане Игошевская избушка состоит из двух жилых помещений, в центре которых находится тамбур для повышенного входа. Стены из сосновых бревен с выемками, нижний ряд из крупных бревен уложен на основание из полевого камня. Плотно изолированная крыша из досок выходит далеко за пределы стен, чтобы защитить конструкцию от сильных снегопадов и дождливого лета.На окнах деревянные ставни. Главный элемент ярко обставленного интерьера — кирпичная печь.

Хотя теремок Токарева в Перми намного больше, его можно рассматривать как ностальгическое отражение традиционного дизайна, видимого в парке Хохловка. Это среда, которая была бы хорошо знакома Прокудину-Горскому.

Бревенчатый дом постройки Ивана Игошева в селе Грибани. Интерьер, главная комната. 22 августа 1999 г.

Уильям Брамфилд

В начале 20 века русский фотограф Сергей Прокудин-Горский разработал сложный процесс цветной фотографии.В период с 1903 по 1916 год он путешествовал по Российской империи и сделал более 2000 фотографий, сделав три экспозиции на стеклянной пластине. В августе 1918 года он покинул Россию и в конце концов переселился во Францию, где он воссоединился с большой частью своей коллекции стеклянных негативов, а также с 13 альбомами контактных снимков. После его смерти в Париже в 1944 году его наследники продали коллекцию Библиотеке Конгресса. В начале 21 века Библиотека оцифровала коллекцию Прокудина-Горского и сделала ее общедоступной.На нескольких российских сайтах теперь есть версии коллекции. В 1986 году историк архитектуры и фотограф Уильям Брамфилд организовал первую выставку фотографий Прокудина-Горского в Библиотеке Конгресса. За период работы в России, начиная с 1970 года, Брамфилд сфотографировал большинство мест, которые посетил Прокудин-Горский. В этой серии статей взгляды Прокудина-Горского на архитектурные памятники сопоставлены с фотографиями, сделанными Брамфилдом десятилетия спустя.

При использовании какого-либо контента Russia Beyond, частично или полностью, всегда предоставляйте активную гиперссылку на исходный материал.

No related posts.