Модные японские дизайнеры одежды

Япония – страна не только многовековых традиций, но и ультрамодных достижений. Все варианты актуальной одежды – от черного минимализма до фирменного денима – в обзоре My Way.

ФОТО: Issey Miyake INC.

Модные японские дизайнеры одежды

Главная модная выставка следующего года, традиционно проходящая в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, будет посвящена лишь одному дизайнеру – японке Реи Кавакубо, основательнице марок Comme des Garcons и Dover Street Market. Она станет вторым дизайнером в истории музея, заслужившим такой чести при жизни (первым был Ив Сен-Лоран). Модные японские дизайнеры одежды сегодня влияют на fasion-индустрию более чем очевидно, а главные «виновники» этого – Реи Кавакубо, Йоджи Ямамото и Иссей Мияке, которых до сих пор называют «Большой японской тройкой». Ворвавшись в мир парижской моды в начале 1980-х, они быстро изменили традиционное представление о том, какой должна быть одежда, хотя на первых порах им приходилось иметь нешуточные схватки с критиками и терпеть полное презрение байеров. Иссей Мияке выбрал путь экспериментов и новых технологий. Придуманная им концепция A-POC – A PIECE of CLOTH заключалась в экономичном использовании отреза ткани, когда при раскрое важны лишь способ драпировки и минимум вырезов, и простом принципе ношения. В 1993 году Мияке, вдохновленный искусством танца и архитектуры, запустил линию одежды Pleats Please – исключительно из высокотехнологичной синтетической ткани с нанесением запатентованной перманентной плиссировки.

ФОТО: Issey Miyake INC.

Эти вещи, удобные в носке, садящиеся на любой размер и не требующие глаженья, до сих пор остаются бестселлерами марки Issey Miyake. Совсем по-другому видели моду другие модные японские дизайнеры одежды — Реи Кавакубо и Йоджи Ямамото, которые отталкивались от традиционных костюмов прошлого. Несмотря на то что они были единомышленниками и даже дебютировали в Париже в 1981 году, объединив свои показы, Ямамото называл Кавакубо самым сильным своим конкурентом. Их монохромные рваные, лишенные всякого декора одеяния рождали новое для западного человека чувство «отсутствия одежды». Дизайнеры чрезвычайно свободно обращались с тканями, скручивая их, застирывая, распуская петли, сшивая швами наружу, украшая пирсингом и играя с новыми пропорциями. Их излюбленные приемы деконструкции, когда вещь кажется распадающейся на части, сшитой из тканей разных фактур, и засилье черного цвета оказали неожиданное и мощное влияние на европейцев – достаточно упомянуть знаменитую «антверпенскую пятерку».

Новое поколение

Дизайнер Джун Такахаши одним из первых получил знаки одобрения от самой Кавакубо. Он создал бренд Undercover, который с 2002 года фигурирует в расписании парижских Недель моды и имеет свой стабильный круг поклонников.

ФОТО: Undercover

Когда-то у себя на родине игравший в панк-группе Tokyo Sex Pistols, делавший кавер-версии на хиты своих кумиров.

В одежде Такахаши периодически обращается к панку, пусть лишь в деталях. Другой его излюбленной темой стала американская поп-культура

и, в частности, «Заводной апельсин» Стэнли Кубрика. Виртуозное смешение уличного стиля и классических, почти кутюрных нарядов не прошло незамеченным: сегодня вещи Такахаши можно купить в главном универмаге альтернативной моды Dover Street Market, детище Кавакубо. К направлению «авангардистов» также принадлежат марки Sacai и Limi Feu. Дизайнер Sacai Читосе Абе некоторое время работала закройщицей в Comme des Garcons, а в 1999 году решила создать собственный бренд, начав с показа в Париже.

ФОТО: Undercover

Теперь у нее уже 15 точек продаж. Коммерческий успех Sacai кроется в разумном балансе японской и европейской классики. Дизайн Абе изобилует асимметричными деталями, контрастными фактурами и странными пропорциями, но эти вещи, очевидно, более пригодны для повседневной жизни. То же самое можно сказать и о Limi Feu. Бренд дебютировал в 2000 году на Неделе моды в Токио и лишь в 2007-м на Неделе моды в Париже. За ним стоит молодая дизайнер Лими Фью, дочь Йоджи Ямамото.

ФОТО: Limi Feu

Асимметричный крой, необработанные края, многослойность и темная палитра – эти элементы она «унаследовала» от своего отца. Но сквозь весь этот «панк-рок» нет-нет, да и проступает более женственная, даже романтичная одежда, рассчитанная на любой тип фигуры. На показах Лими Фью часто можно видеть самых обычных женщин, даже беременных или полностью покрытых татуировками – для нее каждая женщина прекрасна.

Деним

Несмотря на то что деним – американское изобретение, но модные японские дизайнеры одежды в изготовлении аутентичного материала превзошли всех: не зря концептуальная линия Levi’s Vintage шьется в Японии и стоит здесь в три раза дороже. А местные эксперименты в этой области поражают воображение. Дизайнеры марки KAPITAL, которая позаимствовала первую букву своего названия от города Кодзимы, известного как «столица денима», переосмысливает американскую рабочую одежду на японский лад. В основе изготовления большинства вещей лежит старинная техника азиатского пэчворка «боро», которую еще много лет назад рабочие использовали, чтобы починить старую одежду, тщательно вшивая кусочки тканей. Современный процесс, со стиркой и искусственным состариванием денима, доведен у KAPITAL до вершин мастерства. И цена жакета, выполненного в такой технике, соответствующая – около €1300. Еще более необычный способ обработки ткани придумали модные японские дизайнеры одежды из группы волонтеров, чтобы собрать средства на обустройство одного из японских зоопарков.

ФОТО: Zoo Jeans

В городе Хитачи в вольеры со львами, тиграми и медведями были сброшены покрышки и резиновые мячи, обернутые денимом.

Потом из порванной клыками и когтями диких животных ткани были пошиты джинсы под лейблом Zoo Jeans.

«Авторство» каждой модели подтверждено дополнительным грифом «Designed by Lions», «Designed by Tigers» или «Designed by Bears». Теперь эти изделия регулярно выставляются на онлайн-аукционы по стартовой цене $1000.

ФОТО: Zoo Jeans

О других домах моды и последних коллекциях читайте в разделе Стиль.

Текст: Алексей Пантыков («РБК Стиль»)

Японский дизайнер Оки Сато и секреты его успеха

Добавить в избранное

Оки Сато (Oki Sato) благодаря своему уникальному почерку и огромному таланту завоевал признание во всем мире. Его дизайнерские объекты соединяют в себе истинно японскую эстетику, современность, эксперимент и функциональность минимализма.

По словам самого дизайнера, секрет его успеха очень прост: главное — помнить, что в дизайне нет места скуке и сухой рациональности. Важно, чтобы объекты были созданы с эмоцией и легкостью. Такой подход всегда чувствуется и вызывает только положительные переживания и приятные моменты в процессе пользования изделиями.

Японец основал свою собственную дизайнерскую студию Nendo в 2002 году, когда ему было всего 24 года. С тех пор его детище динамично развивается, а список мировых дизайнерских наград растет в геометрической прогрессии. Возможно, главным залогом успеха студии является определение четкой философии дизайна и логичное следование ей.

Легкое настроение и юмористические нотки просматриваются во всех дизайнерских проектах Оки Сато, будь то интерьер или небольшой декор. Кроме того, все его объекты, в противовес глубокой эмоциональной составляющей, имеют очень лаконичные и простые формы.

Оки Сато не просто придумывает удобные и функциональные вещи — он создает собственную историю. Возможно, благодаря его искренней многогранности такой дизайн одинаково интересен и очарователен как для детей, так и взрослых. Это для Оки Сато высшая оценка качества продукта.

В приоритете у японца — функциональность и эстетическая составляющая, но он не боится идти на эксперимент. Ярким тому примером стал дизайн душевой лейки Axor LampShower для бренда Hansgrohe, в котором Оки Сато подверг полному переосмыслению привычный вид этого объекта. В нем душ объединен со светильником, что позволяет, к примеру, мыться под лампой и читать под душем. Очень ярко и смело!

Дизайнер экспериментирует не только с функциями, но и с формой, цветом и материалом объекта. Его успех обеспечен, главным образом, производством множества свежих идей и смелых решений. Примечательно, что в его дизайне практически нет плоскостей — только пространство и линии. Инсталляция для модной марки COS, состоящая как раз из линий, прекрасно подчеркивает отличительные черты дизайна Nendo: лаконичность, юмор и свежесть идеи.

Оки Сато никогда не сидит на месте, и его объекты также видоизменяются, усложняются и живут своей жизнью. Дизайнер никогда не делает слишком сложные и декоративные вещи — для него важнее всего смысловое наполнение и комфорт. В переводе с японского слово «nendo» означает «пластилин», и, действительно, Оки Сато, подобно пластилину, старается быть гибким и постоянно меняться. Отсюда такое разнообразие и неординарность.

Что касается экспериментов с цветом и материалом, Оки Сато всегда остается на высоте. Благодаря уникальному, нестандартному подходу к дизайну, японец создает удивительные вещи, которые становятся бестселлерами по всему миру. Так, его коллекция Soft для бренда Glas Italia стала настоящим открытием: стеклянные журнальные столики будто парят в воздухе. Прокрашенные грани обеспечивают мягкое свечение, а эффект градации цвета придает объектам вид совсем другого материала.

Оки Сато в полной мере демонстрирует то, каким должен быть современный дизайнер. Бесспорно, его проекты отвечают его философии — они функциональны, полезны, эмоциональны, свежи и красивы. Оказываясь перед выбором между эмоцией и функцией, он без малейших колебаний берет обе составляющие и комбинирует их.

Как и подобает настоящему успешному дизайнеру, Оки Сато демонстрирует свой талант во всем, ведь японец создает самые разнообразные вещи — от посуды до оформления интерьеров крупных магазинов. Главное в дизайне — любовь и идея, которые сделают повседневность комфортней и ярче.

Автор: Забуранная Светлана

Японский вклад в haute couture — Look At Me

Кензо, Иссей Мияке, Ханаэ Мори, Еджи Ямамото, Рэй Кавакубо

Из неевропейских дизайнеров только японские модельеры оказали такое влияние на мировую моду. Кензо, Кансай Ямамото, Иссей Мияке, Ханаэ Мори, Еджи Ямамото, Рей Кавакубо — вот имена тех первых, которые изменили философию дизайна и сделали одежду такой, какой мы ее знаем и носим сейчас. 

Они сделали это 40 лет назад. Впервые Париж знакомится с японскими модельерами в 70е. Тогда в моду входит этнический стиль. Восток, буддизм, йога становятся невероятно популярными в Европе. Не только дизайнеры ищут новые формы и цвета — разочаровавшееся поколение бэби-бумеров 60х ищет в восточной философии новые идеи для нового образа жизни.

1970е стали временем, когда на модной сцене перестал главенствовать европейский типаж. Пьер Карден, Луи Феро, Пако Рабанн первыми приглашают для участия в показах «цветных» манекенщиц. Становятся известными темнокожие модели — Иман, Беверли Джонсон. Мода haute couture меняет представления о стандартах красоты: их больше нет, красота может быть разной. Кумирами молодежи в это время были никарагуанка Бьянка Джаггер, первая жена Мика Джаггера, и Анжела Дэвис, противница расовой дискриминации, благодаря которой в моду вошли прически «а-ля анжела дэвис». 

Когда Ханаэ Мори впервые приехала в Америку, представления о Японии были примерно такие же, как сейчас о Китае, — страна дешевых товаров низкого качества, которые продавались на улицах Нью-Йорка по доллару за штуку. Сама Япония, оккупированная союзными войсками после Второй мировой, открывала для себя западную культуру и европейскую одежду. Модницы Токио сменили просторные кимоно на прилегающие костюмы, а гета — на шпильки. 

Первым добился признания на Западе Кензо. Потом стали известны имена Кансай Ямамото, Иссей Мияке, Ханаэ Мори, Еджи Ямамото, Рэй Кавакубо, Мицуширо Мацуда, Коджи Тацуно, Джун Ашида, Ёшики Хишинума, Юнко Шимада, Масатомо Ямаджи, Ацуро Таяма, Ешиоки Кониши, Мичико Кошино, Джуниа Ватанабе и др. Можно с полным правом говорить о существовании японского направления в дизайне одежды.

КЕНЗО

Родители Такада Кензо настаивали на том, чтобы он изучал английскую литературу, а Такада завораживали модели на страницах журналов, которые читали сестры. Он бросил университет в Кобэ и переехал в Токио, лишившись  из-за этого финансовой поддержки родителей. Чтобы заработать на жизнь, он красил стены и работал маляром, а вечерами посещал подготовительные курсы в школу дизайна. Примерно через полгода его одним из первых студентов мужского пола приняли в старейшую японскую школу моды Бунка Гакэн (Bunkafukuso Gakuin), где учились только девушки. Еще студентом он побеждает на национальном конкурсе Soen и по приглашению сети магазинов Sanai разрабатывает для них по 40 новых моделей в месяц.

В 1964 г. в Токио проходили Олимпийские игры. На месте дома, где жил Кензо, должны были построить стадион. За снесенный дом ему выдали денежную компенсацию в размере 350 тысяч йен. Так исполнилась мечта Кензо поехать в Париж. Он купил билет на торговое судно, которое по пути заходило в порты разных стран: Гонконг, Тайвань, Сингапур, Макао, Барселону. Впечатления от этого путешествия вдохновят впоследствии Кензо на создание коллекций в этническом стиле. 

1 января 1965 г. он сошел на берег в Марселе и поездом отправился в Париж, где у него не было ни знакомых, ни работы, ни денег. Вдобавок к этому, Кензо не говорил по-французски. На жизнь он зарабатывал стрижкой собак, а по вечерам стремился на показы Кардена, Шанель, Диора. Впервые Кензо замечают благодаря жене модельера Луи Феро. Она покупает у молодого художника несколько эскизов, которые ей понравились. Кензо постепенно обзаводится контактами в модных кругах и выполняет заказы для производителей одежды Pisanti и Relations Textiles, нескольких магазинов и журналов.

Своего магазина, как и своей марки у Кензо еще нет. В 1970 г. ему  выпадает такой шанс: знакомый предлагает поучаствоваь в открытии маленького магазина в галерее «Вивьен». Вспоминая свой малярский опыт, он сам занимается отделкой магазина. Кензо называет магазин «Jungle Jap» (буквально «Джунгли япошки»), что уже привлекло к нему внимание. На первом показе, который прошел там же, в галерее «Вивьен», было всего 50 человек. Но среди них была главный редактор «Еllе», которая сразу же дала обложку для модели Кензо. В 1970 году Кензо стал первым японцем в Париже, выпускающим вещи под собственным именем.

Первые же показы Кензо в Париже, Токио и Нью-Йорке имели большой успех. Кансай Ямамото и Кензо были первыми, кто стали устраивать из показов театрализованные шоу и проводить их в неожиданных местах и площадках. В 1978-79 гг. показы Кензо проходили в цирке-шапито: в прозрачных одеждах по манежу на лошадях скакали акробатки, а сам Кензо выезжал на слоне.

В 1976 г. была основана марка «Кензо». В 1970-е  все только и говорят о Кензо и называет его основателем этнического стиля. Кензо предложил европейцам, привыкшим к одежде,  подогнанной по фигуре, простые конструкции на основе кимоно. Кензо в целом тогда предвосхитил стиль Oversize look конца 70х. Он придумал платье-свитер с рукавами «кимоно» или «летучая мышь», длинные пиджаки, платья-«баллоны» и носить короткие пиджаки в сочетании с широкими укороченными брюками. Он стал первым японским модельером, оказавшим влияние на европейскую моду. 

В 1972 г. Кензо представил коллекцию, в которой соединялись рисунки, до этого считавшиеся несочетаемыми: мелкий цветочный рисунок с полоской, клетка с полоской. Это до сих пор остается фирменным стилем Кензо. Он соединял в одной модели фольклорный и классический, спортивный и этнический стили: широкую «крестьянскую» юбку со свитером, а классический пиджак — с романтической блузой с кружевами. То, что не удивит нас сегодня, тогда в 70-е впервые сделал Кензо. Его излюбленные мотивы – это цветы и листья. Его самые знаменитые духи упакованы во флакон-лист.

В 1999 г. Кензо объявил о своем уходе и представил последнюю коллекцию. Она объединилась с грандиозной ретроспективой моделей, созданных за 30 лет работы  и изменивших мир моды. Кензо был награжден премией мира Time for Peace «за космополитическую карьеру и стиль, впитавший в себя отголоски самых различных культур и традиций». 

В настоящее время марка Кензо принадлежит концерну Louis Vuitton и продолжает свое существование. Креативный директор марки Антонио Маррас бережно относится к интерпретации визитных карточек стиля Кензо, как видно из последней коллекции Дома моды весна-лето 2010. 

ИССЕЙ МИЯКЕ

Иссей Мияке родился в 1938 г. в Хиросиме. Когда ему было 7 лет, американские войска сбросили на город атомную бомбу, почти все его близкие погибли, а сам Иссей чудом остался жив. После окончания Токийского университета искусств. Мияке отправился в Париж учиться в Школе при Синдикате высокой моды. Он работает ассистентом в Доме моды «Ги Лярош» и у Юбера де Живанши в Париже, а затем отправляется в Нью-Йорк, где работает стилистом у модельера Джеффри Бина.

В 1971 году Мияке возвращается в Токио и открывает «Miyake Design Studio». Несомненно, работа в Париже, традиции haute couture, так же, как и опыт работы в США, стране массовой культуры и ready-to-wear одежды оказали влияние на творчество Мияке. В его первой коллекции западные фасоны, силуэты и ткани соединились с японскими орнаментами и рисунками: на трикотажных майках портреты Джимми Хендрикса и Дженис Джоплин напоминали татуировки якудза, стеганая джинса, из которой Мияке сшил пальто, напоминали орнаменты тканей эпохи Нара, трикотажные комбинезоны были похожи на костюмы конькобежцев, а своими рисунками — на крестьянскую одежду. японцев. Одежда Мияке была одинаково новой как для японцев, так и для европейцев и американцев. От Запада Мияке взял любовь к самовыражению и человеческой индивидуальности, а у  японской одежды заимствовал свободный покрой и многослойность.  

Японские дизайнеры изменили концепцию представления модных показов. До них модели выходили на подиум в строгом порядке, выстроенном в соответствии с ассортиментными группами. Первый показ Мияке в Нью-Йорке в 1971 г. произвел  сенсацию: он проходил в гараже, а манекенщицы ходили по эстакадам. Показы Мияке проходили то в плавательном бассейне, то в гимнастическом зале, то на спортивном стадионе. В 1976 г. испытали шок уже не евпропейцы, а японцы: в показе Мияке в Токио участвовали только чернокожие манекенщицы. Этим шоу Мияке хотел открыть японцам мультикультурность мира. Коллекцию осень/зима 1995-96 гг. показывали женщины в возрасте от 60 до 93 лет, доказывая, что одежду Мияке может носить любой человек и в любом возрасте. 

Мияке доказал, что одежду можно делать из чего угодно — из резины, пластика или бумаги.В специальной лаборатории по созданию высокотехнологичных тканей  разрабатывается до 300 новых тканей для его коллекций. В 1984 г. Мияке создал желтый дождевик из пропитанной маслом бумаги ручной работы; в коллекции «Plastic Body» осень/ зима 1980-81 гг. пластиковые корсеты повторяли формы обнаженного тела; в «Rattan Body» весна/лето 1982 — конструкции из ротанга, напоминавшие одежду самураев; лифы из проволоки в коллекции «Wire Body» весна/лето 1983; для коллекции «Waterfall Body» Мияке создал ткань, создававшую иллюзию намокшей и прилипшей к телу одежды; в «Tattoo Body» трико телесного цвета с черными геометрическими рисунками имитировали татуировки на теле; трикотаж Мияке с вплетенными полосками флизелина напоминал шкуру фантастического животного. 

Полностью алюминиевый бутик Pleats Please в Токио сделан из переработанных деталей старых автомобилей (дизайнер — Токуджин Йошиока). Pleats Please («Плиссированное удовольствие») — отдельная линия одежды, в которой Мияке вместе с дизайнером по текстилю Макико Минагава проводит экспериментирует с плиссировкой. Мияке принес в мировую моду важную идею, в 70е прозвучавшую впервые: одежда — это не униформа, не предмет престижа и не знак социального статуса. Одежда — это то, что способно доставлять удовольствие и нести положительные эмоции. Такого эффекта Мияке добивается с помощью необыкновенных форм, дающих пищу воображению, и свободной структуры, позволяющей трансформировать костюм в процессе ношения.

Полностью алюминиевый бутик Pleats Please в Токио сделан из переработанных деталей старых автомобилей (дизайнер — Токуджин Йошиока). Pleats Please («Плиссированное удовольствие») — отдельная линия одежды, в которой Мияке вместе с дизайнером по текстилю Макико Минагава проводит экспериментирует с плиссировкой. Мияке принес в мировую моду важную идею, в 70е прозвучавшую впервые: одежда — это не униформа, не предмет престижа и не знак социального статуса. Одежда — это то, что способно доставлять удовольствие и нести положительные эмоции. Такого эффекта Мияке добивается с помощью необыкновенных форм, дающих пищу воображению, и свободной структуры, позволяющей трансформировать костюм в процессе ношения.

ХАНАЭ МОРИ

Ханае Мори родилась в 1926 г. в семье врача. Приличная девушка из хорошей семьи,  оназакончила Христианский Токийский университет по специальности японская литература. Как  и положено, рано вышла замуж за обеспеченного человека, и, как и все женщины в то время, должна была сидеть дома и заниматься хозяйством. Но Мори это быстро наскучило: «10 пальцев слишком много, для того, чтобы делать только работу по дому. Я сосчитала свои пальцы и решила, что пальцев левой руки вполне достаточно для того, чтобы выполнять работу по дому и быть хорошей женой.»

В 26 лет она окончила школу дизайна, родила первого ребенка и открыла свою студию по пошиву одежды. В своем первом магазине, типичном японском домике, раздвижные перегородки она заменила на стекло, заказала из Америки дорогостоящие манекены, и это сработало: люди стали останавливаться и с удивлением рассматривать магазин-аквариум.

Тогда, во время Второй мировой войны и после нее, в Японии оказалось много европейцев и американцев, одежда которых быстро вошла в Японии в моду. Японки оставили кимоно для праздников и церемоний, надели платья и юбки, а вместо гета — туфли на шпильках. В ателье Ханаэ Мори в основном создавались костюмы для кинофильмов и платья на заказ. Жены американских военнослужащих приходили в ателье со своей одеждой в качетсве образца и заказывали новую на пошив. Для Ханаэ Мори это стало открытием: японская одежда была геометрической и плоской, не подчеркивала фигуру, не облегала, не стесняла движений. Американская одежда шилась по лекалам, повторяла силуэт человека и у нее были вытачки. «Японские женщины были полностью одеты, когда приходили ко мне на примерку. Они лишь примеряли к себе цвет шелкового полотна, из которого должна быть сделана одежда. Американки же заставили меня работать с пропорциями, телом женщины, научиться видеть фигуру, за что я им чрезвычайно благодарна,» — рассказывает Ханае Мори.

Ханаэ Мори первой в Японии стала делать одежду по западным образцам. Одежда с маркой «Ханаэ Мори» была популярна в Японии и имела свои магазины уже по всей стране, но ни одного за границей. В то время в Синдикате высокой моды не было ни одного неевропейца. Мори поставила перед собой цель стать японским модельером мирового уровня, но сначала стала просто клиенткой дома Шанель. «Это было время, когда во главе домов моды стояли такие люди как Диор, Карден, Живанши — они видели женщину прекрасной, но лишь дополнением к статусу мужчины, именно для него они делали одежду, чтобы он мог через женщину показать свое положение в обществе. Шанель была другой. Ее одежда была для женщин и о женщине. Она говорила, что пройма жакета является ключевым моментом для создания превосходной линии тела, а ее блузы и юбки, которые были сделаны строго по фигуре, лишь легко и неуловимо касались тела. Когда я получила свой жакет от Коко, его прислали в прекрасной коробке, обернутой в белую материю, на которой стояла лишь маленькая печать Коко Шанель, напоминающая мне о японском ханко (ханко-печать, клеймо).»

Первые же показы коллекций Ханаэ Мори в Америке и Франции имели большой успех. Нью-Йоркской и парижской публике она предложила платья, форма которых была европейской и привычной, но ткани были расписаны бабочками и цветами, как праздничные кимоно. в 1977 г. Ханаэ Мори открывает свой Дом моды в Париже. Ее клиентками стали жены президентов и дипломатов, для которых важно было соблюдать строгий стиль, но при этом выглядеть оригинально и индивидуально. Одна из коллекций Ханаэ Мори называлась «Восток встречает Запад». Так можно охарактеризовать все ее творчество. Ханаэ Мори открыла европейцам японскую культуру, а японцам — западную и получила признание мировой моды, став первым дизайнером неевропейского происхождения — членом Синдиката высокой моды.

ЕДЖИ ЯМАМОТО 

Ёджи Ямамото родился в Токио в 1943 г. Как и Кензо, Ямамото бросил университет Кейо, не доучившись по специальности право, и поступил в школу моды Бунка Гакэн (Bunkafukuso Gakuin).

Ямамото говорит, что война вдохновляет его. Отец Еджи, солдат, погиб во время Второй мировой войны. Примерно 98% моделей Ямамото выполнены в черном цвете. Свою первую черную коллекцию он представил в 1977 г. на неделе прет-а-порте в Токио, а в 1981 г. — в Париже. По подиуму под психоделическую музыку ходили необычной походкой манекенщицы без макияжа, в грубой обуви без каблуков, в черной одежде. Пресса назвала этот показ «концом моды». а интеллектуалы — произведениями искусства. Тогда этот стиль назвали «разрушительным»/ destructuree look/ destructive look/ деконструктивизм. Ямамото и Кавакубо стали его основателями, первыми, кто показал асимметричную, как бы незавершенную одежду: например, жакет с одним рукавом или юбку с неровным с одного бока подолом. 

Ямамото считает, что то, что скрыто под одеждой, гораздо более привлекательно, чем то, что выставлено напоказ. И в этом тоже — влияние японской традиции: в кимоно у женщины открыт только затылок, который считается самой сексуальной частью тела. Одежда Ямамото была альтернативой агрессивному стилю «секси» 70-х. 

Для коллекций Ямамото характерны трансформация, многослойность, асимметрия, неожиданные сочетания европейских элементов с этническими. Чтобы носить одежду Ямамото, нужно проявить собственную фантазию, надеть ее так, как хочется тебе самому. Через свою одежду Ямамото воплотил идею свободы. 

 РЕЙ КАВАКУБО

Рей Кавакубо родилась в 1942 г. в Токио. Как и большинство японских дизайнеров 70-х, ее первое образование было далеко от моды — Рей изучала философию. После окончания университета она работала в рекламном отделе фирмы Asahi Kasei, которая занималась производством химических волокон и материалов. Разрабатывая рекламные буклеты для синтетических тканей своей компании, она решила создать из них несколько моделей платьев. Они стали пользоваться успехом, и Рей решила посвятить себя дизайну одежды.

В 1973 г. в Токио появилась марка под названием Comme des Garçons дизайнера Рей Кавакубо. Первый показ на неделе в неделе прет-а-порте в Париже в 1981 году шокировал публику и прессу, критики сравнили его с «похоронной процессией после взрыва атомной бомбы», назвав его Post Hiroshima Look. Уже в следующем году Кавакубо открыла магазин в Париже. Так, начиная с всего нескольких платьев, за 20 лет марка Comme des Garçons стала известна всему миру. В конце 1990-х гг. годовой оборот компании составлял 125 млн долларов.

До Кавакубо было принято, чтобы вещи были сшиты «по фигуре» и «хорошо сидели». В парижском магазине Comme des Garçons продавались бесформенные трикотажные свитера, на которых были вывязаны дыры (!) и специально спущены петли. В проймах пиджака, как в незашитых проймах женского кимоно, появлялись разрезы, рукава были разной длины, воротник с лацканами можно было накинуть как шарф. Вещи имели странные объемы, иногда были словно недошиты, а края тканей оборваны. До Кавакубо этого не делал никто.Запахи ее духов столь же авангардны, как и дизайн их флаконов: знаменитые Odeur 53 — это запах жженой резины и прачечной, a Odeur 71 напоминают запах чернил и факсового тонера. 

Образ женщины 1980-х — это деловая бизнесвумен или соблазнительница на высоких каблуках и в обтягивающем платье. Свою марку Кавакубо назвала Comme des Garçons — «как мальчики». Ее вещи имели свободную форму, которая позволяла человеку  расслабиться и быть самим собой, не думая, какую позу принять и как выглядеть в глазах окружающих. Одежда Кавакубо не превращала ее обладателей в объекты социальной или сексуальной манипуляции, не придавала статус или определенный имидж. Чтобы носить ее  «незавершенные» вещи, нужно присоединиться к творческому процессу и самому додумать/  придумать, как ее надеть. Рей Кавакубо изменила отношение к одежде, которая стала выражением индивидуальности, а не статуса. 

Красоты нет без индивидуальности.

Революция, которую японские дизайнеры совершили в мире моды, стала возможна только и благодаря взаимодействию японской и западной культур. Сосуществование современных технологий и тысячелетних традиций в Японии возможно благодаря их знаменитому традиционализму. Прошлое никуда не исчезает, оно живет в настоящем и находится с ним впостоянном диалоге. Так и японские дизайнеры заимствовали из древней традиции создания японского костюма общие принципы и создали на их основе современную одежду, которая за 40 лет не потеряла своей актуальности.   

Японцы генетически не понимают одежду, которая обтягивает и подчеркивает фигуру, в таких вещах они задыхаются. Кензо: «Телу нужно пространство. Как в физическом, так и в духовном смысле». Мияке, Ямамото, Кензо, Кавакубо — все они начинают вводить моду на объемные вещи. Кимоно, дзюбан или хаори — в их основе простейшие геометрические формы: круг, квадрат, прямоугольник. Иссей Мияке нашел новые формы на основе японских. Ямамото и Кавакубо трансформировали в соответствии с японской традициейевропейские формы.  Ханаэ Мори соединила их с японским декором. Еджи Ямамото и Рей Кавакубо положили начало деконструктивизму и стали духовными учителями для многих европейских дизайнеров, таких как Дриз ван Нотен, Анна Демельмейстер и др. 

В японской культуре одежда или окутывает фигуру, или упаковывает ее, или свободно ниспадает. При взаимодействии с телом человека и при его творческом участии каждый раз возможно создавать новое творение. Японские дизайнеры своими революционными идеями изменили систему ценностей и вкусы целого поколения не только дизайнеров, но и потребителей. Сегодня простые, кажущиеся слегка поношенными, брюки от Ямамото не менее престижны, чем костюм от Диор. Японская культура и вклад японских дизайнеров в haute couture сделали индивидуальность человека важнее его статуса.

После первого показа Ямамото в 1970-е пресса написала, что наступил «конец моды». В 1990-е  деконструктивизм из авангардной концептуальной моды для интеллектуалов превратился в массовое увлечение. Асимметричные линии кроя, эффектмешковатой одежды, смещенные застежки, необработанные края, «вывернутые наизнанку» швы — теперь это есть в каждой сезонной коллекции любого сетевого магазина.  Но вы же знаете, откуда это пришло.

Источники фотографий: doverstreetmarket.com, manolomen.com, fashionsalon.blogspot.com, wice.org, telegraph.co.uk, stylehog.com, infektia.net, originalsins.wordpress.com, fashionrevolution.wordpress.com, thisislavie.com, viatania.com, enjoyfashion.com, selectism.com, sneakernews.com, luckyscent.com, coutequecoute.blogspot.com, thefashionpolice.net, sneezeniz.com, edeparfum.ru, egodesign.ca, 48years.blogspot.com, osinka.ru, luxu.ru, news.bbc.co.uk, zvanna.ru, intermoda.ru, musie.wordpress.com, dancull.wordpress.com, thefashioninsider.com, rol.ru, world.menu.ru, f2f-mag.blog.ru, starch.com.ua, djournal.com.ua, epochtimes.ru, mediaruimte.be, artnet.com, isseymiyake.co.jp,guardian.co.uk, lemodalogue.fr, niwde.blogspot.com, urbancamou.blogspot.com, flickr.com, style.com, martbase.com

Африка, Япония, Китай: этнические стили в дизайне интерьера :: Дизайн :: РБК Недвижимость

Рассказываем, как интегрировать атрибуты культуры вашей любимой страны в свою квартиру или загородный дом

Фото: Japan_room\shutterstock

Этнический стиль в дизайне интерьера сочетает в себе элементы искусства, традиций и обычаев народов, населяющих разные уголки нашей планеты. Концепции современного дизайна позволяют обустроить жилье в стиле понравившейся страны, окружить себя предметами, олицетворяющими ее национальный характер и неповторимую культуру.

Ценители самобытности сегодня чаще всего выбирают такие типы этносов, как африканский, японский и китайский. Вместе с дизайнерами рассказываем, как грамотно создать этностиль у себя дома.

Африка

Тема африканского интерьера впервые возникла, когда французские легионеры покоряли страны Африки и привозили интересные детали в западный мир, создавая таким образом континентальный стиль. «Мода на элементы африканизма то и дело возникает и в наши дни. Но она проявляется больше в отдельных элементах интерьера. Зебровые ковры на полу, статуэтки животных, деревянные детали грубой ручной работы — все эти элементы укажут на пытливый и стремительный темперамент владельца интерьера, который любит приключения и путешествия», — комментирует основатель студии Scientific Design Lab Элина Нивин.

Украсьте комнату шкурами животных (Фото: PixHound\shutterstock)

Предпочтение африканскому этностилю стоит отдать тем, кто хочет создать теплый и яркий интерьер. «Африка — довольно большой континент, простирающийся от Марокко и Египта на севере до Намибии, Мозамбика и Южной Африки на юге. В каждой стране, безусловно, есть свой неповторимый стиль оформления интерьера, но, несмотря на это, прослеживается единая визуальная цепочка. В оформлении Африки преобладают природа, яркие, богатые и глубокие цвета в сочетании с более естественными дополняющими компонентами, жизнь диких животных и различные виды традиционной резьбы по дереву», — рассказала основатель студии Grande Familia (iRoomproject) Инна Каминская.

Это не декоративные чучела, сундуки, шкуры, маски богов, фигуры и статуэтки людей с копьями, это в первую очередь землистые и природные тона, а также натуральные материалы, уточняет дизайнер. Она посоветовала взять за основу пол под бетон, плитку из песчаника или терракоты, разноплановые натуральные циновки, а на стены — фактурные краски с грубой текстурой песчаного или естественного молочного цвета.

Интерьер в африканском стиле — это не только шкуры и маски (Фото: Dariusz Jarzabek\shutterstock)

«Подчеркну, этому стилю свойственны теплые цвета, наполненные солнечным светом: коричневый, охра, красно-бардовый, молочный, золотой, цвет апельсина, желто-болотный, цвет спелого манго», — рекомендует Каминская. Как дополнение интересен декор, сделанный из натуральных материалов, таких как солома, дерево, глина, листья, стекло, а натуральные ткани и артефакты, привезенные вами или подаренные вам, помогут передать дух Африки в интерьере, уточнила Каминская.

Среди самых популярных экзотических пород для отделки можно обозначить падук — это разновидность древесного рода Птерокарпус, который растет в основном в Западной Африке, рассказал эксперт и руководитель компании «EKZOfloor» Сергей Батурин. «Природный состав этого материала таков, что он легко противостоит бактериям и грибкам и даже в прямом контакте с влажной почвой прослужит до 25 лет без реставрации и частичной замены планок. Из такого дерева можно создать открытую террасу в контрастном африканском стиле, цветовая гамма — от бледно-желтого до насыщенного красного цвета», — комментирует Батурин.

Еще один вариант для отделки — это венге — африканская порода с богатой палитрой цветов от золотисто-коричневого до темно-коричневого. «Порода стала популярнее дуба, и ее используют для производства мебели под заказ, когда нужно получить интерьер насыщенных древесных коричневых тонов. Материал сохранится в целостности до 100 лет. Третий вариант, который можно использовать в африканском интерьере, — зебрано. Это дерево с темными полосками на светлом фоне из западной части Африки. Его диаметр — около 1 м. Он подойдет как для создания отдельных предметов интерьера, так и для монтажа стендовых или напольных покрытий», — рассказал Батурин.

Чтобы создать интерьер в африканском стиле, можно использовать:

• теплые цвета;
• отделку из натуральных пород африканских деревьев;
• плитку из песчаника или терракоту;
• декор из соломы, дерева, глины и стекла;
• натуральные шкуры животных;
• экзотические растения;
• артефакты, привезенные из стран Африки.

Для создания африканского интерьера выбирайте теплые тона (Фото: PixHound\shutterstock)

Япония

Японская стилистика в интерьере пришла в западный мир еще в ХVIII–XIX веках. «Но больше всего отразилась в современных трендах волна моды на японский минимализм, который появился в 60-е годы прошлого века. Он получил преобразование в современных стилях модерн, хай-тек. С этим мы живем не одно десятилетие», — прокомментировала Элина Нивин.

«Обратить внимание на японский стиль стоит тем, для кого важны естественный свет, объемы пространства, простота и спокойствие. В Японии дизайн — это в первую очередь философия, а потом уже материализм, эстетика и атмосфера. Каждое жилое пространство в японском стиле должно демонстрировать глубокую признательность и уважение к миру природы, это всегда скромность материалов и чистые линии. В интерьере в японском стиле также много зеленых живых растений», — подчеркнула Каминская.

Сделайте белые бесфактурные стены (Фото: Japan_room\shutterstock)

Мебели в японском стиле свойственна лаконичность, натуральность и функциональность. «Если вы хотите зонировать пространство, используйте перегородки, полупрозрачные панели, экраны, ширмы, раздвижные двери в интерьере. Они разделят пространство или соединят раздельные зоны в единую площадь. Наполнят вашу квартиру или дом прямолинейные стеллажи, крупные лаконичные столы, многофункциональные табуреты и стулья. Вообще, японцы используют невысокую мебель. Это потому, что в японской культуре принято сидеть на подушках или циновках татами на полу, чтобы поддерживать хорошую осанку», — объяснила дизайнер.

Японский стиль выбирают те, для кого важны простота и спокойствие (Фото: Japan_room\shutterstock)

Пол в японском интерьере не обойдется без плетеных соломенных циновок (татами), рекомендует Каминская. По ее словам, небольшие помещения станут намного просторнее с белыми бесфактурными стенами, которые прекрасно дополнят обои из рисовой бумаги со сложными традиционными узорами и тушью. «Рисовая бумага тонкая и хорошо пропускает свет, потому ее можно использовать для плафонов и декорирования ширм. Почему белый, спросите вы? Белый цвет как база практически всегда выражает ощущение безмятежности и элегантности, и, кстати, это самый простой из цветов, вызывающий ощущение спокойствия», — подчеркнула основатель Grande Familia.

Используйте полупрозрачные перегородки (Фото: Ume illustration\shutterstock)

Ваби-саби

Самая актуальная на сегодня — японская концепция ваби-саби. Она провозглашает идею жизни в согласии с несовершенствами мира или попросту со «скромной красотой», которая учит ценить жизнь в ее мимолетности и естественности. «Эта концепция заключается в ценности каждого предмета через его историю вне времени и возраста, стоимости или имени. Рассматривайте каждый такой предмет в интерьере как отдельный живой персонаж со своей историей, характером и энергией», — пояснила Каминская.

Используйте натуральные материалы (Фото: Alexander Steamaze\shutterstock)

Как для ваби-саби, так и для японского стиля в целом присуще обилие натуральных материалов. Это могут быть стекло, мрамор, керамика, бетон, камень, металл и дерево, отметила дизайнер. По ее словам, цвета в таком интерьере должны быть природные и нейтральные — подойдут оттенки коричневого, серого, зеленого. На предметах в японском интерьере ваби-саби могут присутствовать сколы и царапины.

Чтобы создать интерьер в японском стиле, необходимо выбирать:

• белый цвет и природные тона;
• минимум декора;
• натуральные материалы;
• солому и рисовую бумагу;
• полупрозрачные перегородки;
• невысокую мебель;
• живые растения.

Выбирайте невысокую мебель для японского интерьера (Фото: Ume illustration\shutterstock)

Китай

Китай хранит в себе длинную и богатую историю. Это страна с тысячелетней культурой, ее дизайн неразрывно связан с атмосферой дзэн, а значит, с чувством гармонии и баланса энергий. Китайские элементы дизайна отличаются от японских смелостью и декоративностью, отметила глава студии Grande Familia. По ее словам, интерьер в китайском стиле не накапливает ненужные предметы, которые, как считают сами китайцы, истощают энергию человека, живущего в доме.

Китайцы редко используют шторы (Фото: Japan_room\shutterstock)

Любовь к натуральным материалам со стремлением сохранения природных ресурсов сегодня общепринятая мировая тенденция, а в Китае она основополагающая уже сотни лет. «Если у вас возникла идея воплотить китайский стиль в интерьере, вам следует познакомиться с правильным течением энергии ци, или невидимым потоком энергии, несущей жизнь. Это особое упорядоченное размещение предметов в доме. Философия фэншуй и есть первая связь с китайским дизайном интерьера, где энергетические силы направляются для создания ощущения гармонии в пространстве», — пояснила Каминская.

Украсьте жилье китайским фарфором (Фото: shutterstock\WichitS)

Разделите пространство по зонам активности правильным планированием или декоративными ширмами — согласно фэншуй. Сегодня это особенно частый прием в больших пространствах. «Гладкие поверхности из темного лакированного дерева, декоративные фонари из рисовой бумаги красного цвета, лакированная и решетчатая мебель, бамбуковые интерьерные детали, обои шинуазри, фарфор и декоративные статуэтки из него, цветовые палитры, в которых часто сочетаются теплые нейтральные тона с насыщенным красным, черным и золотым, — все это свойственно китайскому стилю в интерьере», — пояснила дизайнер.

Делайте красные акценты (Фото: WichitS\shutterstock)

Интерьер в китайском стиле, как правило, включает в себя лаковую мебель. «Древесина в Китае считается символом традиционных китайских ценностей и мостиком гармонии между человечеством и природой. Техника лака — синоним китайских интерьеров, ей более 1,4 тыс. лет. Для одного предмета мебели могут использоваться до 30 различных техник, каждая из которых включает до 100 этапов. Совсем недавно лак стали наносить и на отделку стен», — подчеркнула Каминская.

В китайском интерьере должна быть мебель, покрытая лаком (Фото: jiao2020\shutterstock)

Еще одна отличительная черта китайского интерьера — сочетание резких прямых линий, а также острых углов и четких многоугольных форм с замысловатыми деревьями, цветущими растениями и птицами. Поскольку каждый иероглиф, орнамент и рисунок имеют символический смысл, выбирая обои с изображениями, стоит узнать значения символов.

Разделите пространство по зонам активности (Фото: Keitma\shutterstock)

Чтобы создать интерьер в китайском стиле, нужно выбирать:

• сочетание теплых и ярких тонов;
• красные акценты;
• лакированные поверхности;
• детали из бамбука;
• рисовую бумагу;
• обои шинуазри;
• фарфор.

Читайте также:

Основатель бренда Kenzo умер от COVID :: Общество :: РБК

Японскому дизайнеру и модельеру Кендзо Такаде был 81 год

Кендзо Такада (Фото: Jacques Brinon / AP)

Модельер Кендзо Такада умер от коронавируса в возрасте 81 года. Японский дизайнер и основатель модного дома Kenzo скончался в воскресенье, 4 октября, в одной из больниц во французской коммуне Нейи-сюр-Сен.

Такада родился 27 февраля 1939 года в японской префектуре Хёго. Он получил образование в школе для модельеров Bunka Gakuen в Токио, а в 1965 году переехал во Францию.

Бренд Kenzo был основан Такадой в 1970 году. В Париже дизайнер открыл свой первый бутик под названием Jungle Jap, там же состоялся первый показ мод. На следующий год он представил свою коллекцию в Нью-Йорке и Токио.

C 1983 года Такада начал заниматься мужской модой. Через пять лет Kenzo выпустил первую линию одежды для детей и товаров для дома, а еще через год — парфюмерную продукцию.

В 1993 году Кендзо продал свой бренд концерну LVMH, а спустя шесть лет ушел из модного дома и занялся авторскими проектами. В 2004 году Такада запустил бренд Gokan Kobo, занявшись созданием посуды, аксессуаров и предметов интерьера.

Неизвестная Япония

Япония подарила миру моды множество талантливых дизайнеров, таких как Kenzo, Yohji Yamamoto, Issey Miyake, Junya Watanabe… Однако множество японских дизайнеров и брендов остаются малоизвестными, хотя безусловно заслуживают внимания. Сегодня мы откроем несколько таких имен и посмотрим лучшие фрагменты коллекций сезона осень-зима 2011-12.

 

Kolor

Интересные цветовые решения и любопытные детали заставят нас еще не раз обратиться к коллекциям этого бренда.

1.

 

2.

 

 

Ki Noe

Дизайнер Yuki Otani использует в своих коллекциях нетривиальный подход к форме.

3.

 

 

Yasutoshi Ezumi

Традиционные для японской одежды многослойные сочетания интерпретированы в очень актуальных решениях. Кстати, дизайнер Yasutoshi Ezumi работал в качестве помощника в Доме Alexander McQueen.

4.

 

5.

 

 

Tomorrowland

Яркие краски отражают национальное наследие бренда Tomorrowland, в то время как силуэты и крой вещей больше соответствуют европейской традиции.

6.

 

7.

 

 

Beautiful People

Дизайнер Hidenori Kumakiri основал бренд, предназначение которого — одевать красивых людей (или делать людей красивыми).

8.

 

 

Taro Horiuchi

По мнению дизайнера Taro Horiuchi красота вещей – в их простоте.

9.

 

 

Shida Tatsuya

В основе на первый взгляд сложных коконообразных конструкций от Shida Tatsuya лежат простые формы. При каждом движении такая одежда обретает новую пространственную форму. Так японские дизайнеры реализуют стремление к выражению индивидуальности.

10.

 

 

Van Hongo

Сложные оттенки и немного странные в сочетаниях шероховатые фактуры трикотажа, бархата, замши отличают коллекцию дизайнера Izumi Hongo.

11.

 

 

Julius

Это марка мужской одежды и аксессуаров, от которых не отказались бы и девушки (вообще многие японские дизайнеры выпускают одежду унисекс).

12.

 

 

Trove

Дизайнер Daisuke Kamide создает под маркой Trove мужскую одежду в винтажной стилистике.

13.  

 

Какие дизайнеры и бренды вас заинтересовали? Нравится ли вам «японское направление» в моде?

Умер японский дизайнер Кансай Ямамото – автор костюмов Дэвида Боуи и партнер Louis Vuitton

Японский дизайнер Кансай Ямамото 21 июля умер в возрасте 76 лет. Об этом сегодня сообщила его дочь, актриса Мираи Ямамото, в своем аккаунте в Instagram. По данным японской телерадиокомпании NHK, дизайнер умер от лейкоза.

View this post on Instagram

. 父、山本寛齋は去る７月２１日、 私を含め家族が看取る中、安らかに７６歳にてこの世を旅立ちました。 私にとって、父はエネルギッシュで明るいことはもとより、穏やかで、寛大で、人懐っこく、コミュニケーションを大切にし、無償の愛を与えてくれた存在でした。　 また人生を通して「時に折れることがあろうと、常に前向きに、果敢に挑戦し続けることが明るい未来に繋がる」ということを教えてくれました。 生前中の父・山本寛齋と関わってくださった関係者の皆さま、医療関係者の皆さま、応援してくださった皆さまへ心より感謝を申し上げます。 今後も女優業を継続する傍ら、 2020年、年初より加わりました山本寛齋率いる「KANSAI SUPER STUDIO」にて父・寛齋の「元気」をスタッフと共に継承していきたいと思っておりますので、よろしくお願い申し上げます。 2020年7月27日 山本未來 ————————————————————— On July 21st, my father, Kansai Yamamoto, passed away at the age of 76. He left this world peacefully, surrounded by loved ones. In my eyes, my father was not only the eclectic and energetic soul that the world knew him as, but someone who was also thoughtful, kind-hearted, and affectionate. He valued communication and showered me with love throughout my entire life. He also taught me to persist throughout failures and to never let go of a positive, forward-looking mindset. He viewed challenges as opportunities for self-development and always believed in the brighter days ahead. I want to thank everyone who has touched my father’s life in some way, shape, or form. Without you, his legacy would not exist. I will continue supporting this legacy of my father through my work at KANSAI SUPER STUDIO, alongside my acting career. In doing so, I hope to spread Kansai Yamamoto’s spirit of “Genki” to the world. Sincerely, Mirai Yamamoto 7/27/2020

A post shared by Mirai Yamamoto 山本未來 (@miraiyamamoto_official) on Jul 26, 2020 at 8:35pm PDT

Ямамото известен своими костюмами, которые создавал для музыканта Дэвида Боуи, в том числе для тура Ziggy Stardust в начале семидесятых годов. Источником вдохновения дизайнера было японское искусство, в частности, театр кабуки.

Kansai Yamamoto

Kansai became famed for creating androgynous and futuristic stage costumes for David Bowie – most notably for his Ziggy Stardust Tour. pic.twitter.com/M7zreJhX9Y

— BLACK&WHITE (@calimerowhite2) July 27, 2020

Дизайнер работал с Элтоном Джоном и Стиви Уандером. Показы коллекций Ямамото проводились в Нью-Йорке, Париже и Лондоне. В начале девяностых он переключился на продюсерскую деятельность, занимался организацией крупных развлекательных мероприятий.

В 2018 году Ямамото сотрудничал с Louis Vuitton. Он также разработал дизайн поезда Skyliner, который следует из аэропорта «Нарита» в Токио и обратно, в 2010 году.

Рост японских дизайнерских брендов

Популярность японской моды имеет огромное влияние во всем мире. Узнайте больше о Commes des Garcons, Йоджи Ямамото и Джунья Ватанабе.

С конца 70-х — начала 80-х годов рост японской моды оказал влияние на все аспекты современной мировой мужской и уличной одежды. Тем не менее, японская мода берет свое начало в западном мире, на который она влияет сегодня.Все началось с западных субкультур, в частности панк-рока, которые во многом вдохновили новое поколение японских дизайнеров бросить вызов модным нормам того времени. Более 500 магазинов по всей Японии, тщательно отобранные продукты 2nd Street — это окно в самое лучшее из современной японской моды.

Comme des Garcons

Ни одна ретроспектива японской моды не обходится без упоминания Comme des Garcons. Бренд был основан Рей Кавакубо в 1969 году, и она была первым японским дизайнером (вместе с Йоджи Ямамото), который участвовал в Неделе моды в Париже в 1981 году.Негендерное, интенсивное использование черного и состаренных и необработанных тканей под влиянием панка бросало вызов традиционной моде и шокировало критиков в то время.

Рей посмеялся последним, поскольку Comme des Garcons превратился в полноценную империю моды с несколькими линиями под своим лейблом, включая доступный диффузионный бренд, Comme des Garcons Play и другие линии дизайнеров, наставляемых Рей, таких как Junya. Ватанабэ. Comme des Garcons также включает в себя розничную торговлю со своими всемирно известными магазинами Dover Street Market в Лондоне, Токио, Лос-Анджелесе, Пекине и Сингапуре.

Йоджи Ямамото

Японский коллега-дизайнер Рей Кавакубо, Йоджи Ямамото, открыл свой первый магазин в Париже в том же году, когда они выставлялись на Парижской неделе моды в 1981 году, заложив основу для Японии в международном мире моды. Йоджи Ямамото известен своим динамичным использованием черной цветовой палитры и акцентом на качество материалов, а затем и на силуэт.

У Йоджи Ямамото есть одноименный лейбл и Y’s, который очень популярен в Японии.Йоджи также вступил в партнерство с немецкой спортивной одеждой adidas в 2003 году, чтобы запустить бренд Y-3. Премиум, но доступная цена и авангардный дизайн обуви с амортизирующей технологией Adidas завоевали его новое поколение поклонников.

В 2007 году Джунья Ватанабе вместе с Nike запустила коллекцию вафельных бегунов в винтажном стиле. Именно эти дизайны закрепили популярность олдскульного силуэта Nike у самых популярных сегодня японских дизайнеров, таких как Sacai и Undercover.

Дзюня Ватанабэ

Залп Рей Кавакубо и Йоджи Ямамото на Парижской неделе моды открыл дорогу японским дизайнерам. Дзюнья Ватанабэ был наставником Рей Кавакубо; сначала начал как модельер для Comme des Garcon в 1984 году, а затем стал главным дизайнером Comme des Garcons Homme. В 1992 году он запустил свой одноименный лейбл Junya Watanabe под эгидой Comme des Garcons.

Джунья Ватанабе разделяет ту же ДНК дизайна Comme des Garcons и бунтарскую полосу панк-рока, но Джунья известен своей «техно-модой» с его новаторским использованием технических тканей и тканей для верхней одежды.У Джуньи также есть длинный список партнеров по сотрудничеству, которым он поставил свой собственный отпечаток в их более классических проектах, таких как Levi’s, Carhartt, The North Face и Nike.

В 2007 году Джунья Ватанабе вместе с Nike запустила коллекцию вафельных бегунов в винтажном стиле. Именно эти дизайны закрепили популярность олдскульного силуэта Nike у самых популярных сегодня японских дизайнеров, таких как Sacai и Undercover.

Урахара

Рей Кавакубо, Йоджи Ямамото и Джунья Ватанабэ — трое самых выдающихся японских дизайнеров современной моды, и они оказали влияние на новую волну творцов, объединяющих как высокую моду, так и уличную одежду.Подобно тому, как Рей, Йоджи и Джунья бросили вызов нормам традиционной моды, в конце 1990-х зародилась волна уличной моды, известная как «Урахара» или «Задние улицы Харадзюку».

Касива Сато — уважаемый бренд-дизайнер японского дизайна

Японская культура всегда вызывала восхищение своей кухней, живописными местами и традиционным искусством. В то же время страна входит в число ведущих разработчиков дизайна, будь то мода, продукт, архитектура или графический дизайн.На международной арене дизайна горячо почитаются здания архитектора Тадао Андо, модные работы Иссея Мияке или костюмированные и театральные постановки Эйко Ишиока. К лучшим японским специалистам в области графического дизайна присоединился дизайнер Касива Сато, который считается одним из самых уважаемых креативных директоров не только в Японии, но и во всем мире. Его логотипы стали частью нашего повседневного потребительства: Uniqlo, Nissin, Seven Eleven, пиво Kirin, Rakuten и многие другие.

Касива Сато, креативный директор, Portrait

Кто такой Касива Сато?

После окончания Художественного университета Тама Сато в 1989 году проработал одиннадцать лет в ведущей рекламной компании Японии Hakuhodo, а пока он работал в Hakuhodo, он в течение восьми лет отвечал за брендинг линии минивэнов Honda Step WGN.К 2000 году он построил собственный независимый бизнес со своей творческой студией SAMURAI. Неся с собой свои навыки творческой концептуализации и коммуникационной стратегии, Сато продолжает обслуживать таких известных клиентов, как Rakuten с 2003 года, Uniqlo с 2006 года и Seven Eleven с 2011 года. В 2006 году Uniqlo начала расширять свой модный бренд за рубежом, например быть их флагманским магазином в Нью-Йорке. Компания Sato занималась коммуникациями по глобальному брендингу, включая разработку логотипов, дизайн фирменных магазинов, планирование продуктов и стратегии продвижения.

UNIQLO Soho New York, наружная реклама (строительство строительных площадок), 2006 г.

Его портфолио работ кажется бесконечным: Nissin, Cup Noodle Museum, Yanmar, Imabari Towel Japan, T-Point, Mitsui & Co., Daiwa, Suit Select и логотип схемы вывесок для Национального центра искусств в Токио и многие другие. Он также руководил общим направлением дизайна интерьера для Takeda Pharmaceutical Co. и обновленным архитектурным планированием детского сада Fuji. Невероятный объем его участия в проектах варьируется от бизнес-компаний, школ, больниц, музеев, развлечений, моды, продуктов питания, транспорта и других местных отраслей.

Корни и начало Касива Сато

В одном интервью Сато отмечает, что с детства он всегда любил дизайн обложек манги, знаки и вывески. Когда он смотрел на них, образы в его голове начали увеличиваться. В юности он любил рисовать картинки и часто рисовал на любом подручном материале, например, на газетах. К третьему и четвертому классам у него появилась страсть к мультфильмам и логотипам, которые он рисовал не только в тетрадях, но и в школьных учебниках и на обратной стороне листов с ответами.Он накладывал логотипы на изображения и копировал иллюстрации из мультфильмов. Во время просмотра футбольных матчей он уделял пристальное внимание брендам обуви и ветровок и почему-то считал, что логотип делает все по-другому. Он вспоминает: «Я почувствовал огромный космос бренда = пространство внутри этого небольшого логотипа и был привлечен к его привлекательности». (с выставки Касива Сато, Национальный центр искусств, Токио)

Организация и пространство сыграли важную роль в видении дизайна Сато.Еще в начальной школе он научился систематически организовывать свои комиксы дома, заставляя его чувствовать и видеть другой ландшафт мира. Отец Сато был архитектором и спроектировал их дом, в котором не было перегородок и было свободное пространство. Сато научился ценить огромное пространство, в котором он чувствовал себя частью невидимого мира. Таким образом, чистый лист белой бумаги был для него пустым пространством, которое приглашало его исследовать с помощью своего воображения. «Я хочу свободно отправиться в воображаемое путешествие, чтобы увидеть мир, которого я никогда раньше не видел, и отправиться в другое измерение.Там должно быть что-то новое. Я нахожусь в постоянном путешествии, чтобы создать что-то новое ». (с выставки Касива Сато, Национальный центр искусств, Токио)

Праздничный сценический занавес для спектакля в ознаменование церемонии именования Накамуры Шикана VIII, Театр Кабукиза, Токио, октябрь 2016 г.

Успех Касива Сато

Касива Сато, как говорят, привнес совершенно иное значение в понятие «СМИ», которое традиционно включает телевидение, радио, газеты и журналы.Вместо этого он расширил рекламные носители, включив в них конверты для компакт-дисков, дизайн упаковки для напитков, пакеты для покупок, рекламные щиты, салфетки и плакаты, висящие внутри поездов. Вывески, таким образом, стали повсеместными на улицах, чтобы все могли видеть их в виде значков и эмблем, передающих информацию. Сато произвел революцию в парадигме дизайна, придав идентичности бренда давнюю осознанность в человеческом сознании.

NISSIN KANSAI FACTORY, Total Proroduction, 2019

Как бренд-архитектор, Сато обладает огромной способностью идентифицировать, освещать и визуализировать суть предмета.Его стиль прост, но поразителен и фокусируется на воздействии, которое должно оставаться сильным и продолжаться долго. За свои отличные усилия он был удостоен множества наград: Mainichi Design Prize, Tokyo ADC Award (Гран-при), Tokyo TDC Prize (Золотой приз), Asahi Advertising Award (Гран-при), Kamekura Yusaku Award, и японская премия за дизайн упаковки.

Сато, как известно, часто вступает в диалог со своими клиентами, чтобы глубже узнать потребности компании. «Что для тебя важно?» — это вопрос, который он обычно задает своим клиентам лицом к лицу.«В дизайне всегда стоит вопрос, сколько сохранить, а сколько изменить. В каждом артефакте есть основная функция, архаическая форма, которая всегда должна оставаться неизменной ». — уточняет Сато.

По словам Сато, «концепция не должна отклоняться слишком далеко от известного пути, в противном случае люди чувствуют себя подавленными, и она немедленно отвергается. Достаточно дать небольшой стимул. Как мышца, без стимула она тоже не может расти ».

Национальный центр искусств, Токио, проект визуальной идентичности, 2006

Первая большая персональная выставка Касива Сато

В Национальном центре искусств в Токио, который продлится до 10 мая 2021 года, будет представлена ​​первая грандиозная персональная выставка Сато под простым названием «Касива Сато», охватывающая 30-летние дизайнерские достижения автора.Выставка демонстрирует основные принципы визуального дизайна Сато от организации информации, извлечения ее сути и перевода концепций на визуальный язык. Полное собрание его работ представлено в семи разделах: «Пространство внутри», «Реклама и за его пределами», «Логотип», «Сила графического дизайна», «Знаковые проекты брендинга», «Линии / поток» и футболки, созданные Сато в магазине Uniqlo’s UT Store.

---

Изображение вверху: Касива Сато, «ЛИНИИ», 2020

Кензо Такада: японский модельер умер от COVID

ПАРИЖ (Рейтер) — в воскресенье скончался японский модельер Кензо Такада, более известный как Кензо, создавший свой лейбл в Париже в 1970-х годах, бренд, который до сих пор носит его имя сказал.

В возрасте 81 года Такада умер от осложнений, связанных с COVID-19, в американской больнице Парижа в Нейи-сюр-Сен, жилом пригороде на западной окраине столицы, сообщил французским СМИ его представитель.

См. Также

Кензо Такада: икона японской моды « оседлала волну » культуры хиппи

Известный своими красочными мотивами и оригинальными силуэтами, в которых смешано японское вдохновение, например, кимоно, с другими фасонами, Такада также создал линии парфюмерии и средств по уходу за кожей, помогая своему бизнесу процветать.

Он ушел со своего одноименного лейбла несколько десятилетий назад, однако в начале 1990-х годов продал его LVMH, крупнейшей в мире группе предметов роскоши.

С тех пор у Кензо было еще несколько креативных директоров, а Такада поддерживал тесные связи с миром моды, но исследовал другие области дизайна, включая мебель.

Подтверждая его смерть в заявлении в Instagram, бренд Kenzo воздал должное его использованию цвета и сказал, что лейбл по-прежнему вдохновляется его жизнелюбием и оптимизмом.

Такада, описавший, как он впервые добрался до Франции во время долгого путешествия на лодке в середине 1960-х годов, был известен как страстный путешественник и в своих проектах играл с сочетанием культурных идей.

В обзоре New York Times об одном из первых показов мод Такады в 1973 году он приветствовал «этническую мешанину, которая была веселой и веселой», описывая его как «одного из самых изобретательных дизайнеров в мире».

Такада, который также занимался дизайном оперных костюмов, начал с небольшого магазина в Париже, прежде чем вскоре достиг звездного статуса, и остался в своем приемном городе.Его современниками в период расцвета парижской моды были Жан Поль Готье и Ив Сен-Лоран.

Японский дизайнер Кензо Такада, также известный как Кензо, позирует представителям СМИ перед своими работами в художественной галерее в Буэнос-Айресе, 7 апреля 2009 года. © Reuters

«Сегодня Париж оплакивает одного из своих сыновей», — заявила мэр Парижа Анн Идальго в Twitter.

Председатель и главный исполнительный директор LVMH Бернар Арно сказал в своем заявлении, что Кензо «привнес в моду тон поэтической легкости и сладкой свободы, которые вдохновили многих дизайнеров после него».

Ральф Толедано, председатель федерации моды Франции, отметил, что Такада внес вклад в создание «новой страницы моды на стыке Востока и Запада».

Takada в начале этого года в сотрудничестве с другими дизайнерами запустила в Париже новое предприятие — бренд для дома и стиля жизни под названием K3.

Французско-японский дизайнер Кензо Такада умер от COVID-19

1 из 8

ФАЙЛ — На фото из архива в субботу, 28 марта 2015 г., японский модельер Такада Кензо позирует фотографам по прибытии на Бал роз в Монако .Модельер Кензо Такада умер от COVID-19 в возрасте 81 года недалеко от Парижа, сообщила пресс-секретарь и сообщает в воскресенье, 4 октября 2020 г. (AP Photo / Lionel Cironneau, файл)

1 из 8

ФАЙЛ — В эту субботу, март 28 августа 2015 г., японский модельер Такада Кензо позирует фотографам, прибыв на бал роз в Монако. Модельер Кензо Такада умер от COVID-19 недалеко от Парижа в возрасте 81 года, сообщила пресс-секретарь и сообщает в воскресенье, 4 октября 2020 г. (AP Photo / Lionel Cironneau, файл)

ПАРИЖ (AP) — Кензо Такада, культовый француз Японский модельер, прославившийся своим дизайном, наполненным джунглями, и беззаботной эстетикой, которая использовалась для путешествий по всему миру, умер.Ему был 81 год.

Семья заявила в воскресенье в заявлении французских СМИ, что Такада умер от осложнений от COVID-19 в больнице в Нейи-сюр-Сен, недалеко от Парижа. Сотрудник по связям с общественностью бренда Kenzo подтвердил, что Такада умер, но не назвал причину смерти.

«KENZO с огромной грустью узнал о кончине нашего основателя», — говорится в заявлении модного дома. «На протяжении полувека г-н Такада был символической личностью в индустрии моды, всегда наполняя мир творчеством и красочностью.

Такада умер в конце Парижской недели моды, в девятидневном календаре которой отмечается необычный модный сезон весна-лето 2021 года из-за пандемии коронавируса. Всего несколько дней назад модный дом Kenzo представил здесь свою коллекцию, посвященную пчелам.

Хотя Такада ушел из дома с 1999 года, чтобы продолжить карьеру в искусстве, Kenzo остается одним из самых уважаемых представителей высокой парижской моды. С 1993 года бренд Kenzo принадлежит французской компании по производству предметов роскоши LVMH.

«Его удивительная энергия, доброта, талант и улыбка были заразительны», — сказал художественный руководитель Kenzo Фелипе Оливейра Баптиста, который в среду представил модным редакторам коллекцию, посвященную пчелам. «Его родственный дух будет жить вечно».

В стилях Kenzo использовались смелые цвета, контрастирующие принты, и они были вдохновлены путешествиями по всему миру.

«Кензо Такада с 1970-х годов привнес в моду тон поэтической легкости и сладкой свободы, которые вдохновляли многих дизайнеров после него», — сказал Бернар Арно, председатель и главный исполнительный директор LVMH.

Такада родился 27 февраля 1939 года в городе Химедзи, префектура Хёго, Япония, в семье владельцев отелей, но после чтения модных журналов своих сестер у него началась любовь к моде.

Обучаясь в колледже моды Бунка в Токио, Кензо Такада ненадолго проработал в Японии, а затем переехал в Париж в 1965 году, чтобы работать внештатным дизайнером.

В Париже он открыл бутик в 1970 году и воплотил свою будущую эстетику прет-а-порте, вдохновленную картинами художника Анри Руссо в джунглях, которые он объединил с азиатскими стилями.Это стало влиятельным.

Но это было скромное начало: первая коллекция Такады в магазине под названием была сделана полностью из хлопка, потому что у него было мало денег. Но одежда говорила сама за себя, и его модель поместила на обложку журнала Elle. Вскоре после этого новаторские формы плеч, большие проймы, комбинезоны, платья-палатки, инновационные формы плеч и его магазин были представлены в американском Vogue. Кензо показал коллекции в Нью-Йорке и Токио в 1971 году.

Ив Сен-Лоран был важным источником вдохновения в его работах, сказал Такада.Такада разделял склонность Сен-Лорана к театральному искусству. в 1978 и 1979 годах он выступал в цирковой палатке, в которой участвовал верхом на слоне, а артисты ехали на лошадях в прозрачной униформе.

Любовь Такады к путешествиям и использование этнических мотивов были сильными чертами его тридцатилетия в его доме.

Его вклад в стиль был значительным. Он выступал за юношескую эстетику и бесструктурную форму и отказался от молний, ​​чтобы освободить силуэты. Его отличительными чертами были более широкие рукава и отверстия для рук, что соответствовало историческим стилям его родного континента Азии.

Японских дизайнерских новогодних открыток 2021 года

Akemashite omedetougozaimasu . С новым годом! Это год быка, красивого спокойного животного. Сильный, но нежный; надежный, справедливый и добросовестный. Я знаю, что многие, в том числе и мы, с нетерпением ждут нового года, и, надеюсь, многие черты быков проявятся в течение года.По традиции, здесь, в S&T, мы любим начинать новый год с восхищения новогодними открытками ( nangajo ) и произведениями искусства, созданными некоторыми из наших любимых японских художников и дизайнеров.

Микиджи Нагаи

Мы всегда с нетерпением ждем геометрической минималистичной карты от дизайнера Микиджи Нагаи, который в очередной раз не разочаровал. Карта в сложенном виде напоминает корову.

---

Харука Арамаки

Дизайнер Харука Арамаки, приносит коровий колокольчик!

https: // twitter.com / shakemaki / status / 1344966148811411457

---

Нахо Огава

Очаровательная анимированная открытка от иллюстратора Нахо Огава. Действительно долгожданный!

---

AKA

Есть молоко? Нам бы очень понравилось кимоно с коровьим узором! От иллюстратора Aka.

---

Графика Bento

Наши друзья из Bento Graphics всегда придумывают самые крутые гифки!

---

Хама Хаус

Вот еще одна отличная иллюстрированная открытка, которая привлекла наше внимание.От иллюстратора Hama House.

---

FeeBee

Artist FeeBee сделал традицию создавать зодиакальное животное года из частей других 11 животных. Этот был превращен в печать укиё-э и доступен для покупки.

---

Хисао Омаэ

На карточке иллюстратора и дизайнера

Хисао Омаэ изображены легендарная красная корова акабеко , легендарный борющийся с чумой йокай амаби и девушка, снимающая маску.Хорошие флюиды на 2021 год!

---

Студия Ghibli

Хаяо Миядзаки, которому только что исполнилось 80, проиллюстрировал эту карточку быка, подавляющего коронавирус.

---

Танака Тацуя

Творчество художника-миниатюриста Танаки Тацуи всегда вдохновляет.

---

Кондо

Кондо, который специализируется на иллюстрациях животных, создал эту очаровательную открытку с коровой в центре.

ОТСУТСТВИЕ

И, конечно же, наша коллекция была бы неполной без хотя бы одной карты в стиле аниме.Это от иллюстратора Лака.

Food Artist создает привлекательные дизайны тостов на основе японского искусства

Поскольку это самая важная еда дня, многие из нас очень разборчивы в том, как нам нравится завтрак. Тост — основной продукт питания для большинства, но для японского дизайнера Манами Сасаки ломтики хлеба — это не просто вкусная закуска — это ее художественное полотно. Она тщательно украшает тосты красочными ингредиентами, чтобы создать съедобный дизайн, основанный на японском искусстве и геометрических узорах.

Эти завтраки не из тех блюд, которые можно быстро приготовить и съесть, выбегая за дверь. Сасаки часами режет и раскладывает каждый ингредиент на поджаренном хлебе с идеальной точностью. Для одного привлекательного весеннего дизайна она сложила авокадо, лук, апельсиновую цедру и укроп в кружки, квадраты и дуги. «В одном тосте есть широкий спектр форм, вкусов, текстур и ароматов», — говорит Сасаки. «Сладость и хрусткость лука. Сливочная и мягкая текстура авокадо.Свежий аромат апельсина и укропа в носу ».

Сасаки развивает свое кулинарное искусство еще дальше, создавая тосты, вдохновленные традиционными японскими гравюрами на дереве ( Ukiyo-e ). Она отдает дань уважения традиционным женским фигурам на гравюрах, создавая их как съедобные шедевры. Она использует чернила кальмара, чтобы нарисовать очертания и детали, и использует съедобные цветы и овощи для завершения декоративных деталей. Одно целое кимоно состоит из пурпурной капусты, перца и редиса.А в другом — трехмерные украшения для волос из кукурузы, микрозелени и грибов эноки.

Прокрутите вниз, чтобы увидеть последние тосты Сасаки, и подписывайтесь на нее в Instagram, чтобы узнать больше.

Японский дизайнер Манами Сасак украшает тосты красочными ингредиентами, создавая съедобные рисунки на основе японского искусства и геометрических узоров.

Ее невероятные блюда слишком хороши, чтобы их есть!

Манами Сасаки: Веб-сайт | Instagram | Twitter

Все изображения предоставлены Манами Сасаки.

Статьи по теме:

Художник создает ежедневные дизайны тостов, вдохновленные японскими традициями

Японский кулинарный стилист создает восхитительные тосты из разноцветных ингредиентов

Художник по кулинарии вырезает вручную невероятно замысловатые узоры на фруктах и ​​овощах

Изящно-слоистое искусство еды изображает города Восточной Европы

Японский дизайнер сделал 100% натуральные мелки, переработав продукты и растительные отходы!

Я не родитель, но я достаточно общался с детьми, чтобы знать, что они положат все в рот, и всегда есть риск, когда продукты, предназначенные для их развлечения, также содержат химические вещества, например мелки.Мелки (и детские) редко остаются внутри линий и попадают в рот или стены ребенка. Это не только опасность для здоровья и ответственность за чистку, мелки также оказывают поразительное воздействие на окружающую среду. Японская компания Mizuiro Inc. работала с дизайнером Наоко Кимура, чтобы создать экологичную альтернативу традиционному мелку. Они называются Oyasai Crayons, они сделаны из полностью натуральных ингредиентов!

Знаете ли вы, что ежегодно в США выбрасывается более 150 миллионов мелков?С. только по ресторанам? Большинство цветных карандашей на рынке изготовлены из парафинового воска, который содержит нефть, токсичное химическое вещество для окружающей среды, делающее продукт небиоразлагаемым и вредным — теперь представьте, что ребенок кладет его в рот. Вот где пригодятся мелки Oyasai Crayons — эти безопасные и органические мелки сделаны из масла рисовых отрубей и рисового воска из рисовых отрубей. И твердый воск из рисовых отрубей, и жидкое масло из рисовых отрубей являются побочными продуктами процесса полировки риса, поэтому эти мелки в основном сделаны из отходов.Пигмент также полностью натуральный, он производится из переработанных растительных материалов, например, внешние листья овощей обычно выбрасываются после сбора урожая. Тем не менее, Oyasai Crayons используют эти пищевые отходы, собирая их и превращая в цветные карандаши. Фактически, это те же пигменты, которые используются для натуральных пищевых красителей, что дополнительно демонстрирует, что все в продукте не содержит химикатов.

Наоко Кимура — тот, кто придумал эту идею, когда он обнаружил красочные варианты, которые можно получить из овощей, работая графическим дизайнером и воспитывая детей из дома.Он работал над концепцией и понял, что растительные отходы от сбора урожая выбрасываются, потому что они не соответствуют стандартам, и именно это он использовал для производства цветных карандашей Oyasai в своей родной стране, Японии. На данный момент в коллекции представлены 10 цветов из японского ямса, зеленого лука, длинного картофеля, лопуха, кукурузы, снежной моркови, яблока, черной смородины, фиолетового картофеля и таксуми (бамбукового угля). Цветные карандаши Oyasai соответствуют стандарту JIS, который гарантирует, что они соответствуют эталону прочности цветных карандашей. Они также получили сертификат безопасности игрушек европейского стандарта EN71-3: 2013 в результате строгой проверки безопасности и продолжили получать многочисленные награды за дизайн.Важно помнить, что, хотя это натуральные ингредиенты и продукт пищевого качества, это не съедобные мелки, а просто более безопасный, устойчивый и не вызывающий стресса вариант игры для вашего ребенка.

Дизайнер: Наоко Кимура

Нажмите здесь, чтобы купить сейчас!

.

No related posts.