Японский язык графического дизайна. Икко Танака

Почему  о людях или явлениях, которые нас больше всего вдохновили или оказали влияние, так сложно писать. Задача еще более усложняется, когда хочется рассказать о художнике ярком и самобытном. Может, потому что сами его работы настолько ясны, читаемы и не требуют объяснений.

выставка работ Икко Танаки. Токио. 2012

Графический язык  Икко Танаки  (1930-2002), одного из выдающихся графиков Японии второй половины ХХ века,  прост и оригинален одновременно.Гениальность графического дизайнера — это умение простыми лаконичными приемами донести свой замысел.

Уникальность  же японского дизайна в простоте формы, чистоте цвета, четкости силуэта, с помощью которых легко считывается глубокая идея. Плюс ко всему, японское современное искусство неразрывно связано с древними традициями.
Творческие поиски и графические приемы Икко Танаки , так же соединяют в себе модернизм и опираются на вековые каноны художественного наследия предков.

 Обложки для журналов (Graphics annual 85/86 – самый популярный дизайнерский журнал того времени и Nihon Buyo, Communication & Print).

За пятьдесят лет своего творчества он получил мировую известность и вдохновил не одно поколение дизайнеров и художников. Количество и разноплановость работ восхищает.poster for Stravinsky’s L’Histoire du Soldat (1974)

Cтиль Танаки — это прежде всего функциональность ( исходя из того что  плакат почти всегда имеет цель рекламу), простота композиции и цвета, лаконичность и точность, присутствует свободное пространство в фоне, композиция асимметрична и создает движение, что при этом не мешает читаемости шрифта.

 А шрифт в произведениях Икко Танаки играет особую роль, он, поистине, мастер типографики. Иероглифы не только несут в себе информацию, но становятся главными образами его работ. В процессе  каллиграфических экспери­ментов он создает свой собственный шрифт «cocho». В Японии зависимости от способа написания, тек­ст меняет свое эмоциональное звучание. От способа изобра­жения иероглифа японец получит больше информации, чем от значения слова.

Написанный текст должен доставлять эстетиче­ское наслаждение — концепция всех каллиграфических японских стилей. Визуальное восприятие текста так же важно как и общее впечатление от картины.

Творчество Танаки в основном проходило в «докомпьютерную эпоху». Поэтому, то что сейчас, кажется, можно сделать кликом мыши, создавалось вручную.

Цветовые традиции японского искусства, заложенные гравюрой укие-э, неизменно присутствуют в графическом искусстве и дизайне Япо­нии ХХ века.  Те же черты — изысканность и разнообразие цветовых сочетаний, элементы юмора и игры,  декоративность и условность.

Икко Танака показывал в течении всей своей долгой творческой жизни , что формула успеха художника не только в его таланте, но и в поиске творческой свободы, опирающейся на традиции той культуры в которой он сформировался как личность.

ISSEY MIYAKE создал серию одежды с мотивами работ Танаки. фото с сайта http://www.isseymiyake.com

Графическая икебана, или дизайн по-японски

8 — 2004

Марго Григорян

Японский графический дизайн в глазах западного человека выглядит совершенно иным, нежели привычные ему образы. Работы японских дизайнеров поражают своей странной, ни на что не похожей, удивительной эстетикой. Одни дизайнеры создают свои произведения, основываясь на многовековой истории и культуре Страны восходящего солнца, а другие, наоборот, полностью от нее абстрагируются и работают исключительно с современными образами. Но как бы то ни было, работы получаются необычные и вызывают восхищение.

Икко Танака

Дизайнера Икко Танака принято считать отцом современного японского графического дизайна. Он одним из первых начал создавать работы, которые находили отклик и завоевывали признание как в Японии, так и во всем мире. Танака родился в г. Нара в 1930 году и окончил школу искусств в Киото в 1950-м. В этих двух городах, обладающих многовековой историей, он проникся эстетикой традиционного японского искусства, которая видна во всем его творчестве.

Его работы не обманывают ожиданий западного зрителя: в них есть и исторические художественные ссылки на ксилогравюры эпохи Эдо, и классическая каллиграфия, но в то же время они полностью соответствуют принятым мировым стандартам графического дизайна. Более того, работы этого дизайнера настолько хорошо вписываются и в японскую, и в западную культуру, что иногда создается впечатление, что они созданы западным дизайнером, который просто использовал японскую стилистику и присущие ей цветовые сочетания.

Танака всегда знал свое дело, и в те времена, когда большинство японских графических дизайнеров старались избегать использования национальной стилистики, он создавал гармоничный синтез современного дизайна и древнего япон-ского искусства. В чем-то его работы напоминают японские сады камней: каждый элемент находится на строго определенном для него месте, а его взаимоотношения с прочими графическими элементам композиции тщательно рассчитаны и часто имеют некий особый смысл. Танака удивительно тонко чувствовал цвет, пропорции, текстуры и рабочее пространство, а следуя японским художественным традициям, он всегда отдавал предпочтение ярким, насыщенным цветам. Также для его стиля весьма характерны подчеркнуто плоские формы и фигуры. Дизайнер очень много, интересно и с большим мастерством работал с типографикой, к тому же, в отличие от прочих японских дизайнеров, он не испытывал никаких трудностей при работе с латинским алфавитом и всегда удачно соединял во-едино изобразительные и текстовые элементы. Он всегда работал в ключе четкой передачи контента своих работ, следуя мировым принципам классической типографики.

За все время своей дизайнерской карьеры (а она продолжалась без малого 45 лет) Танака ни разу не отклонился от изначально выбранного курса, не изменил своему стилю (хотя многие его коллеги подверглись влиянию постмодернизма и деконструктивизма) и всегда настаивал на своей творческой независимости от каких бы то ни было веяний моды.

Карьеру графического дизайнера Танака начал в 1952 году, а спустя пять лет перебрался в Токио. Его очень привлекала тема театральных афиш и постеров, и он занимался этим жанром начиная с 1961 года. Для театра Kanze Noh в Осаке он создавал ежегодные постеры на протяжении более чем 30 лет. Эти постеры, как и многие другие работы дизайнера, отражали и классические японские, и современные западные образы. В 1973 году Танака стал работать для театра Seibu в Токио, причем он создавал афиши к произведениям самого разного рода — начиная от чеховского «Вишневого сада» и заканчивая современной японской пьесой «Equus». А с 1996 года театр New National Theatre в Токио также стал заказывать дизайнеру афиши, и за семь лет Танака создал для этого театра 38 работ.

Конечно же, театральными постерами деятельность дизайнера не ограничивалась. В 1963 году Танака основал свою дизайн-студию — Ikko Tanaka Design Studio, где занимался всеми направлениями графического дизайна, которые его интересовали. д изайнер очень любил работать над оформлением книг. На его счету немало проектов, выполненных по заказу крупнейших универмагов и шопинг-центров. Танака также тесно сотрудничал с многими япон-скими домами моды и дизайнерами. В их числе такие известные имена, как Hanae Mori, Kenzo Takada и Issei Miyake.

За свою долгую и плодотворную карьеру Танака был удостоен множества наград. Работы дизайнера представлены в постоянной экспозиции Музея современного искусства в Нью-Йорке (Museum of Modern Art). А в 1994 году Танака удостоился за свои труды престижнейшей награды: он был принят в «Зал Славы» (Hall of Fame) Нью-Йоркского клуба арт-директоров. Великого дизайнера не стало 10 января 2002 года.

Танадори Йоку

Дизайнера Танадори Йоку в Японии знают все. Творчество этого гения стиля pop-art уже более 40 лет находится на пике по-пулярности, и интерес к нему, похоже, иссякнет не скоро. Его яркие, многозначные, полные необычного юмора и интриги работы не теряют актуальности с 1960-х годов. Именно в этот период Йоку совершил настоящий прорыв в графическом дизайне Японии, решительно отойдя от бытовавшего в те времена модернистского стиля. И если Икко Танака прославился своими работами, основанными на мотивах японской жизни и искусства, то Йоку всегда предпочитал западную символику. Однако полностью отойти от влияния японской культуры ему так и не удалось (что, возможно, и к лучшему): все произведения дизайнера поражают тем, что изображения привычных на первый взгляд объектов, собранные воедино, придают работам совершенно новый контекст и смысл.

Визитная карточка Йоку — постеры, сохданию которых он уделял больше всего внимания. Отличительными чертами постеров Йоку всегда были красочные цвета, смелые элементы фотомонтажа и различные персонажи японской и западной культуры. На очень многих постерах неизменно присут-ствовало стилизованное изображение восходящего солнца, которое дизайнер использовал в качестве фона.

Началом пути Йоку в мир искусства и графического дизайна стала его работа, названная автором в честь себя самого: Tanadori Yokoo. Выполненное на шелковом панно, это произведение сочетало в себе множество разнородных графических элементов: черно-белые фотографии самого дизайнера, текст на английском и изображение повешенного на фоне восходящего солнца.

Йоку проявил себя во всех возможных направлениях и жанрах графического дизайна. Он создавал обложки для пластинок известных рок-исполнителей (таких как «Битлз» и Карлос Сантана), обложки для известнейших журналов и многое другое. Он даже разработал дизайн пояса для борьбы Сумо. Дизайнер создал и множество трехмерных работ, в числе которых — серия скульптур стилизованных кошачьих фигурок, керамика и разнообразные инсталляции. А совсем недавно у Йоку появилась идея создать коллекцию различных предметов домашнего обихода и аксессуаров.

Хотя многие считают Йоку королем современного японского стиля pop-art, его работы можно отнести к жанру современного экспрессионизма. Все они таят в себе частицу души дизайнера, а его характер просматривается в любом дизайнерском исполнении, будь то постер или обложка для пластинки. и это не удивительно: рожденный в провинции, Йоку был с детства погружен в мир возвышенного и духовного. «Я вырос в атмосфере, где природа и религия были единым целым, — говорил Йоку, — и поэтому все, что бы я ни делал, помимо моей воли превращалось в нечто исполненное духовности». Одно из наиболее наглядных подтверждений этим словам — серия постеров под названием «Боги удачи», изображающих японских богов. К тому же Йоку в своих работах часто использовал ссылки на религии других народов: у него есть очень известная серия, связанная с миром духовным, — изображения ангелов. Увлечение образом восходящего солнца, стилизованное изображение которого украшает многие работы дизайнера, также уходит своими корнями в детство. Его родители владели магазином, торговавшим кимоно и тканями, а треугольники (которые впоследствии стали лучами солнца в интерпретации Йоку) были частью фирменного знака магазина.

Родился дизайнер в 1936 году, а уже в 14 лет начал постигать искусство каллиграфии, поступив в национальную школу каллиграфии, где участвовал и побеждал в соревнованиях по этому искусству. В 1952 году Йоку поступил в высшую школу Nishiwaki в Хього. Будучи студентом, он мечтал стать художником стиля «манга». И хотя сначала Йоку обучался живописи, вскоре он стал выходить за рамки этого жанра, постепенно все больше внимания уделяя графическому дизайну.

Сам Йоку считает, что его работы говорят сами за себя. В многочисленных интервью он любит повторять: «В Японии к тебе приходит признание и успех, только если кто-то важный и значимый заметит твою работу и похвалит ее. Вне Японии люди реагируют непосредственно на саму работу. Если она им нравится, они говорят об этом прямо». Йоку повезло: его работы ценятся одинаково высоко как в его родной стране, так и во всем мире. Несмотря на то что работы Йоку имеют во многом коммерческую направленность, многие из них можно встретить в постоянных коллекциях более восьмидесяти престижнейших музеев по всему миру, в частности в Нью-Йорке и Токио.

КомпьюАрт 8’2004

Дизайн Японии и Китая | Logaster

Содержание:

1.Графический дизайн Японии
2.Графический дизайн Китая

Вы уже знаете, что хотите создать логотип или любой другой графический дизайн, но еще не знаете с чего начать? Начните с национальности. Да, ваш дизайн может иметь принадлежности к любой мировой культуре. Просто выберите страну, чью идеологию переймет ваша графика. Вы можете сделать это любым способом: перечитать гору статей или просто ткнуть в вертящейся глобус. Выбор за вами, но мы все таки думаем, что качественный контент окажется полезнее. И именно с таким мы предлагаем вам сейчас ознакомится. Давайте рассмотрим какой он, графический дизайн Дальнего Востока.

Графический дизайн Японии

Японский дизайн весьма специфичный. Он любит яркие контрастные цвета, гиперболизацию и анимацию. Модернизм и традиционализм отлично сочетаются в единой графике. 

Если вы владеете суши-баром, магазином японских товаров, пробуете снимать собственные аниме или сочинять манги, то воспользуйтесь одной или несколькими японскими трендами для дизайна своего бренда. 

Градиенты

Источник — by ??????????????

Плавные переходы из одного оттенка в другой или постепенное убавление насыщенности цвета вплоть до прозрачности — это излюбленная тенденция японского графического дизайна. Градиенты помогают придать цвету больше жизни, динамики и глубины. Оцените как они выигрышно смотрятся вместе с анимацией японских иероглифов в этом шаблоне веб-дизайна.  

Символизм 

Символичность в японской культуре прижилась еще с древних времен. Согласно здешней философии даже неодушевленные предметы обладают жизненной энергией. Традиционно восходящее солнце, горы Фудзи, облака и реки — самые распространенные природные символы страны. Их нередко можно увидеть в работах графических дизайнеров. Взгляните сколько символизма в этой иллюстрации. 

Яркие цвета

Мировые тренды говорят о том, что не следует использовать более трех сочетаемых цветов в одном проекте. Но японский дизайн, видимо имеет свое мнение на этот счет. Здесь насыщенные, яркие оттенки образуют радужную, полную жизни графику. Посмотрите как красный, синий, зеленый, желтый, черный и белый оттенки отлично сошлись в дизайне этого постера для Bagri Foundation. 

Круги

Нет сомнений, что круг имеет большое значение для народа, который разместил его в самом центре своего государственного флага. Равновесие и цикличность этой фигуры весьма символичны, поэтому она сумела приобрести философский и даже сакральный смысл в японской культуре. В стилизованных графике круги также весьма популярны. Посмотрите как они органично смотрятся в этом дизайне.

Смешанные языки

Иероглифы придают графике национальной японской идентичности. Наличие такой письменности в дизайне достаточно символично. Но широкая целевая аудитория часто требует перевода контента на интернациональный английский язык. Поэтому билингвизм и смешанные языки в японском дизайне стали обычной практикой. Посмотрите как она удачно реализована на визитке Paiheme Studio.

Животные 

Культура Японии тесно связана с животным миром. Их философия состоит в гармонии человека со всем живым, что его окружает. Поэтому не странно, что звери стали популярными в японском графическом дизайне. Национальным животным страны считается аист. Но можно также встретить и других представителей фауны. Посмотрите, например, как стилизовано здесь изображен тигр. 

Работаете с восточным бизнесом или нравится атмосфера Китая и Японии?

Создайте логотип в соответствующем стиле за несколько минут!

Графический дизайн Китая

Китайская идеология пропагандирует гармонию с собой и окружающим миром. Эта мысль с давних времен вдохновляла художников по всему миру. Теперь же художники все чаще называют себя дизайнерами и работают не на холстах, а в цифровом режиме. Но китайская гармония и умиротворенность продолжает вдохновлять юные таланты.

У вас есть китайский ресторан или, может, вы возите товары из Китая? Любую принадлежность бизнеса к этой стране следует подчеркнуть этими трендами в графическом дизайне Китая.

Минимализм 

Минимализм — любимая тенденция дизайнеров по всему миру уже не первый год. Но есть что-то особенное в китайском минимализме. Здесь она олицетворяет восточную духовность и гармонию. Простые иконки в сочетании с китайскими иероглифами и умеренной цветовой палитрой создают действительно доступный и привлекательный дизайн. Посмотрите как эти элементы отлично сочетаются на практике.

Сложная типографика

В Китае уже давно практикуют заменять сложную письменность на простые рисунки. Эта тенденция породила большую популярность на создание авторских рисованных шрифтов в китайской типографике. Под влиянием трендов не устоял даже латинский алфавит. В графическом дизайне Китая он теперь больше похож на иконку, нежели на привычный текст. Оцените абстракцию текста на этом логотипе.

Пастельные цвета

В Китае большой популярности набирают мягкие оттенки цветовой палитры. Графические дизайнеры предпочитают добавлять в свою работу сочетание бледный, спокойных красок, чтобы сделать его деликатным и добиться гармонии. Пастельные оттенки поддерживают концепцию минимализма в дизайнерских проектах. Посмотрите какое спокойные исходит от упаковки Chaemania. 

Подражание иероглифам

Источник — by Archich — Design

Для большой части пользователей китайские иероглифы — это просто красивые переплеты линий и кривых. Поэтому, чтобы сохранить дух китайской культуры, и увлечь аудиторию других национальностей, дизайнеры порой оформляют латинские буквы под стиль иероглифов. Такое подражание китайской письменности отражено на логотипе стилизованных ресторанов “The Good Food”.

Ахроматия

Источник — by StephRan

Палитра от черного до белого вневременный мировой тренд. Она хорошо сочетается с не менее популярным минимализмом. Ахроматия придает графике четкости и деликатности. Поэтому не странно, что китайский дизайн не обошел стороной черно-белую цветовую гамму, и даже сделал ее культовой. Посмотрите как просто и  аккуратно смотрится визитка в ахроматических цветах.

Искажение

Источник — by Tianrui Zhang

Говорят, что в мире нет совершенства. Китайские дизайнеры решили отразить эту идею в своих работах. Теперь искажение  — популярный здешний тренд. Недостатки придают индивидуальности дизайнерской графике. Более того, эффект глюка отлично вписывается в эпоху цифровых технологий. Взгляните на эту привлекательную “подвисающую” анимацию, разве она не совершенна?

Ну что ж, пока глобус крутится, узнавайте больше о культурах разных стран мира и каково их влияние в графическом дизайне. Возможно, это поможет вам определится в «национальности» своего бренда.

Редактор блога компании Logaster, контент-маркетолог. Эксперт по веб-маркетингу и брендированию. Умеет писать просто о сложном. По ее статьям можно построить успешный бренд и начать успешное продвижение в интернете.

Yokohama Design College

Yokohama Design College был основан в 1948 году, как женская школа шитья Тобе, а в 1978 году преобразован в профессиональный колледж и с 2014 года аккредитован Министерством образования, культуры, спорта, науки и технологий (MEXT), как высшее учебное заведение прикладного профессионального образования.

Колледж расположен в центре Йокогамы, в 15 минутах ходьбы от железнодорожного вокзала Йокогама и всего в 1 минуте от станции Тобе, в окружении всех необходимых объектов инфраструктуры, необходимых для комфортного проживания, учебы и отдыха.

Колледж дизайна Yokohama Design College (YDC) – это:

• Несколько видов языковых курсов для иностранцев
• Курс профессионального обучения в таких сферах, как Мода, Графический дизайн, Манга, Переводоведение и пр.
• Стипендиальные программы
• Комфортабельное и недорогое жилье поблизости (минимум 20 минут пешком)
• Возможность пообщаться с японскими старшеклассниками и студентами
• Множество культурных и спортивных мероприятий и многое другое!

Колледж имеет несколько факультетов и предлагает для иностранных студентов различные программы обучения.

Японский язык в колледже YDC иностранные студенты изучают на отделении японского языка.

Программы этого отделения делятся на 3 направления: 

• Практический японский язык
• Подготовка к поступлению в университет и магистратуру
• Курсы преподавателей японского языка

Также в колледже YDC работает несколько отделений профессиональной подготовки: мода и изготовление одежды, основы дизайна, графический дизайн, манга.

Посмотрите небольшую экскурсию по колледжу дизайна Yokohama Design College

 

Преимущества колледжа YDC:

1. Стипендиальные программы для лучших студентов 

 1) Стипендия от организации JASSO: ¥ 48,000 в месяц; на 6 месяцев.

Студенты, подходящие под критерии, могут подать заявку спустя год обучения в YDC.

2) Стипендия от организации Ishikawa Academy Awards для студентов с высоким уровнем посещаемости и академическими успехами.

 

2. Бесплатные дополнительные занятия для подготовки в университет или просто для себя

• Английский язык, Физика, Социология, Математика, Уроки ИЗО, Создание портфолио, Манга/иллюстрации.

3. Множество открытых уроков

Открытый урок – это совокупность специальных занятий, созданных для совместного обучения студентов YDC, старшеклассников, слушателей курсов японского языка и проф. курса. Преподавателям дается полная свобода в планировании урока для создания приятной атмосферы и совместного изучения тем из сфер культуры, искусства, спорта и т.п. Сессия состоит из 20-25 уроков на разные темы, из которых можно выбрать 1 занятие. Сессии проходят 2 раза в год (в августе и январе) 1 или 2 дня подряд. 

Примеры уроков:

Рисование, Карате, Чайная церемония, Хор, Уроки блюза на гитаре, Разговорный французский язык, Макияж и прически, Кожевенное мастерство, и многое другое.

4. В колледже YDC работает международный центр и центр помощи по трудоустройству.

Сотрудники центров оказывают постоянную и всестроннюю поддержку по разным вопросам всем студентам колледжа во время всего обучения и даже после выпуска из колледжа.

   

Колледж YDC имеет большой и удобный кампус и несколько общежитий. Студентам не нужно беспокоиться о поиске жилья. 

Подробнее о колледже YDC Вы можете узнать из буклета

По всем вопросам поступления пишите на [email protected]

» Японская школа графического дизайна и визуальные принципы современной дизайн-системы в пространстве межкультурного взаимодействия

Аннотация: в статье рассматривается проблема формирования школы японского графического дизайна. Автор рассматривает влияние западных направлений на современный графический дизайн, в основе которого стоят традиционные категории.

Ключевые слова: японский дизайн, интернациональный стиль, швейцарский стиль, плакат

Abstract: the article considers the problem of the formation of the school of Japanese graph-ic design. The author examines the influence of Western trends on modern graphic design, which is based on traditional categories.

Keywords: Japanese design, international style, Swiss style, poster

Японский дизайн совмещает в себе черты интернационального дизайна с традиционными. Сегодня мы можем назвать Японию одной из ведущих стран в области дизайна: он представляет собой сложный феномен и совмещает в себе элементы традиционной культуры с чертами интернациональной художественной практики [1]. Существуют разные определения условий формирования японского дизайна, одно из которых звучит таким образом: «В результате [исторического развития] сложилась парадоксальная с точки зрения теории дизайна ситуация: наличие в стране самого авангардного научно технического и технологического уровня и самой традиционной художественной культуры» [15]. Первоначально базируясь на высокоразвитой технологической системе, японский дизайн осваивал методы западного дизайна [4]. Итогом этого процесса стало последовательное использование национальных и интернациональных принципов в современном японском дизайне [5].

В рамках данного вопроса мы бы хотели рассмотреть основные национальные принципы японского дизайна, которые стали неотделимой чертой японской культуры [2]. Многие авторы выдвигают предположение, о том, что специфика их дизайна связана с некоторыми традиционными художественными принципами (труды Сётэцу и Дзэями описали категорию югэн, Мацуо Басё (1644 г.–1694 г.), Нисида Китаро (1870–1945) [3; 6; 11]. Задача данного исследования — рассмотреть несколько из категорий, которые могли сформировать основу графического дизайна Японии.

Категория Югэн появилятся в эпоху Хэйан (794–1185) и придала свои особенные сдержанные черты японской культуре [8]. Поэт и теоретик жанра рэнга (стихи «по кругу») Синкэй (1406–1475) говорил о югэн как о «изящной скудости» (котан). Категория предвосхитила появление в конце японской средневековой эпохи категорий ваби и саби, принципы которых лежат в основе литературы, живописи, театра, чайной церемонии. Мацуо Басё, поэт, который впервые ввел понятие “Ваби–саби“, трактовал его как спокойствие, в дальнейшем понятие расширилось как «скромная простота»: „Без неизменного нет основы, без изменчивого нет обновления” [7]. Японское сознание воспринимало мир в движении, который лишен определенности и завершенности. В графическом дизайне этот принцип можно наблюдать в работах Мицуо Кацуи (1931 …). Они наполнены цветовым пространством, а надписи усиливают граничащую с ними «пустоту». Произведения дизайнера свидетельствуют о сохранении традиционной направленности, а в плакатах видна классическая схема совмещения изображения с текстом [12].

Японский термин «сибуй», который относится к простой, тонкой и ненавязчивой красоте возник в период Муромати (1336–1392), термин первоначально отсылал к кислому или вяжущему вкусу, такому, как вкус незрелой хурмы. Цель этой категории достичь простоты с минимальной траты времени и материалов. Этот принцип мы можем у дизайнера Хиромура Масааки. Он на уровне пластики создает простые, но эффектные формы. Масааки пытается нам показать истинную красоту формы, букв, иероглифов. Его частый прием — увеличенные фотографии на переднем плане. Как и в работах швейцарских дизайнеров видна лаконичность, минимализм, а главное функциональность.

Одной из основ японской культуры является категория «моно–но аварэ» («очарование вещей») [10]. Под влиянием моно–но аварэ в японской культуре сформировался ряд проектно–художественных принципов, которые повлияли на культуру в целом: принцип совмещения, принцип единства красоты и пользы, принцип непостоянства и изменчивости, принцип соучастия и незавершенности, принцип ненамеренности и спонтанности. «Если произведение не содержит моно–но аварэ, оно неистинно», — отмечает Т.П. Григорьева [6; 7].

Таким образом, мы хотели бы обратить ваше внимание, что принцип совмещения, который исходит от моно–но аварэ лежит в основе творческого взаимодействия Запада и Востока. Наибольшее влияния на японский дизайн оказал «интернациональный стиль» или «швейцарский» [4], который распространился в разных странах со своими элементами и признаками: плоскостное изображение, заливка одним цветом, минималистичный шрифт [4]. Мы говорим о влиянии интернационального стиля в плакате, а именно, в большей степени швейцарской графики Макса Билла, Йозефа Мюллер Брокмана, Отля Айхера, Армина Хофман,а также влияние европейского модернизма.

Влияние швейцарской графики мы можем проследить в работах Икко Танаки (1930– 2002) [16]. В них объединен опыт двух культур. В 1950-е годы он использовал элементы швейцарской типографики. В работах прослеживается японская традиция и черты интернационального дизайна. Работы мастера получили широкую известность в Японии и за рубежом, были много раз награждены премиями международных плакатных и дизайн конкурсов [9]. В 1994 году за достижения в дизайне Икко Танака был принят в «Зал Славы» (Hall of Fame) Нью–Йоркского клуба арт директоров.

Интересно, что принципы интернационального стиля, мы можем увидеть в образцах раннего модернизма, к которым обращается дизайнер, к примеру, к художнику–авангардисту Казимиру Малевичу. Рассматривая плакат Икко Танаки «Абстрактная женщина» (1985), и работу Казимира Малевича «Супрематизм» (1915–1916) мы можем увидеть схожие принципы проектирования, основанные “на идее гармонии“, в которой ведутся поиски новой “системы единства“. В построении фигуры можно увидеть комбинации разноцветных плоскостей простейших геометрических сочетаний. Однако в плакате отсутствует уравновешенная асимметричная супрематическая композиция, которая достигается в работах художников этого направления сочетанием разноцветных и разновеликих геометрических фигур, в работе японского дизайнера наоборот видна четкая симметричная композиция.

В 1992 году в Москве вышел первый в России журнал по графическому дизайну Greatis: «весь в белом» (обложка первого номера была белой, с чайкиными черточками), совершенно нездешний, на мировом уровне» [16]. «Чайка» визуально обыграл название журнала, оставив только латинскую букву «джи», образованную из двух кружочков. «Так можно поступить только с обложкой профессионального дизайнерского журнала, и «Чайка» в полной мере воспользовался шансом. Международное сообщество это оценило — логотип журнала завоевал биеннале в Брно бронзовую медаль» [13]. Сравнивая логотип журнала и логотип для Галереи графики в Гинзе японского дизайнера Икко Танаки, можно увидеть связь композиционных средств, цветового решения и методов формообразования в построении логотипа.

Черты интернационального стиля [18], а именно ясность рисунка и четкие границы, открытые цвета можно увидеть у одного из крупнейших японских дизайнеров–графиков Юсаку Камекуры (1915–1997). Он получил образование в частном Институте новой архитектуры и промышленного искусства в Токио. Оно было созданно по подобию Баухауза и было нацелено на адаптацию конструктивистской методологии дизайна к практике японских художников. Окончив институт (1935), Ю. Камекура активно занимался фотографией, добился успеха в издательском деле, сотрудничал с дизайн студиями (в частности, уже в 1938г.он стал соучредителем «Nippon Kobo»). В дальнейшем его творчество формировалось под влиянием интернационального стиля типографики, приверженцем которого он оставался на протяжении всей жизни.

Еще один представитель японской школы графического дизайна Шигео Фукуда (1932 —2009): «Эмоции одинаковы во всем мире, а традиции — нет», — говорил Шигео. Он так объяснил свои мотивы индивидуальной техники: “Я полагаю, что в дизайне должно быть 30% достоинства, 20% — красоты и 50% — абсурда“. Вместо того, чтобы потакать вкусам широкой публики, миссия дизайнера — завлекая человека визуальной иллюзией, оставить его с ощущением удовлетворённости от собственного превосходства…» [17].

В начале 70-х годов в работе «Сто улыбок Моны Лизы» Шигео Фукуда совместно с Манокото Накамурой составили портрет Моны Лизы из ста различных изображений. Фукуда еще не раз возвратится к разным интерпретациям этого образа. При создании коллажа “Японская Джоконда“, он использовал всего несколько почтовых марок. В другом случае исходным материалом послужили 50 различных флагов мира. Он мастер оптических иллюзий в своих работах активно использовал этот прием, тем самым считается наследником Мориса Эшера.

Представитель японской школы, но ощутивший влияние поп–арта Таданори Ёкоо (1936 …) начинал карьеру в ранние 1960-е годы, как сотрудник газеты Кобэ Симбун, позже он был в составе группы «Nippon Design Center». Западная поп культура, гротеск — это то, что Таданори наложил на своё восприятия мира. В ранних работах просматривалось влияние нью йоркских художественных экспериментов 60-хх годов, а именно поп–арта. Несмотря на то, что его часто называют «Японским Энди Уорхолом», влияние японских традиций и западных стилей работ Yokoo наслаиваются друг на друга и приобретают свои индивидуальные черты. В работе Питера Блейка, Таданори Ёкоо и Граймана и Джеймса Одгерс прослеживается один и тот же метод работы, яркая цветовая гамма. Они виртуозно владеют коллажным методом совмещая различные элементы вместе, чтобы сформировать детализированное графическое пространство для главной фигуры в ее центре.

Автор статьи «Они — японцы» [19] утверждал, что японские художники не просто имитируют западные принципы коммуникации и перенимают не свойственные японской культуре визуальные константы, — они переосмысливают и модернизируют импортированные идеи [3]. Таким образом, принцип совмещения японской культуры способствовал гармоничному внедрению западных тенденций, в большей степени интернационального стиля в их дизайн и повлиял дальнейшему синтезу интернационального и национального в западно–европейском дизайне, сейчас японская школа дизайна является большим ресурсом для поиска формообразований, не только в плакате, но и в графическом дизайне в целом.

 

Список использованных источников и литературы

 

1. Быстрова Т.Ю. Философские проблемы творчества в искусстве и дизайне. Екатеринбург: УГТУ УПИ, 2009. 159 с.

2. Быстрова Т.Ю. Восточные философии как основа экологичного архитектурного мышления: гармония — целостность — здоровье // “Академический вестник УралНИИ–проект РААСН” Екатеринбург, 2008. С. 60-66.

3. Ващук О. Развитие японского графического дизайна в 1950 1990 е гг. Мастера и направления. // Искусствознание. 2011. № 12. С. 520-547.

4. Васильева Е., Гарифуллина (Аристова) Ж. Flat Design и система интернационального стиля: графические принципы и визуальная форма // Знак: проблемное поле медиаобразования, 2018. № 3. С. 43-49.

5. Васильева Е.; Ли М. Иллюстрация детских книг в современной Японии: базовые принципы и основные имена // Вестник культуры и искусств. 2018. № 2 (54). С. 115-123.

6. Григорьева Т.П. Японская художественная традиция. М.: Изд–во «Наука», 1979. 368 с.

7. Григорьева Т.П. Красотой Японии рождённый. М.: Искусство, 1993. 464 с.

8. Горегляд В.Н. Классическая культура Японии: Очерки духовной жизни. // Петербургское Востоковедение, 2006. 356 с.

9. Журавская Т. М. Творческий путь японского дизайна // Проблемы дизайна-5: сб. статей. М., 2009. С. 236–251.

10. Краткая литературная энциклопедия: моно–но аварэ. [Электронный ресурс] // Режим доступа: URL: http://feb-web.ru/feb/kle/default.asp (дата обращения: 20.03.2018)

11. Карпова Ю.И. Социокультурные и художественные предпосылки развития японского дизайна в ХХ в. // Известия РГПУ им. А. И. Герцена. 2010. № 126. С. 232–238.

12. Малинина Е.Е. Философско–мировоззренческие принципы дальневосточного искусства// 3.52.3 Лекция, курс лекций [Электронный ресурс] // Режим доступа: URL: http://window.edu.ru/resource/274/32274 (дата обращения: 17.03.2018)

13. Субъективное освещение вопросов дизайна // Проектор. 2010. № 2 (11). 7 июня.

14. Успенская М.А. Актуальность принципов японской эстетики в современном дизайн проектировании одежды // Академический вестник УралНИИпроект РААСН, 2013. С. 91-95.

15. Устинов А. Дизайн в японской школе. // Хрестоматия по дизайну. – Тюмень: Институт дизайна, 2005. 1056 с.

16. Шаломова А. Биографические данные об Икко Танаке // Архитектон: известия вузов. 2014. № 46. С. 193 — 205.

17. Fukuda Masterworks. Shigeo Fukuda. // Firefly Books, 2005. 167 р.

18. Hollis R. Swiss Graphic Design: The Origins and Growth of an International Style, 1920 1965. New Haven: Yale University Press, 2006. 272 p.

19. Koren L. They are the Japanese // Mother Jones. 1982, Vol. VII. №7. Р.36.

20. Skeleton: Hara Kenya and Satoh Taku Package Design Collection. Tokyo: Rikuyo Sha Publishg, 1995. 189 р.

Культурная интеграция

Проектор №35. Японский плакат. | Студия Проектор

Митя Харшак: «Вне зависимости от темы номера, с самого начала работы Школы дизайна НИУ ВШЭ в Санкт-Петербурге в каждом выпуске моего журнала я публикую свои наблюдения за самыми важными, на мой субъективный взгляд, событиями в жизни Школы. В этом номере рассказ о первой выставке студенческих работ, с успехом прошедшей в марте 2019 года в Санкт-Петербурге на дружественной площадке Бертгольд Центра».

Вступительная статья Сергея Серова: «Из синтоизма в основу японской эстетики вошло и представление о непрочности всех вещей, об их естественном умирании. Бытие и небытие переходят друг в друга в режиме нон-стоп, это дорога с двусторонним движением. Истинная реальность — неоформленная вечность. Оформленное усилиями дизайнеров бытие вещей – всего лишь временная манифестация небытия, их подлинной сущности. Отсюда важнейшее для графического дизайна понимание минимализма, ценности пустоты, белого пространства. Пустота — это не «отсутствие», а «присутствие». Не отсутствие формы, а наполненность ее содержанием. Белое — не средство создания «серебра набора», как в классической книжной типографике, не строительный материал для усиления контраста с черным, как в европейском модернистском дизайне, а самоценная вечность пока еще неоформленного небытия».

Вступительная статья Фёдора Гейко: «Сегодня японский дизайн — это довольно гремучая смесь, состоящая из условных минималистов и традиционалистов, чтящих японские корни, и бунтарей всех мастей, несогласных с устоявшимися канонами оформления. Объединяют все эти течения общий культурный фундамент, принципиальность и неистовый фанатизм, граничащий с экстремизмом, не знающим полумер. Работы в каждом из жанров доводятся до своего возможного абсолюта».

Мицуо Кацуи
Слова Сергея Серова: «В современном японском плакате многие дизайнеры, начиная с Юсаку Камекуры, Казумасы Нагаи, Икко Танаки и Коичи Сато, воспринимают, чувствуют и воплощают цвет в своих работах подобным же образом. Японская школа! И Мицуо Кацуи — явно первый ученик в ней. Хотя, пожалуй, не ученик, а учитель. «Сенсей цвета». Тоже неплохое было бы название! Все мастера в этой школе один к одному. Но никто, кроме Мицуо Кацуи, так последовательно, безоглядно не посвятил себя и свое творчество служению цвету и только цвету, цветовому началу Вселенной, земной и вечной жизни».

Мицуо Кацуи из интервью Мите Харшаку специально для журнала «Проектор»: «Можно сказать, что японский дизайн вращается вокруг таких понятий, как упрощение и абстракция. Например, самыми короткими стихами в мире являются хайку, составленные в форме слогов 5—7—5, простыми числами постулируется идея о необходимости передавать смысл максимально лаконично. Простое число — это «натуральное число, которое делится только на единицу и на само себя», при этом все натуральные числа «простые». Лаконичность японских классических стихов типа хайку внесла свой вклад в становление японского сознания как особенность, требующая домысливать фантазией те формы, которые по факту не представлены, и при этом по возможности максимально расширять смысловое поле, заложенное в краткой стихотворной форме. Наверное, можно даже сказать, что источником вдохновения японского дизайна являются в этом контексте такие необходимые составляющие, как недосказанность, намеки и перенос смысла».

Таданори Йоко
Слова Сергея Серова: «Свобода и раскрепощенность, брутальность и многослойность, живописность и особая экспрессия порождаются у Таданори Йоко скрещиванием возвышенного с низкопробным, уникального с банальным, элитарного с массовым, американского поп-арта с классической японской гравюрой, высокопрофессионального с графическим фольклором. Когда б вы знали, из какого сора растет плакат, не ведая стыда… В случае с Таданори Йоко мы это знаем — весь сор массовой культуры, весь графический мусор, визуальный шум и гам, абсурд и хаос современной жизни остаются на поверхности, выносятся на авансцену, предъявляются зрителю».

Сигео Фукуда
Слова Сергея Серова: «На своем мастер-классе на «Золотой пчеле» Фукуда рассказывал, что он часто использует в качестве прототипов своих плакатов японское хайку, стремясь к лаконизму, простоте и стройности, что этот язык близок самой природе графического дизайна. Но чтобы создать нечто ценное, вы должны  улавливать сердцем настроения людей. Графический дизайнер не может не читать газет, не смотреть новостей, не впитывать в себя все происходящее вокруг, сказал на прощание этот выдающийся дизайнер, ставший символом изобретательности и остроумия, философской глубины и пластического совершенства, знаковой фигурой, олицетворяющей связь визуальных культур Востока и Запада».

Кенья Хара
Слова Николая Штока: «Размышляя о том, что может быть главным ресурсом в распространении японских товаров за рубежом, Кенья Хара выдвинул такие четыре понятия, как “утонченность”, “тщательность”, “внимание к деталям“ и “простота”. Он считает, что от безудержной поверхностной европеизации надо повернуться к глубоким традиционным ценностям, привлекательным для экспорта японской культуры в мир».

Икко Танака
Слова Сергея Серова: «главной визитной карточкой Икко Танаки стали его театральные плакаты. В них традиционные образы, каллиграфия и ксилография, маски национального театра кабуки и детали костюмов, элементы и атрибуты японской культуры переосмыслены и переструктурированы на новый лад, по модульным схемам, как бы переведены на визуальный язык мирового дизайна. Уникальное переведено на язык универсального. Но при этом сохраняются гармония, общий строй самого пространства как музыкального аккорда, как символического подношения высшим силам, как молитва».

Казумаса Нагаи:
Слова Сергея Серова: «С начала 1990-х годов сквозной темой Казумасы Нагаи становится экология. Его плакаты говорят о ней сдержанно, тихо, как о сокровенном. В огромных, нескончаемых сериях “Природа”, “Спаси меня”, “Я здесь” они созидают собственное, непереводимое на язык слов пространство, наполненное волшебными цветами, животными, птицами и рыбами. Герои, населяющие заповедники, океанариумы и бестиарии Казумасы Нагаи, смотрят на нас человеческими глазами, молчаливо передавая не сообщения, а состояния, сопереживание и сострадание всему тварному миру, благодаря которым нас настигает любовь, радование для сердца и свет для ума. Кажется, что послания плакатов Нагаи приходят к нам «оттуда», из высших сфер, что именно так выглядят духи природы, которым поклоняются японцы».

Кохей Сугиура
Слова Фёдора Гейко: : «Для Сугиуры, по его же высказываниям, создание книги равносильно сотворению целого Космоса, Вселенной ощущений и смыслов. Дизайнер, работая над книгой, плакатом или логотипом, должен слушать разум и сердце — именно в этом Сугиура видит цивилизационную разницу в подходах европейской и азиатской культур. Эстетика ма — философия паузы, учение о пустоте — ничего не значащая в западном мире, но являющаяся основной в восточной культуре, для Сугиуры обретает особый смысл. Он считает, что не приняв во внимание и отказываясь от принципа ма, дизайн становится статичным, бесчувственным и теряет свою связь со Вселенной. Сугиура, работая над книгой, пытается создать глобальное, многоуровневое средство взаимодействия с окружающим миром и читателем, в котором заключается традиционная восточная философия глобального понимания «одного во всем и всего в одном». По мнению Сугиуры, все в мире взаимосвязано и даже единственная страница книги является неотъемлемой частицей Вселенной».

Хельмут Шмид.
Слова Фёдора Гейко: «Шмид — человек мира, который не скован узкими национальными категориями. Он с самого начала своей сознательной биографии свободно передвигается по планете, успевает поработать практически во всех концах света, но именно в Японии он находится в гармонии с собой и окружающей культурой. Расположение 15 камней сада Реан-дзи в Киото — это дизайнер Шмид в чистом виде, и не случайно одна из его известных типографических композиций посвящена этому культурному памятнику Японии. Шмид ненавязчив, скромен и никогда не открывает всех карт. При кажущейся простоте его дизайна он активно выступает против банальных посланий и упрощений в типографике. Неуловимость и недосказанность являются неотъемлемой частью его дизайнерских поисков. Он как скульптор освобождает дизайн от нагромождений и всего лишнего, оставаясь верным себе и преследуя музыкальное начало в своих типографических работах».

P.S.
С 2015 года мы выпускаем тематические номера журнала, посвященные национальным дизайнерским школам. В этой серии уже вышли номера «Проектора»: Американский плакат второй половины ХХ века (совместно с Нью-Йоркской Школой визуальных искусств), Финский дизайн (в рамках параллельной программы выставки «Золотое поколение. Модернизм в финской архитектуре и дизайне», проходившей в Эрмитаже), Швейцарский дизайн (при поддержке фонда ProHelvetia), Датский дизайн (совместно с Московским музеем дизайна и в рамках выставки «Легенды датского дизайна» в ГМИИ им. А.С.Пушкина), Французский плакат (при поддержке Французского института), Голландский плакат. Все выпуски сопровождаются выставочными проектами, показанными в Санкт-Петербурге, Москве, Казани, Екатеринбурге, Челябинске, Петрозаводске, Пскове и других городах.

Традиционно желаю всем приятного прочтения и разглядывания журнала! Номер в свободном доступе на Issue.com обязательно появится, но уже после того, как разойдется по читателям печатная версия.

С приветом,
ваш Митя Харшак

Дизайн в послевоенной Японии — презентация онлайн

1. Дизайн в послевоенной Японии

Путь самурая-дизайнера

2. ИСТОРИЧЕСКИЙ КОНТЕКСТ

• До середины XIX века Япония оставалась изолированным
государством с феодальным общественным укладом.
Быстрым индустриальным развитием на протяжении ХХ века
— особенно после Второй мировой войны — страна обязана
воле и энтузиазму своих граждан.
• В этот период не только укреплялось лидерство Японии в
области производства высоких технологий, но и расширялись
знания о социальном устройстве стран Запада,
мировоззрении его людей и стиле их жизни. Результат
усвоения ценностей иной культуры очевиден и в сфере
искусства Японии.
• Однако, несмотря на адаптацию зарубежных влияний, в
произведениях ее мастеров по-прежнему отражались
классические художественные концепции, выработанные
японским искусством к началу ХХ века.

3. ОСОБЕННОСТИ

• Успехи японского дизайна часто объясняют
многовековыми традициями художественного
ремесла и быта, эстетическая утонченность и
гармоничность которых всегда поражала
зарубежных ценителей. Действительно, в
формировании предметного мира японцы с
древнейших времен придерживались
концепции, основу которой составляют
функциональность, лаконизм, сдержанность и
чистота форм.

4. ГОСТИ И ПРОМЫШЛЕННЫЙ ШПИОНАЖ

• Предтечей японского дизайна считают К.Нотоми,
художника и коммерческого эксперта, официально
изучавшего художественную промышленность
европейских стран конца XIX в. и стремившегося
перенести ее опыт на японскую почву. В целом, c
конца XIX в. Япония приглашала западных
дизайнеров, художников и инженеров для
культурного обмена.
• Как таковой инженерный промышленный шпионаж
после Второй мировой войны поддерживался на
государственном уровне, что позволило Японии
перенять западные технологии и, переняв,
модифицировать и усовершенствовать их, что
послужило причиной рывка в развитии.

5. ГРАФИЧЕСКИЙ ДИЗАЙН

• «Из синтоизма в основу японской эстетики вошло и
представление о непрочности всех вещей, об их естественном
умирании. Бытие и небытие переходят друг в друга в режиме
нон-стоп, это дорога с двусторонним движением. Истинная
реальность — неоформленная вечность. Оформленное
усилиями дизайнеров бытие вещей – всего лишь временная
манифестация небытия, их подлинной сущности. Отсюда
важнейшее для графического дизайна понимание
минимализма, ценности пустоты, белого пространства.
Пустота — это не «отсутствие», а «присутствие». Не отсутствие
формы, а наполненность ее содержанием. Белое — не
средство создания «серебра набора», как в классической
книжной типографике, не строительный материал для
усиления контраста с черным, как в европейском
модернистском дизайне, а самоценная вечность пока еще
неоформленного небытия» — Сергей Серов.

6. ЮСАКУ КАМЭКУРА

• Юсаку Камэкура (Yusaku Kamekura, 1915–1997) — мастер объединения
рациональных систем Европы и традиционного японского дизайна. Его
работы отличаются динамикой, технической точностью и ярким
визуальным образом.
• После окончания частного института новой архитектуры и промышленного
искусств, созданного Реншичиро Кавакита для внедрения идей русского
конструктивизма и Баухауза в Японии, присоединился к студии Nippon
Kobo, где работал над логотипами, упаковкой и книгами.
• Тремя годами позже стал художественным руководителем журналов
Nippon и Commerce Japan. А спустя десять лет организовал японский клуб
рекламных искусств, чем обеспечил социальное признание графических
дизайнеров. Наиболее известные работы Камэкура — плакаты для
Олимпийских игр 1964 в Токио и Expo70 в Осаке.
• Его стиль — мощный и четкий, а макеты заполнены абстрактными
формами, плоскостями и линиями. Камэкура практически не использовал
основные цвета в работах, размещая яркие смешанные цвета на темных
фонах. С 1997 года JAGDA (японская ассоциация графических дизайнеров)
присуждает награду Юсаку Камекура дизайнеру, создавшему самую
выдающуюся работу года.

7. ЛОГОТИПЫ/ФИРМЕННЫЙ СТИЛЬ

11. ПЛАКАТЫ

18. КАЗУМАСА НАГАИ

• Президент японской ассоциации дизайнеров-графиков
JAGDA, вице-президент дизайн-центра Nippon, Казумаса
Нагаи является одной из ключевых фигур японского
графического дизайна. Он лауреат многих престижных
премий, обладатель множества профессиональных
призов. Среди них и Гран-При Международной
триеннале экологического плаката и графики «4-й
Блок»(2000).
• В числе самых знаменитых работ Нагаи — созданные
в 1960-х годах основанные на строгой геометрии
и оптическом восприятии плакаты для Nikkor — бренда
линз, выпускаемых компанией Nikon. Художник
говорит: «Плакаты — это форма выражения, наиболее
близкая к живописи. Они хорошо знакомы даже
обывателю. При естественном сочетании слов
и изображений, они обладают мощной убедительной
способностью».

19. КАЗУМАСА НАГАИ

• Отдельного внимания заслуживают работы
Нагаи, посвященные животным. Благодаря
традиционным графическим приемам
и символическому значению изображаемых
им животных, художник создал вневременные
образы, которые отсылают не только
к традиционному японскому искусству, но
и к истокам искусства в принципе. Нагаи
придает своим животным оригинальные, часто
упрощенные формы, и раскрашивает их в яркие
цвета.

30. ИККО ТАНАКА

• Японский графический дизайнер 20 века, в своих работах
соединял глубоко укорененные японские традиции с
западным модернизмом.
• Cтиль Танаки — это прежде всего функциональность ( исходя
из того что плакат почти всегда имеет цель рекламу),
простота композиции и цвета, лаконичность и точность,
присутствует свободное пространство в фоне, композиция
асимметрична и создает движение, что при этом не мешает
читаемости шрифта.
• Шрифт в произведениях Икко Танаки играет особую роль.
Иероглифы не только несут в себе информацию,
но становятся главными образами его работ. В
процессе каллиграфических экспериментов он создает свой
собственный шрифт «cocho». В Японии зависимости от
способа написания, текст меняет свое эмоциональное
звучание.

39. КОИТИ САТО (не актер дорам)

• В своих поэтичных, рафинированных работах он
использует метафизические образы, слагаемые из
нежных акварельных оттенков.
• Как справедливо отмечают исследователи, Сато является
художником-философом, на формирование которого
значительное влияние оказала японская школа
живописи Римпа. Мастера этой школы создавали
изысканные композиции, в которых представляли
классические сюжеты и декоративные мотивы в новой,
необычной трактовке.
• Особую роль в произведениях школы Римпа играют
возможности ассоциативных связей в осмыслении
действительности. У Сато они также первостепенны,
поскольку позволяют интерпретировать внутренний
смысл предлагаемых им образов.

48. ДЕКОНСТРУКТИВИЗМ: ПЛАТЬЕ ДЛЯ СМЕРТИ

• Война и ядерная катастрофа повлияли на целую
плеяду японских дизайнеров. В 80-х годах они
покорили Европу и США своими тревожными и
мрачными коллекциями. Японские дизайнеры
«разрушали» западную и японскую систему
кроя, чтобы на этих руинах путем смешения
создать нечто новое. Точно так же они
символически «вскрывали» человеческую
психику, вытаскивая тяжелые, печальные,
сложные образы взамен жизнерадостного
европейского гламура.

49. РЕЙ КАВАКУБО

55. ЙОДЗИ ЯМАМОТО

61. АРХИТЕКТУРА И ИНТЕРЬЕР

С тех пор, как Япония открыла свои границы для других государств, ее
архитектура претерпела некоторые изменения, но в целом сохранила
самобытность. Почти половина зданий все так же традиционно строится из
деревянных каркасов. Но к дереву и камню добавились, естественно, другие
материалы: кирпич, стекло, железобетон.
Все японские здания должны соответствовать особым государственным
требованиям. Они строятся по особой конструкции, часто – на сваях.
Именно благодаря этому за последние годы ни одно сооружение, даже
небоскребы, серьезно не пострадали в многочисленных землетрясениях.
Сейчас Страна Восходящего солнца сама нередко диктует современные
тенденции в строительстве. Футуристичные здания из новейших
высокотехнологичных материалов сочетаются с каноничными садами
камней, прудами с мостиками, зелеными ландшафтами.

62. МЕТАБОЛИЗМ

• Метаболи́ зм (фр. métabolisme от греч. μεταβολή —
«превращение, изменение») — течение в
архитектуре и градостроительстве середины XX в.,
представлявшее альтернативу господствовавшей в
то время в архитектуре идеологии функционализма.
Зародилось в Японии в конце 50-х годов XX века. В
основу теории метаболизма лёг принцип
индивидуального развития живого организма
(онтогенеза) и коэволюции.
• Метаболизм не сто́ ит, однако, путать с органической
архитектурой и эко-теком, в которых подражание
живой природе не развёрнуто во времени и
затрагивает, главным образом, принципы
формообразования.

63. МЕТАБОЛИЗМ

Кионори Кикутаке:
• «Японцы привыкли к неразрывности традиции, одной из основ
устойчивости нашей цивилизации. Поэтому и концепция
метаболистической архитектуры восходит к истокам японской
строительной традиции, предлагая алгоритм её изменения.
• Безусловно, непросто кратко определить все то, о чем я размышлял,
создавая эту теорию. Для меня в понятии «метаболизм» самым важным
была возможность перестройки сооружения и замены его составляющих в
соответствии с требованиями, которые предъявляет наш
быстроизменяющийся мир.
• Движение метаболистов не было данью моде и не создавалось мною для
того, чтобы стать её законодателем. В Европе это движение превратилось в
модное течение, а в нашей стране, основанной на древних традициях, оно
получило иное развитие. Для Японии это был вопрос будущего нашей
цивилизации. Поэтому необходимо было учитывать, будет ли нужна
Японии наша концепция. При этом мы верили, что такой подход к
архитектуре и вообще к построению нового мирного общества будет
полезен для развития и других стран.
• Вообще, в Японии всегда уделялось особое внимание законам эволюции
животного и растительного мира. Поэтому природные закономерности
стали одной из основ архитектурного метаболизма. Возможно, по похожим
биологическим законам должна развиваться и архитектура. Современные
технологии позволяют реализовывать самые смелые проекты, поэтому есть
надежда, что опыт метаболистов найдет своё применение и в XXI веке.»

64. МЕТАБОЛИЗМ

• Особенностями архитектурного языка метаболистов стали
незавершенность, «недосказанность», относительная
«деструктивность» и открытость структуры зданий для «диалога» с
изменяющимся архитектурным, культурным и технологическим
контекстом городской среды.
• Распространён приём акцентирования внимания на пустоте, с
целью создания эффекта «материализации внимания», визуальное
закрепление незастроенных и неосвоенных пространств при помощи
символических пространственных структур.
• При этом создаётся некое промежуточное пространство (иначе —
мезопространство), которое согласно теории метаболизма являет
собой недостающее звено между архитектурой (как в высшей степени
упорядоченной средой обитания) и окружающим хаосом изменчивой
городской среды или «вакуумом» природного ландшафта. В структуре
как отдельных зданий, так и их комплексов и даже целых городов,
разработанных под влиянием идей метаболизма, всегда чётко
прослеживается вре́менная и постоянная составляющие. Ещё один
признак такой архитектуры — её модульность, ячеистость, нагляднее
всего иллюстрируемый на примере башни «Накагин» (Nakagin Capsule
Tower) (архитектор К. Курокава).

65. ТАДАО АНДО

• Архитектор и дизайнер, самоучка.
• «Архитектуру нужно чувствовать изнутри. Это
физическое переживание. Эскизы, макеты,
фотографии — лишь полдела. Хорошая архитектура
всегда выстраивает взаимоотношения со зрителем.
Возможно, нет более эмоционально-заряженного вида
искусства».
• Его работы близки японскому менталитету, хотя
выполнены из абсолютно нехарактерного для местной
архитектурной традиции материала: бетона. «На бетон
не отвлекаешься. Он на сто процентов про форму и
вместе с тем про содержание. Он не выпячивает себя и
позволяет работать с пространством — не украсить,
выявить или подчеркнуть, а именно создать
пространство. Он формирует архитектуру. К тому же
чистота этого материала воплощает духовноэмоциональную составляющую постройки».

66. ТАДАО АНДО

• В своих проектах Андо мастерски использует
возможности как естественного, так и
искусственного освещения. В основе зданий
лежат чистые геометрические формы, которые
порой переплетаются, создавая сложные
трехмерные фигуры. Объект проектирования
вписывается в естественный ландшафт, дабы не
подвергать изменению то, что создано
природой.
Дом Азума (Azuma House)
Дом Азума (Azuma House)
Церковь Воды
Церковь Воды
«Остров искусств» Наосима
Кладбище Makomanai Takino Cemetery, Саппоро, Япония
Частный художественный фонд Langen Foundation
«Храм Света»
«Храм Света»

76. КЭНДЗО ТАНГЭ

Японский архитектор Кендзо Танге родился в 1913 году на острове
Сикоку. В Токийский университет на факультет архитектуры Кендзо
поступил в 1935 году, а спустя три года уже начал свою
профессиональную деятельность в архитектурном ателье Кунио
Маэкава. Именно на этом этапе в 1939 году Танге написал своё
первое эссе о Микеланджело.
• Профессиональная деятельность Танге начиналась в тяжелый для
японского народа период свертывания гражданского строительства.
В 1941 году он поступает в аспирантуру Токийского университета и
занимается в основном «бумажным проектированием». В первые
послевоенные годы молодой архитектор основал учебную студию
Tange Laboratory и создал несколько градостроительных проектов.
Самым крупным среди них был генплан по воскрешению
испепеленной атомным взрывом Хиросимы, разработанный
совместно с Асада, Отани и Исикава в 1947 году. Работа над ним
стала для Кензо Танге своего рода подготовительным этапом к
проектированию мемориального ансамбля в этом городе (1949–
1956), в котором он органично воплотил принцип отрешенносозерцательного «пространства тишины» (в духе японских
средневековых монастырей).

77. КЭНДЗО ТАНГЭ

Как пишет о произведениях Танге сайт
www.designdeluxe.am, «силуэты его зданий невероятно
просты по «крою» и конструктиву, угловаты и вместе с
тем изящно изогнуты – как склон горы Фудзи, как ствол
дерева бонсай, как кровля пагоды. Материалы и
конструкции легки и приглушенно-монохромны, как
ширмы и перегородки, а декор небросок и продиктован
суровой природой островов. Его творения отмечены
хорошим вкусом и чувством меры. В творчестве Танге
очень часто урбанист брал верх над архитектором.
Мастеру было гораздо интереснее создавать
архитектурные ансамбли и изменять окружающую
среду, чем строить отдельные здания. Проектируя свои
объекты, Танге держал в уме не только то, как они будут
выглядеть в глазах прохожего или посетителя, но и
встраивал их в окружающий ландшафт».

78. КЭНДЗО ТАНГЭ

• Кензо Танге много занимался городским планированием и
разработкой мегаструктур. Архитектора всегда интересовала
концепция перспективного развития современного города. В
1960 году он предложил фантастический градостроительный
проект будущего Большого Токио, вынеся линейный
многоярусный мегаполис над Токийским заливом в виде
огромного моста, состоящего из сети автострад, переходов и
эстакад, над которыми висели здания. Концепция
вертикального зонирования города получила свое новое
развитие в проекте «Токио-60». Кензо также выступил
инициатором создания группы «URTEC» («Урбанисты и
архитекторы», 1961), которая стремилась совместить воедино
архитектуру с теорией. Смелостью и радикальностью своих
идей Танге будировал градостроительную мысль, оказав
влияние на возникновение ряда футурологических проектов
по всему миру, ориентированных на достижения науки и
техники.

79. КЭНДЗО ТАНГЭ

• «Город подобен дереву в полном расцвете, со стволом, ветвями и
листьями. Ствол – это инженерные коммуникации города, его основа –
портовые сооружения, дороги и все элементы благоустройства. Эти
сооружения должны, как правило, строиться правительством и
проектироваться с расчетом на длительный срок эксплуатации. Ветвям на
дереве соответствуют индивидуальная жилая застройка, которую можно
рассматривать как основной структурный элемент. Жилые здания являются
неотъемлемой частью материальной среды, но по сравнению с
инженерными сооружениями города они изменяются количественно и
качественно значительно быстрее. Наконец, листьям на дереве сродни
различные предметы постоянного обихода, которыми пользуются в
течение некоторого времени, а затем бросают. Потребление таких
предметов увеличивается из года в год и из месяца в месяц, что влечет за
собой все ускоряющийся темп их замены – житейский метаболизм…
Трагедией сегодняшнего дня не только в Японии, но и во всех странах
является именно то, что процесс роста городов не был в свое время
достаточно предусмотрен… Наши города имеют в действительности ветви,
но не имеют ствола. В результате огромные массы энергии, расходуемые на
строительство, порождают хаос и замешательство. Наша задача –
преобразовать эту энергию хаоса в энергию созидания и равновесия…»
Cобор Святой Девы Марии
«Башня-кокон»
Дом
Правительства
Kagawa,
восточные
офисы,
Такамацу,
Кагава, Япония
(1958 г.)
Yoyogi Национальная Гимназия для летних Олимпийских игр 1964г., Токио, Япония
(1964 г.)
Штаб-квартира Fuji
Одайба, Токио, Япония (1996 г.)

85. КАДЗУЁ СЭДЗИМА

• Карьера японки Кадзуё Сэдзимы началась
в архитектурном бюро притцкеровского
лауреата Тойо Ито в 1981 году. В 1987-м Сэдзима
открывает собственное бюро Kazuyo Sejima &
Partner, а в 1995-м появляется новое звездное бюро,
созданное Сэдзимой вместе с коллегой Рюэ
Нисидзавой – SANAA. В 2010 году Кадзуё Сэдзима
стала первой женщиной – куратором Венецианской
архитектурной биеннале. И в этом же году они
вместе со своим партнером по SANAA получают
Притцкеровскую премию за «кажущуюся простоту»
своих построек, как отметило жюри главной
архитектурной премии.
Проект бюро SANAA в заповеднике Grace Farms недалеко
от города Нью-Кейнен, штат Коннектикут. Благодаря
своему силуэту здание получило название River — «Река».
Временный павильон галереи Serpentine в Лондоне. 2009.
Плексиглас и полированный алюминий
Проект культурного центра в Цуруоке, на северо-западном побережье Японии.
2018
Новый музей
современного
искусства в НьюЙорке. 2007

90. НАШИ ДНИ: ТРАДИЦИЯ КАК ТРЕНД

94. Масахиро Мори (керамист, а не робототехник)

101. ПРИНЦИПЫ ЯПОНСКОГО ДИЗАЙНА: НАОТО ФАКУСАВА

• «БЕЗ РАЗДУМИЙ»: интуитивно понятый интерфейс
• «ТАКТИЛЬНОЕ БРЕНДИРОВАНИЕ»: эту концепцию идеально
иллюстрируют упаковки для сока, которые разработал Наото. Здесь
нет никакой дешевой «бутафории». Каждая мельчайшая деталь
проработана: на упаковке с клубничным соком имеются зернышки
на блестящей «кожице», у банана — темные пятна, а на упаковке с
киви есть ворсинки.
• «ХАЙ-ТЕК»: техника — это сервис, который делает жизнь более
комфортной. В будущем он должен быть спрятан от глаз, чтобы не
отвлекать человека.
• «НА ВЕКА»: благодаря минимализму и высокому качеству предмет
прослужит несколько поколений и не надоест
• «ДВОЙНОЕ ВАУ»: первое «вау» должно вырваться у покупателя
перед покупкой изделия. Второе «вау», которое более важно для
Фукасавы, добиться уже не так просто. Оно должно вырваться после
того, как человек попользовался и оценил изделие.

107. ФИЛОСОФИЯ KAWAII

• Каваии – букв. милое, но многозначно милое –
беззащитное, уродливо-очаровательное,
вызывающее жалость, приятно-слабое.
• Категория современной японской китчевой
эстетики, имеющая древние корни, особенно в
«женской» культуре (можно обнаружить
упоминания об аналогах каваии у Сенагон,
например) и влияющая тотально на всю
современную массовую культуру – моду,
мультипликацию, кинематограф.
• Культ всего милого существенно влияет на японские
социальные практики.

114. ХАЙ-ТЕК: КАК ЭТО СТАЛО МЕЙНСТРИМОМ

• К концу 70-х годов постмодернистская культура
распространила свое влияние и на эстетическое освоение
техносферы. Новые технологии открыли возможности
индивидуализации продуктов промышленного производства
и сервиса. Стало возможно в продукцию вводить
символические формы, сочетать технически целесообразное
с игрой символов, которые несет форма, придавать этим
символам элементы гротеска и иронии. Произведения хайтека явились альтернативой уходившему модернизму с его
тенденцией к унификации и по сути были реализацией уже
распространившихся идей постмодернизма. Хай-тек тяготеет
к символизму и метафорическим высказываниям. Он
ироничен в не меньшей мере, чем воплощения
постмодернистской культуры, почти так же как они,
стремиться отразить свой генезис в намеках на явления
прошлого (правда, не более далекого, чем середина ХIХ века).

115. РОБОТОТЕХНИКА

116. ПРООБРАЗ

• Есть мнение, что первыми «роботами» в Японии можно
считать механических кукол эпохи Эдо (1603-1868),
которые с помощью сложного механизма были
способны подавать чай, спускаться по ступенькам,
показывать фокусы и писать китайские иероглифы.
Название karakuri ningyo: образовано из двух слов:
karakuri (絡繰り) – 1. механизм, приспособление, 2.
махинация, трюк; и ningyo: (人形) – кукла, марионетка.
Таких кукол использовали в театре (butai karakuri, 舞台絡
繰り), для игр и развлечения гостей (zashiki karakuri, 座敷
絡繰り) и для религиозных нужд (dashi karakuri, 山車絡繰
り). Считается, что на идею создания таких кукол японцев
натолкнули механические часы, полученные в XVIII веке
от голландских торговцев, заводной мотор которых
затем японцы использовали в своих творениях.

118. НАЧАЛО

• Первый японский робот человекоподобного
вида появился в 1928 году (через год после
создания первого аналогичного робота в США) и
назывался Гакутенсоку (學天則 \ 学天則), что в
переводе означает «познание законов
природы». Создателем этого робота был биолог
Нишимура Макото (1883-1956), профессор
Императорского университета Хоккайдо.

120. НАШИ ДНИ

Характеристики и примеры японского графического дизайна

Не секрет, что японский дизайн — включая архитектуру, моду и, конечно же, графический дизайн — известен во всем мире. Японский графический дизайн — это чрезвычайно разнообразное сочетание разных стилей, подходов и методологий. Это, в сочетании с очень японским подходом к созданию и особенностями японской культуры, означает, что японский графический дизайн обладает невероятно уникальным стилем.

Читайте дальше, чтобы узнать больше о том, что делает японский графический дизайн по-настоящему особенным, а также о некоторых невероятных примерах японских графических дизайнеров из прошлого и настоящего.

История

Очень краткая история Японии за последние 200 лет необходима для понимания того, почему японский графический дизайн так популярен сегодня. До эры Мэйдзи, начавшейся в 1868 году, Япония закрывала границы. Это означало, что почти не было влияния извне, что позволило японскому искусству и дизайну по-настоящему процветать и обрести свою уникальную идентичность.

С падением сёгуната Токогава и открытием границ Японии, Япония теперь могла свободно торговать с внешним миром, и началась взаимная торговля культурой. Это не только оказало глубокое влияние на японское искусство и дизайн, но также сильно повлияло на то, что считается «западным» искусством и дизайном. Японское искусство, особенно гравюры на дереве укиё-э, вдохновляли художников всего мира. Наиболее известные французские постимпрессионисты Клод Моне и Эдгар Дега.

Следующий важный шаг в развитии японского графического дизайна был сделан в послевоенные годы.Между 1950-ми и 1980-ми годами Япония пережила невероятный экономический бум, став третьей по величине экономикой в ​​мире. Индустриализация и рост производства в стране проложили путь к исследованию европейских концепций конструктивизма и Баухауса, чтобы проникнуть в японский дизайн. Сильные геометрические формы, связанные с этими концепциями, были объединены с японской символикой для создания чего-то, что, хотя и вдохновлялось европейскими концепциями, было конкретно японским.

Затем, в 90-е годы, японский графический дизайн стал популярным! Полностью приняв постмодернизм, японские дизайнеры воплотили в графическом дизайне свои собственные уникальные идеалы. Экономический коллапс 1991/92 года, который привел страну к так называемому «потерянным десятилетиям», которое длилось до 2010 года, также вдохновил японских графических дизайнеров на то, чтобы наполнить свой дизайн позитивным настроением. Позволить стране, даже когда она столкнулась с экономическими потрясениями, принять что-то уникальное японское.

Характеристики и черты

В результате уникальной истории Японии и столь же уникальной культуры, которая сама по себе является увлекательным исследованием, японский графический дизайн стал отдельным жанром в области графического дизайна.Все, от фольклора до религии, от цветов до технологий, сыграло свою роль в том, как японский графический дизайн выглядел на протяжении всей истории и даже как он выглядит сегодня в 2020-х годах. Теперь мы подробно рассмотрим некоторые характеристики и черты, которые делают японский графический дизайн именно таким, какой он есть.

Минимализм

Японский минимализм зародился в традициях дзен-буддизма страны и воплощает принцип «меньше значит больше». Японский минимализм отвергает современный консьюмеризм и стремится сохранить жизнь, а в нашем случае дизайн, максимально лаконичной и простой.Несмотря на общие черты и действительно вдохновляющие то, что называется модернизмом и западным минимализмом, японский минимализм считается более интуитивным, асимметричным, теплым и плавным. Его эстетика чистая, но не стерильная.

Учитывая религиозные традиции и более современные интерпретации минимализма в Японии, он нашел свое отражение в японском графическом дизайне. Мы можем видеть принципы японского графического дизайна во всем спектре дизайна — от упаковки до плакатов.

Хотя есть много примеров, из которых мы можем выбирать, мы думаем, что работа арт-директора Кении Хара для ныне всемирно известного японского бренда Muji является прекрасным примером этого.Одним из основополагающих принципов Muji является минимализм, и компания придерживается политики «без бренда» или «без логотипа» во всех своих продуктах, поэтому неудивительно, что дизайн Hara для компании такой же. Посмотрите на упаковку некоторых канцелярских товаров этого бренда, чтобы понять, что мы имеем в виду.

Однако минимализм в японском графическом дизайне выходит за рамки Хара и Муджи. Нам нравится этот минималистский подход, который Юта Такахаси применил в редакционной статье специальной японской версии Trinität немецкого философа Майкла Дебуса.Такахаси использует простые формы и монохромную цветовую палитру для создания красивого минималистского эффекта.

Кавайи

На противоположном конце спектра от японского минимализма и дзен-буддизма находится концепция кавайи. Каваи — это культура симпатичности, которая с 1970-х годов ворвалась в японскую популярную культуру и повлияла на то, как мир видит Японию и ее культуру. Kawaii охватывает все, от глобальных феноменов, таких как Пикачу и Hello Kitty, до почерка и конкретной моды.

Учитывая преобладание японской поп-культуры, неудивительно, что Kawaii также оказала влияние на японский графический дизайн и японскую упаковку в частности. Взгляните на эту упаковку для фурикаке из хлопьев скумбрии и кунжута от неизвестного дизайнера — влияние Kawaii нельзя упускать. Какое отношение имеет лев к фурикаке? Ничего, но мы действительно хотим этого фурикаке, несмотря ни на что.

Хотя «кавай» обработана не только пищевая упаковка.Например, этот Tokyo Bosai (руководство по готовности к стихийным бедствиям в Токио), который учит жителей японской столицы, что делать в случае землетрясения, изображает симпатичного носорога по имени Босай-кун. Руководство и носорог были разработаны NOSIGNER, которые называют себя активистами социального дизайна.

Японский графический дизайн в стиле каваи, вероятно, стал самым известным за пределами Японии — это означает, что другие отличительные элементы и влияния, составляющие японский графический дизайн, можно легко не заметить.

Специальная типографика

Японский язык очень сложен — в нем более 2000 символов трех разных алфавитов; Кандзи, хирагана и катакана. Эти три алфавита также можно использовать в одном предложении. Другими словами, есть о чем подумать, кроме 26 букв английского алфавита! Что это на самом деле означает, так это то, что типографам сложно создавать гарнитуры — представьте, сколько времени потребуется, чтобы создать определенный вид для каждого из 2000 символов.Это означает, что графические дизайнеры в Японии гораздо чаще используют нестандартную типографику в своих проектах. Намного проще создать шрифт для нескольких избранных символов.

Этот плакат японского графического дизайнера Рю Миено прекрасно иллюстрирует это. Для своего проекта «Альтернативный поезд» он создал часть шрифта из штампа, а остальные были созданы вручную. Это означало, что его типографика для всего проекта была полностью индивидуальной и уникальной для проекта.

Тем не менее, это не означает, что шрифтов на японском языке не существует.В 2016 году три японских типографа из команды Monotype, Акира Кобаяси, Казухиро Ямада и Рёта Дои, запустили первый оригинальный японский гуманистический шрифт без засечек — Tazugane Gothic. Он работает вместе с классическим латинским шрифтом Neue Frutiger, поэтому оба языка могут гармонично сочетаться как в печатной, так и в цифровой форме.

Еще один интересный элемент японского графического дизайна и типографики — мазки кисти. Это прямая связь с древним искусством шодо или японской каллиграфией, которое было частью японской культуры с 600 года.Сёдо до сих пор преподают в японских школах, поэтому кажется очевидным, что он проникнет в японский графический дизайн.

Этот плакат 2001 года для японского ансамбля в оркестре Азии, созданный дизайнером Хидео Педро Ямасита, умело использует мазки в стиле шодо. Вместо того, чтобы использовать его для создания типографики, как это обычно и традиционно, он вместо этого использует мазки для создания абстрактного человеческого лица. Его плакат уникальным образом объединяет традиции Shod и современность графического дизайна.

Природа

Как часть своей культуры, японцы хорошо осведомлены об окружающем мире. На протяжении своей повседневной жизни они осознают, как мир природы постоянно меняется и движется. Японцы известны тем, что празднуют природу и времена года, которые имеют особое духовное значение по всей стране. Фактически, каждый год японцы празднуют День зелени (Мидори но хи) 4 мая. Это день, когда можно пообщаться с природой и быть благодарным за благословения.

Значение природы в жизни и культуре Японии распространяется и на графический дизайн. Природа и мир природы, растения, времена года и цветы часто влияют на цветовую палитру, иллюстрации и упаковку. Например, на обложке альбома «The Players» 1979 года «Galaxy», разработанном Эйко Ишиока, Мотоко Нарусэ и Тами Окуяма.

Символизм

Япония имеет невероятные традиции символизма, поэтому неудивительно, что это также нашло свое отражение в японском графическом дизайне.Некоторые из этих символов особенно распространены в современном дизайне. Например, согласно японскому фольклору, у всех вещей есть свой дух, включая неодушевленные предметы. По этой причине японские графические дизайнеры очень часто добавляют лица и человеческие качества к брендам и упаковке. Взгляните на эту банку для безалкогольного напитка Suntory’s Nachan и два ее улыбающихся лица — это яркий пример!

Помимо этого олицетворения упаковки, в японском графическом дизайне нашли свое отражение и другие традиции и символы японской культуры.Согласно обычаю, облака олицетворяют элегантность и высокий статус, а вода олицетворяет силу и стойкость.

Еще одним важным символом Японии является солнце — в конце концов, оно изображено на их флаге! Считается, что солнце олицетворяет традиции и удачу. По этой причине мы видим такие вещи, как облака, вода и солнце, появляющиеся в японском графическом дизайне. Логотипы ничем не отличаются — на этом бренде Nippon-Ichi, традиционного ремесленного магазина в Токио, разработанном Good Design Company в 2010 году, изображено красное солнце, висящее над горой Фудзи.Гора Фудзи является одной из Трех Святых гор Японии и имеет огромное духовное и культурное значение по всей стране. Его часто используют как символ самой Японии.

Далее мы рассмотрим две очень специфические формы символизма, которые можно увидеть на протяжении всей истории японского графического дизайна.

Геометрия

Часто в японском графическом дизайне сильно используются геометрические формы. Это связано с тем, что геометрические формы часто имеют культурный смысл в японской культуре — они могут использоваться для представления различных, часто абстрактных идей.Квадраты и прямоугольники представляют собой искусственные формы, а кривые — интуицию и вдохновение. Круги особенно интересны. По-японски известные как Ensō, они олицетворяют просветление, совершенство, силу и элегантность.

Следовательно, вы найдете фигуры и круги повсюду в японском графическом дизайне. Если мы посмотрим на работы одного из самых всемирно известных японских графических дизайнеров Икко Танака, мы увидим интенсивное использование геометрических форм — часто с использованием абстрактных геометрических фигур для создания более узнаваемых форм.В работах Танаки модернистские концепции и эстетика сочетаются с японскими традициями. Таким образом, помимо того, что он использует геометрические формы в соответствии с модернистскими традициями и традициями Баухауса, существует большая вероятность, что Танака также хотел создать ощущение того, что эти формы представляют для японцев с помощью своих работ.

В этой связи важно отметить, что большая часть японского графического дизайна, как современного, так и исторического, во многом заимствована из традиций, культуры и фольклора, но это не означает, что он не слишком современен и основан на том, как Япония была в то время, когда была создана.

Геометрические формы, особенно круги, также используются во многих работах другого самого известного графического дизайнера Японии, Ясуку Камекура. Камекура, прославившийся созданием плакатов для Олимпийских игр 1964 года в Токио, действительно освоил использование кругов в японском графическом дизайне, как мы можем видеть на этом выставочном плакате 1960-х, который он разработал.

Цветы

Узоры, как геометрические, так и цветочные, можно найти повсюду в японском графическом дизайне и искусстве — и так было всегда.Узоры широко распространены даже в традиционной японской моде: сибори — это традиционная техника окрашивания тканей, с помощью которой можно получить несколько узоров.

Мы уже говорили о том, почему геометрия и то же самое применимо к геометрическим узорам, но как насчет цветов? Причина, по которой цветы и цветочные узоры стали основной частью японского графического дизайна, связана с искусством Ханакотоба. Ханакотоба — это японская форма языка цветов: на этом языке каждый цветок наполнен эмоциями или духовным смыслом.Suikazura (жимолость) означает щедрость, Botan (пион) — храбрость и, возможно, самый известный из всех японских цветов, Sakura (цветение вишни) — доброту, мягкость и быстротечность жизни.

Мы можем видеть цветы, использованные в плакате 2018 года арт-директора и графического дизайнера Чикако Огумы для Хашитоми для Но, традиционного японского перформанса. Плакат Огумы поразительно современен, но в его дизайне используется цветочный мотив, напоминающий о традициях. Он сочетает традиционное использование цветов в японском графическом дизайне и искусстве с традициями Но, которое исполняется с 14 века.

Интересно, что на эмблеме японской национальной сборной по регби также изображены три цветка сакуры, созданные так называемой «бабушкой по регби» Иши Фукуи в ее магазине спортивных товаров в Киото.

Конечно, это еще не все, что может предложить японский графический дизайн. Как и в случае с дизайном любой страны, влияние и вдохновение японского графического дизайна — это не одна статья. Мы просто хотели дать почувствовать вкус уникальной культуры и традиций, которые вдохновляли японский графический дизайн на протяжении всей истории и сегодня.Мы призываем вас окунуться в мир японского графического дизайна — ведь здесь так много удивительных вещей!

Изображение заголовка: #ShilloMAN Учитель Ловиш Шайни. Японское слово в заголовке — 創 案 者 (Sōan-sha), что примерно переводится как создатель или изобретатель, но более кратко его следует понимать как того, кто первым что-то придумал или создал.

Чувствуете вдохновение и сами хотите стать графическим дизайнером? Изучите графический дизайн в Шиллингтоне и смените карьеру всего за три месяца онлайн или в кампусе в Нью-Йорке, Лондоне, Манчестере, Сиднее, Мельбурне и Брисбене.

Графический дизайн со всего мира: японский дизайн

Из-за нашей склонности искать вдохновение в одних и тех же местах мы застреваем в творческой колее.

Но это огромный мир, и здесь нужно искать много вдохновения — давайте начнем с японского графического дизайна.

Смелые цвета, преувеличенный дизайн персонажей, визуализированные личности и плотно упакованная информация типичны для многих японских дизайнов, и именно эти методы можно использовать в качестве источника вдохновения.

Итак, мы окунулись в мир японского графического дизайна и разработали 10 наблюдаемых техник визуального дизайна, которыми мы можем поделиться с вами. Если вы ищете немного нового вдохновения, рекомендаций или немного узнать о японской культуре, следите за обновлениями.

01. Яркие цвета

Одна вещь, которую вы заметите, когда погрузитесь в J-дизайн, — это то, что он изобилует цветом и жизнью. Наиболее распространенная комбинация цветов для японского дизайна — красный, золотой и черный, но при поиске в любых архивах вы увидите полный спектр палитр.

Такое использование цвета уходит корнями в японскую культуру в целом. Взгляните на улицы Харадзюку или оживленный Сибуя. Вполне логично, что эта любовь ко всем оттенкам отразится на графическом дизайне.

Давайте рассмотрим несколько примеров.

В этом дизайне флаера, разработанном Un and Co., используется смесь ярких цветов, чтобы придать изделию жизни, характера и интереса.

Когда вы создаете цветовую палитру и чувствуете, что вынуждены использовать только 2–3 цвета, почему бы не подумать о том, чтобы нарушить это «правило» и использовать более разнообразную палитру и посмотреть, что она может сделать для вас и вашего дизайна.

Обратите внимание на сильное использование цвета в этом произведении для Токийского музея современного искусства. Радужный шрифт и яркие иллюстрации сливаются воедино, образуя один очень смелый постер.

Нет никаких опасений, что цвета будут конфликтовать или подавлять дизайн в таких деталях, как это, так как это на самом деле суть. Цвет привносит жизнь и характер в дизайн и создает предметы, которые не могут не бросаться в глаза.

02. Смешанные языки

Другой часто повторяющийся прием в японском дизайне — использование в типографике и японских, и римских символов.

«Японские слова обычно пишутся идеографическими символами, а также могут быть написаны знакомыми нам римскими буквами. Английский язык, смешанный с японским письмом, также является обычным явлением в японском дизайне», — отмечает Райан Хагеман.

Этот потрясающий плакат к фильму «Трудности перевода» был создан Райаном Хагеманом, дизайнером и куратором Gurafiku.

«Используя и японский, и английский, я переместил строки текста друг на друга, вручную изогнув формы букв, чтобы два языка смешались вместе», — говорит Хагеман.

Комментируя эффект от своей техники, Хагеман говорит: «В некоторых областях японский текст стал бы наиболее заметным, и по мере того, как эти символы исчезали, английский текст затем выходил на передний план».

Контраст между двумя языками делает интригующее сравнение двух культур и очень привлекательный типографский дизайн — особенно если вы двуязычны на обоих языках!

03. Индивидуальная типографика

Типографика в японской культуре дизайна сильно отличается от западной культуры дизайна по ряду причин, а именно из-за сложности японской системы символов.

«Для создания японского шрифта требуется много работы, — говорит Райан Хагеман, — и из-за этого не так много готовых и выразительных шрифтов на выбор… Для плаката или обложки книги , проще нарисовать символы для нескольких слов, чем создать шрифт целиком ».

Поскольку этот тип часто создается специально для каждого проекта, он обычно довольно часто используется в дизайне.

В этом плакате от Shunto-Sha используется шрифт в качестве основного графического элемента для обрамления изображения и привлечения внимания к написанному.Специальная надпись создает поразительный визуальный элемент, который нелегко воспроизвести из-за его уникальности и ручной работы.

Эта конструкция работает аналогично предыдущей. Японская типографика в этой части, вероятно, была заказной работой, поэтому она так широко используется и использовалась как центральный элемент в дизайне.

04. Мазки кистью

Мазки кистью — еще один часто повторяющийся мотив в японском дизайне. Этот мотив в значительной степени частично связан с традиционной практикой японской каллиграфии, также известной как форма искусства под названием «Сёдо».

В искусстве Shodou мазки кисти часто более беспорядочные, полосатые и грубые, поскольку форма искусства требует, чтобы не вносились поправки в каждый штрих, вместо этого каждая линия должна просто переходить в следующую.

В современном японском дизайне можно увидеть множество мазков и эффектов кисти, вдохновленных Шодоу, от иллюстраций до типографики. Давайте посмотрим на два примера.

Этот дизайн плаката разработан Хидео Педро Ямасита с использованием грубых текстурных мазков, очень напоминающих Shodou, для создания потрясающего графического дизайна.

В этой работе Шинго Кохама использует мазки кистью традиционным способом для создания потрясающей типографской обработки. Сочетая грубые очертания нарисованных букв с шероховатой текстурой, вы можете получить поистине потрясающий эффект.

05. Градиенты

Еще одна тенденция, которую вы можете наблюдать в японском графическом дизайне, — это широкое использование градиентов. Тонкие цвета, переходящие друг в друга, являются очень часто используемым графическим элементом, часто используемым для фона, чтобы придать дизайну жизнь и цвет.

В этом произведении для Городского художественного музея Чигасаки используется красивый и свежий градиент, чтобы придать дизайну жизнь и цвет. Переход от пастельно-голубого к розовому создает тонкий, но яркий эффект, который идеально сочетается с четкими черно-белыми буквами.

Этот дизайн плаката от Qualia Creative не использует градиенты для окраски фона, а вместо этого использует шрифт. Легкое исчезновение градиентов в этих элементах дизайна обеспечивает очень чистые формы и края, сохраняя при этом веселый и красочный дизайн и выделяя японские символы.

06. Органические цветочные узоры

Ханакотоба (или «Флориография») — это изучение цветов, важный аспект японской культуры. В Японии определенные цветы и их цвета связаны с определенными идеями, символами и эмоциями. Например, считается, что розовые цветы означают исцеление от болезней, красный — страстную любовь, а белый — добродетель.

Итак, мы видим, что много цветов и растительных узоров используются в японском графическом дизайне, как в символическом, так и в декоративном качестве.Например, этот запоминающийся плакат от Twicsy использует розовые и белые цветочные изображения для создания потрясающе красивого эффекта.

07. Круги

Как и намекает японский флаг, круги — еще один повторяющийся элемент в японском графическом дизайне.

Врожденные символы баланса и гармонии, круги — широко используемые мотивы в японском дизайне. Распространенный мотив, используемый в японской культуре, — это мон.

Мон можно охарактеризовать как «японский аналог европейского герба».Как пишет Рейн Ноэ, Mon «обычно содержится в круге, имеет тенденцию к осевой или вращательной симметрии и больше полагается на абстрактные геометрические формы, чем на реалистичные репродукции реальных предметов».

Mon — преобладающая часть японского дизайна, особенно когда речь идет о брендинге и логотипах. Возможно, вы знакомы с логотипом Mitsubishi. Хотя этот логотип не отражает культовую круглую форму, но сохраняет симметрию вращения Mon, чтобы создать сбалансированный и ровный знак бренда.

Ценность симметрии и баланса очевидна во многих японских графических элементах и ​​обычно выражается в интенсивном использовании круговых мотивов. Обратите внимание на этот поразительный плакат Юсаку Камекура, на котором круги изображены большими, жирными и красиво сбалансированными способами.

08. «Симпатичная культура»

Я уверен, что когда я говорю «Япония», вы думаете о многом, и, скорее всего, одна из таких вещей — милые, преувеличенно нарисованные мультфильмы, которые мы так часто видим. Япония.

Эта «милая культура» (или «каваи») — огромная часть японской культуры, очаровательная анимация присутствует повсюду, от телешоу и товаров до профессиональных брендов и продуктов (посмотрите очаровательную упаковку для риса от Suzuki Kohei / Nottuo ниже).

Однако наличие очаровательной иллюстрации животного для корпоративного веб-сайта некоторым может показаться странным.

Как пишет Натали Авелла в своей книге «Графика Японии»: «Японцы, как правило, любят забавные темы для повседневного разговора… Это попытка обезоружить слушателя и наладить более близкие отношения.Точно так же забавные талисманы говорят вам, что хозяин дружелюбен и неприхотлив ».

Использование игривых иллюстраций привносит в плакат уникальные черты характера, индивидуальности и жизни, что совершенно отличается от типичных изящных и изысканных плакатов для мероприятий, которые преобладают в западном дизайне.

09. Информационно-насыщенный дизайн

При просмотре японских дизайнов, особенно когда речь идет о веб-дизайне, вы можете начать замечать тенденцию к тому, что сайты выглядят очень информативными и плотно заполненными шрифтами и контентом.

Казалось бы, минимализму не так много места в традиционном японском веб-дизайне, но почему?

«(В ​​Японии) детали являются желанным аспектом общения и, следовательно, веб-дизайна тоже, поскольку веб-сайт передает информацию и продает компанию и ее продукты вместо реального продавца», — говорит Рич Мирокко,

«Подробности необходимы, потому что риск абсолютно недопустим. Чем больше, тем лучше. Лучше гораздо больше ».

Как и в этом примере, информация и контент плотно упакованы.Не дайте себя обмануть, этот дизайн — приглушенный пример типичных загроможденных веб-страниц. Может показаться, что из этого аспекта японского дизайна многому нельзя научиться, но это не так.

Эта склонность и общая потребность в одновременном представлении большого количества информации дает нам множество потрясающих примеров того, что можно сделать, когда у вас много контента и мало места.

Посмотрите, например, этот плакат на Японскую выставку 2003 года: Пространство замешательства.Плотно упакованный шрифт и информация были представлены таким образом, что они сами по себе превращаются в визуальный элемент.

10. Коллаж и наслоение

Подобно предыдущему пункту, в японском визуальном дизайне демонстрируется явная склонность к наложению элементов на слои, создавая эффект коллажа.

Этот стиль, который можно увидеть в этой работе Чикако Огумы, сильно отличается от типичных чистых линий и перпендикулярных форм, которые типичны для более европейских дизайнерских движений, таких как швейцарский и Баухаус.

Вместо этого, если взять шрифт, изображения и другие элементы и наложить их друг на друга, создается динамичный, веселый и насыщенный эффект коллажа.

Подумайте о том, чтобы на время отказаться от минималистского подхода и добавить элементы только ради этого. Продуманная композиция, четкая концепция и увлекательный подход могут дать действительно привлекательные и привлекательные результаты!

Трудно разделить японский дизайн всего на 10 категорий визуальных приемов.Культура дизайна в Японии настолько повсеместна, динамична и постоянно развивается, но эти 10 визуальных приемов являются хорошей отправной точкой для всех, кто хочет расширить свои горизонты дизайна.

Во всяком случае, мы можем извлечь урок из японского графического дизайна: не бойтесь экспериментировать. Хотя (по большей части) западный дизайн диктует, что когда дело доходит до эстетики дизайна, «чистота — это король», не бойтесь встряхнуть ее.

Смело используйте цвета, используйте традиционные японские мотивы, настройте свой шрифт, получите символический, ищите баланс, коллажируйте свои элементы так, как никогда бы не осмелились большинство минималистичных дизайнеров.

Если этот сборник пробудил ваш интерес к японскому графическому дизайну, отличным ресурсом для продолжения ваших исследований является Gurafiku. «Gurafiku», составленный дизайнером Райаном Хагеманом, представляет собой каталог вдохновляющих, захватывающих и прекрасных частей японского дизайна.

Еще один фантастический ресурс — Japanese Design, в котором собраны новейшие произведения искусства, дизайна и творения талантливых японских креативщиков.

Теперь вам. Что вы думаете и чувствуете о визуальных тенденциях и техниках японских дизайнеров? Заметили ли вы какие-либо другие повторяющиеся техники, или, может быть, есть одна, которая особенно привлекает ваше внимание?

Не стесняйтесь оставлять свои мысли в комментариях ниже!

60 примеров японского графического дизайна

Последнее обновление 24 февраля 2020 г.

Стиль в различных формах очевиден в Японии.От потрясающе ярких плакатов до тщательно ухоженных садов — в Японии нет недостатка в элементах дизайна. Но даже при всех тонкостях и широте японского дизайна каждая форма имеет одно и то же ядро: в них нет беспорядка, они вызывают ощущение естественности и они просты.

Простота

В японском стиле подчеркивается принцип «меньше значит больше». Это означает, что беспорядок — это категорически запрещено. В целом японский дизайн выглядит чистым, простым и структурированным.Любой элемент без четкой цели считается беспорядком, от чего следует отказаться. Все сводится к основам, элементам, которые действительно необходимы в дизайне.

Если вы начинаете проект в японском стиле, избавьтесь от ненужных элементов. Вместо этого отдайте приоритет основам.

Тонкость

Японский дизайн — это тонкая и непринужденная элегантность. Этот стиль привлекает внимание по правильным причинам — и никогда не о роскоши.Даже если концепция хаотична, в хаосе есть сдержанный, но поразительный аспект.

Соедините в своем проекте изысканность, артистизм и функциональность, чтобы создать дизайн, в котором чувствуется подлинный японский стиль.

Мир

Куда бы вы ни пошли в Японии, везде царит ощущение спокойствия, тишины и покоя. Даже на оживленных улицах Токио местные жители уважают личное пространство друг друга. Это спокойствие также очень очевидно в японском дизайне и искусстве.

Использование природных элементов, таких как дерево, бамбук и камень, создает расслабляющую атмосферу. В некоторых аспектах дизайна также присутствует общее ощущение спиритизма, которое в основном отражено в японской архитектуре. Отсюда и проистекает минимализм.

Попытайтесь передать мир и покой в ​​своем дизайне, чтобы добиться этой традиционной японской детали.

Яркие цвета

Японский стиль — особенно в графическом дизайне — часто наполнен жизнью с помощью ярких цветов.Быстрый поиск цветов для современного японского графического дизайна приведет вас к полному спектру палитр. Но самые распространенные комбинации включают красный, золотой и черный цвета.

Три цвета простые, но элегантные, минималистичные, но утонченные — классический японский стиль. Использование этих цветов глубоко укоренилось в японской культуре. Подумайте только о Харадзюку или Сибуя. Совершенно очевидно, что яркость этих мест передается в этих ярких цветах.

Если вы занимаетесь современным японским дизайном, эти яркие цвета — лучший вариант.

Цветочные узоры

Цветочные узоры и Япония идут рука об руку. У японцев определенные цветы ассоциируются с определенными историями, символами и чувствами. Из-за того, насколько важны цветы в японской культуре, они часто используются в дизайне как украшение и как символ.

Цветочные узоры отлично подходят для воплощения эмоций в вашем дизайнерском проекте.

Прошлое и настоящее

В Японии традиции уважают так же, как празднуют современность.Самые удивительные японские произведения искусства, как правило, представляют собой сочетание современных японских элементов и некоторых их традиционных атрибутов. По сути, японский дизайн — это сочетание его традиции (простой, спокойный, сдержанный) и модернизма (минимализм, яркий, рукотворный).

Смешайте прошлое и настоящее, чтобы получить лучшее от японского дизайна.

Вдохновляющий японский графический дизайн

Вот 60 исключительных японских графических дизайнов, которые помогут вам в вашем проекте.

Теги: красивый графический дизайн яркие цвета современный японский графический дизайн цветочные узоры графическое искусство журнал графический дизайн график времени графический дизайн tumblr японский дизайн японский дизайн японский графический искусство японский графический дизайн японский графический дизайн компании японский графический дизайн история японский графический дизайн плакаты японская студия графического дизайна японская графика дизайнеры современный японский графический дизайн японский плакат японский дизайн плаката идеи обложки журналов идеи дизайна журналов идеи для журналов современный японский графический дизайн мирный дизайн pinterest попутный ветер популярные статьи вдохновение простой японский дизайн tumblr graphics

Графический дизайн | искусство | Britannica

Графический дизайн , искусство и профессия по выбору и расположению визуальных элементов, таких как типографика, изображения, символы и цвета, для передачи сообщения аудитории.Иногда графический дизайн называют «визуальной коммуникацией» — термин, подчеркивающий его функцию придания формы информации, например, дизайн книги, рекламы, логотипа или веб-сайта. Важная часть задачи дизайнера — объединить визуальные и словесные элементы в упорядоченное и эффективное целое. Таким образом, графический дизайн — это совместная дисциплина: писатели создают слова, а фотографы, а иллюстраторы создают изображения, которые дизайнер включает в полноценное визуальное общение.

Эволюция графического дизайна как практики и профессии была тесно связана с технологическими инновациями, социальными потребностями и визуальным воображением практиков. Графический дизайн практиковался в различных формах на протяжении всей истории; действительно, яркие примеры графического дизайна восходят к рукописям древнего Китая, Египта и Греции. По мере развития полиграфии и книжного производства в 15 веке вместе с ним в последующие столетия развивался прогресс в графическом дизайне, когда наборщики или наборщики часто разрабатывали страницы по мере того, как они устанавливают шрифт.

В конце 19 века графический дизайн стал отдельной профессией на Западе, отчасти из-за процесса специализации работы, который там происходил, а отчасти из-за новых технологий и коммерческих возможностей, вызванных промышленной революцией. Новые методы производства привели к отделению дизайна средства коммуникации (например, плаката) от его фактического производства. В конце 19 — начале 20 веков рекламные агентства, книжные издательства и журналы все чаще нанимали арт-директоров, которые организовывали все визуальные элементы коммуникации и объединяли их в гармоничное целое, создавая выражение, соответствующее содержанию.В 1922 году типограф Уильям А. Двиггинс ввел термин графический дизайн для обозначения новой области.

На протяжении ХХ века технологии, доступные дизайнерам, продолжали быстро развиваться, равно как и художественные и коммерческие возможности дизайна. Профессия значительно расширилась, и графические дизайнеры создали, среди прочего, страницы журналов, обложки для книг, плакаты, обложки компакт-дисков, почтовые марки, упаковку, товарные знаки, знаки, рекламу, кинетические названия для телевизионных программ и кинофильмов, а также веб-сайты. .К началу 21-го века графический дизайн стал глобальной профессией, поскольку передовые технологии и промышленность распространились по всему миру.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Типографика рассматривается в этом эссе как элемент общего дизайна визуальной коммуникации; для полной истории, см. типографику . Точно так же эволюция процесса печати обсуждается в этом эссе в связи с развитием графического дизайна; для полной истории, см. печать .

Исторические фонды

Оформление рукописей в древности и средневековье

Несмотря на то, что графический дизайн появился недавно как профессия, его корни уходят в глубокую древность. Иллюстрированные рукописи создавались в Древнем Китае, Египте, Греции и Риме. В то время как первые дизайнеры рукописей сознательно не создавали «графические дизайны», переписчики и иллюстраторы работали над созданием сочетания текста и изображения, которое одновременно гармонично и эффективно передавало идею рукописи.Древнеегипетская «Книга мертвых», содержащая тексты, предназначенные для помощи умершим в загробной жизни, является прекрасным примером раннего графического дизайна. Иероглифические повествования, написанные писцами, иллюстрированы красочными иллюстрациями на свитках папируса. Слова и изображения объединены в единое целое: оба элемента сжаты в горизонтальную полосу, повторяющаяся вертикальная структура письма отражается как в столбцах, так и на рисунках, а для письма и рисования используется единый стиль рисования.Плоские цветные участки окаймлены четкими контурами кисти, которые ярко контрастируют с богатой текстурой иероглифического письма.

В средние века рукописные книги сохраняли и распространяли священные писания. Эти ранние книги были написаны и проиллюстрированы на листах обработанной кожи животных, называемых пергаментом, или пергаментом, и сшиты вместе в формат кодекса со страницами, которые переворачивались, как страницы современных книг. В Европе в монастырских письменных комнатах было четкое разделение труда, которое привело к дизайну книг.Ученый, разбирающийся в греческом и латинском языках, возглавлял письменную комнату и отвечал за редакционное содержание, дизайн и выпуск книг. Писцы, обученные стилям букв, проводили дни, склонившись над письменными столами, переписывая страницу за страницей текста. Они указали место на макете страницы, где иллюстрации должны были быть добавлены после того, как текст был написан, с помощью небольшого наброска или описательной заметки, сделанной на полях. Иллюминаторы, или иллюстраторы, визуализировали изображения и украшения в поддержку текста.Создавая эти работы, монахи помнили об образовательной ценности картин и способности цвета и орнамента создавать духовный подтекст.

Производство рукописей в Европе в средние века привело к появлению самых разнообразных дизайнов страниц, стилей иллюстраций и надписей, а также методов производства. Изоляция и плохие условия для путешествий позволили проявиться узнаваемым региональным стилям дизайна. Некоторые из наиболее характерных средневековых подходов к искусству и дизайну, в том числе хиберно-саксонский стиль Ирландии и Англии и международный готический стиль, преобладавший в Европе в конце 14 — начале 15 веков, были использованы в рукописных книгах, которые достигли основных инноваций в графическом дизайне. .Келлская книга ( ок. 800 гг. Н. Э.), Иллюстрированная книга Евангелий, которая, как полагают, была завершена в начале 9-го века в ирландском монастыре Келлс, известна как одна из самых красивых рукописей гиберно-саксонской эпохи. Его страница, изображающая появление имени Иисуса Христа в Евангелии от Матфея 1:18, называется «страницей Чи-Ро». В дизайне представлена ​​монограмма XPI, которая использовалась для обозначения Христа во многих рукописях, как замысловатый узор из мерцающих цветов и спиралевидных форм, распускающихся на всей странице.Страница Чи-Ро из Келлской книги — это парадигма того, как графическая форма может стать метафорическим выражением духовного опыта: она ясно передает сакральную природу религиозного содержания.

С 10-го по 15-й века рукописные книги ручной работы в исламских странах также достигли высокого художественного и технического уровня, особенно в рамках традиции персидской миниатюрной живописи. Вершина ширазской школы дизайна и иллюстраций персидских рукописей очевидна на странице, на которой изображена книга Khamseh («Пятерка») великого поэта XII века Нехами.На этой странице изображен персидский царь Хосров II перед дворцом своей возлюбленной Ширина. Человеческие фигуры, животные, здания и ландшафт представлены в виде изысканных форм, очерченных лаконичными очертаниями. Эти двухмерные плоскости наполнены яркими цветами и декоративными узорами в тесно переплетенной композиции. Каллиграфический текст размещен в местах геометрической формы в нижней части страницы.

Хосров II перед дворцом Ширина, иллюстрация из персидской рукописи конца 15 века Нехами Хамсе .

The Keir Collection, Ham, Richmond, England

Как привнести японский дизайн в свою творческую работу

Японский дизайн с гордостью отсылает к тысячам лет традиционного японского искусства, а также является современным и современным. Четкий и сильный голос стиля варьируется от простого дизайна, геометрических фигур и цветных пятен до громких талисманов, милых узоров и мультфильмов. От минимализма до поп-музыки мы видим влияние японского дизайна на весь Запад и за его пределами.

Давайте посмотрим, как вы можете привнести японское дизайнерское вдохновение в свою работу!

Краткая история японского дизайна

—

Японский дизайн в целом находится под сильным влиянием окружающего мира. Япония — страна с очень разнообразными ремесленными традициями. Керамика, гравюры на дереве, каллиграфия, оригами, театр кабуки, а в последнее время манга и аниме — вот лишь некоторые из видов искусства, развитого там. Эти формы искусства оказали влияние на западное искусство и дизайн на протяжении сотен лет — например, японские гравюры на дереве оказали влияние на многих известных западных художников, таких как Густав Климт и Винсент Ван Гог.

Женщина-хокусай в отличие от Густава Климта. Обратите внимание на схожесть узоров. Через Википедию. Посмотрите плавное движение волны Хокусая, влияющее на движение Ван Гога в небе. Через Википедию.

1600-е — 1800-е годы

Рекламный плакат периода Эдо. Через Музей рекламы Токио.

В период Эдо (1603-1868) Япония процветала в экономическом и культурном плане. Процветали также дизайн и творчество. Японские рекламодатели были пионерами в маркетинге товаров и услуг, создавая массовые плакаты, графические элементы, смешанные с типографикой, и причудливые иллюстрации звезд того времени — борцов сумо и популярных актеров театра кабуки.Они использовали маркетинг лидеров мнений за сотни лет до того, как Instagram вообще появился!

Укиё-э, важный жанр японского искусства гравюр и картин на дереве, также развивался в этот период. В нем были представлены общие темы женской красоты, кабуки, борцов сумо, народные сказки и пейзажи. Поскольку его легко печатать, укиё-э стало широко распространяться и быстро завоевало популярность.

Укиё-э позже превратился в современные иллюстрации, которые превратились в манга, аниме и даже видеоигры.Благодаря более поп-эстетике и большей цветовой палитре, эти новые стили оказали огромное влияние на запад через мультфильмы, комиксы и игрушки.

Конец 1800-х годов

В эпоху Мэйдзи (1868-1912) Япония открыла свои границы для остального мира, приветствуя торговлю и обмен культурой и дизайном. Это привело к взрыву творчества в японском дизайне на следующие 50 лет, вдохновленным западным искусством и дизайном.

1950-1980-е годы

После Второй мировой войны экономика Японии резко выросла, став в конечном итоге третьей по величине экономикой в ​​мире.Под влиянием индустриализации и производства в послевоенные годы стили конструктивизма и баухауса вдохновили дизайн того времени, используя сильные геометрические формы, смешанные с японской символикой.

1990-е — 2000-е годы

В 90-х японский дизайн стал взрывным, как никогда раньше. С постмодернизмом и популярностью компьютерного программного обеспечения, такого как Photoshop и Illustrator, появился целый новый мир дизайнерских возможностей, и японцы полностью его приняли.

В этот период в японском дизайне также стало уделяться больше внимания социальной ответственности.В 1991-1992 годах японская экономика рухнула, и страна вступила в период экономического застоя, известный как потерянные десятилетия, который длился до 2010 года. Дизайнеры пытались положительно влиять на людей во время экономического восстановления, избавляясь от излишеств и балансируя их Работа.

Сегодня японский дизайн стал еще более внимательным к проблемам окружающей среды, таким как глобальное потепление и загрязнение. С большим населением и ограниченным жилым пространством дизайнеры должны думать о том, как люди потребляют их продукты.В результате японский дизайн приобрел вполне естественный оттенок.

9 способов привнести японский дизайн в свою работу

—

1. Ваби-саби и японский минимализм

Делай это, как Мари Кондо, и избавляйся от всего ненужного. В традиционной японской эстетике ваби-саби — это мировоззрение, основанное на признании несовершенства, происходящего из дзен-буддизма и китайского даосизма.

По сути, он находит радость в несовершенном и избавляется от всего, что не вызывает радости.

Упаковка чая Arko от Obacht

Ваби-саби имеет много общего с модернизмом, но он более интуитивный, асимметричный, теплый и плавный. Эта техника пытается сохранить суть дизайна, не теряя поэзии. Чисто, но не стерильно. Просто, но умно.

Попробуйте привнести японский минимализм в свой брендинг, логотип, упаковку, веб-сайт и многое другое.

2. Естественное движение

Многие из самых ранних японских деревянных гравюр иллюстрируют природу и то, как мир постоянно меняется и движется.Это чувство преемственности переросло в современную мангу и яркую упаковку.

Иллюстрация дерева бонсай от LizYeeHikari, японский фургон для суши, от Priyo

3. Природа

Обладая поразительными (и устрашающими) природными особенностями, такими как землетрясения, вулканы и тайфуны, японская культура остро осознает окружающую среду. Японцы как никто другой ценит природу и времена года. Это влияние также привело к творческим дизайнерским решениям.

Дизайн логотипа mochi mochi от coccus Японский дизайн сумки SHINCHA от D e a Простой дизайн упаковки для продуктов по уходу за кожей от Мирзы Агича Детский рисунок в японском стиле от Fe Melo

Архитектурный дизайн заимствован из таких элементов, как дерево и камень.В графическом дизайне природа воплощается в упаковочном материале, естественных иллюстрациях и цветовых палитрах землистых тонов.

4. Геометрия

Японский дизайн очень геометрический, потому что формы имеют гораздо более глубокое культурное значение.

Дизайн логотипа Horigushi Architects от hkdesign, Плакат в мастерской для свадебных видеографов от semnitz

Квадраты и прямоугольники представляют собой искусственные формы, которые не часто встречаются в природе, и часто используются для создания контуров кимоно, лаковых шкатулок, сундуков, ширм и некоторых керамических изделий.Кривые и дуги окружностей олицетворяют интуицию и вдохновение.

5. Типографика

Японская типографика намного сложнее, чем западный алфавит, с более чем 2000 символов для написания и тремя разными шрифтами. Неудивительно, что каллиграфия играет такую ​​огромную роль в японском дизайне: рисование букв само по себе является видом искусства.

Японский дизайн «кандзи». Дизайн логотипа бара от Ham-Egg. Логотип для коворкинга от Camells

Современный японский язык написан смесью трех основных шрифтов: кандзи (китайские идеографические символы) и хирагана и катакана (фонетические символы).Из-за этого японский язык имеет ограниченное количество шрифтов, и очень часто можно настроить типографику для любого дизайн-проекта.

6. Символизм

В японском фольклоре говорится, что все вещи имеют свой собственный дух — даже такие неодушевленные предметы, как камень или ящик. Вот почему к продуктам часто добавляют лица и человеческие качества. Вы увидите, что это широко используется в рекламе, плакатах, упаковках и в брендинге.

Дизайн логотипа для компании Miya от Стивена ┌ (ಠ_ಠ) ┘ Эй!

В японский дизайн вошли традиции.Не удивляйтесь, увидев множество изображений горы Фудзи, восходящего солнца, счастливых кошек или борцов сумо. Символы тоже есть. Облака означают элегантность и высокий статус. Горы олицетворяют неподвижность. Вода символизирует силу и стойкость.

7. Японская иллюстрация

Манга — это японский комикс или графический роман. По сравнению с американскими комиксами манга более наглядна и содержит меньше слов. Манга также имеет широкий спектр жанров, которые привлекают более широкую аудиторию.

Аниме — это японский мультфильм (обычно основанный на манге, но это не правило), известный своими яркими графическими характеристиками, такими как огромные глаза, «кукольные» лица и милые персонажи.Аниме — это широкий термин, обозначающий широкий спектр жанров, которые нравятся людям всех возрастов.

Дизайн винной этикетки — jillmargitneitzel. Иллюстрация и визитная карточка. Анимационная студия T-Go — автор: bubupanda. Дизайн логотипа Skinny Matcha от MiekoSkinny Дизайн логотипа Matcha от Fe MeloRamen и иллюстрации Coffee от Mr.SainShabu Shabu Ресторан на лыжах на лыжах Тема японской манги от R28 Неоновая иллюстрация духа щенка от kaleEVA

Чтобы привлечь много внимания, особенно молодежи, дизайнеры используют мангу и аниме всевозможными способами.

8. Выкройки

От искусства шибури до гравюр на дереве, в японском дизайне изобилуют геометрические и цветочные узоры.

Летний выпуск мороженого, логотип и дизайн упаковки от GoodEnergy Milk, черно-белый дизайн упаковки от SzsBeer, дизайн для пивоварни Asakusa Craft Beer Farm от cynemes

Ханакотоба — это изучение цветов и их духовного значения. Согласно японской традиции, розовый цвет символизирует исцеление, красный — любовь, а белый — добродетель.

9. Продовольствие

От рамена до суши и многого другого — японскую кухню любят во всем мире. Дизайн и еда сочетаются даже в кайсэки, японской высокой кухне, обеде из нескольких блюд, посвященном временам года, с использованием местных сезонных ингредиентов.

Кит, заправленный раменом! — Yotin Inc., автор: Bubupanda, концепция логотипа для ресторана KOZU, автор: martinez.

Добавьте японский дизайн в свои творения!

–

В японском дизайне бесчисленное множество различных стилей и визуальных приемов, и перечислить их все невозможно.В каждом из них есть что-то очень плавное и естественное, а это значит, что правила всегда можно нарушить. Вот почему японское искусство продолжает оказывать влияние на дизайн сегодня. Попробуйте смешивать и сочетать стили, чтобы открыть что-то поистине уникальное!

20 принципов японского графического дизайна, которые нравятся клиентам

Если вы хотите узнать о главных принципах японского графического дизайна, не волнуйтесь, поскольку в этом руководстве мы расскажем вам о 20 лучших и 20 лучших принципах японского графического дизайна, которые нравятся клиентам!

В наши дни технологические тенденции в мире стремительно меняются.То же самое и с графическим дизайном, тенденции которого постоянно меняются.

Раньше для продвижения товаров и привлечения внимания покупателей предприятия были очень сосредоточены на оформлении витрин.

Витрины физических магазинов были сделаны не только привлекательными, но и приятными, чтобы покупатели могли посетить магазин и купить некоторые товары.

Благодаря технологическому прогрессу и растущей тенденции онлайн-покупок сегодня эта же концепция перешла в цифровую форму.

Теперь предприятия делают окна своих устройств достаточно приятными, чтобы привлечь внимание пользователя!

Другими словами, они прилагают усилия для реализации лучшего дизайна пользовательского интерфейса для своих веб-сайтов, блогов, а также магазинов электронной коммерции, и это возможно только с помощью графического дизайна.

Элементы графического дизайна

Графический дизайн — это устоявшаяся концепция, которая использует пространство, типографику и изображение в процессе визуальной коммуникации, а также для решения проблем.Он применяет различные визуальные шаги и методы макета страницы для создания визуального контента для передачи сообщений.

Заманчивый визуальный дизайн, смелые цвета, красивое изображение персонажей и личностей, минималистичные и экспериментальные элементы дизайна и плотно упакованная информация — вот некоторые ключевые термины, которые описывают японский дизайн. Но они не полностью охватывают культуру японского графического дизайна.

Если вы хотите окунуться в мир японского графического дизайна, то прочтите это руководство до конца.В сегодняшнем руководстве мы собираемся раскрыть некоторые из новых принципов японского графического дизайна, чтобы вы могли узнать об основных методах визуального дизайна.

Пользовательская типографика

Типографика — это практика раскрытия внутренней жизни шрифтов, поскольку в ней используются различные элементы дизайна в тексте и буквах. Это искусство превращать буквы в образы, которые не только усиливают впечатление от чтения, но и придают поразительный вид всему дизайну.Обычно основное внимание уделяется стилю и размеру шрифтов.

Индивидуальная типографика — важный принцип, которому японские графические дизайнеры следуют в своем графическом дизайне, чтобы сделать сложную систему символов уникальной и привлекательной. Обычно они используют нестандартные надписи в своих творениях, чтобы дизайн лучше всего соответствовал требованиям клиента. Они действительно понимают, почему размещение определенных кривых и перекладин имеет смысл в дизайне.

Принцип нестандартной типографики набирает популярность в японском графическом дизайне.Обычно это помогает связать дизайн вместе, чтобы веб-сайт не казался запутанным и разрозненным, а текст на веб-сайте передает значимое сообщение.

По словам Райана Хагемана, известного графического дизайнера, создание японского шрифта требует большого объема работы, из-за которой не так много выразительных шрифтов, как и готовых шрифтов. Вместо того, чтобы создавать весь шрифт, японские графические дизайнеры прилагают усилия к тому, чтобы нарисовать символы для нескольких слов, чтобы привлечь внимание к написанному.

Они также уделяют большое внимание последовательности в этом отношении. Короче говоря, нестандартная типографика — идеальное решение для брендинга.

Яркие цвета

Японский дизайн обычно наполнен красками и жизнью. Использование ярких цветов в графическом дизайне — один из популярных японских принципов графического дизайна, который нравится клиентам. Наиболее распространенные цвета, которые японцы используют в своем дизайне, — красный, черный и золотой. Эти цвета используются не только в японском графическом дизайне, но и имеют глубокие корни в японской культуре.

Например, давайте взглянем на красочное уличное искусство Харадзюку и сверкающий облик Сибуя. Улицы этих городов полны красок и жизни. Просматривая их культуру дизайна, мы можем узнать, что японцы любят цвета, и именно это заставляет японских графических дизайнеров использовать яркие цвета в своих работах.

Иногда, вместо того, чтобы использовать два или три цвета, японские графические дизайнеры нарушают правило и используют разнообразную цветовую палитру в своих рисунках, чтобы добавить им жизни, интереса и характера, создавая тем самым некоторые замечательные рисунки.

Контраст и сплоченность

Контраст и целостность также играют жизненно важную роль в японском дизайне, поскольку они делают текст жирным, четким и легко читаемым. Он определяется как разница между двумя различными элементами дизайна, такими как темный или светлый, маленький или большой и т. Д. Современный графический дизайн в Японии использует широкий спектр цветовых схем, чтобы произведение искусства не только выглядело эстетично и приятно, но и также привлекают внимание пользователей.

Японские графические дизайнеры используют принцип контраста и согласованности в дизайне своих веб-сайтов, так что определенные особенности веб-сайта могут стать точкой притяжения.Кроме того, они также используют теорию цвета, чтобы их веб-сайты могли вызывать эмоции у пользователей.

Например, теория цвета связывает красный цвет с действием, черный с изяществом и гладкостью, а синий цвет с доверием и уверенностью.

При добавлении контраста и согласованности в дизайн очень важно сохранять согласованность для создания сильного и мощного визуального образа.

Остаток

Следующим в нашем списке 20 лучших японских принципов графического дизайна является баланс, который способствует структуре, а также стабильности дизайна за счет уникального размещения элементов.Японский графический дизайн включает баланс, создавая визуальный вес элементов, образующих дизайн.

Сюда входят цвета, формы, изображения, а также текстовые поля. Обычно они помещают темные цвета рядом с более светлыми, чтобы придать дизайну более тяжелый вид. Более того, они также используют симметричный и асимметричный баланс для создания потока в общем дизайне.

Смешанные языки

Смешанные языки — еще один важный принцип дизайна, который нравится клиентам. Как следует из названия, это сочетание двух языков.Японские графические дизайнеры всегда стараются использовать смешанные языки в своей работе, чтобы привлечь внимание аудитории. На афишах их фильмов обычно используются японские и римские символы, поскольку использование этих языков для создания эстетического эффекта стало тенденцией.

Райан Хагеман, графический дизайнер из Gurafiku, однажды сделал плакат к фильму «Трудности перевода», в котором он сочетал японский и английский языки. Он считал, что когда японский текст станет заметным, английские символы исчезнут.

Точно так же, когда люди делают акцент на английском тексте, японские иероглифы исчезают, создавая привлекательный эффект в дизайне.

Минимализм

Одним из принципов, применимых к графическому дизайну в целом, является минимализм, прославившийся в начале 20 века. Это оригинальная японская концепция, которую художники используют в своих работах.

Меньше всегда лучше!

Да! Вы правильно прочитали! Японцы всегда используют минималистичный дизайн в своем искусстве, удаляя ненужные элементы и сосредотачиваясь только на основных элементах.Это означает, что в дизайн должны быть включены только те элементы, которые важны для окончательного дизайна.

Их не следует включать только для презентации. Минимализм — это основной принцип японского дизайна, который Apple и Google используют в своих проектах, потому что он никогда не устареет.

Оба они используют текстовые блоки, ограниченные цвета и белые пространства на своих сайтах, чтобы привлечь внимание пользователей. Короче говоря, минимализм — это принцип графического дизайна, который будет оставаться в тренде в ближайшие годы.

Негативное пространство

Всегда помните, что графический дизайн связан не только с визуальными особенностями. Он также включает пустое пространство или область вокруг текста или изображения. Это называется отрицательным пространством или пустым пространством.

Негативное пространство не только добавляет эстетики дизайну, но и улучшает читаемость текста. Чтобы сделать дизайн привлекательным, японские графические дизайнеры сосредотачиваются на отрицательном пространстве, как они сосредотачиваются на положительном.

Выравнивание

Принцип совмещения также является одним из основных принципов японского графического дизайна, который помогает в создании профессионально выглядящих дизайнов.По принципу совмещения элементы дизайна должны быть выровнены по отношению друг к другу.

Чтобы сделать ваши проекты привлекательными, вам необходимо использовать различные выравнивания, такие как выравнивание по центру, выравнивание по левому краю, выравнивание по правому краю и выравнивание по ширине. Никогда не выравнивайте все элементы дизайна по одному параметру, так как это не может создать визуальную привлекательность.

Визуальная иерархия

Принцип визуальной иерархии занимает важное место в области графического дизайна.Это означает использование элементов дизайна в соответствующем положении, размере, цвете стиля, а также выравнивание, чтобы дизайн мог стать полезным для аудитории.

Вблизи

Близость — это процесс объединения связанных элементов дизайна для создания привлекательных и привлекательных дизайнов. Это один из ключевых принципов графического дизайна, которым следует японский графический дизайнер. Элементы должны быть сгруппированы таким образом, чтобы донести до аудитории четкое сообщение.

Комплексные градиенты

Для добавления цвета к фону и оживления дизайна огромную роль играет принцип сложных градиентов. Среди японцев растет тенденция использовать сочетание цветов в произведениях искусства.

Музеи Японии — реальные примеры использования сложных градиентов в произведениях искусства!

То же самое и с графическим дизайном. Следуя принципу сложных градиентов, японские графические дизайнеры используют различные цвета в шрифтах, а также в фонах, чтобы обеспечить плавный переход.

Мазки кистью

Каллиграфия — важная часть японской культуры. Теперь это можно увидеть в японском графическом дизайне. Помимо сочетания цветов в японской каллиграфии обычно используются мазки кисти.

Фактически, это один из основных принципов японского графического дизайна, который нравится клиентам. Дизайнеры используют беспорядочные и полосатые мазки кистью, чтобы показать переход от каждого беспорядочного мазка к следующему, отражая искусство каллиграфии.

Масштаб

Масштаб — важный принцип современного японского дизайна.Он вносит большой вклад в визуальную иерархию, размещая графические элементы в соответствии с их размером и цветом, чтобы они могли казаться больше или меньше в дизайне.

Цветочный узор

Еще одна тенденция, которую вы можете наблюдать в японском графическом дизайне, — это цветочный узор. Флориография очень популярна в японской культуре, поэтому японские графические дизайнеры используют цветочные узоры для создания эмоций и представления символов.

Например, красный цветочный узор — символ любви; белый показывает добро и нравственность, а розовый — цвет реабилитации.

Повтор

Повторение — также один из самых важных принципов графического дизайна, который делает дизайн живым и ярким. Он не добавляет визуальной привлекательности дизайну, но также делает акцент на определенных графических элементах, чтобы привлечь внимание пользователя.

Креативные шрифты

Японские графические дизайнеры также используют креативные шрифты в своих проектах наряду с классическими шрифтами. Классические шрифты очень часто используются в произведениях искусства, но когда дело доходит до креативных шрифтов, графические дизайнеры должны быть очень осторожны.Японские дизайнеры всегда стараются использовать креативные шрифты в заголовках, так как их немного сложнее читать.

Милая культура

Симпатичная культура очень распространена в японских телешоу, а также в продуктах популярных брендов. Это также можно увидеть в японском графическом дизайне, поскольку они считают, что привлекательность в произведениях искусства минимизирует враждебность и усиливает любовь друг к другу.

Поддержка цветовой палитры

Следующий принцип дизайна в нашем списке — поддержание цветовой палитры, что очень важно для обеспечения единообразия всего дизайна.

Круги

Еще один важный принцип дизайна, который нравится клиентам, — это круги, которые показывают гармонию и создают баланс в дизайне.

Плотность информации

Информационно насыщенный дизайн всегда приветствуется японскими экспертами по графическому дизайну, потому что они считают, что информация о веб-сайте передает важное сообщение о бренде клиентам.

Другие популярные темы о дизайне, которые помогут вам:

Заключение

Вы ищете вдохновения для создания красивых графических дизайнов? Если вы говорите «да», то вам обязательно стоит подумать о японском дизайне.Причина в том, что японцы очень популярны в создании завораживающих и увлекательных анимационных фильмов с использованием новейших технологий. Поэтому очень важно черпать вдохновение в тенденциях графического дизайна в Японии.

Тенденции в графическом дизайне меняются с течением времени. Тенденция, которая устаревает в течение определенного периода времени, обычно возвращается в будущем с лучшими и превосходными результатами. Все упомянутые выше принципы японского графического дизайна представляют собой некоторые новые приемы визуального дизайна, которые служат движущей силой успеха нескольких маркетинговых инициатив!

Какие принципы японского графического дизайна вы используете в своей работе?

Графический дизайн во всем мире отличается

Вы можете подумать, что хороший дизайн универсален, но то, что делает «хороший» графический дизайн в Великобритании, не обязательно найдет отклик у вашей аудитории в Японии.

Точный перевод оригинального текста — это одно, но при любых международных работах по графическому дизайну необходимо очень тщательно учитывать культурные особенности. Особенно актуально для рекламы, маркетинговых материалов и другого визуально насыщенного контента. Ранее на этой неделе я рассмотрел несколько причин, по которым многоязычный графический дизайн сложнее, чем кажется.

Имея это в виду, давайте рассмотрим некоторые отличия графического дизайна во всем мире:

Графический дизайн в Японии

На Западе мы склонны считать японцев первыми минималистами.Однако это не всегда так. Графический дизайн в современной Японии часто отличается от минимализма. Японские потребители склонны отдавать предпочтение дизайну с яркими цветами и смелыми мазками. Круги и цветы — распространенные мотивы, а милые талисманы — это обычный способ для компаний сделать себя более привлекательными для своих клиентов.

Японский дизайн также часто «информативен». Эта тенденция особенно заметна, когда речь идет о веб-сайтах. Японские веб-сайты могут казаться загроможденными и «устаревшими» для западных глаз, цитируя Рича Мирокко,

.

«(В Японии) детали являются желанным аспектом общения и, следовательно, веб-дизайн тоже, поскольку веб-сайт передает информацию и продает компанию и ее продукты вместо реального продавца… Подробности необходимы, потому что риск абсолютно недопустим.Чем больше, тем лучше. Лучше гораздо больше ».

Сведение на других языках

Японские графические дизайнеры часто используют смешанные языки в своей работе. Примеры сочетания японских и римских иероглифов можно увидеть повсюду, и это популярная тенденция дизайнеров. Он может быть выражен любым способом, например, текст на японском языке, написанный идеографическими символами, или текст на английском языке, смешанный с японскими символами. Перед тем, как приступить к разработке этого дизайна, стоит получить совет от носителя языка, поскольку то, что хорошо подходит для одной культуры, может не понравиться другой.

Японская каллиграфия

Уважение традиций в современном дизайне может потребовать использования каллиграфии («сёдо» по-японски). Детей в Японии учат каллиграфии в школе, и взрослые воспринимают ее серьезно как квалификацию. Его не везде используют, но его можно увидеть на бутылках саке, плакатах ресторанов или других традиционных японских продуктах. Многие японские шрифты основаны на стилях каллиграфического письма. Вот ссылка на доску Pinterest, которую я использую как источник вдохновения для подобных вещей.

Я знаю, что это не касается всего, что составляет японский графический дизайн, но если вы посмотрите, как создается графика в Японии, вы заметите, что японский способ создания произведений искусства отличается огромным артистизмом. Я надеюсь, что вы черпаете вдохновение в японском дизайне и используете его для улучшения своей дизайнерской работы.

Европейский графический дизайн

В Европе много стран. От России на востоке до Великобритании и Ирландии на западе страны и (что более важно) культуры представляют собой множество разнообразных.Как и следовало ожидать, разные страны и регионы имеют разные предпочтения в дизайне.

Мне практически невозможно посоветовать вам одну версию, охватывающую весь европейский графический дизайн. Швейцарцы известны чистым, простым и минималистичным дизайном. Минимализм правит и в Скандинавии, с особым упором на натуральные материалы и текстуры. Между тем испанские дизайнеры (и потребители) предпочитают привлекательную типографику, текстуры, яркие цвета (особенно красный) и интересные узоры.Французский дизайн часто сильно зависит от изображений и художественной типографики.

Хотя он постоянно меняется, в Великобритании мы видим много приглушенных и монохромных цветов, геометрических форм, упрощенной инфографики и логотипов с движением.

Графический дизайн в Индии

А как насчет Индии? В то время как западные сайты, как правило, больше ориентированы на индивидуализм. Веб-дизайн в Индии больше ориентирован на коллективизм. Сюда входят изображения групп, официальная речь, заявления о миссии и мнения о групповом поведении.Индийские веб-сайты также имеют тенденцию быть более размытыми, имеют двухцветные эффекты и, как правило, имеют более низкую насыщенность цвета.

Индийские веб-сайты также имеют тенденцию быть более декоративными, чем западные, и часто используют золотой цвет. И не только на сайтах. Золото также является обычным цветом в индийской печатной рекламе.

Графический дизайн в Латинской Америке

В латиноамериканском дизайне преобладают смелые цвета, нарисованная вручную или по трафарету типографика и мотивы, взятые из местных культурных традиций и фольклора.

Энергичный и игривый латиноамериканский дизайн часто напоминает стрит-арт или народное искусство. В зависимости от того, где вы находитесь, есть влияние как из США, так и из Европы. Северная часть полушария находится под сильным влиянием североамериканского дизайна, в то время как европейский дизайн по-прежнему в основном влияет на южную часть.

No related posts.