Как рисуют иллюстраторы?

Как создаются иллюстрации? Что формирует индивидуальный стиль художника? Чего ждут от иллюстратора рекламные агентства и журналы? Иллюстраторы студии Bang! Bang! выступили в Британской высшей школе дизайна и рассказали о том, как они рисуют на примере темы «Заяц-волк». Некоторые не смогли придти, но записали захватывающие видео, в которых рассказали про свою «творческую кухню» и показали авторскую технику.

Михаил Вырцев (портфолио)
24 года. Моцарт акварели. Отучился 2 года в МХПИ. Досконально разбирается в сортах акварельной бумаги и знает все места в Москве, где ее можно купить.
Клиенты: журналы Men’s Health, Psychologies, «Про спорт», Audi/Родная речь, Obukhov, Invest Group, T-shirt store. Выставки: «Оружие будущего» в клубе «Солянка», март 2010

Евгений Мурушкин (портфолио)
Невысокий худой брюнет. Помимо иллюстрации профессионально занимается татуировками в Faux Pas Tattoo.
Клиенты: Audi/Родная речь, T-shirt Store, журнал Geo Traveller. Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009

Маша Краснова-Шабаева (портфолио)
Родилась в Уфе, сейчас живет в Роттердаме. Имеет 2 высших художественных образования. В России не осталось крупных журналов, которые ни разу не печатали бы ее иллюстрации. Имеет в активе около 20 выставок, из них половина — за пределами России.

Наташа Класс (портфолио)
Одна из создателей revision.ru. Свои пластилиновые работы запекает: живут они недолго. Рисовать начала в маминых тетрадях с рецептами, и лет до 5 рисовала исключительно лошадей, потом научилась лепить из глины. Любит работать с полимерной глиной — интересным материалом: он может быть податливым или твердым, его можно разгладить, придать любую фактуру, смешать цвета или использовать чистые. Наташе нравится делать картинки обьемными, и с такой глиной это получается отлично.
Клиенты: Билайн/Adventa Lowe, журналы «Про спорт», «Счастливые родители», Russia.

 Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009.

Настя Ладатко
Постоянно сидит в Китае без интернета. Работает как модельер. Рисует руками, не использует Photoshop.
Клиенты: журналы New Porker и Russia

 Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009.

Андрей Касай (портфолио)
Солист группы Narkotiki. Сам создает плакаты для своих концертов, не исключает, что часть популярности группы достигнута с их помощью. Рисует несколько лет.
Клиенты: журналы «Про спорт», F5, «Медведь», T-Shirt Store.

 Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009.

Наталья Савиных (портфолио)
Фотореалист-виртуоз. Это ее мальчик с кружкой кваса висит сейчас по вcему городу.
Клиенты: всех не перечислишь — Dirol, Любятово, Хлебный край, Lays, Coca-cola, L’oreal, сотрудничает с десятками сетевых рекламных агентств, журналами «Популярная механика» и Geo Traveller.

 Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009.

Таня Жигунова
В прошлом — панк, а теперь рассудительная, интеллигентная мать.
Клиенты: журналы «Аэрофлот» и «Про спорт». Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009.

Александр Блосяк (портфолио)
25 лет. Cамородок из Сибири.
Клиенты: журналы «Ф5», «Про спорт», «Медведь», Russia, T-Shirt Store, Инвесткафе.Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009, «Оружие будущего» в клубе «Солянка», март 2010, выставка авторской шелкографии Silkscreen Limited Edition, май 2010.

Карина Кино
Профессиональный графитчик. Сотрудничает с Kawaii Factory — на улицах Москвы вы не раз видели сумки с ее иллюстрациями. Оформляла витрины крупных спортивных брендов, сотруничала с «Солянкой» и магазином «Республика».

Клиенты: журналы «Про спорт», F5, «Медведь», Russia. Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009.

Сергей Первушин
«Папа-осьминог в шляпе». Это он сам про себя говорит. Его тема — мультфильмы и фильмы про супер-героев Работает графическим дизайнером. Участвовал в арт-проектах журналов «ШТАБ-квартира», «Vogue», «Афиша», фестивале «Next Festival» (Вильнюс).

Клиенты: журналы «Про спорт», F5, «Медведь», Russia. Выставки: фестиваль иллюстрации Free Wi-Fi, май 2009, «Оружие будущего» в клубе «Солянка», март 2010.

 

Коммерческая иллюстрация — с чего начать?

Коммерческая иллюстрация — с чего начать?

Коммерческий иллюстратор — художник, создающий за деньги оригинальные иллюстрации к произведению. Так написано в издательском словаре. Однако иллюстратор и художник — это разные профессии. Основное различие между ними заключается в том, что иллюстратор подстраивается под пожелания заказчика, моду и предпочтения целевой аудитории, в то время как художник рисует то, что считает нужным, а потом ищет покупателей, готовых приобрести его произведение в первозданном виде.

Те, кто желает сделать иллюстрацию своим основным занятием, должны понимать специфику этой профессии и приобретать специальные навыки, позволяющие создавать не просто красивые картинки, а товар, который удобно продавать и подстраивать под запросы клиентов. Ведь речь идет о регулярном создании сотен и тысяч красивых изображений, объединенных узнаваемым стилем, имеющих товарный вид, готовых к воспроизведению, — и так в течение многих лет. Причем желательно, чтобы работа за годы не превратилась в рутину и продолжала быть творческим процессом, доставляющим иллюстратору удовольствие.

С чего начать? Учебники по рисунку и графике предлагают стандартный вариант: делать наброски и рисовать людей с натуры. Безусловно, академические навыки пригодятся любому рисующему человеку, но это не первое, о чем стоит задуматься, примеряя на себя профессию иллюстратора. Почему многие прекрасные художники не могут сделать иллюстрацию работой, в то время как иные покоряют мир коммерческой графики, едва научившись рисовать несколько простых форм? Чтобы начать зарабатывать деньги картинками, необходимо:

— понять, зачем иллюстратору нужен собственный стиль;

— выбрать степень условности изображения, оценив свои амбиции и цели;

— решить, в какой степени будет прорабатываться объем;

— оценить, что дает использование контуров, и выбрать любимую форму штрихов и линий либо подходящую технику для работы без контуров;

— научиться обеспечивать определенное качество и никогда не опускаться ниже уровня, представленного в портфолио.

Эта книга написана для всех, кто хочет сократить сложную и скучную часть иллюстраторской работы до минимума и найти кратчайший путь к хорошим результатам, чтобы на творчество и собственные проекты оставалось как можно больше сил и времени. Разобраться с вопросами стиля и принять важные решения в отношении техники исполнения помогут главы раздела «Стиль изображения».

Что делает иллюстратора продаваемым?

Профессиональный иллюстратор должен:

— быстро создавать качественные иллюстрации, имеющие законченный, товарный вид;

— уметь делать эскизы — так, чтобы на них не уходило слишком много времени, но было понятно, как будет выглядеть результат;

— трезво рассчитывать свои силы, справляться с работой в срок и показывать эскизы в нужный момент;

— уметь предложить два значительно различающихся варианта законченной картинки, не проделывая двойной работы;

— быть готовым вносить в картинку изменения на любом этапе проекта.

И главное, он должен иметь ярко выраженный и предсказуемый стиль.

Безусловно, можно зарабатывать деньги иллюстрацией, не имея своего стиля. Более того, многие живут именно способностью копировать любые образцы по просьбе заказчика. Такие иллюстраторы мастерски владеют своим ремеслом и могут нарисовать что угодно, не имеют собственных предпочтений и покорно выполняют любой каприз клиента. Подобной работы всегда хватает. Однако у этого варианта есть большой недостаток: труд подражателя всегда оплачивается по самым низким тарифам, а сам иллюстратор не становится со временем знаменитым и дорогим, потому что для популярности нужна узнаваемость. Причем крупные проекты ему не доверяют из-за непредсказуемости результата.

Иллюстрации Олега Пащенко

Несколько работ из портфолио автора

Значит, чтобы прокормить себя, иллюстратору без стиля придется всю жизнь выполнять очень много мелких заказов. Опыт показывает: чтобы зарабатывать таким способом среднюю иллюстраторскую зарплату, нужно рисовать значительно больше восьми часов в день. К тому же работа над мелочами — самая тяжелая. Если в крупных проектах есть этапы разной сложности, существует возможность группировать похожие процессы и на все вместе дается больше времени, то при выполнении мелких заказов каждый день все приходится начинать сначала. Ни одного дня нельзя отдохнуть от поиска идей, отрисовки чистовиков или многочасовых раскрасок.

Пока иллюстратор молод, ему легко работать сутками и не спать ночами. Однако со временем люди взрослеют, у них появляются семья и дети, необходимость помогать стареющим родителям, проблемы со здоровьем и потребность иногда заниматься чем-то кроме работы. В двадцать лет работать сразу на пару десятков заказчиков и делать кучи дешевых картинок легко и романтично, в тридцать — сорок уже сложнее, а после пятидесяти почти невозможно. Чтобы с годами труд иллюстратора не стал низкооплачиваемой каторгой, он должен сделать карьеру, как и в любой другой профессии. То есть добиться того, чтобы за его работы начали платить гонорары выше среднего. Получить несколько серьезных заказов и продемонстрировать способность осилить монументальный проект. Набраться опыта, позволяющего руководить начинающими или делиться с ними знаниями в форме книг или курсов. В творческих профессиях ценят прорыв и громкое имя, и добиться этого невозможно без узнаваемости.

Кроме того, наличие ярко выраженного стиля значительно упрощает работу с клиентом. Показывая эскиз будущей работы, нарисованный за десять минут, иллюстратор не должен объяснять: «Когда будет принят сюжет, контур будет сделан такими-то линиями, а фон закрашен живописными разводами и покрыт мелкими точками». Глядя на работы в портфолио, заказчик понимает, каким примерно будет окончательный вариант. Также отпадает необходимость обсуждать степень условности изображений или технику исполнения.

Решив работать в единой манере, иллюстратор принимает ряд решений и ставит заказчиков перед фактом. Если в портфолио представлены только простые фигуры, лишенные теней, значит, ничего более сложного он рисовать не собирается. Стиль дорогого и известного иллюстратора — это не прихоть, а как раз то, что делает его дорогим и известным. Сокрушаться о том, что «картинки были бы хороши, когда бы не эти его руки (лица, люди, цвета)», — нелепость: не нравится какая-то индивидуальная черта стиля художника — не связывайся с ним вовсе.

Для любителей подведения итогов перечислим плюсы и минусы, которые дает иллюстратору наличие собственного стиля.

Плюсы:

— благодаря узнаваемости работ проще сделать карьеру и прославиться;

— можно показывать заказчикам очень условные эскизы — по работам в портфолио и так понятно, каким будет результат;

— иллюстратору скорее доверят большой заказ, когда легко предсказать, что получится, и можно быть уверенным, что все работы будут смотреться однородно;

— при знакомой и отработанной технике проще оценить объем работы и спланировать проект.

Минусы:

— через некоторое время может стать скучно рисовать «одно и то же»;

— некоторым будет трудно бороться с желанием перепробовать все на свете;

— от ряда заказов придется отказываться, чтобы оставаться последовательным и не тратить силы и время на копирование чужих работ за деньги.

Если своего стиля еще нет, но хочется стать самостоятельным иллюстратором

Придется из всего, что получается хорошо, выбрать одно. Остальное — отложить и забыть, простившись с надеждой рисовать одновременно и «пупсиков», и «почти фотографии», раскрашивать их то живописно, то в два цвета и при этом иметь запоминающийся оригинальный стиль. Теоретически возможность объединить все эти эксперименты в узнаваемое целое существует, но я не знаю удачных примеров.

Стоит помнить, что технику исполнения можно со временем изменить либо, если работы выполнены очень характерным почерком, добавить в свой репертуар разные варианты проработки линий или раскраски. Однако форму объектов и их пропорции менять не рекомендуется. Если иллюстратор неожиданно начинает рисовать реалистичные фигуры вместо стилизованных или наоборот, этого часто бывает достаточно, чтобы агент немедленно расторг договор, да и заказчиков обычно такие метаморфозы приводят в смятение.

Поэтому с самого начала художнику следует понять, что он хочет рисовать больше всего. Персонажей мультфильмов? Человеческие фигуры реалистичных пропорций и форм? С индивидуальными искажениями, вроде сочетания кукольных лиц и реалистичных тел, нужно обращаться осторожно. С одной стороны, это хороший способ сделать свои работы узнаваемыми, с другой — стоит подумать, не будет ли слишком скучно годами рисовать одних и тех же «инопланетян».

Если стиль для работы избран, но у художника остались удачные картинки, выполненные иначе, расставаться с ними навсегда не обязательно. Можно переделать их в выбранной манере, сохранив идею, композицию или что-то еще, составляющее их ценность. Так же стоит поступить с работами, выпадающими из общего ряда.

Если стиль найден, работы хорошо продаются, но все ужасно надоело

Можно изменить свой стиль, но делать это стоит постепенно. Чаще всего творческому человеку надоедает все сразу. Однако глобальные перемены в рисунках могут не только подорвать бизнес, но и оказаться чрезмерной нагрузкой для иллюстратора, потому что трудно работать надо всем одновременно. Лучше вносить изменения по одному, а не менять сразу большое количество деталей, тени, штриховки, характерные линии, обводки и способы раскраски.

Не стоит помещать в портфолио свои спорадические попытки сделать что-то по-другому. Лучше сначала накопить нужное количество иллюстраций в другом стиле, желательно не меньше двадцати, а затем заменить старые работы в портфолио новыми. Прошлые достижения могут оставаться «на вечную память» на личных сайтах, но в коммерческом портфолио им делать нечего.

Если художник решительно не может работать в одном стиле

Можно создать «виртуальную личность» и публиковать работы, сделанные в разных стилях, под разными именами. Но при этом следует учитывать, что иметь более двух творческих псевдонимов может быть очень обременительно, особенно если дела пойдут хорошо у всех «авторов» — тогда работать придется много и во всех направлениях сразу.

К тому же наличие «альтер эго» часто не приветствуется ни заказчиками, ни агентами. Многие агенты вообще отказываются сотрудничать с псевдонимами и расторгают контракт с иллюстратором, узнав, что он работает под разными именами. В такой ситуации приходится изворачиваться, делать вид, что второй автор — это супруг, или придумывать что-то еще.

В некоторых странах подобные приемы приходится хранить в тайне всю жизнь, потому что сообщение о том, что два известных автора — всего лишь разные ипостаси одного иллюстратора, вероятнее всего, моментально положит конец его карьере.

Если все вышесказанное не по вкусу

Тем, кто уверен, что в этой главе описан вернейший путь к убийству вдохновения, а работа в таком режиме отменяет всякое удовольствие от рисования вообще, лучше рисовать, как хочется, сделать это любимым занятием, а деньги зарабатывать иначе и не пытаться прокормить себя коммерческой иллюстрацией. Либо искать клиентов, готовых покупать работы такими, как есть, не предъявляя к ним никаких требований.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Как создать иллюстрации, когда не умеешь рисовать

Личная история с практическими советами

Поверьте мне, вы не захотите смотреть мои рисунки. И это правильно – мои способности весьма скромны. Но когда я была стажером-дизайнером на последнем курсе колледжа, мое агентство было в затруднительном положении: нам нужно было срочно сделать векторные иллюстрации, и не было никого, кто мог бы с этим помочь. Решив проявить себя, я вызвалась попробовать. (Да, девочка, которая не умеет рисовать). Вскоре стало ясно, что процесс на самом деле не был таким сложным, как казалось. Конечный результат не только решил потребности компании-заказчика, входящей в список Fortune 500, но и послужил стартом для создания бесчисленного множества других иллюстраций, используемых компаниями по всей стране.

Набросок и финальная иллюстрация для пустого состояния сайта Envoy

Это не было результатом простой силы воли, и звезды в тот день не сошлись волшебным образом. Хотя художественные принципы карандашного рисунка и векторной иллюстрации похожи, тактический подход для новичков сильно отличается. В традиционном рисовании вы, по сути, пытаетесь контролировать движение карандаша в соответствии с вашей волей. Новичку это может показаться пугающим. Когда кажется, что невозможно нарисовать нормальный круг, создание «хорошей» иллюстрации вообще выглядит непосильной задачей. Вы должны глубоко понимать такие фундаментальные принципы, как освещение и перспектива, а это требует много практики.

Это не означает, что эти навыки не имеют ценности (или что векторное рисование – это легко), но в случае векторной графики кривая обучения становится менее крутой. Это уже не гора, а холм.

Предстоящие воркшопы

Единый инструмент

Прежде чем начать отрабатывать технику, вы должны сначала понять программу, в которой будете работать. Есть одна характерная особенность, имеющая решающее значение для создания векторов. Это инструмент Pen Tool. Не могу сказать, сколько раз я слышала стоны при одном лишь упоминании его названия. Несмотря на то, что он может вызывать уныние, его освоение не должно быть мучительно сложным. Я всецело объясняю свой успех лишь одной вещью: лабиринтами.

Я делала эти упражнения еще во времена учебы в колледже. Задача заключается в том, чтобы пройти лабиринт аналогично тому, как вы делаете это обычным маркером, только вместо этого нужно использовать точки и кривые.

Пройдите лабиринт с минимальным количеством опорных точек

После недели упражнений с лабиринтами у меня больше никогда не было проблем с этим инструментом. Если бы я могла выбрать, что порекомендовать начинающим иллюстраторам, я бы несомненно отправила их покорять лабиринты.

Быстрый рост благодаря

копированию чужих работ

Огромным фактором, позволившим мне быстро освоить иллюстрации (или как я их ласково называю illos), было то, что я не начинала с нуля. Вместо того, чтобы придумывать каждую мелочь – форму, цвет, перспективу, сообщение, текстуру и так далее – я просто перестраивала и дополняла существующий набор. Копирование – это самый быстрый способ понять иллюстрацию и то, как она создавалась.

Разбор чужих иллюстраций

У одной из иллюстраций, запрошенных моим агентством, не было файла в редактируемом формате, поэтому моей задачей было идеально воссоздать ее.

Я начала смотреть какие компоненты потребуются для перестройки – круг для этого, модифицированный прямоугольник для того. За исключением некоторых уникальных кривых здесь или там, почти каждая часть была сформирована из простых фигур, которые мы изучаем еще в детском саду.

Фактически, на самом деле оказывается, что большинство плоских иллюстраций основаны либо на этих базовых фигурах (которые Illustrator идеально настраивает), либо на органической форме (для которой лабиринты служат отличной подготовкой).

Эскимо из кругов и прямоугольников

По возможности я использую пресеты фигур. Просто потому что мы не можем нарисовать круг так же идеально, как компьютер. Хотя это может показаться читерством, это гарантирует, что конечные результаты будут выглядеть изящно и аккуратно. (Попробуйте Pathfinder, Corner Widget и Scissors Tool, чтобы повысить свою эффективность).

Создание макаронин с помощью круга

Развитие стиля

Другой задачей было сделать больше иллюстраций в выбранном стиле. Благодаря этому у меня было гораздо больше возможностей для внесения правок, оставаясь при этом в зоне комфорта.

Сначала казалось непосильной задачей использовать воображение для рисования, но я применила ту же логику, что и раньше – создавать и трассировать кривые. Только на этот раз, я использовала чужие иллюстрации как отправную точку. Крайне важно не копировать чужую работу, а брать за основу правильно выполненную технику. Например, я могу найти три разных рисунка волос. Я могу взять за основу одно изображение, и совместить его с челкой со второго, и углом наклона головы с третьего. После того, как я сформировала эту основу, было намного легче менять точки кривых, пока они не стали моими собственными.

Пять лет спустя

Теперь я создаю иллюстрации несколько раз в неделю, не задумываясь дважды о строительных блоках или о том, как построить кривые Безье. Я все еще не умею рисовать. Но я делаю наброски, чтобы быстро выразить грубые идеи. Я не называю себя иллюстратором – я дизайнер, который немного занимается иллюстрацией. Это различие важно, потому что есть много искусных иллюстраторов , до которых мне еще очень далеко. Может быть, однажды я стану иллюстратором, может быть нет (хотя я постоянно выкладываю работы на Dribbble.)

Некоторые иллюстрации из рабочих и сторонних проектов

Ничего не дается легко, самое важное – просто с чего-то начать… и иногда начать не так сложно, как вы думаете.

P.S. Если вы попробуете выполнить задание с лабиринтом, мы будем рады увидеть ваши результаты! Пишите Envoy Design в Twitter, и возможно мы отправим вам сюрприз. 💌

Спасибо за прочтение! Обязательно посетите envoy.design и подпишитесь, чтобы получать уведомления о новых публикациях.

Спасибо Katie Riley, Jon Rundle и Kelly Wahlstrom.

Как стать иллюстратором. Советы Феликса Шайнбергера

Олеся Ахмеджанова

У нас вышла книга «Рождение иллюстратора», которую написал художник и дизайнер Феликс Шайнбергер. Феликса знают во всем мире. За последние 10 лет он проиллюстрировал более пятидесяти книг для детей. Его работы публиковались в таких журналах, как Harvard Business Manager и Psychology Today. И это уже третья его книга, которая выходит в МИФе.

Ловите несколько советов, мудрых и вдохновляющих мыслей Феликса, которые помогут влюбиться в иллюстрацию или полюбить её ещё сильнее.

Иллюстрация — это принятие решений

Рождение иллюстратора

Иллюстратор должен принимать решения. Вот этот мальчик на переднем плане — на нем должна быть красная рубашка или желтая? Он должен выглядеть как инфографика, носить доспехи, иметь клюв? По пути от чистой страницы или экрана к законченной иллюстрации вам нужно принять сотни, а может, тысячи мелких и крупных решений.

Бернд Мёльк-Тассел

Попробуйте стать более прагматичным и доверять себе. Тренируйтесь в обычной жизни. Не раздумывайте часами над меню в ресторане. Попробуйте выбрать блюдо за одну минуту. Примите тот факт, что решения принимаете только вы, и никто другой, и научитесь доверять своей интуиции. Сделав это, вы совершите самый важный шаг.

Как мы видим то, что видим

Иллюстрацию характеризует не только техника. Гораздо важнее инструментов и материалов — сам рисующий. Кто создает иллюстрацию — вот что главное. Все дело в том, как мы видим то, что видим.

Иллюстратор показывает окружающим свое видение мира.

Художники с более объективным, рациональным взглядом на мир будут создавать более информативные и подробные иллюстрации. Они предпочтут технику, подходящую для передачи текстур, их манера изображения будет тяготеть к реализму. Целью станет реалистичная передача, а не просто создание атмосферной иллюстрации.

Стефан Ломп

Чувство юмора тоже может проявляться в иллюстрации, так же как фантазия, меланхолия или легкомыслие. Всё, чем вы являетесь, всё, что вами движет, почти волшебным образом отражается в иллюстрациях. То, что мы называем вкусом, — это бессознательное проявление вашего психического состояния. Иллюстрация далека от формализма. На самом деле картинку рисует ваша душа.

Конкретное и абстрактное

Как бы парадоксально это ни звучало, иногда слишком отчетливый реализм в иллюстрациях вызывает менее живой отклик у смотрящего. Найдите где-нибудь стул и рассмотрите его. Вы можете повернуть его и увидеть форму, цвет и размер. А теперь представьте стул. Какой он? Наверняка ваш воображаемый стул менее четкий, но в то же время более интересный.

Джим Коэн

Все конкретное, детальное воспринимается как внешний мир, окружающий нас, как чужое; абстрактное же живет внутри и воспринимается как свое. Осознание этого парадокса крайне важно для иллюстраторов. Чтобы вызвать эмоциональный отклик на изображение, иллюстрация не должна быть конкретной, поскольку расплывчатая картинка больше похожа на то, что люди рисуют у себя в голове.

Это нужно знать и применять это знание осознанно, подобно тому, как мы иногда предпочитаем закрыть глаза во время поцелуя.

Какой вы иллюстратор?

Иллюстрация — чудесная профессия. Но есть и минус: иллюстраторов развелось так много, что создается конкурентная среда, в которой многие молодые авторы рискуют потерпеть неудачу. Что же делать? Внимательно смотреть.

Рынок иллюстрации никак нельзя назвать однообразным. Вы можете найти сотни применений своим способностям.

• Есть книжные и журнальные иллюстраторы, карикатуристы, иллюстраторы игр и аниматоры.
• Можно зарабатывать на жизнь детскими книгами, рисунками для документальных и научных книг, анимировать фильмы и компьютерные игры.
• Можно быть мастером на все руки, рисовать сториборды, создавать иллюстрации для рекламы, делать упаковку или вести курсы.

Будьте внимательнее и учитесь планировать. Допустим, в какой-то момент самым престижным в иллюстраторской профессии считается создание рисунков для печатного журнала. Так вот, новичкам настоятельно рекомендуется искать другую нишу. Иначе по прошествии времени вы можете столкнуться с тем, что престижный рынок превратился во вчерашний.

Олаф Хайек

Идеи

Главное в иллюстрации — замысел, идея, лежащая в основе любого рисунка. Концепция, стиль, содержание, дизайн, воплощение, информационное наполнение, юмор, эстетика и утонченность — все эти составляющие зависят от замысла иллюстрации. Идеи вдыхают в рисунок жизнь.

Так откуда же берутся хорошие идеи? Вот несколько способов их найти.

Исследование — это сбор материала об объекте. Дело в том, что нельзя проиллюстрировать то, чего вы не понимаете. Поэтому исследования так важны для процесса генерирования идей. Информацию можно искать в библиотеке, интернете, в архивах, можно опросить экспертов. Уже даже выбор источников способен оказать влияние на результат.

• Мозговой штурм

Тут вроде бы все понятно. В основе мозгового штурма — свободные ассоциации. Каждый участник подбрасывает идею в общий котел, все обсуждают ее, добавляют что-то свое, комбинируют, вводят новые условия. Главное в мозговом штурме — обсудить идеи в неформальной обстановке. Участники не комментируют и не критикуют идеи. Смысл в том, чтобы вдохновить друг друга.

Йорг Блок

• Ментальная карта

Ментальная карта — это визуализация мыслительного процесса в виде, как вы сами понимаете, карты. Все начинается с ключевого слова, например предмета или темы, которую нужно проиллюстрировать. Далее мы пишем или зарисовываем самые глубокие ассоциации с этой темой. После этого переходим к заключению или продолжаем развивать темы, пока не закончатся варианты.

• Каталог вдохновения

Помимо исследования темы, полезно иметь собственный каталог изображений. Вдохновляйтесь иллюстрациями и создайте свой бумажный или цифровой визуальный архив. Собирайте картинки и фотографии, которые вам нравятся и стимулируют вас. Комиксы, журналы, словари, нон-фикшн, игрушки, кино — все это может послужить вдохновением, как и вещи с блошиного рынка.

Макс Фидлер

Простейший способ разработки идеи — поговорить с кем-нибудь о ней, а не думать

в одиночку. Совместные размышления открывают новые грани и разбивают ментальные блоки. Причем ваш собеседник даже может почти не участвовать в диалоге, ведь когда вы начинаете рассказывать о своих замыслах и текущих результатах, сам этот рассказ может натолкнуть на новые идеи и решения.

И еще кое-что. Хорошие идеи мимолетны и мгновенно забываются, так что записывайте их сразу! Это только кажется, что блестящую новую идею вы никогда не забудете, обычно она без следа исчезает из памяти.

Ютта Бюкер

Плохое искусство

Повсеместное распространение цифровых медиа породило странный феномен:

новым и ключевым фактором в дизайне теперь считается «обаяние». Это реакция

на доведенные до бездушного совершенства, вылизанные иллюстрации 1990-х и 2000-х: людям захотелось незаконченности, «очаровательного несовершенства».

Томи Унгерер

Сейчас на пике популярности — иллюстрации, выполненные с милой небрежностью; как будто вы на самом деле и рисовать-то толком не умеете, но при этом создаете что-то очень оригинальное.

Да, в моде плохое искусство.

Примитивное искусство, безусловно, очаровывает, выглядит милым и «новым». Но порой не соответствует основному принципу дизайна: хорошая иллюстрация должна иметь содержание. Нужна не только оболочка, но и суть. Не забывайте об этом.

Материалы и иллюстрации из книги «Рождение иллюстратора»

«Иллюстрация» на личном опыте | SKVOT

«Палка, палка, огуречик. Вот и вышел человечек» — в иллюстрации все примерно так, только немного сложнее. Вернее, сильно сложнее. Особенно, если хочешь рисовать в диджитале, а софт толком не знаешь.

На своем курсе «ИЛЛЮСТРАЦИЯ» Даша Фартушняк пошагово объясняет все про Adobe Illustrator и учит переводить скетчи в полноценные диджитал-вижуалы. О том, как это все выглядит в деле и чему они научились, рассказывают студенты первого потока курса.

 

«Я думала, просто постою в сторонке»

Маша Ларина — 27 лет — QA-инженер

Расскажи о своем бэкграунде.

Бэкграунд в иллюстрации у меня нулевой. Кроме того, что я всегда любила рисовать.

По образованию я экономист, но работаю в IT — инженером службы тестирования. Меня всю жизнь тянуло в рисование, но казалось, что «нет художки — до свидания», ничего не сможешь.

Но недавно я решила, что надо все-таки пробовать. Сначала пошла учиться делать сайты, потом на меня старгетировалась реклама курса «Иллюстрация», и я сказала себе: «Хочу! Если погружаться в тему дизайна, то со всех сторон».

Почему для прокачки выбрала нашу «Иллюстрацию»?

В описании курса было очень много о практическом применении знаний.

Среди моментов, которые меня убедили, было обещание рисовать стикеры для телеграма. Я подумала: «Да! Я хочу их делать! Меня научат! Иду туда». И пошла. Это при том, что параллельно проходила курс по линуксу и работе с серверами — так что загрузка была немаленькой.

Какое задание было самым крутым?

Все задания по-своему были классными — заставляли включать мозг, искать решения. Мне кажется, даже во сне я перебирала идеи в поисках подходящей.

Наверное, любимым все-таки было задание сделать этикетку для напитка. Я трепетно отношусь к классной упаковке — мне кажется, на полках в магазинах ее очень не хватает. Еще я люблю рыбок (это прямо мое тотемное животное), Португалию и португальское вино Vinho Verde. Вот для него я и решила сделать этикетку.

Вообще у меня был целый вагон ассоциаций — и самое сложное было из всего количества выбрать одну. И еще я никак не могла подобрать классные цвета. В итоге уже просто рандомно тыкала оттенки — и вот в какой-то момент все прямо совпало:

Еще запомнилось последнее задание — фирменный стиль. Я делала сразу шесть проектов, чтобы потом выбрать лучший. И вот до дедлайна остался день, от количества открытых проектов в Illustrator постоянно выбивало комп — а у меня все сырое. 

В итоге я уже почти в отчаянии позвонила папе (он всегда очень классно рисовал) и попросила его что-то подсказать. Он посоветовал нарисовать человека — потому что персонаж всегда вызывает эмоции.

Я положила трубку, взяла ручку и нарисовала в блокноте контур тетушки-мамаситы. Потом просто перевела все в вектор — даже ничего не добавляла, все как есть, — и так появилась героиня:

Главное, что был центральный персонаж, — все остальное в этом дизайне подтянулось автоматически.

Главные takeaways курса.

Не надо бояться. Когда я шла на этот курс, даже не рассчитывала, что чему-то научусь. Думала, что в сторонке постою, посмотрю и возьму то, что смогу взять. Но взяла все.

Поначалу было неловко делиться своими работами даже внутри чата. Казалось, что ребята более прокачанные — что я тут со своими работами. Но я все-таки скинула рисунки — и получила положительный отклик. Меня это очень обрадовало. Потом выложила работы в инстаграме — и тоже получила много теплых слов. И случился какой-то прилив энергии.

Даша постоянно говорила: «Не бойтесь, все выкладывайте». Если бы не она, я бы дальше думала, что мои работы так себе, не заслуживают внимания. Даша вообще очень живо все рассказывала — прямо заражала идеей срочно сейчас бежать и что-то пробовать.

Что в тебе или в твоей работе изменилось после курса?

Я теперь умею работать в Illustrator — и для меня это большой прорыв. Я установила его в день курса, а до этого разве что обрабатывала фотографии в фотошопе (и это совсем другое). 

Первые несколько дней курса у меня была смесь отчаяния со страхом: «Господи, что за дурацкое перо, что вообще с ним надо делать?». А недавно я уже сделала фирстиль одному своему знакомому в Illustrator. И еще для одного проекта перевела логотип (такой ужасный, растровый) в вектор за две минуты, а раньше бы просидела пару часов.

И, конечно, я сделала стикеры, про которые мечтала (это было задание курса, но не на проверку). Я сидела ночью в Illustrator и рисовала-рисовала-рисовала картинки про амебу в полосатых брюках и на каблуках. Я так погрузилась в процесс, что пришлось буквально отлеплять себя от компа, чтобы поспать.

Персонаж для стикерпака Amoeba сложился из двух образов: пугливой амебы из смешных рассказов Людмилы Петрушевской и моей забавной фотографии с лицом в круглом зеркальце. Пока готово всего шесть стикеров, но есть идеи еще для 15:

В этом году у меня много курсов, очень много обучений из-за того, что я пытаюсь сменить сферу своей деятельности, уйти все-таки в сторону дизайна.

«Не нужно бояться показывать свои работы»

Юля Зилберт — 35 лет — руководитель PR-отдела

Расскажи о своем бэкграунде.

По образованию я — архитектор, но по специальности давно не работаю. Сейчас занимаюсь продвижением каналов холдинга «Газпром-медиа Развлекательное телевидение» в Новосибирске.

Почему для прокачки выбрала нашу «Иллюстрацию»?

Иллюстрация меня интересует давно. Одно время я работала в детском центре — рисовала там афиши, оформляла спектакли как художник сцены. А потом — делала проект для фонда, который помогает детям, оформляла детскую больницу. И тут я особенно четко поняла, как мне не хватает знаний — теории и практики. 

Все время смотрела какие-то курсы, но погрузиться в тему основательно не хватало времени. Во время пандемии время появилось — и я решила прокачаться. На меня старгетировался SKVOT с курсом Даши Фартушняк — программа и лектор меня зацепили, и я пошла. А потом еще был прекрасный курс Леры Схемки. 

Какое задание было самым крутым?

Нравились реально все задания — в каждое я погружалась полностью. Могу выделить два, где я точно довольна результатом, — стикерпак и изображение человека в диджитал.

Когда я создавала стикерпак, долго не могла придумать идею. Но потом посмотрела фильм «Середина 90-х» про скейтеров-тинейджеров — и решила сделать стикерпак для подростков. Для меня они такие долговязые — и как будто им пофиг на все. От этого человечки такие удлиненные:

В digital-изображении человека я отталкивалась от одного крутого дизайнера, на которого подписана. Он выращивает домашние растения и очень вдохновляет своим отношением и любовью к ним и к своей работе:

Дашин фидбек всегда был максимально подробным: что хорошо, что — не очень, как лучше доработать. И это было классно. После каждого коммента хотелось делать лучше и лучше.

Из сложного — всегда непросто придумать идею и то, как ее изобразить. Я могла несколько дней вынашивать идею — а потом за ночь все нарисовать. Из-за этого мне не хватало времени на доработку.

Главные takeaways курса.

Не нужно бояться показывать свои работы. Только так ты получишь фидбек, а он очень важен. Дашины слова всегда максимально вдохновляли.

Не бояться чистого листа. Когда только начинаешь, бывает странно и страшно. Но нужно суметь ринуться в процесс — покрутить инструмент, раскрыть его возможности. И он поведет за собой.

Освобождаться от стереотипов. Нет ничего хуже клишированных вижуалов, но их и проще всего создавать. Не надо так. Важно суметь сложить образ не так, как привык, — и тогда получится не то, что обычно. И это хорошо.

Уметь чувствовать себя и свои эмоции. Важно погружаться в себя, рассматривать свое состояния, свои чувства — и передавать их в иллюстрации. Это сложно, но дает крутой результат.

Что в тебе или в твоей работе изменилось после курса?

Я начала участвовать в конкурсах, не боясь, что мои работы — хуже, чем у всех. После фидбэков Даши я поверила в себя и в то, что у меня есть способности.

«Даже не умея рисовать, можно стать иллюстратором»

Камилла Райхель — 34 года — диджитал-дизайнер

Расскажи о своем бэкграунде.

Я проработала в маркетинге 10 лет — занималась развитием крупных международных брендов в разных командах. Но 1,5 года назад ушла из чистого маркетинга — и вместе с напарниками открыла бутиковое SMM-агентство. 

Маркетологи близко соприкасаются с творческой стороной процесса, но «руками» в нем не участвуют. А мне всегда было интересно, как рождаются иллюстрации.

Сейчас мы вот все делаем руками — я лично создаю дизайны, видео, анимации. Это все мне приносит безумный кайф. Но в какой-то момент я поняла, что пора прокачать технические скиллы.

Почему для прокачки выбрала нашу «Иллюстрацию»?

Я давно подписана на SKVOT в инстаграме, и вот однажды меня поймал пост с рекламой курса Даши Фартушняк. Понравилось, что было конкретно сказано: после курса «Иллюстрация» сможешь собрать портфолио, а еще сделать инстаграмную маску и стикерпак. 

Мне было важно, что учить будут не каким-то сложным штукам, а тому, что сейчас в тренде. В итоге я таки сделала стикерпак и маску, а еще научилась работать в векторе — до этого в Adobe Illustrator я даже не открывала. Так что курс даже превзошел мои ожидания.

Какое задание было самым крутым?

Больше всего мне понравилось последнее задание — фирменный стиль, основанный на иллюстрации. Мы разрабатывали его и «натягивали» на макеты. 

Было здорово, потому что мы уже прокачали свои иллюстраторские скиллы и принимались за работу с пониманием дела. Появился кайф от того, что что-то получается — по крайней мере, технически.

Я сделала фирменный стиль кофейни — главной фигурой стал леопард в очках на розовом фоне. Этот персонаж много где мелькает (видимо, я насмотрелась на что-то похожее, это засело в подсознании) — и вышло немного попсово. Но забавно.

Фидбек Даши касался больше технических деталей, которые вскрылись, когда дизайн увеличили. В одном месте нужно было дорисовать уголок, в другом — убрать излом и сделать линию более плавной.

Я села и поправила на своем макете все мелкие штуки. Это мне дало очень многое: теперь в дизайнах я очень дотошно все проверяю — и за собой, и за другими. Такой вот экспириенс.

Главные takeaways курса.

Смотреть шире. Я думала, что если и рисовать в диджитале — то обязательно на айпаде, в Procreate. Оказалось, даже мышкой или через тачпад можно просто накидать красоту. И это была только вершина айсберга тех возможностей, которые Даша показала нам на курсе.

Даже не умея рисовать, можно стать иллюстратором. Я думала, что если не умеешь рисовать руками, в иллюстрации ничего не выйдет. Но все можно прокачать: композиционные навыки, умение сочетать цвета, насмотренность.

Нет правильной иллюстрации. Сейчас масса креативных стилей и направлений. Даша показывала шведскую студию дизайна Snask, которая делает максимально нестандартные вещи — но это тоже иллюстрация.

Что в тебе или в твоей работе изменилось после курса?

Появилось желание сидеть и допиливать результат до приличного уровня. Я привыкла многие вещи делать тяп-ляп — выглядит эффектно, и хорошо. А сейчас прямо начала заставлять себя вычищать работу. 

Дизайн — очень кропотливый процесс, тем же пером нужно действовать очень аккуратно. И ты садишься и говоришь сам себе: «Вот сейчас сяду — и буду заниматься только этим, доделаю все до конца». Это все — определенная медитация.

Из практических результатов — я сделала стикерпак для телеграма и маску для инстаграма.

Стикерпак — Hakuna Banana, веселые бананчики. Они не особо оригинальные (я сейчас понимаю, что опиралась на что-то похожее), но это не страшно. Горжусь ими:

Инста-маска достаточно абстрактная — наложенная иллюстрация в виде румяных щечек. Эта фишка часто встречается, но мне захотелось сделать свою. И проект еще в процессе доработки.

Это мои первые шаги в Spark AR. Раньше мне казалось, что сделать маску для инстаграма можно только одним способом: заказать в студии за большие деньги. А оказалось — надо просто чуть дольше посидеть в программе, и все получится. 

В агентстве один из клиентов уже делал запрос на маску — но я что-то постеснялась, и мы отдали задачу на аутсорс. А когда увидела результат, поняла: ну в принципе могла бы и я сделать. Так что еще немного, и я буду готова взять коммерческий заказ.

«Прежде чем нарисовать, нужно максимально упростить»

Вероника Наумович — 28 лет — senior social media manager

Расскажи о своем бэкграунде.

Я окончила факультет психологии, а затем – журналистики. Но работать пошла в индустрию рекламы и коммуникаций, здесь я всю жизнь. Сейчас я работаю в коммуникационном агентстве с международными брендами в социальных медиа. 

Я не просто адаптирую глобальные материалы, а локализую их: генерирую для них текст и слежу, чтобы он хорошо сочетался с вижуалом. Чтобы сделать все грамотно, мне нужно понимать визуализацию, которая будет подходить стратегии бренда, и разбираться в векторной графике.

Если говорить о технических скиллах, у меня есть опыт работы с Lightroom, разбираюсь в Adobe Photoshop на базовом уровне (мечтаю на арт-директорском) и умею монтировать видео. Еще я — профессиональный фотограф, так что с точки зрения композиции у меня все на месте. И я училась в художественной школе, но не окончила.

Почему для прокачки выбрала нашу «Иллюстрацию»?

Сегодня векторная графика — одно из самых популярных и востребованных направлений в иллюстрации. И я понимаю, что мне нужно в нем ориентироваться, чтобы делать свою работу хорошо. Поэтому я решила основательно разобраться.

Весной я записалась на курс по векторной графике, но там была практика в фотошопе. Через месяц в фейсбуке на меня старгетировалась реклама курса SKVOT с Дашей — и я увидела, что там тоже будет про вектор, но в Illustrator. Поэтому я и пошла — разбираться.

Мне понравилось, что курс был для начинающих и там предполагался ввод в основы работы с Illustrator и его интерфейсом. Вообще не представляю, как можно владеть вектором, не зная интерфейс софта идеально.

Какое задание было самым крутым?

Самые сложные (и они же самые любимые) — задания, где нужно сгенерировать что-то с нуля. Например, придумать фирменный стиль и показать, как бы он отражался на носителе. Это было последнее задание на курсе.

Я придумала стиль кафе для велосипедистов — «Велокофе» (может, такое уже даже где-то есть, не искала). Клиенты этого кафе не просто катаются на велосипедах, а добираются так на работу. Айдентика бренда — это прежде всего то, откуда продукт появился и что собой являет.

Сначала я определила для себя самые важные элементы этой иллюстрации: стаканчик с кофе и велосипед. Потом — придумала фон. Сделала его спокойным, релаксирующим — из деревьев. Дальше — нужно было придумать носитель, который был бы популярен у целевой аудитории. Я выбрала холщовую сумку-шоппер, стаканчики для кофе, стикеры для ноутбуков и вывеску.

Хотелось сделать все стильным и невульгарным по цветам — поэтому раму шоссейного велосипеда я сделала мятной, под ретро, сочетая ее с коричневым.

Правки Даши были связаны не с композицией как таковой, а с размерами элементов. Например, крупные объекты (тумба, бэкграунд) перетягивали на себя внимание от велосипеда и кофе. Это было заметно на некоторых мокапах, когда я тестировала внешний вид макета.

Было сложно понять, какой элемент добавить, чтобы исправить композицию, не переделывая полностью. В итоге я сместила велосипед, добавила тени, несколько линий и уменьшила тумбу, чтобы не перетягивала на себя внимание. Получилось прикольно: 

Еще было одно необязательное, но очень классное задание — стикерпак. Мне кажется, оно получилось у меня лучше всего. Стикерпак надо делать «на эмоции», тогда он получится легким и интересным. И я начала думать, какие чувства переживаю. 

Поняла, что когда много задач (а когда работаешь в рекламе, их всегда много), я в прямом смысле спекаюсь — и чувствую себя, как картошка. И тогда решила нарисовать будни картошки — которая грустит, смеется, радуется. Стикерпак шуточный, который легко поймут коллеги в моей компании. Когда я ее делала, смеялась и хмурилась вместе с ней:

Главные takeaways курса.

Практиковаться нужно каждый день. Занятия были регулярными, но бывало, что я какой-то день пропускала. И когда садилась рисовать, понимала: «Боже, круг у меня снова не плавный, а с изломами! Перо не слушается!». Чтобы нарабатывать навык, нужно тренироваться постоянно. 

Быть готовым, что в похожих инструментах многое по-разному. И Фотошоп, и Illustrator — из пакета Adobe, но они неодинаковые. Когда я купила себе планшет и начала рисовать комнатные растения в фотошопе, — все отлично получалось. Когда я попробовала сделать те же иллюстрации в Illustrator, столкнулась со сложностями. 

Это странно, но один и тот же инструмент — перо — в двух разных программах ведет себя по-разному. Даша сказала, что это нормально, пластика в двух этих редакторах и правда очень отличается.

Важно прокачивать насмотренность. Вектор я всегда начинала очень сложно, как будто бы рисовала карандашом или писала маслом. В какой-то момент я поняла, что это неправильно: нужно было соединять простые фигуры — и получать новую, сложную.

Чтобы делать это легко, важна насмотренность: в том же пинтересте нужно пересмотреть кучу векторных картинок, чтобы понять, как они соединяются в фигуру. Например, фикус лирата в векторе можно нарисовать всего с тремя фигурами — но если бы я не увидела, как, не смогла бы сделать так же.

Прежде чем нарисовать, нужно максимально упростить. Иначе будет не иллюстрация, а академический рисунок. Еще со времен художки у меня осталась привычка продумывать светотень, объем, а здесь нужно делать все просто.

Что в тебе или в твоей работе изменилось после курса?

Я еще не завела портфолио после, потому что считаю, что еще недостаточно знаю Illustrator, чтобы делать суперкрутые вещи. В ближайший месяц хочу вдумчиво пересмотреть курс и доработать те иллюстрации, которые делала во время обучения. 

Из самого важного — у меня появилась привычка везде замечать векторную иллюстрацию и внимательно ее рассматривать. Подмечаю, как соединены фигуры, как прорисованы тени, как подобраны цвета и переданы эмоции — и запоминаю все эти решения. 

В ближайшее время хочется попробовать делать векторные иллюстрации на фрилансе — может, анонсы каких-то мероприятий, объявления и небольшие иллюстрации для статей. Вектор вообще лучше всего работает в таких форматах — в рекламах, памятках, лендингах.

учеба и работа за границей

Иллюстратор — это идеальная профессиях для тех, кто любит рисовать и хочет хорошо зарабатывать творчеством.

Работы иллюстраторов окружают нас повсюду, от рекламных баннеров до вебсайтов и книг. Талантливые иллюстраторы востребованы по всему миру и могут сами выбирать не только условия, но и профиль своей работы, будь то классическая или современная иллюстрация.

Изучение иллюстрации за рубежом может стать важным первым шагом на пути к творческой карьере мечты.

Чем занимаются иллюстраторы?

Иллюстратор создает изображения, иллюстрирующие тот или иной текст или идею. Фактически, иллюстратор выполняет задания заказчиков.

На первый взгляд может показаться, что четкие рамки и работа «на заказ» лишает профессию иллюстратора той самой творческой, креативной составляющей, но это не так.

На самом деле сегодня существует очень много видов, стилей и направлений иллюстрации, и это позволяет каждому художнику-иллюстратору развиваться и работать именно в той манере и в той области, которая ему интересна.

Существует два основных вида иллюстрации:

• традиционная иллюстрация
• современная иллюстрация

Традиционная иллюстрация подразумевает создание классических изображений «от руки» методами, которыми художники пользуются сотни и тысячи лет. Специалисты по традиционной иллюстрации могут создавать коллажи, ксилографии, гравюры по металлу, скетчи, литографии, рисовать карандашом, углем, тушью или красками.

Современная иллюстрация — это создание изображений с помощью цифровых технологий. В частности, в таких программах, как Adobe Illustrator, Photoshop и CorelDraw. Художники, выбравшие это направление, занимаются в основном цифровой иллюстрацией и векторной графикой.

В наши дни современная иллюстрация постепенно вымещает иллюстрацию традиционную. Большинство иллюстраторов предпочитают работать за компьютером, и цифровая иллюстрация более распространена.

Иллюстраторов, которые работают традиционными методами, меньше, и их работа зачастую ценится более высоко. Тем не менее, стать востребованным традиционным иллюстратором обычно сложнее, это требует большей подготовки, способностей и опыта.

Существуют также художники, которые занимаются и традиционной, и современной иллюстрацией одновременно.

В зависимости от своих интересов и стилистических предпочтений иллюстратор может работать в разных направлениях, таких как:

• концепт-арт
• реклама
• детские книги
• плакатная иллюстрация
• упаковка товаров
• ретро-иллюстрация
• комиксы
• сатирическая иллюстрация
• фэшн-иллюстрация
• обложки книг
• графическая иллюстрация
• медицинская иллюстрация
• ботаническая иллюстрация
• брэндинг, логотипы и т.д.

Выбор подходящего направления может сделать работу иллюстратора по-настоящему интересной и увлекательной. И это лишь один из плюсов этой профессии. Работа иллюстратора также сулит творческую самореализацию, достаточно высокий заработок и возможность создавать изображения, которые увидят миллионы людей.

Есть у профессии иллюстратора и свои недостатки. Как и у любого креативного сотрудника, у иллюстратора периодически может происходить «выгорание» и творческие кризисы. Преодолевать это состояние нужно быстро и эффективно, в противном случае вы можете потерять заказы и деньги. Кроме того, заказной характер работы иллюстратора делает его максимально зависимым от заказчика и его мнения. Иллюстратору важно быть готовым к критике (не всегда конструктивной) и к переделыванию своей работы до тех пор, пока она не понравится клиенту.   

Где работать иллюстратором за границей?

То, какое направление работы выбирает иллюстратор, во многом определяет будущее место и условия работы.

Среди классических работодателей:

• СМИ и медиа
• редакции, издательства
• полиграфические компании
• рекламные агентства
• дизайнерские бюро и студии дизайна
• вебсайты
• частные лица, организации, и т.д.

Иллюстратор может быть штатным сотрудником компании и каждый день ездить в офис или заниматься фрилансом, работая из дома и принимая заказы от клиентов из разных стран.

При приеме иллюстратора на постоянную работу или при заключении контракта работодатели обращают внимание на такие вещи, как портфолио, опыт работы, отзывы клиентов и образование.

Сколько зарабатывает иллюстратор?

В России иллюстраторы зарабатывают, в среднем $9,000 в год. Наиболее высокие зарплаты – в Москве и Санкт-Петербурге.

Средняя зарплата иллюстратора в США составляет $41,923 в год, в Австралии — $59,392 в год, в Великобритании — $33,000, в Китае — $24,977 в год, в Германии — $32,000.

Образование иллюстратора за рубежом

Может показаться, что выучиться на художника-иллюстратора невозможно. Действительно, эту профессию будет сложно освоить без врожденных художественных способностей и чувства стиля. Но в современном мире иллюстратору недостаточно просто хорошо рисовать. Также нужно иметь многочисленные технические навыки, отлично понимать рынок и его требования, уметь общаться с заказчиками и многое другое. Поэтому каждому иллюстратору важно и нужно получить образование.

Почему стоит учиться на иллюстратора за границей? Во-первых, зарубежные вузы придерживаются современного и актуального подхода к обучению иллюстрации. Во-вторых, они значительно лучше оснащены, и студенты учатся с использованием лучших инструментов, современных компьютеров, лицензионного профессионального программного обеспечения и т.д. Университеты за границей учат студентов пониманию того, кто такой современный востребованный иллюстратор, и как им стать.

Большинство иллюстраторов за рубежом имеют степень бакалавра (3-4 года обучения). Обычно знаний и навыков, полученных в бакалавриате, достаточно для работы.

Некоторые иллюстраторы предпочитают получить профильный диплом, сертификат или степень ассоциата (1-2 года обучения). Эти программы дают более поверхностное образование, но стоят дешевле и длятся меньше, что позволяет сэкономить на учебе и быстрее приступить к работе.

Процесс изучения иллюстрации за границей — это всегда микс теории и практики. Студенты, которые учатся на иллюстраторов, изучают такие предметы, как:

• создание иллюстраций и коллажей
• живопись
• графика
• композиция и колористика
• ремесла
• цифровая живопись
• работа в графических редакторах, таких как Adobe Illustrator, Photoshop, CorelDraw, After Effects и т.д.
• обработка и ретушь изображений
• цветокоррекция
• разработка шрфитов
• специфика книжной, журнальной, рекламной иллюстрации и т.д.
• работа с векторными и растровыми изображениями
• история искусства

Мы уже упомянули о том, что при приеме на работу для иллюстратора особенно важно иметь крутое портфолио и опыт практической работы. Поэтому при выборе курса иллюстрации за рубежом стоит обратить внимание на программы, в учебный план которых входит практическая работа над всевозможными проектами и стажировка. Это позволит вам уже во время учебы получить ценный профессиональный опыт и составить впечатляющее творческое портфолио.

Где учиться на иллюстратора за рубежом?

Дипломные и сертификатные программы

Бакалавриат

Магистратура

Онлайн-программы

Лучшие творческие вузы за границей

Где изучать графический дизайн за рубежом?

Моушн-дизайн: самое популярное направление дизайна в вузах

5 вещей, необходимых хорошему иллюстратору

Мы начинаем серию публикаций «Дай пять!«, в которой поставщики Depositphotos будут делиться с нашими читателями своими взглядами на стоковую индустрию. Мы представим различные точки зрения, которые помогут новичкам понять, как работает наша сфера, а стоковым «динозаврам» покажут, как и чем живут их коллеги по фотобанкам. Обращаем внимание, что редакция блога Depositphotos не всегда разделяет мнение авторов 🙂

Сегодня наш поставщик Александр Алябьев расскажет о 5 вещах, без которых не может обойтись хороший иллюстратор. Посмотрите портфолио Александра и вы поймете: он знает, о чем говорит.

Monsters seamless | Stock Vector © Depositphotos | Sasha Aleabiev

1. «Прямые руки» и фантазия, которую нужно уметь правильно воплощать в жизнь. Очень многие новички стоковой индустрии рассчитывают заработать миллион, не потратив при этом ни капли усилий, старания и фантазии. Создавать огромное количество работ — это еще не шаг к успеху, в первую очередь, изображения должны быть интересными, яркими, сочными, отличаться вкусом и стилем. Кроме того, стоит оценивать иллюстрацию с точки зрения покупателя, но в то же время не забывать о том, что ты художник.

2. Наличие свободного времени. Очень важно, чтобы у человека было достаточно времени для реализации своих целей. Автор должен понять, насколько ему интересна сфера мискростоковой иллюстрации и стоит ли уделять ей внимание. Многие прекращают работать на стоках после первых 10 -15 иллюстраций, стоки для них быстро переходят на второй план, однако те, кто продолжает трудиться, достигают успеха. Главное — уделить иллюстрации достаточно времени, особенно на начальном этапе, неспешно загружать работы и радоваться каждому заработанному центу. Примерно через год-два вы увидите реальный прогресс и поймете, что находитесь на правильном пути.

Monsters | Stock Vector © Depositphotos | Sasha Aleabiev

 3. Компьютер. Я считаю, что для художников-иллюстраторов мощный компьютер не является определяющим фактором. Я знаю девушку-иллюстратора, которая очень хотела продавать свои работы на стоках и преуспела в этом несмотря на то, что работала на очень старом компьютере: даже для того, чтобы загрузить файлы в Adobe Photoshop, она тратила пять минут! Для меня было загадкой, как ей вообще удавалось работать с векторами. Но человек был настолько влюблен в свое дело, что эти 5 минут казались ей одним мгновением. Конечно же, позже она купила более мощный компьютер (на заработанные на стоках деньги :)) и продолжает создавать новые иллюстрации с ещё большим удовольствием. Вообще, я считаю, что для удобной работы с векторами нужен как минимум двухъядерный процессор с 2Гб оперативной памяти и винчестером на 500Гб. Но прежде всего, в нашей работе важны желание и усердие, а не техника.

Funny picture with monster | Stock Vector © Depositphotos | Sasha Aleabiev

4. Программное обеспечение. Существует множество программ, в которых можно рисовать векторные изображения. Для меня основными являются Corel Draw и Adobe illustrator CS3. Начинающие должны помнить, что в интернете можно найти очень много пошаговых уроков по работе с этими программами. Я не могу сказать, в какой из них работать проще: лично мне легче рисовать в Corel Draw, а затем дорабатывать изображения в Adobe Illustrator CS3. Но вообще, я бы посоветовал детально изучить Adobe Illustrator, в нем проще, к примеру, создавать градиенты и работать с фильтрами, чем в Corel Draw. Также, безусловно, нужно знать основы Adobe Photoshop.

5. Свой собственный стиль. Начинающим иллюстраторам необходимо пробовать себя в разных техниках, искать свой стиль и развивать его. Мне кажется, что даже опытные иллюстраторы делают большую ошибку, когда работают сразу в нескольких жанрах. Кому-то нравится рисовать абстракции, кому-то — бесшовные картинки, кому-то — персонажей. Для того, чтобы в стоковой сфере тебя узнавали, нужно иметь свой конек. Найдите свою фишку, и она приведет вас к успеху!

Monster | Stock Vector © Depositphotos | Sasha Aleabiev

Статьи по Теме

Дайджест блога Depositphotos

Присоединяйтесь к сообществу из 160,000 читателей, которые раз в месяц
получают подборку креативных фото, полезных советов и интересных историй.

Adobe Illustrator Draw в App Store

Мы заменяем Adobe Draw двумя новыми приложениями, которые предоставят вам инструменты, функции и функции, необходимые для создания. Взгляните на Adobe Fresco и Adobe Illustrator для iPad, чтобы узнать, какое приложение подойдет вам лучше всего:
Adobe Fresco — это бесплатное приложение для рисования и рисования с теми же векторными кистями, которые вы любите и используете в Adobe Draw. Ваши проекты Draw будут автоматически перенесены в Fresco при первом входе в систему, чтобы вы могли начать с того места, где остановились, с красивыми векторными, пиксельными и живыми кистями, а также с более продвинутыми инструментами, такими как выделение, неограниченное количество слоев, маскирование, формы и прямая трансляция.Adobe Fresco является бесплатным, но вы можете заплатить за дополнительное пространство, больше кистей и Photoshop на iPad.
Adobe Illustrator, программа для работы с векторной графикой, использовавшая мои миллионы, была переосмыслена для iPad. Создавайте логотипы, значки, иллюстрации и графику с помощью набора инструментов для дизайна, который включает в себя инструменты для шрифтов, градиентов, построения фигур и точного векторного редактирования. Если вы в настоящее время используете Adobe Illustrator в качестве члена Creative Cloud, за приложение не взимается дополнительная плата.

———————————————— ——————————————

БОЛЬШЕ ХРАНИЛИЩ (опционально в- покупка приложения)
Если вам нужно дополнительное хранилище файлов Creative Cloud, вы можете приобрести дополнительные 20 ГБ за 1 доллар.99 (долларов США) в месяц. Регулярный платеж автоматически снимается с вашей учетной записи iTunes. Чтобы остановить обслуживание, просто перейдите в настройки своей учетной записи и отключите автоматическое продление как минимум за 24 часа до окончания расчетного периода. Пропорциональное распределение недоступно — если вы отключите автоматическое продление, обслуживание будет продолжаться до конца расчетного периода в этом месяце.

The Fine Print
Вам должно быть не менее 13 лет, и вы согласны с условиями и политикой конфиденциальности Adobe, которые можно просмотреть по адресу:
http: //www.adobe.com / special / misc / terms.html
http://www.adobe.com/privacy/policy-linkfree.html

Не продавать мою информацию: https://www.adobe.com/privacy/ca-rights -linkfree.html

Использование мобильных приложений и онлайн-сервисов Adobe требует регистрации для получения бесплатного Adobe ID в рамках бесплатного базового уровня членства в Creative Cloud. Для онлайн-сервисов Adobe требуется подключение к Интернету, они доступны не во всех странах и не на всех языках и могут быть изменены или прекращены без предварительного уведомления.

Если вам нравится Adobe Draw, оставьте, пожалуйста, отзыв. Это действительно помогает!

Рисование на iPad

: как ведущие иллюстраторы используют iPad — особенности

Мы поговорим с четырьмя профессиональными иллюстраторами о том, как они используют iPad в своей творческой практике — и насколько близко они могут к окончательной работе с ним.

Независимо от того, являетесь ли вы опытным профессионалом, который хочет узнать, как максимально использовать возможности своего iPad, или начинающим иллюстратором или дизайнером, стремящимся добавить новые навыки в свой инструментарий, сейчас самое время поиграть творческими мускулами на iPad. .

Портативные и простые в использовании планшеты используются иллюстраторами по всему миру для создания высококачественных иллюстраций, готовых к печати, на ходу. При первоначальных инвестициях в iPad, Apple Pencil и несколько бесплатных приложений Adobe. Мы говорим с ведущими художниками и иллюстраторами о том, как они используют планшеты, чтобы радикально улучшить свой рабочий процесс.

Они также предоставили нам советы по рисованию на iPad и советы по Procreate.

Начало работы

Лиза Конгдон из Портленда, штат Орегон, прекрасный художник, иллюстратор и автор, наиболее известная своими красочными картинами и надписями от руки ( выше ).Хотя она до сих пор иногда использует гуашь для создания иллюстраций, она перешла на цифровой рисунок для большей части своих клиентских работ более года назад.

«У меня был ужасный« теннисный локоть »из-за того, что я слишком часто использовала мышь для редактирования моих рисованных иллюстраций в Photoshop и работала в неэргономичных ситуациях», — рассказывает Лиза. «Кто-то предложил мне попробовать Apple Pencil и iPad с приложением Procreate. Для меня это изменило правила игры ».

Работая с клиентами по всему миру, включая MoMA, REI, Гарвардский университет, Chronicle Books и Random House Publishing, Лиза также является автором семи книг, в том числе Art Inc: The Essential Guide to Building Your Careers as a Artist .

«Я раньше рисовал или раскрашивал вручную гуашью или тушью. Затем я сканировал работу и либо собирал ее, либо редактировал с помощью Photoshop, в основном с помощью Wacom Cintiq. Мне было сложно рисовать на вертикальном экране, таком как Cintiq. Это никогда не казалось естественным «.

Рисунок Лизы Конгдон

В течение месяца использования iPad и карандаша Лиза рендерила свою работу с большей детализацией и изяществом и с большей скоростью, чем когда-либо при использовании традиционных влажных материалов.

«Сначала я волновалась, что у меня не будет такого же контроля, как с обычной ручкой или кистью, но в конечном итоге я чувствую, что у меня больше контроля», — говорит она.

Поразительно сбалансированный компромисс между рисованием на бумаге вручную и простотой и точностью работы в цифровом формате, iPad просто исключает процесс сканирования и редактирования.

Аналоговый и цифровой

Первоначально познакомившись с цифровым рисованием с помощью планшета Wacom, когда она еще училась, работающему на полную ставку иллюстратору Амелии Флауэр (работа выше ) понравилась простота создания и редактирования работы, но ей не хватало возможности рисования непосредственно на бумаге.Для нее iPad Pro стал идеальным решением.

«Apple Pencil настолько точен, что штрихи перемещаются и изменяют непрозрачность и размер так же, как и материалы, которые он пытается воспроизвести», — говорит она.

Для сравнения, голландский художник и иллюстратор Рик Беркельманс, он же Хедоф, больше использует свой iPad для игр и рисования. Он говорит: «Мне очень нравится, что он работает как альбом для рисования, где вы можете быстро стирать, отменять, масштабировать и делиться. Это просто ускоряет процесс проектирования.”

Зарекомендовавший себя иллюстратор с завидным списком клиентов по всему миру. Яркие, игривые иллюстрации Хедофа использовались в рекламных кампаниях, художественных инсталляциях, фресках, одежде и товарах. Привыкший использовать планшет Wacom для большей части своей дизайнерской работы, он обнаружил, что переход на iPad был нелегким процессом.

Рисунок Хедофа

«Я был шокирован тем, насколько Procreate и Adobe Sketch отличаются от настольных версий Photoshop или Illustrator», — говорит он.

После краткого обучения и нескольких часов игры он обнаружил, что оба приложения для iPad довольно просты в использовании.

«Я хочу начать использовать его для создания реальных окончательных иллюстраций, но я все еще изучаю и пытаюсь понять все возможности и инструменты», — говорит он.

Художник по визуальным эффектам и графический дизайнер Лаура Рубин начала (работа ниже ) рисовать в цифровом формате семь лет назад, чтобы сбалансировать свою повседневную работу.

«Когда я впервые попытался рисовать на экране, я был совершенно поражен.- говорит Лаура. «Я пытался использовать Apple Pencil как обычный карандаш, но вскоре понял, что это не сработает, потому что это просто не обычный карандаш, а дорогой, чувствительный виртуальный карандаш, который содержит тысячи типов кистей, которые имитируют разные инструменты. ручки, карандаши или аэрографы ».

Работая почти исключительно на своем 12,9-дюймовом iPad Pro 2018 года, Лаура обнаружила, что вначале у нее меньше контроля, но в конце концов он начал щелкать. «Как только я перестал сравнивать Apple Pencil с обычным карандашом, он наконец начал работать для меня — медленно.”

Амелия также советует вам «опробовать все кисти в любом приложении, которое вы предпочитаете, и попрактиковаться в рисовании мира вокруг вас. Я думаю, что это лучший способ привыкнуть к рисованию на экране, а также помогает найти, какие кисти копируют традиционные медиа, которые вам нравятся ».

Мобильность

Пожалуй, одно из явных преимуществ работы на iPad — портативность. У Амелии больше нет настольного компьютера Mac, она работает исключительно на 10,5-дюймовом iPad Pro 2017 года и оригинальном Apple Pencil.

«Я купил iPad Pro в качестве портативного устройства, чтобы продолжить работу, пока я провел год, путешествуя по Новой Зеландии, чтобы купить новый настольный компьютер, когда вернусь домой». — говорит Амелия.

Однако она была удивлена, обнаружив, что ей вообще не нужно возвращаться на рабочий стол.

«Я предполагал, что смогу делать только базовые иллюстрации на iPad, но знать, что я могу завершить весь процесс от эскизов до опубликованных иллюстраций прямо на iPad Pro, — это фантастика.”

Редко сидящая за домашним столом, она любит менять обстановку и использовать новые рабочие места в течение недели.

«По сути, я создала полностью портативную установку, — говорит она, — и я могу носить свой iPad с собой в течение дня, зная, что у меня есть все, что мне нужно, чтобы продолжить работу, отправлять эскизы клиентам. и создайте справочные чертежи ».

Лиза соглашается. «Что мне нравится в iPad и Procreate, так это портативность. Мне не обязательно сидеть за столом, где живет мой Cintiq.Я могу рисовать где угодно ».

Рисование с натуры с помощью iPad — это тоже полезное и веселое упражнение, — говорит Амелия, чья работа часто черпает вдохновение в наблюдении за людьми и наблюдении за социальными ситуациями и персонажами.

Внесение правок

На своем iPad Амелия может быстро переключаться между электронными письмами от клиента, кратким описанием проекта и своими иллюстрациями и набросками, что ускоряет и делает весь процесс более эффективным.

Она отмечает, что «иметь возможность брать свой iPad в кафе, библиотеку или галерею и рисовать с натуры — это действительно важно для меня и значительно улучшило мою творческую работу.”

Этого мнения придерживается и редактор-иллюстратор Люк Брукс, который в начале этого года перешел на iPad. Управление частыми краткосрочными проектами для таких клиентов, как The Telegraph , BBC ( ниже ) и Little White Lies , работа в цифровом формате устранила дополнительное давление, необходимое для безупречного выполнения чертежа с первого раза.

«Я перешел от рисования и туши вручную к работе полностью в цифровом формате», — говорит он.«Это дает мне свободу редактировать и вносить поправки без полной перерисовки или часов работы над сплющенным произведением искусства».

С тех пор, как Лиза перешла на iPad, она обнаружила, что ее рабочий процесс стал более эффективным, избавившись от многих шагов, которые она выполняла при использовании традиционных носителей.

«За последние шесть месяцев я буквально трижды использовала свой сканер», — говорит она. «Я использовал его каждый день. Лучшее для меня — это то, что я могу гораздо быстрее вносить изменения в свою работу для клиентов.Срок выполнения моих работ сократился вдвое ».

Амелия соглашается. «IPad Pro значительно улучшил мой рабочий процесс. Мне нравится, что я могу полностью весь процесс создания иллюстраций прямо на iPad и сразу же отправлять файлы клиенту. Это позволяет мне работать быстро и с легкостью вносить небольшие изменения в эскизы ».

Основные приложения для iPad и аксессуары для художников

Если вы хотите попробовать что-то новое или развить свои навыки рисования, для iPad есть целый ряд приложений, которые предоставят вам инструменты, необходимые для создания профессиональных иллюстраций.Лиза замечает, что некоторые люди не могут определить, нарисована ли ее работа — картина или рисунок в цифровом формате.

«Я разборчива к кистям, которые использую, и стараюсь, чтобы они воспроизводили мой естественный стиль», — говорит она. «Вы можете исправить ошибки в одно мгновение. Вы можете наслоить. Вы можете получить практически любой понравившийся цвет. Вы действительно можете работать с давлением и текстурой способами, которые я никогда не мог себе представить ».

«Procreate — идеальный инструмент для рисования на iPad». — говорит Лаура. «Он прост в использовании, имеет элегантный и чистый интерфейс и предлагает все инструменты, которые может понадобиться художнику.Я всегда начинаю делать наброски и рисовать в Procreate, а затем переключаюсь в Photoshop для окончательной коррекции цвета и настройки света. Это также можно сделать в Procreate, но я предпочитаю делать это в Photoshop ».

Работа / фото Лоры Рубон

Графический дизайнер из Манчестера Лоз Айвс рекомендует Astropad, которую вы можете увидеть в ее студии ниже . «Это великолепное приложение, которое позволяет мне использовать iPad в качестве второго экрана для моего Mac. Это очень удобно, когда я хотел создать векторную иллюстрацию в Illustrator, но хочу сохранить эстетику нарисованного от руки.”

(Обратите внимание, что следующие версии iOS для iPad — переименованные в iPadOS — и MacOS включают аналогичную технологию под названием Sidecar, поэтому приложения, такие как Astropad, могут не понадобиться, когда обновления будут выпущены осенью.)

Дизайнер, иллюстратор и художник-шрифтовик, работающий с широким кругом клиентов, в первую очередь в сфере культуры, Лоз использует свой iPad на всех этапах проектов, от начальных эскизов до финальных работ.

«Как альбом для набросков, он позволяет мне быстро добавлять, редактировать и корректировать идеи, когда я пишу их, а затем, когда дело доходит до завершения и оттачивания финальной части, я еще не обнаружил никаких ограничений», — говорит он.

«Кисти, которые загружаются в Procreate, просто потрясающие, — продолжает Лоз. «Некоторые из моих любимых кистей — карандаш 6B для рисования, гелевая ручка для рисования, а еще одна, которую я до сих пор так часто использую, — это мел Бонобо, это потрясающая кисть для добавления текстуры и затенения на ваши рисунки».

YoArtwork от Loz Ives

Аппаратные средства, такие как PaperLike, также могут придать экрану текстуру бумаги.

«Раньше мне было немного сложно управлять рисованием прямо на стеклянном экране, потому что это было слишком гладко и трудно контролировать», — признается Амелия.«Эта защитная пленка для экрана добавляет текстуру и создает некоторое трение между карандашом и стеклом экрана».

Что дальше?

В то время как iPad и Apple Pencil отлично подходят для рисования эскизов, а также для высокодетализированных художественных работ, Лаура говорит, что это единственный недостаток ее ограничений размеров файлов. «Конечно, поддерживаются размеры холста с высоким разрешением, но это автоматически уменьшает максимальное количество слоев в проекте. Чем больше файл, тем меньше слоев вы можете использовать, что снижает гибкость.«Для художника, работающего с несколькими слоями, это явный недостаток. «Трудно поддерживать неразрушающий рабочий процесс, так как вы вынуждены время от времени сглаживать / объединять некоторые слои вместе».

Поскольку новый iPad по мощности не уступает Macbook, идея полностью бесплатного «настольного компьютера» является интересной, — говорит Люк.

«Единственное, что меня сдерживает, — это то, насколько легко будет управлять файлами. Например, на iPad для открытия заархивированного файла требуется внешнее приложение.На данный момент я все еще довольно часто использую рабочий стол, хотя большую часть времени провожу, глядя на экран планшета ».

Рисунок: Люк Брукс

В настоящее время находится в стадии бета-тестирования, запуск Photoshop CC для iPad намечен на конец этого года, чтобы предложить такие функции, как слои, маски, выделение, преобразование и импортируемые кисти. Его основным преимуществом являются облачные PSD, которые смогут синхронизировать изменения на рабочем столе и iPad, чтобы вы могли работать на разных устройствах с одним и тем же файлом.

«Я в основном работаю в Illustrator, но думаю, что Photoshop решит множество проблем, когда вы находитесь в пути, а клиенты просят вас внести исправления». — говорит Хедоф. «Кроме того, мне очень нравятся текстуры и возможности Apple Pencil на iPad, которые было бы здорово сочетать с функциями и файлами в Photoshop».

Adobe также анонсировала приложение для рисования для iPad, которое взяло на вооружение Procreate под названием Adobe Fresco (ранее известное как Project Gemini). Он был разработан вместе со знаменитым дизайнером кистей Кайлом Вебстером, который присоединился к Adobe в 2017 году.В настоящее время это закрытая бета-версия, но вы можете зарегистрироваться здесь, чтобы в ближайшее время попробовать общедоступную бета-версию. Скоро у нас будет немного времени для практических занятий с бета-версией Fresco, поэтому подпишитесь на нас в Twitter или Facebook — или подпишитесь на нашу рассылку — чтобы услышать наши мысли о том, насколько она соответствует требованиям.

Почему редакционные иллюстрации выглядят так похожи в наши дни — Quartz

В 2019 году вполне возможно зарабатывать на жизнь иллюстратором, не изучая, как рисовать в классическом смысле. Практически любой может создавать профессионально выглядящие произведения искусства с помощью программного обеспечения для иллюстраций и цифровых инструментов.Неуклюжие жесты рисования превращаются в идеальные формы, стандартные цифровые кисти создают мгновенную текстуру, а несколько щелчков мыши могут привести к идеально убедительной композиции.

Технологии — одна из причин, почему редакционные иллюстрации выглядят более плоскими, резкими и, возможно, более общими. Трудно не заметить тенденцию.

Вот пример в приложении Quartz:

Другой экземпляр в разделе отзывов New York Times:

На обложке журнала Los Angeles

Журнал On Time:

Недавний экземпляр в Le Monde:

Иллюстрация стиль даже регулярно появляется на обложке The New Yorker:

Обратите внимание, что все эти примеры были сделаны разными иллюстраторами.

Введите слово «иллюстрация» в поиске картинок Google, и вы увидите результаты такого типа.

Quartz

Результаты поиска изображений Google по запросу «иллюстрация»

Векторный стиль, характеризующийся плоскими цветами, простыми формами и урезанной цветовой палитрой, не имеет официального названия. Его чаще всего называют «плоской иллюстрацией» или, уничижительно, «корпоративным Мемфисом», имея в виду частое появление в рекламе и интерфейсах таких технологических компаний, как Lyft, Spotify, Oscar, Airtable и многих других.Facebook называет своих «многоруких» мультипликационных фигурок «Алегрия».

Алекс Эбен Мейер, иллюстратор из Бруклина, работающий в этом стиле, предпочитает описывать свою работу как компьютерный коллаж. «Я думаю, что моя работа больше ориентирована на форму», — объясняет он. «Когда я создаю свои изображения, я складываю фигуры и кусочки, практически коллаж из вырезанных из бумаги иллюстраций».

Полезно отметить, что слово «плоский» не означает скучный или скучный. На самом деле есть много редакционных иллюстраторов, работающих в этом стиле, которым удается привнести остроумие, индивидуальность и изобретательность, как, например, Мейер и иллюстраторы в цитированных выше публикациях.

Как этот стиль стал определять сегодняшнюю практику иллюстрации? Ответ сводится к трем «Т»: технология, вкус и ужасная оплата.

Технологическая ловушка

Плоские иллюстрации, за неимением лучшего термина, представляют собой подмножество стиля, называемого «плоский дизайн». Это принцип дизайна, лежащий в основе бедствия минималистичных преобразований логотипов, преобладающих в корпоративном брендинге. Отвергнув тенденцию скевоморфизма в 2000-х, конечная цель плоского дизайна — обеспечить хорошую работу графических элементов на различных цифровых дисплеях — от крошечных экранов Apple Watch до баннеров размером со здание.

«Плоский дизайн — это использование естественного цифрового формата», — объясняет Эндрю Аллен, руководитель отдела продуктов WeTransfer, который участвовал в разработке популярного приложения для рисования под названием Paper. «Компьютеры хотят отображать простые формы. Даже на экранах высокой четкости плоские формы загружаются быстрее и легче масштабируются ».

Как и в любом другом художественном средстве, технологические тенденции проявляются в готовой работе. Такие программы, как Adobe Illustrator, имеют множество ярлыков, помогающих иллюстраторам автоматизировать создание геометрических форм, цветовых палитр и других эффектов.Обученный глаз распознает стандартные инструменты и предварительно запрограммированные кисти, такие как часто используемые кисти Кайла Вебстера в Photoshop.

Большинство редакторов-иллюстраторов сегодня предпочитают работать на компьютере ради эффективности. «Работа в Adobe Illustrator позволяет мне изменять размеры, перемещать элементы, что дает мне большую гибкость в редакционной работе», — объясняет Мейер. «Это позволяет мне быстро и легко вносить изменения, чтобы получить нужную деталь».

Цифровые иллюстрации также легче анимировать.Time Out, Bloomberg Businessweek, The New Yorker и Elle входят в растущий список публикаций, экспериментирующих с анимацией и дополненной реальностью в качестве бонуса для цифровых подписчиков. Заманчивые зарисовки Дэвида Хокни для iPad, представленные в The New Yorker, являются ранними примерами этого нововведения.

Художник-иллюстратор из Шанхая Сяо Хуа Ян говорит, что технологии могут быть как свободными, так и ограничивающими. «Это упрощает и ускоряет работу. Но между вашим мозгом, вашей рукой и компьютером всегда будет разрыв, — объясняет он.Ян говорит, что даже после многих лет использования Photoshop он все еще изучает новые функции каждый день. Из-за частых обновлений программного обеспечения рисование с помощью программного обеспечения Adobe часто напоминает работу с бесконечно изменяющей форму кистью. «Никто не может в совершенстве владеть технологиями», — отмечает он.

Ян говорит, что социальные сети также способствуют отсутствию неоднородности в редакционной работе. «Если вы видите, что иллюстрация в Instagram набрала 10 000 лайков, вам, вероятно, будет интересно узнать, какие методы используются.«

Инструменты для рисования не ограничиваются влиянием технологий, — добавляет Аллен. «Думаю, это тоже влияет на процесс. Вы берете в качестве иллюстрации некоторые идеи создания продукта [разработки программного обеспечения], например, метод agile, который заключается в том, чтобы работать быстро и повторять, а не производить одну последнюю часть ». Способность иллюстратора изменять элементы на лету позволяет им быстрее и дешевле отвечать на запросы клиентов. Это не обязательно относится к акварельной живописи.

Вкус и терпимость к векторной графике

Ранее в этом году твит арт-директора The Baffler Линдси Баллант вызвал бурю.

Многие были возмущены тем, как она пристыдила профессиональных иллюстраторов в Твиттере. Суть критики Балланта заключалась в содержании и тоне, в котором он утверждал, что «миловидные, дружелюбные, утопические» произведения искусства не подходят для опрометчивых статей The Baffler о внешней политике НАТО или неудачном возрождении Аппалачей.Однако все были зациклены на словах «плоская эстетика».

Икко Танака:

Идол дизайна: Нихон Буйо Икко Танаки, 1981 год.

Минималистичные плоские иллюстрации, конечно же, появлялись в публикациях до этого десятилетия. Например, японский графический дизайнер Икко Танака приобрел международную репутацию благодаря своим замечательным геометрическим рисункам в 1980-х годах. Его редакционная и коммерческая работа представляла собой приятный контрапункт к эстетике десятилетия в стиле панк для вырезок. Многие цифровые иллюстраторы, работающие в плоском стиле, также ссылаются на вырезанные из бумаги коллажи художников Эллсуорта Келли и Анри Матисса.

Хой Винь, старший главный дизайнер Adobe и бывший директор по дизайну New York Times, предполагает, что в «преобладании единой, монокультурной эстетики» можно винить компании-разработчики программного обеспечения, которые придерживаются эстетики плоского дизайна. В сообщении в блоге 2018 года Винь предупреждает нас не объединять все цифровые иллюстрации в одну категорию или доску Pinterest. «Иллюстрации продуктов предназначены для облегчения работы пользователя; редакционные иллюстрации призваны сделать работу читателя более интересной — даже более сложной.

Мейер, иллюстрации которого публиковались в журналах New York Times, Time и Chicago, утверждает, что речь идет не столько о средствах массовой информации, сколько о качестве идей. Его не особо беспокоит, что другие иллюстраторы используют похожие векторные инструменты. «Я думаю, что дело не столько в художнике, работающем в определенном жанре, сколько в наличии сильной точки зрения, идей, стиля и ремесла», — объясняет он. «Лично для меня цвет (независимо от глубины) и юмор — одни из самых важных моих качеств.

Экономика редакционной иллюстрации

В конечном счете, это вопрос денег. Иллюстраторы стремятся к эффективности, чтобы выполнять больше заданий, чтобы заработать прожиточный минимум. По данным сайта вакансий Indeed.com, редактор-иллюстратор из США зарабатывает в среднем 47 000 долларов в год. В Бюро статистики труда США нет категории иллюстраторов. Они находятся между «ремесленными и прекрасными художниками» и «мультимедийными художниками и аниматорами», которые представляют собой существенно разные профессии.Средняя годовая зарплата в этих двух категориях составляет 48 960 и 72 520 долларов соответственно.

Мрачная зарплата — это не только американское явление. В ходе глобального опроса 1400 иллюстраторов, проведенного в 2018 году, Бен О’Брайен, иллюстратор-фрилансер из Сомерсета, обнаружил, что 70% иллюстраторов считают, что они не могут выжить только за счет рисования. Более половины респондентов признались, что часто чувствуют себя некомфортно при переговорах по ставкам.

Когда я писал книгу о славных днях журнального дизайна, я узнал, что в 1970-х годах нью-йоркский журнал платил иллюстраторам то, что тогда считалось «мизерной суммой» в 100 долларов за точечные иллюстрации.С поправкой на инфляцию это 650 долларов, что все равно несколько больше, чем сегодня могут рассчитывать иллюстраторы от 250 до 500 долларов.

В качестве иллюстрации к обложке бывший арт-директор Time Уолтер Бернард вспоминает, что заплатил 2000 долларов (что эквивалентно 8 473 долларам в 2019 году) во время своего пребывания на посту арт-директора с 1977 по 1980 год (для контекста, средний доход семьи в США в 1977 году составлял 13 570 долларов. ) Четыре десятилетия спустя скорость Time, похоже, почти не сдвинулась с места. Согласно опросу, опубликованному на сайте Format, в 2014 году журнал заплатил 3000 долларов за иллюстрацию для обложки.

На этой неделе иллюстраторы из Бруклина снова подняли тему справедливой компенсации. Дело не только в унылой зарплате. Похоже, иллюстраторов все еще постоянно просят о безвозмездной работе.

«Замечательно, как часто меня все еще просят работать бесплатно или по сниженной ставке, как будто создание искусства — это что-то вроде глупого хобби», — пишет британский иллюстратор Джон Бургерман в Instagram. «Всего месяц назад меня пригласили создать симпатичный мультяшный логотип для нового бизнеса здесь, в Нью-Йорке… и плата была пуста! Вместо этого мне предложили «одолжение в мире искусства»! »

Бернар говорит, что было время, когда иллюстраторы могли жить хорошо.Норман Роквелл, наиболее известный своими любимыми обложками Saturday Evening Post и рекламой Coca-Cola, был миллионером, когда умер в 1978 году. «Роквелл не был стереотипным художником, который« изо всех сил сводил концы с концами », — пишет экономист Эллиот Морсс. Он оставил имение стоимостью более 26 миллионов долларов.

Помимо скользящих ставок редакции, иллюстраторы также должны конкурировать со стандартными иллюстрациями, предлагаемыми на таких сайтах, как iStock (принадлежит Getty), Adobe Stock, iSpot, IKON Images и Источник иллюстраций.Например, задумчивая обезьяна наверху этого поста может быть мгновенно загружена менее чем за 10 долларов с планом подписки с Getty.

Стремление производить больше работы избавляет от времени на эксперименты и уточнения. В то время как иллюстраторы, такие как Джеймс Макмаллан, могут нанимать живых моделей или наблюдать за театральными артистами, чтобы нарисовать фигуры, сегодня иллюстратор с ограниченными возможностями и деньгами будет цепляться за доступные ярлыки. Об этом свидетельствует обилие статей о «советах и ​​уловках иллюстратора».

В эссе о стиле 1968 года (pdf) историк искусства Эрнст Гомбрих напоминает нам, что каждое художественное движение в истории является отражением интересов той или иной эпохи.В нашем случае золотой век плоской иллюстрации говорит о нашей одержимости технологиями, скоростью и выживанием.

Творческое приключение с Adobe Illustrator Draw

Вы когда-нибудь задумывались, чем еще вам следует заниматься помимо бездельничанья и просмотра телепередач в течение трехдневных выходных? Для меня ответ ясен. Я позаимствовал iPad с работы, чтобы исследовать все скрытые жемчужины и чудеса Adobe Illustrator Draw.

Работая в дизайн-студии в Бостоне и будучи давним пользователем Adobe, я был взволнован и заинтригован этим приложением для рисования.Я впервые услышал об Adobe Illustrator Draw несколько лет назад, но так и не смог найти ему применение. Со временем Adobe внесла множество обновлений в это маленькое приложение, и с момента своего дебюта оно претерпело значительные изменения.

Первое впечатление

Когда я впервые открыл Adobe Illustrator Draw (AID), я был впечатлен его простым и понятным интерфейсом. Приложение встречает вас множеством размеров артборда по умолчанию на выбор. Это очень щедрая и продуманная вещь, которую может сделать приложение.Мой любимый размер артборда для рисования — это стандартная альбомная буква. Он максимально естественно сочетается с экраном iPad.

После выбора размера артборда вы переместитесь к тому месту, где происходит настоящее волшебство: к доске для рисования. У вас есть набор кистей панели вместе с панелью слоев, где вы можете организовать свой рисунок, настроить режим наложения, непрозрачность и т. Д.

Избранные функции

Моя первая любимая функция — это настройка чувствительности к давлению.Благодаря этому рисование в цифровом формате выглядит по-настоящему естественным и гладким, поскольку размер штриха меняется в зависимости от вашего давления.
Существует 5 различных типов кистей, на выбор: круглая, коническая, плоская, зубила, кончик, а также ластик. У каждой кисти есть четыре различных параметра, которые вы можете настроить: размер, непрозрачность, цвет и базовую настройку, где вы можете настроить все, от округлости кисти до той чувствительности к давлению, которая подходит вам наиболее естественно. Лично я предпочитаю 100% динамику давления с 8.0 размер кисти и угол 45 градусов.

Еще одна любимая функция Adobe Illustrator Draw — это настройка экспорта и совместного использования. Наряду с обычными параметрами экспорта, такими как отправка по электронной почте или публикация на Behance, вы также можете опубликовать свои работы в формате PDF прямо в папке Creative Cloud Files на вашем iMac или MacBook. Затем вы можете открыть иллюстрацию в других программах Adobe, чтобы уточнить, подправить или просто оставить ее как есть.

Моя последняя и, вероятно, самая любимая функция — это опция покадровой генерации.В прошлом я часто пытался записать свой процесс, только чтобы выйти из него на полпути из-за технических проблем, неудобства при записи моего процесса или хлопот, связанных с необходимостью редактировать и вырезать некоторые из ненужных отснятых материалов между ними. Теперь, благодаря встроенной функции покадровой съемки, я могу сосредоточиться на создании своих иллюстраций, зная, что приложение уже делает за меня грязную работу по записи процесса. Нет ничего более приятного, чем повторное наблюдение за процессом в конце в таймлапсе. Вы видите все: как вы начали, небольшие перебои между ними и полезный результат в конце.

Процесс рисования

Я буду использовать одну из моих успешных иллюстраций, чтобы продемонстрировать свой личный процесс с AID. Я создал вымышленный музыкальный плакат для акустического джем-сейшна на песню «Summer Night’s Dream» моей любимой группы FT Island. Для этой иллюстрации я использовал iPad Pro 12,9 дюйма в качестве планшета для рисования и карандаш Apple для создания иллюстрации.

Во-первых, я начал с грубого наброска композиции и предметов, которыми являются участники группы.Я основывал композицию этого плаката на снимке экрана с фактическим исполнением песни.

Затем я перешел к уточнению иллюстрации. Я снизил непрозрачность эскиза до 30% и просто создал новый слой для рисования поверх исходного чернового рисунка. Этот шаг занял больше всего времени, так как я внес несколько модификаций и изменений в некоторые детали в дополнение к простому отслеживанию эскиза.

Попутно я узнал, что вы можете заполнить фигуру сплошным цветом, если внутри нее нет пробелов.Это знакомое правило, которое многие уже знают, работая в Adobe Illustrator. Когда моя основная раскраска была сделана, я перешел к добавлению окончательных деталей к одежде участников группы и их инструментам, попытался написать название песни на хангыле и другим забавным вещам, чтобы завершить свой плакат.

Подводя итог, вы можете просмотреть замедленное видео всего процесса ниже.

Последние мысли

Если вы графический дизайнер и подписчик Adobe, как я, и хотите поэкспериментировать с цифровым рисунком, не вкладывая средства в дорогой монитор для рисования или другие программы для рисования, вам может понравиться Adobe Illustrator Draw.В целом приложение достаточно простое, чтобы не ошеломить начинающего пользователя, но в нем есть все настройки и функции, которые делают рисование в цифровом виде менее пугающим и более приятным. Я делюсь несколькими полезными ссылками ниже, которые, надеюсь, помогут вам начать работу с этим приложением.

Если у вас уже есть iPad или iPhone, я рекомендую вам загрузить это приложение и попробовать. Вы можете быть удивлены тем, что вы можете создать после нескольких часов проб и ошибок.

Удачи и удачи в рисовании!

Ресурсов:

Начало работы с Adobe Illustrator Draw

Галерея рисования Adobe Illustrator на Behance

Adobe Illustrator Draw YouTube Учебное пособие от Рокки Рорка

7 иллюстраторов рисуют свои любимые образы от кутюр для Vogue

Это было 88 лет назад, в июле 1932 года, когда цветная фотография впервые появилась на обложке Vogue.№ На нем была изображена женщина в купальном костюме, держащая мяч, и в своей графической простоте это было что-то вроде иллюстративного. Это был переломный момент для все еще молодой среды модной фотографии, но также и для модной иллюстрации, которая так долго была языком моды. Для ясности: Vogue использовал фотографии до этого времени и продолжит использовать иллюстрации после него, но динамика власти безвозвратно изменилась. Казалось, технология восторжествовала.

Иллюстрация, конечно, никуда не делась, но, как и в случае с модой, ее сфера сузилась и она стала более специализированной. Оба изделия повышают уровень ручной работы и придаваемой ею индивидуальности. Чувство близости, вызванное ручной работой, которую демонстрирует иллюстрация, стало еще более желанным, поскольку мы были изолированы друг от друга во время пандемии.

Здесь мы чествуем искусство иллюстрации, создавая рисунки образов, выбранные семью художниками из архива Vogue Runway. Так они видят кутюр.

Валентино, осень 2019 года от кутюрИллюстрировано Грейс Линн Хейнс

Первый член резиденции Кехинде Уайли Блэк Рок Сенегал, Грейс Линн Хейнс, калифорнийка из Нью-Джерси, изучала иллюстрацию, прежде чем переключить свое внимание на живопись. Беря в качестве предмета «сложные темы и стереотипы, окружающие черных женщин и женственность», картины Хейнс отличаются контрастом ярких цветов с мощно плоскими и графическими силуэтами черной краски, «сформированными, — говорит она, — для изображения черных женских тел».В моей работе, продолжает она, «черный цвет выглядит вдохновляющим, достойным и возвышенным».

Йоргелис Марте в Valentino, мода осень 2019 Фото: Vogue Runway Archive

Работа в процессе

Иллюстрировано Грейс Линн Хейнс

«Для этого проекта я выбрала показ Valentino осень 2019 года. Эта выставка запомнилась мне, потому что она установила новый шаблон для коллекций с сознанием. Пьерпаоло Пиччоли из Valentino решил продемонстрировать несколько моделей Black, бросив вызов традиционному стереотипу модели Black.Его послание инклюзивности находит отклик в мире, в котором наши лидеры, похоже, стремятся продвигать изоляционизм, инакомыслие и страх. Пиччоли сказала: «Единственный способ оживить моду сегодня — это принять различные женские идентичности и культуры». Я твердо придерживаюсь этого мнения. В нашем нынешнем политическом климате я считаю важным продемонстрировать черную женскую фигуру не только сильной, но и возвышенной и сильной, но в то же время божественной ».

Maison Margiela, весна 2020 года от кутюр Иллюстрация Джеки Маршалла

В линии Джеки Маршалла, кажется, есть молния; есть позитивная энергия, которая пульсирует в ее цветных рисунках и коллажах.По образованию дизайнер, эта британка знает моду наизнанку и любит ее, о чем ясно свидетельствуют ее рисунки.

Lotka Lakwijk в Maison Margiela, весна 2020 от кутюр

Фото: Алессандро Лучони / Gorunway.com

Незавершенные работы

Иллюстрация Джеки Маршалла

«Мне нравится эта коллекция Margiela, каждый раз, когда я смотрю на нее, я вижу что-то новое. Особенность этой коллекции в том, что для меня, получив образование как дизайнера, а не как художника, я хотел бы создать такую ​​вещь сам.Мне нравится деконструктивная сторона вещей, мне нравятся силуэты; цвета потрясающие.

Я начал экспериментировать со всем, что было вокруг меня, и коллажировать. Я буквально только что это сделал; Я просто плыл по течению. У меня есть идея, но я никогда не узнаю, пока не начну. Я не подхожу ко всему одинаково, мои линии не одинаковы для каждого дизайнера, которого я рисую. [Для этого рисунка] Я играл со слоями. Я вручную распечатываю свою бумагу для использования, и у меня получился похожий цвет, но он также был покрыт слоями цветов за ним.Когда я купил газету, они пронумеровали ее, и она мне понравилась, поэтому я оставил ее ».

Givenchy, осень 1996 года от кутюрИллюстрированный Джеймсом Томасом

Джеймс Томас обладает даром наполнять абстрактные силуэты и этюды фигур воздушной поэзией. Художник из Лондона, Нью-Йорка, креативный директор в моде на протяжении многих лет, создает крупномасштабные коллажи, вырезанные из бумаги, в которых цветные блоки синкопированы с медитативным белым пространством.

Шалом Харлоу в Givenchy от Джона Гальяно, осень 1996 г. от кутюр

Фото: Condé Nast Archive

Шалом Харлоу в Givenchy от Джона Гальяно, осень 1996 г. от кутюр

Фото: Condé Nast Archive

«Я был вдохновлен проиллюстрировать один из моих любимых образов от кутюр от Givenchy осени 1996 года, потому что он выражает ясное повествование, грандиозную концепцию и щедрость духа: отличительные черты высокой моды.

Я создал эту иллюстрацию, построив холст в натуральную величину на световом коробе, на который я наложил коллаж на ацетатной бумаге на трех стеклянных поверхностях, чтобы создать глубину и тень ».

Шанель, от кутюр весна 2004

Иллюстрировано Сарой Сингх

В работе Сары Сингх есть текучесть, которую она поддерживает, терпеливо накладывая ее, пока чернила, а мазки — на компьютере. Эта влажная линия более выразительна, чем точна, и Сингх, пересаженная шведка, использует ее, чтобы делать драматические заявления, которые не погружаются в детали, а напрямую затрагивают суть ее сюжетов.

Alek Wek в Chanel, весна 2004 от кутюр

Фото: Марсио Мадейра Видео: Сара Сингх

«Я выбрала это платье, потому что оно выглядело пушистым и защищающим, и его носил Алек Век. У нее свой внешний вид, естественный вид — у нее нет выпрямленных волос — у нее своя красота. И она должна была надеть свадебное платье, и она была Черной, что было необычно для того времени. Я просто подумал, что это такой сильный образ.

Рисунок состоит из пера, туши и смыва чернил, а затем я сканирую все рисунки и накладываю их в Photoshop.»

Christian Dior, мода весна 2005

Иллюстрировано Фридой Ваннербергер

На первый взгляд рисунки женщин Фриды Ваннербергер могут показаться плавными, похожими на бумажную куклу; но посмотрите внимательнее и прочтите названия работ, и станет ясно, что это женщины, а не девушки, не игрушки, и что они используют моду, чтобы ориентироваться в своих сложных мирах. И, как и Ваннербергер, шведка из Лондона, ее женщины склонны к пышным рукавам.

Рэйчел Кирби в Christian Dior, весна 2005 от кутюр

Фото: Vogue Runway Archive

«Я очарован тем, как платье было и продолжает быть связано с историей, а также тем, как мы развиваемся как общество [с точки зрения] идентичности, власти и соблазнения.[Когда я был] рос в середине 2000-х, показы от кутюр были вершиной постановочных повествований — я был очарован тем, как много мелких деталей (образа) работали вместе, чтобы создать образ (образ), который играет роль более широкое повествование (шоу, рекламные кампании, редакционные статьи).

Джон Гальяно и его траектория в Сент-Мартинс были причиной, по которой я хотел учиться в CSM, так что в основном благодаря этой коллекции — и тщательному изучению Библии с дополнениями к взлетно-посадочной полосе 2003–2006 годов — я нахожусь в Лондоне! Я выбрал очень избирательный подход к деталям здесь, сосредоточив внимание на головном уборе, украшении лица через украшения и ожерелье.Изысканная пышная юбка истекает кровью.

Рэйчел Кирби в Christian Dior, весна 2005 от кутюр

Фото: Марсио Мадейра Видео: Фрида Ваннербергер

Я работала тонким линером на акварельной бумаге 300 GSM. Это необычный размер, он образовался из остатков бумаги от заказанного проекта. Я привык к размеру и с удовольствием работаю с кадрированием / размещением тела на бумаге. Я всегда начинаю с глаз, затем с остальной части лица и позволяю им направлять меня вместе с остальной частью фигуры.Мне нравится просто работать с линиями; для меня это очень медитативно. Иногда я набрасываю линии индикации для различных вариантов углов тела, но мне нравится быть уверенным с маркером и смотреть, куда он меня ведет ».

Жан-Поль Готье, весна 2010 от кутюрИллюстрированный Крисом Гамбреллом

Эмина Кунмулаж в образе Jean Paul Gaultier, весна 2010 от кутюр

Фото: Моника Феуди / Gorunway.com

В своих быстрых набросках Крис Гамбрелл умеет передать характер с помощью мельчайших жестов.Его законченные работы — это мрачные этюды цвета и фактуры. Попав «на глаза» в архивах Vogue Runway из своего родного города Бристоль, Англия, он сократил 50 вариантов до одного.

«Я нарисовал образ 12 из весенней коллекции от кутюр 2010 Жана Поля Готье, потому что его драматизм и красота требовали передачи чернильных текстур. Этот образ выделялся для меня своей сбалансированностью и неуравновешенностью; вес широкой плечевой части с заостренными эполетами в виде бахромы, встречающимися с удлинениями шляпы, и все, что наклоняется и раскачивается в одну сторону, вы можете почувствовать движение.Подобно облаку на переливающемся горизонте или Икару, встречающемуся со стихиями, драма втянула меня.

Как и во всем, что я рисую, тема выбирает сама себя, темный текстурный фон, выполненный чернильной акварелью, отбрасывает защищенные белые области вперед с отметками восковых мелков — ода кутюрной природе ручной работы ».

Christian Lacroix, весна 1988 от кутюр

Иллюстрация Мэри Барендрегт

Катуча Ниан в картине Кристиан Лакруа, весна 1988 года, от кутюр

Фото: Дэниел Саймон / Getty Images

Мэри Б., которая живет в Амстердаме, использует цветные карандаши и масляную пастель для своих портретов и модных рисунков. В некоторых ее работах есть захватывающая неловкость, которая для этого зрителя вызывает в памяти незабываемый шаг, который Леон Дам продемонстрировал на взлетно-посадочной полосе в Margiela, и который был настолько захватывающим. Совершенство может отталкивать, несовершенство манит человека.

«Что мне нравится в моде, так это мастерство и преданность материалам и тканям. Я хотел запечатлеть это ощущение и уловить текстуры и принты в своих рисунках.Для меня важно, чтобы рисунок «жил» и дышал. Было весело нарисовать это платье от кутюр от Lacroix; это действительно положительно повлияло на меня! Я использовала цветные карандаши и выбрала этот [ансамбль] с весны 1988 года, потому что он по-прежнему очень впечатляет после стольких лет. Это одновременно шикарно и круто, с яркими цветами и красивым дизайном ».

Программное обеспечение для цифровых иллюстраций: 10 лучших в 2021 году

В своих предыдущих статьях я много говорил о суперспособностях маркетинга визуального контента .Изображение реальных объектов или воображения с помощью визуальных иллюстраций — это фантастический способ сделать ваш контент уникальным, свежим, и симпатичным.

Для иллюстратора, графического дизайнера или создателя визуального контента очень важно иметь правильные инструменты для начала. Однако, когда дело доходит до лучшего программного обеспечения для цифрового искусства и иллюстраций, есть довольно много вариантов на выбор.

Что такое цифровая иллюстрация?

Цифровая иллюстрация — это процесс использования нетрадиционных средств создания ИСКУССТВА.Он использует преимущества существующих цифровых программных платформ или инструментов, которые эффективны для создания уникальных визуальных презентаций.

Обычно это делается с помощью компьютера или планшета с помощью программных средств. Этот процесс просто требует вашего воображения и нескольких движений рук с помощью мыши, стилуса или любого другого цифрового устройства, которое вы можете выбрать.

В настоящее время в мире дизайна иллюстраций растет число требований. Чтобы помочь вам выбрать наиболее подходящие для вас, я собрал и рассмотрел лучшие программы, инструменты и приложения для цифровых иллюстраций, доступные сегодня.

PaintTool SAI — это решение для рисования от Systemax, идеально подходящее для различных иллюстраций, таких как мультфильмы и аниме. Программа имеет простой интерфейс и поставляется с простыми в использовании инструментами. Он не сложен, как его конкуренты, и при этом сохраняет расширенные функции и возможности, предлагаемые другими аналогичными инструментами.

Рекомендую новичкам. В первые годы работы над цифровой иллюстрацией (еще в 2011 году) я начал практиковаться в более старой версии Paint Tool Sai, поскольку она уже обеспечивала полную цифровую поддержку.Это означает, что я смог использовать это программное обеспечение со своим графическим планшетом Intuos Pro, и это было довольно хорошо. Я могу сделать свои иллюстрации еще лучше с помощью самой удобной чувствительности пера к давлению.

Однако, когда появились более совершенные инструменты и с интеграцией 3D-эффектов, это каким-то образом покинуло сцену в цифровой иллюстрации. Но знаете что, это программное обеспечение по-прежнему является хорошим выбором для создания хороших цифровых изображений.

Лучшая часть этого программного обеспечения — это режимы наложения цветов. Я могу легко переключать уровни насыщенности для определенного цвета, и это дает мне свободу выбирать, насколько «красочными» будут мои работы.Просто отрегулировав свечение цвета, я могу быстро увидеть темноту или яркость каждого цвета.

Эта функция раскраски дает мне возможность создавать потрясающие произведения искусства, особенно когда я стремлюсь к более реалистичному стилю.

Обратной стороной является то, что он работает только на компьютерах с Windows и не поддерживает Macintosh. Кроме того, PaintTool SAI не является бесплатным, но программное обеспечение можно загрузить бесплатно. Люди, которые хотят использовать инструмент, но не уверены в его покупке, могут начать с 31-дневной пробной версии, которая предлагает полный доступ к инструменту и всем его функциям бесплатно.

MediBang Paint Pro — это бесплатная программа для рисования и создания комиксов. Он доступен для Windows и Mac. Вы также можете скачать мобильную версию и использовать одно и то же облако. Таким образом, вы можете перенести свою работу с ПК на мобильное устройство. Несмотря на то, что это бесплатно, в нем есть МНОЖЕСТВО функций. Он включает в себя все, что вам нужно для иллюстрации или создания комиксов.

Когда я получил свой первый iPad, это было первое приложение для цифровых иллюстраций, которое я использовал. Все в нем великолепно.Он поставляется с автосохранением (что действительно важно для меня), инструментом раскраски, который позволяет пользователям переключаться между внешним видом цвета, и широким спектром кистей на выбор.

Начиная новый проект, вы можете сохранить все свои страницы в один файл. Вы можете легко редактировать страницы или менять их порядок. Хотя, у меня были частые сбои, которые прерывали мой рабочий процесс. Но в остальном это отличная и более дешевая альтернатива другому дорогостоящему программному обеспечению.

Adobe Photoshop — самая популярная программа для редактирования фотографий. Сегодня это промышленный стандарт, которым пользуются как профессионалы, так и любители.

Хотя Photoshop лучше всех подходит для редактирования и улучшения фотографий, это программное обеспечение также имеет возможности рисования с помощью ноутбука, настольного компьютера или мобильных устройств (Adobe Sketch).

Признаюсь, когда я только начинал, я использовал Adobe Photoshop только для… ВСЕГО. Это стандарт в мире искусства и дизайна, в нем есть полный набор инструментов и конструктивных элементов, которые удовлетворят все ваши потребности в иллюстрации.

Однако Photoshop не идеален для создания логотипов. Это ничего не даст, кроме как затрат времени и денег. Создание логотипа в Photoshop не может быть увеличено или изменено так же, как логотип на основе Illustrator.

В целом, одним из самых мощных аспектов Photoshop является его функция кисти и цвета. В программе есть несколько цветов на выбор. Вы можете использовать основные цвета или сделать еще один шаг вперед с замысловатыми вторичными цветами. Каждый раз, когда вы выбираете цвет, будет представлен широкий спектр темных и цветных оттенков этого цвета.

Что наиболее важно, поскольку это часть пакета Adobe Creative Cloud, вы можете легко делиться своими данными и получать доступ ко всем своим ресурсам, включая кисти, изображения, цвета и стили, на всех ваших устройствах. Конечно, это дорого, но оно того стоит!

Другой широко известный программный пакет Adobe Creative Suite — Illustrator. Adobe Photoshop и Illustrator имеют много общего, но их различия больше, чем сходства.

Photoshop основан на пикселей , в то время как Illustrator работает с векторами . Векторы — это масштабируемые изображения, размер которых может быть как маленьким, так и большим, если они вам нужны, но выглядят одинаково, когда дело доходит до четкости и разрешения.

Adobe Illustrator — отраслевой стандарт профессионального программного обеспечения для графического дизайна. Он работает с векторами, это точки, используемые для создания идеально гладких линий. Эта программа предназначена для создания и редактирования векторных работ, таких как графика, логотипы и другие элементы дизайна.

Я лично рекомендую это, если вы хотите создавать плоские изображения, масштабируемые логотипы, инфографику и другой профессиональный графический дизайн.Большой выбор векторных инструментов поначалу может показаться пугающим, но как только вы узнаете, что делают все инструменты, вы обнаружите, что они предлагают наибольшую свободу творчества среди всех программ для векторного графического дизайна.

Мне очень нравится, как Illustrator реагирует на мобильные устройства / планшеты (Adobe Draw). Есть инструменты пера, векторные кисти, возможность создавать собственные кисти и множество текстовых инструментов, которые помогут выделить ваш дизайн.

Также есть чувствительность к давлению в каждом мазке, что позволяет художникам контролировать внешний вид линий.Есть также варианты использования направляющих, сеток и линейок, чтобы убедиться, что все выровнено для симметрии и баланса.

На мой взгляд, если вы работаете художником-графиком или создателем визуального контента, вы можете делать практически все в этом программном обеспечении.

Affinity Designer — это редактор векторной графики, разработанный как альтернатива Adobe Illustrator. Его можно было легко списать со счетов как еще одну дешевую графическую программу, предназначенную для любителей, но она была создана специально для профессиональных дизайнеров, привыкших работать в среде Mac.

Благодаря возможности редактировать и создавать слои пикселей, Affinity Designer якобы функционирует как гибрид Illustrator.

Хотя я пробовал это программное обеспечение всего несколько раз, я нахожу его возможности впечатляющими! Если вы являетесь пользователем Illustrator, вам будет предложен сразу знакомый набор инструментов и параметров. К ним относятся инструмент «Перо» и полезная векторная кисть, позволяющая создавать собственные контуры. В нем также есть полезный набор живых фигур, которые вы можете использовать для мгновенного создания обычных объектов.

В общем, если вы художник векторной графики, который использует iPad и часто работает в дороге, Affinity Designer — легкая покупка. Affinity Designer достаточно прост для новичков в использовании в качестве инструмента обучения, но достаточно мощный для внештатных художников-графиков с ограниченным бюджетом. Кроме того, он прекрасно оптимизирован для поддержки Apple iPad Pro и iPad Pencil (что для меня просто находка).

Еще одна отличная альтернатива Adobe Illustrator в списке — Inkscape . Независимо от того, являетесь ли вы иллюстратором, дизайнером, веб-дизайнером или просто тем, кому нужно создать векторные изображения, Inkscape также станет отличным вариантом для вас!

Inkscape — это бесплатное программное обеспечение для дизайна с открытым исходным кодом, ориентированное на векторные иллюстрации.Дизайн, выполненный в Inkscape, можно экспортировать в различных форматах, а программное обеспечение можно использовать в Windows, Mac и Linux.

Когда я впервые попробовал его, я подумал, что он не такой удобный, как Adobe Illustrator и Affinity Designer. Некоторые инструменты находятся на каждой стороне экрана, и здесь нет краткого руководства. Сворачивание боковых палитр немного невелико, и палитру плавающих инструментов нельзя перенастроить.

Возможно, я думаю, что как только вы откроете для себя трюки, у вас все пройдет гладко.Но если вы привыкли создавать свои работы в Adobe Illustrator, может потребоваться некоторое время, чтобы изучить все особенности и приспособиться к этой новой платформе дизайна.

Учитывая все обстоятельства, я считаю, что это довольно приличный инструмент для создания иллюстраций, по функциональности сопоставимый с Adobe Illustrator (но он бесплатный). Я думаю, что все, что вы можете создать в Illustrator, вы можете сделать и в Inkscape. Вы можете создавать трехмерные формы, создавать графику по любой спецификации, а также у нее есть большая гибкость с точки зрения форматов файлов.

Procreate — самое мощное и интуитивно понятное приложение для цифровых иллюстраций, доступное для iPad . Раньше при создании иллюстраций я перешел с Adobe Draw на Procreate, поскольку его рекомендовали мне многие художники, которыми я восхищаюсь. И мне это очень нравится, и оно стало моим личным фаворитом среди всего программного обеспечения, которое я знаю прямо сейчас.

Хотя приложение намного дороже, чем другие бесплатные программы из Apple Store, я могу сказать, что оно намного лучше и почему-то кажется намного более естественным и плавным.Используя Apple Pencil, приложение произвело на вас огромное впечатление. Благодаря регулятору чувствительности к давлению очень легко настроить каждый инструмент так, чтобы он реагировал именно так, как вы хотите.

Хотя Procreate предназначен только для iPad, это приложение включает в себя большинство возможностей, которые вы можете найти в настольных инструментах, включая точные инструменты выбора цвета, возможность работы с сотнями слоев и стандартные отраслевые инструменты, такие как маски, Режимы наложения и группы.

Вы можете выбрать одну из более чем 130 кистей Procreate, чтобы легко и эффективно имитировать различные традиционные художественные эффекты.Я также большой поклонник того факта, что в нем есть функция прогнозирования штрихов для более плавного отображения прямых линий и основных форм, таких как круги, прямоугольники и треугольники.

Также имеется полная поддержка PSD и недавно был добавлен текстовый инструмент, что делает его еще более удобным вариантом для цифровых художников. Наконец, я думаю, что также стоит упомянуть, что у него есть кнопка покадровой записи, с помощью которой позволяет вам наблюдать / делиться всем своим рабочим процессом , что я считаю чрезвычайно полезным!

Autodesk Sketchbook — это еще одно классическое поколение графических программ, которое по своим функциональным возможностям перекрывает ряд различных инструментов.

Это программное обеспечение специально разработано для планшетов и других мобильных устройств, но также может использоваться в настольных компьютерах и ноутбуках. Как и в Procreate, вы можете легко смешивать цвета с помощью 18 режимов наложения. Он также предлагает библиотеку из более чем 100 кистей, и вы можете создавать свои рисунки, используя слои.

Обычно я использую Procreate для большинства своих работ, но мой друг (который также является профессиональным художником-графиком) разрешил мне одолжить его ноутбук, чтобы я мог попробовать Autodesk Sketchbook Pro.Честно говоря, я просто поражен возможностями и широким спектром функций.

Одной из лучших особенностей, которую я заметил, было отсутствие излишеств. Это позволяет мне быстро набирать обороты. Он также поставляется с полностью регулируемыми линейками, которые помогут мне более точно рисовать. У меня есть направляющие перспективы, я могу искажать рисунки, добавлять градиентные заливки и использовать французские кривые

В целом мне понравилась версия Sketchbook Pro и ее удобные функции. Даже если вы являетесь пользователем Illustrator на настольном компьютере или ищете мобильную рабочую станцию ​​и у вас есть iPad, Autodesk Sketchbook — это программа для рисования, которая вам понравится.

Corel Painter — это растровое приложение для цифрового искусства, созданное для максимально точного моделирования внешнего вида и поведения традиционных медиа, связанных с рисованием, живописью и печатью. Он предназначен для использования другими цифровыми художниками в режиме реального времени в качестве функционального творческого инструмента.

Он быстро становится популярным инструментом для создания произведений искусства. Если вы ищете естественную и традиционную атмосферу, заключенную в цифровом приложении для рисования и рисования, то это то, что вам нужно! Painter имитирует визуальные характеристики традиционных материалов, таких как масляная краска, пастельные карандаши, аэрограф, уголь, фломастеры и другие традиционные материалы художников на различных текстурированных поверхностях.

Что мне действительно нравится в этом программном обеспечении, так это то, что я использовал его с графическим планшетом Intuos Pro. Инструмент для аэрографии плавно реагирует на давление, а также на наклон, скорость и вращение. Я также считаю, что это менее сложная версия, чем другие инструменты для иллюстрации, поскольку она предназначена для обычных пользователей.

В целом, это достаточно надежная программа с хорошими инструментами редактирования и настраиваемым интерфейсом, но она также страдает несколькими недостатками, из-за которых использование ее в больших проектах может быть неудобным. Если вам просто интересно узнать, чего можно достичь с помощью цифровой краски, Corel Painter может быть хорошим введением, но любой серьезный профессиональный художник захочет воспользоваться другим доступным программным обеспечением.

Однако Corel Painter предназначен для цифровой живописи для художников. Но если вас больше интересует рисунок , макетирование, инфографика и векторные иллюстрации , Corel Draw может быть подходящим программным обеспечением для вас.

ArtRage — популярный инструмент цифрового рисования и рисования от Ambient Design Ltd как для настольных, так и для мобильных устройств. Первоначально он был запущен как инструмент для любителей, но с годами становится все более профессиональным. И эта тенденция продолжилась с выпуском ArtRage 5 для Windows и macOS.

Мобильное приложение, которое я попробовал на своем iPad, было безупречным. Он предлагает широкий спектр возможных техник рисования, которые кажутся безграничными для художников, от новичка до эксперта. Как и другое программное обеспечение для иллюстраций, о котором я упоминал выше, ArtRage поддерживает улучшенное сочетание интерфейса, кистей, цветовой палитры и художественных инструментов.

Интерфейс организован таким образом, чтобы у вас было больше места для рисования, но вам не нужно искать нужный вариант или меню, когда вам это нужно. Он также настраивается и может быть перемещен в более удобное место.

Лучшая функция, которую я испытал в этом приложении, — это создание нескольких представлений для независимой раскраски различных областей основного изображения. Эта функция дает вам возможность проявить свой настоящий талант и создать отличные произведения искусства.

Если вы умеете рисовать и рисовать, вы обнаружите, что ArtRage с самого начала прост и увлекателен. Или, если вы считаете себя рисовальщиком, это приложение может улучшить ваши навыки рисования, и вы весело проведете время.

Бонусный совет:

Если у вас вообще нет опыта графического дизайна и вы ищете удобный инструмент дизайна, который позволит вам создавать привлекательные изображения, сегодня для вас доступны онлайн-дизайнерские решения и приложения, такие как Canva. , Adobe Spark, Assembly и т. Д.

Хотя на самом деле это не считается программным обеспечением для иллюстраций, я просто подумал, что о нем стоит упомянуть, поскольку это варианты для графического дизайна.

Решения для онлайн-дизайна предлагают вам широкий спектр функций, включая создание дизайна с помощью перетаскивания, качественные фотографии и иллюстрации, макеты и шрифты. С помощью этих инструментов вы можете превратить свои идеи в дизайн, который затем можно будет распечатать, загрузить или поделиться в социальных сетях.

Я особенно рекомендую это приложение для тех, кто не разбирается в технологиях и даже не склонен к творчеству.Функция перетаскивания позволяет быстро и просто создавать привлекательные дизайны.

Но если вы профессиональный маркетолог и хотите пройти лишнюю милю, я предлагаю вам использовать более профессиональные программы, упомянутые выше, которые могут придать вашему бренду более креативную и уникальную идентичность .

Заключительное слово

Я считаю, что секрет создания идеального цифрового искусства для вашего контента заключается в том, чтобы воспроизвести ощущение работы с блокнотом с помощью ручки или карандаша.Цель должна состоять в том, чтобы забыть, что вы используете компьютер или планшет.

Итак, с развитием технологий начали появляться многие инструменты цифровой иллюстрации, которые значительно облегчили жизнь цифрового иллюстратора.

Когда вы принимаете решение купить и опробовать программное обеспечение для иллюстраций, важно не только увидеть, как эксперты оценивают его в своих обзорах, но и выяснить, действительно ли оно работает для вас как художника. То, что идеально для меня, может быть для вас ужасно.

С точки зрения маркетолога визуального контента, каждый бизнес уникален .Специфические бизнес-требования и ограничения, скорее всего, приведут вас к конкретному программному решению для иллюстраций.

Последний пункт: убедитесь, что вы и ваша команда помните, что программное обеспечение должно делать для вашего бизнеса и вашей маркетинговой стратегии.

Связанные

10 способов развить свой стиль иллюстрации

Послушайте иллюстратора, учителя и докладчика Тома Фроза, который поделится практическими шагами, которые помогут творческим работникам рисовать с большей индивидуальностью и определить свой собственный стиль иллюстрации.

Меня как иллюстратора часто спрашивают, как я развил свой уникальный и выразительный стиль. Моя цель в моей работе всегда заключалась в том, чтобы иметь сильный голос и чтобы он был переполнен индивидуальностью. Вопрос стиля — это огромный вопрос для любого, кто серьезно относится к иллюстрированию, но ответы на него неуловимы. В этой статье я надеюсь немного развенчать мифы о разработке стиля и дать вам несколько действенных шагов, которые укажут вам правильное направление.

Сложность в этой теме заключается в том, что точное определение стиля и его важность варьируются от художника к художнику.Некоторые клянутся, имея очень строгий стиль, тогда как другие считают это слишком ограничивающим. Например, у иллюстраторов, таких как Цзин Вэй или Магоз, очень последовательный стиль и техника, и они очень дисциплинированно придерживаются их. С другой стороны, иллюстраторы, такие как Кайл Т. Вебстер или Стефани Вундерлих, обладают большим разнообразием в своей работе, будь то стиль или техника, но каким-то образом все же имеют сильный, узнаваемый голос через все это.

Лично я склонен восхищаться иллюстраторами из первой группы, но я больше отождествляю себя со второй группой.Я часто думал, что должен быть более дисциплинированным и последовательным в своей работе, но оказалось, что мне нравится слишком много смешивать, чтобы быть настолько строгим в отношении стиля.

Итак, я много думал о стиле — о том, что он означает и как его развивать. В моем стремлении к стилю для меня важнее всего аутентичность и удовольствие. Темы, техники и графические элементы, входящие в любую данную работу, должны соответствовать предмету и должны отражать как мою собственную точку зрения, так и мою радость творчества.

Разработка стиля требует практики, проб и ошибок и, как вы уже догадались, терпения. Но вы уже знаете эту часть. Что еще можно сделать? Вот десять советов, которые я нашел полезными в моей работе.

1. Определите свои цели

Независимо от того, где вы находитесь на своем пути к иллюстрации, важно иметь чувство направления. Когда у нас есть цели, у нас есть к чему стремиться, а значит, и четкое направление. Если у нас нет целей, мы склонны блуждать или никогда не брать на себя никаких обязательств достаточно долго, чтобы увидеть, сработает ли это.

Какие цели следует ставить? Я думаю, что дело не столько в выборе каких-то конкретных методов, инструментов или качественных аспектов вашей работы, сколько в том, чтобы посмотреть на то пространство, частью которого вы хотите стать. Кто ваши любимые иллюстраторы? Где заканчивается их работа? Кто их клиенты? Какую иллюстрацию вы хотите сделать? Где и как вы хотели бы, чтобы ваша работа использовалась? Кто ваши клиенты мечты? Если вы сможете ответить на эти вопросы, вы сможете начать ориентироваться.

Я твердо верю, что это очень важные вопросы, которые нужно задать в первую очередь, и если вы не зададите их, ваш прогресс как иллюстратора остановится.

2. Больше

Вы в своей работе

Вы, вероятно, подписались на нескольких иллюстраторов и смогли бы идентифицировать их работы в естественных условиях, даже если бы на них не было их имени. Что такого особенного в стиле иллюстратора, благодаря которому его так легко узнать? Просто они используют цвет или качество линий? Это его часть.Но происходит нечто более глубокое. Вы когда-нибудь замечали, как лучшие иллюстраторы имеют повторяющиеся закономерности в своей работе? Я не говорю о буквальных образцах, таких как шахматная доска или зигзаги (но это тоже может быть частью этого). Посмотрите, как они обращаются с предметами, на символы, которые они используют, часто ли они используют человеческую фигуру или, возможно, используют машинные метафоры — вероятно, эти решения имеют мало общего с кратким изложением и все связаны с личными навязчивыми идеями иллюстратора.Стефани Вундерлих снова и снова возвращается к выразительным стилизованным фигурам. Olimpia Zagnoli одержима полосами.

Время от времени просматривайте свои собственные иллюстрации и наблюдайте, какие закономерности возникают.

К чему вы, вероятно, вернетесь снова и снова в своей работе? Подумайте об объектах и ​​символах, которые вы используете снова и снова, или об определенной графике, которая по какой-либо причине попадает в ваши рисунки. Подумайте, как вы можете больше использовать эти естественные подсознательные тенденции в своей работе.Иногда он может быть случайным, а иногда очень целенаправленным. Время от времени просматривайте свои собственные иллюстрации и наблюдайте, какие закономерности возникают. Затем вы сможете определить свои характерные приемы и со временем более уверенно использовать их.

3. Определите своих героев

Определите художников, чьи работы вы бы охарактеризовали как личности, которые вам нужны. Изучите их, вдохновляйтесь ими и сначала подражайте им. Со временем ваш стиль отойдет от подражания, и вы начнете видеть инновации и адаптации, которые являются уникальными для вас.Поскольку у вас, вероятно, есть более одного героя, ваша собственная работа, вероятно, будет смешиваться с множеством влияний.

4. Рисовать с натуры

Это может показаться глупым, но многие иллюстраторы не любят рисовать, особенно с натуры. Но рисование с натуры — один из лучших способов расти и развиваться как иллюстратор. Когда я говорю о рисовании с натуры, я в основном имею в виду рисование на основе прямого наблюдения. Это не имеет ничего общего с навыками, с помощью которых это делается. Я думаю, что многим людям не нравится рисовать на основе наблюдений, потому что им сложно рисовать реалистично.Сам процесс рисования важнее, чем реалистичный рисунок, важнее того, что на самом деле оказывается на вашей странице.

Сам процесс рисования важнее того, что на самом деле заканчивается на вашей странице.

Когда вы садитесь и занимаетесь рисованием всего лишь на пять минут, вы начинаете видеть свой предмет совершенно по-другому. Вы начинаете по-настоящему смотреть на объект и замечать в нем вещи, которые вам никогда раньше не приходили в голову. Суперсила всех художников, будь то писатели, художники или иллюстраторы, заключается в их способности видеть то, что не видят другие.Рисование из жизни приучает вас видеть больше.

5. Рисуем по памяти

Некоторым легко рисовать с натуры или рисовать реалистично. Их задача — избавиться от любого подобия реализма и рисовать более интуитивно, как это делает ребенок. Вот вам креативный совет: на пустой странице нарисуйте столько вещей, сколько сможете по памяти. Какой бы объект ни пришел в голову, просто нарисуйте его, а затем переходите к следующему. Не подглядывать ни за какими реальными объектами или ссылками!

Еще одно упражнение — нарисовать несколько объектов из реальных или эталонных изображений, а затем попытаться снова нарисовать их по памяти (опять же, не заглядывать в эталоны или свои первые рисунки).Мне нравится это упражнение, потому что оно заставляет нас извлекать из разрозненных фрагментов информации, которую мы запоминаем в своей голове. То, как мы заполняем пробелы в нашей памяти, или ваш естественный способ работы с такими вещами, как перспектива, становятся ключами к вашему естественному стилю рисования.

6. Интерпретируйте, а не подражайте

Вообще говоря, легче нарисовать что-то буквально таким, каким вы его видите, чем рисовать более понятным способом. Взрослым, думаю, проще, потому что так безопаснее. Когда мы просто ориентируемся на внешние ссылки, появляется меньше творческих решений.Таким образом, нас нельзя судить по тому, что мы рисуем, поскольку у нас нет оригинального содержания. Гораздо более рискованно допускать вольность, намеренно искажать форму, использовать неправильные цвета, допускать появление естественных, недисциплинированных отметок под нашим наблюдением. Отличительной чертой хорошего иллюстратора является его способность преобразовывать общую идею или объект в нечто более символическое или духовное.

Отличительной чертой хорошего иллюстратора является его способность преобразовывать общую идею или объект в нечто более символическое или духовное.

Для этого эти иллюстраторы отказываются от определенной степени реализма или правильности и позволяют своей интуиции развиваться. Такие иллюстраторы не просто копируют то, что они наблюдают в реальной жизни, и дословно записывают это на бумаге. Ценность иллюстрации — это духовный или эмоциональный слой, то есть в художественном выражении эффект, который они оказывают на предмет. Грубый пример этого — карикатура, где что-то истинное в предмете подчеркивается или искажается, в то время как их общее сходство сохраняется.Это интерпретация. Для еще большей степени интерпретации взгляните на обложки модернистских книг или обложки джазовых альбомов 1950-х и 1960-х годов. Художники, кажется, отвергают прямое изображение в пользу более абстрактных элементов цвета и формы, чтобы выразить нематериальное.

7. Проверьте свои чувства

Поскольку нематериальные чувства так важны для стиля, имеет смысл больше осознавать свои собственные чувства. Во время рисования обращайте внимание на свои эмоции.Относятся ли определенные чувства к конкретным способам рисования? Вы чувствуете себя особенно уверенно в определенных ситуациях?

Я испытываю особую уверенность и радость, когда рисую определенным образом. Когда я рисую в этом режиме, я делаю все, что в моих силах. Точно так же, как сейсмограф регистрирует движения земли под нашими ногами, рисунки фиксируют движения наших душ. Когда мы рисуем, наша рука, голова и сердце связаны между собой, и это визуализируется в качествах нашего искусства.С практической точки зрения, когда вы делаете наброски для проекта иллюстрации, первые наброски, которые вы создаете, будут наиболее точными диаграммами ваших эмоций, и именно поэтому в ранних набросках всегда есть свежесть, которую невозможно повторить в дальнейших итерациях. Со временем мы можем научиться предвидеть качества наших самых интуитивных рисунков и даже вызывать их по команде.

8. Сопротивляйтесь искушению совершенства

Как иллюстратор и дизайнер, мне было сложнее всего научиться доверять своей интуиции.Я могу часами расставлять и переставлять макеты, одержимо и безуспешно пытаясь достичь идеального визуального решения. С иллюстрацией я все еще легко теряюсь в мельчайших деталях; Например, я мог часами пытаться нарисовать наиболее естественный чувственный штрих в подмышечной впадине персонажа. По правде говоря, после определенного опыта и профессиональной подготовки в качестве художника существует жесткое ограничение на то, насколько хорошо все, что я делаю, будет. На самом деле, чем больше я стараюсь и чем больше злоупотребляю функцией отмены, тем хуже становится.Однако самое худшее — это то, как такое стремление подрывает мою уверенность во всем, что я пробовал.

Я не говорю, что вы не улучшите свои навыки со временем, но в любой момент вы получаете то, что имеете, и все. То, что вам не хватает совершенства или точности, вы должны восполнить другим способом. Вот тут-то и появляется интуиция. Интуиция — это отчасти внутреннее чувство, отчасти доверие и отчасти опыт. Я научился отказываться от попыток рисовать определенным образом и принимать тот вид рисунка, который получается естественным образом.Фактически, со временем я научился опираться на это и даже душить по требованию. Зная, что единственный другой вариант — потратить полдня на то, чтобы потеряться в сорняках, я должен верить, что то, что я сделал в своих первых нескольких набросках, вероятно, будет лучше (и, конечно, не хуже), чем все остальное, что я делаю в избытке.

Ранее я сказал, что мне пришлось научиться доверять своей интуиции, но я должен признать, что это мышца, которую большинству из нас нужно тренировать. Как это ни парадоксально, наша интуиция должна заслужить наше доверие, чтобы быть полезной.Когда мы только начинаем, у нас недостаточно опыта, чтобы сказать, хорошо это или плохо. Со временем мы узнаем, что работает, а что нет, а также лучше понимаем пределы наших возможностей. Поначалу нам, вероятно, действительно нужно уделять больше времени стремлению к совершенству. Но должно наступить время, когда мы узнаем, что достигли максимального совершенства и нам нужно перейти к следующему этапу.

9. Излучайте уверенность

Люди, которые только начинают свой путь в искусстве, склонны рисовать очень осторожно.Они легко держат карандаш и создают то, что пытаются нарисовать, короткими легкими штрихами, в конечном итоге создавая полную форму того, что они рисуют. Для меня это признак неразвитого иллюстратора. Рисунки, сделанные таким образом, выглядят слишком продуманными и неуверенными. Если вы хотите, чтобы ваши иллюстрации выделялись, они должны излучать уверенность. Как выглядит уверенность? Уверен в себе. У него есть чувство направления. Есть намерение от начала до конца — чувство цели.Уверенность — это не серия коротких робких движений, а непрерывная, непрерывная линия, изгибающаяся волнообразными волнами или поворачивающая острые углы со странным сочетанием точности и резкости.

Мы часто смотрим на блестящие работы и думаем, что это должно быть так легко и естественно для художника. Вот на что они надеялись.

Но вот секрет: даже опытные иллюстраторы часто начинают новый рисунок с менее чем уверенными мазками. Обычно эскиз должен пройти несколько итераций, прежде чем он станет целеустремленным и уверенным.Ощущение направления, которое придает этому ощущению, приходит только при более грубом нанесении его на более ранние итерации. Ваш первый набросок может быть как угодно предварительным, и вам может потребоваться много итераций, чтобы добраться до финала, но последний должен выглядеть так, как будто он был сделан максимально легко. Мы часто смотрим на блестящие работы и думаем, что это должно быть так легко и естественно для художника. Вот на что они надеялись.

10. Разоблачить себя

Вся суть иллюстратора и обладать успешным стилем заключается в общении и контакте с другими.Если наша работа не находит отклика у других, в этом нет никакого смысла. Однако отсутствие связи в вашем искусстве сегодня не должно быть концом истории. Мы растем, делясь с другими нашей ранней работой и получая отзывы. Иногда эта обратная связь приходит потому, что вы просили об этом — возможно, вы приглашаете своего партнера взглянуть и сказать, что он думает.

Я хочу сказать, что для того, чтобы развить свой стиль и голос как артиста, вам нужно проверить его на реальных, реальных людях. Это делает вас уязвимыми, и иногда очень сложно получить обратную связь, которую вы надеялись не получить, но это именно то, что нам нужно для роста.Когда мы становимся лучше в чем-либо, наши естественные, удобные способности поднимают нас только до определенного уровня. Преодолеть этот уровень всегда больно, а иногда и до слез. Но быть стойким, смелым и обучаемым — единственный способ стать сильнее. Это верно как для развития вашего стиля, так и для всего остального.

Итак, это мои десять лучших способов развить свой стиль иллюстрации. Все сводится к тому, чтобы иметь чувство направления, много практики и экспериментов, а также искать способы внести свой вклад в работу.Когда вы делаете это с открытым сердцем, делясь с другими, вы начинаете понимать, кем вы являетесь как иллюстратор. В какой-то момент вы начинаете видеть закономерности и можете более намеренно опираться на них. Эта преднамеренность проявится в вашей работе, и другие будут привлечены к ней. Они узнают ваш голос, а затем будут спрашивать вас, а не меня, как вы развили свой стиль.

Том Фрозе — отмеченный наградами иллюстратор, преподаватель и оратор. В число избранных клиентов входят Airbnb, Yahoo !, и GQ France.Том связывает людей с брендами и историями с помощью ярких, жизнерадостных иллюстраций. Попутно он любит делиться своими мыслями о том, как быть иллюстратором, в блогах, на сценах, в интервью и в других местах.

No related posts.